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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘La isla de las mentiras’

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Sinopsis

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¿Qué ocurre después de un naufragio en el lugar que lo ha contemplado y vivido todo? La noche del 1 de enero de 1921, en medio de una espesa niebla el vapor El Santa Isabel, con 260 emigrantes con destino Buenos Aires, se hundió frente a la escarpada y dura costa de la Isla de Sálvora, en la provincia de A Coruña. Esa noche no había hombres en la Isla, estaban celebrando las Navidades en tierra firme. La única esperanza de los supervivientes que luchaban por no estrellarse contra las rocas eran las pocas mujeres, viejos y niños que vivían en esta isla.

Tres jóvenes isleñas deciden lanzarse al mar en una pequeña embarcación tradicional. Remando sólo de oído, debido a la espesa niebla y a la noche cerrada, logran salvar a 50 personas.

Todo lo que ocurre desde esa noche va a sacudir y cambiar para siempre este lugar. Un periodista argentino acude a la isla para cubrir la noticia del naufragio. Pero poco a poco comprueba que esa noche sucedieron demasiadas terribles “casualidades” en la isla.

Son muchas las incógnitas que hay que resolver y a la isla le resultará imposible seguir siendo una isla.

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Crítica

Una historia que tenía que ser contada

‘La isla de las mentiras’ nos trae la historia de cuatro mujeres que arriesgaron sus vidas para salvar a 50 personas en un naufragio en 1921.

La Isla de Sálvora fue testigo de un estrepitoso accidente en las navidades de 1921, el Santa Isabel encalló en uno de los islotes cercanos a la isla haciendo que muchos de sus tripulantes perdieran la vida. Aquí llegan nuestras heroínas, Cipriana, Josefa y María, tres mujeres que decidieron coger una barca y en plena oscuridad zarparon a salvar a todos los que pudieran.

Paula Cons, directora y guionista de la película nos cuenta la historia en forma de thriller. Un secreto bastante oscuro puede terminar fastidiando todos los homenajes a las lugareñas y lo peor de todo, que acaben encarceladas.

La historia está muy bien contada, poco a poco  vamos conociendo el modo de vivir en aquella isla, el analfabetismo, el machismo, pues cuando pasó el naufraga no había hombres en la isla y era porque estaban celebrando la navidad en tierra firme.

La directora ha querido hacerles un homenaje a estas mujeres e intentar averiguar por qué fueron olvidadas. Una de las cosas que se cuentan es que los cuerpos aparecieron mutilados y que puede ser que se quedaran las joyas. Todo esto se contó para desprestigiarlas, ya que la Guardia Civil negó que ellas hicieran esto.

Pero para mí es un homenaje un poco agridulce, al intentar contar una historia más allá e introducir más dolor y más intrigas, al final parece que quedaron olvidadas por sus propios secretos. Esa al menos ha sido mi sensación y es una pena, pues no les hace justicia del todo.

El reparto es bastante realista, muy contenido en las actuaciones, este detalle es muy importante para poder escuchar lo que nos quiere contar la directora y entrar en la atmósfera de la película.

Nerea Barros, Victoria Teijeiro, María Costas son las encargadas de dar vida a estas tres mujeres, acompañadas de Darío Grandinetti, Aitor Luna, Milo Taboada, Leyre Berrocal y Celso Bugallo entre otros.

Una de las cosas que más me ha gustado es toda la ambientación, el vestuario, maquillaje y peluquería es maravilloso. Muy bien reflejado la fatiga del trabajo en los habitantes de Sálvola y la diferencia con las personas que viven en la ciudad.

Y por supuesto un punto a favor es toda su puesta en escena, la fotografía, los sonidos. El momento en el que se lanzan en la barca a salvar a los náufragos todo es muy teatral. El sonido muy enlatado, a ellas apenas las logras escuchar, solo escuchas el mar y apenas las logramos ver, entre luces y sombras. Todo esto hace que te adentres de lleno en la escena, en su desesperación y desorientación. Y que entiendas el por qué no lograron salvar a más gente, teniendo que elegir.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: La isla de las mentiras. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Paula Cons. Guión: Paula Cons y Luis Marías. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Nerea Barros, Aitor Luna, Darío Grandinetti, Victoria Teijeiro, María Costas, Milo Taboada, Celso Bulgallo, Machi Salgado, Ana Oca. Producción: Agallas Films, Aleph Cine, ETB, Historias del Tío Luis, Take 200. Distribución: Filmax (a través de Filmin). Género: Drama. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/la-isla-de-las-mentiras

Crítica: ‘La familia que tú eliges’

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Sinopsis

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Zak es un joven con síndrome de Down que se escapa de la residencia donde vive para cumplir su gran sueño: convertirse en un luchador profesional. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler, un delincuente de buen corazón que también se ha dado a la fuga y que se convierte en su amigo y entrenador. A su aventura se les une Eleanor, una enfermera un tanto peculiar. Juntos emprenden un maravilloso viaje que cambiará sus vidas.

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Crítica

Un Huckleberry Finn moderno

La unión de los directores Tyler Nilson y Michael Schwartz ha dado como fruto la película ‘La familia que tú eliges’, obra que también han escrito ellos. Este es el primer largometraje para ambos y no me puede parecer mejor carta de presentación. Juntos ya habían hecho otras cosas, como los documentales sobre Alex Honnold el escalador que conocimos gracias a ‘Free Solo’. Ahora nos ofrecen una película de ficción que me ha dejado buenísimas sensaciones.

En un ambiente redneck pesquero desarrollan un roadtrip a pie o en barcaza en el que dos protagonistas se convierten en prófugos, uno por escaparse de la residencia donde vivía para conseguir ser luchador de wrestling y el otro por haber delinquido. Tras ellos la otra protagonista que estaba al cuidado de uno de ellos. Es una persecución y viaje en busca de un sueño, dejando atrás antiguas pesadillas. Aunque tiene apuntes tristes la película es un drama amable con momentos muy cómicos, surgidos sobre todo de las grandes diferencias de carácter entre los tres protagonistas.

Es un cuento moderno que nos puede recordar a simpáticas películas como ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’. A parte de tener momentos absurdos consigue ser sensible y tierna. Y parece que siempre que en una película interviene una persona con discapacidad intelectual nos vemos obligados a acompañar nuestros comentarios con palabras como afectuoso o emotivo. Pero lo cierto es que en el caso de ‘La familia que tú eliges’ se los ganan a pulso por varios motivos y además debemos añadir también los términos gamberra y malhablada. A nuestro protagonista le gustaría patear culos, palabras de él.

Está muy bien desarrollada la historia de camaradería que surge entre los dos protagonistas, sin hacer uso de artimañas cursis (el título sensiblero usado en España no se corresponde con el original). Y más que una historia de amistad es de hermandad. Es de estas películas que, aunque constantemente te introduce momentos tristes te saca una sonrisilla. Te deja con buenas sensaciones o como se dice modernamente es “feel-good”. Considero que estas películas son así porque nos dan lo que deseamos, lo que el espectador desea buenamente que suceda. Según el tipo de audiencia que sea uno (optimista o pesimista) puede llevarse alguna sorpresa.

¿Os acordáis de LaBeouf y su “Just do it!”? Ese vídeo motivacional podría ser parte de esta película, de hecho, en ‘La familia que tú eliges’ hace algo similar pero sin intimidar. LaBeouf vuelve a demostrar ser un actor implicado al que no le importa bajar al barro y mancharse, literalmente. Él y Zack Gottsagen forman buena pareja protagónica, con varios momentos que se intuye han sido fruto de la improvisación. Juntos son divertidos y algo granujillas. Parecen dos personajes de Mark Twain huyendo de sus sureños perseguidores por el río, haciendo trastadas e intimando por el camino. Hay quien compara esta película con ‘Rain Man’ y no niego ciertas similitudes pero a mi me recuerda mucho más a ‘Las aventuras de Huckleberry Flint’. Quien está por detrás interpretativamente es Dakota Johnson. Suma una nueva película en la que actúa sin sangre, de un modo prácticamente plano. No obstante, exceptuando el caso de ‘Malos tiempos en El Royale’ hasta ahora no había visto una película con Dakota Johnson que me guste tanto.

