[Un complicado rollo de una noche deriva en una cadena de asesinatos de un asesino en serie.
Crítica
Sorpresa de las buenas
A partir del viernes 11 de octubre llega a nuestras salas de cine ‘Strange darling’ sin duda una de las películas que más me ha gustado del Festival de cine Fantástico de Catalunya.
La película está dividida en seis episodios y contada de manera desordenada, algo que logra que mantengamos durante sus 96 min el misterio de este thriller tan distinto.
‘Strange darling’ comienza con una joven a la que vemos herida, huyendo de su captor y hasta aquí podemos hablar de la sinopsis, no necesitáis más, solo ir viendo paso a paso como continua la historia.
Pero además de la gran dirección y guion de J.T.Mollner, que sin duda es lo que hace de ‘Strange darling’ la gran película que es. La cinta tiene otras grandes virtudes, como es la elección de su reparto. WillaFitzgerald, quien interpreta a la protagonista, está tremenda, la vemos en una gran cantidad de registros durante la película y sin duda convence en cada uno de ellos. KyleGallner me ha encantado, necesitaban un personaje rudo y sin duda el actor da la talla y consigue engañarte.
Otro de los puntos fuertes, que según el director tenía claro, era los colores de la película. Los rojos saturados, azules eléctricos y verdes naturales, son esos colores que J.T.Mollner quería en su película y sin duda son parte de esta historia. El romance, la locura y la vuelta a la realidad es lo que al menos a mi me representan estos colores.
GiovanniRibisi encargado de la fotografía, hace un trabajo muy bonito. Es su primer trabajo como director de fotografía, y es amigo del director (además del productor) y se nota que han trabajado duro a la hora de la foto, pues lo que he comentado, los colores es un logro muy bueno. En los interiores esos rojos y azules saturados, hacen que en muchos planos no se note la profundidad y, aun así, con detalles en la escena lo logra. Y afuera los colores naturales resaltan igual de bien, como digo, haciendo que regresemos de golpe a la realidad más cruel.
No puedo negar que ‘Strange darling’ y es que me ha sorprendido mucho, es diferente a lo que estamos acostumbrados y eso se agradece mucho para las personas que vemos tanto cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2024. Título original: Strange Darling. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: J.T. Mollner. Guion: J.T. Mollner. Música: Craig Deleon. Fotografía: Giovanni Ribisi. Reparto principal: Willa Fitzgerald, Kyle Gallner, MAdisen Beaty, Barbara Hershey. Producción: Miramax, No Remake Pictures, Spooky Pictures. Distribución: Vertice 360. Género: Thriller. Web oficial:https://vertice360.com/es/ficha/0/strange-darling
Si nos dicen que vamos a recorrer el intestino grueso de dos edificios no nos lo creemos. Así de raras y de locas han sido las películas hoy en este Sitges 2024. Películas gore, body horror, hoteles desquiciantes, sanatorios polacos, bosque ritualistas, dragones medusa o costureras con las habilidades de MacGyver; estos son los elementos de tan loca jornada.
Un día que ha protagonizado Fred Dekker, no por su papel como jurado sino por el Premio Honorífico Màquina del Temps que recibió de las manos de Ángel Sala. Ha sido receptor de este premio debido a que el Festival ha querido reconocer “su labor multidisciplinar en el género fantástico y de terror, habiendo dirigido películas como Una pandilla alucinante, El terror llama a su puerta y Robocop 3”. Por nuestra redacción le queremos por películas como ‘Predator’ o algunos capítulos de ‘Historias de la cripta’.
‘Azrael’
Película sin diálogos que sorprende por su simplicidad y buen hacer. Dirigida por E.L. Katz y con guion de SimonBarrett, la película transcurre en un enorme bosque donde todos sus habitantes son mudos, no os voy a decir por qué, ya que es importante para la trama. Una joven pareja es interceptada por un grupo y ella tendrá que pasar lo indecible para poder sobrevivir
Muy interesante, con gore, con acción de la dura y con una SamaraWeaving increíble como siempre. Se nota que le gustan este tipo de trabajos, tanto el tema de cine fantástico, como los personajes fuertes que se abren paso a patadas. Una película sin sorpresas, en las que se persigue a una presa, pero el final es sin duda lo que más me ha gustado, estaba entre las posibilidades, pero casi nunca se suele coger este tipo de opción. Así que muy recomendable.
PattonOswalt, TakashiMiike, AlexandraHeller–Nicholas, StephenKing y KarynKusama, se unen junto a AlexandreO. Philippe para honrar a una de las películas más icónicas de toda la vida, ‘La matanza de Texas’ de TobeHooper. Nos cuentan lo importante que ha sido para ellos esta película y de cómo le ha influenciado a la hora de hacer sus películas.
Un documental que anima a ver la película de nuevo y que sin duda muestra pequeños detalles que quizás no sabíamos. Al final este director hace unos trabajos increíbles de documentación y como he dicho al comienzo, esta vez viene acompañado de un montón de celebridades.
Body horror en el que un virus hace que los objetos se fusionen con los cuerpos humanos. Esta premisa, que bien podría haber sido lo que les pasó a los protagonistas de ‘Dos’ de MarTargarona, da paso a un largometraje tan vitalista como intrigante y poco a poco truculento. La película del debutante Thibault Emin destaca por su estética colorida y su cada vez atmósfera opresiva, creando un entorno que subraya la sensación de aislamiento existencial, sin duda, surgida de inquietudes, miedos y sátiras derivados de la COVID-19. Emin maneja con habilidad la cámara en sus escuetos espacios y logra desarrollar el horror en varias de sus acepciones.
Sin embargo, ‘Else’ puede resultar algo críptica para algunos. Ofrece más recreo que información. Aunque esto puede ser un punto fuerte para algunos, también podría hacer que se bajen del carro a aquellos que prefieren una narrativa más clara. En resumen, es una obra audaz y con inquietudes. ¿Decían que la pandemia nos uniría? Pues si es como en esta película mejor que no. Sobre todo, si como sospecho con el final, hay IA.
Película muy interesante en la que una joven tiene que ir a cuidar a una anciana en un pueblo remoto de Irlanda, la han pedido que tiene que hablar gaélico y paciencia.
‘Frewaka’ nos lleva a la mitología irlandesa, donde las costumbres, los fantasmas y monstruos son protagonistas de estas historias familiares tan suyas.
Música irlandesa, canciones y el idioma, hacen de esta película una gozada para las personas que nos gusta tanto esta cultura. Es curioso toda la historia que tienen, sobre todo fantástica y lo poco que se termina llevando al cine. Esta es una de esas raras películas en las que podemos conocer un poquito más de estos misterios.
‘Sanatorium Under the Sign of the Hourglass’ de los hermanos Quay es una obra que destaca visualmente por su atmósfera gótica y oscura, pero falla en su narrativa y en su ms excesivos, repetitivos e incesantes intentos experimentales, que se sienten como relleno. Ambientada en un sanatorio extraído de los recuerdos arrojados por un fantasioso artilugio procura ser inquietante y llena de decadencia, evocando lo sobrenatural con escenarios oscuros, tétricos y laberínticos, llevándonos casi a ultratumba. La animación en stop motion, aunque técnicamente interesante, no logra integrarse completamente en la historia, sintiéndose a veces ornamental en lugar de alzarse como un elemento más de la ambientación. Más que animación parecen meros dioramas con algo de movimiento.
Narrativamente, la película es confusa y va a pedales, perdiendo fuerza casi nada más bajarse del tren con el que arranca. Murnau, el expresionismo alemán o Poe parecen referentes. Aunque tiene momentos visualmente cautivadores dentro de lo tétrico, no logra crear un gancho sólido que conecte emocionalmente con el espectador.
Admito que elegí ver esta película al ver el cartel y os puedo decir que no siempre funciona. ‘She loved blossoms more’ es una película que nos cuenta la historia de 3 hermanos que están intentando lograr una máquina del tiempo para recuperar a su madre.
La película es un horror, odio decir estas cosas, pero es que al final son tres chavales que se pillan todo el día colocado y que no hacen nada con sus vidas. Además, la película no nos cuenta nada y no avanza. Quizás el tema de la máquina del tiempo que cuando falla aparecen dos criaturas curiosas y ya está. Pero por lo demás admito que no merece la pena.
La animación desde China está viniendo muy potente. Aunque numerosas películas están llegando y ninguna está aún a la altura de ‘Deep sea’, lo que se está viendo en Sitges 2024 tiene un nivel altísimo. ‘The storm’ no es una excepción y nos apabulla con sus dibujos y su aventura. Dirigida por YangZhigang, es una película que combina aventura, fantasía y monstruos en una trama centrada en la responsabilidad, sobre todo en la filial. La historia es rica en elementos fantásticos y tiene un trasfondo emocional sobre los lazos familiares.
‘The Storm’ es una muestra de que los reyes mundiales de la animación han de empezar a ver amenazado su podio. Visualmente, la película es impecable, los detalles de los escenarios y el diseño de los personajes es de marcado carácter digital, pero conservan un algo de arte pictórico. Las secuencias de acción son de una calidad técnica admirable, demostrando el alto nivel de la animación china actual. Por otro lado, hay que advertir, hay algún momento de auténtico terror y violencia más adecuados para un público casi adolescente.
MacGyver Costurera. Una película con tres historias, mejor dicho, tres opciones de una misma historia. Nuestra protagonista ve un accidente y tiene que tomar una decisión. Tres decisiones que toma nuestra protagonista que la hacen tener diferentes desenlaces los cuales vamos viendo.
