Crítica: ‘Moonfall’

Sinopsis

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Una fuerza misteriosa golpea a la Luna fuera de su órbita y la envía directamente contra la Tierra a toda velocidad. Unas semanas antes del impacto, y con el mundo al borde de la aniquilación, la ejecutiva de la NASA y ex astronauta Jo Fowler (Halle Berry) está convencida de tener la clave para salvar nuestro planeta. Pero solo el astronauta Brian Harper (Patrick Wilson) y el teórico conspiranoico KC Houseman (John Bradley) la creen. Estos héroes organizarán una misión espacial imposible, dejando atrás a todos sus seres queridos, para aterrizar en la superficie lunar e intentar salvar a la humanidad, enfrentándose a un misterio de proporciones cósmicas.

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Crítica

No puede ser más lunática

Roland Emmerich es harto conocido por sus películas de catástrofes y ‘Moonfall’ es una más, pero una que va más allá. Si previamente había congelado a toda la humanidad, la ha atacado con OVNIS o la ha arrasado varias veces con maremotos o volcanes poniéndose en las peores pesadillas del pueblo maya, ahora nos tira la luna encima. Pero en sus películas se reserva siempre más sorpresas, si cabe. Y es que vivimos tiempos de conspiraciones y de lunáticos, lo cual, ha dejado huella en este largometraje. Pero no quiero contaros muchos detalles de lo que sucede en ‘Moonfall’, aunque al final de esta crítica me reservo un apartado de spoilers y los tráilers ya de por si son bastante más reveladores, advertidos quedáis.

Con Emmerich no solo tenemos a la naturaleza castigando de manera colosal a la humanidad, también hay mucha tecnología, de la que nos ayuda y de la que no. Se guarda siempre un rayito de esperanza para la humanidad pues no busca un tono pesimista en sus películas de acción y además procura de esa manera que haya algo de emoción o que este sea un entretenimiento de lo más baladí o palomitero, como se dice coloquialmente. Anteriormente se sacó de la manga toda una flota de arcas de Noé o virus improvisados capaces de anular una nave nodriza. Aquí va más allá, más aún que con la monstruosidad titánica de ‘Independence Day: contraataque’.

Permisivo. Si quieres disfrutar de ‘Moonfall’ tienes que entrar con mentalidad abierta a todo. Emmerich cumple los sueños húmedos de los más conspiranoicos y los amantes de la ciencia ficción que van a encontrarse aquí con algo nunca mostrado en cines. Aquellos que gozan de los argumentos más locos y futuristas de series como ‘Star Trek’ van a toparse una historia para gozar. Si uno está dispuesto a obviar todos los fallos de guion y las consabidas incorrecciones científicas se lo pasará pipa. Es la película ideal para los que pudimos pasar por el aro de ‘Godzilla vs Kong’, porque se retuerce igual e incluso tiene personajes similares.

El filme sigue los patrones habituales de Emmerich: una humanidad desprevenida ante el peligro a pesar de las advertencias de unos pocos, olas gigantes, la humanidad cooperando como nunca antes, muchas imágenes cataclísmicas generadas por ordenador, saqueos y caos, tramas paternofiliales que nos traen sin cuidado… Eso sí, por primera vez no saca un plano de la Casa Blanca. Tenemos un trio de protagonistas interpretado por Patrick Wilson, Halle Berry y John Bradley que siguen la misma dinámica que Will Smith y Jeff Goldblum en ‘Independece Day’. Nos dan la cara más lógica, la más valiente o la más desconcertada que puede caber en sus argumentos. Pero la trama va muchísimo más rápida. No hay tanto regocijo en los instantes previos a la catástrofe y el espectáculo no tarda en llegar. Al fin y al cabo Emmerich no necesita contarnos por enésima vez lo que nos ha narrado en sus anteriores películas. Aporta algún que otro dardo hacia esos gobiernos que nos condenan por destinar presupuestos a temas más insulsos que los que nos garantizarían una vida mejor en el futuro, pero nada más.

Aunque pensaba que la película iba a ser más espectacular todavía me ha agradado por lo desatadamente chiflada que es. Está claro que Roland Emmerich quiere ser recordado como el hombre que produjo más apocalipsis en la historia del cine y se agradece que en vez de sacar secuelas infructuosas se lance a por nuevas y disparatadas ocurrencias. ‘Moonfall’ da lo que promete, momentos de ciencia ficción sin límites, actores entregados a la causa e imágenes propias de un videojuego de acción futurista. Esta película sería la pesadilla de escritores tan rigurosos como Isaac Asimov, pero no es un título para pedir rigor sino para desconectar el cerebro e imaginarse las más fantásticas de las posibilidades.

Y aquí llega el apartado de spoilers. Hay una mezcla de dos películas que definen muy bien ‘Moonfall’. La historia se convierte en una especie de ‘Terminator’ milenario que nos descubre que los humanos somos extraterrestres traídos a la Tierra por una inteligencia antepasada que se enfrentó a una amenaza de extinción, muy al estilo de ‘Prometheus’. Además cumple visual y argumentalmente con algo que, yo por lo menos, nunca había visto en el cine. Recrea una esfera de Dyson, una estructura del tamaño de un cuerpo celeste que es capaz de alimentarse de una enana blanca. Y con ello nos habla de una humanidad que ha llegado a convertirse en una civilización de clase 2 y casi 3 en la escala de Kardashev. Una cultura capaz de generar entornos parecidos al que Blomkamp propuso en ‘Elysium’. Pero es que encima todo empieza con un evento muy parecido al que da origen a los 4 Fantásticos o al visto en ‘X-Men: Fénix Oscura’. Lo dicho, toda una locura.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de febrero de 2022. Título original: Moonfall. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Roland Emmerich. Guion: Spenser Cohen, Roland Emmerich, Harald Kloser. Música: Harald Kloser, Thomas Wanker. Fotografía: Robby Baumgartner. Reparto principal: Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley, Charlie Plummer, Donald Sutherland, Stephen Bogaert, Eme Ikwuakor, Michael Peña, Wenwen Yu, Carolina Bartczak, Maxim Roy, Hazel Nugent. Producción: AGC Studios, Centropolis Entertainment, H Brothers, Huayi Brothers Media, Lionsgate, Street Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://moonfall.movie/

La nueva película de Soderbergh se llama ‘KIMI’ y estará en HBO Max

Protagonizada por Zoë Kravitz

El próximo 10 de Febrero HBO Max publica la nueva película de Steven Soderbergh. ‘KIMI’ nos presenta a Angela Childs, una analista tecnológica que revisa flujos de datos para Amygdala Corporation, proveedor del asistente activado por voz KIMI. En medio de una pandemia, a pesar de que las restricciones han disminuido, Angela sufre de agorafobia y sigue una rutina estricta dentro de la seguridad de su loft en el centro de Seattle. Entre pausas de trabajo, Angela coquetea, entre otras cosas, con su vecino de enfrente y se comunica con su madre, su dentista y su terapeuta a través de un chat de video, lo que demuestra que nunca necesita dejar la comodidad del hogar.