Por último solo decir que estéis atentos a las caras de los personajes secundarios y extras del filme. Figuran en el reparto Bruce Dern, Thomas Haden Church o Jon Bernthal. Además siendo una película en la que entra en juego la lucha libre era de imaginar que algún cameo tendríamos. Por eso saltan al cuadrilátero Jake Roberts “The Snake”, Mick Foley “Dude Love”, Anthony Harvey, Eric Dees, Dylan Odom o Christopher Higgins.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Peanut Butter Falcon. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Guion: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Música: Zachary Dawes, Noam Pikelny, Jonathan Sadoff, Gabe Witcher. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Shia LaBeouf, Dakota Johnson, Zack Gottsagen, John Hawkes, Bruce Dern, Thomas Haden Church, Jon Bernthal. Producción: Armory Films, 1993, Lucky Treehouse, Nut Bucket Films, Tvacon Film and Tv. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.thepeanutbutterfalconmovie.com/

Crítica: ‘¡Scooby!’

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Sinopsis

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‘¡Scooby!’ nos cuenta cómo se conocieron los amigos Scooby y Shaggy y cómo se unieron a los jóvenes detectives Fred, Velma y Daphne para formar la famosa agencia de detectives Mystery Inc. Ahora, con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más gigantesco y complicado de sus carreras: un complot para que el perro fantasma Cerbero campe a sus anchas por el mundo. Mientras corren a toda prisa para detener esta «perroapocalipsis» mundial, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico mayor de lo que nadie imaginaba.

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Crítica

Hanna-Barbera is back

Es innegable que en muchos casos ‘Scooby-Doo’ es responsable desde nuestra infancia del desarrollo de nuestra imaginación y de aportar una manera muy particular de ver el terror. Para aquellos que eran niños durante los setenta, ochenta y buena parte de los noventa este perro cagueta ha sido compañía en la hora de la merienda. Ahora Warner Bros. nos lo trae de vuelta. Y además en esta película de animación tridimensional aparecen el Capitán Cavernícola, Dinamita, el Perro Maravilla y Pierre Nodoyuna famosísimo por series como ‘Los autos locos’. Lo cierto es que solo con todo esto me tenían ganado desde el principio. Hanna-Barbera is back.

La verdad es que como nostálgico de la serie original guardaba cierto recelo, sobre todo tras haber sufrido en su día las películas de acción real con Sarah Michelle Gellar, Matthew Lillard y compañía. Pero a Scooby no le sienta mal el 3D y además la historia nos devuelve a los dibujos divertidos e imaginativos que tantas criaturas fantasmagóricas y artilugios nos brindaron.

Este sigue siendo ese grupo de muchachos que descifran acertijos, desenmascaran falsos espectros y desentrañan misterios. Pero en esta ocasión, como suele pasar en estas películas que quieren ir más allá, el caso a resolver está relacionado con uno de los protagonistas. Y sucede otra cosa de la que se suele pecar, pensando que más es más, es la finalización de la película. Le sobra ser tan desmesurada y estar tan repleta de tecnología. Es un intento de traérselo a lo actual, pero le quita encanto y resta esa sensación de héroes de vecindario.

La película consigue lo que hacía la serie. Muestra valores, tiene muchos gags slapstick, acrobacias casi circenses y no cesa en su ritmo. Se introduce una pequeña historia de orígenes que nos muestra como se origina tanto la amistad entre Shaggy y Scooby como la piña de amigos que gestiona Misterios S.A. Como he dicho antes se intenta meter mucho cachivache moderno, no dudo que eso es para acercarse a los jóvenes de ahora y actualizar la franquicia. Es por eso que su primera secuencia de orígenes empalma con la actualidad de los personajes con una transición que imita muy bien el clásico opening de la serie. Además para remar aún más a favor de corrientes actuales se ha entremezclado todo con un tema superheroico usando también personajes de Hanna-Barbera.

Se agradece que el guión de Kelly Fremon conserve la inocencia y cobardía de los jóvenes protagonistas. Si no hubiésemos tenido a estos chicos maldiciendo con expresiones como ¡chispas! nos habríamos alejado mucho del original y esto debería haberse llamado de otra manera. Aunque alguna cosa adulta han introducido, véase Tinder. Es tan fiel al espíritu intrigante y tontorrón de la serie que le perdono los momentos de electro pop. También era de imaginar que los artilugios que usan nuestros investigadores cambiasen. Decimos adiós a las linternas de pilas alcalinas tipo D y hola al LED del móvil.

Al principio os he enumerado algunos personajes que forman parte de la trama. Pero la película tiene otras muchas referencias a las series del estudio Hanna-Barbera Productions. Vais a ver nombres de ‘Los Picapiedra’ o detalles visuales de otros personajes, así como referencias a los dobladores originales. Los créditos son un homenaje al imaginario de esta factoría de dibujos. Igualmente Warner Bros. también se ha asegurado de introducir algunas de sus franquicias, como podemos comprobar con el disfraz de Wonder Woman que luce Daphne. Está claro que tenemos toda una serie de películas animadas por venir.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2020. Título original: Scoob! Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tony Cervone. Guion: Kelly Fremon. Música: Julian Nott. Reparto principal (doblaje original): Frank Welker, Kiersey Clemons, Zac Efron, Will Forte, Jason Isaacs, Ken Jeong, Tracy Morgan, Gina Rodríguez, Amanda Seyfried, Mark Wahlberg. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera Productions, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Web oficial: https://www.scoob.movie/

Crítica: ‘Madre oscura’

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Sinopsis

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Tras el divorcio de sus padres, el adolescente rebelde Ben es enviado a vivir con su padre durante el verano y obligado a trabajar en el puerto deportivo local. Pero la idílica localidad turística le ofrece poco consuelo, ya que se ve forzado a tratar con los privilegiados del lugar y la nueva novia de su padre. Los problemas de Ben se vuelven aún más inquietantes cuando hace un hallazgo escalofriante sobre la familia de la casa de al lado. Un espíritu malévolo del bosque ha poseído a la madre y comienza a jugar un siniestro juego de papás y mamás con los niños del lugar borrando cualquier rastro de su existencia. Cuando sus sospechas son ignoradas, Ben se lanza a una peligrosa cruzada para poner fin al reinado de terror de la bruja antes de que esta acabe con todo aquello que él ama.

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Crítica

‘Madre oscura’ no inventa nada nuevo, pero sorprende mucho

Con un equipo bastante novel, ‘Madre oscura’ nos trae una historia interesante, que quizás no esté del todo bien llevada, pero entretiene y nos da algo distinto dentro del terror. Con algún toque de comedia muy oscura, nos lo pasaremos bastante bien con esta cinta en la que un adolescente debe enfrentarse a un monstruo que le está haciendo la vida imposible.

Tras el divorcio de sus padres, Ben es obligado a pasar el verano con su padre y a trabajar con él. Todo parece perfecto hasta que comienza a ver situaciones extrañas en la casa de sus vecinos, más concretamente con la matriarca de la familia.

Vemos pequeños homenajes a ‘La ventana indiscreta‘ en los momentos en los que el chaval comienza a obsesionarse con la vecina, pues no la ve trigo limpio, además comienza a preocuparse seriamente por el hijo de ésta, pues no hace más que esconderse de su propia madre.

