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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Un amigo extraordinario’

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Sinopsis

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Tom Hanks interpreta a Mister Rogers en ‘Un amigo extraordinario’ (‘A Beautiful Day in the Neighborhood’), una historia sobre la bondad triunfando por encima del cinismo, basada en la historia real de la amistad entre Fred Rogers y el periodista Tom Junod. Tras serle asignado realizar un perfil de Fred Rogers, un hastiado escritor (el ganador de un Emmy Matthew Rhys) acaba superando su escepticismo, aprendiendo sobre de la bondad, el amor y el perdón, gracias al vecino más querido de América.

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Crítica

Hanks mira dentro de nosotros como solo él sabe

Para ver esta película podéis empezar leyendo el artículo del que sale o que ha servido como detonante, escrito por el periodista de Esquire Tom Junod (podéis leerlo aquí). ‘Un amigo extraordinario’ es la recreación de cómo se gestó este texto sobre un tipo la mar de entrañable y querido. Pero también es la manera de mostrar cómo este personaje televisivo podía cambiar la vida de las personas, incluidos los periodistas a los que tenía fama de reventar entrevistas yéndose por los cerros de Úbeda o interesándose en su vida privada. Por supuesto hay algo de ficción que el propio autor del artículo ha desmentido, pero tanto él como la mismísima viuda de Fred Rogers admiten que Tom Hanks es el actor ideal para encarnar a este presentador.

Toca hablar de Fred Rogers (Tom Hanks) pero también de la relación que estableció con Tom Junoud, aquí renombrado como Lloyd Vogel (Matthew Rhys). Leáis o no las líneas de la revista norteamericana con el guión y la interpretación de sus protagonistas os vais a hacer a la idea de cuan entrañable era esta persona, presentador del programa infantil Mister Rogers’ Neighborhood.

El cine por lo general tiende a blanquear la imagen de adulados famosos o por el contrario a vilipendiarles. En este caso, busquéis por donde busquéis, es difícil o imposible ver vinculado este nombre a palabras del tipo “polémica”. Por lo tanto Marielle Heller, directora de ‘Un amigo extraordinario’, solo ha tenido que ceñirse a la realidad para rendir un homenaje que en principio Hanks se negaba a interpretar, hasta que el talento de Heller le convenció con ‘The diary of a teenage girl’ o con ‘¿Podrás perdonarme algún día?’.

Hay tantos papeles que podríamos decir que son definitorios del carácter de Hanks… Pero este llevaba impreso su nombre. Rogers llevaba un programa donde hacía de un amable vecino que es todo bondad y no tiene nada de malintencionado. Todo esto con el objetivo de conectar con los niños al otro lado de la pantalla. La mecánica de esa serie era hablar a la cámara hasta el punto de parecer estar dando una clase de sermón eclesiástico (era muy religioso) mezclado con charla TED, pero para niños. Aunque, lo interesante que expone la película, es que conecta directamente con los adultos.

Nos habla a nosotros, a sus espectadores sobre cosas triviales pero a la vez vitales en la vida. Con los tiempos que vivimos es fácil caer en pensar que en algún momento tan impensable bondad o afabilidad va a romperse con algún escándalo destapado. Pero nos abruma con una historia de esperanza, ejemplo y redención. Junto al periodista aprendemos y ganamos la confianza en que hay gente, refiriéndome sobre todo a famosos de imagen intachable, que no tienen por qué ocultar algo turbio.

‘Un amigo extraordinario’ no es una película biográfica, si no un filme que habla del efecto de una persona sobre otra, sea esta más o menos mediática. Sirve de vehículo para contarnos la historia de Lloyd Vogel y la de Vogel es también la herramienta para llegar a Fred Rogers. Es en esa simbiosis que se establece donde vemos que Heller y el guión de Micah Fitzerman-Blue y Noah Harpster también trata sobre afrontar nuestros sentimientos y tener valor para cambiar. Quien diría que estos dos guionistas escribieron el desastre de ‘Maléfica: maestra del mal’.

Tom Hanks está brillante y si tiene algo turbio que ocultar desde luego no lo parece. Hace de un personaje que es igual que su persona, un tipo al que todos lloraremos si le perdemos. Es alguien que antepone la amistad y al que cuesta encontrar enemigos. En Estados Unidos podría decirse que la figura de Rogers es intocable y de ahí se entiende todo el respeto y meticulosidad que Hanks ha puesto en su trabajo, hasta el punto de vestir prendas auténticas de Rogers cedidas por su viuda. Pero lo más destacable es como ha cambiado su cadencia en el habla, manteniéndola inalterable durante todo el filme.

La escena del minuto de silencio con un lento zoom in cerrando plano sobre Hanks es totalmente demoledora. Hanks mira dentro de nosotros como solo él sabe. Sobre todo si tenemos en cuenta que en esta secuencia aparecen la auténtica Joanne Rogers y más personas ligadas al marionetista. Igual que el último plano secuencia que es muy sentido e inspirado en uno real.

Con esto llego al punto de poder decir que hay buen trabajo de archivo, digitalización y maquillaje para recrear momentos televisivos de antaño. También está muy bien escogida la banda sonora, obra de Nate Heller, hermano de la directora que siempre ha puesto melodía a sus largometrajes.

No lo voy a negar, las transiciones con maquetas me han cautivado, aunque sean sencillas son efectivas y tienen mucha culpa de haberme conquistado desde el inicio. Tienen un pequeño hueco en los créditos, igual que lo tiene el auténtico Rogers. Tanto el filme como el programa real usan estas miniaturas para ilustrar un cambio de localización en la historia.

El cariño que se le ha puesto a esta película se debe también a lazos familiares. Hanks es primo lejano de Rogers y este a su vez también es primo sexto del escritor que le hizo el artículo. También Colin Hanks (hijo de Tom Hanks y Samantha Lewes) interpretó a Rogers hablando ante el senado, escena que aparece fugazmente recreada en ‘Un amigo extraordinario’. Y es que tal vez Fred Rogers era una persona imposible de retratar con cuatrocientas palabras, tal vez tampoco con esta película y me queda la impresión de que tan solo es posible materializarle buceando el recuerdo de los que le conocieron.

Es otra película más en la que Hanks se embarca en sendas de autoconocimiento o psicología social, además de interpretar de nuevo a un personaje real querido por la audiencia. Un personaje en el que se ha basado también la serie ‘Kidding’ de Jim Carrey, pero los enfoques son muy diferentes. Desde luego si dos actorazos como estos se han arremangado para homenajear a Rogers merece la pena que os acerquéis a su figura, sobre todo porque representan una manera de educar con la televisión que se ha echado a perder.

Veréis una dedicatoria al final de la película. Está dirigida a Jim Emswiller, mezclador de sonido que falleció cuando la película aún estaba en producción y se encontraban en un paréntesis.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de agosto 2020. Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Marielle Heller. Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster. Música: Nate Heller. Fotografía: Jody Lee Lipes. Reparto principal: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman. Producción: Big Beach Films, Tencent Pictures, TriStar Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, biográfica. Web oficial: https://www.abeautifulday.movie/

‘Homeland Gone’, el documental que nos hablaba del Líbano antes de ser noticia mundial

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Cortometraje ilustrando la situación social y política de un país en quiebra

La explosión en el puerto de Beirut ha puesto en boca de todos a el Líbano, incluso teniendo una pandemia instalada en nuestras calles. Una catástrofe como tal ha conmovido al mundo. Es de esperar que los medios le den prioridad en primera plana pero muchas veces la información llega sesgada, con poco espacio de tiempo o con solo unas ligeras notas de lo que rodea esta hecatombe. Y hay que usar términos así porque no puede ser más inoportuno este suceso o tal vez sea al contrario e inicie el desencadene lo que muchos esperan.

Hoy quería traeros una propuesta que os pondrá bien en situación sobre el Líbano esbozando muy bien las razones de la crisis. Tanto esa recesión del país de Oriente Próximo como el documental ‘Homeland Gone’ surgieron antes del COVID-19 y de la detonación del nitrato de amonio mal almacenado. El trabajo de Laura Lavinia y Alberto Rodríguez es una herramienta estupenda para adquirir la perspectiva suficiente que buscan aquellos que se quieren acercar a un país cada vez más convulso y comprometido con el cambio. Podéis verlo ya en Amazon Prime Video.

Una patria que ha desaparecido y busca recuperar su identidad. Lo que sucede en el Líbano va más allá de haber tenido que llevar a cabo el primer impago de deuda de su historia, de tener una deuda que supone el 170% del PIB libanés o que estén tan bajos de recursos que tengan un nivel desmesurado de importaciones o que la moneda se haya devaluado hasta un 90% alcanzando la hiperinflación justo antes de la explosión. El problema del Líbano, explica ‘Homeland Gone’ y sus entrevistados, es que es una patria controlada por gente que no cree en la democracia y el pueblo obviamente no cree en ellos. Acabamos de verlo con las manifestaciones que han desembocado en la dimisión de todo el gobierno, al completo.

