Crítica: ‘Pinocho’

Sinopsis

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El actor ganador del Premio de la Academia® Roberto Benigni interpreta a Geppetto, un viejo carpintero que crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo.

Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.

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Crítica

Más ceñida al cuento, menos amoldada a la actualidad

El cuento de Carlo Collodi suma otra adaptación a película (sabemos que faltan por llegar más), en esta ocasión dirigida y escrita por Matteo Garrone (‘Gomorra’). El nombre más destacado del filme es Roberto Benigni quien ya realizó en 2002 una malograda película también live action en la que él mismo era Pinocho ataviado de tal manera que se parecía más a Pagliacci y a algunas pinturas antiguas. Ahora se ha metido en la piel de Geppetto y la verdad es que cuándo él está la película es algo entretenida, con una pizca de picardía y humor dentro de la miseria con la que se le ha esbozado.

Pero ‘Pinocho’ es una película cuya estructura es extraña y no tiene una narrativa que entretenga. No se recrea en ningún momento en concreto, va rápido por todos los estadios del cuento incluso siendo algo atropellada. Pero con todo y con eso termina siendo aburrida. Quizá es porque no es persistente en ninguna de las etapas y no llega a profundizar demasiado quedándose en lo superficial. Quizá también es culpa de esto una monótona banda sonora que ha realizado el ganador del Oscar Dario Marianelli.

También puede que sea culpa de esa falta de gancho el que hayamos visto tropecientas veces adaptado este cuento y como adulto ya sepas cuál es la siguiente escena o con qué moraleja va a acabar todo. Porque la película conserva una trama en la que a través del aprendizaje, el escarmiento, los consejos o la crueldad la marioneta progresa y alcanza su meta. Pero aun así para los que se acerquen a la figura de Pinocho por primera vez creo que tampoco va a resultar muy útil. Este ‘Pinocho’ se ciñe tanto al relato original que aparte de heredar una estética anticuada utiliza unos argumentos que están desfasados para hoy en día. A los niños actuales las escapaditas y engaños de la película les van a resultar minucias.

Y el mayor problema de la película no son sus personajes excesivamente parlanchines ni su esquema, es el cómo entra por los ojos. Pensaba que iba a ser peor la estética de Pinocho y que iba a necesitar un remodelado a lo Sonic. Pero realmente el niño de madera no está tan mal realizado y Federico Ielapi le interpreta bien. Es aún peor todo el elenco de personajes antropomórficos que va apareciendo. Que si bien hay un buen trabajo por parte del equipo de prostéticos el aspecto elegido es poco agradable y estrambótico. Pepito Grillo por ejemplo podría encajar mejor en las oficinas de los Men In Black. Y la ballena (aquí llamada tiburón) parece sacada de un retablo medieval. Todo esto es debido a que han buscado un parecido con las ilustraciones originales, estoy seguro de que el dibujante Enrico Mazzanti lo habría tomado como un bello homenaje. Tanto escenas como personajes están casi calcados, pero la traslación para pantallas de 2020 no da un resultado ágil.

El ambiente no llega a ser de cuento, se aproxima a algo más naturalista, a pesar de todas las criaturas fantasiosas que acompañan a Pinocho en sus pillerías. No se percibe magia, tampoco se muestra ni se llega a explicar. Queda patente que quien ha realizado ‘Pinocho’ es alguien tan crudo como Matteo Garrone. Pero quizá ha perdido la brújula, es decir, el resultado final pese a su moraleja no es para niños con todo el ambiente estrafalario que emana y dejando sensaciones muy contradictorias.

Aunque en esta ocasión se han ceñido mucho más al cuento (veréis que no se centra tanto en la nariz o en el anhelo de ser niño) no han conseguido encauzar una película que se amolde más al público actual. Funciona solo en sus primeros y en sus últimos minutos. En otro intento será.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de septiembre de 2020. Título original: Pinocchio. Duración: 125 min. País: Italia, Francia, Reino Unido. Dirección: Matteo Garrone. Guion: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini. Música: Darío Marinelli. Fotografía: Nicolai Brël. Reparto principal: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Gigi Proietti, Davide Marotta, Massimiliano Gallo, Paolo Graziosi, Gianfranco Gallo. Producción: Archimede, Rai Cinema, le Pacte, Recorded Picture Company, Leone Film Group, Bper Banca, Mibact – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Eurimages, Regione Lazio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: toda la familia, fantasía. Web oficial: https://www.hanwayfilms.com/pinocchio

Crítica: ‘Monumental’

Sinopsis

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Esta es la historia de siete personas diagnosticadas con enfermedad mental grave y duradera, del taller de teatro en el que se encuentran, de los retratos fotográficos que una de ellas decide hacerles, de las relaciones que poco a poco se van estableciendo entre ellos, sus confesiones, sueños e inquietudes. Pero, sobretodo, lo es de su particular catarsis a través de la propia filmación del documental; para algunos, una manera de hacer las paces con su pasado; para otros, el descubrimiento de nuevos amigos; y para otros, una manera de afrontar los fantasmas de su niñez. En definitiva, una experiencia que marcará un punto de giro en sus vidas para siempre.

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Crítica

La película de Berned hace un buen esfuerzo para terminar con un sistemático e injusto trato

La guionista Rosa Berned se presenta en nuestras pantallas con ‘Monumental’. Es una realizadora que ya ha hecho trabajos como el cortometraje ‘En la orilla’. Pero esta película no trata sobre la cineasta. Se circunscribe dentro del tema de las enfermedades mentales. Y tampoco abarca, no es su intención, a todo el colectivo de personas que tiene ese tipo de trastornos. ‘Monumental’ está centrada en siete personas que os van a encandilar seguro.

Siete personas y siete historias que ahora confluyen día a día en lugares como el Centro de Rehabilitación Laboral de Usera. Una de las lecciones que muestra este documental relatado por ellos mismos es que no se puede generalizar. Las personas con enfermedades mentales son eso, personas, y como tal son diferentes entre ellas, con mucho o casi todo en común con nosotros. Es más, ‘Monumental’ saca a la superficie tal honestidad y nobleza que uno piensa que estas personas serían mejores políticos que los que están al mando de nuestras vidas. Uno piensa que a ellos sí que habría que ponerles un monumento. Por su fortaleza o por saber abrirse con esa franqueza, estando en una posición tan difícil y aun así velar por los demás.

Son personas que a pesar de haber sufrido por parte de la sociedad o incluso de sus familias, que tras haber tenido momentos tan drásticos como intentos de suicidio o marginación en sus círculos más íntimos, que saben que han cometido errores y son capaces de mostrar una sonrisa. Se les llama locos pero ya quisiéramos nosotros a veces tener esa locura para poder mirar el mundo como lo ven ellos. A estas personas se les juzga más rápido de lo que lo hace el Juez Dredd y son conscientes de ello. Quieren acabar con esos prejuicios y con los tabúes que les rodean. La película de Berned hace un buen esfuerzo terminar con un sistemático e injusto trato.

Al margen de lo que enamoran estas personas por si mismas está el enfoque que las realizadoras del filme han buscado al montar la película. A través de testimonios y momentos sinceros se consiguen instantes con humor y también con mucha tristeza. Más que un diario de siete vidas esta es una composición de detalles importantes en la vida de aquellos que quieren demostrar que son autosuficientes, creativos, cultos y capaces de enamorarse, al fin y al cabo, válidos como cualquier otro.

