John Callahan (Joaquin Phoenix), un chico de 21 años que tiene problemas con el alcohol sufre un grave accidente de tráfico en el que casi pierde la vida. Animado por su novia (Rooney Mara) y un carismático patrocinador (Jonah Hill) ingresa en un centro de rehabilitación. Allí, John descubrirá que tiene un don y se convertirá en uno de los dibujantes más reconocidos del mundo.
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Crítica
Una autodestrucción constructiva
Joaquin Phoenix se convierte en el caricaturista cuadripléjico John Callahan. Esta nueva película de Gus Van Sant (‘El indomable Wil Hunting’) se basa en las memorias que el propio Callahan redactó. Robin Williams tenía los derechos del libro y hace ya 20 años que le propuso al director llevar a cabo una adaptación. Es por eso que esta biografía del dibujante está dedicada al fallecido actor. Coincidí con el director a su paso por Madrid y oí de su boca decir que si hubiese hecho la película en el pasado habría sido aún más delirante que el resultado que vemos en ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’. El cineasta de aspecto caricaturesco ha realizado un íntimo retrato de un caricaturista de la vida.
Aunque esté realizada con saltos en el tiempo y diferentes retrospectivas el filme se sigue con suma facilidad. Se centra en la etapa del humorista en la que sufre su fatal accidente e intenta dejar de ser alcohólico. Nos hace ver el momento en que Callahan es una persona compulsiva que agoniza al no poder moverse ni llevar la descontrolada vida de antes incluyendo sus más intensas epifanías y éxito artístico. No estamos hablando de un artista conocido a nivel mundial pero si de alguien que con su peculiaridad hacía destacar su singularidad.
Esta es otra película más que demuestra que reírse de uno mismo y hacer humor negro si tiene cabida en una sociedad avanzada. Con tanto tuitero condenado por dar rienda suelta a su ingenio no se me ocurre un título más ejemplar que este. Gus Van Sant se ha comprometido de lleno con la película, hasta el punto de aparecer en ella y sin ocultar ninguna luz ni ninguna sombra. En el destructivo camino que llevaba Callahan, tanto física como socialmente, encontramos una historia edificante, con muchas lecciones de empatía y juicios de valor.
La mayoría del gran humor de la película proviene de sus viñetas, que por otro lado es mérito del John Callahan original pues son todas reales. Unos dibujos sencillos, como los que podíamos ver de Mingote o Forges. La gran diferencia que tiene con ilustres humoristas gráficos es su falta de tacto, su veraz y drástico sentido de la vida. Un artista que era totalmente impermeable a las críticas o consejos de aquellos que estaban en contra de su sentido del humor.
Nos hallamos ante un Joaquin Phoenix en uno de los mejores papeles de su carrera. Para mí su trabajo aquí solo es equiparable en intensidad e introspección a lo que interpretó en ‘Her’ o ‘En la cuerda floja’. Con su caracterización y compromiso nos ayuda a entender la delicada historia de alguien que dependía del caos para ser feliz. Si dibujar es una tabla de salvación para Callahan en esta película el personaje que interpreta Rooney Mara supone el motor para una barca a la deriva. Pero es Jonah Hill quien en su radical salida de las comedias descaradas eleva su caché con un papel omnipresente y profundo. Jack Black, el otro gran nombre del cartel, se convierte en el amigo de parranda ideal y a pesar de tener un personaje bastante alocado tiene en ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ un registro bastante dramático, aunque no tan serio como en ‘Bernie’ y demuestra en pocos minutos de nuevo lo buen actor que es.
Este dibujante además de ser músico tenía una serie con su ideas en Nickelodeon, ‘Pelswick’. Si hasta los niños pueden admitir un humor tan accesible como este, ¿por qué el resto no? Al son de la música de Danny Elfman vemos locuras muy cartoon, como el recorrer las calles con su silla de ruedas a toda pastilla con skateboarders agarrados a ella. Tiene ideas tan disparatadas o retorcidas que llegan a ser entrañables e incluso tiernas. ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ es una verdadera historia real sobre los límites del humor.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de julio de 2018. Título original: Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Gus Van Sant. Guion: Gus Van Sant. Música: Danny Elfman. Fotografía: Christopher Blauvelt. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Udo Kier, Tony Geenhand, Beth Ditto, Ronnie Adrian, Carrie Brownstein, Mark Webber, Peter Banifaz. Producción: Amazon Studios, Anonymous Content, Iconoclast, Big Indie Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, drama, biográfica, adaptación. Web oficial:http://diamondfilms.es/no-te-preocupes-no-llegara-lejos-pie/
Laura es una joven de 70 años. Vive retirada en una residencia que revoluciona cada día para disgusto de su directora. Tan pronto pone a todos los ancianos a hacer yoga, como les enseña las bondades terapéuticas de la marihuana, o monta un grupo de música. Es una hippie irreductible…
Pero lo que no sabe nadie es que ella era Laurie Amnesia, la musa del rock patrio de los sesenta. La más moderna de su época, que incluso hizo soñar a Jimi Hendrix en un verano mallorquín.
Ese es su secreto hasta que aparece Juan, el único residente con sensibilidad musical y fan incondicional de Laurie Amnesia. Para colmo, el nieto de Laura (convencido de que es el nieto secreto del genial guitarrista americano) está empeñado en que ella vuelva a los escenarios. Se ha presentado al festival Alcachofa Rock pero su grupo necesita una vocalista…
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Crítica
Carmen Maura se viste de rockera en ‘Oh! Mammy blue’.
‘Oh! Mammy Blue’ es una decepción con buena música. He ido con la mente abierta, sé que no es el tipo de película que más me gusta, pero aun así he ido a divertirme. Y admito que al principio he entrado en la película, las situaciones me han parecido graciosas pero según ha ido avanzando todo ha ido perdiendo el sentido
Es una pena, porque sí, la historia tampoco es que sea una obra maestra pero tiene su gracia, una antigua cantante de rock llena de vida metida en un asilo donde todo el mundo simplemente quiere ver la tele. Las situaciones en las que mete a sus dos amigas son descabelladas y bastante saladas. Decir que lo mejor de la película son estas dos entrañables ancianas a las que dan vida Mª José Alfonso e ItziarAizpuru.
CarmenMaura vuelve dando guerra, ya no sólo por la música que su personaje canta, sino porque Laura es una rebelde sin causa. Eso sí, el playback de la actriz es malísimo y cuando tiene que cantar en la cinta se nota demasiado lo mal doblada que está y la verdad una película en la que no hacen más que cantar pase esto, hace que el desencanto sea mayor.
RamónBarea y MiltonGarcía son otros dos de los protagonistas, que están algo sosos en sus interpretaciones y no dejan huella para nada en la cinta. Y por supuesto el cameo de PhilTrim, autor de la canción Mamy Bluey cantante de los Pop-tops que da nombre a la película cuya canción aparece en varias ocasiones durante toda la historia.
Como he dicho, según avanza la película, pierde toda la gracia que podría tener, lo mejor sin duda toda la parte del asilo, donde los pobres ancianos tienen que lidiar con Elena (MaríaPujalte), la directora de la residencia y que no les deja hacer casi nada y tienen que intentar escapar de ella para poder cumplir sus sueños.
El responsable de la banda sonora es NachoMastretta (‘Muchoshijos, un mono y un castillo’) y las canciones que escuchamos cantar a los protagonistas son de FedericoPájaro. Ambas están bien introducidas en la película y están muy bien, quitando lo que he dicho anteriormente, el doblaje es malísimo.
Poco más que decir de esta película, es una pena que se pierda y de tantas vueltas, porque realmente si hubiese seguido como su primera mitad, merecería mucho la pena. Pero bueno, si queréis ver de nuevo a Carmen Maura en el cine y escuchar Mamy Blue, esta es vuestra cinta.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio 2018. Título original: Oh! Mammy Blue. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Antonio Hens. Guión: Julio Carrillo, Antonio Hens, Patricia Roda, Antonio Álamo. Música: Nacho Mastretta. Fotografía: Alfonso Sanz. Reparto principal: Carmen Maura, Ramón Barea, María Pujalte, María José Alfonso, Milton García, Itziar Aizpuru. Producción: Plenilunio Films, Canal Sur Andalucía. Distribución: Syldavia Cinema. Género: Comedia.
