Archivo de la categoría: Críticas

Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Infierno bajo el agua’

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Sinopsis

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Cuando un enorme huracán llega a su pueblo en Florida, Haley (Kaya Scodelario) ignora las órdenes de evacuación para encontrar a su padre desaparecido (Barry Pepper). Tras encontrarle gravemente herido en el entresuelo de su casa, los dos quedan atrapados por la inundación que cubre rápidamente el terreno. Prácticamente sin tiempo para escapar de la tormenta que arrecia, Haley y su padre descubren que la subida del nivel del agua es el menor de sus problemas.

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Crítica

Aja vuelve a demostrar por qué bucea bien dentro del terror

Nos tenía un poco en ascuas Alexandre Aja a los fans del terror y desde que dirigió ‘Piraña 3D’ en 2010 no había vuelto a brindarnos una película de miedo propiamente dicha. Estrenó la desternillante y retorcida ‘Horns’ con Daniel Radcliffe o el thriller ‘La resurección de Louis Drax’ con Jamie Dornan incluso los excelentes cortos ‘Campfire Creepers’ de realidad virtual con Robert Englund… pero ha tenido que ser el productor Sam Raimi quien rescate al director que tan buenos resultados obtuvo con los remakes de ‘Piranha’ y ‘Las colinas tienen ojos’.

‘Infierno bajo el agua’ no es un remake pero si está basado en lo sucedido tras el paso del huracán Florencia el año pasado. Es una aventura en la que poco a poco el agua va tomando el control del terreno y nos vamos encontrando en un mundo que es más propiedad de los reptiles que de los humanos. Combina acción y terror, tornado más caimanes, siendo un film de serie B enmascarado ya que el talento de su director impide que acabemos viendo algo chusco.

En resumidas cuentas su argumento es sencillo y podría formar parte de sagas como la extensa ‘Mandíbulas’ pero está entremezclado con un drama familiar que nos presenta a una protagonista (Kaya Scodelario) como pocas veces antes vista. Formada para ser siempre dura de pelar, no para ser una triunfadora, si no para no mostrar debilidad y convertirse en una «gran depredadora», en sentido figurado. Esa combinación está bien manejada tanto por su actriz como por su director y nos va guiando por toda la película para no sobrecargarnos ni de lagartos ni de tragedia personal.

‘Crawl’ es el título original del filme y hace referencia a ese gateo sinuoso y ominoso del caimán que amenaza la vida de la protagonista. Pero sobre todo alude a la disciplina deportiva que esta práctica, la natación estilo crol, a si es que da muchas pistas a cerca de los recursos finales a los que va a recurrir, lo cual es algo imaginable en un título de este corte. ‘Infierno bajo el agua’ cumple los clásicos esquemas de estos largometrajes: personajes carnaza, perro por el cual temer, escenas en las que los protagonistas corren riesgos absurdos… Es de esas películas en las que según a quién muerda el cocodrilo puede ser mortal o puede notarse como si se hubieran raspado simplemente las rodillas al caerse de un columpio. Son tópicos que navegan junto a efectos especiales muy logrados y a una planificación del filme muy cabal.

Aja lleva bien el terror, la tensión y los sustos en este título. Ha generado una buena ambientación y va de menos a más. Al final se deja llevar en algún momento puntual, incluso yendo de lo episódico a lo epidémico, dejando ver a ese fan del género de culto que hay en él. Personalmente disfruté más a Aja cuando hizo el gamberro en ‘Horns’ o se puso más cruento en ‘Las colinas tienen ojos’, pero en líneas generales ‘Infierno bajo el agua’ es un título que hay que clamar que nos tendría que haber llegado antes para aliviar las sucesivas olas de sofocantes estrenos que hemos sufrido durante este verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: Crawl. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Alexandre Aja. Guion: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen. Música: Max Aruj, Steffen Thum. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Kaya Scodelario, Barry Pepper, Morfydd Clark, Ross Anderson, Jose Palma, Colin McFarlane, Annamaria Serda. Producción: Paramount Pictures, Raimi Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, terror. Web oficial: https://www.paramount.com/movies/crawl

Crítica: ‘Angry Birds 2, La película’

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Sinopsis

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¡Los malhumorados pájaros que no vuelan y los maquinadores cerdos verdes llevan su rivalidad a un nuevo nivel en ‘Angry Birds 2, La Película’! Cuando una nueva amenaza pone en peligro tanto Isla Pájaro como Isla Cerdito, Red, Chuck, Bomb y Águila Poderosa reclutan a la hermana de Chuck, Silver, y se alían con los cerdos Leonard, su asistente Courtney y el técnico Garry para forjar una inestable tregua y formar un improbable super equipo que salvará sus hogares.

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Crítica

Aunque haya aves aquí no se vislumbra una gallina de los huevos de oro

La pandilla de pájaros destructores de Rovio Entertainment ha vuelto al cine con una segunda película que también ha realizado Sony Animation en la que es la película número 19 para el estudio. El productor John Cohen vuelve a lanzar un filme basado en el videojuego de dispositivos móviles que tantas entregas y versiones tiene disponibles. Cohen es muy prolífico en cuanto a cine de animación se refiere, a él le debemos la saga de ‘Gru: mi villano favorito’ y en él están puestas las esperanzas de ver una adaptación decente de ‘Garfield’ en 2020. Para ‘Angry Birds 2, La película’ tenemos, al igual que en ‘Gru: Mi villano favorito’ muchos esbirros y cachibaches, pero los tiros van por otro lado y eso es debido a su director y guionista, los cuales difieren de la divertida primera parte que se estrenó en 2016 (crítica aquí).

‘Angry Birds 2, La película’ está dirigida por Thorop Van Orman quien ha sido casi siempre actor de doblaje en su carrera o guionista en series como ‘Hora de aventuras’ o ‘Las supernenas’.  Por otro lado ha sido escrita por Peter Ackerman guionista del primer y tercer largometraje de esa serie de títulos que gusta a todas las familias, ‘Ice Age’. Y lo cierto es que lo que más se ha notado en esta nueva aventura de los pájaros del tirachinas es la influencia de Ackerman. El también productor de ‘The Americans’ parece obsesionado en el hielo y aquí vuelve con una guerra fría enfrentando a aves y porcinos contra una villana atrincherada en una isla congelada armada con utensilios de tecnología superior a la de los protagonistas.

La locura y la hilaridad que Van Orman ha podido aportar en trabajos anteriores no es que no se vea en la película, es que rebaja el nivel cómico con respecto a la primera entrega. El esquema del filme se asemeja mucho al de ‘Ice Age’. Los protagonistas tienen una misión crucial en la que uno de ellos intenta destacar como el héroe de «la manada» y durante esa trama vamos teniendo pequeñas cápsulas separadas, mini aventuras con otros personajes que nos recuerdan a las que nos introducían con el simpático Scrat, la ardilla busca bellotas. Esa fórmula no funciona, ya sea por repetitiva, por lo empalagoso de sus personajes o por la falta de gancho de estos.

El propio rey cerdo o Leonardo, por ejemplo, pierde mucha vis cómica con respecto a la anterior película perdiendo su toque de villano. Eso es a causa del guión que le coloca en una posición de aliado, conservando su personalidad patosa o ridícula pero dotándole de momentos menos graciosos. Esto no solo pasa con él, todos los personajes tienen chistes más flojos. Hay muy pocos instantes realmente divertidos que pueda recordar de la película. Existen algunas secuencias con música contemporánea o con chistes que se han hecho virales para hacernos mover el esqueleto o para intentarnos sacar una leve sonrisilla que seguramente les gusten a los más pequeños, pero el ingenio del filme no da para mucho más que eso.

En España tiene prácticamente el mismo doblaje que en su primera parte. Santiago Segura siendo el gruñón e inseguro Red, José Mota como el adrenalítico Chuck, Álex de la Iglesia aunque líder de los cerdos mantiene un tono simpaticón… El reparto de voces, aunque está a merced del guión, conserva muy bien el espíritu original de sus personajes. Me sorprendía la incorporación de Macarena Gómez para dar vida a la villana. No me pareció mal su labor en ‘Emoji la película’, obviando el resultado de ese filme, pero finalmente he podido corroborar que este papel de antagonista le ha venido mucho más a la medida.

