Ramón, un joven apocado a punto de heredar el imperio levantado por su riguroso y hermético padre; Bermejo, un veraneante metódico enfermizo del orden y enemigo de la improvisación; Ayoub, un africano sin papeles que persigue su sueño acompañado por una mujer insoportable que parece haberlos perdido todos y Alipio, un pequeño empresario sumido en el pozo de la ludopatía y la desesperación, protagonizan esta comedia, muy de Fesser, formada por cuatro historias de humor interconectadas que nos llevan a la conclusión de que nada es tan divertido como la desgracia ajena y que cuanto peor lo pasen los protagonistas mejor lo pasará el espectador.
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Crítica
De los campeones a los conformados
Javier Fesser vuelve por los derroteros de lo absurdo. Tras conseguir un éxito sonadísimo y merecido con ‘Campeones’ aterriza de nuevo de la mano de Universal Pictures con ‘Historias Lamentables’. Pero no es una llegada a cines, no de primeras, porque en un atípico movimiento ser estrenará primero en Amazon Prime Video.
Tampoco suelen ser típicas o convencionales las comedias de Fesser. Sin necesidad de ser extravagante consigue alcanzar un humor histriónico, estrafalario y contrariamente campechano. En esta ocasión se alía de nuevo con Claro García, con quien ya había trabajado en ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’. Juntos nos cuentan una concatenación de historias que efectivamente son lamentables, por la tristeza que esconden y por sus patéticos personajes. Una tristeza que no es del tipo ‘Camino’ pero que si hará que aflore en vosotros la compasión y descubráis a un Fesser más crítico de lo habitual.
Rayito, el hombre de la playa, el cumpleaños de Ayoub y la excusa. Esos son los títulos de los episodios de esta película que bien podría emitirse por partes, quizá por eso ha recaído en el regazo de Amazon. El tono es cómico pero hay momentos de auténtica lástima o pena. La historia de Chani Martín es la más hilarante y me reafirma en mi opinión de este actor como una bomba por explotar. Lastima que ‘Historias lamentables’ no siga esos derroteros y esa cadencia cómica, hay momentos en los que se repite un poco y no consigue acertar con los gags. Sin embargo nos lleva del ancla al azadón a ritmo de música electrónica, timbales y desventuras sin aburrirnos un instante.
Como decía Fesser regresa un poco a las historias alocadas e intentando tocar nuestra humanidad. Las cuatro narraciones tienen en común que se componen de personajes resignados a las normas o patrones sociales, que dan penica (así, con acento maño) pero también de muchísimo jeta, como se suele decir para referirnos a los aprovechados. No sé qué tiene el director madrileño que siempre consigue una cercanía muy tierna e imprime a sus películas un sabor honesto. Puede que sea a través de los componentes que introduce que consiga que sintamos más proximidad con sus películas. Casi siempre inunda sus escenas con elementos de los años 60 u 70: los coches, el vestuario, las cámaras, el color la música…
En ‘Historias lamentables’ también se mantienen algunos actores que han trabajado previamente con Fesser. Janfri Topera, Sergio Olmo, Gloria Ramos, Alberto Nieto e incluso vuelve a hacer un cameo Itziar Castro.
No puedo evitar pensar siempre en los personajes de Fesser como en unos dibujos animados llevados a la realidad. Los efectos especiales que incorpora siempre, sus primeros planos tan caricaturescos y sus momentos tan disparatados parecen puro cartoon. Es un director que al igual que Quentin Dupieux consigue siempre hacerme sonreír con tramas que parten de lo insulso y acaban desembocadas de manera jaleosa.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de noviembre de 2020 (Amazon). 11 de junio de 2021 (cines). Título original: Historias lamentables. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Javier Fesser. Guion: Javier Fesser, Claro García. Música: Rafael Arnau. Fotografía: Álex Catalán. Reparto principal: Chani Martín, Laura Gómez-Lacueva, Matías Janick, Alberto Castrillo-Ferrer, Pol López, Fernando San Segundo. Producción: Morena Films, Películas Pendelton. Distribución: Amazon Prime Video. Género: comedia. Web oficial:https://morenafilms.com/portfolio/historias-lamentables/?portfolioCats=79
En la cabeza de Juan, escritor en paro, parecía una buena idea: currar como guarda del Hotel Balneario de Ariño, la misma antigua zona minera donde está ambientando su novela, su soñado best seller histórico con el que debutar por fin. Pero de repente se para el mundo, aparece la pandemia, España entera entra en cuarentena y lo que iba a ser un sencillo trabajo de quince días se convierte en un encierro de la nueva normalidad.
Juan, atascado y desquiciado, vivirá la cuarentena con las llamadas de su madre y las videollamadas de su dominante novia, con la que está a punto de casarse. También las de su compañero de piso experto en conspiraciones y las del mismísimo Juan Manuel de Prada, su tutor en un curso de escritura creativa. Solo se relacionará con Evaristo, el mecánico más jeta y porrero de Aragón, con Antonio, el brazo fuerte de la Ley, y con la esquiva y bella Alicia, encargada de traerle los víveres del súper.
Todos nos aburrimos mucho en la cuarentena. Juan no.
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Crítica
De contagios y literatos
Nadie podrá negar que estamos en época de improvisaciones. Así me gusta pensar tras ver ‘¡Ni te me acerques!’, una película escrita por Manu Riquelme, Norberto Ramos del Val e Iván Reguera. Una comedia rápida y con algo de improvisación, tanto por sus autores, como por sus actores y sobre todo por parte del personaje protagonista.
No podemos evitar en pensar constantemente en virus, infección, equipos de protección individual, distanciamiento… ‘¡Ni te me acerques!’ hace alusión obviamente a todo eso. Es una película grabada justo tras salir del confinamiento domiciliario iniciado en marzo de 2020 en España. En ella a un escritor le pilla la cuarentena en un balneario vacío donde ha aceptado el trabajo de vigilante, para así tener tiempo y tranquilidad para escribir.
Este largometraje cómico tiene muchas alusiones a la literatura, de la que intenta sacar chistes ágiles. Está claro el paralelismo españolizado con ‘El Resplandor’, de hecho, se menciona eso en múltiples ocasiones convirtiéndose en un running gag. Pero la película es consciente de que estamos en una época en la que los youtubers rivalizan con los Revertes en los tops ventas de las librerías y por supuesto ni hay terror ni thriller ni drama, solo una sátira pocas veces punzante.
Y temas que están en boca de todos también salen a la luz. El postureo a la hora de aplaudir a los sanitarios, el trato de apestado hacia los que viven en Madrid, los bulos, la dificultad para mantener la distancia social… El humor negro y tontorrón está muy presente pero no se percibe ninguna falta de respeto y eso que la película tiene cierto grado de atrevimiento. No solo me refiero a la alusión de los siempre sospechados negros de Stephen King y Ana Rosa Quintana, si no a poder tratar de un modo que roza lo chanante una situación que nos tiene de los nervios. Ramos del Val tampoco busca trivializar ni por el contrario demandar nada, simplemente el filme consigue relajar el ambiente.
Además el título también alude a la incapacidad de escribir por parte del autor. ‘¡Ni te me acerques!’ se convierte en un romance donde no solo hay que eludir los virus, también las tentaciones.
En Ariño recae este escritor que se cree listillo, pero suele pecar de pringado. Está interpretado con gracia y de una manera dicharachera por parte de Edu Ferrés. Cuando este comparte escena con Emilio Buale es cuando la película gana más chispa.
En estas tierras entre Teruel y Zaragoza que dan cobijo a Dinópolis se ha ubicado un “Overlook aragonés” en el que también hay espacio para lo paranormal. No es una locura de comedia, pero si goza de cierto resplandor.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de noviembre de 2020. Título original: ¡Ni te me acerques! Duración: 95 min. País: España. Dirección: Norberto Ramos del Val. Guion: Manu Riquelme, Norberto Ramos del Val, Iván Reguera. Música: José Sánchez-Sanz. Fotografía: César Montegrifo. Reparto principal: Edu Ferrés, Rosalía Mira, Emilio Buale, Rubén Hernández, Aloma Martínez, Claudia Molina, Juan Vinuesa, Jose Manuel de Prada, José Semprún, Sonia Almarcha, Antonio Muñoz Pérez, Ksenia Kovalenko, Joaquín Noé. Producción: Norberfilms. Distribución: Norberfilms. Género: comedia. Web oficial:http://www.norberfilms.com/
1933. La llegada de Hitler al poder cambia por completo la vida de Anna y su familia. Ella tiene nueve años cuando todo comienza, demasiado ocupada con sus cosas para prestar atención a lo que acontece en Berlín. Pero pronto ella y su familia se verán obligados a abandonar el país y dejar atrás muchas cosas queridas, como su casa, sus amistades, sus juguetes. Ahí también se quedará su infancia.