Años atrás, los hermanos Justin y Aaron lograron escapar de la secta donde se habían criado. Ahora, malviven en un apartamento de Los Ángeles, hasta que un día reciben una cinta de video de la misma secta, y a Aaron le entran las dudas de si deberían regresar al campamento del que huyeron.
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Crítica
El tiempo se para mientras ves ‘El Infinito (The Endless)’
Ya quedamos encantados con ella en la Muestra SYFY y esta semana por fin podremos verla en las salas, ‘El Infinito (TheEndless)’ es una cinta de ciencia ficción que os dejará durante 111 minutos pegados a la pantalla del cine, primero porque no entiendes nada, y segundo porque poco a poco todo el puzzle se va montando perfectamente para dejarnos con la boca abierta.
AaronMoorhead y JustinBenson son los encargados de hacer que nuestra cabeza explote. No solo la dirigen y escriben sino que también la protagonizan. Años atrás, Justin y Aaron lograron escapar de una secta con la que se habían criado pero malviven atormentados por los recuerdos. Un día reciben una cinta de vídeo de la misma secta y regresan al campamento donde vivieron tantos años.
Esta premisa ya es interesante, pero si le introduces todas las situaciones extrañas, la buena fotografía, las buenas actuaciones y por supuesto la buena historia que JustinBenson nos regala, ‘El Infinito (TheEndless)’ se convierte en un film de ciencia ficción imprescindible.
Decir que antes que esta película los directores ya hicieron una cinta que se llamaba ‘Resolution’ y que está completamente ligada a ‘El Infinito (TheEndless)’, pero no hace falta verla antes para entender esta última. Yo fui sin conocer nada y me enteré perfectamente de toda la trama y después de ver ‘Resolution’ os aseguro que no hace falta, eso sí, en esta cinta nos cuentan un poco más desarrollado una de las historias que aparecen en ‘ElInfinito’
Solo puedo alabar esta cinta, iba con miedo pues la gente que la había visto en Sitges hablaban de ella como que era muy liosa y que costaba mucho coger el hilo, y al principio parece eso, pero como he dicho poco a poco se van ensamblando todas las piezas.
Como he dicho las actuaciones son de lo mejor, los personajes son a cada cual más extraño, al fin y al cabo, recordad que estamos adentrándonos en el mundo de una secta y no todo es lo que parece. El reparto es más bien desconocido, pero esto lo hace más interesante y creíble.
Antes os he mencionado la buena fotografía que tiene esta cinta, si el guión lo realizó JustinBenson, el encargado de la fotografía es el otro director, AaronMoorhead y sin duda ha hecho un trabajo estupendo, mostrando una atmósfera cuidada, llena de oscuridad, con escenas para rememorar como en la que aparecen dos lunas en el mismo cielo, hasta aquí puedo decir, pero sin duda el director ha realizado un bonito trabajo con las imágenes de la cinta.
Con detalles muy a las historias de Lovecraft, misterios paranormales, cintas de vídeo misteriosas, paisajes imposibles, ‘El Infinito (TheEndless)’ nos lleva a un mundo que te atrapa y desquicia, que está tan bien hecha que solo querrás recomendarla. No dudéis en acercaros a las salas de cine y disfrutar de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: The Endless. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Justin Benson, Aaron Moorhead. Guión: Justin Benson. Música: Jimmy Lavalle. Fotografía: Aaron Moorhead. Reparto principal: Aaron Moorhead, Justin Benson, Tate Ellington, Callie Hernandez, James Jordan, Lew Temple. Producción: Snowfort Pictures, Pfaff Productions. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: Ciencia ficción. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/el-infinito/
Tami Oldham y Richard Sharp partiran en un viaje a través del océano sin imaginar que navegarán directamente hacia uno de los huracanes más catastróficos de la historia. A raíz de la tormenta, Tami despertará y encontrará a Richard gravemente herido y su barco en ruinas. Sin esperanzas de rescate, Tami deberá encontrar la fuerza y la determinación para llegar a tierra a salvo junto con el hombre que ama. ¿Los encontrarán o naufragarán por un largo tiempo?.
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Crítica
Cuando el amor logra salvar vidas
BaltasarKormákur (‘Everest’) nos trae la historia real de TamiOldham y RichardSharp, dos espíritus libres que viven al día que un día iniciaron un viaje en barco desde Tahití hasta San Diego, sin pensar que se les venía encima una de las peores tormentas de la historia.
Durante 47 días estuvieron a la deriva intentando sobrevivir sin apenas comida, escaseándoles el agua e intentando que las alucinaciones no les jueguen malas pasadas.
Ante todo ‘A la deriva’ es una historia de amor, además muy bien contada, a través de flashbacks vamos viendo el pasado de estos dos jóvenes enamorados y el presente, de cómo dos almas gemelas se conocieron y decidieron vivir la vida a su manera, pues el título no solo nos nombra el naufragio que tienen ambos, sino que los dos protagonistas vivían a la deriva, sin rumbo y viviendo día a día. El naufragio hizo que sus vidas cambiaran para siempre.
El director logra que una historia que ya hemos visto muchas veces, se haga amena y disfrutes de ella, bueno, disfrutes o sufras, porque la verdad pasarlo bien, nuestros protagonistas no lo pasan muy bien. Gracias a los saltos en el tiempo, a que las actuaciones están muy trabajadas y que además el montaje es muy bueno, ‘A la deriva’ consigue que no nos despeguemos de los asientos del cine.
Como he dicho, las interpretaciones de ShaileneWoodley (‘Divergente’) y SamClaflin (‘Losjuegos del hambre’) son estupendas, ambos tienen mucha química y te crees perfectamente todo su sufrimiento y el amor que se procesan el uno hacia el otro.
Además el trabajo físico de ambos, sobre todo el de Shailene, hace que todo nos parezca a un más real. La actriz lleva todo el peso de la película y vemos como poco a poco va perdiendo peso y a estar más demacrada.
Eso sí, si las historias de amor no son lo vuestro, la película os puede parecer muy pesada, porque la verdad todo se centra en eso. El naufragio queda un poco en segundo plano. Y realmente lo sorprendente pasa al final.
La fotografía es impecable, y es que de ella se encarga RobertRichardson, el encargado de varias cintas de QuentinTarantino, como ‘Los odiosos ocho’, ‘DjangoDesencadenado’ u otras cintas como ‘El aviador’.
No dejéis pasar de ver esta cinta si las historias de amor es lo vuestro, porque realmente merece la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio 2018. Título original: Adrift. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: Baltasar Kormákur. Guión: Aaron Kandell, Jordan Kandell , David Branson Smith. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Shailene Woodley, Sam Claflin, Jeffrey Thomas, Elizabeth Hawthorne. Producción: RVK Studios, Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial:https://www.adrift.movie/
Documental a cerca de la famosa escena del asesinato en la ducha de ‘Psicosis’ que cambió para siempre el cine en tantos aspectos. Análisis de los 52 planos que la conforman a través de la visión de muchos cineastas.
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Crítica
Un despiece ejemplar de una escena rompedora
Ya había ganas de que llegase a los cines este documental que pudimos descubrir en la pasada edición de Nocturna para que todos podáis disfrutar de este análisis y descubrimiento de secretos de un momento histórico de la cinematografía. ’78/52. La escena que cambió el cine’ es un profundísimo estudio de todos los pormenores que rodean al famoso acuchillamiento de ‘Psicosis’.
Uno se plantea a la hora de escribir esta crítica qué es lo que va a comentar, si la escena o el documental, ya que dan ganas de ponerse junto a los protagonistas del largometraje a comentar tan icónica secuencia. Y es que se analiza con suma pasión y al dedillo el contexto social en el que se estrenó el filme así como todo lo que sucede antes del asesinato. No se deja nada sin examinar: los mensajes que esconde, la época de cambio en que llega, los planos, el uso del blanco y negro, la música de Bernard Herrmann, los dobles, el montaje… hasta los azulejos del baño.