También hay una escena que bien podría estar sacada de ‘Señales’, en la que la oscuridad juega un papel bastante importante y las sombras pueden hacer que veamos siluetas donde no las hay, ¿o sí?

La cinta la dirigen Brett Pierce y Drew Pierce, dos directores que cuentan con el rodaje de una película y varios cortos, como dije al principio, un equipo novel, pero no significa que el trabajo haya sido malo, ni mucho menos. El guión también parte de ellos y sinceramente me ha parecido bastante original.

En el reparto encontramos al joven John–Paul Howard (‘Midnight,Texas‘) en el papel de Ben, el protagonista, al que nadie hace caso. De los pocos personajes que pide ayuda con temas paranormales. Eso si, por supuesto le toman por loco y nadie le ayuda.

Piper Curda, es otra de las partes importantes de la película, amiga y compañera de Ben. No le cree, pero como es su amiga intenta darle apoyo moral y al final intentará ayudarle como pueda.

Jamison Jones, Azie Tesfai, Zarah Mahler, Kevin Bigley, Gabriela Quezada Bloomgarden, Richard Ellis o Blane Crockarell son parte del reparto que podréis ver en ‘Madre oscura’.

El diseño del monstruo es bastante típico, en algunas escenas bien puede recordar a aquellas sombras que veíamos en ‘Insidius’ y en otras le podemos ver más detalladamente y está muy bien realizado.

La fotografía también es bastante curiosa, va de la mano de Conor Murphy, el cual a trabajado durante mucho tiempo sobre todo el cortos. Consigue darle el toque sombrío a la película e inquietante que necesita esta historia, sin necesidad de mostrar apenas nada.

‘Madre Oscura’ es bastante simplona, pero tras un buen trabajo de ambientación, unas actuaciones creíbles y un monstruo bastante pícaro, la película funciona perfectamente. Una película perfecta para disfrutar en estos días tan calurosos en una sala de cine.

 Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Wretched. Duración: 95 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bret Pierce y Drew Pierce. Guión: Bret Pierce y Drew Pierce. Música: Devin Burrows. Fotografía: Conor Murphy. Reparto principal: John-Paul Howard, Piper Curda, Azie Tesfai, Kevin Bigley, Zarah Mahler, Richard Ellis, Tug Coker, Gabriela Quezada Bloomgarden, Jamison Jones, Amy Waller, Alexandria Barron. Producción: Cailleach Productions. Distribución: Selecta Visión. Género: Terror. Web oficial: https://www.selecta-vision.com/catalogos/madre-oscura/

Crítica: ‘Superagente Makey’

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Sinopsis

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José Miguel “Makey” es un policía campechano que adora su trabajo en el barrio de Carabanchel y con un sentido de la responsabilidad y el honor desmesurado. Su vida da un vuelco cuando es degradado a agente de movilidad (vaya, de los que ponen multas) y destinado a la Costa del Sol debido a un error garrafal. Allí Makey se reencontrará con su hija con la que hace años que no se habla y se verá, sin comerlo ni beberlo, envuelto en una peligrosa trama de narcotráfico internacional. Makey está a punto de convertirse en el protagonista de las películas de acción con las que siempre ha soñado.

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Crítica

Se moja la pólvora de Harlem

Ha pasado y en España cada vez es más frecuente el hecho de que un comediante o monologuista pase a la gran pantalla y se convierta en además en el protagonista absoluto. En Estados Unidos es algo más habitual. Precisamente de la cultura norteamericana bebe mucho el policía que interpreta Leo Harlem en ‘Superagente Makey’.

Su casa está llena de posters de películas como ‘Jungla de Cristal’, hace referencias a comedias policiacas como ‘Hora punta’, sueña con atracos a lo ‘Le llama Bodhi’, grababa a su hija homenajes al cine de acción como ‘El último gran héroe’ e incluso tiene la chaqueta de ‘Superdetective en Hollywood’. Es un policía total operando en una comisaría de Carabanchel.

El agente Makey es un madero de los de barrio, de los que mira por su gente buscando soluciones que no transijan las leyes, aunque si los protocolos. Cumpliendo su obligación causa una situación que afecta a nivel nacional y le mandan a Estepona (algo similar a lo que le pasa a Julián López en ‘Operación Camarón’). Un papel ideal para alguien que parece tan cercano y campechano como Leo Harlem. Hasta aquí todo bien.

Con esta premisa y con un humorista de lengua espídica como Harlem todo pinta como para ser optimistas. Aún más si esperamos ver majaderías como las que suele hacer el alcalde de Estepona (que no cobrará pero sus ideas disparatadas le han hecho famoso), podríamos pensar que ‘Superagente Makey’ es un tobogán que zigzaguea entre risas y carcajadas. Pero no.

Debe ser que no acabo de cogerle el punto al director Alfonso Sánchez (‘El mundo es suyo’) ni a los guionistas Jorge Lara (‘Zipi y Zape’) y Fernando Pérez (‘Olmos y Robles’). Parece que se han juntado varios autores de películas sobre parejas investigadoras. Y se me hace raro porque ni el rodaje ni los actores están mal, pero no logran arrancarme carcajadas. Está claro que esta película puede tener referentes como ‘Agárralo como puedas’ o ‘Seguridad nacional’ pero ni Harlem a lo Axel Foley ni Jordi Sánchez en plan maleante cargante siguiendo los pasos de Joe Pesci en la saga ‘Arma letal’ consiguen hacer justicia a este género.

‘Superagente Makey’ es una especie de spanish buddie movie que podría haber estado muy bien si sus gags tuviesen más gancho y menos ridículo (la aparición del final o la detención en la comisaría me parecen absurdas). Se va muy abajo con toda la parte de la hija del protagonista, salvo por alguna escena no hace uso casi de comedia y rebaja mucho el ritmo del filme.

Hasta el gancho, carisma y habitual gracia de Leo Harlem se resiente. Ni con la comisaría hipersofisticada, ni con los presos que hacen mindfulness, ni con los mafiosos con dudas laborales se eleva la hilaridad de una película que debería haber aprendido más de los clásicos a los que alude.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: Superagente Makey. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Alfonso Sánchez. Guion: Jorge Lara, Fernando Pérez. Música: Zacarías M. de la Riva, Alfred Tapscott. Fotografía: Fran Fernández Pardo. Reparto principal: Leo Harlem, Silvia Abril, Jordi Sánchez, María Sábate, Maite Sandoval. Producción: Atresmedia Cine, Movistar+, Mundo Ficción. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/superagente_makey

Crítica: ‘La maldición del guapo’

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 Sinopsis

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Humberto, un hombre seductor y estafador a partes iguales, lleva una vida trnquila en Madrid tras haber cumplido condena por una antigua estafa que le costó la relación con su hijo Jorge con el que no habla desde hace años. Ahora Jorge es un hombre honrado que se verá obligado a pedir ayuda a su padre al ser víctima de un robo en la joyería en la que trabaja. ‘La maldición del guapo’ es una elegante y pícara comedia de estafadores donde nadie es lo que parece.

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Crítica

Nadie es lo que parece en esta película

‘La maldición del guapo’  llega a nuestras salas el próximo 10 de julio. Distribuida por Filmax, la película nos trae a un estafador que ya no está en activo y trabaja como regente de un bar en el centro de Madrid. Por culpa de sus trapicheos perdió a su mujer e hijo, pero éste último vuelve a él para pedirle un favor.

La película, dirigida por Beda Docampo Feijóo, iba a ser presentada en el Festival del Málaga, dentro de la sección Málaga Premiere, pero con toda la crisis del Covid-19, al final va a ser estrenada directamente en los cines el 10 de julio de 2020.

Protagonizada por Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Ginés García Millán, Cayetana Guillén Cuervo, Carlos Hipólito, Malena Alterio y Andrea Duro. La base de la historia está muy bien y comienza muy bien narrada, pero va decayendo en un sinfín de frases hechas que al final terminan haciendo que la película canse.