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Crítica
Con más intencionalidad que emotividad
‘El año que dejamos de jugar’ está basada en la novela ‘Cuándo Hitler robó el conejo rosa’, de Judith Kerr. Aunque vaya de nazis, niños y en el título figure un conejo no tiene nada que ver con ‘Jojo Rabbit’, como imaginaréis este es un filme cuyo nombre esconde un trasfondo más dramático y nada cómico. Este largometraje de Caroline Link tiene bastante de autobiográfico, pero no de su vida si no de la de Kerr pues trascurre en los primeros años de la autora, que nació en 1923. Ella era hija de un crítico declarado en contra de los nazis. Literalmente crítico ya que era un conocido crítico teatral que constantemente soltaba diatribas contra Hitler y su partido.
La película se ambienta en los primeros días del estallido nazi y la huida de los Kemper (apellido que ha sustituido a Kerr), una familia judía compuesta por padre, madre, hijo e hija. Todo transcurre durante la época de las elecciones que ganó el partido nacionalsocialista, algo que tampoco nos ha llegado mucho en forma de película. Arranca por lo tanto en 1933, mucho antes de La noche de los cristales rotos y la II Guerra Mundial.
‘El año que dejamos de jugar’ es una película sobre el nazismo y sin nazis a la vista. Una huida del terror como tantas otras estamos viviendo hoy en día en Europa. Un relato sobre refugiados, sobre prejuicios, tropelías y precariedad. También es un filme de contrastes culturales manejados desde la cándida visión de unos niños.
La película pone bien el énfasis en la mirada de la niña protagonista que encarna en la ficción a la autora fallecida el pasado 2019 a sus 95 años. Una niña bien dirigida e interpretada por RivaKrymalowski que mezcla lo infantil y lo trágico con su peculiar carácter. Ese modo de ver el mundo y la relación intelectual o artística con su padre (interpretado por Oliver Masucci, ‘Dark’) es de lo más interesante. Y es que ‘El año que dejamos de jugar’ no trata solo de una niña especial o una familia que a posteriori pudiese tener más o menos eminencia. Trata de una infancia rota, de una comodidad robada. El filme narra cómo paulatinamente se pierde la inocencia y la imaginación evasiva de los niños.
Y a pesar de tocar cosas tan sensibles consigue llegar únicamente en su final. El resto de la película se aleja de lo sentimental y representa en líneas generales un relato familiar, dentro de las penurias de la inmigración en la primera mitad del siglo XIX, pero familiar. Sí que es cierto que sabiendo cómo avanzaron los alemanes por Europa estás toda la película pensando que allá donde se van desplazando no les espera precisamente seguridad, es una especie de componente de thriller no buscado que nos engancha al filme.
Paralelismos o no con la realidad la película tiene intención de remarcar, entre otras cosas, lo duro que es abandonar una posición confortable para ir rasgándose las vestiduras y el orgullo por tierra ajena. También la eterna persecución a la difusión y la cultura. Dada la temática y las buenas estampas que nos deja ‘El año que dejamos de jugar’ cabría esperar algo más de emotividad. Por lo menos servirá para que aquellos que están desinformados vean que Hitler no hizo lo que hizo solo con las armas, horriblemente consiguió muchos votos en unas elecciones.
Ficha de la película
Estreno en España: Als Hitler das rosa Kaninchen Stahl. Título original: Als Hitler das rosa Kaninchen Stahl. Duración: 119 min. País: Alemania, Suiza. Dirección: Caroline Link. Guion: Caroline Link, Anna Brüggemann. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Bella Halben. Reparto principal: Riva Krymalowski, Oliver Masucci, Carla Juri, Justus von Dohnanyi, Marinus Hohmann, Ursula Werner, Anne Bennent, Benjamin Sadler. Producción: Sommerhaus Filmproduktion, Warner Bros. Film Productions Germany, La Siala Entertainment, Huogo Features, Mia Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:https://pinkrabbit.ayapro.ne.jp/
Isabel, una estudiante de periodismo de la promoción del 95, realiza las prácticas en el pequeño diario local de Cantaloa, aunque el puesto que la asignan allí, es el último que esperaba: la gestión de las esquelas que llegan a la redacción. Pero esto, que podría parecer en principio algo aburrido, se convierte, en la puerta a una investigación que la llevará a encontrarse con una historia de amor imposible que sucedió en Jerez de la Frontera durante el verano de 1958.
Gonzalo, un joven arquitecto, llega hasta Jerez para iniciar su carrera, proyectando la nueva bodega de su mejor amigo Hernán Ibáñez y su joven prometida Lucía Vega. Una construcción ambiciosa, que supondría la unión de las dos familias bodegueras tras la boda. Pero, pronto Gonzalo, Hernán y Lucía se ven envueltos en un triángulo de amor, pasión y mentiras que cambiaron sus vidas para siempre.
Isabel sabe que detrás de estas misteriosas esquelas hay una gran historia por contar. Su olfato le conduce hasta el hijo de Gonzalo en un viaje que ella tampoco olvidará. Un viaje por carretera en el que sacarán a la luz un pasado cargado de celos, engaños y pasión, y que les llevará, casi sin querer, a replantearse sus propias vidas.
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Crítica
Emborrachada de vino y estampas pierde elocuencia
‘El verano que vivimos’ es una apuesta bastante potente, su elenco protagonista es de vanguardia y los medios empleados para realizar el filme demuestran una inversión cuantiosa. Pero el filme defrauda. Lejos de poner excusas que se amolden a mis gustos personales en cuanto a un género de cine u otro, la película de Carlos Sedes falla como narración romántica.
El largometraje busca rodearnos de un ambiente campestre, costumbrista, bucólico y bañado por el sol. Y lo consigue. La puesta en escena está bien estudiada, los escenarios y las localizaciones están explotados al máximo. Dicho de otra manera, tiene estampas muy bonitas. En ese sentido se amolda bastante a películas como ‘Un paseo por las nubes’, aquella película con Keanu Reeves y Aitana Sánchez-Gijón que también tenía mucho romance y vino. Y como esa cinta ‘El verano que vivimos’ aborda esos momentos en los que toca reconducir sentimientos o guardar en la memoria el mejor estío de nuestra vida.
Como toda película de amoríos tiene momentos intensos o en los que estalla la pasión, pero eso no es suficiente. El problema de ‘El verano que vivimos’ radica en que de entrada sabemos que esto va a ser un triángulo amoroso de manual entre Javier Rey, Blanca Suárez y Pablo Molinero. Nada más ver que cumple tópicos como el ponerse ojitos injustificadamente desde el primer encuentro sabemos los pasos que va a seguir toda la película. Además el filme intenta ser narrado en retrospectiva a través de las investigaciones de una reportera becaria (muy poco natural) que cuarenta años después quiere desentrañar la historia a partir de unas esquelas. Nos ambientan bien en ese viaje de la Galicia de los 90 a la Andalucía de los 50 que tiene base real. Pero resulta poco verosímil que se desvele la inmensidad de lo que se cuenta a partir de unas líneas salpicadas en múltiples periódicos. No hay misterio por mucho que se nos quiera hacer ver que se tira del hilo poco a poco.
Si que es verdad que he agradecido por lo menos el giro final que arroja algo más de sentido a esas esquelas, que más bien habría que llamar obituarios. Y me ha gustado mucho la escena del péndulo por su simbolismo y ternura. Así como la banda sonora de Federico Jusid, muy intensa. Junto con la fotografía son los únicos valores que le he encontrado a este filme que cuenta hasta con cinco guionistas.
Si decía que sus imágenes son muy bellas también tengo que indicar que hay escenas irrisorias como esa en la que Rey hace un book fotográfico improvisado o robado a Blanca Suárez y esta posa cual modelo, no ha quedado nada veraz. Esas escenas tan de postureo emborronan la calidad de los buenos actores de la película que no tienen ninguna línea destacable o elocuente que interpretar. No obstante creo que Pablo Molinero es el que mejor nivel demuestra haciendo que me crea su personaje arraigado e impetuoso.
Veréis cosas muy de primerizos, como el mostrar una botella de refresco con la etiqueta quitada o un zumo con la marca del supermercado tachada, se agradece el que no haya product placement pero son pormenores que no tienen explicación. También diversos cromas mal disimulados. Detalles que se podrían haber evitado y que te sacan de una producción ambiciosa creándote la sensación de ser un quiero y no puedo.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: El verano que vivimos. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Carlos Sedes. Guion: Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina, Javier Chacártegui, David Orea. Música: Federico Jusid. Fotografía: Jacobo Martínez. Reparto principal: Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, Carlos Cuevas, Guiomar Puerta, María Pedraza, Alfonso Agra, Adelfa Calvo, Manuel Morón, Antonio Durán. Producción: Mr. Fields and Friends, Atresmedia Cine, Warner Bros. Entertainment, Bambú Producciones, La Claqueta P.C., 4 Cats Pictures, Amazon Prime Video, Orange. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: romántico, drama. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/el-verano-que-vivimos
Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación.