Aunque puede llegar a ser repetitiva, la ‘Sew Torn’ es bastante cuqui, con personajes muy entrañables y a los que coges cariño, aunque sean los malos.
Con la película me lo he pasado bastante bien, tiene unos colores saturados que hacen que este cuento sea más real. Un gustazo ver como la protagonista utiliza los hilos para salvar vidas, asesinar o escapar de la cárcel. Sin duda de estas películas de las que no esperas nada, pero que al final logran sorprender.
‘Mr. K’, dirigida por TallulahHazekampSchwab y protagonizada por el mítico CrispinGlover, es una película que mezcla lo extraño y lo desesperante embadurnado con un estilo visual muy particular. Schwab toma claras influencias del fantástico clásico europeo, con escenarios cargados de ornamentos deprimentes, pero añade un toque de modernidad que recuerda a la estética multitudinaria y excéntrica de Wes Anderson. Espacios imposibles, momentos completamente absurdos… es como meterse en la cabeza de uno de los hermanos Marx, el mismo sinsentido, pero sin su gracia.
La trama gira en torno a Mr. K, un personaje enigmático y deprimido atrapado en una existencia que parece desmoronarse lentamente. Glover, con su habitual presencia inquietante y tierna, entrega una actuación que transmite mucho más de lo que es capaz de explicar la propia película. Y es que este filme es de esos que son incomprensibles, que constantemente están sumando normas y para colmo, acaban con un final aún más enigmático. La única explicación que le encuentro es que la casa sea una extensión de su angustia como artista. Pero con lo que se quedará todo el mundo, al igual que nos ha sucedido con ‘Else’, es que nos metemos, literalmente, en el colon a un edificio.
En un futuro cercano, Paul y sus hijos Thomas y Joseph viven tranquilos de día y atormentados de noche por feroces criaturas que devoran a los vivos. Un día, Thomas no regresa antes del anochecer, y Paul sale de su granja fortificada para buscarlo. Al encontrarlo, Paul descubre que está gravemente herido. A partir de ahí, los hermanos deberán utilizar todo lo que su padre les ha enseñado para sobrevivir durante la noche
Crítica
Nicolas Cage siempre es un acierto y ‘Arcadian’ no defrauda.
‘Arcadian’ nos lleva a un futuro en el que las pocas personas que aun viven, se centran en intentar no morir por las noches a manos de unas terribles criaturas.
Paul, Joseph y Thomas, son una familia que pese a sus diferencias conviven unidos para paliar los desperfectos que van ocurriendo noche tras noche y así poder mantenerse con vida.
La película es bastante sencilla. Nos muestra el día a día de estos tres hombres y cómo intentan sobrellevar como pueden la terrible situación que les ha tocado vivir. El ritmo es pausado, pero cuando la acción llega no deja respirar.
BenjaminBrewer es el encargado de dirigir ‘Arcadian’ y de nuevo cuenta con NicolasCage, después de haber trabajado con él en ‘Policías corruptos’.
En este papel, el actor está muy contenido, dando vida al padre de familia obsesionado en enseñar a sus hijos como resistir. Y, sobre todo, intentando que comprendan que deben de trabajar juntos y ayudarse mutuamente.
JaedenMartell y MaxwellJenkins, son los encargados de dar vida a sus hijos. Unos chicos un tanto complicados que harán que las cosas que pongan bastante complicadas para los tres. En el reparto también encontramos a SadieSoverall, SamanthaCoughlan, JoeDixon y JoelGillman.
Aunque la película es un poco típica, me ha gustado mucho. La atmósfera oscura que tiene, esa suciedad que nos muestra por todos lados de un mundo en el que las personas continúan simplemente por inercia. También el trasfondo familiar, que unidos somos más.
Las criaturas que vemos, si las llegamos a ver unas cuantas veces, son muy originales, dan bastante grima. Se puede venir a la cabeza ‘Critters’, por cosas que hacen, pero sin duda lo que me ha hecho explotar la cabeza es que están basadas en Goofy, si, en ese perro encantador de Disney. Mas específicamente a un episodio fe la película de Goofy en la que su hijo sueña que se transforma en su padre. Después de saber esto, sí que bueno, salvando mucho las distancias, hay unos gestos que realizan estas criaturas que pueden recordar.
Como he comentado, aunque ‘Arcadian’ no tiene nada de original, no defrauda, entretiene y sin duda deja con muy buen sabor de boca.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2024 (alquiler movistar). Título original: Arcadian. Duración: 92 min. País:Dirección: Benjamin Brewer. Guion: Mike Nilon. Música: Kristin Gundred y Josh Martin. Fotografía: Frank Mobilio. Reparto principal: Nicolas Cage, Jaeden Martell, Maxwell Jenkins, Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon, Joel Gillman. Producción: Aperture Media Partners, Highland Film Group, Redline Entertainment, Saturn Films. Distribución: Key2Media. Género: Terror. Web oficial:https://www.imdb.com/title/tt22939186/?ref_=ttfc_fc_tt
Vigalondo nos hace soñar en un día en el que los primerizos han brillado
Hoy hemos gozado, citamos literalmente por parte del director “con los sueños de mierda” de Nacho Vigalando, los viajes en el tiempo de un discípulo de Aaron Moorhead y Justin Benson, la destreza narrativa de JT Mollner, la magia de las hadas chinas, la original visión mafiosa de Julien Colonna o la vibrante acción del debut de Michiel Blanchart. Pero también hemos sufrido para terminar algunas películas, como la del hermano de Rob Zombie o una un nuevo recordatorio de abandonar a nuestros mayores en asilos. Vamos con otra tanda de opiniones de Sitges 2024.
‘Daniela Forever’
Vigalondo siempre nos regala historias muy originales y sin duda ‘Daniela Forever’ no se queda corta. Un joven atormentado por la muerte de su novia descubre un tratamiento en el que poder controlar sus sueños y ahora puede soñar lo que quiera y revivir su vida junto a Daniela.
Una película compleja y muy bien dirigida. Con grandes ideas y bien llevadas a cabo, con imágenes muy preciosistas y colores muy llamativos. Una película que sin duda dará que hablar después del visionado, ya que admito que tiene un desenlace que da para varias interpretaciones. Puede recordar a ‘Olvídate de mí’, a veces a ‘Origen’, cuando estas dentro de sueños.
Largometraje que marca el debut como director de Michael Felker, quien hasta ahora se había destacado como montador en las películas de Aaron Moorhead y Justin Benson, de hecho, ambos la producen y este último tiene un pequeño cameo en la cinta. Felker mantiene el estilo que caracteriza a las producciones de Benson y Moorhead, combinando viajes en el tiempo con complejos asuntos familiares y dúos protagónicos.
Al igual que en los trabajos de Moorhead y Benson, el presupuesto es modesto, pero Felker sabe cómo maximizar inteligentemente sus recursos y embriagarnos de preguntas y misterios. La película no depende de grandes efectos visuales ni de escenarios ostentosos, en cambio, opta por jugar con las emociones y los dilemas humanos que surgen del concepto de manipular el tiempo y los lazos de sangre. La trama consiste en seguir a dos ladrones que roban usando el tiempo cual caja fuerte, como un lugar seguro y que funciona con contraseñas. Se sigue con facilidad aunque se enreda en su propia lógica temporal aportando pocas respuestas.
Felker demuestra tener un buen ojo para lo íntimo y lo emocional, logrando que la audiencia se conecte con los personajes. ‘Things Will Be Different’ es un primer trabajo prometedor, y aunque no innova dentro del género, sí consigue ofrecer una historia emocionalmente rica y bien ejecutada.
Una de las películas que más me ha gustado de este festival y que pronto podréis ver en las grandes pantallas.
Dividida en 6 episodios y contada de manera desordenada para mantener el misterio. Una chica corre desesperada huyendo de su captor. Eso es lo único que tenéis que saber, el resto, es solo disfrutar.
Otras veces os diría lo complicado que es hablar de una película sin poder hablar realmente de ella. Pero en este caso, entre el tremendo reparto que tiene, entre ellos Willa Fitzgerald y KyleGallner como protagonistas, los cuales están increíbles. También gracias al trabajo de dirección y guión, ambos de JT Mollner que consigue mantener el misterio sin que la película aburra. Y por supuesto la fotografía de Giovanni Ribisi, logra que lugares vulgares se conviertan en sitios atractivos para nuestros ojos, gracias a los colores utilizados en la película.
El próximo 11 de octubre ya la tenéis en cines y no os vais a arrepentir de darle una oportunidad.
‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación basada en el manhua chino ‘San shaonü meng tan’, creado por Zuo Xiaoling y Wei Ying. La historia sigue a un hada guardiana que abandona su puesto para enfrentar a una malvada hada en busca de venganza. Aunque la trama es predecible, destaca por su impresionante animación, que respeta el arte clásico asiático, fusionando técnicas digitales con un estilo visual inspirado en la pintura tradicional china. Cada escena es un lienzo vibrante, lleno de detalles y elementos mágicos. Los personajes, diseñados con un estilo «kawaii», son encantadores, aunque carecen de profundidad. La película se mueve entre lo poético, ingenioso y mojigato, capturando la esencia de las narrativas de fantasía china. Si te gusta la animación asiática y películas como ‘White Snake’ o ‘Big Fish & Begonia’, ‘The Umbrella Fairy’ es una opción atractiva.