Pero eso cambia cuando escucha algo horrible en uno de los streams que está analizando. Informar de ello por correo electrónico es demasiado arriesgado, por lo que un compañero de trabajo de confianza le aconseja a Angela que vaya a su oficina en el centro y hable directamente con la ejecutiva Natalie Chowdhury y la alerte de lo que Angela está segura de que es un delito grave. Pero Angela no se ha aventurado a salir desde antes de la pandemia. Llegar a la oficina es un gran desafío, pero está decidida a hacer lo correcto. Pero Angela no tiene idea de lo que realmente sucederá cuando, y si, es capaz de salir de su zona de confort.

La película está protagonizada por Zoë Kravitz (próximamente en ‘The Batman’), Byron Bowers (‘Sin movimientos bruscos’), Jaime Camil (‘Schmigadoon’), Erika Christensen (‘Traffic’), Derek DelGaudio (‘Derek DelGaudio’s In & Of Itself’), Robin Givens (‘Riverdale’), Charles Halford (‘La suerte de los Logan’), Devin Retray (‘Efectos secundarios’), Jacob Vargas (‘Los 33’), con Rita Wilson (las películas de ‘Mamma Mia!’).

Soderbergh, cuya película más reciente para el servicio de streaming fue ‘Sin movimientos bruscos’, un thriller homenaje al cine negro repleto de estrellas, y que regresará próximamente para ‘Magic Mike’s Last Dance’, dirigió ‘KIMI’ a partir de un guión del aclamado guionista David Koepp. Michael Polaire, colaborador habitual de Soderbergh, y Koepp son los productores.

Sherlock Films estrenará ‘The Beatles y la India’ en cines

Documental sobre un punto clave en la carrera de los de Liverpool

La película ‘The Beatles y la india (The Beatles and India)’ está dirigida por el periodista Ajoy Bose junto al investigador cultural Peter Compton. Es una película documental basada en el propio libro de Bose ‘Across the Universe: The Beatles in India’. Una obra que conmemora el 50 aniversario del histórico viaje del cuarteto de Liverpool a Rishikesh, que marcó un antes y un después en su forma de entender la música y la vida. La película, que se presentó en la pasada edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) y del IN-EDIT Barcelona, se estrenará en cines de nuestro país el 25 de marzo.

‘The Beatles y la India’ es una crónica histórica del romance entre la legendaria banda británica y la India que comenzó hace más de medio siglo. Imágenes de archivo inéditas, grabaciones y fotografías, relatos de testigos y comentarios de expertos (la exmujer de George Harrison Pattie Boyd, o el periodista Saeed Naqvi, entre otros), junto con los lugares de la India, dan vida al fascinante viaje de George, John, Paul y Ringo en busca de la felicidad espiritual que inspiró una explosión sin precedentes de composición creativa. La primera exploración seria de cómo la India dio forma al desarrollo de la banda de rock más grande de la historia y su propio papel pionero que unió dos culturas muy diferentes.

Vuelven Wakaliwood y Alan Alan Hofmanis a CutreCon

Podremos verles en el pase gratuito en la Universidad Complutense

El cine de acción ugandés, conocido popularmente como Wakaliwood (podéis leer un artículo dedicado aquí), regresa tras su exitoso paso por la quinta edición a CutreCon, Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, con ‘Bad Black’ (2016) uno de los filmes más ambiciosos hasta la fecha de esta factoría cinematográfica ubicada en un pequeño suburbio de Kampala, capital de Uganda. La sesión gratuita, que tendrá lugar en el Salón de Actos de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid el 23 de febrero a partir de las 11:00 horas, se completa con ‘Once upon a time in Uganda’, documental que explica cómo estas películas, que apenas superan los 150 dólares de presupuesto, se han convertido en todo un fenómeno de masas gracias a Youtube, con proyecciones por todo el mundo ante un público enfervorecido.

Con motivo de la proyección de ‘Bad Black’, CutreCon 11 otorgará el Premio Jess Franco 2022 a Isaac Nabwana, director, guionista, editor y, en definitiva, responsable de las hilarantes películas de Wakaliwood, no solo por realizar largometrajes con un presupuesto ridículo y sin apenas recursos consiguiendo que se vean en todo el planeta, sino por crear desde la nada una boyante industria cinematográfica, poniendo en el mapa un pequeño y mísero suburbio de Kampala. Para recoger el premio en nombre de Nabwana, volará desde Uganda hasta Madrid Alan Hofmanis, un estadounidense que decidió dejar su vida en Nueva York atraído por las películas de Wakaliwood, y que se ha convertido en su mano derecha ayudando en la producción de los filmes y coprotagonizando buena parte de ellos, como es el caso de Bad Black, la película elegida para esta undécima edición de CutreCon.

Se trata de un título que tiene todos los elementos por los que el demencial cine de Wakaliwood se ha hecho tan popular: peleas de artes marciales, tiros, explosiones, violencia explícita, mucho humor (de la mano de un narrador que va acompañando a las imágenes y que se dedica a mofarse de los personajes y hacer toda clase de chascarrillos), no sin un toque de crítica social ante las duras condiciones de vida de los habitantes de Uganda.

El festival CutreCon está patrocinado por la empresa de realidad virtual Zero Latency, la tienda Impact Game, la gestoría Confislab, la editorial Applehead Team Creaciones, el portal de cine Moviementarios y la firma de merchandising Pandemic Stuff. Asimismo, el evento lo organizan los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, la cadena de cines mk2, la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.

Crítica: ‘Gora Automatikoa’

Sinopsis

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Un director de cine que no logra triunfar reúne a sus mejores y más viejos amigos para conseguir lo que llaman un “goya automático”.

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Crítica

Una burla que ojalá se consumase también automáticamente

Ideada a seis manos (en la ficción y en la realidad) entre Esaú Dharma, David Galán Galindo y Pablo Vara ‘Gora Automatikoa’ es una acertadísima burla de lo que llamamos “industria” cinematográfica española. Una broma al más puro estilo Chikilicuatre que podría lograr su objetivo poniendo así la guinda del pastel. Ganar el Goya sería una gran lección que podría hacer reflexionar a espectadores y protagonistas del panorama audiovisual produciendo un efecto llamada a los pinceles.

Y es que la misión que se proponen los tres personajes de ‘Gora Automatikoa’ no es tan difícil, sobre todo teniendo en cuenta que el último año solo hubo una candidata al Goya a Mejor Película de Animación (‘La Gallina Turuleca’) y otros años solo se escogen tres o rara vez cuatro títulos entre las posibles ganadoras. Hace años que viene siendo obvio que es “fácil” ganar el premio a mejor película animada en España, si se cumplen los requisitos previos que la propia película tiene a bien a enumerar. Lo que no es tan evidente o de conocimiento popular es el hecho de que lo que cuesta realmente es sacar adelante un proyecto animado, sobre todo si uno no cuenta con tropas de animadores y presupuestos más propios de una diputación que de una película de dibujos animados.