Los temas como la paternidad perdida, la amistad, el egoísmo, la obsesión por el dinero fácil o las tentaciones son imprescindibles en esta historia llena de situaciones locas y alguna que otra bastante forzada.

Los personajes están bastante cuidados, todos tienen un pequeño lado oscuro que vamos conociendo según avanza el minutero. Además que todos tienen una razón de ser en esta comedia de enredos y estafas en la que no se sabe muy bien en quien confiar.

Me encanta la pareja que hacen Gonzalo de Castro y Ginés García Millán, voto por una película entera con ellos dos como protagonistas absolutos. La camaradería y a la vez desconfianza el uno con el otro, hacen que sus escenas sean de lo mejor de la cinta.

Mientras tanto las caras jóvenes de la cinta, Juan Grandinetti y Andrea Duro nos dejan quizás las actuaciones más flojas.

Dentro de la película vemos algunas localizaciones madrileñas como el Palacio Real o San Francisco el Grande, al igual que iremos caminando junto a los protagonistas por las callejuelas del centro de Madrid.

Aun con sus fallas, la película tiene alguna que otra sorpresa en el guión que la hace curiosa y haga que te enganches a un final para nada esperado. 

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: La maldición del guapo. Duración: 89 min. País: España, Argentina. Dirección: Beda Docampo Fejóo. Guion: Beda Docampo Feijóo. Música: Federico Jusid. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio, Ginés García Millán, Carlos Hipólito, Andrea Duro, Cayetana Guillén Cuervo. Producción: Arcadia Motion Pictures, Cados Producciones, Dammed Bello, Zarkel Producciones. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: http://filmax.com/distribucion/la-maldicion-del-guapo.131

Crítica: ‘La vieja guardia’

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Sinopsis

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Un grupo secreto y muy unido de mercenarios con una misteriosa capacidad que les impide morir lleva siglos luchando por proteger el mundo de los mortales a las órdenes de una guerrera llamada Andy (Charlize Theron). Pero cuando contratan al equipo para desempeñar una misión de emergencia y sus extraordinarias habilidades salen a la luz, Andy y Nile (Kiki Layne) —la recluta más reciente— deberán ayudar al grupo a erradicar la amenaza de quienes pretenden replicar y rentabilizar su poder a cualquier precio.

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Crítica

Deja entrever mejor sus misterios pero tiene menos acción que el cómic

‘La vieja guardia’ es la nueva propuesta de Netflix que al igual que muchas otras sale de un cómic, en este caso de una colección de cinco números editada por Image Comics (Norma Editorial en España). Una obra de Greg Rucka, Leando Fernández y Daniela Miwa (reseña aquí) que el propio Rucka se ha encargado de adaptar al formato cinematográfico y que ha dirigido la directora Gina Prince-Bythewood (‘La vida secreta de las abejas’).

Conoceréis en ‘La vieja guardia’ a unos inmortales que pueden llegar a morir, aunque no saben como ni por qué les llega su hora. Sobreviven hasta a destrozos en su cabeza (por lo menos en los cómics) y se regeneran a lo Lobezno. Son personas nacidas en la antigüedad clásica, en la Edad Media o en el siglo XIX que están conectadas entre si y que se dedican a ser soldados de fortuna al servicio de causas que consideran justas. Tras cientos de años siendo un grupo de cuatro encuentran un nuevo miembro para su equipo. En este descubrimiento de nuevos héroes la película hace bien su introducción con dos secuencias que dejan claro de que va el tema.

Rucka ha sabido trasladar los tiempos del cómic a la pantalla y ha condensado todo en dos horas de filme. Para ello ha metido la tijera en parte de su guión original y ha puesto cosas nuevas. Así está claro que todo se centra más en el presente de los personajes y que se consigue adelantar en la historia hasta tal punto que podemos intuir ya la segunda entrega, si hay suerte y la llegamos a tener.

Se ha conservado ese poco aprecio que tienen estos mercenarios por sentir dolor o por ser masacrados. Eso le da un punto de humor negro que hemos visto como se ha explotado en otras películas, pero sin llegar a extremos tipo ‘Deadpool’, de un modo más dramático. También se ha conservado la relación entre los personajes y el carácter impasible y casi destructivo de su jefa, interpretada muy bien por Charlize Theron.

Ya hemos visto en otras ficciones (obviamente no hay un “basado en hechos reales” sobre este tema) cómo personajes incapaces de morir aprovechaban o sufrían su condición. En este caso los miembros de ‘La vieja guardia’ sacan partido a su capacidad de revivir para resolver misiones arriesgadas o lidiar batallas en distintos bandos a lo largo de la historia. Pero su capacidad de revivir es finita, aunque esta termina de manera desconocida y en un momento indeterminado. Respecto a esto en el cómic se desarrolla un discurso de drama y hastío. En la película se ha intentado introducir un factor suspense y peligro que hace que temamos más por la seguridad de determinados personajes. No está mal esa modificación que se suma a lo que sucede también en las viñetas, corren el riesgo de salir de la protección que da el anonimato.

De nuevo Theron está en una película en la que no puede morir, protege su identidad a toda costa y pertenece a una clase antiquísima de personas que es única en el mundo. Eso sucedía también en ‘Hancock’ pero aquí su personaje tiene una personalidad algo diferente y no está rodeada de humor sinvergüenza, aunque si de bastante tragedia. Ganamos con ‘La vieja guardia’ otro gran personaje femenino de acción.

‘La vieja guardia’ es disfrutable por ver como mueren los protagonistas una y otra vez y es aún más divertido contemplar a Charlize Theron liarse a hachazos, con un arma clavada a la de las viñetas. Pero falta algo más de acción del tipo a la que vemos en el último acto, tanto por la concepción del cómic como por el ritmo de la película demanda más escabechinas. Tiene tiroteos y peleas pero en el cómic son aún más explícitas. En la obra escrita hay más escenas en la antigüedad y con ellas vemos más muertes. Pero no solo están bien esas escenas en el pasado de los personajes por ver miembros y sangre por aquí y por allá, sino porque conocemos como descubrieron su inmortalidad y ahondamos en su personalidad. También es un trasfondo que le da cierta poesía a la historia. Aunque hay algún dialogo que va en esa línea (como el que tiene Marwan Kenzari dentro de un furgón) ese lirismo le falta al filme.

Peca de algo que padecen muchas películas, un buen villano. En este caso el objetivo del enemigo es el mismo que el de los cómics. Pero lo que le falta al personaje de Harry Melling (el primo de Harry Potter) es estar un poco más loco o ser más amenazante, porque no impone. Tenemos esa imagen suya de “capuyo” tras toda la saga de ‘Harry Potter’ pero aquí no funciona muy bien.

Rucka en esta ocasión ha sido más conciso y menos implícito en las causas y razones de sus héroes sobrenaturales. Podemos intuir o imaginar de un modo más concreto las razones a lo que sucede. Cuando leí el cómic escribí que esperaba que añadiesen algo más de sentido o de profundidad al final. Así ha sido. Como siempre hay algunos cambios con respecto a lo que pasa en las viñeatas, se mete alguna historia de regalo (que pertenece a la segunda parte, ‘Force Multiplied’) para aspirar a una continuación. Quien sabe quizá una serie de ‘La vieja guardia’ sería una buena idea, si la agenda de los actores lo permitiese.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: The old guard. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Gina Prince-Bythewood. Guion: Greg Rucka. Música: Fotografía: Reparto principal: Charlize Theron, Kiki Lane, Marwan Kenzari, Luca Marinelli, Matthias Schoenaerts, Harry Melling, Van Veronica Ngo, Chiwetel Ejiofor. Producción: Denver and Deliah Productions, Dune Films, Image Comics, Netflix, Skydance Media. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81038963

Crítica: ‘Under the skin’

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Sinopsis

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Un extraterrestre en el cuerpo de una misteriosa mujer deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y confiados a un destino fatal. Adaptación de la novela homónima de Michel Faber, ‘Under the Skin’ nos permite observar nuestro mundo a través de los ojos de un alienígena.