Con esta escena ocurre lo mismo que con la ‘Mona Lisa’ de Da Vinci. Se ha observado tanto y se le ha dado tantas vueltas que se le extraen multitud de significados y se la conoce como si se hubiese estudiado bajo un microscopio. Pero también se le encuentran defectos y en el documental de Alexandre O. Philippe los vemos. Con esto no digo que la película desmonte la escena, al contrario, el largometraje es toda una oda a Hitchcock, pero si tiene unos segundos en los que se demuestra que el cineasta a pesar de su perfeccionismo tenía sus defectos. Porque es innegable que incorporó en ‘Psicosis’, y en este asesinato en concreto, elementos nunca vistos y marcó un antes y un después no solo en el género si no en el cine en general. Quién si no habría tenido el valor de contratar a una estrella como Janet Leigh y matarla en los primeros compases de la película.
Para plasmar cómo una escena tan escalofriante ha hecho tanta historia, como la muerte de una mujer tan bella e indefensa se ha arraigado en nuestra cultura popular tan profundamente hacen falta muchos puntos de vista y en la cinta tenemos todas las perspectivas posibles. Directores, actores, compositores, guionistas… Por eso cuenta con un conjunto de entrevistas a expertos y famosos como Peter Bogdanovich, Eli Roth, Elijah Wood, Guillermo del Toro, Jaimie Lee Curtis, Danny Elfman, Mick Garris, Leigh Whannell, Mick Garris, Karyn Kusama… Todos ellos son entrevistados mientras como unos mirones van visionando el famoso crimen.
52 cortes tiene la escena que se consiguió tras 78 tomas. La legendaria escena de ‘Psicosis’ se rodó en nada más y nada menos que 7 días de rodaje. Si os gusta el cine y más si sois apasionados al terror, miraréis este documental como auténticos voyeristas. Y es que ese es uno de los temas importantes del filme, el voyerismo, como también se demuestra con la comparación de lo rodado y el cuadro ‘Susana y los viejos’ que tapa el agujero a través del cual observa Norman Bates (Anthony Perkins). Pero ojo que el cuchillo de ‘Psicosis’ también se dirige a la cámara castigando a todos aquellos observadores indiscretos, captar los detalles y aprender esta valiosa lección de cine y vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: 78/52. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Alexandre O. Philippe. Guion: Alexandre O. Philippe. Música: Joh Hegel. Fotografía: Robert Muratore. Reparto principal: Peter Bogdanovich, Jamie Lee Curtis, Guillermo del Toro, Danny Elfman, Illeana Douglas, Bret Easton Ellis, Jeannie Epper, Margo Epper, Mick Garris, Norman Hollyn, Chris Innis, Jim Hosney, Karyn Kusama, Bill Krohn, Neil Marshall, Geoff Marslett, Aaron Moorhead, Bob Murawski, Walter Murch, Daniel Noah, Oz Perkins, Fred Raskin, Eli Roth, Gary Rydstrom, Scott Spiegel, Josh C. Waller, Elijah Wood, Leigh Whannell. Producción: ARTE, Exhibit A Pictures, Milkhaus. Distribución: Sherlock Films. Género: documental.
En ‘Sicario: el día del soldado’, comienza un nuevo capítulo de la serie. En la guerra de las drogas no hay reglas, y como los cárteles han comenzado a traficar con terroristas a través de la frontera con Estados Unidos, el agente federal Matt Graver (Josh Brolin) llama al misterioso Alejandro (Benicio Del Toro), cuya familia fue asesinada por un capo del cártel, con el objetivo de intensificar la guerra de una manera perversa. Alejandro secuestra a la hija del capo del cártel para avivar el conflicto, pero cuando la niña es vista como un daño colateral, su destino se interpone entre los dos hombres mientras se cuestionan todo por lo que están luchando.
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Crítica
Muy buena continuación que sin embargo no causa el mismo efecto
En ‘Sicario’ oíamos a Victor Gramer decir al personaje de Emily Blunt «Si te da miedo que nos estemos pasando del a raya, no temas, tranquila, las rayas se han movido». Pues bien, en ‘Sicario: el día del soldado’ esas rayas desaparecen por completo y la lucha contra el cártel se equipara a la guerra anti-terrorista, pero desde la clandestinidad y el juego sucio.
Al poco de estrenarse la primera entrega ya supimos de la intención de realizar esta. Lo que no estaba tan claro es la posibilidad de una trilogía. Tras ver ‘Sicario: el día del soldado’ ya tenemos claro que con unos u otros personajes, siguiendo unas u otras tramas (no destripo nada) habrá tercera entrega. La segunda parte de la obra que creó Villeneuve tiene sabor a serie, por la evolución de sus personajes, por lo coral que resulta, por la fragmentación en diferentes localizaciones de las historias individuales… Esta no es una película meramente episódica, es un filme que respeta muy bien la línea de su predecesora, pero que no alcanza las cotas de excelencia de esta. Sigue siendo igual de dura pero hace un retrato menos visceral, impactante y está algo más al servicio de la espectacularidad.
La historia está bastante fraccionada entre los personajes, tanto nuevos como viejos. Lo bueno de poder dedicarle tiempo casi en solitario a cada uno de los individuos es que tenemos el aliciente de poder ver evolucionar a los personajes, razón de ser de toda continuación. Sobre todo quien lleva más allá a su papel y desentraña bien además el pasado de este es Del Toro. Su sicario está llevado con mucho estilo, alejado de los tópicos del cine de este género, llevándolo a su terreno pero sin repetirse con lo que ha interpretado anteriormente. Habiéndose convertido en el eficiente y despiadado Alejandro, Del Toro se asegura un nuevo lugar en el imaginario cinematográfico.
Por su parte es la cuarta película que estrena Josh Brolin en España tras ‘Héroes en el infierno’, ‘Vengadores: Infinity War’ y ‘Deadpool 2’. Quizá sea que el hecho de haberse preparado para interpretar a un bombero, Thanos y Cable lo que haya hecho que parezca más rudo y musculoso. No obstante su personaje no varía ni un ápice y sigue siendo el guardián en la sombra de los valores norteamericanos que emplea cualquier recurso que esté a su alcance y al que recurre el gobierno para trabajos peliagudos. Muy bueno Brolin enfundado en esta piel que no se contagia de las peculiaridades de sus anteriores trabajos.
Queda patente que los dos personajes principales son los que le dan valor a este filme. Porque el nuevo casting no ha sabido suplir la falta de Emily Blunt. Principalmente el error se percibe en las incorporaciones adolescentes del reparto. A Isabela Moner le falta credibilidad y eso que su personaje se llama casi como ella. Y demasiado sobreactuado cuando quiere parecer malvado resulta Elijah Rodriguez en este su primer largometraje en el que aparece (ya dobló en ‘El libro de la vida’). Las historias de ambos transcurren paralelas a las de los actores destacados. Se salva su intervención porque en esta ocasión, en eso se supera a ‘Sicario’, las tramas confluyen con más trascendencia.
Se nota que se mantiene el mismo guionista, Taylor Sheridan (‘Comanchería’). Espero que se siga explotando de vez en cuando el talento de este actor como escritor, sin que lleguen a agotarse sus ideas porque su trabajo es impecable. Él cumple con su parte en este segundo episodio con una historia interesante, aunque con giros menos impactantes y menor suspense. Se ha perdido el toque de thriller original pero se ha ganado en acción y en conflicto político. Aunque me gustará verle inmerso en alguna historia alejada de los cowboys y los clichés fronterizos.
Se mantienen los planos aéreos, cenitales y subjetivos de ‘Sicario’, pero no llega a ofrecer las grandes tomas que conseguía extraer Villeneuve de sus escenarios. Tampoco se llega al nivel de las vibrantes secuencias de acción que estaban a medio camino entre lo real y lo cinematográficamente bélico. Y eso que cuenta con Dariusz Wolski, que si bien no intervino en la película original es autor de la fotografía de ‘Marte’, ‘Alicia en el País de las Maravillas’ o ‘Dark City’. No obstante las imágenes conservan la línea narrativa marcada como estándar para esta saga y seguimos viendo el mismo ambiente desolador y amenazador.
‘Sicario: el día del soldado’ está dedicada a Jóhann Jóhannsson, aclamado compositor fallecido y autor de la banda sonora de la primera entrega. Al igual que se ha seguido el aspecto visual del filme en esta continuación, el compositor Hildur Guðnadóttir ha procurado mantener el estilo musical de Jóhannsson. La música aporta tensión y emoción, se nota que Guðnadóttir ya trabajó con Jóhannsson en la primera parte e incluso que ha participado en películas de Villeneuve como ‘La llegada’ o ‘Prisioneros’, habiéndose contagiado de la clase de música que piden sus filmes.