Probablemente no me equivoque al decir que esta es la película con más relleno que he visto en los últimos años, mucho más que el que metió Peter Jackson en ‘El Hobbit’ o los paisajes de Iñárritu en ‘El renacido’. Pero ahí está la gracia, en que entre canción y canción hay paja hasta casi de manera literal. ‘Gora Automatikoa’ enarbola de manera autoconsciente una trama de metacine que no hace más que recochinearse del tema. Al más puro estilo Tony Leblanc comiéndose una manzana pero consiguiendo congratularse con estandartes de nuestra animación como Películas Pendelton o Lightbox Animation Studios.

Tras el hecho de que el truco del almendruco para ganar un Goya está en conseguir estrenar un filme animado están multitud de guiños y críticas. Los profesionales del cine reconocerán aquí muchos nombres o hechos que los espectadores memos duchos pasarán por alto. Pero mucho más manifiestos están los argumentos que revelan que vimos en una meritocracia. Aunque en ese sentido creo que ‘Gora Automatikoa’ llega tarde. Las galas como los Goya o incluso los Oscar han perdido una grandísima parte de su credibilidad, sobre todo cuando más se va conociendo su funcionamiento, polémicas, criterios… En la actualidad aquello que merma realmente la moral de aquellos que sueñan con contar historias en pantalla son las cifras, no la falta de premios. La taquilla del primer fin de semana o las puntuaciones de webs como IMDB o Filmaffinity se han convertido en las verdaderas referencias, al alcance de una pulsación en una sencilla app móvil.

No tenía muy buena expectativa antes de ver ‘Gora Automatikoa’ pues no me gustó ‘Orígenes secretos’. Pero al igual que manifesté que no me aportó nada la anterior película de David Galán Galindo debo alabar el humor de esta cinta y ante todo su capacidad de hacer justicia para los animadores o dibujantes patrios, muchos de ellos expresamente reconocidos en la película.

El filme nos lleva por un viaje de estilos animados que bien podría ser una clase magistral de esas que tanto se llevan ahora. Predomina un diseño al más puro estilo Mickey Mouse de 1928, tipo videojuego Cuphead, para los millennials. Pero posee un dinamismo casi Flash, que me recuerda al de Cálico Electrónico. A partir de ahí recorremos fragmentos que mezclan dibujos con acción real, motion graphics, 2D… Si no me he despistado estaré en lo correcto al decir que lo único que les ha faltado es algo de 3D o stop-motion. Aunque en uno de sus momentos de relleno gratuíto se tira de una secuencia popurrí de fragmentos animados que tiene de todo.

Esta es mi crítica sobre ‘Gora Automatikoa’. Al margen de mi opinión está el hecho de que la película pueda ser buena o no académicamente hablando. Pero en su categoría es un factor que no tiene mucha relevancia a la hora de llevarse el Goya, pues cumple los requisitos mencionados en las bases y si no hay otras alternativas se repetirá el momento Turuleca. Si no os gusta que pase esto solo tenéis una alternativa, apoyar la animación española para que, mejores o peores, se estrenen más títulos.

Por último. A Galán Galindo le gustan mucho las películas comiqueras. Ya sabéis los que os espera tras los créditos a los cuales los directores llegan sobrados de tiempo límite de acción real.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre de 2021. Título original: Gora automatikoa. Duración: 71 min. País: España. Dirección: Esaú Dharma, David Galán Galindo, Pablo Vara. Guion: Esaú Dharma, David Galán Galindo, Pablo Vara. Música: Guillermo Vílchez Corredor. Fotografía: Paco Cintado. Reparto principal (voces originales): Pepe Macías, Miguel Martín, Raúl Pérez, David Galán Galindo, Pablo Vara, Esaú Dharma, Íñigo Rodríguez-Claro, Lucía Estéban, Elena de Lara, Sara Heras, Frank T., Andrés Trasado. Producción: 39 Escalones, Esaú Dharma, David Galán Galindo, Pablo Vara, The Other Film Production. Distribución: 39 Escalones. Género: animación, comedia. Web oficial: https://mobile.twitter.com/esaudharma

Crítica: ‘Mira por mi’

Sinopsis

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Sophie, una joven ciega que trabaja en una mansión apartada, se ve invadida por ladrones que buscan una caja fuerte oculta. Su único medio de defensa: una nueva aplicación llamada «MIRA POR MÍ». La conecta con un voluntario de cualquier punto del país que la ayuda a sobrevivir viendo para ella. Sophie está conectada con Kelly, una veterana del ejército que pasa sus días jugando a video juegos. Sophie se ve obligada a aprender que, si va a sobrevivir a la noche, necesitará toda la ayuda que pueda conseguir. Una adolescente ciega que no acaba siendo tan impotente después de todo.

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Crítica

Cuando las nuevas tecnologías se convierten en nuestra salvación

 Randall Okita nos trae a nuestras pantallas un thriller lleno de oscuridad y nuevas tecnologías. En ‘Mira por mi’ conocemos a Sophie una joven invidente a la que le cuesta recibir ayuda. Conoce su problema pero quiere ser totalmente independiente. Por ello decide trabajar cuidando a mascotas en mansiones. En una de estas casas unos intrusos entran y debe hacer uso de las tecnologías y pedir ayuda a partir de la App Mira por mí, en la que una joven será sus ojos a través de su dispositivo móvil.

La película juega mucho con la oscuridad y con la grandiosidad de la casa. Pero sobre todo, se apoya en ese dispositivo móvil y de como detrás de esa pantalla la joven que está ayudando a Sophie tiene que estar pendiente del más mínimo movimiento para que Sophie salga con vida de esta situación.

La película aunque no es sobresaliente, es un entretenimiento muy bueno. Como protagonista tenemos a Skyler Davenport, actriz de doblaje, que aunque se ha puesto frente a las cámaras alguna vez, este es su primer papel protagonista. Skyler es invidente en la realidad algo que le da mucha veracidad a la trama con su manera de moverse. Ya sea el miedo a avanzar para no caer con algún escalón o al contrario, con la facilidad al tener su bastón en mano y ver la independencia total de toda ayuda humana.

Detrás de su móvil nos encontramos con Jessica Parker Kennedy, una joven que ayuda a personas invidentes a través de una app y que en sus tiempos libres se dedica a jugar a shooters. Eso le sirve de ayuda para poder “manejar a Sophie” en esa gran mansión huyendo de los malos.

Me ha gustado mucho como el director logra demostrar que las tecnologías no son del todo malas. Que siempre puede llegar a servir para algo, ya sea incluso hasta jugando. Supongo que la aplicación estará basada en Be My Eyes, que funciona a través de videollamada para ayudar en cualquier cosa a una persona ciega o con problemas de visión.

‘Mira por mi’ también es una película que nos habla de lo importante que es ayudar a las personas con cualquier discapacidad, pero siempre y cuando nos pidan ayuda. Son personas independientes y aunque pensemos que todo el rato necesitan ayuda, no es así. Randall Okita, nos lo muestra con algunas escenas en las que vemos a Sophie un tanto disgustada con situaciones que cualquier persona lo hace por intentar ayudar y muchas veces incomoda.