Quien mandaba allí acabó con lo local y potenció el sectarismo. A través de entrevistas y un ritmo bastante ágil el documental de 35 minutos nos lleva de un testimonio a otro abordando temas como la división inexistente entre política y religión, la depreciación de la moneda, la corrupción sistémica, el compromiso de los jóvenes que han sufrido incluso un impuesto al Whatsapp… Está claro que este es un documental comprometido, que dadas las circunstancias no puede contar con la aportación o versión de las autoridades locales. Se mete de lleno en las calles, siguiendo a manifestantes y miembros de partidos como el Free Patriotic Movement. Este último es el partido del presidente por lo que se muestra la perspectiva del oficialismo crítico pero a su vez también la de la calle que incluye el MPL entre sus enemigos.

El Líbano, un país paralelo a nosotros. Viendo el reportaje se pueden detectar muchas similitudes con lo vivido recientemente en España y eso que algunos llegan a comparar el devenir el país con el de Grecia. Ellos han sufrido una guerra civil que quieren dejar atrás evitando más conflictos y han experimentado un resurgir de la esperanza contra lo arcaico que nos puede recordar al 15M. Un movimiento debilitado allí por los distintos frentes en los que quiere luchar cada vertiente, factor que aprovecha el gobierno para usarlo a su favor. Indignados se les ve sin duda cuando comentan que el país no puede sostenerse tras llevar años con políticos rindiendo cuentas a los bancos que a su vez se han nutrido de las desgracias de los países vecinos. Si yo, que francamente no tenía ni idea de la compleja situación de este país, me he percatado de todo esto es porque el cortometraje está bien estructurado.

En los créditos hay espacio para las diferencias entre sirios y libaneses a si es que tampoco os los perdáis. ‘Homeland Gone’ aprovecha su tiempo de cabo a rabo.

¿Cuál es el futuro del Líbano? Los realizadores de esta producción de 14 milímetros lanzan esa pregunta en los últimos compases. Si habéis visto la serie ‘El colapso’ en Filmin sabréis que abismo están atisbando en ese país. Eso es lo que quieren evitar, seguir con un sistema que les está fallando a propósito. En plena crisis, cuando todo parece ir peor, se ven algunos brotes verdes. Estableced comparativas entre lo plasmado en ‘Homeland Gone’ y la actualidad y los veréis.

Crítica: ‘La boda de Rosa’

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Sinopsis

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Cuando Rosa decide tomar las riendas de su propia vida se dará cuenta de que sus planes colisionan con los intereses de toda su familia. Casarse, aunque sea con ella misma, va a ser lo más difícil que haya hecho nunca.

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Crítica

Que maravillosa es Rosa y que maravillosa es esta película

En un año tan extraño como este, necesitamos películas como ‘La boda de Rosa’, llena de positivismo, cariño y mucho amor. Una maravillosa manera de comenzar el Festival de Málaga que comienza el mismo día del estreno de esta estupenda película de Icíar Bollaín.

Rosa es una mujer que da todo por su familia y por quien esté a su alrededor. Una mujer muy trabajadora y cansada, una mujer que quiere vivir y convertir su sueño en realidad. Rosa decide dejar todo para casarse, ser feliz y vivir la vida que siempre ha deseado, quererse y ser la única que pueda cuidar de ella misma.

Una historia de amor hacia uno mismo, una historia de amor a la familia, a las costumbres y sobre todo una historia de sueños sin cumplir esperando la oportunidad de salir a flote.

‘La boda de Rosa’  es una oda a la familia, esa imperfecta familia que todos tenemos y que queremos más que a nada en este mundo.

Qué maravillosa está Candela Peña, hace de Rosa una persona bellísima, llena de dudas y deseos, con penas y muchos deseos de ser feliz. Ella que cuida de todo el mundo y nadie cuida de ella. Rosa es un regalo que Bollaín le hace a esta actriz a la que sin duda veremos luchar en la carrera de los Goya.

Y qué decir de sus compañeros de fatigas, Nathalie Poza y Sergi López son los encargados de representar a los hermanos de Rosa. Ambos egoístas pero no malas personas. Ambos intentando encauzar sus supuestas perfectas vidas. Qué decir de ellos, Sergi López da vida a Armando un hombre que desespera por volver a conseguir a su mujer. Y Violeta, interpretada magistralmente por Nathalie Poza, un papel bastante cómico pero con un increíble trasfondo que sin duda os calará enormemente.

Pero no solo nos encontramos con estos dos grandes actores, Ramón Barea, interpreta al patriarca familiar, con muchas cosas que lidiar en su vida y por fin ve feliz a la hija a la que más quiere.

Paula Usero vuelve a estar en manos de Icíar Bollaín tras aparecer en ‘El Olivo’  y sin duda tiene un papel muy clave en esta cinta.

La fotografía de Sergi Gallardo y Beatriz Sastre es preciosa, los detalles de los interiores están cuidados al máximo. Nos muestran la antigua tienda que los protagonistas tenían con mimo y cariño para que entendamos lo especial que es para nuestra protagonista. Con colores pasteles vamos adentrándonos en un mundo de rojos y verdes que estarán presentes en toda la película.

La banda sonora también es para mencionar, preciosa y llena de partituras maravillosas que harán que os emocionen muchas de las escenas que sin esa música quizás hubiesen perdido ese calor que transmiten.

Admito que salí con un subidón de energía positiva que no puedo poner pegas a esta película. Los personajes conmueven, la historia, simple, sencilla, sin nada más que un sueño que cumplir y muchas cosas que hablar.

 Ficha de la película

Estreno en España: 21 de agosto de 2020. Título original: La boda de Rosa. Duración:. 97 min. País: España. Dirección: Icíar Bollaín. Guión: Icíar Bollaín, Alicia Luna. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Sergi Gallardo, Beatriz Sastre. Reparto principal: Candela Peña, Sergi López, Nathalie Poza, Ramón Barea, Paula Usero, Xavo Giménez, Paloma Vidal, Lucía Poveda, María José Hipólito, María Maroto. Producción: Tandem Films, Turanga Films, Setembro Cine, La boda de Rosa la película AIE, Halley Productions. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: http://filmax.com/distribucion/la-boda-de-rosa.126

Crítica: ‘Proyecto Power’

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Sinopsis

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Las vidas de un exsoldado, una adolescente y un policía se cruzan en Nueva Orleans mientras buscan al suministrador de una pastilla que otorga superpoderes temporales.

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Crítica

Un ‘8 millas’ a lo ciencia ficción con héroes y camellos

Muchas son las películas que surgen en los últimos años poniendo a “gente ordinaria” en la tesitura de qué hacer al verse dotados de superpoderes. Es indudable que títulos como ‘Proyecto Power’ siguen la estela de sagas como X-Men (de hecho tiene un detalle muy similar al de ‘La decisión final’) y por eso, para intentar alejarse del clásico, se buscan maneras de originar o justificar la aparición de las envidiables capacidades sobrehumanas. En la última década hemos vivido el éxito de culto de ‘Chronicle’, el fracasó de la adaptación de ‘Mentes poderosas’, los desacuerdos con ‘Hancock’ o con ‘Glass’… Pero quizá a lo que más se aproxima esta nueva propuesta de Netflix es a esa tendencia de ubicar la ciencia ficción en ciudades o barrios más atípicos rodeando todo además de un halo de delincuencia y llevando así la trama a algo más mundano, como hizo ‘Code 8’ o como hacía ‘Misfits’. Sin duda, para los entendidos en cómics, el mayor parecido en las viñetas con esta película es la colección ‘Powers’ de Marvel, el número de símiles es grande.

En el caso de ‘Proyecto Power’ una especie de comprimido saca a la luz el superpoder que llevan las personas dentro y les permite usarlo mientras dura el efecto. El problema es que ese poder no se conoce hasta que se “desbloquea” y además deja secuelas. Con algo de pseudociencia y con mucha ciencia ficción esta producción de Netflix va hilando una historia de búsqueda tanto personal como justiciera.

Es de esos largometrajes que son casi buddy movie, con protagonistas muy distintos entre ellos pero con el mismo objetivo y que acaban juntos por algo más que por azar. Además también debemos incluirlas en el grupo de filmes que consigue acotarse en un breve espacio de tiempo, es decir, cuya historia transcurre en un tiempo filmico muy corto. Si queremos buscar otras comparaciones fuera de lo relacionado con los cómics podemos decir que esta puede ser una versión de ‘Colateral’ más ‘8 millas’ en plan ciencia ficción.