El aprovechamiento que se hacía de la mecánica del juego en el primer largometraje se ha desdibujado. El filme no ha evolucionado por la vía correcta y se ha perdido encanto, pese a que las criaturas y los escenarios siguen estando muy bien recreados. En las apps que nos ofrecen en nuestros tablets y smartphones los Angry Brids se cruzan con otros universos (‘Star Wars’, ‘Transformers’), no simplemente con un mundo helado. Eso responde obviamente a fines comerciales, de merchandising y demás. Pero cuando hay que desarrollar una historia, como es el caso de ‘Angry Birds 2, La película’ quizá esa habría sido una alternativa más solvente, que les habría dado más soluciones, que no habría dejado tanto a la vista que están faltos de ideas. Porque aunque haya aves aquí no se vislumbra una gallina de los huevos de oro.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: The Angry Birds Movie 2. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Thorop Van Orman. Guion: Peter Ackerman. Música: Heitor Pereira. Fotografía: Simon Dunsdon. Reparto principal (doblaje original): Jason Sudeikis, Josh Gad, Leslie Jones, Bill Hader, Rachel Bloom, Awkwafina, Sterling K. Brown, Eugenio Derbez, Danny McBride, Peter Dinklage, Pete Davidson, Zach Woods, Dove Cameron, Lil Rel Howery, Nicki Minaj, Beck Bennett, Brooklynn Prince. Producción: Columbia Pictures, Rovio Animation, Rovio Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: animación, comedia, aventuras. Web oficial: https://sites.sonypictures.com/angrybirds/site/en/

Crítica: ‘A 47 metros 2’

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Sinopsis

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A la adolescente Mia no le apetece mudarse a México con su padre, Grant, y su nueva familia. Con Grant trabajando como investigador en una antigua ciudad maya que está sumergida bajo el agua, Mia se ve obligada a pasar tiempo con su hermanastra Sasha. Aburrida y sin supervisión, Mia, Sasha y sus dos amigas se adentran en la cueva submarina en la que Grant está trabajando.

Oculto durante siglos, el lugar de entierro maya sumergido es hermoso y desconcertante, pero pronto se vuelve mortal cuando las chicas descubren que no están solas. Están rodeadas por enormes tiburones blancos amenazadores. Atrapadas en una cueva que pronto podría ser su tumba, las chicas deben estar en silencio si desean salir con vida.

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Crítica

Independiente de la primera, mejorando ligeramente

El «sharkexplotation» parece no tener fin. Ah espera, eso ya lo dije en la crítica de la primera parte de ‘A 47 metros’. Pero sirve igualmente para esta secuela pues de igual manera continúan surgiendo títulos que explotan y exploran de manera terrorífica o cómica la figura de los tiburones. Esto no para: ‘El ataque del tiburón de seis cabezas’, ‘Sharknado 6’… hasta nos espera un ‘Megalodón 2’ y ‘Big shark’ con Tommy Wiseau. Y de igual modo podemos decir que el director que hoy nos ocupa, Johannes Roberts, sigue la misma línea, es decir, que no ha hecho mucho balance pues en rasgos generales sigue pecando y brillando en los mismos aspectos, habiendo logrado un nivel ligeramente superior. Su título continúa siendo igualmente pronosticable pero su vistosidad es de una calidad muy buena, ‘A 47 metros 2’ pertenece a ese grupo de películas de terror que no desbordan con nada innovador pero que tampoco se derrumban por ser cochambrosas.

Johannes Roberts saca una segunda parte en la que ninguno de los protagonistas está relacionado con la primera entrega. Borrón y cuenta nueva, podéis ver esta sin haber conocido siquiera la anterior. Todo transcurre también en un nuevo escenario y ahí radica uno de los puntos fuertes de la película. Ya no nos encontramos zambullidos y encerrados en una jaula, si no que estamos perdidos en unas cuevas. Unas grutas que además formaban parte de un emplazamiento maya. Eso le da al filme un encanto diferente con respecto al anterior y nos sumerge literalmente en esa atmósfera de terror que siempre imbuyen las antiguas y oscuras ruinas.

‘A 47 metros 2’ tiene momentos tensos, con unos tiburones muy bien recreados, sabiendo de nuevo aprovechar la oscuridad y en esta ocasión los espacios cerrados. La claustrofobia demuestra ser de nuevo buen amigo de Roberts que nos hace brincar de la butaca más de una vez a pesar de estar bien agarrados a ella de la tensión. Pero el guión que ha realizado junto a Ernest Riera, con quien ya había elaborado la original, tiene soluciones poco creíbles o por el contrario que se ven venir a la distancia pese a encontrarnos rodeados de una oscuridad abisal. Por ejemplo, aunque todo lo que va sucediendo es plausible no es normal que los tiburones sean omnipresentes. Y por favor, que alguien le diga a los guionistas que respirar CO2 no es bueno.

Las protagonistas de esta película son cuatro adolescentes en busca de emociones fuertes. Desde luego las encuentran y nos lo demuestran reventándonos los tímpanos a base de griteríos. No encuentro nada a destacar en sus interpretaciones a parte de que tiene su valía el gran número de escenas de buceo que han rodado. El hecho de que podamos ponernos nerviosos en la película es más mérito de los cámaras y del director que de las interpretaciones del reparto. Casi es más memorable el trabajo de VFX que buceando he visto que es obra de Outpost, los autores de lo que hemos visto en ‘Jurassic World’ o ‘Life’.

Es curioso pues esta película da para hacer alguna que otra guasa, ya nos pasaba en ‘A 47 metros’ con un tal Santiago Segura. Uno de los actores se llama Khylin Rhambo y casualmente esta es la primera película de Sistine Stallone la cual es una de las hijas de Sylvester Stallone. Pero no es la única que se estrena pues también es el debut de Corinne Foxx, la hija de Jamie Foxx. Y aún hay más, este filme está producido por Terence Hill, pero no es el famoso actor que formaba pareja con Bud Spencer si no el productor de ‘Operación huracán’, título que también nos trajo a las carteleras Tripictures y que por desgracia no resultó tan entretenido como este.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: 47 Meters Down: Uncaged. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts. Música: Tomandandy. Fotografía: Mark Silk. Reparto principal: John Corbett, Nia Long, Sophie Nélisse, Corinne Foxx, Sistine Stallone, Brianne Tju, Davi Santos, Khylin Rhambo. Producción: Thefyzz. Distribución: Tripictures. Género: terror, acción. Web oficial: https://www.thefyzz.com/project/47-meters-down-uncaged

Crítica: ‘La virgen de agosto’

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Sinopsis

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Eva está a punto de cumplir 33 años y ha convertido en un acto de fe la decisión de quedarse en Madrid en agosto. Los días y las noches se presentan como un tiempo de oportunidades, y mientras se celebran las verbenas de verano, Eva se encuentra con otras personas a las que trata de ayudar, sin saber que, en realidad, no hace otra cosa que ayudarse a sí misma. La virgen de agosto es una película-diario: el viaje íntimo de una mujer en busca de revelaciones; un cuento de verano un poco filosófico y algo místico, alegre y festivo de principio a fin.

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Crítica

Una serie de reflexiones interesantes pero cargantes a su vez

Madrid, uno de agosto, calor, una joven, un piso de prestado, tiempo libre. Así comienza ‘La virgen de agosto’, la nueva película de Jonás Trueba que ha escrito junto a Itsaso Arana quien interpreta a la protagonista. Ella es Eva una chica que se queda en Madrid en verano cuidando la casa de un escritor que se va de vacaciones. La razón de esa decisión no importa, lo que de verdad entraña algo de significado es el propio hecho de quedarse en la capital cuando todo el mundo busca huir, las consecuencias que ello trae.

Y desde el primer momento el filme hace una declaración de intenciones cuando el propietario del inmueble habla de un artículo sobre el que está escribiendo. Habla de filosofía y cine, sobre búsqueda de personalidad, sobre comedia escapista, sobre la realidad femenina… En ese instante inicial Trueba y Arana nos retratan en unos segundos todo un filme que dura dos horas. La película la vas desgranando con esas claves que te han dado al principio. Efectivamente ‘La virgen de agosto’ es una búsqueda de identidad en clave de comedia donde se incluye un gran discurso sobre la feminidad.