Para terminar comentaros que a partir del 28 de enero tendréis la oportunidad de disfrutar esta cinta en las salas de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2022. Título original: See for me. Duración: 92 minutos. País: Canadá. Dirección: Randall Okita. Guión: Adam Yorke, Tommy Gushue. Música: Joseph Murray, Lodewijk Vos. Fotografía: Jordan Oram, Jackson Parrell. Reparto principal: Skyler Davenport, Kim Coates, Jessica Parker Kennedy, Laura Vandervoort, Natalie Brown, Matthew Gouveia, George Tchortov, Pascal Langdale, Joe Pingue, Emily Piggford. Producción: Wildling Pictures. Distribución: Inopia Films. Género: Thriller. Web oficial: https://www.inopiafilms.com/seeforme

Crítica: ‘Todo ha ido bien’

Sinopsis

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Emmanuèle, una novelista con una vida privada y profesional plena, se precipita al hospital al enterarse de que su padre, André, acaba de tener un accidente cerebrovascular. Cuando se despierta, debilitado y dependiente, este hombre, curioso por naturaleza y amante apasionado de la vida, le pide a su hija que le ayude.

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Crítica

Con Ozon es normal poder decir que todo ha ido bien

Hola mamá, siento daros esta noticia, pero tengo COVID. Esta llamada se ha producido entre familiares y amigos durante los dos últimos años, trastocando muchos planes e incluso vidas. El COVID-19 y sus mutaciones es un virus que está a punto de ser estacionario y con ello asumiremos que ha pasado a formar parte de nuestra rutina, como el tener que cambiar el aceite al coche o echar la declaración de la renta. ¿Pero qué pasa cuando recibes una llamada que en solo un instante y sin previo aviso trastoca tu rutina y tu vida irreversiblemente?

Con ‘Todo ha ido bien’ François Ozon se sube a un carro que últimamente han manejado con maestría Natalie Erika James, Florian Zeller o Viggo Mortensen con ‘Relic’, ‘El padre’ o ‘Falling’ respectivamente. Es el de tratar la empatía hacia nuestros mayores. Más allá de la obligación que siente la mayoría de personas, inherente a los lazos de sangre, está el cuidado considerado de aquellos que sufren algún tipo de enfermedad, sobre todo si está acompañada de una avanzada edad. Es difícil ponerse en el lugar de alguien que ve que sus días se acaban o que es consciente de que está olvidando decenas de años llenos de vivencias. De ahí que esta película nos venga a decir que a modo de cuidado paliativo a nuestro mayores les podamos edulcorar la existencia con un “todo ha ido bien”, un día más disfrutando del momento. Pero el título no va exactamente por ahí y no voy a ser yo quien os destripe aquello que se desvela al final del primer acto.

Como base para ‘Todo ha ido bien’ Ozon se ha inspirado en la novela de Emmanuèle Berheim. Con ella ha desarrollado un drama bastante moderado que logrará sacar alguna lagrimilla con su emotivo final pero que no está concebido para hacernos gastar paquetes y paquetes de kleenex. Es una película que aborda mucho los deseos, entendiendo estos como últimas voluntades o como aquello que se ha añorado toda la vida. El reconocimiento de un padre es uno de estos anhelos. La película es un continuo pulso entre la responsabilidad o respeto hacia los que nos han traído al mundo y los rencores acumulados durante años.

En medio de ese pulso se encuentra Sophie Marceau. Su personaje está entre dos tierras pues profesa amor a su padre, que la ha considerado siempre su ojito derecho y los desprecios que le hace este a su hermana. La actriz está desgarradoramente natural y vemos en su interpretación cómo está entre la espada y la pared o más bien atada de extremidades por cuatro caballos que tiran de ella amenazando con dividirla en un dolor de indecisiones. Y es que la temática de la película es peliaguda pero Ozon, sin entrar mucho al debate, la lleva a través del camino de una lógica que responde al uso de la razón y la calidad de vida.

Puedo recomendar esta película aunque no la pueda incluir entre las mejores obras del director francés. ‘Todo ha ido bien’ vuelve a tocar un tema controvertido, como hizo en ‘Gracias a Dios’. No consigue impactar del mismo modo pero es un cineasta tan capaz de extraer buenas interpretaciones y realismo a la lente de su cámara que se me hace imposible no decir que con él todo ha ido bien. Este es un filme más unilateral y sin casi debate en sus líneas de guión, hay pocos que ofrezcan auténticos argumentos en contra de lo que se plantea, pero como he dicho, es un asunto tan escabroso que seguro que al salir del cine lo comentaréis.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2022. Título original: Tout s’est bien passé. Duración: 102 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Fotografía: Hichame Alaouié. Reparto principal: Sophie Marceau, André Dussollier, Charlotte Rampling, Hannah Schygulla, Géraldine Pailhas, Eric Caravaca, Gregory Gadebois. Producción: Mandarin Films, FOZ, France 2 Cinéma, Scope Pictures, Playtime Production, Canal+. Distribución: Golem. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.france2cinema.fr/production/tout-sest-bien-passe

Crítica: ‘Prisioneros de Ghostland’

Sinopsis

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Cuando Bernice desaparece sin dejar rastro, su abuelo, el señor de la guerra conocido como The Governor, saca a un ladrón de bancos de la cárcel, le obliga a vestir un traje de cuero equipado con bombas y le da un plazo de cinco días para recuperarla o sufrir consecuencias explosivas. En su aventura, el ladrón buscará también redimirse de sus pecados.

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Crítica

Cage y Sono, a malas, en su peor versión

La unión de Sion Sono y de Nicolas Cage para ‘Prisioneros de Ghostland’ prometía algo bastante disparatado. Sion Sono es conocido por películas tan excéntricas como ‘Suicide Club’ o ‘Antiporno’ y Nicolas Cage… todos sabemos lo que hace Nicolas Cage. Cabía esperar un filme de poca calidad pero por lo menos entretenido. Lo primero ha sido así, pero lo segundo… ‘Prisioneros de Ghostland’ es un desaguisado sin gracia ni sentido.

La mayor decepción que tengo con esta película viene de una de sus productoras. XYZ films es para mí un sello de calidad y de encuentro con películas con un toque valiosamente diferente, de hecho le dedicamos un hilo en exclusiva en Twitter. Obviamente siempre hay una excepción para la regla. Aquellos que nos han facilitado películas tan originales o intensas como ‘The raid’, ‘La invitación’, ‘Brawl in cell block 99’ o ‘Color out of space’ (también con Cage) se la han pegado con esta propuesta y no es solo impresión mía, desde que se ha estrenado internacionalmente ha recabado opiniones y puntuaciones que no la hacen pasar del cinco sobre diez.

