‘Found Alive’ lleva a Carlota Pereda desde el universo de ‘Cerdita’ hasta un thriller criminal de factura internacional. Chloë Grace Moretz interpreta a Reeve LeClaire, una mujer que intenta reconstruir su vida diez años después de haber sido secuestrada. Cuando su psiquiatra le pide que ayude a otra superviviente recién rescatada, descubre que podría haber más mujeres desaparecidas y se ve arrastrada a una investigación peligrosa.
La película no se limita a utilizar los secuestros como motor de suspense: también explora las secuelas del trauma y las dificultades de recuperar la seguridad después de una experiencia extrema. Pereda demuestra que sabe moverse con soltura dentro de los códigos de Hollywood, con una narración ágil y una cámara que maneja el suspense con naturalidad.
Aun así, conserva parte de su personalidad y deja entrever algún guiño a ‘Cerdita’. ‘Found Alive’ es un salto internacional que amplía el alcance de su cine sin abandonar su interés por las mujeres que sobreviven a la violencia y por las huellas que esta deja.
‘Forbidden Fruits’ parte de una idea que sobre el papel resulta estimulante: un grupo de dependientas de una boutique de moda que, al cerrar el centro comercial, se convierten en integrantes de un aquelarre. La película utiliza la ficticia Free Eden como sátira de la estética bohemia y la feminidad convertida en producto.
El problema es que la película se queda demasiado tiempo en esa superficie. Los diálogos, los rituales y las dinámicas del grupo no me resultan especialmente mordaces ni divertidos, mientras que el terror tarda una eternidad en aparecer. De hecho, lo único que realmente consigue despertarme es la inauguración del kill count, cuando apenas quedan trece minutos para terminar. Ahí aparece por fin una violencia que aporta ritmo y energía a una película que, hasta entonces, se me había hecho excesivamente larga.
‘Forbidden Fruits’ tiene buenas ideas, pero no consigue convertirlas en una película que me haya interesado. Su envoltorio promete mucho más de lo que finalmente ofrece.
Lo fastidioso que debe ser, que cuando estás de turisteo tranquilamente en los pantanos de Luisiana un hipopótamo asesino te ponga muy difícil el lograr pasártelo bien. ‘Hungry’ es la típica película en la que vemos a un animal totalmente desbocado intentando echar, comerse o matar a un grupo de seres humanos que han entrado sin permiso a sus dominios.
‘Hungry’ tiene escenas muy chulas, en las que vemos a este enorme depredador corriendo a por los pobres turistas, pero aun así creo que me la esperaba mucho más divertida, pero como siempre creo que al final las expectativas que uno tiene no tienen que ser realidad. Como película de bicho persiguiendo a humanos me ha gustado. Además, tiene un toque a ‘El Mundo Perdido’, por las razones en las que el hipopótamo decide comportarse de esa manera. El hipopótamo está bastante bien recreado, sí que es cierto que algún movimiento que otro quizás sea un poco torpe, pero bueno, tampoco estamos viendo una cinta que va a ir a los Oscar o competir por algún premio gordo, estamos viendo una cinta que pretende entretener y hacérnoslo pasar mal.
Como curiosidad, el título de la película evoca al famoso juego ‘Hungry, hungry, hippos’, vamos el ‘Tragabolas’ de toda la vida, que es como lo llamamos aquí en España.
‘Corporate Retreat’ parte de una premisa sencilla: un retiro corporativo destinado a estrechar lazos entre empleados se convierte en un escape room mortal. Aaron Fisher cuenta además con un reparto mucho más potente que el de su anterior película, ‘Inside the Rain’. Sus actores han trabajado en ‘Speed’, ‘Twister’, ‘Pulp Fiction’, ‘Lady Bird’, ‘Moonlight’, ‘Andor’, ‘Twisters’ o ‘The Possession of Hannah Grace’.
El problema es que ese reparto o no ha tenido compromiso o no ha entendido el tono de la película o el director no ha conseguido que le echen ganas. Algunas interpretaciones resultan tan carentes de emoción que rozan lo amateur, especialmente en momentos como el de la jeringa.
La película arranca con surf rock y soul jazz que demuestran el buen gusto musical de Aaron pero ese criterio desaparece cuando hablamos del montaje y la elección de planos. El ritmo falla desde el principio y el guion es tan pueril y previsible que cuesta encontrar tensión o sorpresa. Tiene los ingredientes para ser un entretenimiento sangriento, pero los mezcla sin demasiado acierto. El resultado es un retiro que se hace largo y del que, al final, también quiere retirarse el espectador.
‘Onslaught (Aniquilación)’ devuelve a Adam Wingard al universo de ‘Tú eres el siguiente’ y ‘The Guest’, con una propuesta de acción violenta que juega con el concepto de home invasion y con la manipulación de las personas. Aunque películas como ‘Blair Witch’ o ‘Death Note’ me hicieron desconfiar del director, aquí encuentro una de sus obras más estimulantes.
La presencia de Adria Arjona, que interpreta a una soldado con estrés postraumático, es uno de los principales alicientes. También destacan unos antagonistas de aspecto peculiar, cuyo diseño puede recordar a los militares del ‘Call of Duty’, y las conexiones temáticas con teorías sobre experimentación y control mental como MK Ultra.
El filme tiene fallos evidentes: la protagonista parece olvidarse de parte de su arsenal y el contador de tiempo resulta irrelevante. Sin embargo, su lectura de una sociedad cada vez más tolerante con la violencia y las teorías conspirativas le aporta interés. No es perfecta, pero está entre lo mejor de Wingard.
La 59ª edición va clausurando anunciando sus ganadores
El Festival de Sitges ha preparado el cierre de su 59ª edición con la proyección de ‘Wicker’, una fábula sobre el sexo, el matrimonio y las convenciones sociales. Uno de los momentos destacados ha sido la entrega del Gran Premio Honorífico a Amy Irving, actriz de películas como ‘Carrie’ y ‘The Fury’. Irving ha agradecido el reconocimiento recordando el trabajo de las actrices en ‘Carrie’ y bromeando con que se sentía como si King Kong le hubiera dado una palmada en el hombro.
Como es tradicional en la penúltima jornada del festival se ha dado a conocer el listado de premios en cada una de las secciones. La película francesa ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, se ha alzado con el premio a Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició del 59.º Festival de Sitges. El palmarés también ha reconocido a Joko Anwar como Mejor Director por ‘Ghost in the Cell’, a Jasmine Trinca como Mejor Actriz por ‘The Spiral’ y a Benoît Magimel como Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’. El Premio Especial del Jurado ha recaído en ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, mientras que ‘Buddy’ ha obtenido el galardón al Mejor Guion.
En el resto de las secciones destacan ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película de Noves Visions, y ‘Gummy’, de Javi Prada, como ganadora de Òrbita. La animación, el cine europeo fantástico y el documental también han tenido su espacio en una edición que ha repartido premios entre numerosas propuestas internacionales. Por su parte, el público ha elegido ‘Wildwood’, de Travis Knight, como su película favorita de la Sección Oficial Fantàstic, mientras que ‘The Fox’, ‘Kung Fu Deadly’, ‘No Salgas’ y ‘Bladesof the Guardians: Wind Rises in the Desert’ se han impuesto en sus respectivas categorías.
La dirección del festival también ha agradecido la labor de todas las personas que hacen posible el certamen, que ha aumentado su asistencia un 6 %. Además, ha rendido homenaje a Manuel Pérez-San Julián, referente del arte fantástico y la ilustración de ciencia ficción y espada y brujería, fallecido recientemente. Su figura ya había sido homenajeada en Sitges con el documental ‘San Julián: El poder de la ilustración’.
‘Freaks parte II’
‘Freaks Part II’ recupera el universo de la película de 2018 y refuerza sus semejanzas con ‘X-Men’ (en concreto con ‘Los nuevos mutantes’): personas con poderes que son marginadas, perseguidas y tratadas como amenazas por una sociedad incapaz de aceptar lo diferente centrándose en niños que saben que nunca tendrán una vida normal. Esta vez, el gobierno va mucho más lejos y convierte su exterminio en una política de Estado, con una propaganda de odio que recuerda a las persecuciones fascistas de la historia.
La película apuesta por una acción mucho más directa y una violencia especialmente bestia en su tercer acto. Sin embargo, me sobran algunas partes dramáticas y echo en falta una evolución más clara de Chloe, ahora interpretada por Lorelei Olivia Mote tras el relevo de Lexy Kolker. La incorporación de otra niña con poderes podría haber servido para explorar el aprendizaje y la responsabilidad, pero la historia apenas aprovecha esa posibilidad.