‘La virgen de agosto’ no tiene música, no hay banda sonora, las canciones ya las ponen las verbenas, las charangas y las discotecas veraniegas. La protagonista deambula por la ciudad viendo y escuchando todo aquello que esta le propone. El filme mapea en parte la capital madrileña durante la época de estío y nos la hace ver con los ojos de un turista. ¿Alguna vez habéis dicho eso de «aunque vivas aquí no vas a este sitio hasta que no viene alguien de visita y le llevas»? Eso es lo que le pasa a ella. Así el personaje principal se va cruzando con diversos individuos/as que le hacen experimentar cosas nuevas que hasta entonces podría haberse perdido por perpetuar el clásico estilo vacacional del ciudadano medio que sale en julio o agosto de viaje.

Itsaso Arana aguanta bien el plano. Casi todos los que han rodado son cerrados o americanos. Secuencias largas, algunas demasiado, que se recrean en rarezas o por el contrario en lo más mundano o auténtico que nos pueda ofrecer el verano. Así mismo lo delibera Arana con uno de los personajes que parece va a tener peso en el filme pero que es tapado por actores como Vito Sanz o Isabelle Soffel que se palpan más auténticos.

El gran problema de ‘La virgen de agosto’ es que hace que todos y cada uno de sus personajes entablen con su protagonista conversaciones trascendentales, todos se dedican al psicoanálisis de la vida, no hay apenas una charla trivial. Y no es que uno no soporte una película sesuda. Es que es creíble que Eva esté pasando por una crisis existencial y es lógico que se plantee cosas, pero lo que resulta más inverosímil es que todo el mundo se ponga en modo filosófico nada más cruzar un par de palabras con ella. Eso hace que la película sea una propuesta muy interesante por las múltiples reflexiones que hace pero también que sea bastante cargante e improbable.

Se puede recomendar la película por como ella misma se reboza en el cinismo o por apreciar a aquellos que son capaces de reinventarse, tanto en su tierra como alejados de su hogar. Cada espectador puede dar morada a alguna de sus cavilaciones, su introspección vale para todo tipo de personas pero su hilo tal vez no esté preparado para ser seguido por todos.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: La virgen de agosto. Duración: 125 min. País: España. Dirección: Jonás Trueba. Guion: Jonás Trueba, Itsaso Arana. Fotografía: Santiago Racaj. Reparto principal: Itsaso Arana, Vito Sanz, Joe Manjón, Isabelle Soffel, Mikele Urroz, Luis Heras. Producción: Los Ilusos Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: comedia. Web oficial: http://bteampictures.es/la-virgen-de-agosto/

Crítica: ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’

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Sinopsis

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1968: en Estados Unidos el cambio se respira en el aire… Pero el pequeño pueblo de Mill Valley está muy alejado de los disturbios en las ciudades. Allí, durante generaciones, la sombra de la familia Bellows ha ido creciendo. Fue en su mansión en el límite de la ciudad, donde Sarah, una joven con horribles secretos, transformó su torturada vida en una serie de historias de miedo, escritas en un libro que ha trascendido el tiempo – historias que se tornarán reales cuando un grupo de adolescentes descubran el aterrador libro de Sarah.

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Crítica

Es un ‘Destino Final’ del terror

‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ reúne a un buen grupo de narradores de relatos de terror y aventuras. La película está producida y escrita por el experto del fantástico Guillermo del Toro el cual ha reunido varios «cazadores de trolls». Por un lado están los guionistas de la serie de Netflix ‘Trollhunters’, los hermanos Dan y Kevin Hageman. Y por otro el gran director de películas de miedo André Øvredal quien en su autoría cuenta con la más que eficiente ‘Trollhunter’ y la excelente o sorprendente ‘La autopsia de Jane Doe’. Esta mezcla de talento hispano, norteamericano y noruego viene a dar a luz las pequeñas historias que en su día escribió Alvin Schwartz. Una especie de relatos cortos de tres o cuatro páginas como máximo, siempre acompañados de algún bosquejo de Stephen Gammell, donde el autor da incluso instrucciones para que el lector asuste a sus amigos, a modo de lectura de noche a la luz de una hoguera o de incursión en casa encantada.

‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ es una película juvenil en la que a cada vuelta de la esquina encontramos un fotograma que bien podría servir de carátula de un VHS de terror a alquilar en el videoclub de nuestro barrio. Está salpicada de pequeñas historias que se van escribiendo y van acosando a los protagonistas, directamente desde lo más hondo de sus más profundos temores. Su mecánica, su estética y su tono nos dejan un sabor a mezcla entre ‘Destino final’ y ‘Pesadillas’. Es un filme que poco a poco se va acelerando y convirtiendo en una carrera por narrar y no ser narrado, que va desvelando su verdad conforme avanza, resolviéndose de un modo convincente.

El autor original de las mini-historias ha sido re-interpretado en la ficción como un fantasma femenino con sed de sangre, cargado de ira al que no le faltan recursos literarios típicos del género de terror. Así pues vemos criaturas desmembradas, espantapájaros, arañas… Los espectros del filme (alguno de ellos interpretado por el español Javier Botet) me atrevería a decir que tienen una estética con cierta inspiración japonesa, me han recordado a engendros vistos en mangas como ‘Uzumaki’. Pero sobre todo la película respira una dinámica adolescente en la que se mezcla el terror con algo del ya reconocible humor irónico y sarcástico de Øvredal. ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ asusta, agobia en algunas ocasiones, pero nos incluye en su grupo de amigos, nos integra de tal modo que también nos sentimos cómplices de las risas nerviosas de los protagonistas.

La mano de Del Toro se percibe cuando en el clímax de la película asoman reminiscencias de películas como ‘La cumbre escarlata’ o cuando nos rodean referentes manifiestos del director como ‘Night of the living dead’ o las películas de ‘Bela Lugosi’. También la inclusión de un personaje «espalda mojada» habla claramente sobre los orígenes y preocupaciones del cineasta, sobre uno de los temas que indirectamente ha querido abordar y del que esta misma semana le oíamos hablar cuando recibía su estrella de la fama en Hoollywood.

Esta se podría decir que es la película más comercial de André Øvredal. La inclusión de elementos como el clásico matón de instituto o la ya manida caja de música así lo demuestran. Pero son componentes que quedan en un segundo plano, se imponen en el recuerdo con más fuerza otros detalles, como por ejemplo un tema escogido con más criterio, ese con el que empieza la película: ‘Season of the witch’. Y por supuesto el manejo del casting o cómo interactúa con los distintos espantos que van apareciendo, varios de ellos pertenecientes a la obra original, por cierto.

En el caso de Guillermo del Toro puedo decir que estoy muy alineado con su obra, teniendo muy pocas veces razones para el descontento. Y con André Øvredal hasta ahora podía decir que era infalible para mí, dos películas dos grandes agrados. Con ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ hace tres de tres, su colaboración con Del Toro aunque no desemboca en la mejor de sus películas si es un filme que os recomiendo que veáis en la más absoluta de las oscuridades, porque es desde ahí es desde donde nos envían una gran muestra de afecto por el género.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2019. Título original: Scary Stories to Tell in the Dark. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Guillermo del Toro, Dan Hageman, Kevin Hageman. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Fotografía: Roman Osin. Reparto principal: Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zajur, Natalie Ganzhorn, Gabriel Rush, Austin Abrams, Gil Bellows, Dean Noris, Javier Botet. Producción: 1212 Entertainment, CBS Films, Double Dare You, Entertainment One, Sean Daniel Company. Distribución: eOne Films. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.scarystoriestotellinthedark.com/

Crítica: ‘Un verano en Ibiza’

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Sinopsis

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Philippe (Clavier), un podólogo conservador de unos sesenta años que quiere ganarse a los hijos de su novia, se va con ellos de vacaciones a Ibiza. Rodeado de jóvenes y de fiestas desenfrenadas, aquel está muy lejos de ser el lugar idóneo para las relajadas vacaciones familiares que él esperaba.