María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez y Julia Vera. Merece la pena mencionar sus nombres, aunque sea realmente Julia la que acapare más minutos y sirva además como narradora de estas historias. “En el mundo hay millones de personas buenas, si no las encuentras, sé tú una”. Esto es lo que dice uno de ellos y tanto esta como otras verdades que pone sobre la mesa merecen ser integradas en todas las “mentes sanas”.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre. Título original: Monumental. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Rosa Berned. Guion: Amaya Villar Novascués, Rosa Berned. Música: Salvador Romero Núñez. Fotografía: Ana Fuentes, Jose María Serrano. Reparto principal: María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez, Julia Vera. Producción: Así es la vida, RTVE. Distribución: Artistic Metropol. Género: documental. Web oficial: https://produccionesasieslavida.es/

Crítica: ‘My hero academia: el despertar de los héroes’

Sinopsis

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Una fría noche de invierno, en medio de la nieve, algo despierta silenciosamente y abandona la zona en la que se enfrentan los héroes y la Alianza de Villanos… Mientras tanto, Izuku y los otros estudiantes de la Escuela UA son enviados a trabajar como héroes a una cálida isla en el sur de Japón en la que también encuentran tiempo para relajarse. Sin embargo, esa calma pronto se ve perturbada por la aparición de un grupo de villanos que comienza a destruir las instalaciones de la isla una tras otra. El que los lidera es Nine, cuyo extraordinario don le confiere un poder inimaginable. Pero, ¿por qué Nine ataca esa pacífica isla? ¿Serán capaces Izuku, Bakugo y los otros alumnos de Primero A de proteger a los habitantes de la isla y combinar sus poderes para derrotar a Nine?

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Crítica

No sabía de la potencia de esta franquicia, me alegra descubrirla

La segunda película de ‘My hero academia’ ha sido mi primer contacto con la franquicia que se originó a partir de la obra de Kôhei Horikoshi. No he leído el manga ni visto la serie, llego a esta película con curiosidad y con el objetivo de hablaros de otra película infantil que se coloca en nuestras carteleras. También buscando tener más conocimiento sobre personajes que son utilizados por muchos cosplayers en los salones de cómic.

En primer lugar lo que uno se encuentra es un elenco enorme de personajes. Por supuesto hay que haber seguido el material anterior para estar totalmente al día cuando se llega a ‘My hero academia: el despertar de los héroes’. Pero no es una información necesaria para seguir la trama y además en los primeros compases te hacen una puesta al día muy rápida en la que ya sabes que los protagonistas pertenecen a una academia de héroes en un mundo en el que el 80% de la población tiene poderes o lo que aquí llaman “dones”. Ahora el conjunto de amigos que pertenece a la misma clase debe enfrentarse al reto de ser los vigilantes de una pequeña isla para conseguir así ser unos héroes hechos y derechos.

En esos dones y en la gran cantidad de personajes veo uno de los puntos fuertes de esta saga. Solo hay que ver el cartel para darse cuenta de que esta historia no va corta en cuanto a diversidad. Todos tienen habilidades y formas variadas, como podemos haber visto en ‘Naruto’, ‘Berserk’ o ‘Bobobo’. Esto hace que ocurra algo que seguro que habéis observado que hacíamos con series míticas cuando éramos pequeños: cada uno se pedía al suyo para jugar o para tener el juguete de turno. Es un gancho eficiente para el público infantil y a las escenas o al argumento le da mucha versatilidad.

La mecánica engancha y también sigue los patrones de otros animes. El héroe protagonista aspira a más y más en pro de la justicia y el bien. Para ello va superando pruebas que crecen en dificultad. Si este chico llamado Izuku Midoriya tiene como referente al poderoso All Might es fácil que los niños/as que disfruten de esta serie/película delante de la pantalla encuentren con quién verse reflejado. También he visto un jugueteo con los dos chicos más carismáticos, imitando la dinámica que siempre han mantenido Goku y Vegeta o la que tenía Oliver Atom con Mark Lenders, es decir, este segundo tiene un complejo de inferioridad, queriendo ser siempre el mejor pero manteniéndose a la sombra del protagonista. Incluso en el villano también he visto un patrón conocido pues a lo Sylar (‘Héroes’) busca hacerse con los poderes de todos.

A parte de la consabida historia de crecimiento personal y de lucha contra el mal hay pequeñas moralejas repartidas por el filme. Como que la avaricia rompe el saco o la que extraíamos cuando nos leían el cuento ‘El pastorcito mentiroso’, a si es que bien también en ese sentido.

Lo otro que me ha impresionado de la película es su calidad visual. El dibujo es muy dinámico y sólido. Sobre todo se percibe un gran trabajo en cuanto al tratamiento de luces y recreación de “energías”. No se detecta ningún toque artificial más allá de la animación ni se incluyen artificios en 3D que impidan tener una uniformidad en el diseño de las imágenes. Es de los animes que hacen afición por el género.

¿Esta segunda película de la franquicia podría suponer el final de la saga? Que va, lo que aquí se narra podría pasar entre temporadas de la serie y aún está abierta a más historias, sobre todo con su final en el que dejan entrever la llegada de sangre nueva. Me alegra que aún se sigan haciendo series así.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: My Hero Academia The Movie – Heroes: Rising. Duración: 104 min. País: Japón. Dirección: Kenji Nagasaki. Guion: Yôsuke Koruda. Música: Yuki Hayashi. Fotografía: Mayuko Furumoto. Reparto principal (doblaje original): Daiki Yamashita, Nobuhiko Okamoto, Yuka Terasaki, Tomoyo Kurosawa, Yûki Kaji, Kaito Ishikawa, Yoshio Inoue, Kenta Miyake. Producción: Bones, Dentsu, Movic, Nippon Television Network, Shueisha, Sonic Music Entertainment, Toho, Yomiuri-TV Enterprise. Distribución: Selecta Visión. Género: anime, ciencia ficción. Web oficial: https://heroaca-movie.com/

Programa especial películas slasher

Ocho títulos que puede que no conozcáis y que os recomendamos ver

Nos hemos vuelto a juntar con los amigos de Holocausto Zinéfago que nos han pedido que busquemos películas de género slasher que no sean las famosas o mainstream. En riguroso directo a través de nuestro canal de Youtube hemos hablado de películas sangrientas, absurdas, de culto o incluso virales.

Esta es la lisa de películas género slasher que comentamos: ‘Behind the mask’, ‘Candyman’, ‘El asesino de la cuchara’, ‘The furies’, ‘The gingerdead man’, ‘Tucker y Dale’, ‘Hatchet’, ‘Whistle’. No os perdáis este programa que seguro que más de un título vais a apuntar.

Crítica: ‘#Alive (#Vivo)’

Sinopsis

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Un horrible virus arrasa una ciudad. Mientras tanto, un joven atrincherado en su apartamento y aislado del mundo digital busca desesperadamente una salida.

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Crítica

Un rato distraído con una más de zombies

Matt Naylor escribió ‘Alone’ en 2019 y ahora Netflix ha materializado la película que nos llega con el título de ‘#Alive’ contando con él y siendo dirigida por Il Cho. Una nueva película de zombies que llega desde Corea del Sur conservando muchas similitudes con ‘La noche devora el mundo’ y siendo incluso más entretenida, aunque nada innovadora.

Un joven gamer se ve confinado en su casa. Atrincherado para que no entren zombies en su hogar, en el cual estaba solo mientras sus padres estaban fuera. Nos lo pintan como un nini que solo duerme y juega y por eso es plausible que no se haya percatado del estallido de un virus que convierte a los infectados rápidamente en zombies hasta que lo tiene justo en su vecindario. Sin haber hecho la compra se ve en la problemática de tener que sobrevivir solo.

Las únicas habilidades que posee este chico son las que le proporcionan las tecnologías: su móvil, su dron, su televisión… Con esos recursos intenta no ser devorado y ahí el filme puede tener un par de recursos curiosos. También consigue intrigarnos en determinado momento con eso de que estos cadáveres andantes (que son del tipo zombie que corre) pueden tener cierto grado de inteligencia o conservar recuerdos. Pero este último detalle solo se aprovecha una o dos veces con lo que al final la película se mantiene como un título más de no-muertos.

