Archivo de la categoría: Críticas

Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘De-Mentes criminales’

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Sinopsis

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En esta comedia de acción basada en hechos reales, David Ghantt (Zack Galifianakis) descubre el verdadero sentido de la aventura mucho más allá de sus sueños más salvajes. Él es un hombre sin complicaciones, atrapado en una vida monótona. Cada día conduce un vehículo blindado, transportando millones de dólares de otras personas, sin perspectivas de mejora a la vista. El único atisbo de emoción es su amor platónico, Kelly Campbell (Kristen Wiig), su compañera de trabajo, quien pronto le cambiará los esquemas de su vida.

Junto a un grupo de delincuentes con «pocas luces», liderado por Steve Chambers (Owen Wilson) y con un plan absurdo, David logra lo imposible y se hace con 17 millones de dólares en efectivo…

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Crítica

Cuando la monotonía te hace perpetrar el robo más grande de Estados Unidos.

Basada en hechos reales, donde un hombre que trabaja para una empresa de furgones blindados, decide robar uno, al compincharse con una banda de malhechores y la chica de la que está enamorado.

Teniendo en cuenta que el tipo de humor de comedia americana no es muy de mi agrado, admito que me he reído en más de una ocasión y la historia me ha tenido enganchada.

La película nos presenta a David Ghantt, el cual lleva una vida mediocre. David nos cuenta que en realidad se metió a trabajar como conductor de furgones para vivir aventuras, una de sus mayores ilusiones era que alguna vez le amenazaran, le robaran y poder reaccionar, vivir.

Sí, puede ser un poco descabellado, no lo niego, pero es algo que puede ser muy real, la monotonía puede suponer vivir como un muerto viviente y David se conformaba absolutamente con todo lo que le trae la vida, incluida su futura esposa. El personaje de Kate Mckinnon es, como decirlo, muy especial, una mujer rara, pero rara de verdad, aparece poco en la cinta, pero el momento en el que te la presentan es muy bueno.

Los verdaderos liantes y cabezas pensantes de este atraco son Kristen Wiig, que es la chica explosiva de la que se enamora David y Owen Wilson, el que quiere la pasta. No sobresalen en la actuación, hacen sus papeles sin complicaciones y con sus gracias de siempre.

Otra mención especial es para Jason Sudeikis, que hace de un sicario un tanto extraño y que al final cae simpático y todo.

De-mentes criminales no es una gran película, no es una cinta donde vayas a salir con una gran moraleja o te vaya a repercutir en la vida, pero sí que te va a hacer reír. Muchas veces es lo más importante.

Una cinta donde no hay que ir a pensar, simplemente sentarse y reír. Disfrutar de 94 minutos de la típica comedia de cine americano.

Ficha técnica

Estreno en España: 4 de enero 2017. Título original: Masterminds. Duración: 94 min. País: EE.UU. Director: Jared Hess. Guión: Chris Bowman, Hubbel Palmer y Emily Spivey. Música: Geoff Zanelli. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Zach Galifianakis, Kristen Wiig, Owen Wilson, Jason Sudeikis, Devin Ratray, Ken Marino, Mary Elizabeth Ellis, Jon Daly, Kate McKinnon, Rhoda Griffis, Kevin J. O´Connor, Leslie Jones, Damiel Zacapa. Producción: Relativity Media/ Broadway Video/ Michaels-Goldwyn. Distribución: Tripctures. Género: Comedia. Web oficial: http://mastermindsmovie.tumblr.com/

 

Crítica: ‘Monster trucks’

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Sinopsis

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Tratando de evadirse de la vida y el pueblo en los que se encuentra atrapado desde que nació, Tripp (Lucas Till), un estudiante de último curso de instituto, construye un Monster Truck a partir de piezas y restos de coches de desguace. Después de un accidente en un yacimiento cercano en el que se estaban realizando perforaciones en busca de petróleo, aparece una extraña criatura subterránea con pasión y habilidad para la velocidad. Así, Tripp descubre que puede haber encontrado la clave para escapar del pueblo… y al más inesperado de los amigos.

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Crítica

Destinada a ser un entretenimiento meramente infantil.

‘Monster Trucks’ es una de esas películas ideales para ver disfrutando a los más pequeños de la casa. Nickelodeon y Paramount Pictures se vuelven a unir para esta segunda aventura de animación mezclada con acción real realizada por los estudios de animación de la Paramount. Esta es una cinta que está claramente dedicada a un público infantil por diversos motivos.

Posee constantes inconsistencias y un guión de lo más pueril. Según progresa la historia y parece que el argumento va a madurar nos llevamos un chasco. Hay que recordarse constantemente que es para niños, que no va a haber ni una sola reflexión profunda. La relación humano monstruo nos puede recordar a ficciones como ‘Transformers’ o ‘Mi amigo Mac’. Un joven, por supuesto inadaptado y con complejo de Luke Skywalker, conoce a una criatura extraordinaria que le cambia la vida, algo de lo más manido. Por supuesto están los típicos aguafiestas y la chica con la que se intuye como va a acabar todo.

Por lo demás tenemos una gran dosis de coches norteamericanos, de personajes estereotipados y de frases a destiempo. Mucha aventura y muchas persecuciones, dicho sea de paso. También he de decir que más expresión machista. El CGI es bueno. Las criaturas tentaculares de las profundidades que se nos presentan parecen una especie de hijos de Cthulhu, pero de buen royo.

No cabe esperar encontrar grandes interpretaciones. Lucas Till, el Havok de las nuevas entregas de X-Men, posee poco carisma y lleva de un modo bastante débil el protagonismo de la cinta. No comprendo la incorporación de Danny Glover para un personaje tan irrelevante ni las sobreactuaciones de Barry Pepper y Jane Levy.

Una película que solo puede considerarse como un entretenimiento insustancial e ingenuo. Chris Wedge estuvo más acertado con trabajos animados como ‘Ice Age: La edad de hielo’ o ‘Robots’. Los niños y niñas que quieran ver bichos simpáticos y coches a toda mecha destrozando todo a su paso la disfrutarán. Probablemente tenga mejor acogida en la televisión que en los cines.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2017. Título original: Monster Trucks. Duración: 104 min. País: EE.UU. Director: Chris Wedge. Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger, Derek Connolly, Matthew Robinson. Música: David Sardy. Reparto principal: Lucas Till, Jane Levy, Amy Ryan, Rob Lowe, Thomas Lennon, Barry Pepper, Danny Glover, Frank Whaley. Producción: Disruption Entertainment, Paramount Animation, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, fantástico. Web oficial: http://www.monstertrucksmovie.com/

Crítica: ‘Comanchería’

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 Sinopsis

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Tras la muerte de su madre, dos hermanos organizan una serie de atracos, eligiendo solo distintas sucursales del mismo banco. Solo les quedan algunos dí­as para evitar el desahucio de su propiedad familiar y pagar al banco con su propio dinero. Tras ellos, un Ranger cerca de retirarse y su segundo, están decididos a atrapar a los ladrones.