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Crítica

Cumple el expediente como comedia asequible

Que Christian Clavier vive una nueva juventud es algo que salta a la vista. El actor que tanto nos ha hecho reír a través de papeles como Delcojón en ‘Los visitantes’ o el mítico Astérix vuelve a protagonizar películas que se colocan en los primeros puestos de los ranking de taquilla. Muy recordada será ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’ que dentro de poco tendrá secuela y ahora ‘Ibiza’ o ‘Un verano en Ibiza’ que es como se ha llamado en España, ha ostentado el título de tercer mejor estreno del año de una película francesa en su país. Junto a Mathilde Seigner (‘Vuelta a casa de mi madre’) protagoniza esta comedia ubicada en España con mucho sabor veraniego que se estrena en su fecha apropiada.

Clavier y Seigner interpretan a un par de novios con una buena diferencia de edad entre ellos. Ella tiene una pareja de hijos que no acaban de aceptar al vetusto novio de su madre y para darle menos cancha elijen como lugar de vacaciones la marchosa isla de Ibiza. Allí les espera la fiesta, la droga, el sol y otras sorpresas que algunos de ellos no esperaban.

La película la mantiene a flote Clavier y la espontaneidad que este siempre sabe explotar. El actor es un especialista en comedia y la cinta le pone en situaciones en las que su personaje, serio y entrado en años se ve superado. Nos hace reír gracias a que ‘Un verano en Ibiza’ tiene momentos fuera de control de esos que Clavier controla a la perfección. Por otro lado el filme de Arnaud Lemort se intenta ir a lo disparatado en otras muchas escenas y termina siendo excesivamente descabellado y por eso pierde la gracia. Hay un par de running gags y de instantes absurdos que nos sacan la carcajada. Pero ‘Un verano en Ibiza’ es una comedia muy sencilla, de esas en las que sabes cuales van a ser los pasos a seguir. Sabemos por ejemplo que va a haber una reconciliación o que el personaje de Clavier antes o después se va a soltar la melena y que de ahí va a venir una parte cómica del metraje. Es todo bastante pronosticable.

Ibiza aparece clara, bonita, espectacular bajo la vista del director de fotografía Philippe Bourgueil. A veces tan blanca que cuesta leer los subtítulos. La película muestra el desfase de la isla española pero se suaviza y edulcora desde un punto de vista extranjero. Los guiris están por todo el territorio que está bañado por el mediterráneo dejándolo perdido, desfasando, pero ni de lejos se refleja ese turismo de borrachera que tantos problemas está dando a los vecinos.

Este es un título de humor ligero donde sobran los planos de traseros y abunda el humor de celos y contrastes generacionales. ‘Un verano en Ibiza’ está sobre todo basada en las confrontaciones. Parte del cambio de clima pasando por las diferencias entre edades, las desigualdades entre culturas, la disparidad de educaciones y los enfrentamientos entre gustos vacacionales. Todos sabemos que esta película acabará como muchas otras, no se han devanado los sesos ni han buscado un final fuera de lo habitual.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2019. Título original: Ibiza. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Arnaud Lemort. Guion: Arnaud Lemort. Música: Sylvain Goldberg. Fotografía: Philippe Bourgueil. Reparto principal: Christian Clavier, Mathilde Seigner, Leopold Buchsbaum, Pili Groyne, Joey Starr, Olivier Marchal, Frédérique Bel, Louis-Do de Lencquesaing. Producción: Atelier de Production, Gaumont. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.gaumont.fr/fr/film/Ibiza.html

Crítica: ‘Alcanzando tu sueño (Teen Spirit)’

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Violet (Elle Fanning) es una tímida adolescente que sueña con escapar de su pequeño pueblo en Inglaterra y convertirse en una estrella del pop. Con ayuda de un inesperado mentor, Violet se inscribe en un concurso que pondrá a prueba su talento, integridad y ambición.

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Crítica

Luces de neón iluminan a una Elle Fanning impresionante

Ha llegado a nuestras salas una película pequeña pero no menos especial. ‘Alcanzando tu sueño (Teen Spirit)’ está llena de neón y sueños por cumplir.

Es la típica historia de chica sin dinero tiene que luchar para poder triunfar en el mundo de la música. Su gran oportunidad llega gracias al Teen Spirit un gran concurso que la catapultará a la fama.

Es una cinta sencilla, con una historia sin complicaciones y con una protagonista única, Violet, interpretada por Elle Fanning. Está claro que la actriz está en todo su esplendor, bailando, cantando, con cada movimiento la vemos disfrutar y eso hace mucho a la hora de que nos creamos al personaje de Violet.

Además Elle Fanning le da el toque de inocencia al un personaje que tiene que trabajar para poder ayudar en casa y seguir estudiando.

‘Alcanzando tu sueño (Teen Spirit)’ está dirigida por Max Minghella, más conocido por ‘El Cuento de la criada‘, ésta es su ópera prima y además también ha escrito el guión de la cinta. Para ser su primer trabajo tras las cámaras no ha estado nada mal.

Minghella ha escogido a un equipo técnico que ha ayudado que esta historia no sea una historia cualquiera y es que la manera de trabajar el color y las luces hacen que veamos aparecer a una espectacular Violet, con sus luces de neón donde se vuelve otra persona completamente diferente a la Violet que utiliza sus colores pasteles y su rostro sin maquillar.

La fotografía la lleva Autumn Durald, que ha conseguido llenar de fuerza cada escena en la que la actriz sube al escenario a cantar. Y la debilidad cuando ésta se encuentra en su casa, con esos tonos apagados.

También la música hace mucho, sobre todo en una cinta que trata sobre ser cantante, Marius De Vries, logra una banda sonora pegadiza pero no monótona. Un dato a añadir, la actriz canta de verdad y la podemos escuchar durante toda la película.

Aunque ella es la verdadera protagonista, en el reparto tenemos nombres como Zlatko Buric, Agnieszka Grochowska o Rebeca Hall, entre otros.

No dudéis en acercaros a las salas a ver esta cinta, una vez más una moderna Cenicienta luchando por sus sueños. 

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto. Título original: Teen Spirit. Duración: 92 min. País: Estados Unidos. Dirección: Max Minghella. Guión: Max Minghella. Música: Marius De Vries. Fotografía: Autumn Durald. Reparto principal: Elle Fanning, Zlatko Buric, Agnieszka Grochowska, Rebeca Hall, Clara Rugaard, Archie Madekwe, Jordan Stephens, Ursula Holliday, Millie Brady. Producción: Automatik Entertainment, Blank Tape Head Gear Films. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: http://diamondfilms.es/alcanzando-tu-sueno-teen-spirit/

Crítica: ‘Critters Attack!’

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Sinopsis

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Inspirada en la serie de películas de culto de los años 80 y 90, ‘Critters Attack!’ sigue a Drea, de 20 años, quien a regañadientes coge un trabajo de niñera para una profesora de una universidad a la que espera asistir. Luchando por mantener entretenidos a los hijos de la profesora, Trissy y Jake, y a su propio hermano pequeño Phillip, Drea los lleva de paseo, sin darse cuenta de que unas misteriosas criaturas alienígenas se han estrellado y han empezado a devorar cada cosa viva que encuentran. Mientras son seguidos por las criaturas voraces, Drea y los niños se encuentran con una adorable criatura femenina aparentemente inofensiva llamada Bianca, una exiliada que huye de la raza critter.

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Crítica

‘Critters Attack!’ es solo para amantes acérrimos de los Critters… y si acaso

Del espacio nos han venido a visitar E.T., Superman, Son Goku, Yupi y no sé cuántos alienígenas más. Pero como todos sabemos no todos vienen a hacer amigos y por eso algunos traen consigo la manera de formarse en la Tierra su propia pandilla de camaradas. Ese es el caso de los Critters los peludos bichos rodantes que aparecieron en el 86 de la mano de Stephen Herek y que con esta entrega que ha salido directamente al mercado doméstico alcanzan su quinta parte. ‘Critters Attack!’ es la obra de Bobby Miller un director que en su segundo largometraje ha tenido la oportunidad de continuar una saga con seguidores muy fieles a lo largo de todo el mundo.