‘#Alive’ tiene buen ritmo y muy pocos actores (salvo los extras que dan vida a la horda de zombies). Ah-In Yoo, protagonista de ‘Burning’ (otra película que tal vez queráis ver) es el chico que se queda encerrado. Lo que nos mantiene expectantes son diversos componentes de suspense que se incorporan y algunas escenas emocionantes. Y ni su videodiario ni su desesperación son atractivos, es más seductor ver como un chico tan pánfilo va logrando salir adelante. Por lo demás cumple todos los tópicos: la desconfianza en los que han sido mordidos, los que se quieren suicidar antes de vivir como muertos vivientes…

Pues ya está, otra película más de zombies y otro título que se suma a los que pueden ver aquellos que se están enganchando al cine coreano a partir de películas contemporáneas como ‘Train to Busan’ o ‘Parásitos’. ‘#Alive’ es una película entretenida que seguramente os hará conversar a cerca de qué habríais hecho vosotros si en lugar de confinarnos por el COVID-19 nos hubiese rodeado una infección con devoradores de carne.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2020. Título original: #Saraitda. Duración: 98 min. País: Corea del Sur. Dirección: Il Cho. Guion: Il Cho, Matt Naylor. Música: Tae-seong Kim. Fotografía: Son Won-ho. Reparto principal: Ah-In Yoo, Shin-Hye Park, Bae-soo Jeon, Hye-Won Oh, Hyun-Wook Lee. Producción: Zip Cinema, Perspective Pictures. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: https://www.perspective-us.com/alone-1

Crítica: ‘En busca de Summerland’

Sinopsis

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En busca de Summerland nos lleva a Inglaterra, durante la Segunda Guerra Mundial, muchos niños son evacuados de las ciudades y enviados a pequeños pueblos con familias locales que temporalmente se hacen cargo de ellos. Cuando Frank (Lucas Bond), uno de estos niños, llega a casa de Alice (Gemma Arterton), escritora solitaria atormentada por una historia de amor del pasado, esta se resiste a aceptarlo.

Sin embargo, poco a poco, al irse conociendo, la inocencia y curiosidad de Frank, hacen que Alice abra su corazón, permitiéndola desbloquear recuerdos y sentimientos que creía olvidados. Alice se da cuenta de que las heridas pueden curarse y de que la esperanza y las segundas oportunidades existen. Juntos descubrirán que tienen mucho más en común de lo que se imaginaban y que a veces, dejar volar la imaginación, puede llevarte a encontrar sitios que no pensabas que existirían…

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Crítica

Emotiva y divertida cinta donde el amor y la libertad son los protagonistas

‘En busca de Summerland’, una cinta, sencilla y bonita. No hace falta mucho para poder disfrutar de una historia donde el amor, la amistad y el aprendizaje nos llene hasta el fondo.

Estamos en Sussex, un pueblecito de Londres donde la guerra no ha llegado pero si sus evacuados. Niños que deben entrar en una familia de acogida temporal mientras sus padres y madres están en Londres luchando, de una manera u otra, por el país.

Uno de esos niños, el curioso Jack, es entregado a la escritora y cascarrabias Señorita Lamb. Ésta intentará por todos los medios deshacerse de él, pero bueno, como he dicho, es una historia de aprendizaje y ella tendrá mucho que aprender en este viaje que se llama vida.

Desde el minuto uno vemos a una Gemma Artenton dando el callo con un personaje osco y bastante desagradable. Bruja la llaman en el pueblo y sin duda a ella le gusta. O eso es lo que al menos parece al no intentar socializar con nadie.

No he podido evitar recordar La bruja novata al ver esta cinta. No os equivoquéis, en esta cinta, magia no hay, pero sí que en su base puede acercarse aquella historia. En la que una mujer que vive tranquilamente en su casa se ve de repente con tres niños. En este caso es uno, y no tiene más remedio que intentarse apañar con él en su hogar.

Sí que es cierto, que como os he comentado también la tachan de bruja, pero por otros motivos. Una mujer independiente en aquella época no era lo mejor visto y sin duda que se dedicase a estudiar y no a socializar con la gente del pueblo era más raro aún.

Pero como siempre ocurre en estas historias, el amor llega, de una manera u otra la señorita Lamb se va a dar cuenta de la soledad en la que se ha obligado a estar por sus estudios y por un amor perdido en su juventud. Y Jack va a lograr que algo se encienda en el corazón de esta mujer.

En la dirección tenemos a Jessica Swale, con su ópera prima, y sin duda podemos decir que ha aprobado. ‘En busca de Summerland’ es sencilla, habla de la vida, de las pérdidas, de los reencuentros y de la soledad. No siempre el camino nos lleva por donde queremos, pero hay veces en las que la vida se vuelve a encauzar y poco a poco recuperamos el rumbo perdido y que añoramos.

Con una fotografía muy bonita, de Laurie Rose (‘Overlord’), descubriremos el extraño fenómeno llamado fata morgana. El cual no os voy a explicar para que os adentréis en la película y en las ilusiones de esta mujer.

El reparto convence mucho, personajes muy afables y que al igual que nuestra protagonista, aprenden durante la proyección a que no todo es lo que parece. Además una cosa que me ha gustado mucho es que todos los personajes son importantes, por pequeñas que sean sus apariciones en la cinta.

‘En busca de Summerland’ es emotiva y sin duda deja una bonita sensación de paz. Así que no dudéis en ir al cine a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: Summerland. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Jessica Swale. Guión: Jessica Swale. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Gemma Arterton, Gugu Mbatha-Raw, Penelope Wilton, Tom Courtenay, Lucas Bond, Dixie Egerickx, Siân Phillips, Amanda Root, Jessica Gunning, David Horovitch, Martina Laird, David Ajao, Amanda Lawrence, Thomas Coombes, Rakhee Thakrar. Producción: Shoebox Films, Iota Films. Distribución: Vértice 360. Género: Drama. Web oficial: https://www.vertice360.com/ficha/18/en-busca-de-summerland-https://www.vertice360.com/summerland/

Crítica: ‘Un diván en Túnez’

Sinopsis

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Después de estudiar durante varios años en Francia, Selma abre su propia consulta psiquiátrica en un popular suburbio de Túnez, justo después de que tenga lugar la revolución social y política de la Primavera árabe.

Allí tendrá que tratar con pacientes nuevos y adaptarse a los problemas ocasionados por sus diferencias culturales, reencontrándose con un pasado que creía haber dejado atrás.

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Crítica

Os puedo recomendar sin miedo a decepciones que paséis por el diván de Selma

¿Alguna vez habéis pensado en que os psicoanalicen o simplemente si os hace falta? Si es así os voy a pasar la tarjeta de la consulta de Selma Derwich. Una consulta en la que muchos se atreven a contar sus más íntimas inquietudes y que está en Túnez bajo la atenta mirada de Nietzsche, con quien Selma tiene sus encuentros y desencuentros.

‘Un diván en Túnez’ es la varias veces nominada primera obra de Manele Labidi que nos transporta al país de la Unión Africana, esa organización que busca la cohesión entre los países de África y terminar con los restos del sus pasados bajo el yugo de los imperios europeos. Precisamente de Francia llega Selma (Golshifteh Farahani) a reconectar con sus raíces y a abrir una consulta psiquiátrica. Pronto se encontrará con el rechazo de aquellos que aún mantienen una mentalidad machista, tienen prejuicios contra los inmigrantes o en su cerrazón son incapaces de hablar de ciertos temas.

En clave de comedia ligera Labidi nos plantea un país lleno de apaños, sobornos y expertos en hacer negocio a partir de cualquier oportunidad. Es una sociedad que puede llegar a ser cargante y extenuante si uno quiere prosperar en ella con una mentalidad que va aún más allá de lo demandado en la Primavera Árabe. Para dibujar ese entorno Labidi no peca de pesimista y llena el lienzo de su relato con personajes peculiares, graciosos y con algo de aflicción. Madres e hijos que no se atreven a decirse las cosas, hombres que quieren ser mujeres, creyentes con una depresión inconfesa, funcionarias que se aburren y tienen un fondo de escritorio cambiante…

A Farahani la descubrí con la excelente película ‘Paterson’ y mantuve mi contacto cinéfilo con ella tras su breve papel en ‘La noche devora el mundo’. Ahora podéis conocerla en ‘Un diván en Túnez’, donde tiene más presencia y protagonismo. Y es una buena película para acercarse a la actriz iraní. Esta artista, tiempo atrás miembro de un grupo musical llamado Nómadas, refleja bien los problemas de un personaje que precisamente se acaba de mudar y tiene en su rostro marcado cada vez más y más por el hastío producido por unos vecinos agotadores, en ese sentido hay un bien trabajo de racor emocional. Es el frontón contra el que todos tiran sus pelotas y ella las devuelve con sus reacciones siendo así cómplice de la comedia que busca la directora.