Esta noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana…¿o quizás en un estímulo?
Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirá la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro.
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Crítica
Una buena dosis de humor conflictivo
La obra teatral que supuso el debut de Cesc Gay fue ‘Los vecinos de arriba’ y ahora aparece en cines bajo el nombre de ‘Sentimental’. Es una película que surge de una obra de teatro pero eso no quiere decir que esté exenta de recursos o de planos. Ya hemos visto otras propuestas teatrales que emplean características como esta nueva comedia, es decir, aunque no tengan un pasado teatral transcurren en una sola casa y aún así resultan muy dinámicas. Es el caso de ‘Perfectos desconocidos’, una producción que bien podría haber salido de un teatro y que rara vez tiene más de tres escenarios diferentes, todos ellos pertenecientes al mismo domicilio y sin llegar a aburrirnos en ningún momento.
Eso mismo pasa en ‘Sentimental’. Una cocina, un salón y el hall de entrada de la casa, sirven de escenario para una situación muy incómoda. Una pareja tiene una relación la mar de hostil, está tirándose los trastos constantemente y con ese plantel invitan a sus vecinos del piso de encima a cenar. Ella lo está deseado (por morbo o ansia de contacto humano) y él rechaza el encuentro (por bordería o pereza social). En toda esa situación hay varios secretos entre ellos que de salir a la luz van a generar uno de esos momentos de los que no sabe uno como salir.
‘Sentimental’ es una buena dosis de humor conflictivo. Solo podría esperarse eso cuando los invitados son una psicóloga y un bombero que no se corta un pelo. Las indirectas vuelan como dardos y las hay tanto verdes como dañinas. Este es un filme en el que o bien se habla a la cara con afilado sarcasmo o se usa una profunda sinceridad. Intromisiones, borderías, tensiones… Una serie de momentos desagradables y casi increíbles que detonan una respuesta sentimental.
JavierCámara y GriseldaSiciliani interpretan al matrimonio en crisis y por otro lado BelénCuesta y AlbertoSan Juan son los vecinos de arriba. Cámara firma otro papelazo. En esta nueva película con Gay elabora una comedia menos oscura que la de ‘Truman’ y quizá por eso más hilarante. Pero eso no quiere decir que ‘Sentimental’ no abrace inquietudes interiores. Hace bastante justicia a su título.
Por otro lado destacaría a Belén Cuesta. Hay que ver qué bien se mueve en la comedia, sobre todo cuando esta presenta momentos embarazosos. Hace buena pareja con un forzado Alberto San Juan y entre los dos nos llevan a los momentos más surrealistas que hasta ahora he visto en una película de Cesc Gay.
‘Sentimental’ se me antoja un título que está llamado a hacer las américas. Tiene un humor universal y si no estoy mal informado el texto original ya acaparó miles de espectadores en Argentina, México, Chile… Ojalá allí la puedan ver también pues Filmax tiene también la distribución internacional.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de octubre. Título original: Sentimental. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Cesc Gay. Guion: Cesc Gay. Fotografía: Andreu Rebés. Reparto principal: Javier Cámara, Belén Cuesta, Alberto San Juan, Griselda Siciliani. Producción: Imposible Films, Movistar+, TV3, ICEC, Sentimental film, Televisión Española (TVE). Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/sentimental.176
Cuando se cumplen diez años de la muerte de Francisco Umbral, cuesta pensar que no haya una película que reinvindique su figura. Nuestro objetivo es llevar a cabo un proyecto documental que reinvindique su legado y hacer que su obra se difunda entre las nuevas generaciones.
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Crítica
Agradó con su literatura, molestó con sus palabras
Creo que lo justo antes de empezar a hablar de Francisco Umbral sería decir ¿qué puedo escribir de este literato que no escribiese ya él mismo? Su obra tenía muchísimo de autobiográfica y lo irónico de todo esto es que Paco Umbral haya caído tan pronto en el olvido o no esté entre lecturas obligatorias en centros de enseñanza. Como pasa muchas veces los años probablemente le hagan justicia.
No obstante y de manera casi inaceptable el tiempo ha hecho que le tengamos en nuestra memoria solo cada vez que alguien alza la mano para comentar sus asuntos al grito de “yo he venido a hablar de mi libro”. Y hay generaciones que esa referencia ya no la captan del todo. Este atropello del lenguaje y la memoria se lo fraguó el propio Umbral siendo consumido por su propio personaje. Pero lo ecuánime sería que se le recordase por sus escritos, como hacen aquellos que de verdad se han acercado a su figura y como pretende hacer ‘Anatomía de un Dandy’
Extrayendo el título de su primer ensayo ‘Larra, anatomía de un dandy’, el documental de Charlie Arnaiz y Alberto Ortega que les ha llevado tres años de trabajo reivindica a un showman culto, de esos que ya no hay. Nos esbozan a una persona que creó de manera manifiesta a un personaje como herramienta de marketing literario. Un hombre que se mostraba siempre arisco, sarcástico y hostil en público pero que el documental demuestra que era más afable y cariñoso de lo que podríamos imaginar.
Caballero de metáforas hizo más de una genialidad y es difícil imaginar a alguien tan prolífero hoy en día, solo a la altura de maestros como Woody Allen o Stephen King, autores que no paran y prácticamente no bajan su listón. El documental está muy bien narrado por etapas arrojando luz a su obra, personalidad e identidad. Descubre muchos detalles y no deja faceta sin tratar. Además nos acompaña en muchos tramos la voz de Aitana Sánchez Gijón que además de hacerlo muy poéticamente nos devuelve a ese café Gijón que tanto adoraba. Si con ‘Anatomía de un dandy’ a uno no le queda claro porque este autor de novelas, artículos y ensayos debería ser mejor recordado es que necesita leer más. Con el impacto de este showman la película además hace involuntariamente un repaso por la historia reciente del periodismo y la literatura. Umbral era fan incondicional de Cela y amigo de José Hierro, además Delibes fue quien le acompañó en sus primeros pasos. Y le entrevistaron periodistas o presentadores como Mercedes Milá, José María Íñigo o Jesús Hermida. Estuvo relacionado con la creme de la creme de España ya que hacía amigos e incluso enemigos que buscaban popularidad por el mero hecho de aparecer criticados en sus columnas. Agradó con su literatura, molestó con sus palabras. Ejemplo de ello son frases suyas como “la envidia en España es más fuerte que el fútbol”.
‘Anatomía de un dandy’ es un documental muy humano ya que sabe mostrar luces y sombras desde el más profundo respeto. Reconoce el mérito obvio un autor con más de cien libros, ganador del Premio Cervantes y que explotó el uso de la letra negrita para destacar nombres como hacemos aquí mismo. Pero también exhibió el adjetivo de mujeriego, egocéntrico y solitario. Anunciaba la muerte de los libros pero yo os recomiendo pasar por el umbral de este documental, para que podáis valorar los tesoros que se esconden tras las portadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de noviembre de 2020 (26 de octubre en Seminci). Título original: Anatomía de un Dandy. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega. Guion: Óscar García Blesa, Álvaro Giménez Sarmiento, Emilio González. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Reparto principal: Francisco Umbral, Aitana Sánchez Gijón, María España, Raúl del Pozo, Juan Cruz, Manuel Jabois, Pedro J. Ramírez, Ángel Antonio Herrera, Antonio Lucas, David Gistau, Victoria Vera, Ramoncín, Bénédicte De Buron-Brun, Manuel Llorente, Fanny Rubio, Jorge Urrutia, Rosa Montero, Manuel Vicent. Producción: Malvalanda S.L, Por amor al arte producciones S.L., Dadá Films & Entertainment S.L, RTVE. Distribución: por determinar. Género: documental. Web oficial:https://malvalanda.com/umbral/
Amy se obsesiona con la posibilidad de morir de manera inminente. Lo peor es que su miedo es contagioso.
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Crítica
Existencialismo fatídico y espeso
Amy Seimetz es una directora que se presenta a nosotros con su segundo largometraje, ‘She dies tomorrow’. Y no llega con pocos avales. Se llevó el premio a Mejor Película en la sección Canet Jove de Sitges 2020. Está producida por Justin Benson, Aaron Moorhead y David Lawson Jr., autores de ‘Resolution’, ‘Spring’ o ‘El infinito’. Sabiendo esos datos la película partió con mi voto de confianza.
Pero ciertamente este filme me ha defraudado, como me pasó con ‘Cementerio de animales’, un título en el que actuaba Seimetz pues durante su carrera ha trabajado más como actriz que como directora, siendo muy conocida en los círculos del cine indie.
Casi todo aquello que está fundamentado en tramas psicológicas suele captar mi atención. Pero en el caso de ‘She dies tomorrow’ la oportunidad se desperdicia. Aunque la película comienza con un estupendo primerísimo plano de un ojo lloroso, muy bien iluminado, la película nos repele con su primer cuarto de hora. Son quince minutos de ver a la protagonista sobeteando toda su casa. Hemos oído el Requiem de Mozart en otras películas como ‘El gran Lebowski’ o ‘Watchmen’, pero aquí se abusa de esta misa.