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Crítica

Más valor para el rodaje que para el metraje final

He visto llamar a esta película obra maestra, por supuesto todo es subjetivo y puede que el enorme tiempo que ha pasado hasta que alguien se ha decidido a estrenarla en salas de cine en España me de la razón, pero no opino lo mismo ni de lejos. Pude verla en la edición de la Muestra SYFY de 2015 y con el tiempo no ha cambiado mi concepción sobre ella.

Me gustan las películas que nos hacen mirar las cosas con otro punto de vista, que son misteriosas y que experimentan. Tal es así la apuesta de ‘Under the skin’ que podríamos meter secuencias del filme en un museo de arte contemporáneo. Eso es lo que salvo del filme, extractos puntuales. Porque como obra completa resulta aburrida, monótona y repetitiva. La gente que se quejaba de los paseos en coche de ‘Érase una vez en Hollywood’ con esta van a flipar. Su discurso sobre el conocimiento del ser humano visto a través de la mirada de un ser que obviamente no es una mujer me resulta insuficiente, anodino.

Jonathan Glazer estuvo más lúcido con ‘Reencarnación’ aunque aquí tiene ideas disparatadas, como el haber rodado la película sin que muchos de sus “actores” (que eran transeúntes supuestamente ajenos al cine) supiesen que estaban en un rodaje. Como he dicho antes el único valor del filme es su carácter experimental, sobre todo en el tema del audio e imagen. Es para recordar su puesta en escena y la fotografía que consigue en determinados momentos Dan Landin.

¿Recordáis ese meme de Scarlett Johansson cayéndose al suelo? Sale de esta película y fue algo que se dijo posteriormente que fue intencionado. Más experimentos.

No se como será la novela de Michel Faber en la que se basa, pero espero que tenga mejor ritmo y estructura, también más explicaciones. Los que mejor trabajan aquí son los artífices de la música y fotografía, Mica Levi y Dan Landin respectivamente. Extraen del guión de Walter Campbell y del director Jonathan Glazer imágenes curiosas, trabajadas, hasta kubrickianas, si se me permite el término. Esto dice mucho también del director, que publicó con esta su tercera película (nada desde entonces) y está más acostumbrado a hacer videoclips.

Un filme con cierta ambición que tardó 10 años en rodarse que capta más mi interés por su modo de rodar que por la historia que realmente cuenta. Quizá a eso se refiere con el título, hay que apreciar lo que está detrás por encima de lo que se nos muestra.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: Under the skin. Duración: 108. País: Reino Unido. Dirección: Jonathan Glazer. Guion: Walter Campbell, Jonathan Glazer. Música: Mica Levi. Fotografía: Dan Landin. Reparto principal: Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson. Producción: Film4, Silver Reel, British film institute. Distribución: Avalon. Género: ciencia ficción. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/under-the-skin

Crítica: ‘Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga’

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Sinopsis

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Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) son dos músicos islandeses en ciernes que reciben una oportunidad única en la vida: representar a su país en la mayor competición musical del mundo. Ahora, tendrán la oportunidad de demostrar que un sueño auténtico es aquel por el que vale la pena luchar.

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Crítica

La concordia de Eurovisión bajo la ridícula mirada de Ferrell

Este 2020 no hemos tenido Eurovisión en todo su esplendor y apogeo pero Netflix ha estrenado una película que te deja como si se hubiese celebrado una gala con todas las de la ley. Y precisamente con un temazo apoteósico y hortera, como suele ser costumbre en el festival de la canción, comienza la película. Will Ferrell y Rachel McAdams forman Fire Saga, un grupo islandés que tiene más pasión que ninguno por ganar ese tradicional concurso, pero que parte con la oposición hasta de su propio pueblecillo.

Para aquellos ajenos a la Unión Europea que no estén familiarizados con Eurovisión la película puede ser todo un descubrimiento. Nosotros hemos visto ya tantas sorpresas en este certamen que muchas de las ocurrencias no nos parecen tan alocadas. Pero el filme de David Dobkin (autor de bastantes videoclips de Maroon 5) capta muy bien la esencia y lo que vemos se asemeja a una retransmisión real de una ceremonia. Diversidad, amor pasteloso, voces potentes, trajes extravagantes, presentadores jubilosos (uno de ellos interpretado por Jon Kortajarena)… Todo eso es Eurovisión. Gradas llenas de caras pintadas con banderas apoteósicas por escuchar canciones y aplaudir la de países que no es el suyo, el sueño de la concordia europea enlatada en un pabellón (el del filme en concreto es el de la gala de Tel Aviv).

El personaje de Will Ferrell es el que más vive todo este fenómeno y como es habitual en sus películas lo ejecuta con mucha parodia y falta de rubor. No tiene un personaje tan absurdo como el de otra de sus películas “musicales” y en pareja (‘Hermanos por pelotas’) pero sigue en su línea de hacer el ridículo mientras a su alrededor si suceden cosas a tener algo más en cuenta. Rachel McAdams llena el escenario y también nuestra caja torácica de carcajadas con su personaje tierno y crédulo que siempre está pensando en los elfos de Islandia.

Aunque no lo parezca la otra gran estrella que además trae la seducción a Eurovisión no es Pierce Brosnan (famoso entre otras por ‘Mamma Mia!’ con canciones de ABBA), es Dan Stevens. A lo Philipp Kirkorov tiene un personaje estereotipadamente cautivador, una estrella en ciernes que representa a los rusos adinerados y también de sexualidad reprimida por su sociedad. Con él y con algún que otro detalle la película lanza más de un mensaje. Primar la calidad musical o esquivar tanta corrección política.

Podemos encontrar algún que otro fallo que llama la atención si tenemos en cuenta que en la producción del filme hay involucrados algunos responsables de Eurovisión. No puede haber más de seis personas en una puesta en escena y España por ejemplo siempre pasa directo a la final por estar dentro del Big Five y en el filme aparece compitiendo en las semifinales. Pequeños detalles que como he dicho solo apreciarán los mayores fanáticos de este espectáculo.

Pero sobre todo consiste en una comedia llena de parodias y cameos. Se parodia por ejemplo a Lordi o a los ucranianos que sacaron una gigantesca rueda de hámster. Tenemos apariciones de muchos ganadores del festival como sucede en esa especie de sing along o flashmob en el que aparecen Jessy Matador, Elina Nechayeva, Netta, Roi, Salvador Sobral, John Lundvik, Alexander Rybak, Conchita Wurst, Loreen… Sin olvidar que está presente ABBA desde el principio.

Lo cierto es que Will Ferrell podría haber protagonizado una aventura tan sinvergüenza y alocada como la que llevó a cabo David Fernández con su Rodolfo Chikilicuatre, le pega ese tipo de majaderías y experimentos. Además tanto él como Rachel McAdams aportan su voz, aunque en el caso de la actriz son solo unas notas iniciales. El filme va más por la vertiente de lo patético, comienza fuerte y tiene más de un altibajo que se levanta con momentos musicales y detalles que son para aquellos que han sido seguidores de Eurovisión, sobre todo en los últimos años. Una cosa queda clara, el primer tema “Volcano Man”, podría arrasar en cualquier edición y seguro que va a sonar en más de un local este verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: David Dobkin. Guion: Will Ferrell, Andrew Steele. Música: Atli Örvarsson. Fotografía: Danny Cohen. Reparto principal: Will Ferrell, Rachel McAdams, Pierce Brosnan, Dan Stevens, Mikael Persbrandt, Ólafur Darri Ólafsson,  Melissanthi Mahut, Demi Lovato. Producción: Netflix, European Broadcasting Union, Gary Sanchez Productions, Gloria Sanchez Productions, Truenorth Productions. Distribución: Netflix. Género: comedia, música. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80244088

Crítica: ‘Plan de salida’

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Sinopsis

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Max (Nikolaj Coster-Waldau) vive una crisis existencial y mientras busca como resolver un caso, se registra en el clandestino Hotel Aurora. Una instalación secreta y única que se especializa en elaboradas fantasías de suicidio asistido. La investigación que está llevando a cabo revela una verdad inquietante que obliga a Max a cuestionar la naturaleza misma de la vida y la muerte y lo que es más importante: su propia percepción de la realidad.