Si conseguís encontrar en ‘Un diván en Túnez’ a Julio Iglesias o a David Hasselhoff es que habéis quedado enganchados en esta película que para la protagonista se asimila a alguna escena de ‘Las doce pruebas de Astérix’. También será porque estáis intrigados con sus razones para abandonar París ya que como dicen muchos psicólogos, “todos los psicólogos necesitan un psicólogo”.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: Un divan à Tunis. Duración: 88 min. País: Francia, Túnez. Dirección: Manele Labidi Labbé. Guion: Manele Labidi Labbé. Música: Flemming Nordkrog. Fotografía: Laurent Brunet. Reparto principal: Golshifteh Farahani, Majd Mastoura, Hichem Yacoubi, Amen Arbi, Ramla Ayari, Aïsha Ben Miled, Feryel Chammari, Moncef Anjegui, Moncef Ajengui. Producción: Kazak Productions, Arte France Cinéma, Canal+, OCS, Cinéventure 4, Cofimage 30, Diaphana Films, MK2 Films. Distribución: Caramel Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/un_divan_en_tunez

Crítica: ‘Un mundo normal’

Sinopsis

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Ernesto (Ernesto Alterio), un director de teatro excéntrico e inconformista, recibe la noticia de la muerte de su madre. Camino al cementerio roba el ataúd para tirar el cadáver al océano como era su deseo. Su hija (Gala Amyach), cansada de sus locuras, le acompaña con la intención de hacerle cambiar de idea. En el viaje descubrirá que su padre no es ningún loco y que uno debe ser fiel a sí mismo aunque esto, a veces, suponga ir en contra de la opinión de la mayoría.

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Crítica

Hacía falta el regreso de Mañas con esta nueva normalidad

Hay maneras de hacer cine o cineastas que no te das cuenta que hechas de menos hasta que reaparecen en escena y entonces tienes ganas de retomar casi toda su filmografía. Ese es el caso de Achero Mañas que regresa diez años después de haber estrenado su última película, ‘Todo lo que tú quieras’. Regreso a mi infancia y adolescencia recordando las sensaciones que despertaron en mí títulos del director como ‘El bola’ o ‘Noviembre’ y con ‘Un mundo normal’ me ha vuelto a conmover.

Lo que vemos en ‘Un mundo normal’ hace que nos sintamos poca cosa, sobre todo cuando vemos lo que algunos son capaces de hacer a la hora de demostrar el amor por la gente que nos rodea, en concreto por nuestros progenitores. De nuevo Mañas nos abraza con una película vitalista y existencialista, cargada de vivencias clave y de reflexiones sobre la vida. Hay mucho filosofeo de estar por casa en una cinta a la que no le falta razón.

Quizá cabría decir que el carácter insurrecto de sus personajes se ha suavizado pero conserva su rebeldía y su emotividad intacta. Muestra de ello es su estupendo final, grabado con mucha sensibilidad, va a tocar la fibra a muchos.

El argumento de la película es que un hijo pierde a quien le ha criado toda su vida y decide cumplir su último deseo, uno bastante peculiar y fuera de la ley. Ella quería acabar con su cuerpo intacto en el mar. Me he pasado casi media película pensando como el personaje de Ernesto Alterio iba a ser capaz de secuestrar el cadáver y llevárselo al mar. La solución ha sido elegante y cuando llegamos a ese punto comienza un road trip que no es hilarante pero está dotado de una comedia sarcástica y de un drama que se va cargando.

En ese viaje además de un Ernesto Alterio omnipresente y en estado de gracia tenemos como protagonista a Gala Amyach. Forman buena pareja padre/hija y Amyach pese a ser debutante no lo parece. Me ha gustado también la naturalidad y finura del personaje de Pau Durà en el papel del hemano de Alterio y también hijo de Magüi Mira.

Es otra película en la que Achero Mañas trata a personajes que se diferencian mucho de lo socialmente común pero se ven obligados a hacer lo ordinario para sobrevivir. Un filme donde algunos ven la vida pasar y otros están en medio de una metamorfosis, una catarsis o la aceptación de su propia personalidad. En sus reflexiones sobre la vida, sobre la mascarada en la que vivimos o acerca de nuestros hábitos generalizados se masca una tragicomedia que deja muy buenas sensaciones. ‘Un mundo normal’ habla de lo abstracto que es el concepto de “normal” y en como cada punto de inflexión de nuestra vida (una muerte, una ruptura, un acto de rebeldía…) nos abre a una nueva normalidad.

Se nota en algunos detalles que Mañas se deja llevar por la bohemia pero también por la remembranza de tiempos más entrañables o sencillos. Me parece una manera muy bonita de rendir culto a su madre Paloma Lorena y a las enseñanzas que le ha dejado. Su figura me deja la misma sensación que aquellos que son firmes pilares de la vida de algunos aún cuando ya no están.

Es una de las producciones recientes de Gerardo Hererro que más me ha gustado junto con ‘El hombre que mató a Don Quijote’ o ‘El jugador de ajedrez’, por mencionar algunas de las que Tornasol está rodando tan bien.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: Un mundo normal. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Achero Mañas. Guion: Achero Mañas. Música: Vanessa Garde. Fotografía: David Omedes. Reparto principal: Ernesto Alterio, Gala Amyach, Ruth Díaz, Magüi Mira, Pau Durá, Luis Miguel Seguí. Producción: Last Will, Tornasol Films, Sunday Morning Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/un_mundo_normal

Crítica: ‘After. En mil pedazos’

Sinopsis

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Hardin (Hero Finnes Tiffin) siempre será … Hardin. Pero ¿es realmente el chico profundo y reflexivo del que Tessa (Josephine Langford) se enamoró locamente, o ha sido un extraño todo el tiempo? Ella quiere alejarse, pero no es tan fácil. Tessa se ha centrado en sus estudios y comienza a trabajar como becaria en Vance Publishing. Allí conoce a Trevor (Dylan Sprouse), un nuevo y atractivo compañero de trabajo que es exactamente el tipo de persona con la que debería estar. Hardin sabe que se equivocó, quiere corregir sus errores y vencer a sus demonios. No va a perder a Tessa sin pelear. Pero ¿puede el amor vencerlo todo?

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Crítica

Segunda partes nunca fueron buenas, si encima la primera ya era mala…

‘After. Aquí empieza todo’ recaudó a nivel mundial casi 70 millones de dólares habiendo costado unos 14. Rentable inversión para su productora y tal vez para quien haya disfrutado de los libros de Anna Todd en que se basa, pero en mi opinión es dinero malgastado. Esa primera entrega me pareció mala por su mensaje, interpretaciones y rodaje y ‘After. En mil pedazos’ sigue en la misma línea. La desgracia es que con toda la preventa de entradas que tiene el filme, aún con la pandemia, parece que la cosa va para trilogía o más.

Pienso que hay que respetar a aquellos que disfruten de esta historia, que no se si está muy bien adaptada de las novelas, pero como película creo que sería mejor que se invirtiese el dinero en otros proyectos. Podría pasar por alto descuidos que dejan a un personaje siempre con cazadora o que hacen pensar que expresiones como “medicarse con alcohol” están bien, pero lo que es inconcebible es que el filme tenga el descaro de ponerse a la altura de Jane Austen o Shakespeare y de recalcar que esta es una historia que ya hemos visto antes. Y tanto que la hemos visto antes, cuando predominaban en el cine las relaciones retrógradas. Se dice mucho, incluso en los pobres diálogos de esta película, que la relación de Hardin con Tessa es tóxica. No lo niego, así es. La trama consiste en que la protagonista sea una “perdonaerrores” que vuelve una y otra vez con un niño de mamá que va de macarra. Encima la película muestra con total naturalidad que el protagonista tiene controlada la localización de su ex o que es capaz de abrir una puerta a patadas poseído por los celos.