Relato truculento y excesivamente tranquilo sobre los sacrificios de la maternidad en el que lo más valioso que sacamos es la frase “Dios no te odia, simplemente le das igual”. ‘Little Bites’, del productor y músico Spider One, ofrece una incursión en el terror que recuerda al espíritu retorcido y deprimente de las películas de su propio hermano, Rob Zombie. Aunque Spider One toma su propio camino alejándose de la locura o el frenesí, es inevitable notar la influencia fraternal en su enfoque del terror creando momentos asquerositos o malsanos. La película intenta jugar (pocas veces de manera efectiva) con el malestar del espectador, el cual, se incomoda sobre todo por lo pausado y fatigoso que es el relato. De los pocos méritos que tiene es el lograr ser incómodo y transmitir esa sensación de cansancio, pero no precisamente por obtener buenas interpretaciones.
El argumento no deja de ser original, pero salvo por alguna que otra conversación, no desarrolla nada. No he visto los otros dos largometrajes de Spider One, pero por ubicarle en alguna parte del panorama del terror, de ‘Little Bites’ para arriba estaría hacer algo con Jason Blum, para abajo ya sería hablar con la Asylum.
Había que ver esta película contando como cuenta con grandes mujeres del terror como Barbara Crampton (Re-animator), Heather Langenkamp (Pesadilla en Elm Street) y Bonnie Aarons (‘La monja’) además de la insólita producción de Cher.
‘The Kingdom’, dirigida por Julien Colonna y protagonizada por la debutante GhjuvannaBenedetti, logra destacar en el ya saturado género de películas sobre mafias, en gran parte gracias a la frescura que Benedetti y su personaje aportan a la pantalla. Su interpretación, llena de vulnerabilidad y fuerza, revitaliza una familia se películas que se siente gastada. La actriz, prometiendo una carrera llena de presencias magnéticas, introduce un aire nuevo y convincente en una historia de muerte y poder, donde el camino de su joven personaje se cruza con un entorno implacable.
Colonna opta por mostrar un choque brutal entre la juventud y la corrupción normalizada del mundo adulto. El filme, aunque tarda excesivamente en arrancar, impacta al sumergir a una persona tan joven en un universo dominado por la traición y el crimen organizado, y lo hace con una naturalidad que mantiene al espectador al borde. Las escenas de violencia son casi nulas y están bien dosificadas, sirviendo más como catalizadores de tensión emocional que como simples momentos de acción.
Aunque la trama no se desvía mucho de los clichés del género o de las historias tipo coming-of-age, ‘The Kingdom’ logra sostenerse gracias a la autenticidad de sus actuaciones, el costumbrismo de su puesta en escena y la habilidad de Colonna para crear una atmósfera oscura en medio del verano.
Un anciano es abandonado por su hijo en un asilo que parece guardar un secreto muy oscuro. La película está muy bien rodada, las actuaciones muy bien dirigidas, el diseño de las criaturas también bien, pero es aburrida, no ocurre nada hasta casi el final y la verdad que termina cansando. Es una pena, tenía una premisa bastante chula, vemos en ‘Night silence’ cosas bastante curiosas pero que al final no llevan a nada.
Como he comentado, el diseño de las criaturas es bastante original, hay una de ellas que parece sacada de algún que otro videojuego japonés e impresiona bastante. Pero bueno, supongo que como siempre os digo, si tenéis oportunidad verla, ya que quizás penséis todo lo contrario que yo y si me hacéis caso os estáis perdiendo una película que puede que os guste. Desgraciadamente no ha sido mi caso.
El debut como director de largometrajes de Michiel Blanchart me ha parecido una verdadera maravilla. Seguimos a Mady, un joven cerrajero que sin duda tiene la peor noche de su vida. Tras un encargo que le hace una chica, se ve envuelto en un asesinato y un robo por lo cual deberá huir por las calles de Bruselas intentando que no le maten.
Este thriller lleno de acción, muy bien rodada, logra mantenerte en tensión todo el rato. Una película que engancha desde el principio y que no se lía en meter cosas innecesarias, sino que se centran en la historia y sin duda funciona.
Un trabajo muy físico, tanto el de actores como todo el equipo. Cámaras que se mueven sin parar, persecuciones en coche, en bici, hay una escena en el metro que me parece una fantasía. Sin duda os recomiendo mucho ‘Night Call’, pronto os hablaré de ella más detenidamente.
No solo hemos visto películas en el día de hoy, sino que también hemos tenido la oportunidad de ver ‘Kokuhaku’, un cortometraje de AdriàGuxens y que nos ha gustado bastante gracias a su gran originalidad.
En el vemos una entrevista y conocemos a un joven que trabaja como onnagata, un actor que representa los roles femeninos en la tradición del teatro kabuki. A través de estas preguntas, conocemos su pasado y su interior más profundo.
Muy bien rodado, un cortometraje con en el que vamos alternando pasado (representado en blanco y negro) y actualidad en color en un camerino. Con una iluminación muy bien estudiada vemos cada expresión de dolor y triunfo del protagonista. Un cortometraje muy recomendable.
Hemos vivido el día más pintoresco y denso del festival
El lunes, aunque más desangelado que el resto del festival, siempre es un día fantástico en Sitges. En el festival se han proyectado todo tipo de películas, desde mujeres que se sienten como perros, hermanas que escuchan la voz de su hermano desde el espacio, gatos antropomórficos que van en moto, un imitador mexicano de Michael Myers, monstruos inspirados por el Goofy de la Disney, fantasmas manchegos, Hamlet representado en el Grand Theft Auto… Siempre hay para todos los gustos y colores. Probablemente este será el día más denso, repleto y variado de todo lo que nos aguarda el festival a si es que no dudéis en bajar a la sección de esta nueva tanda de mini-opiniones de Sitges 2024.
‘Bodegón con fantasmas’
El costumbrismo llega con historias de fantasmas. ‘Bodegón de fantasmas’ nos trae 5 capítulos en los que vemos las distintas historias con espíritus en un pueblo donde todos los vecinos se conocen. Una película que nos muestra como la vida y la muerte conviven de una manera natural y sencilla, sin terror, simplemente con la normalidad del día a día.
Muy divertida y amena, con unos actores muy creíbles y entrañables. Planos muy sencillos nos muestran la vida tranquila de estos lugares donde cualquier detalle puede ser motivo de cotilleo para días. Una cosa que se nos da estupendo es reírnos de nosotros mismos y sin duda, ‘Bodegón de Fantasmas’ es una de estas películas que lo demuestran.
Una película muy curiosa en donde vemos que el físico no importa nada, si no, la persona. Un hombre con una extraña enfermedad que le hace tener la cara desfigurada, consigue un tratamiento para ser “normal”. En ese momento aparece un hombre con su misma situación física alterando toda su nueva vida.
‘A different man’ me ha gustado, pese que sus últimos minutos me han dejado bastante fría. A pesar de este detalle, la película inquieta, ya que no sabes muy bien lo que está ocurriendo y logra muy bien entender al personaje principal, que tampoco entiende nada. Sebastian Stan está genial, tanto cuando está caracterizado como cuando no, y crea un personaje bastante conmovedor.
‘Ghost Cat Anzu’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra de Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.
Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Ghost Cat Anzu’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.
El estilo de animación muestra una clara influencia del Studio Ghibli, especialmente en los paisajes y en la fluidez de los movimientos. Sin embargo, la película mantiene una identidad propia ya que, de manera anómala en Japón, está rodada con actores reales y se ha pintado sobre las imágenes, en rotoscopia. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Ghost Cat Anzu’ una experiencia más íntima de lo que parece.
Ambientada a comienzos de los 90, cuando no había teléfonos móviles que pierdan cobertura pero si coches que no arrancan en el momento más urgente, este filme nos ubica en medio de un bosque de Michigan. Allí, la venta de una casa marcada por unos asesinatos se convierte en una pesadilla para una entusiasta que espera dos cosas, conseguir la venta que su jefe no logra y un bebé que está a punto de nacer.
Home invasion sin apenas diálogo de la mano del autor de ‘The boy behind the door’ con reminiscencias de ‘Hallloween’ y ‘Al interior’. Además de con cierto sabor latino y español pues la protagonista es la ceutí Alicia Sanz. Curiosamente, aunque tenga topicazos como la cajita de música, la canción de cuna y lo que yo llamo saltisustos, consigue crear desasosiego y tensión, sabiendo cuando enseñar y cuando jugar con nuestras ganas de saber qué ha sucedido.
Un mundo en el que los seres humanos están en extinción. Un padre intentando enseñar a sus dos hijos a sobrevivir en un mundo en el que las noches se vuelven mortales por culpa de unos terribles monstruos.
‘Arcadian’ es de estas películas que o bien aburren o todo lo contrario. Soy de la segunda opinión y es que me ha gustado mucho su ritmo, su manera de mostrarnos a esta familia rota que pese a su terrible situación intentan apoyarse los unos a los otros y por supuesto sobrevivir.
El diseño de los monstruos me ha encantado, son bastante originales. Aunque he visto en alguna entrevista que el director diseñó a esta criatura por su miedo a Goofy y bueno, supongo que tenía una visión muy diferente del perro de Disney.
Una artista que ha dejado todo para cuidar a su hijo mientras su marido trabaja, ve como de repente comienza a sufrir cambios en su cuerpo. Percibe más los olores, le crece pelo en zonas extrañas y tiene la creencia de estar convirtiéndose en perro.
Una película sobre la maternidad, lo difícil que es todo cuando una persona decide ser madre y abandonar todo lo que es. Pero no solo eso, también el como una relación cambia, por culpa de los silencios y el “todo va bien”.
Me ha gustado porque no todo es blanco o negro, todo tiene matices y no solo es darle la razón a unos u otros. Pronto tendréis la crítica extendida en la web.
Una joven debe de pasar una ruptura justo cuando se entera de que tiene una terrible enfermedad.