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Crítica

Una película profunda, pero sencilla, que nos sumerge en el gran tabú del suicidio

Nikolaj Coster-Waldau (‘Juego de tronos’) se quita el apodo de matarreyes para convertirse en Max, un inspector de seguros de vida. Vive una profunda crisis existencial mientras investiga un caso en un peculiar hotel clandestino especializado en cumplir fantasías de suicidio. La propia descripción de ‘Plan de salida’ deja patente una transformación, desde un formal inspector de seguros a un extraño hotel, y en la película es mucho más evidente. En un inicio nos encontramos con un film que aborda el tema de la muerte con sobriedad y sin estridencias y nos hace preguntarnos ¿cómo afronta la muerte alguien que trabaja con ella? Algo que personalmente me recuerda a otra serie de HBO, ‘A dos metros bajo tierra’. Todo está bañado con una cierta calma, con tintes de humor muy negro, que invita a reflexionar. Y lentamente descubrimos que estamos ante un thriller que finalmente se convertirá en un slasher (nada gore). La última transformación de la película puede resultar decepcionante, porque resuelve de forma rápida un misterio planteado muy tarde, lo que provoca gran falta de interés en su resolución. Si la pretensión del director Jonas Alexander Arnby con este final era provocar tensión no lo consigue, aunque si genera algo de confusión, completamente intencionada, muy al estilo de David Lynch.

Visualmente ‘Plan de salida’ es una maravilla. A pesar del tema que trata los tonos durante toda la película son cálidos. Todos los interiores, la ropa y la luz tienen toques marrones, que contrastan con el frío del exterior. Este contraste entre imagen y temática recuerda al utilizado por Steve McQueen en su película Shame, donde a pesar de hablar de sexo los tonos son fríos.

En cambio, el apartado de las interpretación deja que desear. Todos los personajes son un misterio que no se resolverá en ningún momento. Parecen marionetas puestas para dar la réplica al protagonista, Max, pero Nikolaj Coster-Waldau tampoco aprovecha ese soporte para ofrecer una interpretación brillante. El personaje es tan sobrio como la película, algo que en muchos momentos funciona, pero que provoca que la tensión sea menos creíble.

En conclusión ‘Plan de salida’ es una película interesante, que aborda con sencillez un tema polémico como la eutanasia, y que se resuelve de una forma inesperada. Quizá esa ruptura final y la falta de profundidad de los personajes sea su gran déficit, aunque para muchos el final les parecerá una obra de arte del cine de terror.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Selvmordsturisten. Duración: 90 min. País: Dinamarca. Dirección: Jonas Alexander Arnby. Guion: Rasmus Birch. Música: Mikkel Hess. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Tuva Novotny, Robert Aramayo, Kate Ashfield, Jan Bijvoet, Sonja Richter, Kaya Wilkins. Producción: ZDF / Arte. Distribución: BTeam Pictures (plataformas digitales). Género: thriller, drama. Web oficial: http://bteampictures.es/suicide-tourist/

Crítica: ‘La posesión de Mary’

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Sinopsis

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David (Gary Oldman) es un humilde, luchador y experto marino que busca una vida mejor para su familia – su mujer, Sarah (Emily Mortiner) y sus dos hijas, la adolescente Lindsey (Stefanie Scott) y la pequeña Mary (Chloe Perrin). Tras quedar extrañamente prendado de un viejo barco de vela, cuya historia está sumida en el misterio, David convence a Sarah de que comprar el velero puede ser su billete a la tan ansiada prosperidad. Pero poco después de hacerse a la mar con él, extraños e inquietantes sucesos comienzan a aterrorizar a David y su familia, haciendo que se vuelvan unos contra otros. Cuando el barco se hace ingobernable, comienza a quedar terriblemente claro que la familia está siendo atraída hacia un mal aún mayor que les aguarda en la oscuridad del mar abierto.

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Crítica

¿Qué pasaba con Mary?

A principios de marzo supe de la existencia de ‘Mary’ o como se ha llamado en España ‘La posesión de Mary’, cuando la distribuidora nos envió las primeras notas sobre este filme que se estrenó en Estados Unidos en el último trimestre del año pasado. Indagué en sobre ella y lo primero que vi es que tenía muy malas críticas y unas puntuaciones muy bajas, esto último para mi normalmente carece de valor pues no me fijo en apreciaciones cuantitativas. Tras ver este filme de terror solo tengo que decir que estoy en contra de ese varapalo, llego a pensar que hay algo unánime en contra de esta película que va más allá del gusto de cada uno.

‘Mary’ es una película de terror muy convencional y muy básica, pero no es una película mala. Intenta jugar un poco con el misterio y los clásicos jugueteos que buscan inquietar al espectador desembocando en susto, pero poco más. Diría que es mala si tuviese malos planos, si se contradijese sobre el papel o si las interpretaciones fuesen calamitosas, pero no es así.

En esta película un padre de familia adquiere un barco que ha sido encontrado a la deriva, una embarcación que demasiado casualmente se llama como su hija Mary. Quiere hacer de ella el futuro de su familia y se los lleva a todos a probarla en una ruta por alta mar en la que comienzan a pasar cosas que no son normales.

Veréis por ahí muchos símiles que dirán cosas sobre “cómo se ha manejado el timón de este barco”, “navegar en aguas profundas” o “ir a la deriva”. Vagos recursos para describir una película por parte de aquellos que tal vez confunden la sensación que da una película mala frente a una que simplemente es sosa.

Sus dos principales problemas radican en que el guión realmente no expone un tema que esté trabajado, no se percibe una intencionalidad. A ‘Mary’ le falta más trasfondo para sus personajes y más miga a la historia con la que nos quiere asustar. Y por otro lado que su final es bastante flojo, sin gancho ni nervio. Ya de por sí está adelantado desde el principio, por lo que cabía esperar un clímax más interesante e impactante, incluso más arriesgado.

Lo cierto es que en su momento me la imaginé como una especie de ‘Calma total’ (1988) pero con componentes sobrenaturales. No llega a esos niveles de tensión e intensidad. Si lo hubiese hecho la repercusión de este filme sería otro cantar.

Michael Goi ha dirigido esta película de terror en el que es su tercer filme tras una larga temporada dirigiendo series, muchas de ellas también de terror. Su labor habitual no obstante es la de escoger la fotografía de los proyectos en los que trabaja, algo que también ha hecho en esta ocasión. Se nota pues la composición de las escenas no es mala. Si el guión de Anthony Jaswinski hubiese estado a la altura de otra acuática historia suya como ‘Infierno azul’ el director y los actores podrían haber explorado más el género de terror.