Aunque sea una película más con superpoderes ¿por qué es interesante ver ‘Proyecto Power’? Pues básicamente porque el guionista es Mattson Tomlin y este junto a Matt Reeves se están encargando del guión de ‘The Batman’. A si es que visto lo visto podemos decir que es lo suficientemente capaz de cargar a los personajes de un trasfondo y de acabar todo con un buen clímax. Además que la dirección ha corrido a cargo de dos directores experimentados tras varias películas de ‘Paranormal Activity’ o ‘Nerve’ y eso le ha hecho mucho bien a la hora de encauzarse por un estilo joven y más dramático. Es una película solvente con superpoderes, no con superhéroes, que además evita caer en los gags cómicos como hace Marvel, a si es que se agradece la diferencia.

También es atractiva por su reparto. Tenemos los nombres de Jamie Foxx, Joseph Gordon-Levitt, Dominique Fishback, Rodrigo Santoro, el músico Colson Baker, Courtney B. Vance, Amy Landecker… A Gordon-Levitt le vimos en aquel amago de Robin que hizo en la tercera película del hombre murciélago de Nolan, de hecho aquí se hace un poco de burla a eso, no solo porque su papel sea muy similar, si no porque la protagonista se llama Robin. Esta está interpretada por Dominique Fishback y aporta la parte adolescente e irreverente de la cinta. En el caso de Foxx por lo que interesa más es por verle rodeado de poderes (en mejor modo que en Spider-Man) y en plena forma para la acción, aquí está muy a lo Liam Neeson. Todo esto son buenos detalles para su futuro como Spawn. El trío de protagonistas funciona pero no puedo decir lo mismo del villano interpretado por Santoro.

Joseph Trapanese consigue el ritmo musical que ya ha logrado en películas como ‘Stuber Express’ o ‘El gran Showman’. Vuelve a esas esas notas “underground” que tanto usó en ‘Straight outta Compton’. Lo que decía en el titular, barrio marginal más ciencia ficción.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Proyect Power. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Henry Joost, Ariel Schulman. Guion: Mattson Tomlin. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Michael Simmond. Reparto principal: Jamie Foxx, Joseph Gordon-Levitt, Dominique Fishback, Rodrigo Santoro, Colson Baker, Allen Maldonado, Amy Landecker, Courtney B. Vance. Producción: Netflix, Screen Arcade, Supermarché. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: Ver en Netflix

Crítica: ‘Encurtido en el tiempo’

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Sinopsis

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Herschel Greenbaum es un trabajador con dificultades que emigra a Estados Unidos en 1920 con el sueño de construir una vida mejor para su adorada familia. Un día, mientras trabajaba en su trabajo en la fábrica, cae en un tanque de pepinillos encurtidos y queda en salmuera durante 100 años. La salmuera lo conserva perfectamente y cuando emerge en el Brooklyn actual, descubre que no ha envejecido ni un día. Pero cuando busca a su familia, le preocupa saber que su único pariente sobreviviente es su bisnieto, Ben Greenbaum (también interpretado por Rogen), un programador informático de buenas maneras que Herschel ni siquiera alcanza a entender.

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Crítica

Una especie de live action de Futurama sazonado con pepinillos

Un hombre viaja a Estados Unidos en busca de nuevas oportunidades y lo que consigue es caerse en un tanque de pepinillos en salmuera quedándose allí encerrado un siglo. Se pierde toda una vida y tiene ante si un mundo por descubrir y en el que aplicar sus antiguas costumbres.

Aunque el argumento de ‘Encurtido en el tiempo’ pueda recordar a ‘El hombre de California’, esa película en la que un cavernícola interpretado por Brendan Fraser emerge del jardín de dos estudiantes que le despiertan de su letargo tras haber permanecido congelado durante miles de años, esta película tiene un tono diferente que se aleja de lo ridículo, aunque indudablemente sigue derroteros cómicos.

Seth Rogen por partida doble. Atina a ser más gracioso cuando está él solo como hombre de principios del siglo XX, es decir, en la primera parte de la película y en determinadas escenas posteriores. No obstante consigue que esta sea una película entrañable. Las primeras secuencias están en 4:3 y parece que estamos en un ‘Violinista sobre el tejado’ gafado y a color. Rogen trabaja bastante el acento y la situaciones cómicas que le rodean. Tras una transición muy a lo ‘Futurama’ llegamos a la actualidad y al personaje le pasa precisamente como a Fry, que se encuentra desbordado por lo que ve. Por supuesto hay chistes remarcando las grandes diferencias sociales y tecnológicas que se dan con respecto a cien años atrás. Estamos en una era en la que la ciencia y las relaciones humanas cambian a un ritmo vertiginoso. Por lo menos se puede apoyar en su bisnieto, que le acoge, igual que pasa en Futurama.

Aunque los parecidos con otras películas estén ahí no me parece nada mal. Si fuese así también pensaría lo mismo de películas sobre Papá Noel o sobre las invasiones extraterrestres. Siempre está bien revisionar ideas. Igual me pasa con los papeles de Rogen, que no suelen desviarse mucho de lo mismo. Cuando actúa siempre me deja la sensación de que hace de él mismo y aún así por lo general me hace gracia o consigue esbozar a sus personajes. Esta vez lo hace simultáneamente caracterizándose como dos personas distintas, cual Adam Sandler en ‘Jack y su gemela’ o Mike Myers en ‘Austin Powers’.

El director de ‘Encurtido en el tiempo’ es Brandon Trost y ha hecho con este su primer largometraje como capitán del barco. En otras muchísimas ocasiones su rol ha sido el de encargarse de la fotografía, como hizo en ‘The disaster artist’ o en otras muchas películas en las que trabaja Seth Rogen. Se nota que esta es una película entre amigos pues se dan de vez en cuando a las gamberradas habituales, aunque hay que remarcar que esta constituye la primera producción de Rogen que no se califica de tipo R.

Pero no quiero que penséis que esta es una película desatada tipo ‘La fiesta de las salchichas’ o ‘Juerga hasta el fin’. Es de esos títulos donde Rogen se contiene y busca llevar a cabo un papel con pinceladas serias. Además el autor del guión es Simon Rich el artífice de la novela en la que se inspira, ‘Sell out’. Seguramente a través de él se ha conseguido buena parte de la comedia pero también de la sensibilidad que puede llegar a tener ‘Encurtido en el tiempo’, no olvidemos que Rich ha trabajado en títulos como ‘Del revés’ o ‘Miracle workers’, obras que mezclan bastante humor y desgracia. De hecho llega a esos puntos moñas que suele tener Rich y junto con la partitura de Giacchino consigue algún que otro momento sentimental.

Sobre todo hay que considerar que tanto Rogen como Rich han pasado por Saturday Night Live y como era de esperar tenemos humor sarcástico y crítico. Hay dos cosas que se miran de cerca en ‘Encurtido en el tiempo’, el cliché que se tiene de los judíos (no olvidemos que Rogen profesa esa religión) y el mundo de las startups. Y por supuesto el modo en cómo las masas o los “profesionales” del siglo XXI se portan de manera estúpida. Un poco más de acidez no le habría venido mal a la película, se ha centrado más en ser cómicamente tierna o tontorrona.

Vivimos una época en la que nos están metiendo pepinillos por todas partes, por hacer un chiste a lo Rogen. Que si el perro Mr. Pickles, el héroe de acción Pickle Rick, el presentador encarnado por Jim Carrey… Subliminal o no, picando en la ironía de seguir lo que es tendencia o nos venden en las pantallas… voy a cerrar esta crítica comiéndome unos pepinillos.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: An American Pickle. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Brandon Trost. Guion: Simon Rich. Música: Michael Giacchino, Nami Melumad. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Seth Rogen, Sarah Snook, Molly Evensen, Eliot Glazer, Kalen Allen, Kevin O’Rourke, Jorma Taccome. Producción: Point Grey Pictures, Gravitational Productions, Sony Pictures Entertainment, Warner Bros. Pictures, Warner Max. Distribución: HBO España. Género: comedia. Web oficial: HBO España.

Crítica: ‘Nekrotronic’

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Sinopsis

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Finnegan (Monica Bellucci), la mejor de los cazadores de demonios conocidos como Nikromantes, fue la primera en descubrir espíritus malignos dentro de internet y la primera en introducir su alma en la web para llevar la mítica batalla entre el bien y el mal al reino digital. Pero algo le ocurrió allí dentro… desarrolló el gusto por las almas humanas y se pasó al lado oscuro.

Unos años después, Howard North (Ben O’Toole), un desafortunado trabajador del servicio de alcantarillado que fue entregado en adopción cuando era un bebé, se da cuenta de que es el único con la habilidad necesaria para detener el plan de una demoníaca corporación para devorar las almas de un millón de seres humanos. Y por si eso no fuera suficiente, la dueña de esa corporación es Finnegan… su madre.