Muchas veces se ha oído eso de que los Critters copiaron a los Gremlins, los cuales fueron lanzados en el 84, de hecho su guionista admitió haber tenido que reescribir el guión por ser demasiado parecido. En esta ocasión volvemos a ver un argumento similar al de las criaturas de Joe Dante y Chris Columbus con la inclusión de un ser bondadoso que se pone de parte de los protagonistas. Porque lo que sucede en ‘Critters Attack!’ es que hay dos llegadas a la tierra, una de bichos peludos con ansia de devorar carne y otra de un ser manso y blanquecino («ingeniosamente» llamado Bianca) que respeta la vida de la Tierra. Esta es una artimaña poco original pero a la que nos tiene ya acostumbrados el guionista Scott Lobdell a quien seguro recordaréis de ‘Feliz día de tu muerte’, título en el que este escritor tampoco demostró ser muy creativo que digamos.

Los Critters siguen siendo esos alienígenas ex-presidiarios que hacen sus pillerías, que trastean con todo lo habido y por haber para hacer la vida imposible a los humanos y convertirlos en su menú, así como el lugar donde se reproducen. Los asesinatos que llevan a cabo son lo único mínimamente atractivo de esta película, por lo que te tiene que gustar la sangre y el griterío para no morir de sopor.

La película recupera a Dee Wallace (‘E.T.’, ‘Cujo’), quien ejerció el papel de madre en la primera entrega. Cual Power Rangers en formación Megazord podemos ver a los Critters crear una esfera gigante y eso también es una reminiscencia del pasado, de la segunda parte en concreto. Y otra cosa que rescata esta película son las técnicas de hace cuarenta años. Si sois fans de la animatrónica es lo que vais a tener. No hay escenas recreadas por ordenador, todos son seres hechos con robótica. Pero artilugios que se mueven menos que un Furby que obligan a hacer escenas muy low cost donde se ven los trucos para mover o lanzar las marionetas, así como para cortar las escenas de frenesí carnívoro.

Por culpa de su acción la película es sosa, entrecortada y poco dinámica. Pero más allá de eso está su guión que obliga a los personajes a correr por la ciudad como pollos sin cabeza, eso es lo peor de todo. Una pequeña ciudad que está llena de personajes raros. Si los Critters son extraños la población de esta villa estadounidense no puede ser aún más disfuncional. En ocasiones es como ver un live action de ‘Mr. Pickels’ pero sin gracia. Y para poner la guinda del pastel tenemos a un elenco de cuatro jóvenes protagonistas, a cada cual más soso, insípido y sin garra.

‘Critters Attack!’ podría valer tanto como remake, como continuación o como reinicio. En ese sentido si se puede ver un acierto ya que funcione o no, en el caso de que salgan más películas de estas diablescas criaturas la historia puede decantarse para el lado que quieran, incluso obviar este título. Eso sí, la saga que vio nacer cinematográficamente a Leonardo DiCaprio no tiene pinta de que nos vaya a dar muchas alegrías o talentos más, no al menos a partir de esta quinta entrega.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: Critters Attack! Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Bobby Miller. Guion: Scott Lobdell. Música: Russ Howard III. Fotografía: Hein de Vos. Reparto principal: Tashiana Washington, Dee Wallace, Jack Fulton, Jaeden Noel, Ava Preston, Vash Singh, Leon Clingman. Producción: Blue Ribbon Content. Distribución: Warner Bros. Home Video (DVD, Blu-ray, VOD). Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/critters-attack

Crítica: ‘Érase una vez en… Hollywood’

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Sinopsis

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‘Érase una vez en… Hollywood’ de Quentin Tarantino, nos lleva a Los Angeles de 1969, donde todo está cambiando, y donde la estrella de la televisión Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), y Cliff Booth (Brad Pitt), su doble de muchos años, se abren camino en una industria que ya prácticamente no reconocen. La novena película del célebre escritor y director cuenta con amplio reparto y múltiples tramas argumentales que rinden un tributo a los momentos finales de la época dorada de Hollywood.

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Crítica

Como si hubiese jugado a un GTA en Los Angeles de 1969

Érase una vez… así empiezan muchos cuentos de hadas y en eso creen muchos que consiste forjarse una carrera en el reino estadounidense del cine llamado Hollywood. ‘Érase una vez en… Hollywood’, la novena película de Tarantino, no es un título que haya llegado para demonizar la industria ni sirve como un manual del buen o mal camino, es un recorrido que ilustra un momento de cambio a través de dos personajes, espectadores y a la vez protagonistas de la que convierten en su propia historia.

Leonardo DiCaprio interpreta a un famoso actor que está falto de confianza y encuentra su popularidad de capa caída, que se haya desesperado en esa época de grandes novedades. Junto a él está Brad Pitt que encarna a su doble de acción que a la vez es su amigo y hombre todo terreno. La acción se ubica en 1969 a si es que por ahí nos encontramos con personajes tan ilustres como Sharon Tate muy cándidamente interpretada por Margot Robbie. La película no tiene un objetivo manifiesto ni está habilitada con tantos cruces de tramas como ‘Pulp Fiction’, si no que sigue día a día a DiCaprio y Pitt, que la sostienen de lujo, pero cuando estos no están ‘Érase una vez en… Hollywood’ nos continúa maravillando igualmente con sus particularidades.

Nada más empezar, he de admitir que con esas escenas como salidas de las mini novelas de Silver Kane acompañadas de el grito de Wilhelm ya me ganaron. Pero por si no sois de Western solo con el elenco de nombres que ha reunido la película seguro que os conquistan: Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Al Pacino, Dakota Fanning, Kurt Russell, Emile Hirsch, Zoë Bell (que también ha vuelto a sus labores de coordinadora de especialistas)… Incluso podemos picarnos con la curiosidad de que esta fue la última película para el fallecido Luke Perry. Y siendo una película de Tarantino no tengo que deciros la cantidad de amigos y nombres famosos con los que os vais a cruzar, ¿no? Pero es que hay que tener en cuenta por otro lado a quiénes nos remonta con gran morriña: Bruce Lee, Polański, Sharon Tate, Steve McQueen, John Wayne, Edd Byrnes… Humaniza a esas grandes estrellas de un Hollywood lleno de gloria pero también de crónicas negras y conspiranoicas, que guardan un halo histórico y romántico. El filme evoca una época brillante del cine norteamericano en pleno ocaso, por todas partes invadida por una nueva ola cultural y la verdad es que el dúo que forman Pitt y DiCaprio está a la altura de las estrellas de aquellos tiempos, las sensaciones que nos aportan son las mismas que surgían por entonces, de las que hacía mucho que no se veían. ¡¿Por qué nadie había relacionado nunca antes la fórmula Pitt/DiCaprio?!

Lo de Brad Pitt transformado en un tipo de principios, aguerrido, trabajado, cuadrado, diligente y fiel es para quitarse el sombrero. Y la disciplina de DiCaprio a la hora de controlar los tartamudeos, la inseguridad y carisma así como otros dejes de su personaje también demuestran por qué un actor como él puede tomarse un descanso de cuatro años tras ganar el Oscar que tanto tiempo llevaba esperando.

Tarantino ha hecho lo que, como y cuanto ha querido. Es como si hubiese jugado a un GTA en Los Angeles de 1969. Tal es así que no hay una banda sonora como tal, la mayoría de temas musicales del filme proceden de la radio de los coches. Ha puesto sobre cuatro ruedas a dos genuinos personajes y les ha soltado por una ciudad magníficamente recreada, repleta de características, detalles e individuos con los que interactuar. Ha introducido detalles personales y que harán que si sois amantes del cine también se convierta una película que os lleve a un plano íntimo. Sí que es cierto que en mi lado más morboso había esperado algo más de introspección con el tema de los Manson, Polański y Tate, pero la gran lección de historia de cine, del cine que le gusta a Tarantino, a través del actor y su doble es una auténtica genialidad.

Ha merecido la espera por esta nueva película de Tarantino, aunque cada una que hace nos acerca más a su último título. Como siempre nos deja secuencias y frases para el recuerdo. Esta vez lo hace de nuevo acompañado del director de fotografía Robert Richardson con quien ya había trabajado en ‘Kill Bill’ o ‘Malditos Bastardos’, el cual también había inmortalizado a Leonardo DiCaprio en ‘El aviador’. Sus instantes, sus planos, sus secuencias son historia cogiéndole el pulso a la historia. Este combo de talentos os va a dar momentos que a mí por lo menos se me han grabado en la retina pero que quiero tatuar en mi memoria con un segundo visionado.