Peor hubiera sido si esta película la hubiese protagonizado Nicolas Cage, como iba a ser hasta cambio de última hora. Ahí si que habríamos tenido un filme en el que las malas interpretaciones habrían absorbido todo, o no, como ha sucedido con la estupenda ‘Color out of space’. Ciertamente esta no es una película infame, pero si muy inferior a las que acostumbran a mostrarnos Gary Oldman y Emily Mortimer.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Mary. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Goi. Guion: Anthony Jaswinski. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Michael Goi. Reparto principal: Gary Oldman, Emily Mortimer, Manuel Garcia-Rulfo, Stefanie Scott, Chloe Perrin, Owen Teague, Jennifer Esposito. Producción: eOne, Tucker Tooley Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial: https://www.tooleyentertainment.com/

Crítica: ‘Rocambola’

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Sinopsis

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Dante es un ladrón profesional que subsiste a base de pequeños trabajos muy bien escogidos. Su nuevo objetivo es un caserón aislado y que el cree que estará vacío. Pero en esa incursión va a descubrir que no está solo en el interior de la casa. Repentinamente se encuentra de frente a una extraña pareja cuya reacción no es otra que invitarle a desayunar.

El sorprendido ladrón acepta la anómala invitación con el fin de evitar que avisen a la policía y de ese modo se convierte en partícipe activo del extraño juego.

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Crítica

No es una obra maestra pero por lo menos podría haber rozado lo rocambolesco

Tres películas lleva Juanra Fernández (‘De púrpura y escarlata’, ’Para Elisa’) y ahora va a estrenar en Filmin ‘Rocambola’. No sé cómo serán sus otros dos largos pues no he tenido el gusto de verlos, pero me he sorprendido al documentarme y ver que esta no era una ópera prima. Su concepción y realización me recuerdan a películas de estudiantes. Por ejemplo, el etalonaje difiere mucho de un escenario a otro, lo cual pasa manifiestamente en muchas películas en las que se usan planos con drones (que hoy en día nos salen hasta por debajo de las piedras).

Este es un thriller donde a los veinte minutos se ve el percal. Una historia que al principio desconcierta y luego se precipita. Va de robos y desesperaciones, también de viejas rencillas. Leyendo su sinopsis y viendo sus primeros compases he llegado a pensar que podría ser un ‘Funny games’ al a inversa pero pronto me he llevado el chasco.

Aprecio y respeto que Jan Cornet sea un ganador del Goya. Pero su actuación en esta película no me parece digna de alguien que ostenta tal galardón. Cuando se encara con rabia o dureza no me parece creíble, aunque cuando hace de acobardado si está más eficiente. No obstante, su actuación no es la más carente de matices y naturalidad. Sheila Ponce habría necesitado un poco más de garra y de mano del director para llevar a cabo su personaje. Un rol que se enfrenta y alía constantemente al de Juan Diego Botto, que es el que parece que ha buscado más tonos para su actuación.

‘Rocambola’ no llega a explicar el significado de su título, pero si deja ver clarísimamente que es un intento inconfundible de hacer un descenso a los infiernos. No hay indirectas, hay alusiones directas a la Divina Comedia de Dante: la frase de inicio, el nombre del protagonista y el título de los capítulos. Los pasos están bien marcados en el guión si lo que se quería era hacer un calvario. No estoy diciendo que la película se haga un martirio, de hecho, no se hace lenta, si no que se ha buscado un via crucis para los personajes. Pero esa senda que recorren está realizada de manera bastante novel, en gran parte por la falta de elegancia o sutileza a la hora de usar las referencias.

Si se ha buscado acción no se ha conseguido, si acaso algo de suspense. Si se ha querido crear algún tipo de ambiente claustrofóbico tampoco lo he percibido. El sonido de la película es uno de los factores que te saca. Más allá de querer ser realista está repleto de reverberaciones en las paredes y de frases que se entienden poco.

Los paralelismos con la Divina Comedia están bien establecidos, aunque son demasiado evidentes. Más que esa falla ‘Rocambola’ tendría que sobreponerse a la poca sorpresa de sus giros y a la falta de verosimilitud, que no siempre salen obras maestras, pero por lo menos estaría bien que se acercase a lo rocambolesco.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Rocambola. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Juanra Fernández. Guion: Juanra Fernández. Música: Pedro Pablo Morante. Fotografía: Juan Miguel Morante. Reparto principal: Juan Diego Botto, Jan Cornet, Sheila Ponce, Elisa Matilla, Ana Álvarez. Producción: Marcianetes Films. Distribución: Begin Again Films, Filmin. Género: thriller. Web oficial: http://beginagainfilms.es/

Crítica: ‘La estafa (Bad education)’

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Sinopsis

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El querido superintendente del distrito escolar de Roslyn en Nueva York y su personal, amigos y familiares se convierten en los principales sospechosos en el desarrollo del mayor escándalo de malversación de fondos de la escuela pública en la historia de Estados Unidos.

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Crítica

Hugh Jackman ha percibido a la perfección la falsedad de un verdadero personaje

El director de ‘La estafa’ es Cory Finley (‘Purasangre’). En su segunda película ha pasado de dirigir a jóvenes como el fallecido Anton Yelchin o las emergentes Olivia Cooke y Anya Taylor-Joy a contar con una superestrella como Hugh Jackman. Aquí nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la «venganza» de uno de los estafados.

Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de uno de los institutos. Es una buena manera de mostrar que ‘La estafa’ se basa en el artículo que posteriormente se publicó en el New York Magazine redactado por Robert Koller y que podéis leer aquí.

Todo gira en torno a Frank Tassone, interpretado por Hugh Jackman que vuelve a encarnar un personaje real y carismático vapuleado por su entorno, como en ‘El candidato’. Un superinterdente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas les llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa murió hace treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa. Yo considero que Jackman interpreta a un personaje humano y muy bien calado.

No he podido evitar ver ‘La estafa’ y establecer numerosos paralelismos con la corrupción vivida en España. Casos que han puesto en boca de todos términos como empresa ficticia, enchufes, manipulación de datos, caja en B, tarjetas black… Seguro que os suena. Y os indignará saber (se indica al final del filme) que aquellos que trabajaban en la administración de Tassone (entre ellos el personaje de Allison Janney) y él mismo siguen cobrando anualmente un sueldo, una pensión que en el caso de Tassone asciende a 173,495.04 dólares. Colocaron a gran parte de sus estudiantes en grandes universidades, pero voluntaria o involuntariamente se han burlado del sistema y de los contribuyentes.

El parecido de Hug Jackman con Tassone es inexistente. Pero la película es muy detallista a la hora de conseguir el mismo efecto que causa la historia real y en su manera de enlazar con pormenores verídicos. Brilla ahí la mano de Finley que además ha sabido buscar en sus actores el rostro adecuado al final de cada escena clave, una especie de cara en standby.

A parte de contar una historia real que le ha servido al guionista para hablar de su ciudad la película tiene varios discursos que mostrar, lo cual hace que ‘La estafa’ tenga más empaque. Se explora bien el concepto de ética. Desde el docente que estafa, el policía que emplea detalles personales para arrinconar a su interrogado hasta la periodista que publicando la verdad puede sesgar el futuro de muchos inocentes que dependen del apoyo de ese sistema. También habla del ostracismo y cosificación de los profesores, que no se en USA pero yo me acuerdo bien de aquellos que me han ido enseñando toda mi vida, para bien o para mal.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Bad education. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Cory Finley. Guion: Mike Makowsky. Música: Michael Abels. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Hugh Jackman, Allison Janney, Geraldine Viswanathan, Annaleigh Ashford, Ray Romano, Alex Wolff, Ray Abruzzo, Rafael Casal, Jimmy Tatro, Stephanie Kurtzuba, Kathrine Narducci. Producción: HBO Films, Automatik Entertainment, Sight Unseen Pictures, Slater Hall Pictures. Distribución: HBO España. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.hbo.com/movies/bad-education

Crítica: ‘Descubriendo a Anna Frank. Historias paralelas’

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Sinopsis

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La actriz ganadora del Oscar Helen Mirren conduce un documental que explica la vida de Anna Frank a través de las páginas de su diario: un texto extraordinario que ha dado a conocer la tragedia del nazismo a millones de lectores en todo el mundo. La historia de Anna se entrelaza con la de cinco supervivientes del Holocausto, adolescentes como ella, con los mismos ideales, el mismo deseo de vivir, el mismo coraje: Arianna Szörenyi, Sarah Lichtsztejn-Montard, Helga Weiss y las hermanas Andra y Tatiana Bucci.