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Crítica

El western sigue vivo.

‘Comanchería’ nos llega bajo ese título sustituyendo al original, ‘Hell or High Water’. ‘Contra viento y marea’ habría sido más literal y fiel pero ‘Comanchería’ también nos aproxima al género al que pertenece esta película. Además en este título va implícita la razón del devenir del filme. La película de David Mackenzie (‘Convicto’) resulta aceptable como thriller, fuerte como drama y potente como western moderno y fronterizo.

El lejano oeste es el marco de esta historia de bancos, atracadores y rangers. Mackenzie se ha unido a Taylor Sheridan (‘Sicario’) para ofrecernos una película que si bien no ofrece grandes dosis de intriga está acompañada de un ambiente peligroso y turbio. Está cargada de la idiosincrasia y de la más arraigada de las tradiciones texanas. Si no fuese por elementos modernos como los coches, el asfalto, las armas de repetición, los teléfonos móviles… pensaríamos que estamos ante un clásico del far west.

Junto a un guión plagado de chistes vejatorios y conversaciones dignas de enmarcar tenemos una suerte de buddy movie. Experimentamos el destino de dos parejas de personajes, radicalmente diferentes los unos de los otros y que conservan estrechos lazos. La situación de los dos hermanos y el panorama que se muestra en su recorrido de banco a banco le sirve a ‘Comanchería’ para hacer una dura crítica a la situación económica del país. De hecho es como si dos cowboys viniesen a resolver el problema de las preferentes en España.

Chris Pine está de moda y aquí podemos ver una facción distinta de las que generalmente muestra. Pero Ben Foster ha realizado una interpretación mucho más constructiva desde el temperamento destructivo de su personaje. Y por supuesto Jeff Bridges destaca por hacer uso de unos matices que tiene controladísimos, los de bromista cargante que está de vuelta de todo y al cual no hay quien le sople. Ellos tres son grandes actores que anteriormente ya nos han dado mayúsculas actuaciones, pero se nota que la mano de Mackenzie está presente para llevarles a un confín diferente.

Renovar géneros es uno de los grandes retos del cine actual, Mackenzie y Sheridan lo logran con solvencia y soltura.

Por cierto, algunos aficionados al western reconocerán a un actor que aparece en la primera escena. Buck Taylor un experto en figurar en películas o series de semejante género, como ‘Bonanza’, ‘Los Monroe’, ‘La ley del revólver’, ‘Wild wild west’ o ‘Cowboys y aliens’.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Hell or High Water. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: David Mackenzie. Guión: Taylor Sheridan. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Giles Nuttgens. Reparto principal: Ben Foster, Chris Pine, Jeff Bridges, Gil Birmingham, Dale Dickey, Joe Berryman, Taylor Sheridan, Buck Taylor, Kristin Berg, William Sterchi, Debrianna Mansini, Alma Sisneros. Producción: CBS Films, Sidney Kimmel Entertainment, Oddlot Entertainment, Film 44, LBI Entertainment, Oddlot Entertainment production. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, western, thriller. Web oficial: http://www.hellorhighwater.movie/

Crítica: ‘Vuelta a casa de mi madre’

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 Sinopsis

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A sus 40 años, Stephanie se ve obligada a regresar a casa de su madre. Ella la recibe encantada pero lleva una vida independiente y tener a su hija en casa es una complicación. Las dos tendrán que armarse de paciencia en esta nueva etapa juntas. Bienvenido a un mundo de alto riesgo: la familia…

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Crítica

El infortunio siempre puede verse de otra manera.

Para todos debe ser un palo tener una vida planeada o en marcha y que por circunstancias de la vida hubiese que volver al hogar materno, que recular en nuestras expectativas y empezar de cero. Pero si esto sucede a los cuarenta años y en el marco de la crisis laboral europea puede ser aún más demoledor.

A pesar de tan aciago planteamiento el director Eric Lavaine (serie ‘H’) junto con el también guionista Héctor Cabello (‘El concierto’) han elaborado una película graciosa con muchísimas conversaciones, más que situaciones, cómicas. El marco de la Europa plagada de desempleados no es tan funesto después de ver una película como esta. Es un empujón, un bálsamo para aquellos que se puedan encontrar en una situación semejante. El director demuestra por qué venden tanto sus guiones en Francia y ha ido a lo seguro contando con actrices talentosas como Alexandra Lamy (‘Con todas nuestras fuerzas’) y Jasiane Balasko (‘Los bronceados’). Y para ir aún más con pies de plomo, emplea el mismo método de los monólogos televisivos, plasmar situaciones reales y cotidianas que pueden resultar chistosas. Principalmente abundan los malentendidos relacionados con la edad y con estar actualizado.

En ‘Vuelta a casa de mi madre’ tenemos a una madre sofocante que rehace su vida sin que sus hijos se enteren, una parada de las que se hartan de oír eso de «estas sobrecualificada» y unos hermanos que parece que se ocupan a distancia de su familia. Al principio parece que la única protagonista importante que vamos a tener es la hija (Lamy) pero poco a poco la madre (Balasko) le roba presencia e importancia. Ambas actúan casi inmejorablemente bien pero el carácter del personaje maternal se lleva casi todas las carcajadas, sin ella no habría película obviamente. Existe un tercer protagonista en discordia, la casa. Casi toda la película transcurre en esa localización y da juego para más de un diálogo.

Podemos quedarnos con que esta es una crítica en clave de comedia a la situación laboral de muchas personas con título universitario pero también es una petición para que todos nos entendamos con nuestros más allegados, sobre todo ahora que se acercan fechas plagadas de reuniones y cenas familiares.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre 2016. Título original: Retour chez ma mère. Duración: 97 min. País: Francia. Director: Eric Lavaine. Guión: Eric Lavaine, Héctor Cabello Reyes. Fotografía: François Hernandez. Reparto principal: Josiane Balasko, Alexandra Lamy, Mathilde Seigner, Alexandra Campanacci, Jérôme Commandeur, Nathan Dellemme, Pascal Demolon, Philippe Lefebvre, Cécile Rebboah. Producción: Pathé, Same Player, Scope Pictures, TF1 Films Production. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/631/vuelta-a-casa-de-mi-madre/

Crítica: ‘Passengers’

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 Sinopsis

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Jennifer Lawrence y Chris Pratt son dos pasajeros a bordo de una nave espacial camino de una nueva vida en otro planeta. El viaje cobra un giro letal cuando sus cápsulas de hibernación misteriosamente los hacen despertar 90 años antes de alcanzar su destino. Al tiempo que Jim y Aurora intentan averiguar el misterioso motivo que se esconde tras el fallo ocurrido, incapaces de negar su intensa atracción, empiezan a sentir algo el uno por el otro… aunque bajo la amenaza del inminente colapso de la nave y el descubrimiento de la verdad que se esconde tras su súbito despertar de la hibernación.

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Crítica

Un par de galácticos se enfrenta con solvencia al vacío del espacio.