Después de esto, tiene que volver a su antiguo hogar y descubre que allí vive un terrible monstruo con el que tendrá que convivir.
Una visión moderna de ‘La Bella y La Bestia’. La cinta nos cuenta con mucho humor como Laura, nuestra protagonista va saliendo poco a poco de todas sus preocupaciones y gracias al monstruo logra sobrellevar todo con mucha paciencia.
El dejar de ser como los demás esperan y sobre todo, luchar por lo que quieres sean cual sean las consecuencias, son los temas que vemos en ‘Your Monster’. La película me ha sorprendido mucho, me lo he pasado pipa y es de estas que tiene un final muy interesante.
En un futuro muy lejano, la Tierra ya no es lo que era, los seres humanos ya no están y conocemos a una boya con una cámara que coge consciencia y un satélite encargado de tener en su ser toda la información que han dejado los seres humanos. Ambos comienzan a intentar sentir, a conocerse y comprender el cómo ser un ser humano.
La película es muy curiosa y deambula entre la animación y la imagen real. Con una crítica a los influencer y su falsa vida en las redes. También nos enseñan como quererse a uno mismo es muy importante y sobre todo pasar de las superficialidades.
El arranque de ‘El mal invisible’ logra captar la atención con su trama intrigante y un ambiente de creciente tensión. Protagonizada por David Verdaguer, Ángela Cervantes, MariusPraniausjas, Melina Matthews y Alex Bredemüll, entre otros, la serie comienza con una premisa inquietante: un asesino en serie mata personas por Barcelona, pero únicamente a personas sin hogar. Este primer episodio destaca por su ritmo sin pausa, que sería similar al de las series estándar policiales que llegan de USA si no se entretuviese en exceso con un drama amoroso. Al margen de eso construye su misterio a través de detalles y personajes que van haciendo la bola más grande.
Seguimos a dos policías en su investigación y a tres sintecho. Mantiene una buena dinámica, aunque se percibe que sobra metraje a cerca de algunos personajes secundarios que esperemos que tengan más relevancia en el futuro (hemos visto solo dos de sus ocho episodios). Esta creación de Lluís Arcarazo está inspirada en sucesos reales acaecidos durante el confinamiento del 2020. Quizá es por eso que la dirección busca aprovechar el entorno y los silencios, generando una sensación de amenaza constante. Por supuesto el arranque deja preguntas abiertas y el reto para lo que resta es mantener el equilibrio entre el misterio y el justificar el desarrollo de los personajes. Y es que si nos ceñimos a la historia real, aún está lejos de mostrar una verdadera pista.
Dirigida por Haofeng Xu y Junfeng Xu, es una película que destaca por su precisión coreográfica y su profunda conexión con la cultura tradicional china. La acción, lejos de ser un espectáculo exagerado, está meticulosamente orquestada, con combates que se sienten más como duelos filosóficos que simples enfrentamientos físicos. La gran pega, enorme pega, es lo interminables e inexplicablemente repetitivos que son. El filme intenta rendir tributo a las películas clásicas de artes marciales pero acaba siendo una saturación. Igualmente nos satura hasta marear el incesante movimiento de cámara en absolutamente todos los planos y secuencias. La cámara vuela y se mueve con steadicam por los escenarios, que son enormes y aunque están decorados con un gusto horrible, tienen una magnitud pavorosa.
Diría que la película invita a la reflexión sobre el honor, el respeto y el legado, pero los protagonistas van y vienen tantas veces que uno ya no entiende ni cuál es su motivación.
Ciencia ficción alejada de lo tradicional y buscando lo emocional y la reflexión por parte del espectador. Una tercera fase entre ‘Contact’ y el tratamiento extraterrestre de Cixin Liu. Juega con realidad, imaginación y sueño de un modo introspectivo y con final abierto a la interpretación.
Jérémy Clapin, director de la película animada ‘Dónde está mi cuerpo’, regresa en Sitges 2024 pero con un enfoque diferente. Ya de entrada abandona la animación para presentarnos un live acción en el que aún así no puede evitar introducir algún fragmento animado. De nuevo un filme sobre personas que se sienten desconectadas del mundo mientras o de algún modo incompletas. Su premisa recuerda a ‘UFO Sweden’ por su argumento de contacto alienígena y la búsqueda de un familiar y/o respuestas, pero alcanza a ir más allá entrelazando con una profunda reflexión sobre la identidad y el precio de pasar página.
A mediados del siglo XVIII, Agnes, una mujer recién casada, descubre las opresivas obligaciones que la vida matrimonial lleva consigo. Cuando cae en una depresión, un pensamiento innombrable comienza a formarse en su mente. En este film paciente pero desasosegante, el dúo responsable de Buenas noches, mamá se inspira en hechos reales para elaborar un desgarrador retrato psicológico del malestar femenino.
Crítica
Retrato de una enfermedad que aun hoy en día destroza vidas
‘El baño del diablo’ es la película que Austria ha seleccionado para que participe este próximo año en los Premios Oscars y hemos tenido la ocasión de verla y he de reconocer que me ha gustado mucho.
No creo que sea una película para todo el mundo, el ritmo que marca es bastante lento y a veces pesado, pero aun así me ha cautivado. La manera de contarnos una historia tan triste como terrorífica es muy buena, además de como nos muestra como una enfermedad tan grave como la depresión puede llegar que hagamos verdaderas locuras.
Conocemos a Agnes, una mujer que va a ser ejecutada, la historia comienza por el final y el recorrido de la película es ver como ha llegado hasta ese punto.
Dirigida y escrita por Veronika Franz y Severin Fiala, creadores de ‘Buenas noches, mamá’ o ‘The Lodge’, vuelven a unirse para traernos una cinta de terror diferente, muy real y que aunque ‘El baño del diablo’ está ambientada en otra época, se podría dar en la actualidad.
Como digo, tratan muy bien la depresión, sus diferentes fases y síntomas. En una época en la que no se entendía y simplemente daban a la persona por loca. Impresiona mucho ver como una mujer va poco a poco degradándose por culpa de esa gran tristeza que comienza a destruir su vida.
AnjaPlaschg, está maravillosa, su felicidad cuando comienza su historia en el pasado y como termina, esa evolución me parece increíble. El gesto de la cara, su cuerpo, como poco a poco va haciéndose más pequeña y vulnerable, me parece una actuación de diez. Además, Anja no es actriz, si no música y pone la banda sonora a la película. Me recuerda a cuando ChristinaRosenvinge fue elegida para interpretar a Karen Blixen en ‘Karen’ (aquí os dejamos una pequeña entrevista donde nos cuenta un poco la experiencia)
Junto a ella encontramos a MariaHotstätter, una mujer fuerte y decidida que intenta sacar hacia delante a su nuera, esa fuerza de otra época, que ni en un momento se deja flojear. Y DavidScheid, en el papel de Wold, el marido. Un cómico que aquí sin duda le da una vuelta a su carrera.
La fotografía es increíblemente oscura, llena de sombras, recuerda muchas veces a la oscuridad de los cuadros de Rembrant, donde había escenas cotidianas reflejadas en las luces de las velas. Todo este gran trabajo es gracias a MartinGschlacht.
‘El baño del diablo’ nos deja una historia muy triste, una historia que muchas personas pasan durante parte de sus vidas y no solo ellas, sino también sus más allegados. Una historia que se repite sea en la época que sea. Una película muy recomendable.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Título original: Des Teufels Bad. Duración: 120 min. País: Austria. Dirección: Severin Fiala y Veronika Franz. Guion: Severin Fiala y Veronika Franz Música: Anja Plaschg. Fotografía: Martin Gschlacht. Reparto principal: Anja Plaschg, Maria Hofstätter, David Scheid. Producción: Ulrich Seidl Film Produktion GmnH, ARTE, Bayerischer Rundfunk. Distribución: Caramel Films. Género: Thriller psicológico. Web oficial:https://www.caramelfilms.es/catalogo/el-bano-del-diablo/
Mike Flanagan conquista con su personalidad y su concepción del terror
Hoy ha sido el día en el que nos hemos quitado una espinita. El año pasado íbamos a conocer a Mike Flanagan y a Kate Siegel en el Celsius 232 pero las huelgas de actores y de guionistas impidieron que esta pareja estuviese presente. Ahora sí, en el marco de Sitges 2024 y con motivo de la entrega del premio Máquina del Tiempo ambos han estado presentes. Hemos podido encontrarnos con ellos en diversas charlas en las que Flanagan ha reconocido que el “ver terror cuando era niño me hizo más valiente”, así como dejar patente que es un enorme admirador, hasta tal punto de hacer de su sueño toda una cruzada, de Stephen King. Buenas noticias, ha confirmado una vez más que ha encontrado el lugar y el momento para materializar ‘La Torre Oscura’.
En 2019 ‘El hoyo’ se convirtió en la primera producción nacional en ganar en solitario el premio a Mejor Película en el Festival de Sitges. Galder Gaztelu-Urrutia ha regresado al lugar donde triunfó con su nuevo proyecto. No hablamos de la recién estrenada ‘El hoyo 2’, sino otro título más. ‘Rich Flu’ una nueva trama sobre la lucha de clases en la que el director explica como “Si algo nos han enseñado estas crisis recientes es que los más ricos siempre son inmunes a sus consecuencias; queríamos invertir eso”. En cuanto al tono pesimista de sus filmes ha comentado que “Íbamos a salir mejores de la pandemia, pero todos sabemos que no ha sido así”.