Esta puede tomarse como una narración vista desde un prisma «tarantinano», como un paseo repleto de referencias cinematográficas o puede ser una lección sobre la forja de las estrellas en Hollywood. Pero si algo me ha quedado claro con ‘Érase una vez en… Hollywood’ es que Tarantino ha hecho su mayor homenaje a la meca del cine, a la cultura que nos ha criado y en concreto ha escrito su gran carta de amor al western (sobre todo al de Leone), más grande aún que cuando hizo ‘Django’ o ‘Los odiosos ocho’.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: Once Upon a Time in Hollywood. Duración: 161 min. País: EE.UU. Dirección: Quentin Tarantino. Guion: Quentin Tarantino. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Maya Hawke, Sydney Sweeney, Dakota Fanning, Timothy Olyphant, Margaret Qualley, Al Pacino, Kurt Russell, Luke Perry, Damon Herriman, Emile Hirsch, Harley Quinn Smith, Zoë Bell, Bruce Dern, Scoot McNairy, Mike Moh. Producción: Bona Film Group, Heyday Films, Sony Pictures, Visiona Romantica. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.onceuponatimeinhollywood.movie/

Crítica: ‘El emperador de París’

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Sinopsis

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Bajo el reinado de Napoleón, François Vidocq, el único hombre que ha podido escapar de dos prisiones de alta seguridad, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. Dado por muerto después de su última espectacular huida, el ex-prisionero pasa desapercibido bajo la apariencia de un comerciante. Tras ser acusado de un crimen que no ha cometido, hace un pacto con la policía: atrapará a todos los ladrones y asesinos de París a cambio de su inocencia.

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Crítica

La humanización de un mito francés pasándole por la mugre y la sangre parisina

«Soy hijo del terror François, mi lugar es la guillotina». Esa es una de las frases que le dicen a François Vidocq durante ‘El emperador de París’ y que nos coloca perfectamente en el marco en el que se ambienta la película. Es época revolucionaria y republicana. Europa teme el cambio, teme el fin de las monarquías, teme el progreso. Pero París y su clase alta en concreto lo que teme es la delincuencia, teme perder su posición de poder. En esa situación grajea su fama un hombre de lógica y eficiencia como Vidocq. El criminólogo a quien interpreta en esta ocasión Vincent Cassel atrapa criminales pero su fama crece muy a su pesar ya que lo que él busca es la libertad, no la notoriedad.

De nuevo la vida del investigador privado que se convirtió en el primer director de la seguridad nacional francesa inspira una película. Y lo cierto es que su vida era bastante inspiradora, tenga o no partes de ficción, sabiendo que parte de lo que conocemos de ella la transmitió alguien anónimo. Atrapó maleantes para poder dejar de huir y conseguir su indulto y de eso trata este nuevo filme. Nos pintan a Vidocq como un hombre con un pasado reprochable pero que no trata de ocultarlo, inmerso en una sociedad de maleantes y honores. La película de Jean-François Richet sabe mucho a míticas historias de época y venganza, tipo ‘El Conde de Montecristo’, ‘Los miserables’ u ‘Oliver Twist’, pero con un argumento menos elaborado y con más escenas de peleas.

‘El emperador de París’ ha sido dirigida y escrita (junto a Eric Besnard) por de Jean-François Richet. Él fue el director de ‘Blood father’, la película de acción y drama con Mel Gibson, por lo que no es de extrañar su nivel violencia en algunas partes, aunque está bastante contenida. Al igual que en aquel título del 2016 tenemos una visión corrupta y violenta de la sociedad de la época. Sociedad que está bien representada en todos sus escalafones con la prostituta dulce pero pillamente interpretada por Freya Mavor, el inamovible policía de Denis Ménochet, el soldado de honor de James Thierrée, la baronesa maquinadora de Olga Kurylenko, el prófugo agitador que representa August Diehl, los gerifaltes de palacio como Patrick Chesnais… Todos ellos se mantienen en su lugar sin extralimitarse en su rol de secundarios, manteniendo la esencia de unos personajes que complementan al protagonista, sin los que este no se podría comprender.

Este filme nos devuelve correctamente a la Francia del siglo XIX en parte porque tiene muy buen diseño de producción. Posee una gran ambientación inmortalizada por una eficaz fotografía obra de Manuel Dacosse (‘Gracias a Dios’). Todo el conjunto de arte visual, vestuario y roña de las calles incluidas sirve para que nos creamos a este Sherlock Holmes francés que existió antes que el propio Holmes.

Esta me parece una película más solvente que ‘Blood father’ en la filmografía de Jean-François Richet y eso que a priori ese título fue más mediático por su estrella protagonista. Me ha gustado la humanización y el acercamiento que se hace de un mito francés que quizá no es tan conocido como pensamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: L’empereur de Paris. Duración: 122 min. País: Francia. Dirección: Jean-François Richet. Guion: Eric Besnard, Jean-François Richet. Música: Marco Beltrami, Marcus Trumpp. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Vincent Cassel, Olga Kurylenko, August Diehl, Freya Mayor, Denis Ménochet. Producción: Mandarin Films, Gaumont, France 2 Cinéma, France 3 Cinéma, BNP Paribas Pictures, Scope Pictures, CN6 Productions, Actes Proletariens, 120 Films, Canal+, Ciné+, France Télévisions, Région Ile-de-France, Centre National de la Cinématographie, Eutorage Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: aventuras, policíacao. Web oficial: https://www.gaumont.fr/fr/film/L-empereur-de-Paris.html

Crítica: ‘Midsommar’

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Sinopsis

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Una pareja americana que no está pasando por su mejor momento acude con unos amigos al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar en el que el sol no se pone nunca, poco a poco se convierte en una oscura pesadilla cuando los misteriosos aldeanos los invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.

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Crítica

‘Midsommar’ es una cena de los idiotas campestre y ritualista

‘Midsommar’ llega avalada por la fama que precede a Ari Aster tras su éxito, merecidísimo éxito, con ‘Hereditary’. Pero antes que nada hay que advertir que la promoción de esta película es algo engañosa. ‘Midsommar’ no es una película de terror como el anterior largometraje de su director. ‘Hereditary’ era un drama familiar inquietante, misterioso, oscuro, tenso… ‘Midsommar’ es algo diferente, que no da miedo pero que tampoco hay duda que es la mar de desconcertante.

Esta es realmente la primera película que Ari Aster quería hacer. Y es una cinta luminosa, colorida, musical incluso. Cargada de cultura vikinga, con mitos nórdicos y runas por todas partes. Con eso arranca la obra, con una ilustración al estilo antiguo. Es importante seguir los rastros que nos va dejando el filme, esos pequeños grabados que vamos viendo, porque nos hablan del pasado, presente y futuro de los protagonistas, sobre todo de la que interpreta muy bien Florence Pugh.

Ari Aster da muchas pistas en ‘Midsommar’. Todo es mucho más obvio que en su anterior trabajo y no hay sorpresa al final. Todo esto pasa porque se quiere dar paso a un mensaje y porque el filme ofrece un viaje transformador o transcendental. Y todo ello sin salir de un mismo área y sin que tengamos apenas escenas de noche. La película me ha recordado en muchísimas ocasiones a títulos como ‘The Wicker Man’, ‘La cena de los idiotas’ o ‘El bosque’. Sí, nos deja una nota de originalidad con su deformado y curioso experimento pero a la vez nos rodea de multitud de detalles vistos en otras películas, excesivos.

Recuerdo que el sol salía nada más comenzar el primer tráiler que se lanzó y todos nos volvimos locos de expectativa. Pero creo que en todo el filme no ha habido un solo plano en el que se vea al astro rey. Es por cosas así que la película nos raya. Con pormenores así y con sus planos, las situaciones, algunos personajes, los emplazamientos… ¿¡Austin Powers!? esta es una película que en ocasiones nos descoloca. Incluso mantiene esas imágenes explícitas y duras que dentro de una sala comercial pueden hacer que más de uno se salga. A su vez hay escenas que rozan el ridículo que hay que darles excesivas vueltas para encontrarles un sentido dentro de su psicotrópica y ritualista mecánica.