‘Freaks Part II’ amplía el universo de la original y resulta más brutal, aunque no siempre más sólida. Su denuncia de la persecución institucionalizada funciona, pero sus personajes no progresan tanto como deberían.
Basada en un relato de ÚrsulaWillis, ‘Wicker’ nos cuenta la historia de una pescadera marginada en un pueblo mediocre que se creen Mejor que ella. Una mujer soltera y totalmente independiente que después de una boda y ser la mofa de todo este pueblucho decide pedirle al cestero que le cree un hombre de mimbre. A partir de ese momento una preciosa historia de amor, celos y envidias se convertirá en un pequeño cuento fantástico.
Una historia muy bonita, con una atmósfera bien creada con mucho color y a la vez gris cuando las cosas no se ponen bien.
Me ha recordado en parte, al episodio de Los Simpsons, cuando Apu tiene que implorar el perdón de Manjula y se convierte en el hombre ideal, cosa que a los ciudadanos de Springfield no les hace mucha gracia.
Esto es igual, pero al final, tenemos a un ser creado a partir de mimbre que solo tiene ojos para esta pescadera que le ha robado el corazón. Un cuento de amor muy bonito y como todo cuento de amor, tiene sus sombras y sus malas víboras en el camino.
La novena entrega de ‘V/H/S’ convierte la música y el sonido en fuentes de terror, con GWAR como anfitriones de una antología irregular que mezcla found footage, animación y videoclips sangrientos.
En ‘Dance, Dance, Dance, Dance’, Renee Zhan utiliza marionetas de Jim Henson’s Creature Shop y a Barbara Crampton para convertir un programa infantil en una pesadilla grotesca que parece querer profanar nuestros recuerdos de infancia.
‘Another Cabin’, de Flying Lotus, es un cortísimo experimento en stop motion, macabro y grosero, pero bastante pobre en ideas.
‘Heartbeat’, de David Moreau, sigue a unos youtubers que se cuelan en una instalación militar y aprovecha el silencio de las cámaras anecoicas para explorar una vía de terror poco habitual.
‘The Music of Mr. Sze’, de Ernest Dickerson, es una rallada cósmica alrededor de un violinista y un joven que documenta su vida, aunque el uso de las gafas con cámara integrada aporta poco.
‘Premature Burial’, dirigido por Tobias Forge (Ghost), funciona como un videoclip de metal extremo en formato 4:3, muy bestia pero con escaso desarrollo narrativo.
‘Death Tone’, de RZA, es uno de los episodios más originales: una joven obsesionada con honrar a su padre convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal.
Creada por AlfonsoCortés–Cavanillas estamos ante una serie de 6 episodios que nos han presentado en Sitges Festival como una película de 2 horas. El montaje no estaba nada mal, se nota algún detalle suelto de la historia, pero en general lo he disfrutado bastante.
Eva regresa a su pueblo natal del que marcho hace años. Allí comienza a trabajar de noche en una gasolinera. La noche es larga y en Malnombre hay muchos misterios. Asesinatos, desapariciones, gente extraña de noche. Nada es lo que parece en Malnombre. Además, que en sí, ya la gente del propio pueblo es bastante hostil.
Uno de los detalles a resaltar, son los efectos especiales, los cuales, para ser una producción española, en formato serie, están muy logrados. Además del trabajazo de vestuario y localizaciones. Me he quedado con ganas de ver el formato serie la verdad que por lo que nos han mandado en la respectiva nota de prensa, llegará a nuestras casas el próximo 2027.
‘Furia desatada’, título español de ‘Ikatan Darah’, es una película de acción indonesia dirigida por Sidharta Tata y producida por Iko Uwais. La historia sigue a Mega, una antigua practicante de pencak silat que debe volver a luchar para salvar a su hermano de una banda criminal y de sus deudas.
La primera mitad tarda en desplegar todo su potencial, pero la acción acaba convirtiéndose en su principal atractivo. La barriada superpoblada en la que transcurre buena parte del relato, con sus callejones y viviendas amontonadas, ofrece un escenario perfecto para las escaramuzas.
Hay muebles que se rompen con cada golpe, machetazos, patadas acrobáticas y enfrentamientos que aprovechan cada rincón. LiviCiananta e Ismi Melinda destacan en unas coreografías físicas que mantienen vivo el espectáculo. El humor también está presente, aunque algunos momentos provocan más sonrisas involuntarias que carcajadas.
‘Furia desatada’ no reinventa el cine de artes marciales, pero sabe qué ofrece: criminales, personajes acorralados y peleas contundentes. Cuando la acción arranca, los muebles tienen pocas posibilidades de sobrevivir.
Pero que película tan divertida, como ha dicho el propio director, tan palomitera y lo bien hechas que están las malditas arañas. ‘Crawlers’ es un film que si se hubiese estrenado en los 80 estaríamos aplaudiendo con las orejas. Aunque yo viéndola en la actualidad, admito que me lo he pasado pipa. Un edificio se queda en cuarentena por una plaga de arañas, pero no arañas cualquiera, si no unas que atacan a humanos y que tienen sed de sangre.
Me encanta como utilizan los planos para ver como acechan las arañas a sus víctimas. Vemos a través de estos seres y me ha parecido divertidísimo. Además, como se preparan para pillar desprevenidos a cualquiera que pase cerca. Y es que como bien dice la película, hay arañas por todos lados y más cerca de lo que creemos. Aunque es cierto que los personajes tienen decisiones absurdas y que alguno que otro merece la muerte, no me importa, porque realmente es lo gracioso de la película, que no se toma en serio y al a vez si, ya que como digo, las arañas me parecen super bien hechas. Un divertimento que sinceramente volvería a repetir en una sala de cine con amigos.
Luis Royo y Rómulo Royo llevan décadas demostrando que la fantasía puede ser mucho más que un género destinado a las estanterías de coleccionistas. El documental de Mirella R.Abrisqueta entra en su estudio, muestra su proceso creativo, sus influencias y la relación artística entre padre e hijo mientras siguen las huellas de Francisco de Goya. Pero lo más importante, deja ver que su arte y el de muchos ilustradores de hoy en día comienza a verse como debería, como arte digno de un museo.
La película está vertebrada por el proyecto que establece un diálogo entre los dos artistas y el Goya más fantástico, oscuro y grotesco. Una conexión estimulante que permite reivindicar una disciplina que ha influido a generaciones de ilustradores, lectores y creadores visuales. Habría sido interesante contar con más expertos y profundizar mucho más en ese Goya fantástico, pero es una reivindicación necesaria para un arte que lleva mucho tiempo demostrando que la imaginación moderna también merece estar en los museos, porque su calidad pictórica está a la altura de los grandes maestros.
Preciosos encuentros nostálgicos y divertidos con DeVito y Shimizu
Duncan Jones ha visitado el Festival de Sitges para presentar ‘Rogue Trooper’, acompañado por los productores Stuart Fenegan y Ben Smith. El director británico, que llevaba años queriendo llevar a la pantalla esta historia de ciencia ficción basada en el cómic de Gerry Finley-Day y Dave Gibbons, ha explicado que «queríamos adaptar los cómics más cercanos a nuestros días». Jones, que ya exploró la clonación en Moon, ha reconocido que «soy un gran fan de ‘Rogue Trooper’ y llevaba muchos años queriendo adaptar esta historia». Sobre la decisión de apostar por la animación, ha destacado sus ventajas a la hora de trabajar con el reparto: «Lo bonito de hacerla animada es que solo necesitamos a los actores un corto espacio de tiempo», lo que permite ahorrar «que luchen por ver quién es más gracioso y la lucha de egos», bromeó. El cineasta ha subrayado también la independencia del proyecto y sus expectativas comerciales: «Este es un filme independiente, esperamos buena acogida por parte del público, ojalá la veamos pronto en cines».