Ni tiene valor narrativo, ni tiene comedia o drama que se sostenga, ni tiene interpretaciones decentes. Es de las veces en las que Nicolas Cage hace el fantoche y encima el reparto le acompaña. ¡No tenía ni idea de que Sofia Boutella estuviese tan necesitada de trabajo como para caer en esto! Solo se salva el samurái interpretado por Tak Sakaguchi. La historia nos entusiasmaba en su sinopsis pues tenía cierto toque western. Y vaqueros hay… y samuráis y geishas y bicicletas y bolas de chicle y luces de neon y energía nuclear. Es un postapocalipsis que hace que desees que se acabe el mundo.

El diseño de producción es corto y chapucero. La historia nos lleva por tres únicos escenarios, un banco, una ciudad y un lugar desolado, todo unido por un único corredor. Parece todo hecho a partir de restos de basura o de algún parque de atracciones cerrado. Parece una película amateur o de arte y ensayo, pero sin potencial, sustancia o experimento alguno. La única escena salvable es la del testículo, os dejo descubrirla si vais al cine a verla. ‘Prisioneros de Ghostland’ está a la altura de bizarradas como ‘Samurai Cop 2’ o de los anuncios que Schwarzenegger hizo en su día en Japón.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2022. Título original: Prisoners of the Ghostland. Duración: 103 min. País: Japón. Dirección: Sion Sono. Guion: Aaron Hendry, Reza Sixo Safai. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Souhei Tanigawa. Reparto principal: Nicolas Cage, Sofia Boutella, Nick Cassavetes, Tak Sakaguchi, Bill Moseley, Charles Glover. Producción: Patriot Pictures, Eleven Arts, Baked Studios, Boos Boos Bang Bang, RLJE Films, Untitled Entertainment, XYZ Filx. Distribución: A Contracorriente Films. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://bitters.co.jp/POTG/

Crítica: ‘La abuela’

Sinopsis

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Susana (Almudena Amor) tiene que dejar su vida en París trabajando como modelo para regresar a Madrid. Su abuela Pilar (Vera Valdez) acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crio como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela, se acabarán convirtiendo en una terrorífica pesadilla.

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Crítica

Una obra bien argumentada pero sin sorpresas ni terror

Quizá lo que ha hecho que acabe pensando en que ‘La abuela’ no es de las mejores películas de Paco Plaza y Carlos Vermut es la ausencia de sorpresas en el filme. Muchos hemos coincidido en que la primera escena es muy reveladora y que nos habla ya del mismísimo final que como podemos vaticinar, tiene lugar. Se ha querido arrancar con una secuencia desconcertante pero a sabiendas o no se nos dan pistas demasiado evidentes.

‘La abuela’ es una película que no se disfruta si uno espera grandes giros de guión. Es una obra que se puede gozar si uno busca solo buenas maneras de rodar y si sabe distinguir la construcción de personajes, aunque en este caso habría que hablar de destrucción. Esta es una película de posesiones donde la ancianidad es el demonio del que las protagonistas quieren escapar. Un destino fatal al que estamos sometidos todos y a cuyo miedo nos vemos subyugados irremediablemente, sobre todo en cuanto nos enfrentamos constantemente a cánones de belleza impuestos por marcas y redes sociales.

Esa destrucción de personajes se ve en ambas protagonistas, interpretadas por Almudena Amor y Vera Valdez. Tanto física como psicológicamente el guión las lleva a puntos muy alejados de los que describen a una mujer de bandera, de esas que vemos íntegras e inmaculadas en los anuncios. Escribo estas líneas en octubre y tras ver ‘El buen patrón’ y esta película puedo adelantar que como mínimo Almudena Amor va a estar entre las nominadas a actriz revelación en la temporada de premios, aunque sea por ‘El buen patrón’. Paco Plaza y Apache Films son muy buenos descubriendo talento y con ‘La abuela’ lo demuestran una vez más.

El discurso se puede parecer al de ‘Relic’ y el modus operandi al de ‘Hereditary’, aunque la huella de Vermut en el guión es evidente, sobre todo en los momentos en los que la feminidad juega más protagonismo. Se percibe el terror que siente la protagonista pero no es una película que me haya infundido miedo. Lástima que la música en esta ocasión no me haya encajado tanto como en ‘Verónica’ o en ‘Quién te cantará’. Quién sabe, quizá de lo que vi en Sitges a lo que se estrene en salas haya diferencia y se adapte el filme al feedback recibido tras festivales pues ha tenido algún que otro retraso en su fecha de estreno. No es una película despreciable, ni mucho menos, solo que nos baja el listón en la filmografía de ambos cineastas, vamos por la siguiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2022. Título original: La abuela. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guion: Carlos Vermut. Música: Fatima Al Qadiri. Fotografía: Daniel Fernández Abelló. Reparto principal: Almudena Amor, Vera Valdez, Karina Kolokolchykova, Chacha Huang, Michael Collis. Producción: Apache Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/la-abuela

Entrevistamos al equipo de ‘Mi adorado monster’

“Estamos viviendo la muerte de muchísimas cosas. Y más dentro del cine”

Hemos podido hablar con Víctor Matellano (director) y Enrique López Lavigne (productor). Ambos implicados en el documental ‘Mi adorado monster’ una obra cuya crítica podéis leer aquí y que trata de arrojar luz sobre el fenómeno de ‘Los resucitados’, también conocida como ‘El hombre lobo contra los templarios’.

Tras esa película está el librero Arturo de Bobadilla y un periplo de veintitrés misteriosos y caóticos años. El filme tardó ese tiempo en ver la luz, desde que se rodó el año de ‘El día de la Bestia’ hasta que pudo verse en 2017 en la sala Brigadoon del Festival de Sitges.

El nuevo filme es la mar de divertido e ilustrativo, muestra un amor incondicional por el género. Lo mismo que podemos decir de las palabras de nuestros entrevistados.

Entrevista a Víctor Matellano

 

“El Fantaterror ha sido siempre hipercomercial. El que más se ha vendido fuera de nuestras fronteras, mucho más que nuestras comedias”.

“Tallafé es el que ha alimentado todos estos año la llama de ‘Los resucitados’”.

“Pienso que no hubo nunca un objetivo de hacer una película que llegara a los cines. Era un volver a encontrarme con mis mitos y mis ídolos”.

“Estamos viviendo la muerte de muchísimas cosas. Y más dentro del cine”.

Entrevista a Enrique López Lavigne

 

“Como consumidor de terror español están aquí los cimientos de lo que realmente han sido las acciones individuales que han creado historia”.

“En España somos expertos en maltratar lo que tenemos”.

“De alguna manera no somos capaces de generar nuestra mitología. Y si no la generamos nosotros la generan otros. Eso es lo que da mucha rabia”.

Del cine con pocos recursos nos gusta “la humanidad. Se acerca a nosotros”.

Crítica: ‘El método Williams’

Sinopsis

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Richard tenía una visión muy clara del futuro de sus hijas y sirviéndose de métodos poco convencionales, elaboró un plan que llevará a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California al olimpo de deporte convirtiéndolas en iconos legendarios. La película muestra el poder de la familia, la perseverancia y la fe inquebrantable como medio para lograr lo imposible e impactar al mundo.