Ahora, con la ayuda de Molly (Caroline Ford) y Torquel (Tess Haubrich), hermanas y Nikromantes, Howard deberá aprender a aprovechar sus recién descubiertos poderes, aprender a destruir demonios online, lidiar con el fantasma de su recientemente fallecido amigo Randi (Epine Bob Savea) y de alguna manera encontrar tiempo para salvar el mundo. Todo ello, mientras esquiva balas, espectros, cabras explosivas, rayos de plasma, y a su megalomaníaca madre tratando de comerse su alma inmortal…

Howard North está teniendo un día del DEMONIO.

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Crítica

Para aquellos que saben apreciar perversiones vistosas e instantes cafres

Si vais a ir al cine a ver ‘Nekrotronic’ antes debéis saber que es una película disfrutona para los que adoran los argumentos locos y la parafernalia más disparatada. Al filme de los hermanos Roache-Turner solo le ha faltado rozar el gore para estar dirigido a un escueto público pero su acción, su espectáculo visual y su humor la hacen admisible para un público más amplio, que aún así ha de estar abierto a propuestas desenfadadas y dementes.

Escribo esta crítica con la música de Dethklok (‘Metalocalypse’) de fondo porque la verdad es que le pega. En ‘Nekrotronic’ el satanismo o la brujería están muy presentes. Su trama no es excesivamente original, pero divierte y es fiel a su género de principio a fin. Lo que pasa en esta comedia de acción va mucho más allá de la realidad aumentada. Y es que literalmente aquí las apps las carga el diablo. Hay una aplicación malévola e invasiva como en ‘Countdown. La hora de tu muerte’ que no entiende ni de privacidad ni de Reglamento general de protección de datos. Por favor, no penséis que esta película es tan mala como la que estrenó Amazon en abril. Una aplicación tipo ‘Pokémon GO’ pero para cazar fantasmas (por si os pica la curiosidad ya hay una de Los Cazafantamas) hace que se manifieste la habilidad del protagonista. Es un cazador de espectros.

‘Nekrotronic’ es una burlesca cinta que aunque no es hilarante se hace la mar de simpática. Y también hace su esfuerzo por contar algo. Hay seres que salen de los móviles y se meten en las personas poseyéndolas o haciendo que pierdan el alma. Como en otras historias vemos que no hacen falta seres del más allá saliendo de nuestros smartphones para chuparnos el alma e idiotizarnos, para eso ya lo hacemos nosotros solitos sometiéndonos a bombardeos de retos estúpidos o vídeos virales.

La película de los hermanos Roache-Turner desarrolla toda una parafernalia de trajes, armas y reglas para vencer al mal. Se aproxima en estilo y en sanguinolencia a videojuegos tipo ‘Doom’ o ‘Hellgate London’ mezclando tecnología con criaturas infernales. También me ha recordado un poco al cortometraje ‘Blood machines’ en el sentido en el que me ha hecho pensar lo poco que cuesta hoy en día conseguir diseños de producción mucho más potentes con pocos recursos y algo de talento. Lo luminiscente y aquello que mezcla diferentes temas siempre resulta atractivo, aunque sea de un modo impertinente.

El planteamiento visual podría haber formado parte de una versión diabólica de ‘Tron 2’. La factura eléctrica del rodaje al tener tanta luz de neón debe haber sido abultada. Quizá los que estén más acostumbrados a los colores pastel de las películas hípster y modernas de ahora se sobrecarguen pero toda esa fosforescencia le va bien al filme. El maquillaje de los demonios está bien, los fantasmas digitales están bien, los props están bien, la acción está bien…

Obviamente hay que tomársela como una comedia descarada. Por ejemplo, toda la parte del amigo del protagonista recuerda a ‘Un hombre lobo americano en Londres’. También tiene algo de ‘Cazafantasmas’ a lo demoníaco y se intuye un guiño a ‘Ghost’ con la escena de la moneda. E incluso hay un detalle muy ‘Matrix’, en la que salía también Bellucci.

Aunque una de sus productoras (Hopscotch Features) estuvo involucrada en ‘Al encuentro de Mr. Banks’ esta película se parece más al filme estrafalario, comiquero e imaginativamente desatado que fue ‘Yo, Frankenstein’. ‘Nekrotronic’ supera a esa película de 2014. Es más entretenida y carismática, también está mejor hecha y mejor interpretada. Todo ello claro está teniendo en cuenta que ‘Nekrotronic’ está dentro de un género de ciencia ficción sangriento que solo busca arrancarnos carcajadas con sus desvaríos macabros de serie B diaboílico-tecnológica.

Poceros, cabras que explotan, posesiones digitales, multinacionales satánicas, fantasmas simpaticones… Majaderías de estas se echan muchas veces de menos para desconectar por completo. Tanto el reparto como sus creadores se gustan con lo raro y con la mezcolanza.

Hay una escena post-créditos con algún recuerdo a ‘El exorcista’ pero no es trascendental.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Nekrotronic. Duración: 99 min. País: Australia. Dirección: Kiah Roache-Turner. Guion: Kiah Roache-Turner, Tristan Roache-Turner. Música: Michael Lira. Fotografía: Tim Nagle. Reparto principal: Ben O’Toole, Monica Bellucci, Caroline Ford, Tess Haubrich, Epine Bob Savea, David Wenham. Producción: Guerrilla Films, Hopscotch Features. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: http://www.hopscotchfeatures.com.au/nekrotronic

Crítica: ‘El jardín secreto’

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Sinopsis

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Mary Lennox tiene 9 años y vive con sus padres en la India donde su padre trabaja para el gobierno inglés. Cuando los padres mueren a causa del cólera, Mary es enviada a vivir a una inmensa mansión con su malhumorado y solitario tío (Colin Firth) y su estricta ama de llaves (Julie Walters). Allí la niña se encontrará sola en una mansión con más de cien puertas (la mayoría cerradas) y un jardín amurallado donde con la ayuda de la fantasía y en compañía de su enfermizo primo y un joven del pueblo, emprenderán una maravillosa aventura.

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Crítica

A la vista es correcta, pero cuando te acercas a husmear no desprende aroma

La actriz Julie Walters, el director Marc Munden y el guionista Jack Thorne ya coincidieron en ‘National Treasure’ pero ni esta es una película del mismo corte ni Walters es la protagonista. En ‘El jardín secreto’ ella es algo así como el ama de llaves de la casa en la que reside Colin Firth y a la que es destinada su sobrina interpretada Dixie Egerickx.

De nuevo vuelve a interpretarse la novela de Frances Hodgson Burnett, ‘El jardín secreto’, que ha tenido hasta películas animadas. Por mucho que contemos esta vez con Walters y de nuevo con Firth (ya hizo de Colin en la adaptación de 1987) realmente la niña y otros personajes son los protagonistas. El peso recae en Egerickx cuyo personaje se mueve por un terreno poco afable para intentar dar rienda suelta a sus juegos e imaginaciones.

En el marco de la guerra indo-pakistaní los padres de Mary (Egerickx) desaparecen. Ella es devuelta a Inglaterra donde tiene que alojarse en una casa rodeada de un feo páramo y entre paredes que crepitan y transportan el sonido de llantos. Allí ha de intentar ser feliz, en el lugar donde entre la melancolía y lo mustio encuentra el color.

Esta es una película cuyo punto de partida o mecánica puede recordar a ‘El laberinto del fauno’ o a ‘La casa del reloj en la pared’. Pero ni es tan intensa como la primera ni tan mágica como la segunda. Munden ha hecho la que probablemente es su película más infantil y también la más metafórica. Todo el filme es un relato que busca relacionar la tristeza con la enfermedad y la alegría con la vida. La capacidad de curar aquí va de la mano a la capacidad de creer y de querer sobreponerse a la tragedia.

Al margen lo que buenamente quiere transmitir es un relato bastante insípido, sobre todo porque no tiene una moraleja elaborada ni trabaja lo más mínimo la emoción. Si nos adentra en un contraste de lugares que nos lleva a un despliegue de color a través de un vergel, pero no consigue que empaticemos con unos personajes que de entrada son bastante apáticos. La protagonista sin ir más lejos tiene un carácter extremadamente repelente que evoluciona poco o nada.

‘El jardín secreto’ es una película fantasiosa que para mi se aleja del término fantástico. Si hubiese conseguido materializar un ambiente aún más de cuento y exprimido el potencial de sus actores seguramente estaríamos hablando de una película capaz de tocar la fibra.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: The secret garden. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Marc Munden. Guion: Jack Thorne. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Lol Crawley. Reparto principal: Colin Firth, Julie Walters, Dixie Egerickx, Edan Hayhurst, Maeve Dermody, Isis Davis, Amir Wilson. Producción: STX Films, StudioCanal, Heyday Films, Fundamental Films, Canal+, Ciné+. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, fantasía. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/el_jardin_secreto

Crítica: ‘Papicha, sueños de libertad’

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Sinopsis

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Argelia, años 90. Nedjma («Papicha») es una estudiante universitaria que intenta que los acontecimientos de la guerra civil que empiezan a ocurrir a su alrededor no le impidan vivir una vida normal, salir de noche con su mejor amiga Wassila y vender vestidos hechos por ella en los baños de las discotecas. Mientras la sociedad se vuelve más conservadora, ella decide luchar por su libertad e independencia organizando con sus amigas un desfile de moda en la Universidad que desafía todas las normas establecidas.