Takashi Shimizu ha pasado por el Festival de Sitges para recoger el Premio Màquina del Temps, un reconocimiento a su trayectoria y a su contribución al cine fantástico y de terror, marcada especialmente por la saga ‘Ju-on (La maldición)’. Durante nuestro encuentro, el cineasta japonés ha hablado de la evolución del género en su país y ha celebrado que el terror haya conseguido ir más allá del J-horror, algo que le permite explorar nuevas formas y caminos creativos, algo que hace con su nuevo filme ‘The Mouths’. Sin embargo, hay terrenos que prefiere no pisar: ha confesado que nunca haría un slasher porque le da miedo la sangre y no soporta ni siquiera cortarse un dedo. También nos ha desvelado que fue él mismo quien creó el icónico sonido gutural de Kayako, una de las señas de identidad de La maldición. Shimizu ha recordado con simpatía la parodia de ‘Scary Movie 4’, en la que participó de buen grado e incluso se ofreció a colaborar con sus responsables. Sobre ‘Sadako vs. Kayako’, ha explicado que la productora no le pidió permiso para realizar el enfrentamiento entre ambas figuras del terror japonés, aunque mantiene una buena relación con el productor. Y, puestos a imaginar nuevos cruces, el director tiene clara una de sus preferencias: le gustaría ver a Kayako enfrentándose a Chucky.
Hemos tenido una interesante charla con Guillem Ignasi Bauzà Cabot, animador español especializado en stop motion que ha trabajado en Laika, en la producción de ‘Wildwood’ y en Aardman, con ‘La oveja Shaun’. Durante nuestro encuentro, nos ha explicado el enorme crecimiento que experimentó Laika durante la producción de Wildwood: cuando comenzó a trabajar allí, la compañía contaba con dos edificios, mientras que al finalizar el proyecto ya disponía de ocho. Una expansión que refleja la complejidad de una película que, según nos ha contado, requiere muchos más recursos que Coraline, una producción que podría realizarse en un solo edificio. Bauzà también ha destacado la minuciosidad del trabajo artesanal, con especial atención a detalles tan concretos como reproducir el movimiento de un bíceps o disponer de numerosas cabezas intercambiables para representar un llanto. Además, ha explicado cómo algunas escenas combinan marionetas físicas con personajes duplicados digitalmente: las imágenes proyectadas sobre el croma se animan previamente con las propias marionetas o sirven de referencia para los animadores digitales. Todo ello manteniendo la esencia del stop motion: un trabajo realizado físicamente, con una elaboración artesanal que, según ha subrayado, prescinde por completo de la inteligencia artificial.
Después de recibir su premio a toda una carrera, hemos tenido la ocasión de estar junto a Danny DeVito de nuevo en un encuentro con el público. Como ocurrió ayer, se ha sentido muy agradecido por todo el cariño que ha recibido y también por lo bien que ha sido recibida la película de ‘Drag’. Pero el actor, director y productor a venido ha hablar de su carrera y nos ha contado un montón de anécdotas e historias que han hecho la locura en la sala. Nos ha hablado de como fue el rodaje de ‘La guerra de los Rose’, de la serie en la que aparece en la actualidad ‘It’s Always Sunny in Philadelphia’ y de lo bien que se lo pasa en el rodaje. Pero por supuesto nos ha hablado de la estupenda ‘Matilda que mañana se podrá ver en el Festival con un coloquio junto al él y de su trabajo con Tim Burton o Milos Forman.
Se ha anunciado que la sesión sorpresa de la 59ª edición del Festival de Sitges estará protagonizada por ‘Freaks Part II’, secuela de la película que Adam Stein y Zach Lipovsky presentaron en el certamen en 2018. La cinta, que se proyectará el sábado 17 de octubre a las 22:45 h en el auditorio del Hotel Meliá, sigue a una mujer y su hija, interpretadas por Amanda Crew y Lorelei Olivia Mote, que deben ocultar su identidad en un mundo que quiere destruirlas. El domingo llegará el turno de las maratones sorpresa y de clausura, con títulos como ‘One Spoon of Chocolate’, de RZA, ‘Penny Lane Is Dead’, de Mia Kate Russell, ‘Company’, de Casey Affleck, ‘Drag’, ‘Half’, ‘The Spiral’ y ‘Buddy’, poniendo así el broche final a una edición que promete despedirse por todo lo alto.
Duncan Jones adapta el cómic de culto ‘Rogue Trooper’, publicado en 1981 por la revista británica 2000 AD, en una aventura de ciencia ficción bélica que combina acción, comedia y sátira. Su protagonista es un soldado genéticamente modificado que sobrevive en un planeta devastado por la guerra, acompañado por las conciencias de tres compañeros fallecidos, almacenadas en chips que lleva en su rifle, casco y mochila.
La premisa recuerda a ‘Altered Carbon’ por esa persistencia de la identidad más allá del cuerpo, mientras que su humor y su crítica del absurdo militar pueden evocar a ‘Starship Troopers’ o ‘Borderlands’. La película no conserva de forma especialmente marcada las referencias políticas del cómic original, pero sí sabe reírse de una maquinaria bélica que convierte a los soldados en piezas reemplazables.
Visualmente es una pasada: colores radiactivos, paisajes apocalípticos y una estética digital que recuerda a las cinemáticas de videojuegos o a un episodio de ‘Love, Death & Robots’. Tras el tropiezo de ‘Warcraft’, Jones demuestra que todavía sabe construir mundos de ciencia ficción con personalidad.
Dividida en una serie de episodios, vamos conociendo a Winifred Notty, una institutriz deseando encajar en su nueva familia. Allí tendrá que hacerse cargo de dos jóvenes y de que su educación sea exquisita. Ella sabemos que guarda un misterio que poco a poco iremos descubriendo.
Creo que le falta un poquito de fuerza a esta cinta que me pensaba más loca. Si que es cierto que esto es lo malo de las expectativas. ‘Victorias Psycho’ no es una mala película, todo lo contrario. Maika Monroe está increíble, no la había visto en ningún papel parecido y la verdad que lo borda. En el fondo la llegas a coger cariño.
En noviembre llega a nuestras salas de cine, yo le daré otra oportunidad porque pienso que se la merece. Visualmente, actoralmente y en la dirección creo que es fabulosa. Quizás pensaba que iba a tener un poco más de mala uva. Pero eso ya no es culpa de la película, sino mía por haber esperado algo que no es.
Uno de los obligatorios del Festival de Sitges, es sin duda Takashi Miike, pero, para mí hoy ha sido una equivocación. Madre mía, es cierto que no todas sus películas son perfectas, por supuesto, de las 129 que tiene alguna mala tiene que salir y justo ha sido esta, ‘Bad Lieutenant: Tokio’.
Un policía de Tokio adicto al juego tendrá que investigar junto a una agente del FBI la desaparición de la hija de un político. Mientras tanto hay una serie de asesinatos en la ciudad que tienen que ver con la Yakuza.
Las actuaciones son terribles y eso que tenemos a Lily James en el reparto. El guion flojea por todos lados y es que no tiene demasiado sentido. Supongo que para Mikke si. Lo único que me ha gustado es el toque del director, su violencia y exceso. Las escenas de las muertes si que me han parecido bastante locas, pero sin más. Esta película está basada en película ‘Teniente corrupto’ de Abel Ferrara.
‘Los Vampires’, de Craig Mitchell, nos lleva al Hollywood de 1930, donde un actor español rueda de noche la versión hispana de una película de vampiros mientras otro intérprete encarna el mismo papel durante el día en inglés. La rivalidad entre ambos crece a la vez que una serie de asesinatos sacude el plató.
La película tiene una interesante vertiente metacinematográfica y aprovecha una práctica real de los primeros años del cine sonoro: rodar versiones en otros idiomas para llegar a distintos públicos. El caso de ‘Drácula’ (1931), cuya versión española se filmó en los mismos decorados que la de Tod Browning, pero durante la noche, da sentido a su metáfora. Los trabajadores hispanohablantes eran, en cierto modo, vampiros condenados a habitar la oscuridad de Hollywood mientras otros ocupaban el centro de atención.
La reflexión sobre la interpretación, la identidad y la desigualdad dentro de la industria me parece lo más interesante. En cambio, la trama criminal me resulta menos convincente y la concibo sobre todo como un intento de potenciar el romanticismo del relato. Una película con una premisa histórica atractiva, más sugerente cuando habla de cine que cuando busca el misterio.
Qué película más loca es ‘Sacrifice’ que bien me lo he pasado y que repartazo. La película nos lleva a una fiesta benéfica repleta de estrellas con la cartera bien llena de dinero. Pero esta noche no va a terminar como ellos esperan, y es que un grupo antisistema irrumpe en la sala. Con ideas místicas y secuestrando a tres personas para poder sacrificarlas para salvar el mundo.