Al fin y al cabo ‘After. En mil pedazos’ podría ser otra manera de ver el curso de los protagonistas de ‘Grease’, cuando la mojigata, el amor de verano, cambia al malote. Si al menos tuviese buenas canciones, se moviesen como Travolta o Newton John y si al menos los personajes progresasen… O bien podría decirse que de continuar esta saga tendríamos un nuevo crepúsculo, solo que en vez de tener vampiros tenemos protagonistas ñoños que nos consumen la energía. En definitiva, es una relación en la que ambos son apasionados pero posesivos y dañinos el uno para el otro, ‘After. En mil pedazos’ no ha evolucionado nada.

La primera parte pecaba de puritana y en ‘After. En mil pedazos’ se han desmelenado con sexo hablado y casi explícito, tocando casi a revolcón por cada cuarto de hora. Desde luego que en Victoria’s Secret estarán contentos con la publicidad que les hacen. De verdad que no me gusta poner las películas mal y cuando me toca siempre hago uso de todo el respeto posible, como para muestra un botón, navegad por los centenares de publicaciones en esta web. Pero en este caso quien ofende es el propio filme, hablar así de él es casi un acto de defensa propia. Agrede a la inteligencia y diría que agrede todo lo que están intentando conseguir muchas mujeres y hombres para romper clichés rancios. Desde luego tanto relleno erótico adolescente y tanto cambio de dirección en el modo de pensar de los dos enamorados me parece vago, manido y fuera de época.

El director ha cambiado y en esta ocasión quien ha dirigido a Josephine Langford y a Hero Fiennes Tiffin es Rogert Kumble, autor de otros pasteleos como ‘Crueles intenciones’ o ‘La cosa más dulce’. No hay manera de encauzar a estos actores que además son pareja en la vida real (o eso se rumorea). No dejan de ser niños jugando a ser mayores (y ya no se si hablo de los actores o de los personajes).

Josephine Langford es hermana de la protagonista de ‘Por trece razones’. ‘After. En mil pedazos’ no es para quitarse la vida pero cerca está de ser una razón para ello. Por lo menos tiene un público al que impresionar, el adolescente, de hace unas cuantas décadas…

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de septiembre de 2020. Título original: After. We collided. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Kumble. Guion: Mario Celaya. Música: Justin Burnett. Fotografía: Larry Reibman. Reparto principal: Josephine Langford, Hero Fiennes Tiffin, Dylan Sprouse, Louise Lombard, Christian Vance, Candice King, Inanna Sarkis, Shane Paul McGhie, Pia Mia, Dylan Arnold, Khadijha Red Thunder, Samuel Larsen, Rob Estes. Producción: CalMaple, Frayed Pages Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: romance, drama. Web oficial: https://frayedpagesmedia.com/movies

Crítica: ‘Antebellum’

Sinopsis

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La exitosa autora Veronica Henley (Janelle Monáe) se encuentra atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.

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Crítica

Abandera y molesta con su causa y método

Una preciosa puesta de sol, un verde y espeso prado, sábanas blancas y limpias mecidas con el viento y… racismo. Este contraste es con el que arranca ‘Antebellum’ el primer largometraje de Gerard BushChristopher Renz. Y esta, que también es la primera película protagonizada en solitario por Janelle Monáe, mantiene esa disparidad durante casi todo el metraje. La muy apropiada fotografía de Pedro Luque (podéis ver un trabajo igual de potente en ‘Millennium. Lo que no te mata te hace más fuerte’) ayuda aquí a que tengamos muy buenos planos en los que se enfrentan bellas imágenes con momentos muy duros. Pero esta contraposición no es la única sorpresa que nos reserva ‘Antebellum’.

A la hora de película llega un giro (tranquilos que voy a ser menos revelador que el tráiler) que nos deja totalmente descolocados. Me ha pillado con la guardia baja y no he visto ninguna pista que desvele lo que iba a pasar, si es que la había. Posteriormente la trama progresa en algo que realmente ya hemos visto en otras cintas, algunas de renombre, pero en este caso se embadurna todo con un discurso en contra del racismo y el machismo. Con esta película cabe decir que a pesar de estar muy bien rodada e interpretada, a los productores de ‘Déjame salir’ y ‘Nosotros’ el tema se les ha ido algo más al extremo, seguramente por haberse distanciado de los momentos con comedia y de los toques del género fantástico.

La película maneja mucha tensión usando incluso cañonazos de fondo como banda sonora. Como poco te deja con mal cuerpo y desde luego si uno no la ve con una mente sumergida en una ficción, de manera abierta o incluso prevenida se puede interpretar como una llamada al alzamiento. Si nos ceñimos a su título significa “antes de la guerra”. Desde luego que hay que apoyar lo que demanda pero las maneras en que lo reclama son bastante provocadoras, no por como habla del pasado sino por el presente tan límite que imagina. Calma y paños calientes. No hay que olvidar que esta es una película que además centra su principal giro en una idea propia de la serie B más imaginativa.

Lo que hace ‘Antebellum’ sobre todo es reivindicar, intentando al menos ser original aunque centre su principal sorpresa en algo ya ideado por otros antes. A veces es necesario será así de pendenciero con una obra de arte, pero la casualidad ha hecho que lo que está sucediendo en Estados Unidos tenga mucho que ver. Es por eso que este estreno más que echar leña al fuego podría suponer arrojar un barril de pólvora en una hoguera que ya arde con mucha intensidad. Desde luego a muchos conservadores de aquí y de allí les va a molestar. Algo similar sucedió con ‘Queen & Slim‘ y la cosa no fue a mayores.

Janelle Monáe hace igual que en ‘Figuras Ocultas’, reivindicar los derechos de su raza y aunque algo más levemente, los de la mujer. Con un estilo muy diferente encuentra la herramienta. Está claro que es una actriz que sabe aguantar la mirada a la cámara pero casi siempre, este es un caso mayúsculo, opta por llevar su interpretación a lo impulsivo e indomable.

El filme está bien rodado, como decía la fotografía es bastante clásica pero a la vez la cámara tiene movimientos de hoy en día. Consigue que constantemente se establezcan paralelismos entre pasado y presente. Visualmente se centra mucho en meter pequeños mensajes que apoyen el alegato de la película. Por ejemplo, constantemente tenemos elementos en segundo plano o un trasunto que refuerza aún más todo lo que pasa en la historia. Clara muestra de ello es la ironía o jugarreta que relaciona a la protagonista con Thomas Jefferson en determinado momento del largometraje. Aunque también hay que decir que Bush y Renz no se han andado con sutilezas. Sobre todo son las frases del principio y del final las que resultan realmente definitorias y lapidarias. Aún así no sabréis que significa realmente Antebellum hasta que no estéis próximos al final del metraje.

Lo que sí que no alcanzo a entender es por qué se vende como una cinta de terror. Aunque si podemos decir que rememora una época en la que las personas afroamericanas vivían aterrorizadas, este filme se ajusta más a lo distópico, lo dramático y el suspense.

‘Antebellum’ coge las clásicas películas que narran la esclavitud en los años sesenta del siglo XIX y las mezcla con alguna idea más propia de Shyamalan. A veces es un poco tramposa para conseguir engañarnos acerca de qué es lo que estamos viendo pero consigue su finalidad, que no es otra que la de abanderar y molestar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2020. Título original: Antebellum. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Gerard Bush, Christopher Renz. Guion: Gerard Bush, Christopher Renz. Música: Roman GianArthur Irvin, Nate ‘Rocket’ Wonder. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Janelle Monáe, Eric Lange, Jena Malone, Gabourey Sidibe, Jack Huston, Kiersey Clemons. Producción: Lionsgate, QC Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: https://antebellum.movie/

Crítica: ‘Las niñas’

Sinopsis

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Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia.  En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

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Crítica

Gracias Pilar Palomero por devolverme a mi infancia

En primer lugar, tengo que decir GRACIAS. Gracias Pilar Palomero por devolverme a mi infancia. Si, yo soy hombre y ‘Las niñas’ tiene muchos momentos que se centran en la feminidad, pero tan solo con comenzar y cerrar la película con las escenas de canto me ha recordado a mi época en el colegio en el que también las monjas me invitaban a poner la boca como un túnel para al menos simular que cantaba.