Presente también en el festival ha estado John Lynch. El actor de películas como ‘En el nombre del padre’ o ‘Los vigilantes’ ha estado en este Sitges 2024 para ser la cabeza de ‘The Head’, valga la redundancia. Se han proyectado los dos primeros episodios de la tercera temporada de esta serie de The Mediapro Studio. Lynch ha comentado sobre su personaje que “se cree un salvador, pero es capaz de hacer cualquier cosa por lo que considera correcto; yo pienso que es el villano, pero él pensaría que lo soy yo”.
‘Rich flu’
Un extraño virus acosa a las personas millonarias. Éstas deben huir y hacer desaparecer todas sus riquezas si no quieren morir. Galder Gaztelu-Urrutia, director de ‘El Hoyo’ vuelve a traernos una lucha de clases, esta vez en forma de virus y vemos como la codicia hace que las personas normales, se conviertan en viles. Una película con mucho fondo, con un comienzo, para mí, bastante bueno, pero que termina flojeando según avanza la trama.
Me gusta como hace que veamos lo complicada que es la vida para muchas personas en la actualidad. Como los refugiados deben buscarse la vida y sobrevivir en un mundo que se lo pone muy difícil simplemente por el hecho de haber nacido pobres.
Si que es cierto, que la película está muy bien rodada, tiene un repartazo increíble y sin duda tiene muchas virtudes. Pronto os hablaremos más detenidamente de ella en la web.
Poco se ha explotado el tema del fracking dentro del mundo del cine fantástico. Ya sabéis en qué consiste esa técnica, en extraer recursos energéticos como gas o petróleo mediante hidráulica, llenado la tierra de un material hasta que esta revienta de la presión, causando un gran impacto medioambiental. Algo así como lo que hicieron los romanos en Las Médulas para extraer oro. Si yo también me dedico a rellenar hablando mucho del término industrial del que parte el filme para desarrollar su “trama” de “terror” es por no tener que escribir demasiados descalificativos. Por que casi podría decir que apesta más que el gas que emana de una explotación de esas características.
Mal etalonaje, peores interpretaciones. Todo parece estar improvisado sobre la marcha. El monstruo, una suerte de trasunto de La Cosa de Carpenter atrapada en una cápsula del tiempo humana, resulta tan predecible como poco aterrador. La falta de presupuesto es evidente: los efectos digitales parecen hechos con filtros de Instagram, aunque hay algún que otro prostético decente. El único mérito de ‘Hell Hole’ radica en su póster y en alguna que otra idea retorcida para eliminar personajes. Se supone que tiene humor, pero es tan básico que no logra arrancar ni una sonrisa.
La película seleccionada para los Oscars de parte de Austria es la que hemos visto hoy. Una mujer incapaz de ser madre, un pueblo inmerso en un ambiente triste y oscuro. La película nos muestra el camino hacia una depresión, de cómo esta enfermedad se adentra en las personas.
‘El baño del diablo’ peca de tener un ritmo bastante tranquilo, pero aun así logra atraparnos y hace que suframos con esta mujer y con las personas de su alrededor que no entienden lo que ocurre.
Me ha gustado bastante, los actores están muy bien y la historia que cuenta, pese a que es una historia en otra época, es un sentimiento tan actual, que seguramente muchas personas se vean reflejadas en los síntomas por los que va pasando la protagonista.
Película china que mezcla géneros con audacia, combinando humor absurdo, viajes en el tiempo y una narrativa caótica pero entretenida. Se ambienta en una colonia humana en el planeta Kepler-160, donde los protagonistas enfrentan al reto de salvar al mundo y a sí mismos. La película destaca por sus efectos especiales y comedia, con una estética que recuerda al cine de Javier Fesser o a ‘Scott Pilgrim’. También evoca influencias de cineastas como Stephen Chow y Takashi Miike, introduciendo referencias constantes a la cultura pop global, desde Pulp Fiction hasta Nirvana.
A pesar de su estilo vibrante y su energía millennial, el ritmo se ve afectado en su nudo, donde la acción da paso a un drama más introspectivo que puede ser una zancadilla para el regocijo que estaban experimentando algunos espectadores. Recupera su intensidad al final y la película sigue siendo un cóctel visual que captura el espíritu de una generación saturada de entretenimiento.
Tres adolescentes elegidos por el destino adquieren la facultad de viajar en el tiempo, veinte años hacia adelante y hacia atrás, con un simple estornudo. El futuro resulta ser aún más deprimente que el presente, pero ellos tienen el poder para cambiarlo
Crítica
Cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento
‘Escape from the 21st Century’ llega con una mezcla de géneros que no teme unir lo absurdo con lo épico. Siguiendo la estela de ‘Todo a la vez en todas partes’, esta película asiática presenta una historia en la que los confusos viajes en el tiempo, las paradojas y el humor se entrelazan en un caos controlado. A pesar de su aparente anarquía narrativa, el filme también intenta reflexionar sobre temas universales, como la importancia de salvar el mundo y a uno mismo. Ambientada en un futuro lejano, en una colonia humana establecida en un planeta en torno a Kepler-160, la historia utiliza la ciencia ficción como un pretexto para recordar que, no importa cuán distantes estemos en tiempo y espacio, los valores como el amor, la amistad y el sacrificio siempre estarán ahí.
Uno de los aspectos más destacables de ‘Escape from the 21st Century’ son sus efectos especiales, que tienen una estética que en España solo tienen un único símil, la películas del cineasta español Javier Fesser. El tono humorístico, absurdo y a veces casi infantil recuerda a las películas de acción real de ‘Mortadelo y Filemón’, en las que la exageración y el slapstick son parte fundamental del lenguaje visual y cómico. La probabilidad de que Fesser esté en la mente del director Li Yang es más remota que el sistema Kepler-160 pero seguro que ambos beben de las mismas fuentes cinéfilas. Además con su imaginación y acción también evoca el estilo de autores japoneses como Hiroya Oku, creador de mangas llenos de fantasía y violencia estilizada, o el director de culto Stephen Chow, conocido por su capacidad para mezclar artes marciales, humor y efectos visuales desmedidos, como en ‘Kung Fu Hustle’, conocida en España como ‘Kung Fu Sion’.
Esta amalgama de referencias hace de ‘Escape from the 21st Century’ una especie de collage cinematográfico. Se siente el espíritu trash ochentero de películas como ‘Turbo Kid’, un film que celebra su bajo presupuesto y abraza lo kitsch, al igual que las películas del prolífico y excéntrico director Takashi Miike, famoso por su capacidad para mezclar géneros y estilos en formas tan dispares como perturbadoras. Hay guiños constantes a la cultura pop occidental y oriental: desde alusiones a Pulp Fiction, al disco más famoso de Nirvana y hasta la elegancia icónica de Audrey Hepburn. La banda sonora, en momentos culminantes, recuerda al estilo jazzístico de ‘Cowboy Bebop’, elevando el clímax emocional y la acción desenfrenada. Incluso el origen de los superpoderes de los personajes parece una réplica directa de la película italiana ‘Le llamaban Jeeg Robot’, subrayando las múltiples influencias que la cinta asume sin complejos.
Sin embargo, a pesar de este despliegue de creatividad, la película no está exenta de pegas. Lo que comienza como una frenética explosión de ideas y originalidad se frena abruptamente durante su nudo. El segundo acto abandona sus excentricidades para centrarse en el drama de sus protagonistas, intentando darles una mayor profundidad emocional. Pero este cambio de tono es torpe, provocando que el filme se sienta adormecido en comparación con su caótico primer acto. La desenfrenada energía millenial, que venía cargada de efectos visuales propios de filtros de redes sociales o de la dinámica de ‘Scott Pilgrim’, se diluye a medida que la trama intenta volverse más introspectiva, algo que podría decepcionar a quienes disfruten más del caos visual y la acción desbordada. Se intenta recuperar el ritmo al final pero no puede evitar cerrar con el arquetípico enfrentamiento ante el final boss.
Siguiendo el ejemplo del humor del filme he de decir que si sois de los que se han hecho prejuiciosos a raíz de la COVID-19 y os da miedo ver a un chino estornudar, esta película va a cambiar ese injusto estigma que se ha creado. Es un tipo de cine más que actual y capaz de competir en cualquier taquilla. Es un cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Cong 21 Shi Ji an Quan Che Li. Duración: 98 min. País: China. Dirección: Li Yang. Guion: Li Yang. Música: Xiao’ou Hu. Fotografía: Saba Mazloum. Reparto principal: Ruoyun Zhang, Elane Zhong, Yang Song, Xiaoliang Wu, Yanmanzi Zhu, Leon Lee. Producción: Beijing Enlight Pictures, Desen International Media, Huanxi Media Group, Scity Films. Distribución: YouPlanet, Prime Video. Género: aventura, ciencia ficción, acción. Web oficial:https://www.ewang.com/m/218449-1.html
Manel Loureiro y Carles Torrens ha lanzado hoy la adaptación de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’. El comienzo de la serie de Prime Video que se basa en las novelas sobre zombies en España ha tenido buena acogida (opinión más abajo). “En la transición de las páginas a la pantalla siempre debe haber cambios, pero con un material tan amado por una comunidad tan pasional puede ser complicado”. El actor Francisco Ortiz ha confesado haber evitado cualquier tipo de referente del género de zombies durante la preparación del filme, pues “quería conservar el espíritu humanista del personaje sin impregnarle demasiados tics del cine de terror”. Ambos han dado el pistoletazo de salida a la Zombie Walk.
Quién mejor que Nick Frost (‘Zombies Party’) estar presente en el día de la tradicional Zombie Walk que ha convertido este Sitges 2024 en un desfile de vecinos convertidos en muertos vivientes. El actor, comediante y guionista ha recibido hoy el premio Màquina del Temps como premio a su carrera y como antesala de la presentación de su nueva película ‘Get Away’ (una de las tres obras con las que está presente en Sitges 2024). “Mi proceso de escritura consiste en ver películas de terror sin parar y escribir mínimo diez páginas cada día, aunque sean malísimas”, ha explicado el actor acerca de su trabajo creativo.