Como digo, la película es muy loca, está muy bien dirigida y todos los actores están geniales. Mención especial para Chris Evans, que hace un papel super chulo. Ana Taylor-Joy también me ha encantado, pero estamos bastante acostumbrados a que es capaz de hacer cualquier tipo de papel y se arriesga bastante.
La película tiene mucha acción, comedia, sí que pienso, que aunque me ha gustado bastante, llegando al desenlace quizás se desinfla un poco. Pero en general ‘Sacrifice’ es una película bastante extravagante, e hipnótica.
La cinta está dirigida por Romain Gavras y está protagonizada por Chris Evans, Anya Taylor-Joy, Vincent Cassel, Salma Hayek, John Malkovich, Charli XCX, Sam Richardson, Ambika Mod y Jade Croot, entre muchos otros. Pronto llegará a Movistar+ así que ya tenéis una recomendación más para poder ver en vuestras casas.
Terminamos el día con la candidata italiana al Oscar
Hoy ha sido un día muy especial en el que hemos tenido la ocasión de poder ver al grandísimo DannyDeVito, presentando ‘Drag’ junto a sus hijos, película protagonizada por LucyDevito y producida por el actor y por JakeDeVito, otro de sus hijos. Los tres han estado presentes en el día de hoy. Además, también ha sido el día en el que le han dado el Premio Honorífico por toda su carrera, a continuación, os dejamos el vídeo enlazado de su discurso.
También estuvimos en el coloquio con Judith Light que protagoniza la nueva temporada de ‘The Terror. Devil in Silver’, en el que nos ha contado muchas cosas sobre los diferentes personajes de la cinta, también ha soltado alabanzas hacia Karyn Kusama, que ha dirigido 2 episodios de esta nueva temporada. Aquí os dejamos un fragmento del coloquio.
Durante el día de hoy, en el festival han pasado también los equipos de ‘Victorian Psycho’, el equipo de ‘Drag’, ‘Corpus’, ‘The Spiral’, ‘Wash Away’, entre otros, incluidos a Meiko Kaji, Takashi Shimizu, Meiko Kaji o Judith Light.
La nueva película de Laika dirigida por Travis Knight, es una auténtica maravilla del stop-motion. La fluidez de los movimientos, los cambios de escenario y la integración de elementos meteorológicos son tan impresionantes que por momentos parece animación 3D por ordenador. Solo al detenerse en los detalles y en la cantidad de elementos animados en cada plano se aprecia la complejidad de esta obra artesanal, que ha requerido siete años de producción.
La historia lleva a Prue y su amigo Curtis a un bosque mágico de Portland para rescatar al hermano pequeño de ella, secuestrado por unos cuervos. Animales parlantes, criaturas misteriosas y una estética de cuento europeo componen un universo que evoca las leyendas de Baba Yaga.
En el guion no resulta tan revolucionaria, con ecos de ‘Dentro del laberinto’, ‘Las crónicas de Narnia’ y ‘Willow’. Pero la música de Dario Marianelli y las canciones de The Decemberists acompañan una experiencia visual extraordinaria. ‘Wildwood’ demuestra que la artesanía puede alcanzar una magia que parece imposible.
He de decir que ‘Corpus’ ha hecho desde hace mucho tiempo, que viendo una película haya mirado el reloj mas de 6 veces. Y es que es una película en la que no ocurre realmente nada hasta que está a punto de terminar.
La película nos pone en el camino de tres amigos distanciados por varios motivos que acuden a una fiesta en un lugar apartado por la noche de San Juan con tres mujeres a las que solo uno de estos chicos conocen.
Realmente la película trata sobre la relación de un quiero y no puedo de dos de estos dos amigos. Con demasiada tensión sexual no resuelta y un tira y afloja que llega aburrir. No emociona y la verdad que cansa ese royito que se traen entre los dos. No hay un ambiente de gran tensión en tema fantástico, sabes que terminará ocurriendo algo durante esa noche de San Juan, pero lo dicho, creo que a partir de la última media hora de repente ves de porque están allí. Pero da igual, porque para el desenlace, todo lo que ocurre en este tiempo, no sirve para nada.
Eso sí, punto a su favor, al equipo que ha realizado los prostéticos de esta película, son tres en total, pero los tres están super bien realizados.
Ha llegado la nostalgia climática. En ‘Future Tense’, Jenna Cato Bass imagina un futuro cercano en el que los más privilegiados pueden viajar en el tiempo para escapar de un planeta al borde del colapso. Lwando y Tara, una pareja interracial, visitan la Sudáfrica de 1647, antes de la colonización europea. Elementos deterministas, apartheid, dilemas morales y sentimentales son los ingredientes de este filme.
La película utiliza la ciencia ficción para relacionar la crisis medioambiental con el colonialismo y el expolio de recursos naturales. Mientras los ricos pueden comprar una escapatoria, el resto de la humanidad permanece atrapado en un mundo cada vez más inhabitable.
Sin olvidar esa dimensión política, Bass construye un relato íntimo sobre una pareja que no comparte la misma idea de futuro. ‘Future Tense’ no necesita grandes espectáculos tecnológicos: su fuerza está en las preguntas que plantea sobre la culpa, la identidad y la posibilidad de cambiar el pasado. Una distopía ecologista que recuerda que el paraíso que añoramos quizá sea el mundo que no supimos conservar.
Devuelve la antología de terror producida por Ridley Scott con una historia ambientada, por primera vez, en la actualidad. Dan Stevens interpreta a Pepper, un trabajador que acaba ingresado contra su voluntad en un hospital psiquiátrico tras un incidente relacionado con su mal carácter. Allí descubrirá que el centro esconde secretos y que quizá una entidad demoníaca se alimenta del sufrimiento de sus pacientes.
Chris Cantwell y Victor LaValle, autor de la novela original, ejercen como showrunners y guionistas. Karyn Kusama, directora de ‘La invitación’ y vinculada a ‘Yellowjackets’, se encarga de los dos primeros episodios.
La serie mezcla terror sobrenatural y crítica social para cuestionar una institución que parece más preocupada por aislar a quienes considera incómodos que por ayudarlos. Después de explorar una expedición polar y los campos de internamiento durante la Segunda Guerra Mundial, ‘The Terror’ encuentra un nuevo escenario aterrador en el presente. La temporada consta de seis episodios, se estrena en España el 19 de octubre en AMC+ y alunar que mantendrá el nivel de sus predecesoras
Pero menuda sorpresa. ‘Bloody smart’ traslada unos cuantos relatos de Junji Ito a serie televisiva. Y después de ver el primer episodio, solo puedo decir que merece bastante la pena. La serie taiwanesa nos va mostrando pequeños detalles de este mundo tan oscuro. En un pueblo remoto con un colegio dedicado exclusivamente al estudio para poder aprobar y llegar a la universidad, comienzan a ocurrir extraños y terribles sucesos. Desapariciones de alumnos, apariciones fantasmagóricas, cambios de humor entre la gente que vive en la zona. Una espesa niebla que aparece de vez en cuando. Todo ello rodeado de esa atmósfera oscura que tanto nos gusta de Junji Ito.
De momento pinta muy bien y he de decir que me he visto muchas adaptaciones de este autor, ya que me gusta mucho y es de las mejores. Pero estas cosas siempre hay que hablarlas con cautela, porque los primeros episodios siempre suelen ser muy buenos y luego flojean.
KiyoshiKurosawa nos trae la adaptación de la novela ‘El samurái y el prisionero’, escrita por HonobuYonezawa. En el Japón del siglo XVI, durante el periodo Sengoku, nos encontramos ante el asedio de un castillo. Allí en medio de toda la tensión militar, comienzan a ocurrir una serie de asesinatos dentro de esta fortaleza. El señor del castillo Murashige Araki, debe entablar una alianza con un prisionero brillante Kanbei Kuroda, para que le ayude a encontrar al posible traidor y asesino.
La película va poco a poco, mostrándonos un poquito de la historia de este conflicto y presentándonos a cada uno de los protagonistas. Un thriller con unas imágenes increíbles, aunque austeras y eso lo logra con unos encuadres perfectos y por supuesto con un equipo de producción increíble. La ambientación de toda la película está de 10.
Dadle una oportunidad a esta cinta que nos trae Adsofilms el próximo 23 de octubre porque realmente merece la pena.
Debut en el largometraje de Lee Sang-min, quien recupera buena parte de los códigos del terror oriental de principios de siglo: fantasmas de pelo largo y piel blanca, lugares encantados, metraje encontrado, doppelgängers y una fotografía dominada por la oscuridad. El título hace referencia al nombre real de un embalse de Yesan, en Corea del Sur, conocido además por historias paranormales y supuestos avistamientos de fantasmas.