Lo que sucede en ‘She dies tomorrow’ responde a un tipo de influencia y sugestión paranormales o potentes, como poco. El miedo a morir de la protagonista (interpretada por Kate Lyn Sheil) se contagia rápidamente. Pero la obsesión por un fatídico mañana se convierte en una homilía machacona por parte de cada uno de los personajes. Es como si se pasasen entre ellos la cinta de ‘The ring’ y en vez de tener a Sadako lo que tenemos es una persistente y agotadora convicción que nos lleva a una muerte psicosomática.
Los derroteros de esta película de luces blaugranas parpadeantes van por lo existencialista y lo denso. Denso no por lo elaborado de sus diálogos, que resultan más bien repetitivos, sino por lo que cuesta avanzar por ella. La poca sangre de los personajes debería estar rodeada de simbolismo, que por lo menos nos cuente algo, pero parece más bien relleno. Está claro que esta película pone a prueba la paciencia, tanto por su ritmo como por el carácter de sus protagonistas. Además al final te sorprendes de que haya terminado por lo inconclusa que resulta. La muerte, como decía aquel, no llega hoy, hoy no, maaaañana.
He acabado cogiéndole manía a la cinta, ya no solo por lo espesa que es, también por intérpretes con los que por lo general acabo teniendo una sensación de desilusión. Por ejemplo, hace papel pequeño Adam Wingard, director de mortales remakes como el de ‘Blair Witch’ o ‘Death Note’. Ahí está el listón.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de octubre de 2020 (posteriomente en Filmin). Título original: She dies tomorrow. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Amy Seimetz. Guion: Amy Seimetz. Música: Mondo Boys. Fotografía: Jay Keitel. Reparto principal: Kate Lyn Sheil, Jane Adams, Kentucker Audley, Katie Aselton, Chris Messina, Tunde Adebimpe, Jennifer Kim, Olivia Taylor Dudley, Josh Lucas, Michelle Rodriguez, Adam Wingard, Madison Calderon. Producción: Rustic Films. Distribución: Filmin. Género: comedia, drama, misterio. Web oficial:https://www.facebook.com/ReachRusticFilms/
Han pasado 30 años desde la aparición de los Burnish, una raza de seres mutantes capaces de controlar el fuego que desataron una gran tormenta de llamas que devastó la mitad del mundo. Cuando aparece un grupo de mutantes aún más agresivos conocidos como Mad Burnish, lo único que se interpone entre ellos y la destrucción total es Burning Rescue, una brigada de bomberos de élite anti-Burnish fundada por Kray Foresight, el gobernador de la República de Promepolis.
Precisamente su miembro más novato, el apasionado Galo Thymos, es capaz de capturar a Lio Fiota, la líder de los Mad Burnish. Sin embargo, Lio escapa y al seguirla hasta su escondite, Galo descubre una impactante verdad acerca de los Burnish y la existencia de un terrible plan a escala global…
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Crítica
Desborde de flameante imaginación
Si recordáis bien la última escena con peleas de ‘Spider-Man: un nuevo universo’ y estáis dispuestos a más, eso querrá decir que estaréis preparados para todo ‘Promare’. La totalidad del film es como esa escena. Igual de trepidante, a veces igual de confusa, colorida y divertida. Incluso esta producción incluye una animación muy similar a la película del hombre araña, con menos potencia, detalle y tridimensionalidad pero con la misma celeridad y modernidad. Es una película de fames llenos de vectores acelerados. Todo un logro para Studio Trigger que saca pecho y reclama atención con esta nueva propuesta.
‘Promare’ es un derroche de imaginación. Mezcla mutantes, con mechas gigantes y humanoides, viajes por el espacio-tiempo, multiversos… Sin olvidar a los bomberos protagonistas que son la versión superheróica de los antiguos hikeshi de Japón. La trama de ‘Promare’ consigue hilar todos esos elementos hasta que llega el momento en que se convierte en un desvarío total. No te pierdes pero la ecuación se convierte en algo tan difícil de resolver que ya te ves forzado a creer o pasar por alto cualquier mecanismo nuevo justificando que esto es ciencia ficción desbordada.
También en sus diseños, muy propios del género anime, supone una cascada de ingenios. El colorido, las maquinas, las extrañas ropas o los peinados imposibles. El omnipresente fuego se presenta como algo rosáceo y tanto el entorno como los objetos o los gigantes son dignos de devolvernos a títulos como ‘Gundam’ o ‘Full Metal Panic’.
A parte de los diseños y el tipo de animación lo que llama mucho la atención es su acción incesante. Cual ‘Mad Max’, circunscrito al género mecha, no nos da apenas descanso. La historia trata de que algunos seres humanos, los que están psicológicamente más quemados precisamente, manifiestan la capacidad de flambearse. Algunos de esos nuevos mutantes amenazan con arrasar la vida en de la Tierra y surgen cuerpos de bomberos especializados. Es constante y muy bizarra la pelea que mantiene el protagonista con su enemigo, a pesar de que como casi siempre, nos lo plantean como el novato entusiasmado de turno.
‘Promare’ responde a los códigos típicos de un anime juvenil. Su esquema revela un clásico villano fácil de detectar por los más jóvenes o inexpertos pero sus intenciones exterminadoras son más comprensibles por un adulto. Es muy dinámica, llena de nombres para ataques y artilugios, también de un humor bastante tontorrón y una épica idealizada.
Si algunos se quejaban de la mezcolanza de ‘Pacific Rim’ o de la destrucción de ‘Batman V Superman’ con esta película van a flipar. El arranque es potente y la película solo sabe ir a más. Aquí hay campo abonado para una serie e incluso para un gran videojuego. Si uno tiene las retinas preparadas para buscar detalles, reconocer la acción y perderse en un túnel de colores disfrutará de esta adrenalítica película.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de octubre de 2020. Título original: Promare: Puromea. Duración: 111 min. País: Japón. Dirección: Hiroyuki Imaishi. Guion: Kazuki Nakashima. Música: Hiroyuki Sawano. Fotografía: Shinsuke Ikeda. Reparto principal (doblaje original): Kenichi Matsuyama, Taichi Saotome, Masato Sakai, Kendo Kobayashi, Arata Furuta, Ayane Sakura, Hiroyuki Yoshino, Tetsu Inada, Mayumi Shintani, Rikiya Koyama, Ami Koshimizu, Taiten Kusunoki, Nobuyuki Hiyama, Katsuyuki Konishi, Ryōka Yuzuki. Producción: Sanzigen, Trigger, Xflag. Distribución: Selecta Visión. Género: ciencia ficción, acción, animación. Web oficial:https://promare-movie.com/
Una mujer ve pasar las horas junto a las maletas de su examante (que vendrá a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no entiende que su amo le haya abandonado. Durante los tres días de espera, la mujer solo ha bajado una vez a la calle, para comprar un hacha y una lata de gasolina. La voz humana es una lección moral sobre el deseo, no importa que su protagonista esté al borde del abismo. El riesgo es parte esencial en la aventura de vivir y de amar.
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Crítica
Una mujer (internacional) al borde de un ataque de nervios
Esta no es una versión de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ de hecho el cortomertaje surge a partir de un relato de Jean Cocteau. Pero su protagonista, interpretada por TildaSwinton, si está atacada, a punto de estallar.
Tras la laureada ‘Dolor y Gloria’ nos llega un cortometraje de Pedro Almodóvar que nace adaptando una obra teatral. Y para ello emplea una nave que parece vacía pero que vemos rápidamente que aloja una casa. Un hogar sin techo. Un plató que sirve como jaula para la angustia que siempre produce la espera prolongada. El personaje sin nombre de Swinton se aloja en una casa que bien podría ser una zona de Ikea, en la que de poco sirven los objetos materiales ante la falta de un ser que ya no está y que solo ha dejado buenos recuerdos. Escenificación del vacío interior.
Nostalgia y despecho, pero no descomposición. Está muy bien el discurso del filme. Un carpe diem en retrospectiva. Aboga por atesorar los mejores momentos, por usarlos como bálsamo a la hora de pasar página y no derrumbarse. Pero ‘La voz humana’ también se deja llevar por el deseo y los impulsos. Y es que el corazón siempre traiciona.
Ella coloca con inquietud una buena colección de películas desperdigadas sobre su mesita, apila maletas y objetos que aguarda entregar a aquella persona con la que antes compartía espacio vital. Pero esta no llega, no da señales de vida y eso la tiene en un sinvivir. Tampoco ayuda mucho a la tranquilidad de esta ahora solitaria mujer los ladridos y quejidos melancólicos del perro de su expareja.
En ‘La voz humana’ solo tenemos una protagonista femenina. Y como secundarios un perro y el vendedor de la ferretería que visita en su única salida y que está interpretado por Agustín Almodóvar. A ellos les acompaña una atípica música en lo que se refiere a las melodías de Alberto Iglesias. Tonos misteriosos que también transmiten tristeza y algo de locura.