El premio Nosferatu de este año ha recaído en el actor italiano Fabio Testi. Y un compatriota suyo, el productor, director, guionista y ejecutivo Ovidio G. Assonitis, ha recogido el otro premio Màquina del Temps.
Paco Caballero ha mostrado su adaptación de ‘Invisible’ de Eloy Moreno y Marc Recha ha gozado del estreno mundial de su obra ‘Centaures de la nit’ en una jornada en la que estaban programadas película como ‘Mads’, ‘Exhuma’ u ‘Oddity’ con presencia de su director, el talentoso Damian McCarthy. Además se han entregado los Premios SGAE Nueva Autoría 2024 que se han repartido entre el alumnado de ESCAC, ECIB y La Casa del Cine. Así mismo se ha celebrado la primera jornada Horror Girls compuesta por varias charlas destinadas a reconocer e impulsar el cine realizado por mujeres.
Ovacionada ha sido la presencia en Sitges 2024 de Damien Leone que acompañado del actor David HowardThornton (Art) y las actrices SamanthaScaffidi y Lauren LaVera han presentado ‘Terrifier 3’. “De hecho, una de las mayores inspiraciones de Art the Clown es el papel que Stefán Karl Stefánsson interpretó en la serie infantil Lazy Town; cuando me ofrecieron el personaje lo primero que hice fue llamarle” ha declarado el actor. Leone por su parte, entusiasmado con la repercusión de su trilogía, ha declarado que “¡Art the Clown ha llegado incluso al Call of Duty, es fantástico!”.
Damian McCarthy vuelve tras conquistarnos en Sitges 2021 con su primer largometraje, ‘Caveat’, del cual, muchos recordarán su espeluznante conejito, que por cierto aquí hace una aparición en forma de huevo de pascua como los que veíamos en Expediente Warren. De nuevo consigue una trabajada atmósfera, nos lleva a un lugar aislado de la civilización y conduce el terror a través de objetos inanimados. Pero marca la diferencia con una historia de suspense, de esas que saben dosificar la información y tienen un toque espeluznante.
Se trata de un thriller en el que una mujer ciega tiene poderes de médium a través del tacto con objetos. La película trata el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad a través de elementos sobrenaturales. De nuevo McCarthy consigue salirse de la norma y además de brindarnos una buena historia nos sobresalta con más de un ingenioso jumpscare.
Siguiendo la perversión animada de películas como ‘La fiesta de las salchichas’, Tommy Wirkola (‘Zombies nazis’) se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.
Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que es como retorcer ‘Érase una vez el cuerpo humano’ teniendo momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a ‘El chip prodigioso’ o al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.
Aventura veraniega y calenturienta de un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Película que sin mojigatería y con mucho descaro narra esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Literal y gráficamente es para decir ¿¡qué cojones!?
Dividida en episodios, vamos conociendo a los distintos personajes. Una familia atormentada por una extraña enfermedad y un grupo de personas que son contratadas para lograr paliar estos extraños eventos sobrenaturales.
La película atrapa desde el minuto uno, tenemos una atmósfera muy bien construida. Con unos personajes bastante planos, necesarios para que nos fijemos bien en la trama y en todos los eventos misteriosos que tienen que ir soportando nuestros protagonistas.
Me encanta como introducen algo de la mitología coreana como la eopshin, una curiosa criatura que, aunque aparece poco, da un poco de susto cuando lo hace. Además de mostrarnos alguna que otra ceremonia chamán para intentar que los espíritus malignos se marchen.
Una película muy recomendable que llegará a nuestras pantallas gracias a YouPlanet.
Descubriendo la verdad tras la muerte de la hermana con la ayuda de un maniquí de madera.
Crítica
La capacidad de McCarthy para crear atmósferas inquietantes no es nada casual
Damian McCarthy, el director irlandés emergente conocido por su inquietante ópera prima ‘Caveat’, regresa con ‘Oddity’, una película que demuestra que su capacidad para crear atmósferas perturbadoras y originales no es nada casual. Con su primer largometraje, McCarthy dejó una impresión duradera en el Festival de Sitges 2021, y ‘Oddity’ no solo mantiene el nivel, sino que amplía su repertorio con una mezcla intrigante de suspense y terror que explora temas profundos y universales.
‘Oddity’ es un thriller psicológico que se adentra en el mundo del sobrenatural a través de los sentidos de una protagonista ciega, quien posee una habilidad extraordinaria: puede percibir la esencia de los objetos mediante el tacto. Esta habilidad la convierte en un canal para la comunicación con entidades del más allá y añade una dimensión única al clásico enfoque del terror basado en objetos inanimados, un recurso que McCarthy ya había manejado con maestría en su debut y que aquí rememora al Golem de Praga e incluso a películas de brujería o vudú. En esta ocasión, el director refuerza su habilidad para crear una atmósfera densa y perturbadora, utilizando el espacio físico y los objetos como vehículos de horror.
La trama se desarrolla en un entorno aislado, una elección que McCarthy utiliza nuevamente para intensificar el suspense. Este aislamiento no solo sirve para incrementar el sentido de claustrofobia, sino que también actúa como un catalizador para los eventos sobrenaturales que comienzan a desvelarse a medida que la protagonista explora su entorno e indaga sobre la muerte de su hermana. La película toma el tiempo necesario para desarrollar su historia, dosificando la información de manera efectiva y construyendo una tensión que mantiene al espectador en constante expectativa. Este enfoque en la narrativa es crucial para crear una experiencia envolvente y auténticamente inquietante.
‘Oddity’ no es solo un ejercicio de estilo; también aborda temas profundos como el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad. La protagonista se enfrenta a su propio tormento interno mientras lidia con la pérdida y busca respuestas en un mundo que le es tanto familiar como extraño. McCarthy emplea elementos sobrenaturales no solo para provocar miedo, sino también para explorar estos temas con profundidad y sensibilidad. La combinación de estos elementos proporciona una narrativa rica y multifacética que añade peso emocional al terror psicológico que se despliega. Esta no es una película con un kill count alto pero aún así la muerte está presente.
Un aspecto que merece especial atención es la manera en que McCarthy introduce y maneja los jumpscares. En lugar de depender exclusivamente de estos momentos para generar impacto, el director los utiliza con astucia y originalidad. Los jumpscares en ‘Oddity’ son ingeniosos y bien fundamentados dentro del contexto de la historia, evitando la sensación de ser simplemente una táctica para sobresaltar al público sin una conexión con el desarrollo narrativo. Esto demuestra una madurez en la dirección y una comprensión profunda del arte del terror.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Oddity. Duración: 98 min. País: Irlanda. Dirección: Damian McCarthy. Guion: Damian McCarthy. Música: Richard G. Mitchell. Fotografía: Colm Hogan. Reparto principal: Gwilym Lee, Carolyn Bracken, Tadhg Murphy, Caroline Menton, Steve Wall. Producción: Keeper Pictures, Nowhere, Shudder. Distribución: Versión Digital, Yoda Films. Género: terror. Web oficial:https://keeperpictures.ie/productions/oddity/
La famosa chamana Hwa-rim y su protegido Bong-gil reciben una gran suma de dinero para reunirse con los descendientes de una familia afectada por una enfermedad peculiar y hablar de sus ritos funerarios. Al percibir el aura siniestra que rodea al nicho familiar, Hwa-rim propone trasladar la tumba, iniciando una peligrosa cadena de eventos sobrenaturales. Terror coreano de calidad con Choi Min-sik (Old Boy) en un papel destacado.
Crítica
Inquietante e interesante
Una familia atormentada por una extraña enfermedad, contrata a la famosa chamana Hwa-rim y su discípulo para intentar llegar al fondo de todo lo que les está ocurriendo. Todo parece estar relacionado con el enterramiento de un antepasado. Así que deberán desenterrar una tumba e intentar calmar a los espírituos.
‘Exhuma’ está dividida en varios episodios, cada uno de ellos, aunque sigue la historia, nos va contando poco a poco las distintas situaciones de todos los personajes que vamos conociendo. Esto logra que no perdamos el interés de lo que estamos viendo en ningún momento. La cinta atrapa desde el primer minuto.
Encontramos una atmósfera muy bien construida. Oscura, misteriosa, llena de pequeños detalles que nos adentran en el imaginario coreano. Los personajes son bastante planos, pienso que es algo hecho a propósito pues con ellos se logra que lo que nos importe más es lo que nos están contando, que nos fijemos en esos elementos importantes, en los eventos sobrenaturales que van ocurriendo y que no nos distraigan con dramas innecesarios.
Como he comentado, parte de la mitología oriental está en la película. Podemos ver alguna que otra ceremonia chamán para lograr que los malos espíritus se marchen y también vemos alguna que otra criatura, como es el caso de la eopshin, que logra crear bastante malestar cuando es vista.
Jang Jae-Hyun, consigue una película entretenida, pese a su larga duración. Lo que nos cuenta es muy interesante y no llega a perder fuera en ningún momento. Es un acierto el que la vaya dividiendo en pequeños capítuos para conseguir un efecto más dinámico.
En el reparto encontramos al mítico Choi Min-Sik, protagonista de ‘Oldboy’, que nos regala una de las mejores actuaciones de la película, con un personaje muy bien construido. Kim Go-eun, es la encargada de dar vida a la chamana, un personaje muy serio y que tiene mucho trabajo por delante.
Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul o Kim Tae-joon, son parte del reparto de esta gran película.
Ya sabéis que el tema de la fotografía me encanta y sin duda es uno de los puntos fuertes de esta película, Lee Mo-gae, es el que se encarga de todas estas imágenes oscuras, llenas de misterio, con unos colores tenues y bastante deprimentes.
También el sonido es muy importante en ‘Exhuma’. La manera de utilizarlo para mantenernos en tensión es muy buena y sobre todo cuando hacen los rituales, con los tambores, los cánticos, todo ello hace que tengamos cierta tensión en lo que se viene en cuanto acabe la ceremonia.
Poco más que decir, la verdad que la película la he disfrutado mucho y pronto llegará a nuestras salas de cine gracias a Youplanet.
Ficha de la película
Estreno en España: Próximamente. Título original: Pamyo. Duración: 134 min. País: Corea del Sur. Dirección: Jang Jae-hyun. Guion: Jang Jae-hyun. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Lee Mo-gae. Reparto principal: Kim Go-eun, Choi Min-sik, Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Derek Chouinard, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul, Kim Tae-joon. Producción: Showbox Entertainment, MCMC, Pinetown Production. Distribución: Youplanet. Género: Thriller. Web oficial:https://exhuma.de/
Spermageddon es la nueva película de Tommy Wirkola, responsable de éxitos tan irreverentes como Zombis nazis o Noche de paz. En esta ocasión, se ha unido al director de animación Rasmus A. Sivertsen para dar forma a una comedia musical protagonizada por espermatozoides que fue recibida con aplausos en el Festival de Annecy.
Crítica
Un ‘Del revés’ a lo irreverente y pervertido
La mezcla que vivimos con ‘La fiesta de las salchichas’, animación simpaticona desfigurada con diálogos y acción bastante subida de tono, funcionó la mar de bien. No fue el primer ejemplo de ese estilo que tuvimos y no será el último. Ahora Tommy Wirkola, director de ‘Zombies nazis’ o ‘Noche de paz’, se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.
Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que ‘Spermageddon’ funciona como una versión retorcida de ‘Érase una vez el cuerpo humano’ acompañada de momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a títulos como ‘El chip prodigioso’ y por su humor o la manera de establecer una civilización dentro de nuestros cuerpos, al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la perversión y la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.
Vivimos la aventura veraniega y calenturienta de dos protagonistas, un humano y un miembro microscópico de su cuerpo. Un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Con internet y la cantidad de estímulos audiovisuales sin censura que nos llegan, a las generaciones actuales casi les sobra “la charla”. Por eso surgen este tipo de películas que sin mojigatería y con mucho descaro narran esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Evidentemente ‘Spermageddon’ está lejos de ser una clase de educación sexual con todos sus momentos escatológicos y chistes verdes que lejos de la metáfora son tremendamente explícitos. Literalmente es para decir ¿¡qué cojones!?
No la recomendamos ver en su versión original, sobre todo por las canciones. Curiosamente el nombre de los personajes se forma a través de juegos de palabras en inglés con términos como cum, semen o jizz. Pero la sonoridad del lenguaje nórdico resta gracia a los muchos gags de los que dispone.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de julio de 2025. Título original: Spermageddon. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Rasmus A. Sivertsen, Tommy Wirkola. Guion: Vegar Hoel, Jesper Sundnes, Tommy Wirkola. Música: Christian Wibe. Reparto principal:Producción: 74 Entertainment, Qvisten Animation. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://www.qvisten.no/work/spermageddon/
El payaso Art se dispone a desatar el caos entre los desprevenidos habitantes del condado de Miles mientras duermen plácidamente en Nochebuena.
Crítica
Mucha casquería y payasadas detrás de una historia repetida que puede cansar
Este próximo Halloween llega fuerte y es que regresa Art, el payaso macabro que nos ha deleitado con un sinfín de muertes crueles durante dos películas. En esta tercera, que es más corta que su anterior predecesora, sigue la misma senda, en la que la casquería no va a faltar. Además por supuesto, de que no mira quien es la víctima, le da igual y eso hay quienes lo van a sufrir.
Tiempo después de los ocurrido en la segunda parte, en la que dos hermanos logran sobrevivir a este ser, Art vuelve, esta vez en Navidad, dispuesto ha fastidiar las fiestas a cualquiera que se ponga en su camino, en la búsqueda de Sienna y su venganza hacia ella.
La película no me ha disgustado, pero tampoco me ha terminado de convencer. Soy fan de estas películas, me gusta mucho como arriesga a la hora de no importarle lo que puedan decir al matar a un personaje u a otro. Da igual la edad, da igual todo para un ser que mata sin miramientos. Pero es cierto, que por otro lado, fastidia el que no arriesgue con la historia y se vaya por lo sencillo y repetitivo. No me voy a alargar con esto, puesto que al final la película merece ser vista, pero si que es cierto es bastante vaga en su desarrollo.
Cosas buenas, como siempre, son las muertes. Al final, las personas que van a ver este tipo de cine, es porque les divierte la casquería y los slasher. Y sin duda ‘Terrifier 3’ reúne todos los requisitos para ser disfrutado. Al contrario que en la segunda película con algún parón que otro, aquí no dejan descanso y la verdad que cada poco tenemos nuevas víctimas de Art.
Damien Leone, vuelve a encargarse de todo el proyecto. Dirección y guion van de su mano y por supuesto David Howard Thornton vuelve a meterse debajo del maquillaje macabro de este payaso mudo. Y por supuesto, vuelve a ponernos los pelos de punta. Si que es cierto que ha perdido un poco el tono siniestro, en esta tercera parte, le vemos hacer bastante más el payaso que en las otras.
Se nota que han dispuesto de más dinero, pues como digo, ha habido muchas muertes y eso significa mucho reparto en la nueva película. Entre ellos encontramos a Jason Patric, Lauren LaVera, Daniel Roebuck, Samantha Scaffidi, Bryce Johnson, Chris Jericho, Charlotte McKee o cameos como el de Clint Howard o Tom Savini.
Por supuesto, el trabajo de maquillaje y los efectos especiales están brutales. Los cuerpos desmembrados, vísceras o cualquier parte del cuerpo interna, están estudiadas al mínimo detalle y dan la sensación de viscosidad que parece que lo estés tocando en directo. Da bastante asquito.
Por lo demás, ‘Terrifier 3’ se repite en forma y de nuevo queda preparada para una cuarta entrega, que admito, tiene pinta que va a estar mucho mejor al adentrarnos en otro mundo totalmente diferente.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Terrifier 3. Duración: 125 min. País: Estados Unidos. Dirección: Damien Leone. Guion: Damien Leone. Fotografía: George Steuber. Reparto principal: David Howard Thornton, Jason Patric, Lauren LaVera, Daniel Roebuck, Samantha Scaffidi, Bryce Johnson, Bradley Stryker, Charlotte McKee, Elliott Fullman, Krsy Fox, Chris Jericho, Sienna Hubert-Ross, Antonella Rose, Margaret Anne Florence, Tom Savini, Mason Mecartea, Alex Ross, Producción: The Coven, Bloody Disgusting, Dark Age Cinema, Fuzz on the Lens Productions. Distribución: Selecta Vision. Género: Terror. Web oficial:https://www.selecta-vision.com/catalogos/terrifier-3/
‘La sustancia’ destaca a pesar de la visita de múltiples celebridades
Hoy ha sido el día en el que hemos visto una de las mejores películas de lo que va de año, ‘La sustancia’. La película de Coralie Fargeat ha causado sensación y es una pena que no pueda participar a concurso en la Sección Oficial porque se llevaría de calle una buena cantidad de premios. En las reseñas que publicamos más abajo tenéis más detalles y opiniones sobre precuelas y secuelas que hemos visto hoy como ‘Terrifier 3’ o ‘Apartment 7A’.
La propia Coralie Fargeat ha desfilado por los distintos photocalls del festival por los que han pasado hoy celebridades ensombrecidas por el impacto de su película. Han visitado Sitges 2024 artistas como Damien Leone, David Howard Thornton, Lauren LaVera y SamanthaScaffidi, todos ellos de ‘Terrifier 3’. También ha empezado sus primeras actividades el carismático Nick Frost (‘Zombies party’, ‘Trilogía del Cornetto’).
Y ya ha aterrizado en Sitges 2024 el receptor del Premio Honorífico Màquina del Temps, Mike Flanagan. El autor de series como ‘La maldición de Hill House’ o de películas como ‘Doctor sueño’ ha comenzado su periplo por esta edición con sendos visionados de trabajos anteriores como ‘Hush’ y ‘The Stand’.
Y por su fuese poco, algunos afortunados han podido ver el documental ‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’. Ha sido unánime la sensación conmovedora en este repaso a la carrera cinematográfica y la vida personal del mejor Clark Kent de la historia. Una película, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que Warner Bros. Pictures estrenará pronto en cines de España.
‘La sustancia’ es un thriller de terror y ciencia ficción que, además de impactantes efectos visuales, ofrece una profunda crítica. La película, magníficamente protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, explora la presión que la industria de la imagen ejerce sobre las mujeres de determinada edad, obligadas a mantenerse jóvenes para no ser olvidadas.
Para comprender su trama de Serie B hay que indicar que es un remake no oficial de ‘Rejuvenatrix’. Con ecos del cine de Cronenberg (‘La mosca’ y ‘Rabid’ bien presentes), aborda la obsesión por la juventud eterna y sus consecuencias. La transformación física grotesca de sus personajes simboliza el terror real: el miedo a envejecer en una sociedad que venera la juventud. Aunque emplea tropos del cine de terror de serie B, ‘La sustancia’ se distingue por entrelazar este horror con una crítica más intelectual y relevante sobre las expectativas inhumanas impuestas por la “cultura”. Goza de un erotismo provocador y un sonido apabullante. Es ‘La muerte os sienta tan bien’ versión plástica, gore y prostéticos de látex.