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Crítica

Set y partido para Will Smith

Will Smith me ha vuelto a demostrar que es un buen actor y que se le dan especialmente bien los biopics como ya demostró con ‘Ali’ (2001) emulando al mítico boxeador Mohamed Ali, y ahora con ‘El método Williams’ donde vuelve a hilar muy fino para recrear a Richard Williams, el responsable en buena parte del éxito de sus dos hijas, Venus y Serena Williams, dos ex número uno del tenis mundial.

Y es que uno puede pensar que la peli va de las dos hermanas, sus comienzos y cómo llegan a triunfar en el mundo del tenis. Y aunque va de eso también, el protagonista casi absoluto es el Richard Williams de Will Smith y su determinación para acometer un plan que llevaría a sus hijas fuera de las calles y a ser campeonas en un deporte que por aquel entonces en EEUU era elitista y de blancos.

Desde el comienzo podemos ver el trasfondo social y racial de la época en el barrio donde vivió la familia Williams. Un matrimonio con cinco hijas de origen humilde que lucha por seguir adelante en un barrio donde la droga y la violencia de las bandas es el día a día. Entrenando en un parque público dominio de los pandilleros, Richard se las ingenia para ser un entrenador de tenis autodidacta y trazar un plan para llevar a sus hijas a lo más alto de la élite tenística mundial.

Y ya desde esos primeros minutos de ‘El método Williams’, nos van dibujando la personalidad de este personaje (porque es todo un personaje) que lucha contra la adversidad sin perder un ápice de fe, siguiendo el plan sin perder la esperanza y con una confianza manifiesta en lo que él tiene en la cabeza y en el potencial de sus hijas. Unos principios con los que podemos estar de acuerdo o no.

Uno se podría preguntar si lo hizo para mantener alejadas a sus hijas de la calle, o si fue para conseguir riqueza a costa de ellas, o por su propio ego o quizá fuera un poco de todo. Yo creo que la historia que nos cuentan pretende explicar todo esto, dándonos pequeñas pinceladas de la personalidad y de las vivencias de Richard Williams para entender por qué decidió hacer lo que hizo. En el debe podría decir que me hubiera gustado que hubieran ahondado más a fondo en su pasado para comprender mejor su singular personalidad pero en las casi 2 horas y veinte de metraje no da tiempo entre raquetazo y volea.

Aunque el peso de ‘El método Williams’ recae en el personaje y la interpretación de Will Smith, el resto del elenco está a la altura. Me llamó la atención el papel de Jon Bernthal (el entrenador Rick Macci), no solo porque me gustase, sino porque es un rol bastante diferente a lo que nos tiene acostumbrados a ver y me sorprendió gratamente. Algunas escenas con Aunjanue Ellis (por momentos sufrida esposa de Richard) y Will Smith discutiendo el plan y por supuesto las jóvenes actrices que interpretan a las hermanas hacen un buen papel.

Error de casting para elegir a la actriz que hace de Arantxa Sánchez Vicario. Ni se le parece físicamente y en versión original tienes que oírla hablar (y apenas lo hace) con acento mexicano, que a mí personalmente me toca las narices. Por lo demás, dirección correcta, un diseño de producción apropiado y un guión al que le falta algo más para ser brillante con ciertos toques de humor para aderezar el conjunto.

En resumen, ‘El método Williams’ es una historia de superación, perseverancia y unos principios llevados al extremo por un padre que hizo lo que le pareció mejor para sus hijas y su familia, teniendo fe absoluta en lo que estaba haciendo y superando cada obstáculo que se cruzó en su camino. Hizo posible lo improbable.

El dato: Serena ganó un total de 39 títulos de Grand Slam: 23 de ellos individuales (récord en la era abierta, tanto entre mujeres como entre hombres), 14 en dobles femeninos (todos junto a su hermana Venus). Venus ganó 7. Entre las dos hermanas a nivel individual 30. Todo un hito.

Lo bueno: La interpretación de Will Smith, carne de premios. El “momento cenicienta” y los diálogos en las negociaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de enero de 2022. Título original: King Richard. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Zach Baylin. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn. Producción: Overbrook Entertainment, Star Thrower Entertainment, Warner Bros., Westbrook Studios. Distribución: Warner Bros. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://www.kingrichardfilm.net/

Filmin estrenará ‘Swan Song’, protagonizada por Udo Kier

En la plataforma desde el 28 de enero

Filmin estrena el próximo viernes 28 de enero, en exclusiva en España, la película ‘Swan Song’, del director Todd Stephens. Se trata de una comedia dramática protagonizada por el icónico Udo Kier (‘Bacurau’) que narra la historia de Pat Pitsenbarger, un excéntrico peluquero gay que se escapa del asilo en el que está ingresado para cumplir con un último encargo: peinar y maquillar a una antigua celebridad, amiga y clienta, para su velatorio.

La película, que cuenta en el reparto con actrices como Jennifer Coolidge y Linda Evans, opta este año a dos premios en los Independent Spirit Awards en las categorías de Mejor Actor y Mejor Guion.

Hace más de 20 años, cuando Todd Stephens buscaba financiación para la producción de su primer guión, ‘The Edge of Seventeen’, hizo malabares para esconder que en la película había un personaje gay. Dos décadas después, cuando Stephens llegó a Sandusky (su pueblo natal y localización de ambas películas) para filmar ‘Swan Song’, se estaba celebrando la tercera edición local de la Fiesta del Orgullo. Junto a ‘Gipsy 83’, los dos films integran una suerte de trilogía de carácter semiautobiográfico y queer con la que el director ha plasmado sus recuerdos de infancia y adolescencia en esta pequeña localidad de Ohio. ‘Es interesante adoptar Sandusky como barómetro para ver cómo han cambiado los tiempos en los últimos años’, reconoce Stephens.

Pat Pitsenbarger, el peluquero al que encarna Udo Kier en el film, existió realmente, y era una pequeña celebridad en Sandusky. El hecho de que Stephens no le conociera demasiado bien le ha dado libertad para construir al personaje que él tenía en su recuerdo. ‘Muchas de las características del personaje -los anillos, el modo de vestir, los cigarrillos More- sí pertenecen a Pat, pero el hecho de que no fuésemos íntimos amigos me ha permitido hacer volar la imaginación’, explica.

Udo Kier, a sus 75 años, afronta uno de los papeles de su vida. Pat le ha servido para recordar cómo se vivía la homosexualidad cuando era joven: ‘La gente moría de sida, no había medicación, era totalmente distinto. Antes de entrar a un club gay, tenías que mirar a izquierda y derecha para comprobar que nadie te estaba viendo. Ahora ves parejas cogidas de la mano en McDonald’s’, recuerda. La película, de hecho, rinde tributo a todas aquellas personas homosexuales que tuvieron que vivir su sexualidad en sociedades mucho más tradicionales e intolerantes, a menudo en la clandestinidad.