El problema es que la película parece más interesada en recuperar esos recursos que en reinventarlos. Aunque incorpora cámaras 360, GoPros y otras técnicas actuales, los efectos no siempre están a la altura. La escena subacuática cercana al final es probablemente lo más destacable de una propuesta que encuentra en el agua su mayor fuente de inquietud.
Busca el manido choque entre lo rural y lo urbano, entre el escepticismo y las creencias tradicionales y entre la tecnología moderna y lo arcaico pero no innova. Dudo que consiga un fenómeno como el de Aokigahara y haya peregrinaciones al lugar.
Pero que bien me lo he pasado con esta película. Un dolor de espalda destroza la noche dedos hermanas que no planeaban nada bueno. Realmente una de ellas iba a robar en una casa de un hombre que la debía dinero mientras la otra esperaba. Todo el plan era perfecto hasta que la que entro en la casa tiene un fuerte tirón en la espalda y la noche se complica de manera espectacular.
Me lo he pasado muy bien, la química entre las actrices es brutal, además de que el casting me parece muy bueno, ya que se parecen bastante. Y las peleas entre ambas, el guion tan fluido y las conversaciones banales que tienen, es parte de esa realidad que se le puede dar a la historia.
La verdad que sufres por ellas dos y te ríes bastante. ‘Drag’ tiene un giro macabro que sin duda os hará ver los cuadros de Picasso de otra manera diferente, no se cuando llegará a nuestras pantallas pero es una pequeña sorpresa.
Paolo Strippoli convierte los secretos familiares en una fábula oscura sobre los pactos y el precio de intentar engañar al destino. La historia arranca cuando Anna confiesa a su hija Alice que, años atrás, selló un trato con una misteriosa desconocida para salvarle la pierna tras un accidente. Una decisión que terminará condicionando a toda la familia.
Dividida en cuatro capítulos, la película reconstruye los hechos desde distintos momentos para desmontar poco a poco la imagen de una familia perfecta. Su premisa recuerda a ‘La pata de mono’, ‘Cementerio de animales’ o ‘Wishmaster’. La trama está muy bien armada aunque podemos prever alguno de los giros. Sin embargo el personaje de Valeria Bruni Tedeschi, demasiado dependiente de su misterio, no acaba de resultar tan inquietante como debería.
Italia la ha elegido para los Oscar, pero personalmente no la veo a la altura de otras candidatas como ‘La bola negra’. Una fábula con buenas ideas que no termina de atraparme.
Robert Eggers ha sido uno de los grandes protagonistas de la jornada en el Festival de Sitges. El director, convertido en una de las voces más personales del cine fantástico actual gracias a títulos como ‘La bruja’, ‘El faro’ o ‘Nosferatu’, ha estado presente en el certamen. Donde ha posado para nuestras cámaras y ha recibido el premio Màquina del Temps, uno de los reconocimientos más destacados del festival. Pero su visita no se ha quedado ahí, ya que también hemos podido disfrutar de un fragmento de su próxima película, ‘Werwulf (Licántropo)’, un adelanto que pinta muy bien y que nos ha dejado con ganas de descubrir mucho más. Eggers vuelve a despertar nuestra curiosidad con un proyecto que promete dar que hablar entre los aficionados al género. Más abajo, en este mismo artículo, encontraréis nuestras primeras impresiones sobre lo que hemos podido ver, con las sensaciones que nos ha dejado este primer vistazo.
Esta jornada de ecuador del festiva también nos ha dejado la visita de Casey Affleck, que ha pasado por el certamen para presentar ‘Company’, película que dirige y en la que también participan sus dos hijos (Indiana y Atticus). Le ha acompañado Caylee Cowan que es su actual pareja y también aparece en el filme. El actor, ganador del Oscar por ‘Manchester frente al mar’ y conocido por trabajos como ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, se pone detrás de las cámaras en un proyecto que cuenta con un componente especialmente personal al compartir experiencia cinematográfica con su familia. Su presencia en Sitges nos ha permitido acercarnos a esta nueva faceta de Affleck, que compagina su reconocida trayectoria interpretativa con la dirección.
Presentación de Werwulf y premio a Eggers
Durante la presentación de su nueva película, Eggers nos ha dado un pequeño coloquio junto a Angel Sala, director del Festival de Sitges, en el que nos ha hablado sobre su amor hacia el folkhorror (aquí vídeo) y también los monstruos. Además nos ha contado acerca de que sus películas siempre sean de época y es que según él ‘Creo que es más duro creer en la actualidad que tu vecino sea un hombre lobo cuando le ves todos los días cortando el cesped. Pero en la Inglaterra victoriana, todos tienen un mundo religioso muy extremo y creen en las supersticiones».
A continuación os dejamos el vídeo de la entrega de el premio Màquina del Temps a Robert Eggers y su pequeña presentación al público de Sitges de su cinta ‘Werwulf’.
Os dejamos una pequeña galería del día de hoy, donde veréis al gran Robert Eggers, Casey Affleck, Norma Vila, Nagore Aranburu, Chino Darín y otros muchos.
‘Werwulf’ (visionado previo de un fragmento)
Realmente no podemos decir mucho sobre lo que hemos visto. Robert Eggers nos ha presentado con mucha ilusión un fragmento de la película que llegará a nuestros cines gracias a Universal Pictures el día de Navidad. Y que mejor manera que celebrarlo con una gran dosis de terror y como bien le gusta a él una historia de un monstruo universal, como es el hombre lobo. Sin duda, al ver el fragmento, sabemos perfectamente que es de Eggers, sus colores tan desaturados y a la vez sus sombras tan contrastadas. Me parece una maravilla la fotografía que tiene siempre este hombre en sus películas.
Lo dicho, en lo poquito que hemos visto, sus bosques, sus personajes oscuros y misteriosos, las historias de terror clásicas y los diálogos llenos de terror de manos de gente que no entendía por la época, están ahí.
Mientras Elon Musk imagina un futuro en el que robots humanoides como Optimus formen parte de nuestra vida cotidiana, ‘Kakeru’, de Hirokazu Koreeda, utiliza esa misma tecnología desde un lugar mucho más íntimo. Una pareja que ha perdido a su hijo recibe un humanoide idéntico al niño fallecido. La premisa recuerda inevitablemente a ‘El hombre bicentenario’, pero Koreeda está mucho más interesado en el duelo que en la inteligencia artificial.
El robot funciona como un electrodoméstico diseñado para suplir una ausencia imposible de reparar. Y ahí aparece el verdadero debate: ¿puede servir como terapia para quienes no consiguen superar una pérdida o se convierte en un parche carísimo que alimenta una dependencia emocional e impide aceptar la muerte? El título internacional, ‘Sheep in the Box’, remite a ‘El principito’ y a aquello que permanece invisible dentro de la caja, aludiendo no a lo que vemos si no a lo que nos gustaría encontrar dentro.
Fábula profundamente japonesa en sus formas pero deliberadamente universal en su discurso. Frente a aproximaciones más vinculadas a la realidad demográfica del país, como ‘Plan 75’, Koreeda prefiere hablar de algo mucho más universal: nuestra incapacidad para despedirnos de quienes amamos. No falla pero sí se extiende en exceso.
Shimizu regresa a nuestras pantallas con una película de terror. Cuatro jóvenes deciden marchar a un cementerio donde hay un supuesto árbol maldito. Después de este reto que hacen las cosas se ponen bastante feas, entre ellas la desaparición de una joven y un detective comienza a investigar lo sucedido.
La película está contada por los distintos interrogatorios de la policía, o eso parece, pero luego vamos viendo que no todo es lo que parece en pantalla. Se hace muy amena, vas conociendo los distintos puntos de vistas de todos los jóvenes que han acudido en diferentes momentos a ese reto de tocar el árbol maldito. Me encanta el terror japonés y me gusta mucho Shimizu, no es su mejor película pero si que esta historia bien podría contarse en una reunión de cuentos de terror. Además al finalizar la película, hace algo gracioso, que es colocarnos una encuesta, para que nos demos cuenta que todos tenemos las mismas dudas al terminar la historia y es que al final, los buenos cuentos de terror, no suelen tener una explicación completa, sino que siempre quedan pequeñas dudas que nunca se van a responder.