Quién sabe si la agenda de Villeneuve le dejará dirigir una tercera parte de ‘Sicario’. Se ha echado en falta su técnica. El director Stefano Sollima mantiene a flote esta crónica pero nos deja algo de añoranza por la película que en 2015 nos impactó. Por mucho que la película esté bien dirigida e interpretada y contenga un tema candente y en constante debate se echa en falta algo más de innovación o talento para dejarnos igual de conmocionados.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: Sicario: day of the Soldado. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Stefano Sollima. Guion: Taylor Sheridan. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Benicio del Toro, Josh Brolin, Isabela Moner, Elijah Rodriguez, Jeffrey Donovan, Manuel García-Rulfo, Catherine Keener. Producción: Thunder Road Pictures, Black Label Media, RAI. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial:https://www.soldado.movie/
Inglaterra, 1962. Florence y Edward, tienen poco más de 20 años. Ella de clase media alta, él de clase baja. Inocentes, vírgenes y enamorados cuando aún no se había publicado el primer LP de los Beatles y ‘El amante de Lady Chatterley’ estaba prohibido, se caan y pasan su primera noche de bodas en un hotel, junto a la famosa Chesis Beach. Lo que sucede esa noche, entre sus palabras y sus silencios, cambiará sus vidas para siempre.
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Crítica
Los traumas y miedos se unen en esta cinta de amor
Basada en la novela de IanMcEwan, también guionista de la cinta, el director DominicCooke nos trae a dos enamorados que se casan y pasan su primera noche juntos en un hotel. Estamos a principios de los años 60, donde aún el sexo era tabú y los miedos por ambas partes dejaban echar alas a la imaginación y a los traumas.
La historia va de un tiempo a otro en modo de flashback, esto hace que aunque sea una historia de amor un poco opulenta, se haga amena y poco a poco vayas descubriendo más sobre los personajes y sus familias.
He de decir que la historia no me ha gustado, no me he creído para nada el final, no quiero desvelar nada, pero todas las consecuencias a esa noche de boda para mí no son creíbles, después de demostrarme que es una pareja que se contaba absolutamente todo, no me puedo creer que no sean capaces de hablar de una situación tan simple, que sí es otra época, pero aun así el personaje de Saoirse es bien decidido y te demuestran durante la película que es muy moderna para la época en la que vive. A mí al menos no me ha convencido.
Decir, que aunque como he dicho, su historia no me ha convencido, la película es verdadera poesía, la manera en la que se introduce la música en la cinta, tanto los temas clásicos como el rock todo ello junto a una fotografía llena de detalles y metáforas que no deja imágenes preciosas a la par que tristes. Esto se lo debemos a DanJones (‘Lacasadelasminiaturas’), que es el encargado de la música y a SeanBobbitt (‘OldBoy’ la nueva versión) encargado de la fotografía.
Sin duda esto es lo mejor de la cinta, porque ni los actores están a la altura. La película está demasiado teatralizada y llega un momento que no hay emoción en las palabras, ni gestos que te indiquen el menor ápice de sentimiento. Lejos queda una SaoirseRonan nominada a los Oscar en repetidas ocasiones. Quizás la mejor actuación que hay dentro de la cinta es de Anne–MarieDuff que nos regala un personaje lleno de ternura y amor.
No me he leído la novela, pero al estar el escritor como guionista de la cinta, está claro que tiene que ser bastante fiel y que el director poca libertad habrá tenido a la hora de cambiar la historia.
Está claro que el silencio, el miedo y la hipocresía, cuando veáis su final lo comprenderéis, van de la mano en esta cinta que promete una historia de amor y que sin duda, sorprende con un final que casi roza lo ridículo.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: On Chesil Beach. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Dominic Cooke. Guión: Ian McEwan, basada en su novela. Música: Dan Jones. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Saoirse Ronan, Billy Howle, Emily Watson, Samuel West, Anne-Marie Duff, Simon North, Adrian Scarborough. Producción: BBC Films, Number 9 Films. Distribución: Bteam Pictures. Género: Drama, romance. Web oficial:http://bteampictures.es/chesil-beach/
Rafi llega a casa de Fali con la maleta a cuestas porque su mujer le ha echado de casa. No es la primera vez que esto sucede, aunque en esta ocasión todo será diferente, ya que el lío en el que se ha metido Rafi esta vez… es de los gordos. A Fali le gustaría ayudar a su compadre, pero tiene mucha prisa: mañana será la Primera Comunión de su hijo y lo único que tiene que hacer como padre es llevar el traje del niño a la finca donde se celebrará el evento.
Durante las siguientes veinticuatro horas, y con la cuenta atrás del reloj acechándoles, los compadres conseguirán salir de varios embrollos para meterse en nuevos enredos.
En sus andanzas, los compadres nos mostrarán su particular y sinvergüenza visión de la vida, la del más extremo y desenfado caradura.
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Crítica
La buddy movie del enterismo y la repetitividad
Alfonso Sánchez y Alberto López regresan con sus personajes recurrentes, el Rafi y Fali, aparecidos como tal en la web serie «Los Compadres», aunque ya les hemos visto con personajes muy parecidos en ‘Ocho apellidos vascos’, ‘Allí abajo’ o sus otros vídeos del canal de Mundoficción en Youtube. El duo cómico se adentra en una nueva comedia que sigue explotando con burla de la idea del «típico» sevillano rodeándola de sátira a cerca del panorama actual. Los pioneros del crowdfunding cinematográfico en España juegan con el humor y la crítica pero con menos efectividad que en anteriores empeños.
En ‘El mundo es suyo’ Sevilla vuelve a ser el escenario de las correrías de los compadres. La ciudad andaluza sirve de buen marco para esta historia cómica que tiene unas cuantas ráfagas de acción. Alfonso Sánchez (como guionista y director) ha ido más allá con esta producción al transportar a sus personajes por más emplazamientos y hacerles interactuar con todo un elenco de personajes de lo más cañí. En ese retrato que pretende ser mordaz dentro de su caricaturización encontramos un sin fin de topicazos. Este episodio acaba siendo cargante pues no descansa lo suficiente en sus secundarios y gran parte de ellos suenan a algo que hemos visto en repetidas ocasiones. Incluso se atreve con una imitación a Julio Iglesias, que además de ser un personaje de lo más manido está muy mal imitado. Se pierde todo el mordiente que cabría esperar al caer en toda esta redundancia.
Más buddy movie que esta nos va a costar encontrar este año entre los estrenos españoles. La película es una narración de las aventuras de dos amigos hasta la muerte que se quieren más entre ellos que a sus parejas amorosas. Sinceramente, a los 40 «compadre» mi cerebro casi desconecta. Lejos de ser extraña esta pareja encarna muchos de los clichés rancios que circulan por España sobre los andaluces. El liante y el calzonazos, dos señoritos repeinados y chupasanges entregados a la vagancia, la buena vida y la dependencia de los demás. A sabiendas de que esta estampa sirve a intereses cómicos, no retratistas, me cuesta entrar en un juego que parece que llega a destiempo, sobre todo por los estrenos que le preceden.