Pero no solo esa escena es responsable de que esta opera prima sea un verdadero viaje al pasado. Si nacisteis en torno a mi generación rememoraréis la primera cinta de casete que os grabaron, las canciones de Héroes del Silencio, el acento andaluz de Gazpacho en ‘Los Fruitis’, la frustración de ver Canal+ codificado, los recortes de las revistas juveniles en la pared, el corrector en bote, las campañas contra el VIH…

Y esto es solo la superficie. ‘Las niñas’ transcurre cuando España estaba a punto de vivir un año olímpico y de exposición universal bajo el gobierno de Felipe González a principios de los noventa. En ese marco Celia (Andrea Fandos) experimenta el inicio de la adolescencia. Al final de la película vemos una clarísima evolución de su personaje y eso se ve más allá de la acción representada, se le ve en la cara. Se encuentra en una etapa de cambio y descubrimiento. Constantemente incorpora cosas nuevas a su vida pero yendo más allá empieza a abrir los ojos ante la realidad que vive y a hacerse preguntas. Palomero ha reflejado muy bien como eso desemboca en las primeras inquietudes, los encuentros con cosas “prohibidas” y con ello, los desafíos a la autoridad. ¿Quién no recuerda haber hecho alguna vez una incursión por zonas prohibidas de su colegio? ¿Quién no se ha visto por primera vez entre risas nerviosas en una discoteca? Todos llegamos al momento en el que hemos demandado nuestra zona íntima o nos hemos enfrentado a un profesor/a que volcaba sus frustraciones en nosotros.

Quizá ‘Las niñas’ adolece de una trama central o una meta en la lejanía que mantenga más enganchado al espectador. Pero es que ‘Las niñas’ es la vida. Se centra en el día a día de una protagonista cuya madre (no muy convincentemente interpretada por Natalia de Molina) también forma parte del título al ser una madre primeriza y soltera, con su inestabilidad y confrontamientos emocionales. Es humana igual que lo es Consuelo, la religiosa interpretada por Francesca Piñón, la Angustias de ‘El Ministerio del Tiempo’ que aquí aporta poco consuelo y mucha más angustia a las protagonistas.

Da gusto seguir las correrías del reparto infantil, claro protagonista. Ya sea por la mano de Pilar Palomero o por la naturalidad de las actrices consiguen reflejar muy bien una etapa complicada, en la que todos ser humano se comunica más bien poco por lo escaso que se conoce. Además gracias a ellas, en concreto a Andrea Fandos, se desarrolla estupendamente todo el subtexto que tiene la película a la hora de recrear el mundo adulto que las rodea. Los adultos en este filme figuran como personas que se inquietan e incluso asustan a la hora de enfrentarse a unas niñas que ya piensan por si mismas.

No es de extrañar que esta película se haya alzado con la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga. Los detalles y momentos entrañables de ‘Las niñas’ son para guardarlos junto a nuestros recuerdos.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de septiembre de 2020. Título original: Las niñas. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Pilar Palomero. Guion: Pilar Palomero. Música: Juan Carlos Naya. Fotografía: Daniela Cajías. Reparto principal: Andrea Fandos, Natalia de Molina, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón. Producción: Aragón Televisión, BTeam Pictures, Inicia Films, Las Niñas Majicas, RTVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: http://bteampictures.es/las-ninas/

Crítica: ‘Un acuerdo original’

Sinopsis

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Romane Bohringer y Philippe Rebbot, se ponen delante y detrás de las cámaras y presentan un divertido y ácido retrato de su peculiar separación y su voluntad de empezar una nueva vida. Tras diez años juntos, la pasión se ha acabado pero se siguen queriendo y no quieren separarse de sus dos hijos. ¿La solución? Construir una casa donde vivan en dos espacios separados unidos únicamente por la habitación de los niños.

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Crítica

‘Un acuerdo original’, tierna y loca manera de reiniciar unas vidas

La cinta protagonizada y dirigida por Romane Bohringer y Philippe Rebbot pareja en la vida real, nos lleva a su separación y a como se organizaron al elegir ser vecinos por el bien de sus hijos. Mientras tanto vemos un poquito de sus vidas, miedos, ilusiones e incluso él como en Francia se ven aun mal muchas situaciones bastante normales ya, tal como las separaciones o incluso el que un niño lleve el pelo largo.

Divertida y tierna, así es ‘Un acuerdo original’. A veces en las separaciones los que peor lo llevan son los niños, en este caso al final son los que ganan.

Una pareja que se quiere y respeta, pero que la monotonía a matado y que simplemente quieren cosas muy diferentes. Una pareja que en medio de la separación no para de preocuparse el uno por el otro. Dos personas bastante desastres a las que veremos llorar, reír, amar e incluso volver a soñar de nuevo.

La idea es bastante curiosa y como bien dicen en la película es una solución a la crisis inmobiliaria francesa. Bromas aparte, me parece de ficción esta solución, pero claro, cada situación es diferente y sin duda esta pareja podían perfectamente lograr este extraño acuerdo.

Philippe Rebbot al que hemos podido ver hace poco en la serie de »El Colapso, quiere terminar siendo un Hugh Hefner y simplemente vivir la vida. Un bohemio que tiene su vida llena de libros, música y arte.

Romane Bohringer, su exmujer, nos muestra a una mujer bastante estrambótica y exagerada. Ella tienen toda la ilusión de volver a enamorarse y tener una pareja, pero que se nota que quiere a su ex marido y no quiere verle sufriendo penalidades. Es la que decide vivir de esta manera tan peculiar, por el bien de todos.

Me gusta la naturalidad con la que se trata el tema, si que es cierto que muchas situaciones que les ocurren son un poco exageradas, pero también es la gracia, que aunque sea bastante real, sigue siendo una ficción.

Es cierto que no todo es idílico, de ahí a que sea tan real, al fin y al cabo se separan por algo y siguen habiendo encontronazos entre nuestros protagonistas. Pero lo dicho, es lo que hace que la película nos haga creernos todo lo que vemos y a encariñarnos con cada uno de los personajes.

Una divertida cinta para seguir yendo a las salas y disfrutar de una curiosa historia familiar.

Ficha de la película

Estreno en España:  4 de septiembre 2020. Título original: L’amour flou. Duración: 97 min. País: Francia. Dirección: Romane Bohringer, Philippe Rebbot. Guión: Romane Boringer, Philippe Rebbot. Música: Frédéric Bures, Arnaud Fleurent-Didier, Sébastien Martel. Fotografía: Bertrand Mouly. Reparto principal: Romane Bhoringer, Philippe Rebbot, Aurélia Petit, Rose Rebbot-Bohringer, Raoul Rebbot-Bohringer, Matthieu Sampeur, Brigitte Catillon, Gábor Rassov, Vincent Berger. Producción: Escazal Films, CNC. Distribución: Madavenue. Género: Comedia. Web oficial: http://www.madavenue.es/project/un-acuerdo-original/

Crítica: ‘Los Europeos’

Sinopsis

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Miguel Alonso se gana la vida como delineante, Antonio, el hijo tarambana de su jefe, lo arrastra a veranear a Ibiza, donde le han hablado de lo fácil que es ligar con europeas. Tras los primeros escarceos desesperados con unas chicas valencianas que se encuentran a su llegada, los dos amigos van conociendo la particular fauna de juerguistas que pululan por la isla con ganas de pasárselo bien. Mientras Antonio enlaza fiestas y salidas nocturnas, Miguel, más escéptico, prefiere mantenerse al margen. Hasta que se siente seducido por Odette, una francesa encantadora…

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Crítica

La nostalgia, el amor y una época de prohibiciones se juntan en ‘Los Europeos’

Hace unos años Víctor García León nos sorprendía con Selfie’ en el Festival de Málaga, este año regresa a la ciudad andaluza para presentar ‘Los Europeos’, una cinta basada en la novela de Rafael Azcona, guionista de innumerables cintas españolas como ‘La Vaquilla’, ‘El Verdugo’ o ‘La lengua de las mariposas’, por nombrar alguno de sus guiones.

La cinta nos lleva a los años 50, una época complicada para las libertades, muy difícil para poder divertirse. En estos años conocemos a Antonio, un niño rico y a Miguel Alonso, uno de los trabajadores de su padre. Antonio convence a Miguel para pasar unas vacaciones en la desenfrenada Ibiza, donde las mujeres europeas son de los más exótico. Allí, Miguel conoce a Odette y su vida se complica bastante.