‘Passengers’ nos sumerge en una aventura espacial que no resulta sorprendente pero que si nos cautiva, interesa y sobrepasa lo meramente entretenido. Comienza como una buena pieza de ciencia ficción que a priori podría recordar a ‘El jardín de Rama’ (incluso la nave se llama como una ciudad de esa novela). Pero no, es una epopeya espacial diferente que en su segundo tramo se convierte en un romance. Esa historia de amor no deja de tener de fondo el componente futurista con tintes de thriller. Finalmente, para su tercera parte, introduce un componente que desluce la cinta y que nos devuelve a la ciencia ficción, dejándonos al menos algo de aventura.

Existe algún punto de la película que quizá habría que haberlo resuelto de un modo diferente. Pero como norma general Morten Tyldum (‘The imitation game’) se mueve con solvencia dentro de este género y sabe jugar con las herramientas que junto a Jon Spaihts (‘Prometheus’) ha dispuesto. A parte del escenario fantástico nos ofrecen una situación desesperada acompañada de un dilema moral. Pese a que no se explota hasta el extremo esa disyuntiva consiguen que el espectador tenga un debate interno y no sepa con quien simpatizar.

Resulta que Lawrence y Pratt hacen buena pareja en pantalla. Son dos talentos jóvenes muy de moda que me gustaría ver en un ambiente diferente y que, aunque aquí no tengan su mejor interpretación, realizan un trabajo correcto. No llegan a tener la química que describirnos hace poco entre Pitt y Cotillard en ‘Aliados’ pero forman un buen dueto. Tanto Pratt como Lawrence demuestran ser más que unos iniciados en el mundo de la acción y la aventura.

Lo que puede llamar más la atención de ‘Passengers’ es la acertada escenografía y su diseño de producción. La ambientación nos transporta a una nave que en unas ocasiones rememora al videojuego ‘Mass Effect’ y en otras lo hace claramente a ‘2001 una odisea en el espacio’. Precisamente el argumento puede transportarnos también a ese clásico filme ya que los humanos tienen que enfrentarse a los problemas que les ocasiona la tecnología de la nave.

Sin querer equiparar ambas películas vuelvo a referenciar a ‘Aliados’ ya que ambas juntan a dos grandes estrellas como prácticamente únicos protagonistas. El filme de Zemeckis tenía un final muy valiente para una película comercial, ‘Passengers’ no tiene esa virtud.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Passengers. Duración: 106 min. País: EE.UU. Director: Morten Tyldum. Guión: Jon Spaihts. Música: Thomas Newman. Fotografía: Rodrigo Prieto. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Inder Kumar,Jamie Soricelli, Vince Foster, Julee Cerda, Robert Larriviere, Barbara Jones. Producción: Columbia Pictures, Lstar Capital, Village Roadshow Pictures, Original Film, Company Films, Start Motion Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: http://www.passengersmovie.com/

Crítica: ‘Assassin’s Creed’

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Sinopsis

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Gracias a una revolucionaria tecnología que desbloquea los recuerdos genéticos, Callum Lynch (Michael Fassbender) vive las aventuras de su ancestro, Aguilar de Nerja, en la España del siglo XV. Callum descubre que es el descendiente de una misteriosa sociedad secreta, los Assassins, y que posee increíbles conocimientos y habilidades que le permitirán enfrentarse a la poderosa y opresora organización de los Templarios en el presente.

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Crítica

Una apropiada historia alternativa.

Como amante de los videojuegos, pero no como jugador de esta saga, puedo decir que ‘Assassin’s Creed’ no es tan mala como ‘Doom’ ni tan evocadora como ‘Silent Hill’, por ejemplo. Si hay que darle un nivel de satisfacción podría arriesgarme a decir que será algo superior al de ‘Tomb Raider’. La historia rememora a los juegos y tiene elementos de ellos. Nos introduce correctamente en una trama con ciencia ficción y fantasía, igual que el juego. Pero se pierde a causa de estar centrada en marcar un punto de partida para una saga cinematográfica en vez de subirnos a un tren puesto ya en marcha por el mundo de los videojuegos.

Principalmente nos queda la sensación de que grandes figuras de la interpretación como Michael Fassbender, Marion Cotillard o Javier Gutiérrez están aquí desaprovechados. Si se hubiese confiado más o dado mayor presencia al reparto que aporta España la película habría cambiado para mejor. También cuenta con Carlos Bardem, Jeremy Irons o Denis Ménochet al cual recordaréis seguro de la primera escena de ‘Malditos Bastardos.

El guión de esta película producida por el propio Fassbender está bien documentado, tanto en el sentido de la obra de Ubisoft como en el del pasado español. Se muestra por ejemplo una obra que representa las hogueras que se llevaban a cabo en Madrid, se amolda bien a la época de la reconquista, nos ofrece lugares reconocibles del Madrid actual como el Estadio Vicente Calderón… Pero comete errores como dotar de un vestuario excéntrico a muchos extras e incluso de maquillar estrafalariamente a Isabel la Católica. También falla en detalles como la bandera que lucía España por entonces.

Y es que el diseño de producción resulta atractivo, pero algo inexplicable. No tenemos exactamente una recreación exacta de alguna de las entregas de la saga de videojuegos, pero si una estética llamativa. La cuestión que le resta notoriedad es que todas las ciudades presentan un exceso de polvo y humo. Esto desluce el resultado de la obra visual, como si se hubiesen querido ahorrar tiempo y dinero al recrear las localizaciones.

Arte visual al margen. ‘Assassin’s Creed’ nos ofrece un digno entretenimiento cuyo ritmo se dispara cada vez que llega una regresión. La película se encamina hacia una búsqueda de un artefacto pero se despista con la espectacularidad y la acción. No son tan vistosas como deberían las coreografías de los combates aunque algo si las de las persecuciones, con ese parkour medieval que hizo famoso al juego. No es una carrera por encontrar un artefacto al estilo de ‘La búsqueda’ o el ‘Código Da Vinci’ precisamente. La manzana, o cómo podríamos decir mejor, la bola de petanca, es un elemento secundario que se encuentra en el camino del personaje de Fassbender.

El director Justin Kurzel se trajo a su equipo de ‘Macbeth’ para una película de códigos muy diferentes. Esta vez apunta a saga, por lo menos a trilogía. Tanto su resultado final como el tirón en taquilla que tendrá gracias a sus actores y a los seguidores del videojuego seguro que nos garantizará una segunda entrega, por lo menos. De momento hay talento desaprovechado en una adaptación bastante potable que tendrá detractores y admiradores por igual.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de diciembre de 2016. Título original: Assassin’s Creed. Duración: 108 min. País: EE.UU. Director: Justin Kurzel. Guión: Adam Cooper, Bill Collage, Michael Lesslie. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Adam Arkapaw. Reparto principal: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Ariane Labed, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Charlotte Rampling, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Matias Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali,Javier Gutiérrez, Dino Fazzani, Gabriel Andreu, Megan Affonso. Producción: 20th Century Fox, Regency Enterprises, DMC Film, Ubisoft. Distribución: 20th Century Fox. Género: videojuegos, aventura, ciencia ficción. Web oficial: http://www.fox.es/assassins-creed

Crítica: ‘Las inocentes’

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 Sinopsis

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Un monasterio cerca de Varsovia (Polonia) alberga un oscuro secreto.