Cómo me ha gustado ‘Apartamento 7A’, la precuela de ‘La semilla del diablo’, que aún no tiene fecha de estreno en España. Nos cuenta una historia casi paralela a la que vimos en la película de Polansky. Acompañamos a Terry, una bailarina a la cual las cosas no le van demasiado bien, que termina viviendo en uno de los edificios más importantes de Nueva York gracias a una pareja de ancianos, a partir de aquí, su vida se complica, en todos los sentidos.
La manera en la que Natalie Erika James rueda es muy cuidada, bonita y aunque esta película sea de terror, tiene imágenes muy bucólicas y artísticas. No es perfecta, pero sin duda a mí me ha convencido de principio a fin.
Volvemos a encontrarnos a Art en esta tercera película, en la que el payaso nos muestra otro festín de casquería pura y dura. Sin complejos, sin miramientos, no hay persona que deje escapar a sus garras.
‘Terrifier 3’, regresa 5 años después de lo ocurrido en la segunda parte, en la que dos hermanos logran sobrevivir a este ser. Aquí les volvemos a ver y vuelven a ser víctimas de Art. Aunque la película en esta ocasión es más corta, no para de haber asesinatos cada poco y la acción en sí es bastante dinámica, ‘Terrifier 3’ llega a ser aburrida por el simple hecho de que no han arriesgado y se han ido a por la trama fácil. No voy a meterme en ella, pues siempre animo a ver las películas, pero es cierto que hubiese estado mucho mejor si hubiesen innovado a la hora de explicar el origen de Art.
Una de las películas que más esperaba este año, era ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ y es que soy fan del libro de Manel Loureiro en el que se ha basado esta película.
Básicamente, un virus comienza a afectar a la humanidad de manera terrible convirtiéndolos en horripilantes zombies. Manel junto con Lúculo, su gato, emprende una aventura en la búsqueda de lo queda de su familia.
Película bastante sencillita, muy básica pero que funciona muy bien. Es entretenida y los personajes muy interesantes. Si que es verdad, que aunque en el tramo final tiene bastante acción, aun así le falta un poquito de fuerza. También es cierto que todo este comentario viene de una lectora de la novela y las comparaciones suelen ser odiosas. Así que os animo a verla, a partir del 31 de octubre la tendréis en Prime Video.
‘Infinite Summer’ es una película de Miguel Llansó, conocido por su mezcla de surrealismo y crítica social. En esta obra, Llansó explora una visión enigmática del futuro cercano, donde la tecnología cyberpunk y la realidad aumentada son parte integral de la vida cotidiana. La historia sigue al personaje de Teele Kaljuvee-O’Brock, quien pasa el verano con dos amigas, afrontando la vacuidad de sus relaciones y anhelando la atención de una de ellas. Llansó utiliza este escenario para criticar la creciente o alarmante dependencia de la tecnología y la incapacidad cada vez más acentuada que tenemos para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.
El enfoque visual de la película es notable, con colores vibrantes y efectos psicodélicos que crean una atmósfera única, reflejando el estado mental de la protagonista. El guion, aunque profundo y filosóficamente antropológico, puede resultar inaccesible para quienes prefieren tramas más lineales. La película puede sentirse lenta debido a su estilo abstracto, sin embargo, ofrece una experiencia cinematográfica desafiante y original para los espectadores dispuestos a sumergirse en su mundo visual y conceptual.
Thriller que promete una atmósfera cargada de misterio, pero se queda corto en ejecución. Si habéis visto ‘Speak no evil’ o su reciente remake la trama te puede resultar familiar. Si sigues el cine de Haneke también puede serte poco sorprendente el malsano juego que sufren los protagonistas. Si no estás familiarizado con ninguna de las anteriores referencias la película de Mercedes Bryce Morgan te va a resultar toda una sorpresa, que tarda en cargarse con sus movimientos de celos y desconfianza para brindarnos una recta final cargada de violencia.
La película apuesta por un ritmo pausado que intenta construir tensión, pero cae en lo predecible y no logra mantener el interés. Los giros de guión tardan en aparecer y si lo que te gustan son los títulos cargados de erotismo y manipulación puede entretenerte. Hay que reconocer que aunque dista de tener algo novedoso, sus personajes tienen cierta simpatía, pero no llegan a ser realmente carismáticos.
Como curiosidad, os sonará la protagonista pues es Maddie Hasson de ‘Maligno’ y la música del filme, pues la pone el español Roque Baños.
El documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ ofrece una mirada profunda a la vida del actor, más allá de su icónica interpretación de Superman. Lejos de caer en el sensacionalismo o en la lágrima fácil, explora la vulnerabilidad que se esconde tras el héroe, recordando los momentos que marcaron su vida y lo hicieron madurar. Dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el filme no solo destaca su carrera, sino también su lucha tras el accidente que lo dejó parapléjico. Reeve se convirtió en un símbolo de valentía y resiliencia, defendiendo los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero héroe. Además, el documental presenta conmovedores testimonios de sus hijos, reflejando a un padre transformado, lo que da a la película un enfoque centrado en los valores familiares. Con material de archivo sorprendente, el filme recuerda a una figura que, desde joven, demostró un fuerte sentido de la justicia y compromiso social. Lleno de momentos emotivos, anécdotas tiernas y educativas, deja una impresión duradera, logrando que Christopher Reeve vuelva a brillar en la pantalla.
Durante las vacaciones de verano, Mia y sus amigas prueban una app para meditar que produce experiencias psicodélicas. La investigación policial revela que detrás de la app hay una empresa fantasma, de intenciones desconocidas. Cuando una de las chicas acaba en el hospital y la otra escapa de milagro, Mia se enfrenta a la disyuntiva entre salvar a sus amigas y confesarse ante la policía o unirse a ellas en un viaje hacia lo desconocido.
Crítica
Reflexión visual y filosófica al borde del transhumanismo
‘Infinite Summer’ es una película dirigida por Miguel Llansó, un cineasta conocido en ciertos círculos por su batiburrillo de película ‘Jesus Shows You the Way to the Highway’ en la que muestra su capacidad para fusionar elementos surrealistas y sociales. Se adentra en una visión juvenil y enigmática del futuro cercano, explorando temas de alienación y existencia a través de una narrativa visualmente deslumbrante pero conceptualmente desafiante.
La trama de ‘Infinite Summer’ nos presenta un futuro no tan lejano donde convivimos con las inteligencias artificiales y la realidad aumentada como herramientas de primera necesidad y cotidianidad. La historia sigue a una protagonista (Teele Kaljuvee-O’Brock) que se encuentra pasando el verano con dos amigas, intuimos que los últimos coletazos de las vacaciones pues se cuentan sus viajes recientes. En ese escenario vemos como anhela la atención de una de sus amigas, de la cual, solo recibe el vacío y diversos feos. Llansó emplea esta premisa para ofrecer una crítica aguda de nuestra cada vez más alarmante dependencia de la tecnología, los deseos de la adolescencia y nuestra incapacidad para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. De este modo se alinea con la ciencia ficción cyberpunk, prácticamente transhumanista.
Uno de los aspectos más destacados de la cinta es su enfoque visual. Llansó y su equipo creativo han trabajado para construir un ambiente visualmente impresionante que refleja la naturaleza surrealista y frecuentemente psicotrópica del relato. El uso de colores vibrantes, composiciones abstractas y efectos tecnológicos llamativos crea una atmósfera única que refuerza el tono. Este estilo visual no solo enriquece la experiencia estética, sino que también sirve para sumergir al espectador en el estado mental de la protagonista, un verano interminable que podría ser reflejo de su propia desesperación.
El guion de ‘Infinite Summer’ es otro punto focal interesante. Llansó combina diferentes tipos de diálogos, en cierta medida introspectivos, para explorar temas complejos como la identidad o la búsqueda de sentido en la vida. Sin embargo, este enfoque filosófico puede ser un arma de doble filo. Aunque ofrece una reflexión profunda sobre la condición humana, también puede resultar inaccesible para algunos espectadores que buscan una narrativa más lineal o directa. La película se adentra en un terreno abstracto y conceptual, lo que puede desafiar la paciencia de quienes prefieren tramas más convencionales.
En términos de ritmo, la película puede sentirse lenta en algunos momentos. La duración prolongada de las escenas introspectivas puede llevar a una sensación de estancamiento. No obstante, para los espectadores dispuestos a embarcarse en este viaje visual y filosófico, ‘Infinite Summer’ ofrece una experiencia cinematográfica única que desafía las normas del género y la narrativa convencional. En mi opinión personal la película se resume en diversas reflexiones antropológicas que interpreto que giran ante la evidencia de que la mayoría no busca espacio o no tiene capacidad para meditar por si mismo. Es patente que dejamos que la presión social, y lo que es peor, las apps y los dispositivos nos digan como sentirnos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Infinite Summer. Duración: 90 min. País: Estonia, España. Dirección: Miguel Llansó. Guion: Miguel Llansó. Música: Laurie Spiegel. Fotografía: Israel Seoane. Reparto principal: Teele Kaljuvee-O’Brock, Hannah Gross, Johanna Rosin, Ciaron Davis. Producción: Lanzadera Films, Tallifornia, Savage Rose Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial:https://www.lanzaderafilms.com/Infinite-Summer
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