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Crítica

Buen alegato y retrato generacional argelino

Desde Argelia nos llega la que fue elegida como su mejor película para representar al país en los Oscars 2020. En ella Papicha (una joven interpretada por Lyna Khoudri) busca prosperar a contracorriente en una sociedad convulsa y anticuada. Su pasión es diseñar ropa y luchar contra lo que considera injusticias de grupos de retrógrados mal influenciados por su religión. Vive rodeada de ciudadanos que viven cómodos con lo que sucede, manteniendo un silencio cómplice ante multitud de atropellos Pero por suerte Papicha es una de esas personas que están lo suficientemente locas como para enfrentarse a fanáticos.

Khoudri interpreta a una estudiante argelina y en el mundo real su familia procede de ese país, solo que ella ha vivido casi toda su ida en Francia y Alemania tras haberse mudado sus padres tras la guerra civil. Precisamente los inicios de ese conflicto son el marco de la película. Está salpicada del fervor y la incertidumbre de una contienda a punto de estallar mientras ella libra sus propias batallas. ‘Papicha, sueños de libertad’ trata a cerca de una persona que quiere hacer lo que le gusta, en este caso diseñar ropa, y para ello no permite que nada se lo impida. Es una película en la que la evolución y el progreso luchan para sobrevivir frente a los que abusan usando la religión como excusa. Conservando su hogar tanto ella como sus amigas (entre las que se encuentra la prima de Sofia Boutella) buscan huir de una comunidad capaz de envenenar con bromuro o de acallar con gatillos.

Ha habido y habrá películas cargadas de feminismo como esta. En estos años pasados hemos visto ‘Mary Shelley’, ‘Una cuestión de género’ e incluso ‘Judy & Punch’ con la cual va a compartir cartelera. Con un enfoque u otro estas películas tienen un discurso que va por los mismos derroteros. En este caso es un retrato generacional de la Argelia de los 90. La directora Mounia Meddour ha escogido adaptar libremente la realidad para poder esbozar a mujeres que quieren elegir y no tener que pedir permiso para existir de la manera que quieran.

Meddour había trabajado antes en ‘Hitman’ como asistente del frances Xavier Gens (‘La piel fría’, ‘The Crucifixion’). Ahora el renovador director vuelve a colaborar con ella pero desde la producción. Gens también había hecho lo mismo con películas como la desastrosa ‘Cell’ o la interesante ‘Hostile’. Tengo el corazón muy dividido con él y sus películas de terror. Con esta propuesta vuelve a llenarnos de horrores pero de otro tipo y acierta.

Tanto directora como actriz fueron premiadas con un Cesar a mejor actriz promesa y mejor directora novel. Y no me extraña, ‘Papicha, sueños de libertad’ es un relato contrastado, veraz y comprometido. Entre directora y actriz mezclan bien miedo, rebeldía e ingenuidad, que no inocencia. Con los ecos que resuenan se masca el final, pero aún así forma un buen alegato.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Papicha. Duración: 106 min. País: Argelia. Dirección: Mounia Meddour. Guion: Mounia Meddour, Fadette Drouard. Música: Robin Coudert. Fotografía: Léo Lefèvre. Reparto principal: Lyna Khoudri, Shirine Boutella, Amira Hilda Douaouda, Yasin Houicha. Producción: The Ink Connection, High Sea Production, Tayda Film, Scope Pictures, Tribus P Film, CADC, CaleSon, Same Player, Fonds Impact. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: http://papicha-movie.com/

Crítica: ‘Color out of space’

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Sinopsis

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Los Gardner se mudan a una granja remota de Nueva Inglaterra. Están ocupados adaptándose a su nueva vida cuando un meteorito se estrella en su patio. El misterioso aerolito parece derretirse en la tierra, infectando el terreno con un color brillante de otro mundo. Para su horror, la familia descubre que esta fuerza alienígena está mutando gradualmente cada forma de vida que toca… incluido ellos.

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Crítica

Un tripi visual con terror y un Cage que va a lo suyo, todo bien

¿Qué da más miedo, una interpretación de Nicolas Cage o una historia de H.P. Lovecraft? Cuando vi esa combinación pensé “historia de Lovecraft, bien. Nicolas Cage, bien (pero en plan cómico)”. Cage es capaz de arruinar muchas historias buenas, pero por suerte este no ha sido el caso. Durante toda la película se mantiene un pulso entre lo inquietante de la trama y la siempre turbadora interpretación del sobrino de Francis Ford Coppola.

Basada con bastante fidelidad en un relato de Lovecraft ‘Color out of space’ nos cuenta el episodio que vive una familia cuando un meteorito cae en su granja. Un perturbador color desconocido (que se ejemplifica con un magenta) les deslumbra y en la zona todo empieza a cambiar de un modo inimaginable.

Mutaciones, deformaciones, voces, alucinaciones, emponzoñamiento… La tierra se corrompe con algo que no es de este mundo, comienzan a pasar cosas raras y la familia se ve encerrada irremediablemente. La ecuación de este largometraje se resume con la suma entre ‘Aniquilación’ más ‘La cosa’ más ‘Poltergeist’.

El filme tiene una buena puesta en escena y en ocasiones supone un verdadero tripi visual. En su exploración de lo extraño, tanto en el plano mental como en el físico, nos ofrece amorfas aberraciones muy bien maquilladas con sabor del terror de antaño. Eso si, hay que advertir que en una de las variaciones del relato original sucede algo no apto para animalistas.

Podríamos catalogar este título como un retrato de algún tipo de agonía. Sus personajes sufren a la vez que el espectador puede sentir esa clase de fascinación morbosa que tantos éxitos da en el cine.

Cage interpreta al padre de familia. Como siempre tiene momentos casi desternillantes, llevándose algo al personaje a su propio terreno. Pero podría decirse que está más contenido de lo habitual. Considero esto un logro de Richard Stanley y de la historia que lo consigue enmascarar o disimular. Aunque me consta que Stanley pidió a Cage que actuase como en ‘Vampire Kiss’. Además el director ha conseguido que el resto del reparto supla las carencias de Cage, en especial con la manera de usar a los personajes más jóvenes.

Hay muchos guiños lovecraftianos y a la propia filmografía del director. Esta es de esas películas que pica la curiosidad no solo de poder ver qué sucede hasta el final sino también de buscar más en la filmografía del director, aunque seguro que también habéis visto su ‘Isla del Dr. Moreau’ o ‘Los abandonados’, esta última muy recomendable. Richard Stanley tiene fama de ser raro y de no quitarse nunca su sombrero. La película tiene unos magníficos y oníricos efectos especiales realizados por los españoles de User T38 y nos confirmaron en la Muestra SYFY que efectivamente Stanley es un tipo peculiar, de ahí sus películas.

Esta es una cinta de personajes raros trabajando en ella pero de cosas aún más raras que hacen que merezca la pena ser disfrutada. Sumergíos en esta región de Arkham con alpacas y momentos rosáceos y ya me contaréis si volvéis con la mente de una sola pieza. Si para entonces tenemos suerte, ya estará en marcha la próxima entrega ya que esta será una trilogía de películas, seguramente inconexas argumentalmente, que seguirá con ‘El horror de Dunwich’.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Color out of space. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Stanley. Guion: Scarlett Amaris, Richard Stanley. Música: Colin Stetson. Fotografía: Steve Annis. Reparto principal: Nicolas Cage, Q’orianka Kilcher, Joely Richardson, Tommy Chong, Madeleine Arthur, Brendan Meyer, Julian Hilliard, Elliot Knight, Melissa Nearman. Producción: SpectreVision, ACE Pictures Entertainment, BRO Cinema, XYZ Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: http://www.finefilms.co.jp/color/

Crítica: ‘Judy & Punch’

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Sinopsis

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En la ciudad anárquica de Seaside, cerca del mar, los titiriteros Judy y Punch están tratando de resucitar su espectáculo de marionetas. El espectáculo es un éxito debido a la superioridad de los títeres de Judy, pero la ambición y la adicción de Punch por el whisky les llevará a una tragedia inevitable que Judy deberá vengar.