‘The Royal Game’, la película basada en ‘Novela de ajedrez’

Protagonizada por Oliver Masucci, Rolf Lassgard y Albrecht Schuch

El 11 de febrero podremos ver en cines gracias a la distribuidora Alfa Pictures ‘The Royal Game’, una película dirigida por Philipp Stölzl, el reconocido director de ‘El Médico’ (2013) y ‘Cara Norte’ (2008) y de los emblemáticos videoclips ‘In The Shadows’ de The Rasmus, ‘Going Under’ de Evanescence y ‘Du Hast’ de Rammstein.

‘The Royal Game’ consiste en un drama situado en Alemania durante el apogeo del nazismo, en los años 30. Protagonizan la película las estrellas del cine alemán Oliver Masucci (‘Dark’, ‘El año que dejamos de jugar’), Rolf Lassgard (‘Un hombre llamado Over’, ‘Después de la boda’) y Albrecht Schuch (‘Berlin Alexanderplatz’, ‘Midiendo el mundo’).

‘The Rotal Game’ está basada en ‘Novela de Ajedrez’, el libro más famoso del aclamado autor Stefan Zweig (‘Carta de una desconocida’, ‘Veinticuatro horas en la vida de una mujer’). Zweig se centra en establecer una crítica contra el nazismo y los métodos de la Gestapo y se interesa en retratar el exilio forzado y la incomunicación que él mismo pudo experimentar durante esa época. ‘Novela de Ajedrez’ está considerada como su obra maestra.

En palabras de Stölzl, director de la película: “Desde su final magro y sombrío la novela habla del miedo a la inminente dominación mundial de los nazis. Pero sabemos que resultó diferente, que volvió a iluminarse después de una noche oscura. Y queremos que la audiencia deje la película con esta certeza significativa y alentadora”.

El filme ha sido galardonado en los Bavarian Film Awards, donde obtuvo el Premio a Mejor Producción y a Mejor Actor para Oliver Masucci (que ya fue premiado el año anterior en la misma categoría por ‘Enfant Terrible’). Además, fue reconocido con el Premio a Mejor Diseño de Vestuario en los prestigiosos German Film Awards.

Sinopsis oficial:

Los nazis acaban de anexionarse Austria y el notario Josef Bartok sabe que está en grave peligro. Mientras se prepara para huir, es detenido por la Gestapo y encerrado en un hotel reconvertido en prisión. Solo saldrá de allí si colabora con los nazis. Bartok no está dispuesto a ceder. Pero aislado, la soledad empieza a hacer mella en él hasta que consigue robar un libro de ajedrez, que será su punto de apoyo para mantenerse cuerdo y convertir la resistencia en un juego.

Crítica: ‘Mi adorado monster’

Sinopsis

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En 1995, al tiempo que ruedan El día de la bestia de Álex de La Iglesia, Manuel Tallafé y Santiago Segura, participan también en un proyecto llamado inicialmente El hombre lobo contra los templarios, y más tarde titulado Los Resucitados. Una película maldita que tardará veintidós años en completarse y estrenarse, una especie de Santo Grial del fantaterror, al frente de la cual está un director que asegura que le persigue un monstruo…

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Crítica

Suscita pelusa y carcajadas a partes iguales

En la pasada edición del Festival de Sitges se pudo ver ‘Mad God’ una obra que Phil Tippett ha tardado 30 años en mostrar. Por motivos diferentes tenemos un caso similar en España, el de Arturo de Bobadilla y ‘Los resucitados (El hombre lobo contra los templarios)’, sobre la cual trata ‘Mi adorado monster’. Una demora que ha hecho que una película, rodada a la par que ‘El día de la bestia’ tarde más de veinte años en ver la luz, produciéndose su primer visionado precisamente en la edición de 2017 del festival ubicado en Cataluña.

Que yo haya emparejado los apellidos De Bobadilla y Tippett en el mismo párrafo no es casual. Lleva la intención de intentar popularizar dos nombres y de rendir un pequeño homenaje a dos autores por quienes siento cierta pelusa, ya no solo por su gran conocimiento cinematográfico, si no por el valor y entrega dedicado al séptimo arte. La historia de ‘Mi adorado monster’ puede antojarse bizarra, de hecho, sus artífices acatan sin remordimiento ese adjetivo. Pero más allá de excentricidades y extravagancias es el admirable camino de aquellos que se lanzan de cabeza a hacer algo que aman, rodar cine de género en España.

Si en vuestro trabajo o en vuestra vida lleváis años intentando con empeño la consecución de algún objetivo comprenderéis rápido lo qué es sentirse en la piel de Arturo. Pero si además os persigue la sombra de un pasado caótico o lleno de nostalgias volveréis a lo que se sentía cuando erais jóvenes y soñabais con por lo menos rozar a las estrellas que os traían rebosante inspiración. ‘Los resucitados’ pretendía ser un cúmulo de referentes y homenajes a un fragmento maltratado del spanish horror, pero se llevó a cabo de un modo tan anárquico que acabó tal y como podréis ver en ‘Mi adorado monster’.

El nuevo documental de Víctor Matellano podría considerarse como un retrato de Arturo de Bobadilla, director y librero. También como un reportaje pormenorizado sobre una de las películas de terror más dilatadas en el tiempo de nuestro país. Pero abre con una frase de un maestro leída por otro maestro, dedicada a los monstruos. Álex De la Iglesia verbalizando unas líneas de Stephen King. Eso nos deja claro que esta va a ser una masterclass sobre cine de terror, en concreto sobre el fantaterror. ‘Mi adorado monster’ se convierte en otra lección de saber y de conocimiento enciclopédico de Matellano, como ya lo fueron ‘Regresa El Cepa’ o ‘¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror’.

El director se rodea de nuevo de sus amigos, que no son otros que muchos de los protagonistas de aquellas películas que impactaron a los espectadores españoles en una etapa clave y pionera para nuestro cine de terror aunque malamente recordada. El documental lo capitanean Manuel Tallafé y Santiago Segura, ambos con roles en ‘Los resucitados’. Les acompañan Zoe Berriatua, Antonio Mayans, Alaska, Pedro Ruiz, Enrique López Lavigne, Elena Sánchez, Diego Arjona, Macarena Gómez, Carlos Areces, Manuel Velasco, Ángel Sala y por supuesto Álex de la Iglesia que aparece en el clímax, pues este documental tiene un punto álgido en el que dos monstruos del cine, alimentados por otros monstruos, hablan de sus carreras.

‘Mi adorado monster’ emplea dos armas para llegar al espectador. Por un lado la admiración hacia alguien que ha logrado estrenar trabajosamente una obra, que en su día consiguió arrastrar a todo un equipo de rodaje hacia sus locuras sin ni siquiera enseñarles un guión y llegando al set de rodaje cada vez con una cámara y formato diferentes. Y el humor. Autocosciente de que ‘Los resucitados’ no es ninguna maravilla ‘Mi adorado monster’ retrata con guasa pero no mofa el trabajo final de De Bobadilla. El monstruoso espectro que le persigue a rebufo, interpretado por Javier Botet, se muestra harto de la pasión e ilusión del autor, pero no es sino otra muestra más de cuán envidia sienten aquellos que no llegan a vivir tan intensamente el cine.