Hay mucha nitidez (6k), colorido y riqueza de formas en este corto que en un principio parecía que iba a ser casi mudo, una tímida incursión de Almodóvar en los rodajes en inglés. Pero la conversación posterior es bastante abundante y contundente. En ella vemos la fuerza y el talento tanto de quien lo ha adaptado como del texto original. Talento pero no genialidad. Una capacidad innegable para sacar partido a las emociones más humanas, de mano de la puesta en escena del director y de la actriz que sin nada a lo que amarrarse despliega una gran interpretación.
Swinton se despide en ‘La voz humana’ de alguien famoso que además de grandes instantes para la memoria le ha dejado un perro. Sería precioso que el corto sirviese como una apasionada carta de despedida a su amigo David Bowie. Lo cual hace que vuelva a preguntándome cuando Swinton aceptará hacer el biopic sobre Ziggy Stardust.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de octubre de 2020. Título original: The human voice. Duración: 30 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Reparto principal: Tilda Swinton, Agustín Almodóvar. Producción: El Deseo, Filmnation Entertainment. Distribución: Wanda Visión, Avalon D.A. Género: drama, cortometraje. Web oficial:http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/la-voz-humana
Basado en el libro más vendido de 2006, The Secret, un fenómeno global que permitió a millones de personas llevar una vida más feliz y plena, “El Secreto” se centra en Miranda Wells (Katie Holmes), una joven viuda trabajadora que lucha por criar sola a sus tres hijos. Una tormenta poderosa trae un desafío devastador y un hombre misterioso, Bray Johnson (Josh Lucas), a su vida. En solo unos pocos días, la presencia de Bray vuelve a encender el espíritu de la familia, pero él lleva un secreto, y ese secreto podría cambiarlo todo.
El innovador libro de Rhonda Byrne ha vendido más de 34 millones de copias en todo el mundo, ha sido traducido a 50 idiomas y apareció en la lista de los más vendidos del New York Times durante 190 semanas consecutivas.
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Crítica
Carece de la ambición y el atrevimiento que demanda su fenómeno
‘El secreto’ es la adaptación del famoso libro de autoayuda o de crecimiento personal que se convirtió en 2006 en un éxito superventas y que ya tiene una película homónima en DVD con sus enseñanzas. No es de extrañar que un libro así llegue a venderse tanto si tenemos en cuenta que Oprah Winfrey lo promociono en su programa. Tampoco de extrañar que llegase a mucha gente cuando es un libro que puede hacer que veamos las penurias de otra manera incluso a muchas personas les puede dar un enfoque distinto de la vida.
En mi caso no he leído el libro pero se que lo que le ha hecho famoso es que es una obra aleccionadora y esperanzadora. Creado por Rhonda Byrne se centra en autoimponerse un positivismo que cada vez está más de moda. Cada vez más de moda y también más criticado ya que esta corriente de pensamiento suele venir acompañada de pseudociencia y acostumbra a implicar la evasión de los problemas reales. Creo que se nota que no soy partícipe de su llamada Ley de la atracción. Y es que por mucho que uno piense en algo que quiere esto no va a acabar llegando a ti.
Al fin y al cabo todo esto se parece mucho al concepto del karma y lo que vimos que sucedió en la película ‘Cadena de favores’. Es decir, haz cosas buenas y te pasarán cosas buenas o alcanzarás el éxito. Pero esto no tiene garantía ni base científica. Como todos sabemos la cosa no siempre es así, es más, casi nunca.
A todo lo que sucede en el libro se le ha dado una historia en la gran pantalla. ‘El secreto’ me recuerda mucho a la serie de Michael Landon, ‘Autopista hacia el cielo’. Un desconocido irrumpe en la vida de una familia que está traumatizada y que parece gafada. Ese desconocido trae el secreto que da título a la película y también trae una nueva manera de afrontar las situaciones o problemas que la familia le viene de perlas.
Compro la influencia de una filosofía optimista en la vida de alguien, sobre todo si esa persona se está viendo metida en un pozo sin fondo. Pero usar sistemáticamente el método que se predica en el libro me parece que evita que se manifiesten sentimientos que son necesarios y que además sirven como catarsis. Hay que tener cuidado con no confundir optimismo con resignación o pensar que las cosas vienen solas, que no hay una causalidad explicable.
Al margen de lo que yo pueda pensar sobre este tipo de “filosofía” hay que reconocer que la película está contada correctamente y con buen gusto. Creo que se agitó bastante el panorama en su momento por todo el tema del libro, y si lo que buscan es un personaje como el de Josh Lucas no me parece algo excesivamente preocupante ni pernicioso, es más, es buen ejemplo de persona. Al fin y al cabo la cosa va de asesorar y el director Andy Tennant, que es quien ha realizado este filme, atinó también en su día con ‘Hitch’, con un asesor más cómico, claro está.
Los protagonistas de esta película son Katie Holmes y Josh Lucas. Visitarles a ellos es también llegar a la conclusión de que ‘El secreto’ es más un título casi romántico que un filme que pretenda lucir una corriente de pensamiento. Es por ese tono y por su acabado visual que parece más una película televisiva, bien rodada como decía, pero que carece de ambición y del atrevimiento a mostrar realmente sus cartas.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de octubre. Título original: The Secret: Dare to Dream. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Andy Tenant. Guion: Bekah Brunstetter, Rick Parks, Andy Tennant. Música: George Fenton. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Katie Holmes, Josh Lucas, Jerry O`Connell, Celia Weston. Producción: TRI G, Savvy Media Holdings, Covert Media, Illumination Productions, Robert Cort Productions, Shine Box Media Group. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/el-secreto/
Hemos acabado Sitges 2020 con una gran recopilación de películas, para terminar con un buen sabor de boca. Tras haber visto unas 40 películas (más casi veinte cortometrajes) nos hemos hecho una lista de sorpresas, favoritas, decepciones… que comentaremos mañana 18 de octubre en directo a las 18h en nuestro canal de Youtube, el mismo sitio en el que como aquí hemos realizado un diario completo.
Como no podría ser de otra manera nos hemos hecho eco del palmarés de este año en el que han destacado ‘Possessor’, ‘Relic’, ‘La nuée’ o ‘Mandibules’. No podríamos daros detalles de la inmensa mayoría de los premiados ya que desde el acceso online (con acreditación o comprando) no se han podido ver.
Pese a las limitaciones que nos han creado nuestra imposibilidad de ir al festival hemos de agradecer a la organización las facilidades dadas y a todos vosotros, lectores y espectadores, el apoyo mostrado. ¡El año que viene más, mejor y en persona!
‘Benny loves you’
Si nos dicen que hay una película de un muñeco simpático pero asesino, podemos pensar que estamos hablando de Chucky. Si nos dicen que además mata a otros muñecos se nos puede venir a la cabeza ‘¿Quién está matando a los moñecos?’. Pero si hace todo eso es que es Benny. Karl Holt es el director y guionista de esta película en la que un muñeco muy similar a los Happy Tree Friends lucha a muerte por el amor de su dueño.
La película es muy irregular pero tiene un sentido del humor muy bueno. Se atreve no solo con la violencia y la casquería, sino también a la hora de hacer humor abofeteando a un niño o con el SIDA. Destaca sobre todo el carácter destroyer del juguete.
Los actores sobreactúan, la iluminación es mala, la música plana y el sonido en algunas escenas es excesivamente artificial. Pero sus continuos gags y lo macabra o dementemente simpático que es el peluche nos mantiene en la película.
Claramente hay un tono paródico en todo esto. Por eso no importa que se note que el peluche va dando saltitos por ahí sin nada de fluidez en sus movimientos. No me esperaba ver tantas imágenes generadas por ordenador. Benny parece casi real y no es el único juguete recreado.
El filme se olvida de retomar su mecánica en la cual el protagonista nos sirve de narrador. Incluso hay varios fallos de rácord. Pero como he dicho este es un filme muy chorra con la intención de entretenernos con sus desvaríos.
Basada en la novela de AmélieNothomb, la nueva película de KikeMaillo nos trae una historia muy profunda y llena de misterio.
Un hombre termina de dar una gran charla, de vuelta a casa, una muchacha le pide compartir el taxi para ir al aeropuerto. Ambos pierden el vuelo y a partir de ahí todo se empieza a torcer bastante.
Me ha fascinado. A través de tres historias contadas por Texter, la chica que casi que le acosa, vamos enterándonos de la historia. Me parece una maravilla la manera de contar la historia. No he leído el libro y no puedo compararla, pero sin duda gracias a la película es de las próximas novelas que tendré en mi poder.
TomaszKot y AthenaStrates se pillan casi toda la película dialogando entre ellos y no puedes dejar de escucharles. Otro punto importante en la historia es el personaje que interpreta MartaNieto.