Intenta explotar casi todo el rato la misma fórmula. Catetismo, juegos de palabras fácilones, histeria, discursos de reprimenda… La verborrea de Alfonso Sánchez se pone en disputa con la del resto de personajes. Lo que el director demuestra es saber plantar la cámara delante de sus intérpretes y dejar a estos empezar a divagar sobre la España folclórica. De ese modo nos olvidamos por completo de su trama central, de esa carrera por entregar a tiempo el traje de comunión. ‘El mundo es suyo’ deja patente que Rafi y Fali funcionan mejor como secundarios o en pequeñas dosis, como en ‘Ocho apellidos vascos’ u ‘Ocho apellidos catalanes’. A Alfonso Sánchez se le da bien crear secundarios pues algunos de los que vemos aquí tienen más frescura y saben sacar mejor la comedia desde su sátira. Esos personajes satélite tienen más verdad que los protagonistas y merecerían tal vez más minutos o su propios capítulos aparte. Reconozco haberme reído un par de veces y que el trabajo en dirección es bueno, pero solo adoptaría de buen grado esta idea como web serie o en cápsulas, en un formato de largometraje la gracia se diluye y cansa.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: El mundo es suyo. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Alfonso Sánchez. Guion: Alfonso Sánchez, Sergio Rubio, Ana Graciani. Música: Pepe Begines. Fotografía: Fran Fernández. Reparto principal: Alfonso Sánchez, Alberto López, Carmen Canivell, Mar Saura, Javier García Pelayo, Carlos Olalla, Mari Paz Sayago, Alfonso Valenzuela. Producción: Mundoficcion Producciones S.L, Sacromonte Films, Atresmedia Cine. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia. Web oficial:http://www.warnerbros.es/el-mundo-es-suyo
Todos merecen una gran historia de amor. Pero la de Simon Spier es, a sus diecisiete años, un poco más complicada: todavía no le ha dicho a su familia ni a sus amigos que es homosexual, y tampoco conoce la verdadera identidad del anónimo compañero de clase del que se ha enamorado por Internet. La resolución de ambos problemas resulta hilarante, terrorífica y capaz de cambiarle la vida a cualquiera. Dirigida por Greg Berlanti (Everwood, The Flash, Riverdale), con guión de Elizabeth Berger e Isaac Aptaker, y basada en la elogiada novela de Becky Albertalli, ‘Con amor, Simon’ es una historia divertida y con corazón sobre el final de la adolescencia y la emoción de descubrirse a uno mismo y enamorarse.
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Crítica
SIMON es: Sutileza, Inteligencia, Moralidad, Originalidad y Normalidad
Muy cerca de la celebración del Madrid Gay Pride 2018 se estrenará en España ‘Con amor Simon’. Una película que va muy de la mano con la temática del Orgullo Gay pues nos habla muchísimo a cerca de la naturalidad, la tolerancia, la tranquilidad, el respeto y la comprensión que debería haber entorno al mundo homosexeual. Llega a los cines algo más de año después de ‘Call me by your name’, la cual tocaba temáticas muy similares pero en este caso el tratamiento es radicalmente distinto.
En ‘Con amor, Simon’ no esperéis ver una película reflexiva, contemplativa, sensual o romanticona, a pesar de su título. El amor está presente pero este es un título mucho más desvergonzado, divertido, contemporáneo y aún así delicado de lo esperado. El director Greg Berlanti pega un volantazo a su carrera tras estar en estos últimos años produciendo las series de los superhéroes de DC Comics (Flash, Arrow, Supergirl o la futura Titans) y vuelve a la dirección con una comedia romántica, algo que había hecho con sus dos anteriores películas como director: ‘El club de los corazones rotos’ y ‘Como la vida misma’.
En este nuevo filme el protagonista Simon, sabe a ciencia cierta que es gay y a través de Internet descubre que en su mismo centro de estudios hay otra persona de su misma orientación sexual con quien además entabla contacto anónimamente. De este modo se establece el punto de partida con el fin de encontrar no solo a esa otra persona si no también en pos del autoconocimiento y del primer enamoramiento.
La presente película está muy lejos tener pretensiones provocativas o rompedoras. Está creada con un simple afán de buscar la normalidad en un tema que ya debería estar incorporado totalmente en nuestra sociedad y no tendríamos que necesitar que fuese el epicentro de ninguna película. Tanto el director como los guionistas Elizabeth Berger e Isaac Aptaker (‘This is us’) han elaborado una forma brillantemente sutil de manejar los conflictos internos y externos. Demuestran de una manera muy inteligente que saben comprender a los adolescente y las cuestiones que tienen estos, sobre todo a la hora de abrirse al mundo y a su familia o amigos cuando quieren exponer sus asuntos más íntimos, cuando quieren contar algo tan importante como su orientación sexual. Se desmarca así de otras películas de temática semejante con una frescura y contemporaneidad muy diferentes.
Nick Robinson en el papel de Simon actúa infinitamente mejor que en ‘Jurassic World’ o que en ‘La quinta ola’, que son trabajos más mediáticos en su currículum. Canaliza muy bien todos los sentimientos de su personaje. La rabia contenida por las bromas inadecuadas, la ira por los rumores a los que tiene que hacer oídos sordos, los nervios por la espera de un nuevo mensaje… Este actor va adquiriendo la madurez para afrontar nuevos roles y aquí ya se nota en algunas escenas en las que aparece como un auténtico «rebelde con causa» haciendo una especie de alusión a James Dean.
Si hay otro acierto en la película es en el reparto, casi todo él muy juvenil y proveniente de éxitos o historias tan frescas como la serie ‘The Flash’, ‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Annabelle: creation’, ‘La serie Divergente’ o incluso ‘Brigsby Bear’. Y es que a pesar de tener varios actores de ‘Por trece razones’ (Katherine Langford y Miles Heizer), esquiva de manera perspicaz el tono dramático de las historias sobre acoso escolar pero aún así ejemplifica bien casos de esas características. Es más, enumera claramente elementos como el efecto mirón o la coacción. Incluso da herramientas o patrones a seguir para romper con esos obstáculos. Por lo tanto podemos decir que esta película es una buena lección de moral, no solo en este, si no en otros sentidos, pues las reacciones de los padres también son para quitarse el sombrero (por cierto que Josh Duhamel repite con el director). No olvidemos que ‘Con amor, Simon’ es un caso que viene a decirnos que en cualquier familia, incluso en una familia americana prototipo perfecta, puede haber un hijo homosexual.
Para que esta no sea una película lacrimógena ni centrada en el bullying se han incorporado varios personajes bastante cómicos, que se salen de lo escrito en la novela de Becky Albertalli. Principalmente son el descarado y mezquino interpretado por Logan Miller (‘The Walking Dead’) y el estrafalario director al que da vida Tony Hale (‘Veep’). También Alexandra Shipp con su carisma y personaje introvertido pero a la vez carismático nos engancha al igual que lo hizo en películas como ‘X-Men: Apocalipsis’ , ‘Straight Outta Compton’ y por supuesto su papelón de ‘Tragedy girls’.
‘Con amor, Simon’ llega en buen momento para luchar contra los tópicos y aunque como haya dicho no deberíamos tener que necesitarla, si podría servir como guía orientativa para muchas nuevas generaciones. También os servirá para descubrir una buena cantera de actores que está labrándose un buen porvenir y que en esta película suben un escalón hacia su madurez profesional.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: Love, Simon. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Greg Berlanti. Guion: Isaac Aptaker, Elizabeth Berger. Música: Rob Simonsen. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Nick Robinson, Jennifer Garner, Josh Duhamel, Katherine Langford, Alexandra Shipp, Logan Miller, Keiynan Lonsdale, Jorge Lendeborg Jr., Talitha Bateman, Tony Hale, Natasha Rothwell, Miles Heizer, Joey Pollari, Clark Moore. Producción: 20th Fox Pictures, Temple Hill Entertainment. Distribución: 20th Fox Pictures. Género: drama, romance, comedia. Web oficial:https://www.conamorsimon.es/
Cuando Ellen, la matriarca de la familia Graham, muere, su familia comienza a descubrir secretos extraños y cada vez más aterradores sobre sus antepasados. Cuanto más descubren, más tendrán que enfrentarse al siniestro destino que parecen haber heredado.
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Crítica
Tan enigmática y desgarradora que da canguelo
No conocía el trabajo de Ari Aster, no me avergüenza reconocerlo y de hecho me alegro. Esta es la primera película larga del director y descubrir su estilo y técnica con ‘Hereditary’ me parece la mejor tarjeta de presentación. Sorprendentemente uno se encuentra al navegar en su currículo que hasta ahora todos los cortometrajes que había rodado pertenecen de un modo u otro al género de la comedia. En su opera prima cambia totalmente pues ha creado una película de terror con absolutamente nada de humor, salvo que uno tenga un sentido muy negro de ver las cosas.
Con el caso de ‘Hereditary’ nos puede engañar el tipo de miedo que promete que va a hacer sentir tras ver sus tráilers y cartel. Incluso en sus inicios nos marcan unas pautas que luego no se siguen. Pero igualmente toda la película tiene una técnica invariable que nos pone en tensión, inquieta y aterroriza. Ante todo hay que saber que esta no es una película basada en sobresaltos, que es un filme fundamentado en las emociones, en el desasosiego que genera lo desconocido y en el drama familiar, aunque ofrezca algún que otro susto muy bien traído.