Buscaba en esta película no pasar las mismas sensaciones de ‘Hereditary’ si no encontrar la marca de Ari Aster. En su opera prima nos mostró unos planos, unos tiempos, un tratamiento de los personajes… muy diferenciados de otros cineastas. Aquí solo roza lo que parecía que iba a ser un auténtico sello de autor, va mucho más directo y abierto, mucho más alejado de algo novedoso. Me ha decepcionado descubrir que no existe un distintivo Ari Aster, al menos no he podido corroborar esa sensación con ‘Midsommar’ en su conjunto. Tal vez en una tercera película reconduzca esa senda.

Quizá con el montaje del director que tienen previsto cuando mostrar salga la versión doméstica disfrute de otro modo ‘Midsommar’, pero puede que por el contrario se me haga excesivamente larga porque son 30 minutos lo que se le recortaron con respecto al metraje final. Mientras tanto, por muchas vueltas que le dé al filme me sigue pareciendo poco intrépido y que explota muy poco el talento de un joven en director en el que pese a todo, aún tengo esperanzas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: Midsommar. Duración: 147 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Florence Pugh, Jack Reynor, Vilhelm Blomgren, William Jackson Harper, Will Poulter, Gunnel Fred, Isabelle Grill, Anki Larsson, Anders Back, Lennart R. Svensson, Hampus Hallberg, Anna Åström, Archie Madekwe, Ellora Torchia. Producción: B-Reel Films, Square Peg. Distribución: DeAplaneta Films. Género: drama, misterio. Web oficial: https://a24films.com/films/midsommar

Crítica: ‘Venganza bajo cero’

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Un conductor de quitanieves lleva una vida tranquila hasta que el asesinato de su hijo hace que se vea envuelto en una guerra entre narcotraficantes. Sin nada que perder y utilizando sus habilidades de caza, emprenderá paso a paso su venganza sin despertar la más mínima sospecha.

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Crítica

Una heladora novela gráfica negra con la suficiente clase como para enganchar

Ni Jaume Collet-Serra ni Luc Besson están detrás de la nueva película protagonizada por Liam Neeson. ‘Venganza bajo cero’ está dirigida por Hans Petter Moland que ha realizado un remake de una película suya. Filme que se basaba originalmente en una obra de Kim Fupz Aakeson y que se titulaba ‘Uno tras otro’ y así van cayendo efectivamente los villanos de esta película que no va a saco como títulos anteriores de Neeson, que va más poco a poco y que tiene una personalidad muy distinta.

Hans Petter Moland, director de la excelente ‘Redención: Los casos del Departamento Q’, nos narra una nueva historia de vendetta en la que Neesson interpreta a un empleado de una empresa quitanieves. Un hombre nombrado ciudadano ejemplar, del que nadie sospecharía nunca nada pero al que le arrebatan un hijo. No es un asesino preparado a si es que como puede y con lo que tiene se las apaña y se las ingenia. Se tiene que enfrentar a toda una organización de traficantes con lo único de lo que dispone en su taller a si es que la película se convierte en un «asesina como puedas».

‘Venganza bajo cero’ tiene mucha clase. Tal vez eso provenga de que está cargada de detalles muy comiqueros. Su villano, las esquelas que van apareciendo engrosando el contador de muertes, su anodino protagonista, los viajes, el humor, los asesinos, los bandos, los policías en medio de toda esta trama… El argumento que enfrenta a un hombre de a pie contra un poderoso mafioso es muy propio de las viñetas. Eso hace que el filme respire un helador aroma a novela gráfica negra.

Esta puede ser la última oportunidad que tengamos de ver a Neeson en un papel de acción. Ya ha advertido que no está para estos trotes y que se retira del género, pero hizo lo mismo a finales del siglo pasado. Su personaje no hace muchas cabriolas pero tampoco se anda con chiquitas. Va al grano y no se anda con contemplaciones, es de los que recuerdan al Jean Reno de ‘Wasabi’ cuando este se abría paso a mamporros.

Al comienzo del filme parece que lo que vas a ver es un mero filme de acción o incluso un drama bastante sólido. Pero ‘Venganza bajo cero’ se torna divertida. Incluso el arco argumental del pueblo nativo indio, que intuyo que es la novedad de este remake, resulta bastante ameno y además cómico a veces. Aunque tiene su parte trágica cuando indaga en la identidad perdida del pueblo americano.

Me ha picado la curiosidad y mucho a cerca del origen de este título que repito, tiene mucho estilo inclusive cuando llegamos a los mismos créditos finales que nos muestran al reparto «en orden de desaparición». Ahora me quiero ver la película original en la que aparecen nombres tan conocidos como Stellan Skarsgård, Bruno Ganz o Kristofer Hivju y en la que creo que hay muchos planos que se han repetido.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: Cold Pursuit. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Hans Petter Moland. Guion: Frank Baldwin. Música: George Fenton. Fotografía: Philip Øgaard. Reparto principal: Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, Elysia Rotaru, Tom Bateman, Aleks Paunovic, John Doman, Domenick Lombardozzi, Raoul Trujillo, Ben Hollingsworth, Emily Maddison, Nathaniel Arcand, Victor Zinck Jr., Arnold Pinnock, Wesley MacInnes, Chris Logan, Bradley Stryker, Tom Jackson, Micheál Richardson, Elizabeth Thai, Loretta Walsh, Glen Gould, Jim Shield,Nels Lennarson, Dani Alvarado, Ben Sullivan, Lucy Ssuubi, Emily Maddison. Producción: Paradox FIlms, Studio Canal. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/996/venganza-bajo-cero/

Crítica: ‘La mirada de Orson Welles’

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Sinopsis

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Un viaje fascinante por la vida, la obra y los lugares de uno de los mayores cineastas de todos los tiempos. Gracias a la recuperación de su archivo personal y nunca antes visto, este documental nos descubrirá a Orson Welles, el hombre detrás del genio, como nunca antes lo habíamos conocido: a través de sus propios ojos.

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Crítica

El artista llamado Orson Welles

A través de una carta escrita para el director, Mark Cousins se nos muestra la vida de Orson Welles desde pequeño, donde comenzó a pintar a una temprana edad. A partir de sus bocetos y dibujos vamos desentrañando toda su historia y cómo llegó a ser uno ser los mejores cineastas de la historia.

El documental, aunque muy curioso, es bastante aburrido, la narración se hace pesada y termina siendo muy poco cinematográfico.

Sí que me ha sorprendido la cantidad de material al que ha podido acceder Mark Cousins, director de la cinta. Los bocetos me parecen una maravilla y se va viendo cómo va cambiando su estilo poco a poco.

Todas sus ideas están metidas en grandes cajas de cartón ya sea en bibliotecas o en casa de su hija, a la que también escuchamos en este documental y nos cuenta muchos detalles de su vida personal y acerca de cuándo dibujó alguna de sus pinturas.

Aunque como digo, me ha parecido poco cinematográfico, si que vemos partes de su filmografía, ‘Ciudadano Kane’, ‘El Proceso’, su ‘Don Quijote’ y muchas más.

Una de las cosas que más nervioso pone, o al menos a mí y varios compañeros, es la fotografía del director de fondo, la que podéis ver en este artículo, y es que durante los 110 minutos que dura la cinta aparece infinidad de veces, es un recurso demasiado repetitivo que utiliza Cousins para demostrarnos que Orson le está escuchando.

Está dividido en tres partes, Peón, donde nos habla de la política que Welles seguía. Caballo, aquí conocemos a los grandes amores de Orson Welles y Rey aquí nos muestra el interés del director por temas como el poder, la corrupción y también sobre la épica. Para terminar nos dejan un pequeño epílogo denominado Bufón en el que vemos una pequeña intervención del propio Welles.

Si que es cierto que con esta cinta conoces ciertos temas que muchos seguro ignorabais, para mi descubrir su pasión por la pintura ha sido algo maravilloso y el poder ver muchas de sus obras creo que es un verdadero regalo, pero el gran problema de ‘La mirada de Orson Welles’ es la narración que nos da Mark Cousins, demasiado monótona y plana.

 Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio. Título original: The Eyes of Orson Welles. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Mark Cousins. Guión: Mark Cousins. Música: Matt Regan. Fotografía: Mark Cousins. Reparto principal: Mark Cousins, Beatrice Welles. Producción: BBC, Filmstruck. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1001/la-mirada-de-orson-welles/

Crítica: ‘Entendiendo a Ingmar Bergman’

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Sinopsis

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Un retrato en profundidad de la vida y la obra del gran Ingmar Bergman, que explora su legado cinematográfico a través de entrevistas con sus colaboradores más cercanos, tanto delante como detrás de las cámaras, así como con una nueva generación de cineastas que reconocen su influencia.

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Crítica

Luces y sombras sobre Bergman

El año pasado se celebró el centenario del nacimiento de Ingmar Bergman y con ello pudimos ver varios repositorios de sus películas e incluso algún que otro nuevo documental sobre su obra como ‘Bergman, su gran año‘.

Hoy os hablo de ‘Entendiendo a Ingmar Bergman‘ que llega a los cines este 19 de julio, dentro de este homenaje al autor y además dentro de la programación de Visiones de cine, una serie compuesta por seis películas documentales, entre ellas ya os hemos hablado de ‘An accidental studio‘ las cuales estarán durante una semana en las salas de cine.

Margarethe von Trotta, directora y guionistas de películas como ‘Las hermanas alemanas‘ es la responsable junto a Felix Moeller de este documental sobre el director de cine. La directora hace de narradora y a la vez investigadora, nos lleva por los diferentes lugares importantes para el director y también nos presenta a las personas que más influyeron en él.

La cinta tiene un ritmo bastante lento, eso sí, sin pausa. Conocemos las experiencias de  Liv Ullmann, Mia Hansen Love, Carlos Saura junto a Ingmar y también algún que otro de sus hijos por no nombrar a todas las personalidades que vemos en el documental. Nos cuentan cosas muy interesantes y curiosas del director que hacen que el interés vaya creciendo sobre la figura de Bergman.

Dejan claro que Ingmar era una persona bastante complicada, no solo como director, sino en general era un hombre muy difícil que vivía para su trabajo. En una de las entrevistas a uno de sus hijos, comenta que una vez jubilado el director les decía lo mucho que echaba de menos a sus actores y actrices, pero ves como a su familia poco caso le hacía.

También vemos escenas de varias de sus películas, como el ‘El séptimo sello‘, ‘Persona’, ‘La hora del lobo‘ o ‘Fresas salvajes‘, entre otras muchas, Margarete von Trotta nos la va comentando y explicando. Como por ejemplo, la manera de trabajar del director, el cual en una de las entrevistas nos enteramos que no le gustaba nada corregir a sus actores y en el momento que lo hacían mal reñía a sus técnicos.

Además uno de los detalles que más pueden gustar son las lecturas de alguno de sus diarios y el descubrimiento de algún guión que puede sorprender bastante. Está claro que los directores han realizado un gran trabajo de investigación y búsqueda para poder darnos este bonito documental.

 Ficha de la película

Estreno en España: 19 de julio. Título original: Ingmar Bergman – Vermächtnis eines Jahrhundertgenies. Duración: 109 min. País: Alemania y Francia. Dirección: Margarethe von Trotta, Felix Moeller. Guión: Margarethe von Trotta, Felix Moeller. Fotografía: Börres Weifenbach. Reparto principal: Liv Ullmann, Olivier Assayas, Mia Hansen-Løve, Carlos Saura, Jean-Claude Carrière. Producción: C-Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1000/entendiendo-a-ingmar-bergman/

Crítica: ‘Utoya. 22 de julio’

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En esta primera película ficticia sobre el ataque, conoceremos a Kaja (18 años) y a sus amigos en su minuto a minuto mientras tratan de sobrevivir a la peor pesadilla de sus vidas.

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Crítica

‘Utoya. 22 de julio’ es una respetuosa reproducción de los hechos

No solo con resultados en elecciones, sino también con malestar y con alboroto estamos comprobando que la ultraderecha crece de nuevo en Europa. Con ese mismo tema nos encontramos ahora mismo en España y es una de las muchas razones por las que aún no tenemos un gobierno en marcha. Aunque en Noruega las inclinaciones políticas van por otro lado es también una ultraderecha xenófoba la que mantiene preocupados a los ciudadanos, sobre todo desde lo sucedido en Oslo y Utoya.

El 22 de julio de 2011 el país nórdico quedó conmocionado con un atentado en su distrito gubernamental. Lo que no podrían concebir ni en sus peores pesadillas es la fría matanza que sucedería horas después en una isla que está a 40 kilómetros de distancia. En el lacustre terreno de Utoya estaba Kaja (Andrea Berntzen), la ficticia protagonista de la historia que ha rodado Erik Pope y cuya tragedia surge a partir de las verídicas narraciones de los supervivientes de aquel atentado.

Siv Rajendram Eliassen y Anna Bache-Wiig son los guionistas que se han encargado muy bien de plasmar el terror y el desconcierto que el joven armado disfrazado de policía sembró en la pequeña isla tras detonar la bomba de la capital. Los 72 minutos de matanza quedan muy bien explicados en ‘Utoya. 22 de julio’ sin necesidad de ser explícitos, ni si quiera ha hecho falta enseñar sangre, armas o lo que es más, ni de haber tenido que buscar un actor para el terrorista, es mejor no dignarse en darle ese honor. ‘Utoya. 22 de julio’ maneja el temor a lo desconocido, la rabia por la impotencia, el trauma, el desasosiego por los seres queridos… Todo eso con un solo personaje que va guiándonos por una isla boscosa, rodeada de gritos, disparos y tiendas abandonadas.

Errores de la película son no acertar a mostrar que la isla es como un barrio de pequeña por mucho que sus protagonistas se empeñen en decir que es un territorio sin lugar en el que esconderse. También se recrea demasiado tiempo en determinadas fases del atentado y se estanca, precipitándonos a momentos aburridos, y lo de precipitándonos veréis que lo digo con doble sentido cuando lleguéis a más de la mitad del filme.

Al margen de esos detalles ‘Utoya. 22 de julio’ es una persecución a ciegas donde somos el ratón que huye de un gato invisible. Sentimos la incertidumbre en todo momento y tememos por la seguridad de los protagonistas. Nos plantea todo tipo de situaciones y están bien los debates que se ponen sobre la mesa al principio, lástima que no se lleve un poco más allá, pero supongo que se ha impuesto el realismo que se ha querido llevar a cabo a la hora de recrear lo sucedido. Veracidad que ha tenido a bien conseguirse sin banda sonora, sin artificios de sonido extra.

Mérito técnico tiene sobre todo que el largometraje está rodado del tirón, con un solo plano secuencia conseguido en un cuarto día de rodaje. Siempre me acuerdo y me río de Iñárritu y su ‘Birdman’ o su ‘El Renacido’ cuando veo trabajos mucho más auténticos como este. Cámara en mano seguimos a Kaja por el campamento y por los parajes de la isla de Utoya, sin corte alguno. Esto nos hace sentir como uno más de los jóvenes campistas y nos transmite tensión y algo de terror. Hay movimientos difíciles de conseguir por los terrenos que va salvando la protagonista o por los giros tan rápidos o coreografiados que tiene que seguir la cámara para captar el caos que la rodea.

¡Caramba si sirve la película para transmitirnos lo que sufrieron las víctimas! El filme les rinde honor y no se emplea como un panfleto político. Tampoco sirve a fines morbosos y es lo suficientemente escrupulosa a nivel interpretativa como para pensar que haya una intención sensacionalista. Con esto podemos resumir que ‘Utoya. 22 de julio’ es una respetuosa reproducción de los hechos, propia de una cultura como la noruega.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de julio de 2019. Título original: Utøya 22. juli. Duración: 93 min. País: Noruega. Dirección: Erik Pope. Guion: Siv Rajendram Eliassen, Anna Bache-Wiig. Música: Wolfgang Plagge. Fotografía: Einar Egeland. Reparto principal: Andrea Berntzen, Aleksander Holmen, Brede Fristad, Ada Eide, Sorosh Sadat, Elli Rhiannon Müller Osbourne, Solveig Koløen Birkeland, Magnus Moen. Producción: Paradox Film 7, Programme MEDIA de la Communauté Européenne, Nordisk Film, Norsk Filminstitutt. Distribución: Caramel Films. Género: hechos reales, drama, thriller. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/pelicula/utoya_22_de_julio