Otra película que espero que llegue pronto a las salas porque quiero que la vea todo el mundo.
La Unión Soviética esconde un laboratorio a doce kilómetros de distancia bajo el suelo del Circulo Polar Ártico. Allí debe acudir una científica (Milena Radulovic) para resolver un misterio que ha obligado a cerrar las instalaciones. Obviamente pronto se da cuenta de que la cosa es peor de lo que imaginaba.
La película de Arseny Syuhin arranca bien y a los diez minutos nos ofrece una escena intrigante y con una tensión bien gestionada, en esa escena. El resto del filme os va a recordar a películas de rescates en los que entra en juego un componente fantástico, véase ‘Alien’ o ‘Resident Evil’. Con mucha menos acción que esos títulos que he citado y con unos últimos compases más parecidos a ‘La cosa’ la historia nos lleva por una trama donde como siempre entra el juego el belicismo de los rusos.
En líneas muy generales el filme está bien y tiene una ambientación lograda. Su actriz protagonista supone un descubrimiento. Pero faltan por moldear mejor algunas escenas para mantener la tensión inicial. Por ejemplo, todas las secuencias sobre los descensos y ascensos en esos ascensores de largo recorrido, son ineficientes, necesitan más intensidad. También es bueno saber que doce kilómetros y una espesa capa de permafrost con una barrera estupenda para una contención, pero no sirve de nada si los personajes se saltan a la torera las normas básicas de aislamiento, típico. Aún con todo esto no nos dejan tan fríos como el ice bucket challenge y merece la pena que la veáis, aunque sea por la criatura final que se intuye entre las oscuras imágenes.
LucianodeAzevedo, creada a partir de 3 cortos del director, ‘Cabrito’, ‘Rosalía’ y ‘Released from love’. Donde la familia, el hambre y la sangre son los protagonistas.
Es una película muy retorcida, con imágenes muy duras y bastante soez. Terminas odiando a todos los personajes, no coges cariño a ninguno y la verdad llega un momento que deja de interesar y estás deseando que acabe la película.
En la casa en la que estamos, vemos las paredes llenas de sangre, con miembros de cuerpos por todos lados. Como he dicho, es todo muy desagradable y con imágenes bastante inconexas que hacen un poco lioso toda la narración.
La película nos adentra en la soledad y lo mala que es. Las alucinaciones que logran crear y todo el sufrimiento que da. Poco más que decir, la verdad que no me ha entusiasmado nada.
‘The Quiet Revolution: State, Society and the Canadian Horror Film’
Documental sobre el cine de terror generado en Canadá. Cumpliendo el tópico de que ese es un país muy pacífico no podría concebirse otro tipo de revolución que no sea una tranquila. Desde los años 60 las tensiones sociales generadas por la religión o el independentismo, amén de otros asuntos, desembocaron en una corriente cinematográfica patente hoy en día en ciudades como Vancouver o Toronto. Pero todo este impacto social arrancó en la zona de Quebec.
Hablar de progresos en el cine casi siempre suele implicar censuras, importaciones, doblajes, sistemas de impuestos… Pero el documental prefiere centrarse en cineastas. Por eso acapara casi toda la atención la productora Cinépix o David Cronenberg y sus inicios con ‘Shivers’, ‘Rabid’, ‘The brood’ y por supuesto ‘Scaners’. Pero también aparecen nombres como Lionsgate o Vincenzo Natali.
El documental de Xavier Mendik reúne nombres relevantes en la industria del país de América del Norte y cita películas a las que podéis echar el guante. Véase ‘Valérie’, ‘Cannibal girls’, ‘Death weekend’, ‘Elevated’, ‘American Mary’ y por su puesto ‘Cube’. Pero sobre todo deja claro el calado social que tuvo toda esta corriente cinematográfica.
Hoy en día se ruedan en Canadá excelentes películas y series de terror o ciencia ficción como ‘Tucker and Daley VS Evil’ o ‘Fringe’. Acercaos sin dudarlo a este documental y a su cine.
Hoy os hablo de esta curiosa cinta que bueno, muchos han dicho que no saben qué pinta en Sitges y si, es cierto, no tiene nada de fantástico, pero me alegro mucho que la hayan escogido.
Una guionista tiene una crisis de creatividad y decide marcharse a una cabaña perdida en el bosque donde la acogen un matrimonio que no está en su mejor momento.
A partir de este momento, Alison, comienza a meterse en un berenjenal de líos amorosos, celos e historias inventadas. Durante esa primera noche ocurre algo y pasamos a una segunda parte de la película. Sorpresa, aquí toda la historia cambia y entramos en una especie de espejo narrativo donde todo es distinto.
AubreyPlaza, SarahGadon y ChristopherAbbott, son los tres protagonistas de esta cinta y sin ellos esta película sería aburridísima. Están perfectos, tienen una química perfecta entre todos para lo bueno y lo malo.
Sin duda una película que espero que llegue a los cines porque merece mucho la pena. Historias sobre el amor, sobre el cine y la falta de creatividad son los temas principales en esta película.
Establecer paralelismos con lo que estamos viviendo es inevitable. Sobre todo al comienzo de esta película en la que la humanidad está en una carrera por encontrar la cura a un parásito que enferma todo el planeta. Mascarillas, laboratorios, escasez de médicos… todo nos suena hasta que la protagonista, una parasitóloga, se queda encerrada en una cámara.
A partir de ahí la película se aproxima más a los títulos en los que el personaje principal está siempre encerrado. Hasta que a mitad de la cinta sucede algo. Pero ni ese punto de inflexión ni todo lo posterior consigue aliviar el hastío que levanta este filme con modos muy sesenteros. ‘Tin Can’ es tremendamente estática y muestra realmente poco. Aunque busca variar los ángulos y los planos para no aburrir tiene un ritmo soporífero.
Reconoceréis a la protagonista interpretada por Ana Hopkins si habéis visto ‘Arrow’ o ‘The Flash’ al igual que identificaréis a un habitual del fantástico como Michael Ironside. Pero el papel de este último es tan pequeño que resulta una mera curiosidad. Tampoco ayuda a animar el cotarro la movilidad de unos seres cubiertos de oro a lo C3PO. Hasta el androide de Star Wars resulta más entretenido.
Penúltimo día de Sitges 2020 para nosotros, el 18 lo reservamos para nuestro recopilatorio especial. Hoy os brindamos tres críticas más pero no os preocupéis que no hemos desfallecido. Para el día de mañana os espera una traca final bastante copiosa. No obstante para hoy tenemos unas películas en las que tanto nosotros como los protagonistas flipamos en colores.
‘Fried Barry’
Aunque ‘Fried Barry’ avisa de antemano de su violencia y escenas de sexo ese aviso se queda corto. No es que haya que calificar esta película como X, con la categoría R es más que suficiente, pero es que se ceba y regodea constantemente en lo mismo. Aquí todo el mundo está salido e inexplicablemente ve atractivo a Barry. La primera mitad de la película es una noche en la que el protagonista es poseído por un alienígena que parece haber venido a la Tierra simplemente a desfasar. Parece graciosa la premisa pero es una concatenación de escenas soeces y burdas que además no van a ninguna parte.
Si que es cierto que la segunda parte del filme, claramente reconocible por un letrero de “intermission” es más divertida. Pero igualmente la película de Ryan Kruger nos deja con la sensación de haber visto un episodio de algo que podría haber contado más. Se nota ahí que el director está avezado en hacer videoclips. Tiene secuencias que visualmente funcionan de lujo pero su narrativa es pobre.
No cabe duda que este es un tripi visual con sexo, drogas y sangre a la altura de películas como ‘Mandy’, visualmente digo. La interpretación del protagonista es plana, más allá de lo que le pide su condición de poseído por un extraterrestre, antes de darse ese suceso ya actuaba igual. Este filme es sudafricano y la verdad es que su protagonista encajaría también con los músicos sudafricanos Die Antwoord que conocimos en ‘Chappie’. Y el resto del reparto tampoco dice mucho actoralmente.
Es como ver deformado el realismo sucio de Bukowski desprendido de alma alguna. Hay un momento en el que una porra se convierte en metralleta, diciéndonos que aquí cada loco puede tener su visión de este E.T. vicioso. En vez de llamarlo una película hay que definirlo de manera diferente, como dice su director en los títulos de crédito, “una cosa de Ryan Kruger”, hay que agradecerle su sinceridad.
Estamos ante una serie online de 4 episodios, que se han ensamblado para crear una película de 97 minutos.
En ella vemos 4 historias de terror bastante distintas unas de otras. Viene bastante curioso el cine Taiwanes y sin duda esta película o historias están muy bien dirigidas.
Fantasmas, monstruos y mucho más es lo que vais a ver en esta película en la que los protagonistas van a sufrir de una manera u otras. Pero también tenemos algún episodio bastante sentimental.