Goro Kuji, convierte una de las batallas menos recordadas de la Segunda Guerra Mundial en una contundente reflexión antibélica. Ambientada en la isla tropical de Peleliu en 1944, sigue a jóvenes soldados japoneses atrapados en un combate que transforma un paraíso en un infierno. El título evoca el ‘Guernica’ de Picasso para transmitir desde el principio el horror que encierra la historia.
Su mayor contraste está en la animación: los personajes tienen un diseño sencillo, casi chibi, que podría hacer pensar en una producción infantil. Sin embargo, el filme no escatima en muerte, violencia y drama. Esa combinación recuerda al cine de Alberto Vázquez, especialmente a ‘Unicorn Wars’, aunque aquí el horror nace de un episodio histórico real y respeta el estilo del manga de Kazuyoshi Takeda.
Con ecos de ‘Cartas desde Iwo Jima’ y de la resistencia desesperada de los últimos de Filipinas, la película reivindica la memoria de quienes quedaron atrapados en una guerra absurda.
Que curiosa me ha parecido ‘Salitre’, que bien tratada y que bien dirigida. Norma Vila ha presentado su película en un Auditori lleno advirtiéndole a su madre que esta no era una película sobre la historia de ambas. Y menos mal esta declaración, porque en ‘Salitre’ no hay nada sano entre esta madre e hija.
La película nos habla de la desesperación por parte de una madre de la partida de su hija a Barcelona para lograr cumplir sus sueños de estudiar en el mejor lugar. De como no procesa el despedirse de su hija y poco a poco se va adentrando en una oscuridad demasiado profunda. Llena de sombras y un toque fantástico que vemos a través de un ser que de vez en cuando viene a perturbar la poca tranquilidad que tiene esta mujer.
‘Salitre’ me ha gustado mucho, me ha sorprendido su historia, su imaginario y también las actuaciones de estas dos mujeres. Nagore Aranburu y Haizea Carneros están de 10 y la verdad que la evolución de ambos personajes me ha parecido muy bien trabajada.
Takuya Miyahara, convierte una escapada romántica junto a un lago en una pesadilla alrededor de un culto obsesionado con el poder purificador del agua. La pareja protagonista descubre que el complejo turístico al que ha viajado esconde secretos y conspiraciones, mientras las tensiones sentimentales entre ambos avanzan en paralelo al misterio.
Se supone que hay una amenaza constante que se construye lentamente. El problema es que la película abusa de sus recursos atmosféricos. El murmullo del agua y los silencios generan cierta inquietud, pero tantas escenas recreándose en ellos terminan por adormecer la trama y la película muere por hiperhidratación.
Como en algunas historias de Junji Ito, parece que la acumulación de indicios conducirá a una explosión de horror. Sin embargo, ese estallido apenas llega y la oscuridad visual tampoco ayuda. ‘Wash Away’ tiene una premisa sugerente, pero no consigue asustar, inquietar de forma sostenida ni construir una mitología suficientemente original.
El kazajo Aitore Zholdaskali crea una sátira mordaz sobre un sistema que convierte la desesperación económica en una oportunidad de negocio. Una pareja ahogada por las deudas decide fingir una enfermedad terminal para recaudar dinero mediante una campaña de donaciones. La mentira funciona demasiado bien y pronto los introduce en una espiral de ambición, delincuencia y violencia.
La película mezcla drama, humor negro y momentos criminales bastante crudos para retratar un mundo en el que la desgracia ajena puede ser rentable. Las redes sociales, el endeudamiento y la necesidad de aparentar éxito se convierten en herramientas de un capitalismo que parece alimentarse de sus propias víctimas.
También cuestiona al hombre obsesionado con conservar su papel de «rey de la casa», aunque la realidad desmonte su autoridad. ‘Sicko’ no necesita monstruos sobrenaturales para dar miedo: le basta con mostrar a personas contra las cuerdas, dispuestas a degradarse para sobrevivir. Una película muy divertida por momentos y especialmente incisiva en su crítica social.
‘Boorman and the Devil’ analiza cómo John Boorman terminó dirigiendo una de las secuelas más controvertidas del terror, ‘Exorcist II: The Heretic’. Y el propio director no se esconde aunque no podrá negar que aprovecha el documental tal para excusarse. La película habla sobre su carrera, su ambición y de cómo una producción aparentemente destinada al éxito acabó convirtiéndose en un desastre.
Buena parte tiene aspecto de making of de DVD, pero Kittredge profundiza en las razones del fracaso. Richard Burton y sus problemas personales aparecen como uno de los grandes obstáculos, mientras Rospo Pallenberg, responsable de numerosas reescrituras, contribuye a explicar el caos del guion. Las opiniones de Linda Blair, Louise Fletcher, Mike Flanagan, Karyn Kusama, Joe Dante y numerosos críticos y profesionales completan una autopsia llena de nombres conocidos.
Pequeñas joyitas inesperadas en nuestros visionados de hoy
El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha otorgado el Premio Industry a Jorge Gabarró, fundador de SelectaVisión en 1984, en reconocimiento a sus más de cuatro décadas impulsando la distribución cinematográfica y audiovisual en España. Bajo su dirección, la compañía se ha convertido en un referente del anime japonés y del cine fantástico y de terror, acercando al público obras como ‘Dragon Ball’, ‘Naruto’, ‘Akira’, ‘Your Name’, ‘Guardianes de la Noche’ y la saga ‘Terrifier’. Además, Gabarró fue reconocido con el Premio Ondas 2001 al Programa de TV Más Innovador por ‘Desesperado Club Social’ y ha expandido su actividad a las salas de cine, las plataformas digitales con AnimeBox y los videojuegos a través de Selecta Play. El galardón, entregado por el director del certamen, Ángel Sala, destaca su visión empresarial, su apuesta por la innovación y su compromiso con la cultura cinematográfica. Sala lo definió como «una de esas personas que hace posible que tengamos grandes películas, un ejemplo de compromiso, visión y cariño a nuestro festival y a la cultura cinematográfica».
Encuentros e invitados durante la jornada de hoy
Pero no solo esto hemos tenido hoy, también la rueda de prensa de la estupenda ‘The end of it’, con María Martínez Bayona, Noomi Rapace y Adrià Monés, donde nos han hablado de la cinta, como el uso de la ciencia ficción en su película o el personaje de Noomi Rapace. Además nos lo hemos pasado fenomenal con la actriz, que ha estado muy volcada en la rueda de prensa y con el proyecto de la directora española.
Na Hong-jin, director de la estupenda ‘Hope’ ha estado en un gran encuentro de prensa y público hablando sobre su película. Una de las cosas que nos ha contado ha sido que el guion original era algo que tenía muchísima más magnitud de la que ha llegado a pantalla.
Durante la jornada de hoy, también han aparecido por las salas los equipos de ‘I love Boosters’, ‘Mutter: The Diary of a Mother’, ‘No rest for the Wicked’, ‘Interior’, ‘Never After Dark’, The ones who grieve’, ‘Impostores’, ‘Spacetime Chronicles’ o ‘Sell your house’. Entre otros que ya han aterrizado en Sitges para presentar próximas cintas durante estos días.
A continuación os dejamos una pequeña galería de fotos de hoy con los artistas invitados en sus respectivos encuentros.
‘Buddy’
Un unicornio naranja aparentemente inofensivo, presenta un programa de televisión con niños reales. Todo es magia, dulzura y amor, hasta que se tuerce y comienzan las muertes y los cambios de actores.
Que divertida ha sido y lo que nos hemos podido reír, cantar y bailar en la sala de cine. La verdad que es una película que da para mucho juego y tiene una historia que es bastante original. No cuento mucho, porque la verdad que es divertido ir conociéndola según avanza todo.
En el reparto aunque tenemos a caras bastante noveles, ya que los niños poco han hecho, también tenemos a gente bastante conocida, aparece Cristin Milioti y Topher Grace, como personas reales y luego como voces tenemos a Patton Oswalt, Keegan-Michael Key, Cedwan Hooks o Michael Shannon entre otros.
Una película llena de luz, color, peluches adorables que termina siendo una pesadilla para nuestros niños protagonistas. Una delicia si te gusta lo macabro y si en algún momento de tu niñez, desconfiaste de esos peluches gigantes que te cantaban y bailaban.
Una película que visualmente me parece preciosa, rodada en blanco y negro con unos parajes desérticos, donde la gran localización es una casa perdida en estos lares. Pero en mi opinión, a ‘Hen’, le sobran unos cuantos minutos y además tampoco te termina de concretar bien el desenlace de la historia. No te deja nada claro lo que ha podido ocurrir.