Mathilde Beaulieu es una joven médico enviada por la Cruz Roja con el fin de garantizar la repatriación de los prisioneros franceses heridos en la frontera entre Alemania y Polonia. Pero la sorpresa llega cuando descubre que una gran parte de las hermanas del convento están embarazadas por soldados del Ejército Rojo.

Aunque Mathilde es inexperta, deberá aprender a sacar adelante esta inusual situación y ayudar a las hermanas.

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Crítica

Inocencia perdida involuntariamente.

Tenemos ante nosotros una película femenina pero no necesariamente feminista. ‘Las inocentes’ no va de ese palo. Hay que ser más amplios de entendederas para no caer en presuponer que una película con un equipo tan repleto de mujeres no busca revindicar nada por esas vías. Título, directora y protagonistas pertenecen al género femenino. Un equipo artístico casi sin hombres en el que Anne Fontaine (Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’) reúne a actrices como: Lou de Laâge (‘La espera’), Agata Buzek (‘Redención’), Agata Kulesza (‘Ida’) o Joanna Kulig (‘Hansel y Gretel: Cazadores de brujas’). Un reparto que si bien no es muy conocido en España, os las he tenido que ubicar con alguna de sus películas, resuelve satisfactoriamente la papeleta que les ha tocado. Aunque también habría que puntualizar que la mayoría de las interpretaciones están muy contenidas, en exceso. Las monjas de ‘Las inocentes’ son estrictas con sus votos y temperamento, pero el resto de personajes no debería presentar si misma apatía. Aun así Fontaine logra mostrarnos que cada una se encuentra en una tesitura resuelta de diferentes maneras, pero en ningún caso del modo visceral que requería el filme.

Como he dicho antes esta película no reivindica, si no que nos instruye sobre algo sucedido y nos plantea un dilema ético/religioso. Se pone sobre la mesa un enfrentamiento entre fe y naturaleza humana. ¿Qué debe primar, el deber religioso contraído al vestir el hábito o el biológico de toda mujer que va a ser madre? Es una historia de tantas que nos han contado y de tantas que quedaran por conocerse sobre las consecuencias de las guerras acaecidas en el siglo XX, pero presenta ese matiz controvertido. Un relato que sorprende por el simple hecho de estar basado en hechos reales. Su mensaje es cautivadoramente emocionante.

La historia se narra y se puede resumir en mucho menos de lo que dura la cinta. Posiblemente lo más apreciable de ‘Las inocentes’ sea el dilema que se le presenta a las religiosas y el cómo se enfrentaron a él tanto ellas como la doctora que las ayudó. Es por lo tanto un enfrentamiento entre ideas, un duro contraste. Choca el frío y estéril ambiente del convento que tenemos durante toda la película contra la cálida y viva imagen del final. De este modo, y pese a irse alguna vez por las ramas, la directora nos ofrece su opinión y su punto de vista respecto a este suceso histórico que hemos de considerar más dramático que anecdótico.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de diciembre de 2017. Título original: Les inocentes (Agnus Dei). Duración: 115 min. País: Francia, Polonia. Director: Anne Fontaine. Guión: Sabrina B. Karine, Pascal Bonitzer, Anne Fontaine, Alice Vial. Música: Grégoire Hetzel. Fotografía: Caroline Champetier. Reparto principal: Joanna Kulig, Lou de Laâge, Agata Buzek, Agata Kulesza, Anna Próchniak, Vincent Macaigne, Katarzyna Dabrowska. Producción: Mandarin Films, Aeroplan Films, Mars Films, France 2 Cinéma, Scope Pictures. Distribución: Caramel Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/las_inocentes

Crítica: ‘La comuna’

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Sinopsis

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Erik, un profesor de arquitectura, hereda el viejo caserón de su padre al norte de Copenhague. Su esposa Anna, una conocida presentadora de televisión, le sugiere que inviten a sus amigos a vivir con ellos. Con esto espera alejar el aburrimiento que ha empezado a infiltrarse en su matrimonio. Muy pronto, unos cuantos de ellos se instalan en la casa. Se toman decisiones en común, se habla de todo y se discrepa en mayor o menor grado debido a sus idiosincrasias. Pero el frágil equilibrio amenaza con romperse cuando Erik se enamora de Emma, una alumna suya, que se muda a la casa.

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Crítica

Esta nueva película de Thomas Vinterberg sigue los pasos de ‘Celebración’ y ‘La caza’ pese a que formen parte de dos etapas distintas en la trayectoria del director. Se acerca más a ‘Celebración’ pues empiezan con una buena noticia que acaba derivando en una catarsis final llena de tristeza que se convierte en ceniza en la boca, como diría Tyrion Lannister.

Trata de cómo un matrimonio, más menos acomodado pero ya entrado en rutina, hereda la casa familiar paterna y en vez de venderla o usarla deciden montar un conglomerado de amigos en plan comuna. Deciden hacerlo para darle un nuevo aire a su vida pero la convergencia de las personalidades de cada uno, la escasa capacidad monetaria de los compañeros y el distanciamiento del matrimonio original, hacen que acabe haciendo aguas.

La historia de la ruptura del matrimonio y como deben de aprender a vivir el futuro cada uno está bastante acertada. Capta genialmente el grado de locura o el camino al autoengaño en el inicio del filme. Y como puede todo llevar a las personas a enfrentarse a su propia locura o apagarse en esa lucha en el tramo final de ‘La comuna’.

El mayor peso de la película lo lleva el dúo que forman los menores de la comuna, Freja y Vidja, y sobre todo la mujer, Anna, una Trine Dyrholm sin la que la mitad del largometraje se volvería algo gris. También vemos como miembro de la comuna a Fares Fares, conocido por las películas del Departamento Q, pero en esta ocasión está relegado a un papel mucho más secundario.

No es una película con un gran guión ni grandes medios pero si llena de los sentimientos que el director desea retratar.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2016. Título original: Kollektivet. Duración: 107 min. País: Dinamarca. Director: Thomas Vinterberg. Guión: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg. Música: Fons Merkies. Fotografía: Jesper Tøffner. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Trine Dyrholm, Martha Sofie Wallstrøm Hansen, Helene Reingaard Neumann, Lars Ranthe, Fares Fares, Julie Agnete Vang, Lise Koefoed,Adam Fischer, Magnus Millang, Oliver Methling Søndergaard, Rasmus Lind Rubin,Sebastian Grønnegaard Milbrat. Producción: Zentropa Entertainments. Distribución: Golem Distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.kino.dk/film/k/ko/kollektivet

Crítica: ‘Fiesta de empresa’

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Sinopsis

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Con el fin de conseguir un gran cliente para la empresa, un grupo de ejecutivos organiza lo que tendría que ser una épica fiesta de empresa, pero se les acabará yendo de las manos, convirtiéndose en un desmadre fuera de control.