Sucede que la familia protagonista acaba de perder a la abuela. Los Graham son un clan bastante peculiar cuyas rarezas y singularidades nos va desgranando Ari Aster muy mediatamente. Posee tales insinuaciones de genialidad que empieza con una esquela. La de esa matriarca que acaba de fallecer y deja muy tocados a todos sus parientes, no con su muerte sino con la vida tan maniática que les ha hecho vivir. Están tan desgarrados que el drama que nos hacen vivir se convierte en algo casi torturador, tanto para ellos como para nosotros.
Hay multitud de panorámicas, zooms y travellings que nos mueven con sutileza y sin excesiva prisa por la casa en la que sucede prácticamente todo el filme. Unos movimientos de cámara que estando unidos a la excelente puesta en escena nos confunde tanto como a los protagonistas hasta el punto de no saber si estamos viendo una casa de muñecas o un escenario real. Tan drástico e inesperado es además su montaje que pasamos de la noche al día como quien pasa de negativo a positivo una imagen con Photoshop.
Posee una simbología propia de las obras maestras del terror de los años 70. Es un filme muy sugerente, tan amenazador como turbador y enigmático. Pese a ello ofrece pistas más que suficientes para ser entendido y todas las piezas encajan a la perfección, aunque hasta casi su final es difícil averiguar sus pretensiones. A todo ello contribuyen no solo los acontecimientos descritos por el guión, sino también las interpretaciones de unos personajes de lo más desconcertantes. Llaman más la atención los dos roles femeninos principales, los que interpretan Toni Collete y la debutante Milly Shapiro. Dejando al margen ‘El Sexto Sentido’ este me parece el mejor trabajo de la actriz australiana. Sus rostros de horror puro y las escenas tan escalofriantes que protagoniza son tan eficientes que casi sentimos lo que ella. En el caso de la actriz de tan solo 15 años nos causa aversión y no por su peculiar rostro, si no por lo retorcida que es. Si una joven actriz como ella aficionada al anime (como un servidor, no me malinterpretéis) y cuyo primer debut teatral fue el musical de Matilda ha conseguido intimidarnos o desconcertarnos así en su primer largometraje no nos queda otra que quitarnos el sombrero.
Los sonidos introducidos en la película, ya sea por artificio, por su banda sonora o por los propios actores son una parte muy significativa a la que no hay que restarle nada de importancia. Antes de impactarnos con algunas de sus escenas está el trabajo de música de Colin Stetson, quien ya estaba inmiscuido en otros perturbadores trabajos como ‘La llegada’.
A los amantes del género de terror les va a entusiasmar ‘Hereditary’. Entre el público general seguramente no se genere tanto el retorcido romance por esta película. Quizá es demasiado aclaratoria en su afán de no dejar ningún cabo suelto, tal vez habría dejado un poso total a Polanski , Friedkin o Brian de Palma si hubiese abandonado a la imaginación alguno de sus detalles. Incluso aquellas personas conocedoras de determinadas particularidades que se muestran sabrán qué es lo que se avecina, pues hay una «base real» para todo el filme. Pero aún así te mantiene prendido hasta el final con el ansia de pasarlo mal y de obtener respuestas.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: Hereditary. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: Colin Stetson. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Toni Collete, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd. Producción: PalmStar Entertainment, Windy Hill Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial:http://www.hereditarylapelicula.com
Segunda Guerra Mundial. En Marsella, refugiados de toda Europa embarcan rumbo a América, huyendo de la ocupación nazi. Entre ellos, el joven alemán Georg, quien suplanta la identidad de un escritor muerto para utilizar su visado y viajar a México. En Marsella se enamora de Marie, una joven que busca desesperadamente al hombre a quien ama, sin el que no está dispuesta a irse.
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Crítica
Refinado ejercicio de abstracción
Christian Petzold cierra su trilogía ‘El amor en tiempos opresivos’ con una película curiosamente atemporal. Preceden a este film ‘Barbara’ y ‘Phoenix’, dos filmes ambientados en la Alemania de los 80 y de postguerra. Peculiarmente ‘En tránsito’ nos transporta unos años más atrás pero de un modo intemporal. Y curiosamente el protagonista de ‘En tránsito’ tiene cierto parecido con Joaquin Phoenix. Franz Rogowski (‘Victoria’) es quien encabeza esta película y quien conecta con otros intérpretes como Paula Beer (‘Frantz’) o Godehard Giese (‘Inmersión’).
En esta nueva propuesta un alemán huye del avance de las tropas nazis hacia el sur de Francia. Para poder salir del país necesita no solo billetes de embarque si no también el permiso de tránsito que garantiza a los países donde va a hacer escala que solo está de paso. Y para ello usurpa la vida de un fallecido escritor, lo cual le aporta más crédito ante los trámites burocráticos. Pero en ese recorrido se cruza con muchas personas, como la bella Marie o un afectivo niño llamado Driss (Lilien Batman) que le hacen replantearse sus planes. Todos ellos son personas intentando sobrellevar una situación, encontradas en el transcurso de un viaje, hallados por cruces fugaces, porque cuando se en tránsito no hay tiempo para nada duradero.
A pesar de que esta sea una historia con un contexto sacado de los años de la invasión de los nazis está ambientada en nuestra actualidad. Se habla del avance de las tropas alemanas, de los refugiados de guerra, de los campos de concentración… Pero todo transcurre en nuestros días. De este modo Christian Petzold nos demuestra que no hace falta invertir en una cara puesta en escena que nos sitúe visualmente en el pasado para abstraernos a esa época. A parte de ese ejercicio de traslación al pasado el director también nos dice con este experimento que estamos en una situación bastante similar. Aunque por motivos diferentes a los de entonces circulan por Europa cantidades ingentes de refugiados cuya acogida es motivo de debate en todos los países.
El título no hace solo referencia a la situación de huída y viaje del protagonista. También a la cantidad de personas que pasan por delante de él, que entran y salen de su vida. Están cuidadas todas las localizaciones del largometraje, todo transcurre por lugares de tránsito: el hotel, el puerto, el vagón, los consulados… Pero no solo eso si no que cada individuo se encuentra sentimentalmente en tránsito. Personas que necesitan contar su vida, vaciarse para sentirse acompañados en su itinerario.
‘En tránsito’ está narrada con una cada vez más presente voz en off. Esta cuenta en tercera persona no solo lo que hace y ocurre a su alrededor, si no también lo que siente el protagonista. Por como cuenta la historia es alguien que le sirvió de confidente a este fugitivo, como sirven de oyentes muchas veces los camareros de los bares, otro lugar de tránsito. Un narrador que podría ser el receptor de la novela de Anna Seghers, en la cual se basa el filme, haciendo así un poco de meta. Él es testigo y confesor de las vidas que ve pasar por su barra. Por eso esta es una película con varios personajes secundarios que darían para una película propia. El mismo director asegura que para cada uno de ellos escribe una biografía completa, para que los actores se puedan preparar el papel y se palpe el realismo y el trasfondo.
Son varios los momentos entrañables, heroicos y sensibles. Me quedo con la secuencia en la que reparan el niño y el inmigrante juntos una radio y este canta una canción de su infancia. Faltan quizá más instantes de este tipo en la película o un giro que la haga aún más interesante y mantenga la tensión inicial del filme, la sensación de peligro que debería también haberse sentido mayor conforme avanza la película y con ella los nazis hacia Marsella. Pero sin duda este ejercicio me parece una forma refinada de tratar la Segunda Guerra Mundial sin caer en estereotipos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: Transit. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Christian Petzold. Guion: Christian Petzold. Música: Stefan Will. Fotografía: Hans Fromm. Reparto principal: Frank Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Alex Brendemühl, Trystan Pütter. Producción: Neon Productions, Schramm Film. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial:http://www.neoncinema.com/production-film/transit/fr/
En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro radical experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra. Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar.
Cuando Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco compitiendo por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, a un trágico desenlace.
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Crítica
Ni te quitará el sueño con su terror ni te hará dormir de aburrimiento.
Ambientada en los ochenta y casi con la intención de causar la sensación en el espectador de estar observando un relato basado en hechos reales se ha realizado ‘No dormirás’. La película del uruguayo Gustavo Hernández es pura ficción pero si que se palpa en ella cierta veracidad y búsqueda de lo auténtico en lo que a parte de la película se refiere. No obstante el filme busca tener un halo de misterio transmitido por su vertiente fantástica. Lo supuestamente paranormal y lo psicosomático se entremezclan en una cinta que encaja dentro del grupo del terror psicológico.