Si eres parte del público festivalero madrileño quizá eches de menos citas como el Imagfic o Nocturna, quizá hasta llegues a reconocer en el documental detalles como el Delorean recortable que dieron en la 17 Muestra SYFY y que aparece en el despacho del periodista que interpreta Millán. Seguro que aprecias apariciones como la de Héctor Cantollá que dobló a Paul Naschy en ‘Los resucitados’. Si llegas a ese extremo, como se dice en ‘Mi adorado monster’, tal vez también eres de los destinados a ser “creador, monstruo y víctima a la vez”.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de enero de 2022. Título original: Mi adorado monster. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Víctor Matellano. Guion: Víctor Matellano, Manuel Tallafé. Música: Javier de la Morena. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal: Arturo de Bobadilla, Javier Botet, Macarena Gómez, Álex de la Iglesia, Santiago Segura, Carlos Areces, Olvido Gara «Alaska», Enrique López Lavigne, Cristina Alcázar, Manuel Bandera, Antonio Mayans, Zoe Berriatúa, Javivi, Nacho Guerreros, Manuel Tallafé, Manuel M. Velasco, Tony Fuentes, Pedro Ruiz, Héctor Cantolla, Ángel Sala, Diego Arjona, Valeria Vargas, Angélica Revert, Paul Naschy, Lone Fleming, Yolanda Font, Millán Salcedo, Víctor Paniagua, Marian Clar, Héctor Cantollá. Producción: Apache Films, El Estudio, Infilmity, ViMa PC. Distribución: 39 Escalones Films. Género: documental, comedia. Web oficial:

Crítica: ‘One shot (Misión de rescate)’

Sinopsis

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El equipo del teniente Blake Harris debe sacar a un importante sospechoso de terrorismo de una base secreta de la CIA situada en el mar Báltico. Zoe Anderson, una joven analista de la CIA, también participa en la misión. De repente, unos insurgentes armados atacan la cárcel durante el traslado del prisionero, llamado Masu Mansur.

El equipo de Harris cree que Mansur tiene información sobre un atentado que se llevará a cabo en Washington D.C y hará todo lo posible para sacarle de la base con vida.

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Crítica

Un one shot con muchos tiros y un falso plano secuencia la mar de resultón

Un one-shot es como se llaman esos cómics que tienen una sola entrega, que son de un único ejemplar conclusivo. Podríamos pensar que esta película llevando ese título sigue los mismos derroteros pero después de verla me animo a creer que habrá más partes. Al fin y al cabo, su director, James Nunn, es el autor de otras películas con militares como ‘El marine’ 5 y 6. Y es que el filme me ha gustado y no es por tener un carácter comiquero, que podría ser, sino por la incesante acción que tiene.

‘One Shot (Misión de rescate)’ nos cuenta la historia de un equipo de Navy SEALs que tiene que extraer a un preso de lo que se antoja como una especie de Guantánamo pero ubicado en una isla cerca de las costas de Polonia. El conflicto empieza cuando el propio director de la institución se niega a entregar a ese preso y poco después la base esa asaltada. A partir de ahí comienza una historia de mucha acción que además pasa por diversas etapas. ‘One Shot’ tiene tiroteos al más clásico estilo del western, escenas de guerrilla, persecuciones, momentos de subterfugio… En cuanto a diversidad de escenas es una película bastante rica y se ha subido al carro de nuevas vertientes dentro del género de acción.

Está claro que ‘John Wick’ sentó un referente tras el estreno de su primerísima entrega. Pero lo que más me remonta ‘One shot’ es a ‘Tyler Rake’, la película que protagonizó Chris Hemsworth para Netflix. Los actores de esta película han tenido un entrenamiento muy táctico y se nota en los movimientos o en el manejo de las armas, pero sobretodo lo que más llama la atención son las coreografías. Pero esa no es la mejor virtud de la película de Nunn que llegará a cines el día 21 de enero.

‘One shot’ alude también al modo de llamar a los planos secuencia en los países angloparlantes. Esto es debido a que se ha usado esa técnica de rodaje y montaje para trasladar la acción de la pantalla al espectador. Toda la película es un falso plano secuencia en su totalidad. Aunque se perciben momentos en los que ha habido un corte, no están también disimulados como lo estuvieron en ‘1917’, el filme está muy bien montado y la acción no se interrumpe. Hay dinamismo, hay experiencia inmersiva… está más que justificado que la película siga este método narrativo.

El protagonista indiscutible es Scott Adkins que repite por lo menos por tercera vez con este director y que está ya subido en el carro de actores de acción como Frank Grillo. Intérpretes relativamente poco conocidos entre el público que no es estadounidense pero que han estado en películas muy populares dando el callo entre tiros y explosiones como ‘Los mercenarios 2’ o ‘X-Men orígenes: Lobezno’ donde hizo de doble de acción de Ryan Reynolds en la piel de Deadpool, lo cierto es que tienen algún parecido. Adkins delega a veces el protagonismo en otros personajes por motivos de la trama y también para poder cumplir con la coreografía de la película, pero cuando está ante la cámara se luce y cumple de sobra. No es ese el caso de Ryan Phillippe que ha realizado un trabajo tremendamente sobreactuado. Acompañan a los soldados una asesora interpretada por Ashley Greene y el preso al que han de escoltar (Waleed Elgadi), siendo este segundo bastante más creíble en su papel.

Fallos, pues le puedes encontrar como a cualquier película sencilla como esta. Cumple con clásicos como la inagotable munición de los buenos y el ejército de villanos que no sabes de dónde sale. Al haber realizado todo en un falso plano secuencia la película no sale de la misma base militar pero eso no es impedimento para que ésta tenga distintos escenarios. No hay pegas con la técnica de cámara en mano que se ha utilizado para rodar pero tal vez sí con el giro final pues resulta bastante inverosímil. Quizás esa inverosimilitud que se le plantea a dos de los protagonistas en los últimos instantes haya sido introducida a propósito pues no queda resuelta y quizá busca hablarnos de los manipuladores que son los servicios de inteligencia.

Y no es que me conforme, es que esta película británica me ha sorprendido gratamente pues tiene un ligero subtexto y derrocha acción dejándonos solo un par de veces en stand by. Se la recomiendo aquellos que busquen un divertimento con bastante adrenalina, pero no para los que sientan tedio con las películas que nos aturden con multitud de disparos, giros de cámara y explosiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de enero de 2022. Título original: One shot. Duración: 96 min. País: Reino Unido. Dirección: James Nunn. Guion: Jamie Russell. Música: Austin Wintory. Fotografía: Jonathan Iles. Reparto principal: Scott Adkins, Ashley Greene, Ryan Phillippe, Emmanuel Imani, Dino Kelly, Waleed Elgadi, Terence Maynard, Jess Liaudin, Lee Charles. Producción: Fiction Films, Signature Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/one_shot_mision_de_rescate