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Crítica

Si queréis hacer una no dejéis que vuestros jefes vean esto.

Cuando hablamos de imagen real y no de animación Dreamworks cuenta en su haber con un buen número de películas disparatadas como ‘Ahora los padres son ellos’ o ‘Tropic Thunder’. ‘Fiesta de empresa’ no es menos disparatada, de hecho, merece un calificativo más alocado como incontrolada o desbocada. El humor norteamericano está otra vez de moda, principalmente desde que muchos intentan seguir los pasos de ‘Resacón en Las Vegas’. Últimamente hemos visto películas de desfase como ‘Malas madres’, ‘Un espía y medio’, ‘Malditos vecinos 2’ o ‘Mike y Dave buscan rollo serio’.

Para que te sientas cómodo en esta ‘Fiesta de empresa’ te tiene que gustar ese tipo de comedia cargada de sexo, drogas, groserías y música discotequera. Es como si estuviese sacada de la imaginación de Charlie Sheen. Todo se sale de madre y cada empleado saca sus demonios expresando o haciendo todo aquello que se tenía callado. Personalmente este tipo de películas no me aporta nada más allá que alguna que otra carcajada. Al menos puedo decir que hacía mucho que no veía que los norteamericanos acertasen a la hora de insertar una flatulencia.

Para que estas cintas resulten chocantes y chistosas hay que crear escenas disparatadas en un escenario real. En gran parte de la película esto se consigue pero existen muchas situaciones, como la de las escenas finales, que ya resultan poco convincentes. Toman derroteros demasiado surrealistas.

Aunque sea una película de guasa los actores se han tomado muy en serio sus roles. Especialmente T.J. Miller (‘Deadpool’), Kate McKinnon (‘Cazafantasmas’) y Jennifer Aniston (‘Cómo acabar sin tu jefe 2’). Aniston hace de algo así como el Grinch o el personaje dickensiano de Ebenezer Scrooge transportado al mundo actual. McKinnon está irreconocible en su papel de recatada extravagante. Por su parte T.J. Miller interpreta a un jefe bastante incompetente e insensato que en muchos aspectos me ha recordado a Matt Berry cuando hizo de presidente en ‘The IT Crowd’.

A parte de la curiosidad de la aparición del jugador de los Bulls Jimmy Butler, no resulta un filme interesante, simplemente otra comedia más que no alcanza el calificativo de descacharrante, pero si de divertida. No sé si desearle a alguien una fiesta de empresa como esta, totalmente impredecible, que para bien o para mal sería memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Office Christmas Party. Duración: 105 min. País: EE.UU. Director: Josh Gordon, Will Speck. Guión: Guymon Casady, Timothy Dowling, Lee Eisenberg, Gene Stupnitsky. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Jeff Cutter. Reparto principal: Jennifer Aniston, Jason Bateman, Olivia Munn, T.J. Miller, Jamie Chung, Kate McKinnon, Abbey Lee, Jillian Bell, Karan Soni, Randall Park, Matt Walsh, Vanessa Bayer, Rob Corddry, Courtney B. Vance, Adrian Martinez. Producción: DreamWorks Pictures. Distribución: eOne Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.officechristmasparty.com/

Crítica: ‘El editor de libros’

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Sinopsis

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Thomas Wolfe es un diamante en bruto, un escritor de gran talento, pero incapaz de gestionar su creatividad. Su éxito y reconocimiento llegarán gracias a su editor, el gran Max Perkins, descubridor también de Hemingway, Steinbeck y Fitzgerald. Perkins dedicó miles de horas a pulir los defectos de la literatura del genial Wolfe. Pero sobre todo, con él y su esposa compartieron una extraordinaria historia de amistad.

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Crítica

Inspiradora y fotogénica.

Los protagonistas de las películas literarias en ocasiones son los autores, en ocasiones los propios personajes de las obras, en otras la fuente de inspiración… Pero en ‘El editor de libros’ es el editor el que recibe homenaje. Una persona que suele permanecer en la sombra o que no suele ser conocida entre el público general y que gracias a filmes como este puede verse más recompensada. «Los editores deberían ser anónimos» dice el personaje de Colin Firth, tal vez algunos así lo deseen.

Firth se mete en la piel de alguien que existió realmente (el filme se basa en hechos reales y en una novela de A. Scott Berg). Nos muestra la auténtica labor del editor, al menos en la época de escritores como Hemingway o Wolfe. A parte de su parecido físico (no es el único logrado en el filme) con este trabajador del mundo editorial, Firth nos muestra a un hombre parco en palabras, a pesar de vivir rodeado de libros. Es alguien que se rodea y trabaja con autoridades de la palabra escrita como Scott Fitzgerald o Ernest Hemingway y que mantiene siempre el sombrero sobre su cabeza. Cuando conoce a alguien tan estrafalario y vertiginoso como Thomas Wolfe, interpretado aquí por Jude Law, su firme e ilustre monotonía se rompe.

Casi más que centrarse solo en el editor se habla de la gestación de la obra de Wolfe. Se emplea esta relación comercial y artística para narrarnos una historia veraz sobre la amistad. Los títulos originales de la película y de la novela en la que se basa son ‘Genius’ y ‘Max Perkins: Editor of Genius’ respectivamente. Y es que se quiere plasmar a este editor como un genio descubre genios pero principalmente se le ha retratado como el preocupado y entregado amigo de sus autores.

John Logan ha escrito esta historia íntimamente relacionada con la literatura norteamericana haciendo uso de un humor afable. Inspira o alienta a escritores y editores a enfrentarse a la ardua tarea de dar a luz a un libro. Además la película nos viene acompañada de una fotografía icónica, obra de Ben Davis, responsable de trabajos como ‘Kick Ass’, ‘Guardianes de la galaxia’ o ‘Stardust’ entre muchas otras.

A nivel interpretativo nos encontramos con un Jude Law soberbio. Está extravagante, impetuoso, vivo. El suyo es un Wolfe encabezonado en plasmar su país en sus obras a través de su extensa prosa descriptiva. Como he dicho, Colin Firth actúa como hombre sobrio e inquebrantable, pero también como preocupado padre absorbido por su trabajo. Como mayor apoyo está Nicole Kidman, en un papel casi de persona desequilibrada por los delirios del amor. Laura Linney es una madre entregada y una esposa regañona que vela por la unidad de su familia. Guy Pierce parece poco y está muy comedido.