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Crítica

Muchos puños y poco gancho

‘Judy & Punch’ es la ópera prima como directora de largometrajes para la actriz Mirrah Foulkes. En ella conocemos a Judy, la esposa de un titiritero con el que quiere prosperar gracias a su espectáculo de marionetas e insolencias. Ella mantiene a flote el barco gracias a su tesón y paciencia, él aporta el rostro y el carisma, pero también la volatilidad propia de un alcohólico. Precisamente como un líquido volátil, los sueños de Judy se evaporan rápidamente.

Con semejante trama y con un personaje masculino que se llama Punch era obvio que los derroteros iban a ir por la trama centrada en el maltrato. En eso y en el robo de talento y méritos propio de épocas pasadas y no extinto en el siglo XXI. Una mujer en la sombra inicia su venganza y para ello se introduce un componente fantástico que queda excesivamente camuflado como para servir de metáfora o aportar un plus de entretenimiento que favorezca la causa.

Este es un drama con tintes de comedia trágica que debería haber mantenido su acidez y sarcasmo inicial. Están muy bien trabajadas sus notas de humor pero tediosamente servido su dramatismo. El filme tiene personalidad y una oscuridad parecida a la que vimos en ‘El secreto de los Hermanos Grimm’. Nos adentra en un mundo sucio, casi caótico y retrógrado, lleno de favoritismos y desmanes. Todo ese envoltorio parecía que iba a ocultar un filme cargado de un mensaje con más identidad pero no consigue desmarcarse de un modo brillante.

Mia Wasikowska es Judy, el personaje protagonista y Damon Herriman (un Pedro Pascal, aún más feo) es Punch. Ambos funcionan bien en pantalla y parecen moverse en su salsa dentro de la malsana relación que interpretan y la consecución de jugarretas que experimentan. Ambas interpretaciones ceden terreno a la cerrazón religiosa y la justicia, dos aspectos tratados con bastante convencionalidad. ‘Judy & Punch’ nos provoca un encogimiento de hombros, pudo ser más y no quiso.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Judy & Punch. Duración: 105 min. País: Australia. Dirección: Mirrah Foulkes. Guion: Mirrah Foulkes. Música: François Tétaz. Fotografía: Stefan Duscio. Reparto principal: Damon Herriman, Mia Wasikowska, Benedict Hardie, Tom Budge. Producción: Vice Media, Pariah Productions, Soundfirm, Blue-Tongue Films, Create NSW, Film Victoria, Screen Australia. Distribución: Alfa Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: https://judyandpunch.film/

Crítica: ‘La caza (The hunt)’

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Sinopsis

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Doce extraños se despiertan en el claro de un bosque. No saben dónde están ni cómo han llegado hasta ahí. Tampoco saben que han sido escogidos… para algo uy concreto… para ser cazados. A raíz de una teoría conspirativa nacida en la dark web, un grupo de la élite mundial se reúne por primera vez en una recóndita mansión para divertirse cazando a seres humanos. Pero su plan maestro no sale como esperan ya que una de las víctimas, Crystal (Betty Gilpin), conoce el juego de los cazadores mejor que ellos mismos. Matándoles uno a uno, Crystal conseguirá invertir la situación y acercarse poco a poco a la misteriosa mujer (encarnada por la dos veces oscarizada Hilary Swank) que ideó el juego.

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Crítica

Una serie de fatalidades con humor y gran final

Despertarse de repente en un bosque, rodeado de desconocidos, amordazados y con una misteriosa caja en medio de un claro debe ser algo totalmente desconcertante. Eso es lo que les pasa a los personajes de ‘The hunt’ que rápidamente tendrán que luchar por su supervivencia. Y digo rápidamente porque la película no se entretiene ni con presentaciones ni con explicaciones, va al meollo de la cuestión, al espectáculo de muertes y persecuciones sin perder ni un segundo.

‘La caza’ es una película que cuenta con la producción de Blumhouse y es de esas que demuestran porque la productora se ha ganado fans a lo largo de todo el globo terráqueo. Aunque tiene un discurso social y paralelismos con la realidad no me parece que tenga pretensiones adoctrinantes y se dedica más a regalar momentos explosivos y sanguinarios sin filtro alguno. No pretende desarrollar un alegato protesta, más bien usa sus ideas como vehículo para evitar que ‘La caza’ consista meramente en una concatenación de fatalidades. Además, hace uso de humor y sátira de manera que dota a sus personajes de una humanidad desarraigada y cachonda.

A mí me hace remontarme a películas como ‘Blanco humano’ o la tal vez mucho menos conocida ‘Un tío llamado Peste’. Ciertamente el referente más inmediato es una película cuyo inicio y mecánica se parecen mucho, ‘The Furies’, no tanto a ‘Bacurau’ como he visto apuntar en algún sitio. Pero diferencias con la película de Tony D’Aquino tiene. Aquí se emplea más el tono cómico y la cinta australiana tenía más carga dramática. Además en el filme que pudimos ver en Nocturna aparecían unos asesinos enmascarados que dotaban a la película de un sabor a slasher de los 70 que puede decantar la balanza a la hora de elegir entre una u otra versión. Aún así ambas son un ‘Battle Royale’ cruento la mar de disfrutable en el que os recomiendo que os adentréis.

El responsable de esta nueva propuesta es Craig Zobel, que ya ha rodado salpicones de sangre en ‘Westworld’ y ‘American Gods’. Quizá Nick Cuse y Damon Lindelof son los principales responsables de que esto haya salido bien con su guión. La idea no es del todo original pero si podemos decir que es su propuesta más loca junto a ‘Maniac’.

He dejado mi parte favorita del plato para el final. Betty Gilpin se sale con su personaje. Hace un rol bastante demente y repartiendo palos a diestro y siniestro. Tras haberla visto en la fallida ‘La maldición’ he recobrado las buenas sensaciones de una actriz que también me hizo reír en ‘Stuber Express’ o ha maravillado a tantos con su papel de ‘Glow’. Culmina el festival de violencia con una escena de lucha extenuante y dejando para la posteridad una protagonista de la que querríamos más.

También cabe advertir, por avisar de la mecánica de esta película, que no puedes encariñarte con ningún personaje, ni aunque conozcáis al actor que le interpreta ya que todos son candidatos a ser víctimas o villanos.

Me suele poner de los nervios que haya incorrecciones científicas pero cuando vemos a una víctima correr tras haber sido atravesada por completo comprendemos que el rigor no es algo que vaya a predominar en esta película. ‘La caza’ es una cinta para dejarse llevar por el frenesí de asesinatos y el pitorreo con situaciones absurdas. Solo así podréis llegar a reíros con personajes que se tiran a lo Zubizarreta para salvar una botella de champán o con un kill count que aumenta por momentos.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de julio de 2020. Título original: The Hunt. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Zobel. Guion: Nick Cuse, Damon Lindelof. Música: Nathan Barr. Fotografía: Darran Tiernan. Reparto principal: Ike Barinholtz, Betty Gilpin, Emma Roberts, Hilary Swank, Ethan Suplee, Wayne Duvall, Glenn Howerton, Amy Madigan, Kate Nowlin, Christopher Berry, Steve Coulter, Vince Pisan. Producción: Blumhouse Productions, Damon Lindelof. Distribución: Universal Pictures. Género: thriller, acción. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/la-caza

Crítica: ‘The Beast’

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Sinopsis

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Una niña es encontrada con las extremidades amputadas. Dos detectives, Han-su y Min-tae, rivales desde siempre, se encargarán del caso. En un principio, este se resuelve fácilmente cuando Han-su arresta al presunto sospechoso pero, aun así, pronto se convierte en un misterio cuando Min-tae levanta sospechas sobre el reciente arrestado.

Mientras tanto, Han-su se topa con alguien quien le insiste que conoce al verdadero culpable. Además, este curioso personaje mata a un traficante de drogas delante de él y le propondrá un pacto secreto. Pronto llegará la hora en que Han-su deba decidir.

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Crítica

Cuida bien la tensión pero la estira demasaido

Asuntos actuales, personajes con muchos claroscuros, thriller policial, mucha carga trágica… Todos estos elementos, junto a otros muchos, son los que enmarcan a ciertas películas dentro de una corriente que se ha venido denominando desde hace años con el término “neo-noir”. Películas como ‘Shutter Island’, ‘Colateral’, ‘Mulholland Drive’ o ‘Nightcrawler’… son títulos con ambientes muy reconocibles y personajes bastante marcados por fatalismos y morales cuestionables que se enmarcan en este género. ‘The Beast’ puede incluirse en esa extensa y larga lista, al menos estéticamente y en la concepción de sus personajes, tal vez no tanto en el impacto que podría haber causado y en el tratamiento de su argumento. En varios sentidos mejora la película francesa en la que se inspira, pero aún así no logra concebirse como un entretenimiento interesante durante todo su metraje.