La fotografía, el montaje de sonido y toda la puesta en escena es digna de admirar. Edificios abandonados, edificios que no están abandonados pero lo parece, casas de lujo encantadas, infinidad de detalles que harán que disfrutemos mucho con estas cortas historias.
Como detalle, hay actores que repiten en algún que otro episodio, pero no con los mismos personajes por supuesto.
Dirigida por Christopher Alender y escrita por Marcos Gabriel (‘Más Muppets que nunca’). En el reparto encontramos a Brigitte Kali Canales, Andrea Cortés, Julia Vera, Sal Lopez y AJ Bowen. Hay mucho sabor latino, tanto por los intérpretes como por toda la iconografía que usa la historia.
Es un retorno a las raíces y a las creencias ancestrales. Una reportera viaja a su región natal para hacer un reportaje sobre brujería y acaba siendo secuestrada por supuestamente estar poseída. El filme es una especie de escape room donde la protagonista se ve forzada a pasar extrañas y esotéricas pruebas. Todo ello mientras se droga para evadirse.
Esta es una historia de creencias, familia y sobre todo de convicciones. No solo de lo seguros que están los personajes acerca de lo que creen o no si no de lo que son y de lo que recuerdan. Todo esto le da una dimensión dramática al filme que no está de más.
La imagen está muy bien tratada, introduce algún que otro jump scare, tira a veces de efectos digitales y sobre todo de mucha casquería. El último tramo está de más y se va a una especie de ‘El exorcista’ a lo mexicano.
Sin ánimo de peloteo, estos son noventa buenos minutos brindados por una distribuidora con tan buen ojo como XYZ.
Siempre nos da pena despedirnos del Festival de Sitges y eso es lo que va a pasar en unos días pues tras esta jornada toca afrontar su último fin de semana que culminaremos con un directo en nuestro canal de Youtube, como otros años junto a los podcasters de Holocausto Zinéfago. Ya tenéis el enlace disponible aquí.
Las películas que hemos visto hoy son bastante modestas, pero no por ello exentas de curiosidades y no dejan de ser entretenidas. ¡Vamos alla!
‘Historia de lo oculto’
Thriller político argentino con toques paranormales. Sectas satánicas, extrañas sombras, drogas alucinógenas y un programa a lo Cuarto Milenio. Un cóctel explosivo en blanco y negro y rodado en 4:3.
Comenzamos en la última emisión de «60 minutos antes de la medianoche», el programa periodístico más visto de la televisión, aquí se van a disponer a destapar los vínculos del presidente del gobierno con el satanismo.
Un extraño ritual que hace que la gente desaparezca y quede olvidada para siempre. Sombras en las paredes que no deparan nada bueno. Brujos en la televisión intentando salvar el pescuezo, es lo que vamos a encontrar en la cinta.
CristianPonce nos trae una investigación periodística llena de misterios paranormales. Contamos con un reparto bastante novel en el que sobresale un veterano GermanBaudino (‘Abrakadabra’). En el resto del reparto podemos ver a NadiaLozano, HéctorOstrofsky, Agustín Recondo, LucíaArreche, IvanEzquerré, CasperUncal o LucianoGuglielmino, entre otros.
Desde Dinamarca y de la mano del director y guionista Jens Dahl nos llega una historia de cautiverio que no cautiva en exceso. Se hace pesada sobre todo porque tiene un primer acto muy largo en el que solo tenemos un drama de pareja. Cuando empieza a suceder todo el conflicto, la protagonista descubre una trama de secuestros, es cuando se pone algo interesante.
“Breeder” significa “criadora” y es que hay una compañía que experimenta con mujeres secuestradas para extraer de sus bebés un fármaco para conseguir el rejuvenecimiento. Tampoco es que se haga una crítica exhaustiva al corporativismo o los métodos de las farmacéuticas, este es más bien un thriller violento.
Aunque los personajes son excesivamente sumisos se puede valorar que la película tenga escenas bastante crudas y crueles. Además en varios sentidos puede considerarse asquerosa. Sucia por la cantidad de mugre, orina y sangre que tiene y por la mala praxis de la compañía de productos de belleza. En su plano estético me ha recordado al ‘Hostel’ de Eli Roth.
Consigue alargar su duración como otras películas de miedo en las que el villano vuelve una y otra vez, le tienen que matar varias veces hasta conseguir en una apoteósica escena que no vuelva a correr sangre por sus venas. Ciertamente es una historia que se podría haber recortado algo e incluir algo de mensaje, pero no resulta aburrida casi en su totalidad.
Hoy hemos visto la remasterización de ‘Viy’ un cuento donde un joven sacerdote es obligado a presidir el velatorio de una bruja en una pequeña y antigua iglesia de madera de una aldea remota. Esto implica pasar tres noches frente al cadáver con la fe como su única protección.
Estamos hablando de una cinta de 1967, es decir, las actuaciones quizás nos sean los más veraces que podaos ver. Pero es graciosa. Basado en un cuento de NikolayGogol, esta cinta es bastante resuelta pese a estar estrenada hace tanto.
Los efectos especiales, evidentemente no son los mejores, pero sí que vemos todo el trabajo realizado para que todo parezca real. Está muy bien rodada. Las escenas en la iglesia realmente están muy estudiadas, con distintos planos para introducir el movimiento o incluso que veamos la tensión del joven sacerdote.
Aparecen distintas criaturas, lo dicho, no tenemos un maquillaje impresionante, pero sí cuidado.
Me ha gustado bastante, si que pensaba que me iba a aburrir un montón, no se prejuicios por películas de ese corte quizás. Pero me ha gustado un montón. La película es de la época de la Unión Soviética y está dirigida por KonstantinErshov y GeorgiyKropachyov.
Grojo es el director de este corto que cuenta con Nancho Novo y con las voces de Javier Mejía (en el rodaje) y Javier Dotú, el doblador de Pacino del que se rescatan aquí varias frases. Este es un trabajo futurista en el que un director/escritor quiere hacer un guión que trate sobre cómo será la vida a veinte años vista. Un robot dorato de IA es el asistente que le han recomendado para generar una trama original.
Aborda la evolución intelectual del ser humano, curiosamente Novo lleva años con el monólogo ‘El Cavernícola’. Tiene como referentes ‘Black Mirror’ o ‘Blade runner’, entre otros. Está muy bien ejemplificado el funcionamiento de una IA como ente diseñado para aprender a hacer algo, no al que se le ha enseñado directamente a hacer las cosas.
La inspiración versus el análisis basado en datos enciclopédicos.
De la jungla indonesia a una feria, pasando por… sitios raros
Regresamos con nuestro diario de Sitges, ya quedan pocos días. Para esta recta final hemos escogido tres películas, a cada cual más rara. Un poco de terror asiático, un título con mucha potencia y también excentricidad y un drama psicológico feriante. Ya podéis leer o escuchar nuestras opiniones.
‘Impetigore’
Joko Anwar es un director indonesio que ya lleva una buena cantidad de películas y cortometrajes entre los cuales cada vez reina más el género de terror. En este caso la idea surge de pesadillas que el cineasta ha tenido y posteriormente ha escrito. Y aunque esas pesadillas bien pueden haber sido producidas por influencias de películas clásicas de terror ‘Impetigore’ ha resultado ser un filme muy bien elaborado.
Shudder, la plataforma de vídeo bajo demanda de EE.UU., está relacionada con este filme y nos podemos fiar de su criterio a la hora de decidir qué distribuye. Es una película con las clásicas apariciones y sustos, con cementerios y pasados ocultos en el pueblo natal. Y con una constante huida de unos aldeanos fanáticos que habitan una villa con una tasa de fertilidad enorme por lo que vais a poder comprobar.
Una aldea aislada en indonesia parece la excusa perfecta para la típica falta de cobertura, ¡pero los móviles tienen señal! Se resuelve bien esta película con algo de gore y quizá una ensoñación excesivamente larga. Tiene una buena fotografía e instantes la mar de interesantes. No le falta la sangre y encima culmina con el himno de la alegría, no me veo en la necesidad de pedirle más.
No sé qué decir de esta película, me ha dejado totalmente sin palabras, no porque me parezca la mayor maravilla, pero sí que entre tanta metáfora creo que se me ha ido toda la historia que me quería contar.
Con JoshHartnett, JohnMalkovich, BéréniceMarlohe, KeirDullea o JohnRhys–Davis, entre otros. Nos vamos a Utah, un futuro quizás no muy lejano, nos muestra que todo aquello que tierra próspera, está ocupada por una ciudad futurista. El hombre más rico del mundo, Wes Tauros, quiere hacer minas y sacar el uranio de debajo, por supuesto los indígenas no van a dejar que esto pase.
Todo esto se ve en la película a través de extrañas metáforas y con una fotografía de infarto de la que se encargan LechMajewski y PawelTybora. Es impresionante, tanto los exteriores a mano de dron, como los interiores, muchos de ellos sacados de las mejores obras de arte eurpeo.