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Crítica

Una historia que no debe ser olvidada

El 22 de mayo llega ‘Descubriendo a Anna Frank. Historias paralelas’ en donde conoceremos un poco la historia de esta niña que estuvo unos dos años y medio escondida de los nazis para terminar en un campo de concentración. Su diario no solo nos muestra la evolución del paso que tuvo Anna de la niñez a la adolescencia, sino que vamos conociendo poco a poco los terrores de la guerra a través de lo que la familia escuchaba por la radio. El miedo a ser encontrados se palpaba todos los días.

Pero no solo la conoceremos a ella. También tendremos la oportunidad de escuchar a cinco mujeres que tuvieron más suerte que Anna y lograron sobrevivir a los horrores que les hicieron sufrir.

Hellen Mirren es la encargada de narrar esta historia. Sentada en la antigua habitación de Anna Frank, en la Casa de atrás, va leyendo pequeños retazos de este diario tan íntimo para irnos contando todo lo sucedido.

A su vez, acompañamos a Martina Gatti, la actriz nos va llevando a los lugares por los que pasó Anna o que fueron importantes a lo largo de todo su diario. A través de una App tipo Instagram, va subiendo las imágenes al nombre de @KaterinaKat. Un toque visual y moderno para atraer sin duda a los jóvenes que no conozcan la historia de Anna Frank. Ámsterdam, París, Terezín o el campo de concentración de Bergen-Belsen (donde murieron Anna y su hermana Margot), son alguno de los lugares que poco a poco vamos conociendo gracias a este trabajo de investigación.

Desde mi punto de vista, el documental es bastante didáctico, es una manera de presentar a Anna Frank. Como he dicho antes a la gente más joven que quizás no haya escuchado hablar sobre ella, este documental les parecerá bastante interesante e incluso seguramente se animarán a leer su diario. Eso sí, si conoces su historia y el holocausto, el documental quizás os parezca un poco más de lo mismo. Aunque no quita que siga dejando muy mal cuerpo todo el mal que se llegó hacer en aquellos años.

Arianna Szörenyi, Sarah Lichtsztejn, Helga Weiss y las hermanas Andra y Tatiana Bucci, son las cinco supervivientes a las que escucharemos en este documental. Ellas nos van contando sus penurias en los distintos campos en los que terminaron, lo que vieron y lo todo lo que las hacían hacer. Siendo niñas, cuentan, cómo debían mover cadáveres entre varios para llevarlos a zanjas. Una de ellas Helga Weiss nos muestra su diario, el cual escribió mientras estaba en Terezin, uno de los primeros campos de concentración, con dibujos incluidos de todo lo que iba viviendo allí.

Nos hablan de Mengele o de la terrorífica Irma Grese. En el documental se ven también escenas bastante duras dentro de los campos. Además de la casa donde Anna y su familia tuvieron que estar escondidos. La vemos en directo y también nos muestran una maqueta para situarla mejor.

La cinta dirigida por Sabina Fedeli (guionista de ‘Pintores y reyes del Prado’) y Anna Migotto (guionista de ‘Citizen Rosi’), llega a nuestras casas a través de Sala Virtual de Cine, Movistar +, Vodafone, Rakuten TV, Apple TV, Google Play y Orange.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de mayo 2020. Título original: #AnneFrank. Vite parallele. Duración: 92 min. País: Italia. Dirección: Sabina Fedeli, Anna Migotto. Música: Lele Marchitelli. Reparto principal: Hellen Mirren, Martina Gatti, Arianna Szörenyi, Sarah Lichtsztejn, Helga Weiss, Andra Bucci, Tatiana Bucci Producción: Nexo Digital, Rai Cinema. Distribución: A Contracorriente Films, Sherlock Films. Género: Documental, historia. Web oficial: https://www.salavirtualdecine.com/es

Crítica: ‘Little monsters’

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Sinopsis

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David es un vago en plena crisis: su novia le ha dejado, se ha quedado sin trabajo, aunque con orgullo sigue insistiendo en que está al frente de una banda de música que en realidad se separó hace años. Se encuentra abusando de la hospitalidad de su hermana, hasta que se une a una excursión de su sobrino, pero solo por una razón: acostarse con la profesora del niño, la señorita Caroline. Pero en el viaje, se topará con algo inesperado: zombis.

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Crítica

Darth Vader, un ukelele y música de Taylor Swift es lo necesario para acabar con los zombies

En noviembre de 2019 tuvimos la oportunidad de ver en el Festival de Sitges y repetir en el Festival de Nocturna Madrid, ‘Little monsters’. Distribuida por A Contracorriente Films. La cinta, maravillosamente protagonizada por Lupita Nyong’o, ganadora de un Oscar por ’12 años de esclavitud‘, nos trae una película romántica llena de música y de zombies.

‘Little zombies’ tiene uno de los comienzos más divertidos de lo que vi el año pasado, vamos viendo como Dave (Alexander England) mediante una multitud de escenas siempre termina discutiendo con su pareja a grito pelado, estando delante quien tenga que estar. Está claro que no dura y Dave debe irse a vivir con su hermana y su sobrino. Tras acompañar a este último al colegio queda prendado de la Señorita Caroline, hasta tal punto que se presenta voluntario en la excursión a la granja escuela. Allí se complica mucho la situación y los zombies salen a la luz.

Muy divertida, un filme en el que vemos todo tipo de situaciones. Distintas reacciones ante un ataque zombie y sinceramente alguna que otra bastante realista. Vemos el estrés, las carreras, la incredulidad o también vemos sacar lo peor de cada uno, como bien refleja el personaje que interpreta Josh Gad (‘Asesinato en el Orient Express’), que hace del típico animador infantil que odia a los niños.

Abe Forsythe, director y guionista de la cinta, se desenvuelve muy bien en el guirigay que monta. Niños, militares (de lo mejor de la película), zombies y animales. De todo en esta cinta que destaca por ser muy colorista. Al fin y al cabo estamos viendo una película bastante familiar pese a la sangre esparcida por todo lados.

La música es clave en la cinta, sobre todo la canción de Taylor Swift, ‘Shake it off’, que consiguieron gracias a la insistencia de Lupita Nyong’o, gran fan de la cantante. Ver a la actriz tocarla e interpretarla con el ukelele es estupendo y ver a los niños de la película disfrutando de la música mucho más. Al fin y al cabo, la música amansa a las fieras y ‘Little monsters’  lo demuestra desde el principio hasta el final.

La evolución del personaje de Dave es la más evidente, pasa de ser un tío egoísta a ser un hombre que de verdad se comienza a preocupar y hacerse cargo de sus errores.

Para terminar, como curiosidad, la película está dedicada al hijo del director y es que éste dio muchas ideas para la película y de echo le podemos ver como uno de los niños zombies de la película.

Sin duda ‘Little monsters’ es de estas historias con la que sales con una sonrisa en la boca y cantando a Taylor Swift. 

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Little monsters. Duración: 94 min. País: Reino Unido y Australia. Dirección: Abe Forsythe. Guión: Abe Forsythe. Música: Piers Burbrook de Vere. Fotografía: Lachlan Milne. Reparto principal: Lupita Nyong’o, Josh Gad, Alexander England, Nadia Townsend, Stephen Peacocke, Rahel Romahn, Kat Stewart. Producción: Screen Australia, Snoot Entertainment. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1112/little-monsters/