Por medio de la relación que guarda con sus escritores Perkins descubre los distintos matices de la vida y no lo hace siempre leyendo sus escritos. Esta es la afinidad que puede sentir el espectador que acuda al cine a hacer lo mismo a través de las películas proyectadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Genius. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Director: Michael Grandage. Guión: John Logan. Música: Adam Cork. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Laura Linney, Guy Pearce, Dominic West, Vanessa Kirby. Producción: Riverstone Pictures, Michael Grandage Company, Desert Wolf Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, biográfica. Web oficial: http://www.genius-thefilm.com/

Crítica: ‘Paterson’

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Sinopsis

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Paterson es un conductor de autobús en la ciudad de Paterson, Nueva Jersey -ambos comparten nombre.

Cada día, Paterson sigue una simple rutina: Hace su ruta diaria, observando la ciudad a través de su parabrisas y oyendo fragmentos de conversaciones fugaces a su alrededor; escribe poemas en un cuaderno; saca a pasear al perro; va al mismo bar a tomarse siempre esa misma cerveza; y se va a casa con su esposa, Laura.

Por el contrario, el mundo de Laura es siempre cambiante. Cada día le surge un nuevo sueño, un proyecto diferente e inspirador. Paterson ama a Laura y ella le ama a él. Él apoya sus nuevas ambiciones; ella ensalza su don para la poesía.

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Crítica

La poesía que nos enseña a vivir.

¿Qué o quién es Paterson? A parte de ser una localidad de New Jersey, cuna de celebridades como Lou Costello, Rubin (Huracán) Carter, Frederick Reines, John Pizzarelli o Mindy Sterling; es el personaje de la nueva película de Jim Jarmusch (‘Dead man’). Quien le da rostro, cuerpo y alma es Adam Driver. Su trabajo ha consistido en interpretar a un exmilitar y conductor de autobús que lleva dentro a un talentoso poeta. Un artista que deja pasar el mundo delante de él sin intervenir de manera significativa, pasando casi inadvertido para los que le rodean, como si fuese una pieza más de su viejo autobús. De este modo observa su realidad y la plasma en los versos que escribe en su libreta. Versos que nos lee como una voz en off que sin llegar a ser Pablo Neruda nos deleita los oídos.

Al igual que la poesía ‘Paterson’ puede sentirse de diferentes modos y pude tener varias lecturas. Esto es debido a que pese a parecer que se narra de un modo manido, como es el mostrar un día a día, Jarmusch nos desvela una nueva manera de contar historias. En cada secuencia diaria descubrimos junto con el protagonista nuevos aspectos y detalles de la vida. Es decir, con la monotonía y la rutina descubrimos a Paterson. La poesía puede tener esquemas fijos, como los hábitos de Paterson, pero si todo se sale de lo establecido se pueden tener pequeñas revelaciones sobre uno mismo.

De nuevo Jim Jarmusch se recrea con el interior de sus personajes pero sin exponerlo abiertamente. Cada individuo tiene algo a lo que agarrarse para soportar el peso del mundo real. Paterson la poesía, el camarero de su garito habitual el ajedrez y las curiosidades locales, su mujer los cupcakes, su supervisor del trabajo se desahoga quejándose de banalidades… incluso su perro tiene sus manías. En algunos casos nos demuestran que cualquiera, sin ser ningún genio, puede hacer arte de un tipo o del otro.

A parte de la sucesión rigurosa de los días de la semana encontramos pautas que ponen de manifiesto un ritmo metódico y estudiado. Paterson siempre empieza el día con el poema del día anterior y luego escribe otro nuevo, siempre escucha alguna conversación de sus pasajeros, siempre ve algunos gemelos… La cadencia y la métrica están cuidadas como en los mejores poemas de la historia universal, para que nos sintamos dentro de una pieza literaria.

Con este largometraje tenemos reflexión e inspiración envueltos en un lenguaje coloquial. Tal vez haría falta más pausa y tiempo para analizar cada una de las composiciones del poeta. ‘Paterson’ nos ofrece una realidad sin asonancia ni consonancia, al fin y al cabo, el mundo no rima.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2016. Título original: Paterson. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Jim Jarmusch. Guión: Jim Jarmusch. Música: Sqürl. Fotografía: Frederick Elmes. Reparto principal: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr.,Frank Harts, William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase, Owen Asztalos, Jaden Michael, Chasten Harmon, Brian McCarthy. Producción: Amazon Studios, Animal Kingdom, K5 Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/paterson.html

Crítica: ‘Hasta el último hombre’

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Sinopsis

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Japón, 1945. Desmond Doss (Andrew Garfield), un hombre contrario a la violencia, se alista en el ejército de EEUU para servir como médico de guerra en plena II Guerra Mundial. Tras luchar contra todo el estamento militar y enfrentarse a un juicio de guerra por su negativa a coger un arma, consigue su objetivo y es enviado a servir como médico al frente japonés. A pesar de ser recibido con recelo por todo el batallón durante la salvaje toma de Okinawa, Desmond demuestra su valor salvando a 75 hombres heridos consiguiendo el respeto de los soldados.

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Crítica

Mel Gibson ha vuelto.

Han pasado 10 años desde ‘Apocalypto’, la última película dirigida por Mel Gibson. Una década de sequía, a modo de castigo, provocada por las constantes polémicas sobre el supuesto antisemitismo de Gibson, que han levantado el recelo en un Hollywood mayoritariamente judío. El que fuera detenido (precisamente hace 10 años) por conducir borracho y se dedicara a insultar a los agentes, tampoco ha sido de mucha ayuda. Pero Gibson asegura que lleva estos 10 años sobrio y pretende recuperar el prestigio perdido a través de su talento tras las cámaras. Y parece que lo conserva intacto, al igual que sus fuertes influencias religiosas.

Uno de los problemas que pueden surgir al adaptar una historia real es que tiene que ser lo suficientemente interesante (o contarse de manera que lo llegue a ser) para entretener a un espectador que ya sabe lo que va a pasar. Y Gibson lo consigue con creces durante 133 minutos. ‘Hasta El Último Hombre’ adapta, a través de una interpretación notable de Andrew Garfield, la vida de Desmond Doss, un combatiente en la batalla de Okinawa de la II Guerra Mundial que se convirtió en el primer objetor de conciencia condecorado con la Medalla de Honor del Congreso norteamericano (el máximo galardón que puede recibir un militar por su desempeño en el campo de batalla). Y lo hace en dos partes muy diferenciadas, dividiendo como hiciera Kubrick en ‘La Chaqueta Metálica’ la formación militar de la propia guerra. En la primera parte nos encontramos ante un biopic de superación bastante convencional, en el que se nos presenta la infancia de Doss, los problemas con la ira de su padre (un veterano de la I Guerra Mundial), el romance idílico con una enfermera que le hace interesarse por la medicina y, sobre todo, la ferviente fe que profesa desde pequeño. Doss se obsesiona con el quinto mandamiento, “no matarás”, que junto a su patriotismo le llevarán a alistarse en el ejército con una condición: no tocar un arma. Esta decisión le conllevará numerosos problemas, tanto con sus superiores (un sorprendente Vince Vaughn) como con sus compañeros, que le toman por cobarde. Es en ese momento cuando Doss comienza a desarrollar una determinación casi suicida por sus convicciones morales y sus creencias que se verá potenciada en la segunda parte de la película.