Una película demasiado onírica para mí, pero que sin duda no puedo decir que me haya aburrido, sus dos horas y media de duración se me han pasado como una exhalación, entre intentar descifrar lo que me estaban contando y ver tanta maravilla en la pantalla, logran que te extraigas de toda realidad.
En Moviementarios hemos visto películas en las que los protagonistas se enamoran de su nave, de una IA, de un T-Rex y hasta de una nevera. Para seguir sumando objetos tenemos ahora una atracción giratoria de feria llamada Jumbo. Eso es lo que se le ha ocurrido a Zoé Wittock, directora y guionista que ha sido directora de segunda unidad en películas como ‘Red 2’. Lo que hace en este nuevo filme es aún más extraño que todo lo que figura en su filmografía.
Extraña pero metida por los pelos dentro del género fantástico. Depende de como lo interprete cada uno. Una joven está desde muy pequeña vinculada al parque de atracciones en el que ahora trabaja. Normalmente las atracciones necesitan engrase, piezas, pruebas… pero ella les da amor. Sobretodo a la última adquisición del parque. Si queremos pensar que esa nueva máquina tiene consciencia estaremos interpretando esto como algo fantástico evidentemente.
Pero yo me inclino a que esto es algo totalmente psicológico que nos quiere contar como los padres a veces han de adaptarse a los gustos y rarezas de sus hijos. También como una lucha por conservar una identidad con una sexualidad algo diferente. Su pugna por mostrarse rebelde no acaba de fraguar y pierde el pulso ante lo apático.
Lo mejor de este filme son sus escenas oníricas, por su simbolismo y su carácter visual. Lo peor es que parte de una idea original y bien planteada, pero su desarrollo no está a la altura, incluso parece que no acaba de contar nada.
No paramos, la semana para nosotros comenzó ayer pese al día festivo y seguimos con nuestras críticas. Rompiendo la superstición sobre el martes 13 esta jornada nos ha brindado películas que nos han gustado, aunque alguna hay que ha defraudado. Como en días anteriores tenéis disponible ya nuestro vídeo y mini-críticas. Las películas más destacadas del día han sido ‘No matarás’ y ‘Post Mortem’, de ahí nuestro titular.
‘No matarás’
DavidVictori nos lleva a una mala noche, pero mala de verdad. Nuestro protagonista Dani (MarioCasas) acaba de perder a su padre y decide cenar tranquilamente solo antes de emprender el viaje de su vida. Para su desgracia Mila aparece y todo se le trastoca en pocas horas.
Locura y desenfreno es lo que nos da este director al que ya le vimos dirigiendo en ‘El Pacto’. Los neones y la música son el punto central para lograr el cometido de esta cinta, mantenernos en constante tensión.
MarioCasas cada día me sorprende más. MilenaSmit está estupenda, es su primer papel en una película y lo borda.
Poco más que decir, os la recomiendo mucho y además ya tenéis la crítica en la web y os la dejo enlazada para que leáis todos los detalles.
Esta película estonia no es para niños. Casi siempre pensamos que la animación es algo para el público infantil pero este no es el caso. Es una de esas películas que como ‘La fiesta de las salchichas’ está concebida para adultos y que basa casi todo su humor en las connotaciones sexuales.
Al principio pensé que lo que iba sucediendo solo era campo de cultivo para mentes sucias, malentendidos que podrían generarse por eso de que no consiste en otra cosa que en salpicar a todos de leche. Pero la película está repleta de escenas con doble sentido. Yo pensaba que esta era una historia para menores (culpa mía por no informarme antes) pero en cuanto entran en un sitio oscuro, con un viejo jadeando, explotando al grito de ¡no puedo controlar la leche!, salpicando a sus nietos…
Me gustan estas películas que sacan un punto cómico y adulto a partir de dibujos o animación. Pero en este caso se ceba en lo soez y se repite. Le hacen el amor a un árbol con un tractor, solo tengo que decir eso.
El caso es que pese a que los personajes humanos no tienen movimientos en sus caras está bien animada. Los animales están bien hechos y la escenografía (luces, ambientes, maquetas…) tiene buen trabajo. El cerdo pedorro y el gallo intimidante son lo mejor. Eso sí, las cabezas de las personas que se han creado son muy feas. He tenido sensaciones parecidas a cuando vi la película checa ‘Laika’ hace dos años en el festival.
Thomas, un fotógrafo de cadáveres se ve envuelto en una trama de fantasmas bastante violentos en un pueblo de Hungría.
Las sombras, los ruidos y los ataques salvajes suceden durante toda la cinta. Anna, una niña, acompaña a nuestro protagonista en esta siniestra aventura.
El maquillaje de la cinta está muy trabajado, al igual que los efectos de movimiento de los objetos e incluso de las personas. Falla un poco más quizás en algunos efectos visuales, que no todos. Las sombras en las paredes son un poco menos complejas y termina notándose mucho que no están ahí de verdad. En cambio hay otros añadidos digitales que realmente hay que aplaudir.
Otra cosa que tampoco me ha terminado de convencer son las actuaciones de ViktorKlem (Tomas) y FruzsinaHais (Anna) en las escenas de tensión. Es decir, tienen como más de diez cadáveres volando a su alrededor. Sombras atacándoles y apenas se inmutan. Una cosa es que ya sepas que hay fantasmas y lo aceptes y otra muy distinta es que ni te asustes un poquito.
Pese a eso, tiene una buena historia que se toma su tiempo para contar, pero que no aburre y la hacen muy interesante. PéterBergendy nos trae una cinta llena de terror y aventuras.
Es frecuente y por desgracia normal que grandes películas independientes no lleguen a la audiencia. Con grandes me refiero a buenas historias rodadas con calidad que aunque tengan buenas críticas no aparecen en las carteleras copadas por las majors. Precisamente las grandes distribuidoras son las que han reculado en estos tiempos de COVID, dejando espacio a películas de menor presupuesto que pueden alcanzar más o menos sus objetivos. Se ha presentado una oportunidad para que los espectadores se abran a otro cine y para dar un respiro a trabajadores que normalmente sueñan con ver su cartel en cines.
Algo así es lo que trata la película de Justin McConnell. Él es un cineasta que sueña con sacar adelante sus propias películas, mientras trabaja como programador en los certámenes Little Terrors y Toronto After Dark. Gracias a este filme vais a ver cómo sacar una película adelante es mucho más difícil de lo que parece. Con las tecnologías de hoy en día es relativamente fácil hacer un largometraje. Pero lo difícil es distribuirla de tal modo que se gane dinero con ella.
Por si alguno no lo sabe o se lo cuestiona ahí es donde ejercen un papel vital los festivales. Son un foro de debate y encuentro para dar el pistoletazo real de una producción. Y es el escaparate de películas que aún busca quién les distribuya. Por si otros no lo saben no siempre que se empieza a hacer un filme hay quien lo vaya repartir por los cines o por Internet.
La experiencia manda y este documental cuenta con las palabras de Guillermo del Toro, MickGarris, Romero, Sam Firstenberg, Don Mancini, Tom Holland, Savini… Y también con la opinión de muchos productores, directores o técnicos que están tras títulos indispensables como Justin Benson, Aaron Moorhead, Anne-Marie Gélinas, Richard Stanley, Steven Kostanski…
Es un documental poco alentador de la mano de un soñador con los pies en la tierra. Tiene sus altibajos con las oportunidades que vienen y se esfuman. ¿Habrá conseguido lanzar alguna de sus ideas entre la competencia brutal de hoy en día? Con el documental descubriréis la respuesta y el camino, además de la función del Karaoke en todo esto.
El sol se quedó blanco por unos segundos un verano de 2020. Ese día la humanidad tuvo una visión fugaz del futuro. Ya sea un futuro inmediato o un futuro muy lejano. En este corto de 16 minutos conoceremos algunas de esas historias.
PabloHernando uno de los directores de ‘Esa sensación’. Este detalle hace que entienda un poco más el corto y lo bien que se le da a este director manejar las sensaciones sin necesidad de mostrar nada.
Con imágenes de archivo y algunas actuaciones en situaciones bastante cotidianas nos relata una narración de ciencia ficción. Acompañado de las voces y algunos rostros famosos.
IngridGarcía–Jonsson, EvaLlorach, VitoSanz, CarlosVermut, DavidZamora, o JuliánGénisson entre otros.
No os lo perdáis, además de que da para darle vueltas y comentarlo con los amigos, este corto tiene un final que os va a dejar KO.
Justin Daering fue asistente de dirección en ‘El contable’, una película muy solvente que os recomiendo ver. Igual que os recomiendo ver este corto que más bien podría pertenecer a una serie. En él la humanidad parece estar subyugada a una raza a la que consideran superior. Luchan por ascender en el escalafón y por ser portadores, que no es ni más ni menos que estar embarazados, en masculino, porque son los hombres los que gestan a los bebés.
El maquillaje es lo más importante en este corto que tiene algún momento asquerosillo. Ojalá progrese y tengamos una serie o un largo a partir de él.
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