Si hemos etiquetado varias veces a ‘Los casos del Departamento Q’ como un neo-noir nórdico tal vez debamos hacer lo equivalente con ‘The Beast’. Adapta un estilo que suele ser muy eficiente hoy en día a algunas de las costumbres orientales de hacer cine. Está llena de asuntos turbios que se tornan retorcidos, de personajes que han de mezclarse con mala calaña, de héroes que aún pareciendo vencidos siguen en la liza, de una atmósfera de colores sucios y desgastados… Todo eso lo coge muy bien de un género que aporta buenos tonos a la historia.

Pero por lo demás ‘The Beast’ ni innova dentro del género policiaco ni es capaz de evitar algunos tópicos, como las guerras de bandas a golpe de barras y cuchillas, la corrupción, las disputas entre departamentos, los detectives que van por su cuenta… Esto la hace monótona y defrauda ya que empieza muy prometedoramente. Se queda en algo episódico, que nos puede entretener de una manera pasajera, sin dejar huella y estirándose demasiado para ello.

A veces parece que va sin rumbo. Es por eso que se hace larga, no lenta pero si larga. Aunque desde luego tiene un final marcado cambia o desvía la atención de su trama llevándonos casi de manera errática, causando así una sensación de que podemos estar eternamente teniendo giros de giuón que dan la vuelta a la tortilla una y otra vez hasta quemarla. No es liosa pero si se enreda en exceso. Con todo esto es justo también decir que nada de lo que aparece en la película queda sin atarse, está todo planteado de manera que responda a alguna causa o razón futura.

En este filme tenemos dos detectives, que son a la vez compañeros y rivales. Uno de ellos es el principal protagonista y entre ambos se muestran dos arcos argumentales entrelazados a resolver. Esos arcos no necesitan más tensión, la película de Lee Jung-ho trabaja bien ese aspecto, pero si el punto en el que confluyen tendría que haber llegado algo más rápido. De hecho su final está bastante alargado y demuestra de nuevo que sobran minutos.

Al principio nos avisan de que todo lo visto en el filme es ficticio. ¿Podríamos pensar que todo esto se basa en algo real o componiendo elementos sucedidos en alguna comisaría o ciudad coreana? Efectivamente ‘The Beast’ se siente creíble, también depende de la confianza o fe que tenga cada uno en la humanidad. Pocos o ninguno se libran en este largometraje de tener algo reprochable. Incluso hay cierto punto en el que esto podría ser la caza de un Jack el Destripador moderno que podría ser cualquiera. Ahí entra en juego la sospecha o la capacidad de cada uno para generar sus propias teorías o para juzgar a aquellos que se toman la justicia de una manera cuestionable o para tener cierto sesgo con aquellos que son considerados parias.

Si vais dispuestos a echar un rato largo de buena puesta en escena, cuidado tratamiento de la imagen y algunas escenas ciertamente intensas comprad la entrada. Si buscáis algo ágil, con ritmo y giros constantes, no es vuestra película.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Biseuteo. Duración: 130 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Jeong-ho. Guion: Lee Jeong-ho. Música: Mowg. Fotografía: Ju Sung-Lim. Reparto principal: Chea-myung You, Daniel Choi, Hye-jin Jeon, Sung-min Lee. Producción: Studio & New. Distribución: Alfa Pictures. Género: thriller, policíaco. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/the-beast/

Crítica: ‘Gretel & Hansel’

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Sinopsis

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Hace mucho tiempo, en una tierra maldita, una niña y su hermano pequeños e ven obligados a abandonar su hogar familiar en busca de comida y trabajo.  A pesar de la ayuda que les presta un noble cazador, se desorientan y acaban perdidos en un profundo y oscuro bosque.

Al encontrarse con una cabaña mágica, habitada por una anciana de amable apariencia, Gretel y Hansel creen haber hallado un refugio seguro. Pero los inagotables banquetes que la mujer celebra en tiempos de hambruna, y los extraños murmullos de niños perdidos y las apariciones mágicas que alberga su hogar, sugieren que las cosas podrían no ser lo que parecen.

¿Podrá Gretel proteger a su hermano pequeño, o sucumbirá a las tentaciones que surgen en su interior? Algo malvado acecha en esta oscura reinvención del clásico cuento de hadas.

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Crítica

Sin migas de pan y queriendo meter más miga

Nos vamos a Alemania, a una sucia Baviera en una oscura y sufrida época. Allí es donde se ambienta una vez más la historia de ‘Gretel y Hansel’. Oz Perkins vuelve a embadurnar una película de misterio y thriller, no tanto de terror. En su tercera obra como director reinventa el cuento clásico de los hermanos Grimm dotándole de menos candidez y aproximándolo más a la obra original.

Entiendo el cambio de orden en el título ya que realmente la película pone su foco en Gretel. De nuevo Perkins ha hecho un largometraje con protagonista femenina. Gretel es sensiblemente más mayor que su hermano Hansel (16 años frente a 8) y tiene siempre la iniciativa. Se ha desarrollado un personaje con más inquietudes que el del cuento y se muestra que tiene que enfrentarse a penurias de la época que van más allá que la falta de alimento. Esta es una historia sobre el crecimiento y las transformaciones sufridas en uno mismo. No es la primera vez que se usa el terror o lo fantástico para narrar el paso a la madurez, para mostrar los cambios que vive una mujer en una etapa tan trascendental. Véase por ejemplo ‘Verónica’.

‘Hansel y Gretel’ siempre ha sido un cuento para prevenir a los niños, para mostrar que no todo lo que parece bueno es necesariamente así. Y más allá es un relato que habla sobre refrenarse ante los impulsos y las ambiciones, que puede ser lo que la casa suponía o lo que la bruja quería perpetrar, su carnicería de niños. Aquí las tentaciones y los anhelos también están muy presentes, la bruja se encarga de satisfacer sus deseos, más allá incluso del de saciar su apetito.

Sophia Lilis, una de las protagonistas de ‘IT’ es quien encarna a Gretel. Pasa del terror basado en la espectacularidad y los sustos a uno más psicológico. Sigue sumando buenas actuaciones la joven actriz de Brookly. En esta ocasión está tan ligada a su hermano ficticio como si fuese su gemelo (lo cual no es nuevo para ella pues realmente tiene un gemelo en la vida real). Hace las veces de joven inconsciente y de madre a la vez, una hermana mayor creíble y con una interpretación nada exagerada.

Para mí hay otras virtudes mejores en esta película que no obstante me ha dejado algo frío al no tratar algo excesivamente novedoso. Por eso digo que este es un ‘Gretel y Hansel’ sin migas de pan y queriendo meter más miga. Me ha gustado el inquietante papel de Alice Krige que repite como bruja (‘The calling’, 2000). Su rostro arrugado y a veces como enajenado es de lo poco que da algo de miedo. Si la intención que tenían era la de rayarnos o perturbarnos con ella lo consiguen, además que le han dado una buena vuelta de tuerca a su concepción.

No hay migas de pan por el bosque y no hay casa de pan de jengibre. En su lugar tenemos una cabaña moderna que parece una de estas casas rurales de diseño que están tan de moda. Las formas picudas están por todas partes: en el tejado, los sombreros, las estrellas (aparece tanto la de David como el pentagrama invertido). Esto es porque el interesante diseño de producción nos quiere imponer, intenta constantemente hacernos sentir pequeños o amedrentarnos con sus imágenes. Y es que otra de las estrellas del filme es Galo Olivares, el director de fotografía. El que fue cámara y colaborador en la fotografía de la ‘Roma’ de Cuarón ha realizado una gran composición de escenas que buscan simetría, profundidad y vértigo horizontal. Desde luego está claro que le gustan las perspectivas con punto de fuga. Me gusta mucho el contraste de luces y sus colores otoñales que hacen que aunque haya pigmentación en la imagen esta se sienta gris y oscura.

Hay alguna referencia sutil a otros cuentos de los Grimm e incluso al simbolismo religioso que empleaban en algunas de sus escenas. No está mal el intento de hacer este cuento de fantasía terrenal y contenida, pero sus creadores tendrían que haber dado más rienda suelta a sus pretensiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Grete & Hansel. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Rob Hayes. Música: Robin Coudert. Fotografía: Galo Olivares. Reparto principal: Sophia Lilis, Alice Krige, Sammy Leakey, Charles Babalola, Jessica de Gouw. Producción: Automatik Entertainment, Orion Pictures, BRON Studios, Creative Wealth  Media Fiance, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Vértice Cine, Amazon Prime Video. Género: terror, thriller. Web oficial: https://gretelandhanselthemovie.com/

Crítica: ‘La isla de las mentiras’

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Sinopsis

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¿Qué ocurre después de un naufragio en el lugar que lo ha contemplado y vivido todo? La noche del 1 de enero de 1921, en medio de una espesa niebla el vapor El Santa Isabel, con 260 emigrantes con destino Buenos Aires, se hundió frente a la escarpada y dura costa de la Isla de Sálvora, en la provincia de A Coruña. Esa noche no había hombres en la Isla, estaban celebrando las Navidades en tierra firme. La única esperanza de los supervivientes que luchaban por no estrellarse contra las rocas eran las pocas mujeres, viejos y niños que vivían en esta isla.