Un hombre está buscando comida y se encuentra el escenario de un asesinato. Aquí hay una caja en la que está metido un niño. Por supuesto, decide llevarse al niño a su casa y adoptarlo y como no, empiezan a ocurrir cosas raras y oscuras.
Los personajes están muy bien descritos y con una buena continuidad, pero la historia al final cojea y deja bastantes puntos abiertos sin respuestas. Una pena, porque creo que tenía bastante fuerza y al final no ha aprovechado nada lo que nos estaban contando.
Claire, una famosa artista, decide que quiere morir. Si, puede sonar a tópico, pero estamos ante una sociedad que no puede morir a no ser que quiera. Y es que tienen un montón de métodos para no llegar a envejecer y seguir con una salud de hierro. Con ello pueden vivir cualquier cosa, fiestas todos los días, seguir con sus trabajos o simplemente ver la vida pasar sin hacer nada. Todo esto a Claire ya se le ha quedado corto y se aburre y en la fiesta de su cumpleaños decide dar la noticia.
La verdad que la película me ha gustado bastante, creo que tiene un gran debate por detrás. Además la película está rodada de maravilla, todo detalle que encontramos tiene su porque y sin duda se nota el amor hacia la historia.
Tiene unas imágenes super bonitas y también detalles que nos dejan de piedra, como una de las esculturas de esta artista que es mucho más que una simple escultura. Una grata sorpresa.
Dirigida por Casey Affleck, construye una historia dentro de otra historia que, a su vez, está contenida en una tercera. Sus narradores parecen figuras fantasmagóricas y su ambientación remite a un western crepuscular, situado en los últimos coletazos de ese Oeste que el cine ha convertido en mito. Pero aquí las fronteras no son solo geográficas: también separan distintas formas de entender la existencia.
Atticus Affleck, hijo del director, encarna el mayor misterio de la película con una interpretación contenida, parsimoniosa y de apariencia inocente, aunque también ominosa. El problema es que esa falta de expresividad se extiende al conjunto de personajes. Pese a la estructura en capas y al giro que articula el relato, cuesta implicarse emocionalmente en una historia protagonizada por personas que parecen incapaces de sentir. ‘Company’ tiene una propuesta narrativa sugerente, pero su frialdad acaba pesando más que su misterio.
Bueno, bueno, bueno. Siempre me habían hablado maravillas de Sabu, no había visto nada suyo hasta hoy. Y la verdad que la he disfrutado un montón.
‘Arrested memory’ nos lleva a un cuerpo de policía en el que trabaja un importante capitán, pero está en sus horas bajas y tiene grandes pérdidas de memoria por culpa de los traumas causados por su trabajo.
Después de esta sinopsis que puede sonar a drama total, puedo deciros que la película es una comedia increíble. No me esperaba nada de eso, ya que pensaba que era una película de acción. Que la tiene, pero es mucho más una comedia. Tiene un montón de giros, a cada cual mas loco, con personajes entrañables y por supuesto también malos malísimos. Una buena historia para pasar un buen rato.
La animación china vuelve a dejarnos anonadados con ‘Nobody’, de Yu Shui, una aventura fantástica que bebe del folclore, la literatura clásica y el arte tradicional del país. Los yāoguài, el Rey Mono y el imaginario de ‘Viaje al Oeste’ se integran en una historia de compañeros variopintos que emprenden una misión y se van conociendo a través de sus múltiples peripecias.
Su mayor atractivo está en una animación bidimensional, colorida y artesanal, con paisajes que parecen pintados con acuarela y una clara inspiración en la tinta china. Detrás hay un enorme trabajo colectivo de año y medio, con más de 600 creadores y alrededor de 1.800 planos.
El problema es la saturación. Entre desvíos, encuentros y pequeñas aventuras, la película se alarga más de lo necesario. Su universo daría para una miniserie, pero en formato cinematográfico tanta acumulación termina desgastando la experiencia. Una obra visualmente fascinante que necesita aprender a medir sus fuerzas.
‘Dreamquil’ ayuda a las mujeres a hacer un retiro digital en el que poder relajarse, enfocarse y aprender mucho más sobre ellas mismas y hacia donde quieren ir. Carol, madre y esposa está deseando triunfar en la ciudad, pero no lo consigue y cada día se da más cuenta de que a pesar de querer a su marido e hijo, no es la vida que quiere. Decide acercarse a Dreamquil y así tener una segunda oportunidad. Cuando regresa se da cuenta de que puede ser que la hayan sustituido.
Película pequeñita pero muy interesante. Elizabeth Banks es la protagonista de esta cinta futurista, donde vemos un mundo teñido de amarillo por culpa de la contaminación. Y un mundo en el que es difícil mantener relaciones sociales al poder salir poco. Los robots, clones y las crisis de identidad forman parte de sus principales temas.
‘The Fox’, de Dario Russo, es una fábula australiana moderna, absurda y sin necesidad de moraleja. Nick descubre que su prometida le es infiel y acepta la propuesta de un zorro parlante que promete convertirla en la mujer perfecta. A partir de ahí, la película se convierte en una comedia negra de relaciones tóxicas, malas decisiones y situaciones cada vez más disparatadas.
Su espíritu recuerda a Quentin Dupieux, Bruno Dumont o Jean-Pierre Jeunet, aunque Russo desarrolla una personalidad propia al abrazar el disparate sin necesidad de justificarlo. Jai Courtney y Emily Browning se entregan al juego, mientras Olivia Colman y Sam Neill aportaron sus voces a unos animales tan extravagantes como memorables.
La película provoca muchas carcajadas gracias a su humor negro y a sus criaturas de factura artesanal, aunque pierde algo de fuelle en ciertos tramos. También deja entrever una crítica al legado colonial británico y la introducción de especies foráneas en Australia. Una comedia retorcida, hilarante y orgullosamente absurda.
Quentin Dupieux convierte ‘Vertiginous’ en una fumada metafísica animada con gráficos que parecen sacados de ‘GTA: Vice City’. Jacques le comunica a su amigo Bruno que el mundo podría ser una simulación y, a partir de ahí, ambos empiezan a buscar errores en la realidad. Inevitablemente hay muchos temas que rememoran a ‘Matrix’, aunque el director francés prefiere utilizarla para construir una comedia absurda antes que para ofrecer grandes respuestas filosóficas.
Realizada con Blender y capturas con los escáner LiDAR de los iPhone, su animación deliberadamente rudimentaria forma parte del chiste. Los personajes robóticos y los rostros inexpresivos parecen demostrar que la realidad está defectuosamente programada. Además, resulta irónico o quizás hipócrita que Dupieux parodie a Steve Jobs mientras utiliza tecnología de Apple para crear su película.
No hay demasiados gags convencionales, pero sí disparates suficientes para divertir. Eso sí, entre teorías y divagaciones, esta rallada metafísica puede hacerse densa incluso para los aficionados al director.
Quentin Dupieux reúne a Woody Harrelson y Kristen Stewart en ‘Full Phil’, una comedia absurda que convierte un viaje familiar a París en una pesadilla de discusiones, sospechas y situaciones grotescas. Phil quiere recuperar la relación con su hija Madeleine, pero la intervención de una empleada del hotel convierte cada gesto en motivo de alarma. La película juega con la violencia dentro de la familia y con la necesidad contemporánea de vigilar y juzgar los comportamientos ajenos.
Stewart se pasa buena parte del metraje comiendo sin parar, mientras Harrelson interpreta a un padre irritable cuya frustración acaba adquiriendo tintes de terror corporal. Por si fuera poco, Dupieux intercala una película de monstruos de ciencia ficción de los años cincuenta y utiliza los disturbios parisinos para dinamitar la postal turística.
Tarda en encontrar su tono, pero la lógica de sueño y los disparates terminan imponiéndose. Una metáfora incómoda, grotesca y muy de Dupieux.
No nos habría importado ver 5 minutos más de ‘5 minutos más’
La sensación indiscutible de la jornada del festivo 12 de octubre en Sitges ha tenido sabor español gracias a la nueva inventiva de Berto Romero junto a Javier Ruiz Caldera. ‘5 minutos más’ ha causado una tremenda ovación y risotadas pese a que sus artífices reconocen que querían hacer un drama (aunque esta declaración podría ser otra de sus bromas). Por otro lado, la otra puesta en pie llena de vítores en el Auditori del Meliá del Festival de Sitges ha sucedido tras la proyección de ‘Hope’, de Na Hong-jin, quien ha recibido el Premio Màquina del Temps y ha agradecido el cariño del público. La nueva película de ciencia ficción coreana acumula así otro festival del que sale recomendada tras Cannes y San Sebastián.