Tras una hora bastante convencional en la que Gibson repite algunos tópicos cinematográficos para dar ritmo (la carta en el último momento, los insultos graciosos del general a su tropa, el protagonista dando la cara por los compañeros que le hacen la vida imposible para ganarse su respeto, etc), llegamos a la parte puramente bélica. Y aquí parece empezar una película totalmente nueva. Cambiamos directamente al género de terror en una brutal carnicería, en la que el gore haría las delicias de cualquier seguidor de Tom Savini (que se influenciaba para sus sangrientas creaciones en su etapa como fotógrafo de guerra en Vietnam). Una masacre interminable que pasa a competir con las más crudas recreaciones bélicas que se hayan rodado. Que no son pocas. A la casquería se le unen otros elementos típicos del terror como sustos, ensoñaciones, suspense y un asesino casi sobrenatural, en este caso unos japoneses que son presentados como fantasmas inmortales. Después el tono se va suavizando para dejar paso a la heroica, al patriotismo exacerbado y a glorificar al Tío Sam, para terminar con las declaraciones en formato documental del propio Desmond Doss en las que podemos relacionar sus vivencias con la adaptación que acabamos de presenciar.

Doss falleció con 87 años en 2006. Hace 10 años. Una fecha que parece no escogida al azar por un autor que quiere volver a sentirse importante en un panorama cinematográfico que le daba por muerto. Mel Gibson ha vuelto.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Hacksaw Ridge. Duración: 131 min. País: EE.UU. Director: Mel Gibson. Guión: Robert Schenkkan, Randall Wallace, Andrew Knight. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Simon Duggan. Reparto principal: Andrew Garfield, Teresa Palmer, Sam Worthington, Luke Bracey, Vince Vaughn, Hugo Weaving, Rachel Griffiths, Richard Roxburgh, Matt Nable, Nathaniel Buzolic, Ryan Corr, Goran D. Kleut, Firass Dirani, Milo Gibson, Ben O’Toole. Producción: Lionsgate, Pandemonium Films, Permut Productions, Vendian Entertainment, Kylin Pictures. Distribución: DeAPlaneta Género: bélico, drama, hecho real. Web oficial: http://www.hastaelultimohombre.com/

Crítica: ‘Aloys’

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Sinopsis

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Aloys Adorn es un detective privado taciturno, un lobo solitario cuyo trabajo consiste en filmar a otras personas, observándolas en secreto y permaneciendo invisible. Un día se emborracha y se duerme en un autobús, y al despertarse descubre que su cámara y sus cintas han sido robadas. La misteriosa mujer que le llama poco después parece tener algo que ver con ello.

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Crítica

Un detective privado sin vida privada.

Si la sinopsis ya resultaba atractiva o enigmática, la película consigue potenciar aún más esos dos calificativos. El director y guionista Tobias Nölle nos presenta a Aloys, un personaje raro, introvertido. Su vida privada se ve consumida por su trabajo, hasta el punto de ser casi nula. Posee un empleo que le obliga a mantener las distancias con el mundo que le rodea, impidiéndole tener una existencia normal. Además acaba de sufrir una tragedia que fortifica su problema social. El protagonista, un detective privado, trabaja explotando los mayores e inconfesables secretos de la gente y le ha llegado el momento a él de salir de su aislamiento y no solo de crearse una privacidad si no de sacarla a relucir.

El aislamiento es uno de los sentimientos o acciones que Nölle ha querido tratar. Los planos de interiores son los que dominan la película. Planos que nos retratan el interior de una persona y que podrían formar parte de catálogos. Nos transmiten una sensación de soledad, encierro y casi misantropía. Unidos al orden y rigor de las rutinas de nuestro detective, el director consigue enfrascarnos en un personaje difícil de asediar. El voyerismo, el existencialismo o la liberación del verdadero yo son los otros grandes temas del filme.

El gato se convierte en ratón en determinado momento de la película y es entonces cuando vislumbramos una suerte de revelación. Sin llegar a sufrir una catarsis Aloys, interpretado por Georg Friederich, vive una reinvención y una fragmentación de su personalidad. Lo que experimenta realmente es una reconquista de su humanidad a partir de la evasión al mundo de la fantasía y la imaginación. Su mente se va despejando de igual modo que apartamos el vaho de un cristal empañado.

La influencia de David Lynch y su ‘Cabeza borradora’ es más que evidente. Desde luego esta película lleva dos sellos muy claros que también tenía Lynch en los setenta: el de ser una ópera prima y el de pertenecer al más genuino cine independiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: Aloys. Duración: 91 min. País: Suiza. Director: Tobias Nölle. Guión: Tobias Nölle. Fotografía: Simon Guy Fässler. Reparto principal: Georg Friedrich, Tilde von Overbeck. Producción: Georg Friedrich, Tilde von Overbeck, Kamil Krejcí, Yufei Li, Koi Lee, Sebastian Krähenbühl, Karl Friedrich, Peter Zumstein, Agnes Lampkin, Rahel Hubacher. Distribución: Atera Films. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.aterafilms.com/es/aloys

Crítica: ‘La madriguera’

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Sinopsis

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Carlos es un escritor de éxito que está encerrado en su casa, no puede acabar su siguiente novela, está bloqueado. Debido a un trágico suceso ha perdido toda la inspiración. La editorial le insiste para que cumpla con su contrato. Carlos es incapaz de salir de esta situación por sí solo, y su editor decide enviarle a Caterina, una joven ayudante que conoce y admira todo su trabajo. La presencia de Caterina hace que Carlos recupere algo de orden en su vida, realizando verdaderos esfuerzos para superar los miedos que lo paralizan, llevando a cabo rutinas que lo ayuden a concentrarse. Pese a ello, Carlos sigue siendo incapaz de salir de su casa, ve en Caterina la única oportunidad de acabar la novela y no está dispuesto a perderla. Carlos empieza a construir la madriguera, de la que Caterina intentará escapar a toda costa.

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Crítica

La tensión está escrita.

‘La madriguera’ es una película que podríamos decir que entra dentro de “pequeñas películas” españolas recién estrenadas como ‘El destierro’ o ‘Anomalous’. Filmes que pese a su falta de presencia publicitaria y de su notablemente reducido presupuesto pueden sorprender a más de uno.

Kurro González se estrena con una pequeña pero calculada propuesta. Se nos presenta una historia de tensión y emociones contenidas. Únicamente tenemos dos protagonistas (Francisco Conde y Adriana Torrebejano), una localización (la casa) y una motivación (escribir un libro). Una editorial envía a una ayudante para que su preciado escritor consiga terminar su próxima obra, pero este está traumatizado y bloqueado. Este es el punto de partida para una historia que poco a poco se vuelve más tirante e inquieta. El personaje de Conde sufre agorafobia debido a un trauma que está bien justificado y bien hilado. El espectador es consciente en todo momento de cuál es el problema que sufre pero el personaje de Torrebejano no, y es por eso que aquellos que sean más empáticos podrán sufrir con ella.