Tres jóvenes isleñas deciden lanzarse al mar en una pequeña embarcación tradicional. Remando sólo de oído, debido a la espesa niebla y a la noche cerrada, logran salvar a 50 personas.

Todo lo que ocurre desde esa noche va a sacudir y cambiar para siempre este lugar. Un periodista argentino acude a la isla para cubrir la noticia del naufragio. Pero poco a poco comprueba que esa noche sucedieron demasiadas terribles “casualidades” en la isla.

Son muchas las incógnitas que hay que resolver y a la isla le resultará imposible seguir siendo una isla.

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Crítica

Una historia que tenía que ser contada

‘La isla de las mentiras’ nos trae la historia de cuatro mujeres que arriesgaron sus vidas para salvar a 50 personas en un naufragio en 1921.

La Isla de Sálvora fue testigo de un estrepitoso accidente en las navidades de 1921, el Santa Isabel encalló en uno de los islotes cercanos a la isla haciendo que muchos de sus tripulantes perdieran la vida. Aquí llegan nuestras heroínas, Cipriana, Josefa y María, tres mujeres que decidieron coger una barca y en plena oscuridad zarparon a salvar a todos los que pudieran.

Paula Cons, directora y guionista de la película nos cuenta la historia en forma de thriller. Un secreto bastante oscuro puede terminar fastidiando todos los homenajes a las lugareñas y lo peor de todo, que acaben encarceladas.

La historia está muy bien contada, poco a poco  vamos conociendo el modo de vivir en aquella isla, el analfabetismo, el machismo, pues cuando pasó el naufraga no había hombres en la isla y era porque estaban celebrando la navidad en tierra firme.

La directora ha querido hacerles un homenaje a estas mujeres e intentar averiguar por qué fueron olvidadas. Una de las cosas que se cuentan es que los cuerpos aparecieron mutilados y que puede ser que se quedaran las joyas. Todo esto se contó para desprestigiarlas, ya que la Guardia Civil negó que ellas hicieran esto.

Pero para mí es un homenaje un poco agridulce, al intentar contar una historia más allá e introducir más dolor y más intrigas, al final parece que quedaron olvidadas por sus propios secretos. Esa al menos ha sido mi sensación y es una pena, pues no les hace justicia del todo.

El reparto es bastante realista, muy contenido en las actuaciones, este detalle es muy importante para poder escuchar lo que nos quiere contar la directora y entrar en la atmósfera de la película.

Nerea Barros, Victoria Teijeiro, María Costas son las encargadas de dar vida a estas tres mujeres, acompañadas de Darío Grandinetti, Aitor Luna, Milo Taboada, Leyre Berrocal y Celso Bugallo entre otros.

Una de las cosas que más me ha gustado es toda la ambientación, el vestuario, maquillaje y peluquería es maravilloso. Muy bien reflejado la fatiga del trabajo en los habitantes de Sálvola y la diferencia con las personas que viven en la ciudad.

Y por supuesto un punto a favor es toda su puesta en escena, la fotografía, los sonidos. El momento en el que se lanzan en la barca a salvar a los náufragos todo es muy teatral. El sonido muy enlatado, a ellas apenas las logras escuchar, solo escuchas el mar y apenas las logramos ver, entre luces y sombras. Todo esto hace que te adentres de lleno en la escena, en su desesperación y desorientación. Y que entiendas el por qué no lograron salvar a más gente, teniendo que elegir.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: La isla de las mentiras. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Paula Cons. Guión: Paula Cons y Luis Marías. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Nerea Barros, Aitor Luna, Darío Grandinetti, Victoria Teijeiro, María Costas, Milo Taboada, Celso Bulgallo, Machi Salgado, Ana Oca. Producción: Agallas Films, Aleph Cine, ETB, Historias del Tío Luis, Take 200. Distribución: Filmax (a través de Filmin). Género: Drama. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/la-isla-de-las-mentiras

Crítica: ‘La familia que tú eliges’

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Sinopsis

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Zak es un joven con síndrome de Down que se escapa de la residencia donde vive para cumplir su gran sueño: convertirse en un luchador profesional. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler, un delincuente de buen corazón que también se ha dado a la fuga y que se convierte en su amigo y entrenador. A su aventura se les une Eleanor, una enfermera un tanto peculiar. Juntos emprenden un maravilloso viaje que cambiará sus vidas.

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Crítica

Un Huckleberry Finn moderno

La unión de los directores Tyler Nilson y Michael Schwartz ha dado como fruto la película ‘La familia que tú eliges’, obra que también han escrito ellos. Este es el primer largometraje para ambos y no me puede parecer mejor carta de presentación. Juntos ya habían hecho otras cosas, como los documentales sobre Alex Honnold el escalador que conocimos gracias a ‘Free Solo’. Ahora nos ofrecen una película de ficción que me ha dejado buenísimas sensaciones.

En un ambiente redneck pesquero desarrollan un roadtrip a pie o en barcaza en el que dos protagonistas se convierten en prófugos, uno por escaparse de la residencia donde vivía para conseguir ser luchador de wrestling y el otro por haber delinquido. Tras ellos la otra protagonista que estaba al cuidado de uno de ellos. Es una persecución y viaje en busca de un sueño, dejando atrás antiguas pesadillas. Aunque tiene apuntes tristes la película es un drama amable con momentos muy cómicos, surgidos sobre todo de las grandes diferencias de carácter entre los tres protagonistas.

Es un cuento moderno que nos puede recordar a simpáticas películas como ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’. A parte de tener momentos absurdos consigue ser sensible y tierna. Y parece que siempre que en una película interviene una persona con discapacidad intelectual nos vemos obligados a acompañar nuestros comentarios con palabras como afectuoso o emotivo. Pero lo cierto es que en el caso de ‘La familia que tú eliges’ se los ganan a pulso por varios motivos y además debemos añadir también los términos gamberra y malhablada. A nuestro protagonista le gustaría patear culos, palabras de él.

Está muy bien desarrollada la historia de camaradería que surge entre los dos protagonistas, sin hacer uso de artimañas cursis (el título sensiblero usado en España no se corresponde con el original). Y más que una historia de amistad es de hermandad. Es de estas películas que, aunque constantemente te introduce momentos tristes te saca una sonrisilla. Te deja con buenas sensaciones o como se dice modernamente es “feel-good”. Considero que estas películas son así porque nos dan lo que deseamos, lo que el espectador desea buenamente que suceda. Según el tipo de audiencia que sea uno (optimista o pesimista) puede llevarse alguna sorpresa.

¿Os acordáis de LaBeouf y su “Just do it!”? Ese vídeo motivacional podría ser parte de esta película, de hecho, en ‘La familia que tú eliges’ hace algo similar pero sin intimidar. LaBeouf vuelve a demostrar ser un actor implicado al que no le importa bajar al barro y mancharse, literalmente. Él y Zack Gottsagen forman buena pareja protagónica, con varios momentos que se intuye han sido fruto de la improvisación. Juntos son divertidos y algo granujillas. Parecen dos personajes de Mark Twain huyendo de sus sureños perseguidores por el río, haciendo trastadas e intimando por el camino. Hay quien compara esta película con ‘Rain Man’ y no niego ciertas similitudes pero a mi me recuerda mucho más a ‘Las aventuras de Huckleberry Flint’. Quien está por detrás interpretativamente es Dakota Johnson. Suma una nueva película en la que actúa sin sangre, de un modo prácticamente plano. No obstante, exceptuando el caso de ‘Malos tiempos en El Royale’ hasta ahora no había visto una película con Dakota Johnson que me guste tanto.

Por último solo decir que estéis atentos a las caras de los personajes secundarios y extras del filme. Figuran en el reparto Bruce Dern, Thomas Haden Church o Jon Bernthal. Además siendo una película en la que entra en juego la lucha libre era de imaginar que algún cameo tendríamos. Por eso saltan al cuadrilátero Jake Roberts “The Snake”, Mick Foley “Dude Love”, Anthony Harvey, Eric Dees, Dylan Odom o Christopher Higgins.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Peanut Butter Falcon. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Guion: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Música: Zachary Dawes, Noam Pikelny, Jonathan Sadoff, Gabe Witcher. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Shia LaBeouf, Dakota Johnson, Zack Gottsagen, John Hawkes, Bruce Dern, Thomas Haden Church, Jon Bernthal. Producción: Armory Films, 1993, Lucky Treehouse, Nut Bucket Films, Tvacon Film and Tv. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.thepeanutbutterfalconmovie.com/