El amor de verano mal visto, las fiestas nocturnas en una época en la que las cosas no estaban para fiestas. Ibiza en los años 50 no es lo que ahora, pero sí que vemos el comienzo de lo que se ha convertido en la actualidad.

Ingleses, franceses, alemanes, son algunos de los turistas que podemos ver en esta isla donde se les permite de todo. Los veranos donde olvidan sus tristes y frías vidas para disfrutar del sol, del mar y del calor humano.

Una cinta nostálgica en la que vemos unas bonitas actuaciones de la mano de Juan Diego Botto y Raúl Arévalo, ambos amigos y confidentes que lo dan todo en la isla.

Stéphane Caillard tiene un personaje tan bonito, una mujer libre en apariencia, pero con una vida triste en su ciudad de origen, París. Su personaje, Odette, hace de todo para conseguir pequeños recuerdos que atesorar durante su invierno en Francia. La tristeza que se ve en sus ojos al final del verano es una nota más de la nostalgia que quiere reflejar Víctor García León.

Pero no solo esta tristeza o añoranza es lo que vemos, sino que durante la cinta tenemos diversas situaciones que en esos años no serían bien vistas y muchas de ellas tienen consecuencias, como la que les ocurre a Odette y a Miguel. Que en otra época seguramente se hubiese visto de distinta manera, pero en los años 50 se tomaban de un modo más dramático.

Hay algo que consigue el director en ‘Los Europeos’ y es que no veamos ni un ápice de violencia, pero aun así respiremos ese temor a la Guardia Civil de la época. El miedo lo vemos en pequeños detalles que introduce sin que nos demos cuenta.

También nos demuestra que el franquismo no necesitaba de policías para cumplir la ley. Ese temor que os decía lograba que los propios ciudadanos se convirtieran en cuerpos de la ley y cuando algo salía mal, antes de terminar en la cárcel, se tomaban las decisiones que fuesen necesarias.

‘Los Europeos’ es un poquito de nuestra historia adornada con una bonita trama de amor de verano. El estreno de la película llega directamente este 31 de agosto a través de Orange TV, el canal exclusivo de Orange TV.

 Ficha de la película

Estreno en España: 31 de agosto de 2020 (Orange TV). 20 de noviembre de 2020 (Cines). Título original: Los Europeos. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Víctor García León. Guión: Bernardo Sánchez y Marta Libertad Castillo (Novela de: Rafael Azcona). Música: Selma Mutal. Fotografía: Eva Díaz. Reparto principal: Raúl Arévalo, Juan Diego Botto, Stéphane Caillard, Carolina Lapausa, Boris Ruiz, Georgina Latre. Producción: Apache Films, Gonita Filmación, A Contraluz Films, Los Europeos La Película A.I.E., In Vivo Films (Francia). Distribución: Organge TV. Filmax. Género: Drama. Web oficial: http://filmax.com/distribucion/los-europeos.179

Crítica: ‘Tenet’

Sinopsis

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Armado con una sola palabra, Tenet, y luchando por la supervivencia del planeta, el protagonista viaja a un mundo crepuscular de espionaje internacional en una misión que supera los límites del tiempo real. No son viajes en el tiempo. Inversión.

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Crítica

La marca Nolan sigue ligada a lo ingenioso

Por fin está aquí ‘Tenet’, la película de Christopher Nolan que por avatares del destino está llamada a salvar la taquilla veraniega a nivel mundial, ya sabemos que en España esa cruzada se le ha atribuido a Segura. Antes de meterme con otros aspectos trataré de responder a las preguntas que todo el mundo se está haciendo. ¿Es difícil de entender? ¿Es una película tan buena como las otras de Nolan?

A la primera pregunta diré que no. La película es compleja pero no complicada. Está muy bien explicada y junto con el protagonista vamos desentrañando el funcionamiento de Tenet. Se maneja un concepto físico (más bien una medida) que no se explica en detalle pero para la cual si se especifica su uso. Nolan de nuevo tira de pseudociencia e imaginación bajo el asesoramiento de Kip Thorne, quien ya le sirvió de guía en ‘Interstellar’. Vuelve a jugar con el tiempo como en ‘Origen’ e ‘Interstellar’, le llamaría cronomaestro pero ese apelativo me lo reservo para Justin Benson y Aaron Moorhead sin miedo a ser quemado en la hoguera. Al final de esta crítica tenéis una explicación concreta de a qué materia de la física me refiero, ojo que podría considerarse spoiler.

Es normal que el guión se haya mantenido en secreto tanto tiempo pues tiene giros muy interesantes, aunque algunos se puedan ver venir como si los hubiésemos vivido. Respondiendo a la segunda pregunta que he lanzado he de decir que la considero una película que merece ser un taquillazo pero Nolan me ha deleitado más con ‘Origen’, ‘El caballero oscuro’ e incluso con ‘Dunkerque’. Sigue siendo un maestro que se come el coco para mostrarnos algo nunca hecho pero que en esta ocasión no nos hace rascarnos tanto la cabeza.

Roma ni se conoce sin oro, ni se conoce sin amor. Con este palíndromo lo que quiero decir es que se palpa obviamente que hay un presupuesto enorme. Por ejemplo, para aquellos que quieren que un personaje de raza negra sea considerado en el cine como es debido han de saber que esta es la producción más cara con un hombre negro (John David Washington) como protagonista único, 205 millones de dólares. Y vaya si Washington está a la altura, tanto en la acción como en los diversos diálogos que ha de mantener con todo un repertorio de diversos personajes. Continuando con el tema del presupuesto, en el tráiler dicen querer estrellar un avión y Nolan ni corto ni perezoso ha estrellado uno de verdad, sin trucos de ordenador ni maquetas. Se puede hacer raro pero esta es una de las películas contemporáneas de Nolan que se sienten más artesanales en el sentido en que no usa ni una sola pantalla verde. Luce su talento para rodar una historia que como su marca exige es ingeniosa. Repasamos varias veces las mismas escenas y no se pierde el interés, aunque alguna pelea la habría recortado en el segundo visionado.

La historia de amor viene a través del villano, implacablemente bien interpretado por Kenneth Branagh, junto a Elizabeth Debicki. Es un hombre con temple y prontos, que maneja las cosas con serenidad y aún así se anticipa a los héroes de esta historia. Pero tiene un amor tóxico que se convierte en parte de uno de los detonantes del argumento.

Hay que decir que por fin podemos ver ‘Tenet’ ya que si fuese por Nolan habría estado en cines antes. Pero la pandemia lo ha impedido e incluso ha hecho que haya tenido que acabar su banda sonora con los músicos aportando su parte desde casa. Tras unos cuantos títulos colaborando juntos esta es la primera película en la que Hans Zimmer no le pone banda sonora, esto fue porque le compositor estaba con ‘Dune’. Este contratiempo ha hecho que el compositor de ‘Black Panther’ (Ludwig Göransson) sea el que acompañe ‘Tenet’ con sus notas. Y mucho mejor está este trabajo que el que hizo en la película de Marvel Studios, hasta el punto de decir que la banda sonora es imprescindible para lo trepidante de muchas escenas y el sentido narrativo que adquiere. En ese sentido se ha buscado un toque similar al de ‘Dunkerque’. ‘Tenet’ también es la segunda película seguida que escribe Nolan sin su hermano Jonathan Nolan (‘Westworld’).

Tiene mérito el que tenga partes de la producción hechas con interrupciones pero que al final todo concuerde. ‘Tenet’ es un gran puzle que nos obliga a volver sobre los mismos pasos una y otra vez. Pero respecto a lo narrativo veo el punto flaco de la película. El montaje es algo precipitado y abrupto. En lo respecto a la edición de la película Nolan también ha tenido que buscar sustituto a uno de sus habituales, en este caso a favor de Jennifer Lame, a la cual debemos la edición de ‘Hereditary’. Es cierto que la película se sigue estupendamente en las escenas pero cuando pasamos de una secuencia a otra el cambio es demasiado tosco.