La interpretación de la actriz, nueva en esto de los largometrajes, es superior a la de Conde, que a su vez ejerce de guionista y de productor. Pero es Carlos Santos quien nos brinda la mejor escena. Sin duda el interrogatorio de Carlos Santos y Javier Mora al personaje de Francisco Conde nos ofrece la mejor cara de esta película. Es ahí donde vivimos la situación más tensa e ingeniosa del filme y donde el talento de Santos hace salir al mejor Conde que en muchas ocasiones resulta poco espontáneo o natural.

En una película como esta es difícil controlar el raccord emocional, sería más sencillo si estuviésemos hablando de una obra de teatro en la que los actores se van cargando o viven al momento lo que le ocurre a su personaje. Pero en ningún momento notamos que decaiga el ritmo y la progresión de los individuos. Además la “madriguera” ayuda a mantener encerrada esa tensión, como si ese propio sentimiento tuviese miedo a salir fuera. Este emplazamiento ha obligado a González a realizar muchos juegos con los ángulos, los marcos y los espejos.

No tenemos grandes giros de guión, solo una atmósfera y unos personajes que poco a poco van subiendo su nivel de crispación e incluso de desesperación. Uno de los fallos, que rompe este ambiente, es la desacertada música. En ocasiones las melodías que acompañan a las escenas pueden inquietar por lo extraño de su elección, pero por lo general nos sacan de la película. Por mucho que los títulos de las sinfonías tengan que ver con la escena que vivimos no resulta convincente su uso.

Kurro González ha demostrado ser capaz de ser director (a parte de montador) en un proyecto muy personal. Esta especie de ‘Misery’ a la inversa es una buena manera de redirigir una carrera que podría ser larga en este nuevo rol.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: La madriguera. Duración: 102 min. País: España. Director: Kurro González. Guión: Curro González, Francisco Conde. Música: Luis Herrero ‘The youth’. Fotografía: Alberto Muñoz. Reparto principal: Francisco Conde, Adriana Torrebejano, Cristina Castaño, Carlos Santos, Javier Mora. Producción: Francisco Conde, 32historias Producciones. Distribución: Syldavia Cinema. Género: thriller. Web oficial: http://32historias.com/lamadriguera/

Crítica: ‘Igelak (Ranas)’

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Sinopsis

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Pello, director de una sucursal bancaria, es detenido por delitos económicos. Abandonado por el superior que le enredó en el delito, huye para evitar la cárcel y se convierte en fugitivo. Por azar acabará escondido en un edificio ocupado por desahuciados en lucha. Pello se gana la confianza del colectivo, con el objetivo de robarles el dinero suficiente para pagarse una documentación falsa, huir al extranjero y empezar una nueva vida.

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Crítica

Una película de fábula, pero no fabulosa.

Tellería no encuentra al príncipe, pero tampoco le sale rana esta tercera obra como director, desconozco si es la más ambiciosa de las tres que ha dirigido. Ha hecho suya la fábula del escorpión y la rana adaptándola y convirtiéndola en una historia que enfrenta a personas oportunistas y sin escrúpulos frente a personas humildes y luchadoras. Está claro en todo momento quién es rana y quién escorpión. Todo ello está hecho, o se ha pretendido, en clave de comedia.

Gorka Otxoa, un tipo que demuestra estar concienciado y comprometido con causas verdaderamente valiosas, se mete en la piel de un personaje tragicómico que maneja muy bien. Irónicamente su personaje es un mezquino que pisotea a todo aquel que no tiene dinero o que está fuera de sus intereses. Con este cambio de personalidad demuestra una vez más lo buen actor que es. Él aporta un buen balance de humor y drama, pero la película deja poco margen para la comedia a causa de la cantidad de canciones que posee. Conste que no tengo nada en contra de la música del filme, a decir más, Gatibu se encuentra entre mis bandas preferidas, pero puede resultar algo cargante tanta musicalidad. Llegamos a tener amagos de flashmobs que no terminan de arrancar. La banda sonora y el drama se comen una comedia en la que faltan gags. Sin embargo, me quedo con que las canciones son una vía óptima para promocionar el euskera y sobre todo la música de Euskadi. Eso queda patente, la intención de Patxo Tellería es la de exponernos a los artistas tan buenos que hay en su tierra.

Ya de paso se tiran algunos dardos contra el sistema actual, los bancos y la situación de crisis aún persistente. La explicación porreta que ofrece el personaje de Gorka Otxoa no tiene desperdicio. En ese aspecto Tellería nos ha pintado una caricatura de la realidad cargada de mendigos y miserables. Tal vez ha colocado demasiados mendigos por las calles y dicho sea de paso resultan ser demasiado artificiales, muy colocados y poco naturales. Puede parecer una nimiedad pero es algo que está constantemente presente en la cinta. Aunque irónicamente ha logrado transmitirnos una sensación de optimismo materializada en las ranas, o lo que es lo mismo, la gente que conforma la comunidad antisistema.

Al igual que en ‘Bypass’ Otxoa repite con el director, pero también lo hacen Itziar Atienza (‘El hombre de las mil caras’), Mikel Losada (‘Cuéntame como pasó’) y Javi Alaiza (‘La herida’). No son los únicos nombres que apoyan al protagonismo de Otxoa pues también figuran Miren Gaztañaga (‘Goenkale’), María Cruickshank (‘Vis a vis’), Gurutze Beitia (‘El primer último día’), Josean Bengoetxea (‘Celda 211’, ‘Loreak’) o Iñaki Rikarte (‘Lasa y Zabala’). Como podéis comprobar todo un reparto coral que no resulta despreciable dado su talento.

Si, ‘Igelak’ nos hace reír en contadas ocasiones y cuenta con su moraleja. Pero por encima de todo con ‘Igelak’ comprobamos que merece la pena apostar por Gorka Otxoa y por los rodajes en una lengua tan bonita como el euskera. Lástima que por intentar centrarse en el mensaje y la música se ha descuidado el tono cómico.

PD: no sé si sería la primera vez, pero anímense señores de la Academia a nominar a un tema rockero y además en euskera para los Goya.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: Igelak. Duración: 97 min. País: España. Director: Patxo Tellería. Guión: Patxo Telleria. Música: Iñaqui Salvador. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Gorka Otxoa, Miren Gaztañaga, Mikel Losada, María Cruickshank, Gurutze Beitia, Josean Bengoetxea, Iñaki Ricarte, Eneko Arcas, Itziar Atienza, Elena Irureta, Itziar Ituño, Ramón Agirre, Javier Tolosa, Javier González de Alaiza, Estibaliz Curiel, Itziar Sanchez, Anaut Patterson, Vega Iguaran. Producción: Abra Produkzioak, ETB. Distribución: Filmax, Barton Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.blogseitb.com/igelakpelicula/