En este filme se exploran los límites de los artistas. Más que hacerlo de los intérpretes reales lo hace de sus personajes que son sometidos a un experimento de insomnio que pretende hacerles conectar con los papeles que van a interpretar y que están basados en personas que habitaron el lúgubre edificio en el que van a hacer su performance. Es decir, método Stanislavski llevado al extremo. Según van llevando más horas despiertos comienzan los inquietantes sucesos extraños. Gustavo Hernández ha pretendido mantener un equilibrio entre lo mental y lo fantasmagórico para que dudemos hasta el final de la cinta pero su estratagema se descubre antes a poco que uno sea conocedor de la dinámica de este tipo de películas y llegamos al final del filme casi sin sorpresa. Y todo esto a pesar de los múltiples giros de guión que añade en cascada según nos precipitamos en el desenlace. Cambios en la historia que no son suficientes para aterrorizarnos, turbarnos o tan siquiera sobresaltarnos.
Los puntos buenos de este filme son su planteamiento inicial que prometía una trama más enloquecedora aún y su atmósfera. La idea de jugar con la vigilia para conseguir ciertos estados tiene su fundamento y hasta cierto punto atrapa. Con la fotografía de Guillermo Bill Nieto el experimento se antojaba prometedor. Esta si tiene una personalidad lo suficientemente fuerte como para hablar por sí misma y la película va manteniendo cierto nivel gracias a algunas de las estampas que en ella se ven. Las secuencias de la bañera o la vela son prueba de ello. Pero sus argumentos no pesan tanto como para complementarse con la imagen de un modo lo suficientemente interesante.
Esta es una película de regresos, estrenos y confirmaciones. Gustavo Hernández se reafirma casi sin quererlo como un director entregado al género y Belén Rueda regresa a un tipo de cine que siempre ha manejado con destreza. Para Eva de Dominici, Natalia de Molina y María Zabay es su primera película de terror, su primera película a secas si nos centramos en el caso de Zabay. Las tres están menos resueltas que Rueda pero no cabe duda que casi igual de entregadas que sus personajes a la interpretación.
Al igual que les sucede a sus semidormidos protagonistas la película se queda en un limbo, ni aterroriza ni aburre. Se agradece la originalidad de su propuesta pero se podría haber explotado de un modo más tenso y aterrador sin la necesidad de rizar tanto el rizo en su conclusión.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: No dormirás. Duración: 105 min. País: Uruguay, España, Argentina. Dirección: Gustavo Hernández. Guion: Jumma Fode. Música: Alfonso Aguilar. Fotografía: Guillermo Bill Nieto. Reparto principal: Belén Rueda, Eva de Dominici, Natalia de Molina, María Eugenia Tobal, Juan Manuel Guilera, María Zabay, Germán Palacios. Producción: Pampa Films, FilmSharks International, Gloriamundi Producciones, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Bowfinger International Pictures, Tandem Films, Mother Superior, ICAA, ICAU, Tieless Media. Distribución: Filmax. Género: terror. Web oficial:nodormiras.filmax.com
Hace tres años que el parque temático y lujoso complejo turístico Jurassic World fue destruido por dinosaurios fuera de control. Isla Nublar ha sido abandonada por los hombres y los dinosaurios sobreviven como pueden en la jungla.
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Crítica
El pasado se entrelaza con el futuro como en una espiral de ADN.
Definitivamente la quinta entrega de ‘Jurassic Park’ ha llegado. ‘Jurassic World: el reino caído’ no supone solo la continuación de ‘Jurassic World’, una saga re-lanzada para los nuevos espectadores y amantes de la nostalgia, la película que Universal ha colocado en cines está preparada para todo un abanico de generaciones y cinéfilos que podrá ir a desvelar cada uno de sus secretos y detalles. Pero… ¿Por qué desgranamos y analizamos tanto estas películas? Para mí la explicación reside en que son parte de la historia de nuestra infancia, en que ya no tocan solo la arqueología más fantástica o la añoranza por de unos animales perdidos y nunca conocidos realmente. Esta saga llega también a lo más profundo de nuestra memoria al manejar entre sus manos un material latente entre nuestros mejores recuerdos cinéfilos y aventurarse con ello es todo un reto.
Por todo esto era importante que la nueva entrega de ‘Jurassic World’ conservase el espíritu de los orígenes concebidos por Steven Spielberg cuando adaptó la novela de Michael Crichton. Pero son ya cinco películas a si es que vientos nuevos y enfoques diferentes eran bienvenidos, por lo tanto hacía falta una mano diferente pero en la onda del director para continuar la historia. La elección de Bayona tras ver la película no me puede parecer más acertada. Ha sabido coger la aventura, el humor, el tono familiar de los inicios y mezclarlos con sus colores, su emotividad y su grandiosidad.
Tras una excelente apertura de película que rememora en gran medida el estilo de las películas de la Amblin tenemos unos compases más convencionales. Pero la segunda fase del filme, que arranca justo a mitad de duración de la película, está cargada de momentos de emoción, ternura, drama y comedia. Bayona se ha preocupado de introducir sin ningún disimulo muchos guiños a la primera parte combinándolos con los nuevos elementos de la serie de películas. Viendo estas nuevas correrías de los des-extintos animales uno se explica por qué el director español le da las gracias a Trueba y a Del Toro. De ellos reconocemos claras influencias, principalmente del segundo ya que vislumbramos secuencias y movimientos de cámara bastante reconocibles. Con todo esto Bayona ha alcanzado la iconografía necesaria para dejarnos más de una estampa clavada en la retina incluso cuando evoca a sus propias películas. Y eso que por cierto esta entrega es mucho menos cruenta y encarnizada que sus anteriores.
Toda la película es un trabajo de acoplamiento entre lo tradicional y lo nuevo. Un pulso por satisfacer la demanda de los fans más exigentes de los dinosaurios pero también de sorprenderles con ideas no exploradas. Fruto también de esa unión es la combinación de animatrónica e imágenes generadas por ordenador. Al margen de todo el CGI para recrear la isla y toda la erupción del volcán están por supuesto las reptilianas criaturas. Los saurios, tanto los de la vieja como los de la nueva hornada, tienen una calidad superior a la de sus predecesores, capaz de transmitir candidez y a la vez pavor. En este trabajo han participado empresas como la española El Ranchito, quienes ya han trabajado con Bayona en películas como ‘Un monstruo viene a verme’ o ‘Lo imposible’.
La música de Michael Giacchino está muy al nivel de lo que había hecho previamente para ‘Star Trek: Más allá’ o ‘Rogue One: Una historia de Star Wars’, donde tenía que crear nuevas partituras pero a la vez también que respetar un sonido muy emblemático. Continúa a partir de lo que compuso para la primera parte, pero con menos referencias hacia la banda sonora original de John Williams.
Pese al efectivo esfuerzo del director, equipo técnico y actoral nos topamos en varias ocasiones con el texto de Colin Trevorrow y Derek Connolly. Podríamos habernos olvidado de películas anteriores y este argumento habría valido como secuela incluso de ‘Jurassic Park’. Pero ese no es el fallo del libreto que peca de rozar a veces la serie B y de mover a sus personajes de manera errática. El guion cae en ocasiones en las soluciones oportunistas o descuidadas.
A todos nos agrada ver películas de dinosaurios pues al contrario que los alienígenas, los fantasmas, los kaijus… son criaturas que sabemos a ciencia cierta que pisaron el mismo suelo que nosotros y aunque sean seres aterradores nos gustaría recuperarles. Bayona potencia eso con un discurso aun más animalista que nunca y con su terror más fiero. Aunque para miedo el que dan las posibilidades que quedan abiertas para la tercera parte que ya están escribiendo Trevorrow y Connolly para 2021. Pero ante todo el director ha potenciado la importancia y grandiosidad de los verdaderos héroes de la saga, demostrando que es un cineasta capaz de abarcar una producción de gran magnitud y simbolismo. Puntos para dirigir su Superman tiene más que de sobra.