Hasta la fecha solo me había gustado Pattinson en ‘Z, la ciudad perdida’ y tras ‘El faro’ y esta película me siento más animado a ver su Battinson. Sigo sin tragar ‘Crepúsculo’ por mucho que en ‘Tenet’ se le haga un simpático guiño. Casual o no Pattinson se enteró de que iba a ser Batman cuando rodaba precisamente con Nolan que como todos sabemos firmó una excelsa trilogía sobre el hombre murciélago.

Y para cerrar aquí viene la explicación física que se le puede dar a la película, a si es que si no queréis leer o saber más os recomiendo acudir al cine o revisionarla las veces que necesitéis, es disfrutable ya que sus casi dos horas y media se pasan volando, cuando acaba nos sentimos como si acabásemos de ver el principio. Intento no ser demasiado técnico y espero no errar en mi explicación que hace mucho que estudié esto en clase de física.

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Tenet significa principio en inglés. Pero principio no literalmente en el sentido de un punto origen (en esta película puede interpretarse con ese doble sentido) sino que estrictamente significa fundamento o reglas de algo. En este caso el principio es la entropía y el uso que se hace de ella. Yendo más al detalle. El universo tiende a distribuir o expandir la energía uniformemente y la entropía nos ayuda a comprender ese reparto irreversible. La entropía es una magnitud que puede guiarnos a la hora de explicar la razón de lo que sucede en un sistema bajo estudio o cómo de molecularmente desordenado está. Por lo tanto conociendo el estado de una entropía y sus microestados se pueden lanzar hipótesis sobre sus cambios. Conociendo la entropía de un sistema concreto (en este caso entendemos sistema como los sucesos que recorren en ambos sentidos los protagonistas) y la de sus alrededores tenemos idea de cómo funciona la entropía global. Si la entropía alcanza su nivel máximo se destruye. Es decir, si estamos hablando de la del mundo o la del universo sería nuestro fin. Aunque Nolan no busca ser cien por cien exacto asocia la entropía a un algoritmo que tiene el villano y que le permite retroceder en el tiempo hasta el punto que desea, poniendo en peligro al mundo entero.

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Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2020. Título original: Tenet. Duración: 150 min. País: Reino Unido. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Dimple Kapadia, Aaron Taylor-Johnson, Clémence Poésy, Michael Caine, Kenneth Branagh. Producción: Syncopy, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, acción, suspense. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/tenet

Crítica: ‘Orígenes secretos’

Sinopsis

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Madrid 2019. Un asesino en serie está sembrando el caos. Personas anónimas y sin conexión están siendo asesinadas imitando las primeras apariciones de los súper héroes más conocidos.

Cosme es el mejor detective de su comisaría y está a punto de jubilarse contra su voluntad. David es su relevo y es joven e impulsivo. Ambos tendrán la misión de encajar las piezas en un juego, del que desconocen completamente las reglas. En su aventura contarán con la ayuda de Jorge Elías, hijo de Cosme, entrañable friki y dueño de una tienda de cómics y de Norma, jefa de ambos y amante del manga y del cosplay.

Dicen que algunas veces hay que ponerse el traje y salir a hacer de este mundo un lugar mejor. Puede que esta sea una de ellas.

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Crítica

Tan alusiva como poco interesante

«Tiene cáncer […] Del que no se cura». Con una fase así ‘Orígenes secretos’ alude en uno de sus momentos a ‘Watchmen’. Descuidad que esto no os destripa la trama y tampoco es que vuelvan a hablar mucho del tema, como pasa en ‘The room’. No es una referencia difícil de captar y si, al igual que el director y guionista abulense David Galán Galindo yo también leo cómics, incluso hacía cosplay y soy un habitual de las convenciones de cómics. Y he de admitir que me han gustado algunos de los zascas que oigo en su película, pero también me fastidia que volvamos a los tópicos de siempre.

‘Orígenes secretos’ junta cual buddy movie a un joven detective metódico y pulcro (Javier Rey) con el hijo de su mentor (Resines), el cual es un vendedor de cómics entrado en carnes y bastante descuidado, interpretado por Brays Efe. Ambos deben resolver unos crímenes en los que el asesino cual Kevin Spacey en ‘Seven’ recrea unas escenas, solo que estas tienen que ver con los cómics. Sobra decir que como pasa siempre en estas películas los protagonistas están obligados a entenderse. El defecto de ‘Orígenes secretos’ no es su base, es el partir de una premisa que paso a paso agasaja multitud de mitos de la cultura popular para acabar cayendo en los errores de las películas más convencionales.

Si me preguntáis qué tal funciona como película en su conjunto os tendré que decir que me ha parecido fallida. Si de origen ya tiene componentes que hemos visto muchas veces, poco a poco va repitiendo las pautas típicas de las películas de su género. Es un desatino frecuente el querer llevar la trama a lo personal o circunscribir todo el caso a los mismos personajes, un clásico que hace que siempre se quiera rizar demasiado el rizo. Con la premisa que tiene e indicando que hasta la jefa de homicidios (Verónica Echegui) hace cosplay aquellos que gustéis del manga o seáis cosplayers me preguntaréis… ¿es ofensiva la película? No, pero tampoco es correcta del todo. Frustra porque perpetua un estereotipo que yo creo que en pleno siglo XXI ya sabemos que no se cumple tan a rajatabla como se empeñan. Un lector de cómics, por ejemplo, no siempre está gordo y no siempre habla con referencias a las viñetas o a series y películas, como vemos con el personaje de Brays Efe y los compradores de su establecimiento.

Cada vez es más habitual encontrar a gente frustrada (me refiero incluso a autores de cómics) por toparse con aquellos que se dicen «fans de los cómics» solo por que se han hecho un cosplay o se han visto una serie o película, pero no han tocado nunca un cómic. Ese es el tipo de cosplayer al que interpreta Echegui. Si está hecho para encabritar a los lectores de cómics, misión cumplida. Si está colocada en «Orígenes secretos» para enfadar a los espectadores, también, conseguido. Actoralmente el filme no brilla por ninguna parte. No veo nada realmente destacable en las interacciones entre personajes y tampoco en su clímax final donde por cierto tampoco me convence el discurso.

Apartado de huevos de pascua hay que hacer porque se han esmerado en que haya muchos. Están las claras alusiones a clásicos personajes de Marvel o DC, incluso el final evoca a las icónicas poses de Superman y Batman dibujadas por Jim Lee. Hay personajes que se llaman como famosas editoriales tales como Bruguera (Ernesto Alterio) o Norma (Echegui), incluso un héroe que se llama Vértice. Me ha parecido oír ‘Gantz’ o ‘Berserk’ en una escena en la que se mira un cuerpo que está hervido, música para mis oídos. Aparecen muchas armas de grandes producciones, como las de ‘El Señor de los Anillos’, forjadas en Toledo como muchos sabéis. Incluso tiene escena post-créditos con un Sbaraglia barbudo a lo Alan Moore. Si me apuras me atrevería incluso a decir que el repartidor que entrega cajas a la ficticia tienda de cómics tiene un intencionado aire a Stan Lee.

Esta no es una crítica pidiendo ayuda para que se rompan de una vez las miradas estereotipadas, pero si un feedback para que se procuren alimentar menos los tópicos rancios. Me ha gustado que se indique que existe el éxito entre la comunidad friki dándole la vuelta a la tortilla y a esa imagen clásica del nerd fracasado, aunque sea en una corta escena. La película al menos se sale de todo esto en algún momento con mensajes que nos empujan a darle valor a los que no son como nosotros y a los héroes con los que nos relacionamos día a día. Habrá que salvaguardar eso.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de agosto de 2020. Título original: Orígenes secretros. Duración: 110 min. País: España. Dirección: David Galán Galindo. Guion: David Galán Galindo, Fernando Navarro. Música: Federico Jusid. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Javier Rey, Verónica Echegui, Brays Efe, Antonio Resines, Ernesto Alterio, Carlos Areces, Leonardo Sbaraglia, Álex García. Producción: Nadie es perfecto, La Chica de la Curva, In Post We Trust, Quexito Films, TVE. Distribución: Filmax (Neflix). Género: thriller, comedia, adaptación. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/origenes-secretos.123