Por último. No se os olvide aguardar hasta el final de los créditos para ver la breve escena que han filmado. Así de paso podéis leer la gran cantidad de talento español que hay en esta película.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de junio de 2018. Título original: Jurassic World: fallen kingdom. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: J.A. Bayona. Guion: Colin Trevorrow, Derek Connolly. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Óscar Faura. Reparto principal: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Ted Levine, Jeff Goldblum, Toby Jones, Rafe Spall, BD Wong, James Cromwell, Daniella Pineda, Justice Smith, Geraldine Chaplin. Producción: Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Perfect World Pictures, Legendary Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: secuela, aventuras, ciencia ficción. Web oficial:http://www.jurassicworld.es
En 1985, la estación soviética no tripulada Salyut-7, en órbita alrededor de la Tierra, es un orgullo para la industria espacial de la URSS. De repente, se pierde la comunicación con el centro de control. La posible caída de la estación puede acabar en una catástrofe en la que pierdan la vida muchas personas. Dos astronautas son enviados para acceder a la estación y descubrir qué ha ocurrido, en una arriesgada misión sin precedentes en la historia de la navegación espacial.
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Crítica
‘Salyut 7, héroes en el espacio’, impactante, divertida y real.
Ya tuvimos la oportunidad de poder ver esta cinta en Sitges y también en la 15 Muestra Syfy de Madrid. Dirigida por KlimShipenko, ‘Salyut 7, héroes en el espacio ‘ es una mezcla entre ‘Apolo XIII’ y ‘Gravity’ muy bien realizada y que extrae lo mejor de ambas películas para crear un gran blockbuster. Eso sí, tiene un humor ácido que hace que toda la tensión baje y disfrutes de las situaciones tan complicadas que vivieron estos dos hombres.
En 1985, la posible caída esta estación soviética no tripulada, puede acabar en catástrofe y hacer que muchas personas pierdan la vida. Por ello, estos dos astronautas son enviados para acceder a la estación y descubrir que ha podido ocurrir e intentar arreglarla.
Admito que no soy mucho de este estilo de citas, se me suelen hacer muy pesadas, pero Shipenko, ha realizado un gran trabajo de dirección y el montaje de la cinta es muy bueno y ameno. La historia se va moviendo entre flashback y realidad, entre el espacio y la Tierra, para mostrarnos las todas las situaciones que se vivieron y a la vez hacer la historia más dinámica, y no solo enseñarnos a los dos astronautas encerrados en una nave.
Sus 119 minutos de duración pasan rápido y se disfrutan mucho gracias al guionista que ha sabido introducir humor en situaciones realmente dramáticas. Además esto también se debe a la buena química que tienen los actores principales, VladimirVdovichenkov y PavelDerevyanko, que logran enseñarnos todo el estrés de sus personajes y a la vez divertirnos.
Sin duda el mayor acierto de la película es el trabajo de CGI, las imágenes que vemos en la película son espectaculares. Los 7 millones de dólares de presupuesto, están sin duda bien utilizados y nos regalan unas panorámicas del espacio que dejarán a más de uno con la boca abierta. Nos hace darnos cuenta de lo pequeños que somos y de la agonía que sintieron estos dos hombres al estar allí atrapados, viendo tan de cerca la Tierra y sabiendo que no podían volver a ella.
No creo que toda la película sea completamente fiel, de hecho, tanto al comienzo como al final se nos introduce un pequeño detalle fantástico. Pero lo que sí nos muestra son los peligros a los que los astronautas se enfrentan en sus viajes, en cómo romperse un guante puede ser totalmente mortal para alguien en el espacio, él como un simple insecto puede causar horrores y que realmente todo tiene que estar bajo control, el más mínimo error puede ser fatal.
No dudéis en acercaros a las salas de cine para ver esta aventura espacial, seguramente no os muestre nada nuevo, pero su humor, sus imágenes y realmente su historia os engancharán y no os arrepentiréis de verla.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de junio 2018. Título original: Salyut-7. Duración: 119 min. País: Rusia. Dirección: Klim Shipenko. Guión: Natalya Merkulova, Klim Shipenko. Música: Alexander Mikhlin. Fotografía: Sergei Astakhov e Ivan Burlakov. Reparto principal: Vladimir Vdovichenkov, Pavel Derevyanko, Lyubov Novikova, Oksana Fandera, Vasiliy Ignatich, Sergey Korenvok. Producción: Kinokompaniya CTB, Lemon Films Studio. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Acción. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/853/salyut-7-heroes-en-el-espacio/
Los ganaderos de Mêle-sur-Sarthe, un pequeño pueblo de Normandía, se han visto afectados por la crisis agrícola. Su alcalde, Georges Balbuzard (François Cluzet), busca la manera de que su pueblo se haga oír para salvarle. Por casualidad, Blake Newman, un famoso fotógrafo especializado en desnudos en masa, pasa por la zona y Balbuzard ve la oportunidad de llamar la atención. Por delante le queda la difícil tarea de convencer a todo el pueblo para que se desnude… por una buena causa.
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Crítica
Un desnudo protesta con menos eficacia de lo esperado.
En ‘Normandía al desnudo’, François Cluzet (‘Intocable’) se echa de nuevo al campo y se desvive también por sus habitantes, aunque a través de unas herramientas diferentes a las empleadas en ‘Un doctor en la campiña’. Esta película busca también mezclar drama y comedia, con una pizca más de hilaridad que ese título anterior de 2016 aunque sin explotarla en la medida deseada. De hecho ‘Normandía al desnudo’ se queda bastante corta en lo que a comedia se refiere.
La crisis de los agricultores franceses es el marco de esta historia en la que Cluzet es el paternalista, desvivido y omnipresente alcalde de todos ellos. En medio de todo el revuelo y esa gran desesperación económica llega el talentoso Toby Jones convertido en un Spencer Tunick, el fotógrafo que retrata masas de personas desnudas por todo el mundo. Enamorado del paisaje les propone hacer una de sus famosas fotografías con todo el poblado despojado de sus ropas en ella, con fines artísticos para él y como un reclamo mediático para los agricultores que demandan atención por parte de su país. Pero claro, la mentalidad ambigua de los residentes choca con la idea del artista.
En esta ocurrencia del director Philippe Le Guay vemos un aspecto bastante divertido. Pero cabía esperar que el cineasta explotase mucho más la confrontación entre el mundo rural y el moderno. La película podría haber acabado siendo una especie de «Full Monty galo» y en lugar de ser tan graciosa o disparatada como la cinta de 1997 se inclina más hacia lo anecdótico y melodramático. El filme se dedica más a narrar las controversias personales o a demandar las tragedias nacionales. Al fin y al cabo trata de desnudar los secretos o sentimientos de cada uno. «Los que siempre os han alimentado ahora se mueren de hambre» resume uno de los agricultores de la película en un arrebato de exasperación. Los prejuicios, la vergüenza, la mentalidad retrógrada, los viejos rencores, los celos… Son muchos caballos de batalla que junto a la política o los distintos estilos de vida expuestos desplazan la comedia a un segundo plano.
La película está narrada a trozos por una niña que cuenta la historia de su familia, la cual se ha mudado recientemente a esa campiña en crisis. Dicha historia permanece bastante descolgada del largometraje a pesar de parecer ser el hilo central y finalmente está metida únicamente con el fin de incluir un argumento protesta más, el del vegetarianismo. Sin la inclusión de este arco narrativo ‘Normandía al desnudo’ habría transcurrido igual y tampoco aporta nada importante a la trama ni al conjunto de los gags.
Sí que me agrada más la metáfora artística de la película. Aquellos que están quedándose sin nada ahora se lanzan a por todas despojándose de lo que les queda ante todo el mundo. Aunque hay cierto valor en que algunos actores se lancen a mostrarse como vinieron al mundo también habría cabido esperar que ese coraje fuese ligado a un tono más sarcástico ya que se ha hecho tanto hincapié en los dramas planteados. Lo dicho, para ser un a película sobre agricultores a ‘Normandía al desnudo’ le ha faltado arar un poco más sus tierras para que la semilla de su comedia enraíce más hondo y su protesta crezca más alto.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de junio de 2018. Título original: Normandie nue. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Philippe Le Guay. Guion: Philippe Le Guay. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Reparto principal: François Cluzet, Toby Jones, François-Xavier Demaison, Arthur Dupont, Grégory Gadebois, Philippe Rebbot, Patrick D’Assumçao, Julie-Anne Roth, Vincent Regan, Daphné Dumons. Producción: Les Films des Tournelles. Distribución: Vértice 360. Género: comedia, drama.
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