En estos días se ha proyectado ‘Upiro’, lo nuevo de Óscar Martín y ElenaMuñoz. Este filme gira en torno al primer caso de vampirismo en España. Javier Botet interpreta de nuevo a un vampiro en esta película que tal y como ha comentado el director en rueda de prensa “concebida como saga, como una trilogía” que incluiría una precuela en la era de los conquistadores. Es un filme con base real que además está muy documentado, sino buscad todo lo acaecido en Calasparra. Además tiene el gancho emotivo de ser la última película de Ascen López. El 19 de febrero SelectaVision la estrena en cines.
El Festival de Sitges ha celebrado la duodécima edición del Sitges FanPitch, su competición internacional de proyectos de terror, ciencia ficción y fantasía, que este año ha incorporado también documentales especializados en cine de género. Los proyectos ganadores han sido The Pink Room, de Quarxx; Ecos, de Kryzz Gautier; Pinkooland, de Luis Usón; The Lambing, de Jillian Corsie; Still Warm, de David R. Losada; y la serie Hogar, dulce hogar, de Frank Lucas, que ha recibido el premio destinado a producciones seriales. Además, There’s No Place Like Centron!, de Elle Schneider, ha obtenido una mención especial. El encuentro ha contado con Mark L. Lester, director de títulos como Firestarter y Commando, como padrino, coincidiendo con la entrega del Premi Màquina del Temps por su trayectoria. Tras las presentaciones de los proyectos mediante teasers, moodboards y reels, los participantes han podido mantener reuniones de mentoría con empresas del sector. Los largometrajes ganadores accederán a oportunidades en mercados internacionales y residencias especializadas, mientras que la serie premiada recibirá una dotación económica para impulsar su desarrollo.
La noche se ha completado con la presencia del equipo de ‘What happened to Doris?’ entre el que se encontraba la mítica Heather Graham. Pero hoy también nos han acompañado en los distintos eventos del festival los equipos de ‘The face of horror’, ‘11’, ‘Motherwitch’, ‘Yellow Cake’, ‘Girl in the night’, ‘Kung Fu Deadly’ o ‘Hungry’ entre otros cuantos.
Na Hong-jin, director de ‘The Chaser’ y ‘El extraño’, guinosta de ‘The Medium’, convierte ‘Hope’ en una invasión alienígena ambientada en una remota localidad surcoreana. Su primera hora es una persecución frenética en la que no vemos a las criaturas: solo cadáveres, edificios destrozados y habitantes que intentan sobrevivir. La tensión recuerda a ‘Ataque a los titanes’, mientras la violencia entre ruinas tiene algo de ‘Distrito 9’. También hay espacio para una escena escatológica desternillante.
Cuando los monstruos aparecen, sus diseños prometen una pesadilla, aunque los efectos digitales no siempre estén a la altura. Algunos parecen modelos de videojuego mal iluminados y la película pierde parte del impulso inicial cuando intenta desarrollar una mitología de ciencia ficción más amplia. El misterio cambia de escala y las apariciones de Alicia Vikander y MichaelFassbender mediante voz y captura de movimiento apuntan a una historia mucho mayor.
El problema es que sus 160 minutos pesan y el desenlace parece más el principio de una saga que una conclusión. ‘Hope’ es excesiva y desbordante de ideas, su primera hora de adrenalina demuestra hasta dónde puede llegar Na Hong-jin cuando desata a sus criaturas. No tiene miedo ni a la escala ni a desatar la imaginación.
Aunque no sea algo novedoso, ‘5 minutos más’ me ha parecido una película estupenda que nos vuelve hablar de los bucles en el tiempo. Esos pequeños momentos que se repiten una y otra vez a no ser que se llegue a un objetivo.
La película nos presenta a un matrimonio que está intentando solucionar los problemas de su relación y deciden irse a un lugar súper aislado, donde no hay cobertura, donde no hay Internet para poder estar ellos dos solos y cuando les están enseñando la casa descubren que en un momento dado se han adentrado en un bucle en el tiempo de cinco minutos y durante esos cinco minutos pues empiezan a ocurrir muchas cosas.
‘5 minutos más’ es un drama. Pero he de admitir que el guion es bastante cómico y durante la proyección, aunque hay situciones y escenas un tanto duras, las carcajadas se han escuchado. Y es que, aparte tenemos a tres grandes de la comedia como son, Berto Romero, BelenCuesta y JavierCámara, que en esta película da bastante mal rollo. Así que ya sabéis, aunque tendréis que esperar hasta enero para verla, ya tenéis una futura cita en el cine.
Recupera uno de los casos más conocidos de la historia paranormal, pero no encuentra una forma especialmente novedosa de llevarlo a la pantalla. La historia de Doris Bither ya fue adaptada en ‘The Entity’ y, a estas alturas, resulta difícil no pensar en clásicos y éxitos del género como ‘El exorcista’, ‘Expediente Warren’ o ‘Paranormal Activity’.
La película no está mal hecha. La ambientación, la documentación, las interpretaciones y las escenas cumplen razonablemente, aunque Heather Graham no se parece demasiado a la verdadera Doris Bither. El problema es que los sustos, las manifestaciones sobrenaturales y los intentos de ofrecer una explicación científica resultan demasiado familiares. Falta una mirada propia que justifique volver sobre un caso tan conocido.
Ni siquiera la presencia de MimiRogers, que también participó en la saga ‘Austin Powers’, pasa de ser una curiosidad anecdótica. Una producción correcta, pero rutinaria, que demuestra que una historia inquietante no garantiza una película memorable.
Jessica Rothe, conocida por ‘Feliz día de tu muerte’, protagoniza ‘Impostores’, el thriller fantástico de Caleb Phillips que convierte uno de los mayores miedos de cualquier familia en una pesadilla mucho más extraña: perder a un hijo y comenzar a sospechar que el niño que regresa no es realmente el mismo.
La película arranca con una desaparición y una recuperación tan misteriosa como imposible. A partir de ahí, la propiedad aislada donde vive la familia comienza a llenarse de sucesos inquietantes, terremotos y situaciones que hacen cada vez más difícil distinguir entre realidad, paranoia y algo sobrenatural.
La trama puede recordar a ‘Fringe’ o ‘Dark’ por la motivación de sus personajes y por su manera de ampliar progresivamente un misterio aparentemente sencillo, aunque ‘Impostores’ mantiene el núcleo en la familia y en el miedo a no reconocer a quienes queremos. Un thriller de identidad que convierte la duda en su principal fuente de miedo.
Adaptación de una historia de Yotsuda Kaidan. No sabía a lo que venía, y me ha encantado lo que he visto. Una película muy bien rodada y realizada, me ha encantado como logra ese pedazo de homenaje al cine clásico technicolor. Y ya no solo técnicamente, si no las actuaciones, son increíbles. Me parece un gran trabajo de dirección y producción en general.
La película nos cuenta cómo Eleanor consigue a su caballero de “radiante” armadura y cómo está obsesionada con no perder su belleza para siempre no dejar de gustarle. Pero como siempre, la realidad no es como los cuentos de hadas, y su caballero es un sinvergüenza. Una historia que encandila y que dudo mucho que se vaya a poner en una sala de cine. Una verdadera pena, porque la verdad me ha parecido una pequeña joya.
Además de trabajar en el turno de noche de una gasolinera, Rok, es un ladrón de poca monta en su día a día. Una noche intenta robar una bicicleta de una joven que se pasa sus noches luchando contra el crimen.
Supuestamente pone que es una comedia negra, pero debe ser que no he cogido el tono. Admito que la película me ha interesado al principio, pero luego la verdad que me ha sido bastante difícil de continuar. Además, que como digo, no me ha hecho nada de gracia. Supongo que esto también ha sido un punto menos ya que lo dicho, me esperaba algo de comedia.
Los actores están bastante bien, creo que el director juega muy bien con la noche, es difícil rodar de noche y la película está muy bien iluminada en este caso. LukaMarcetic ha sido el encargado de dirigir esta cinta que, aunque en mi caso no me ha terminado de convencer, pero sí que he de decir que fue la ganadora del pasado FantasticFest.
Adapta la novela de Laurent Mauvignier y convierte una casa de campo en escenario de un secuestro. La invasión de unos delincuentes amenaza a una familia aislada y promete destapar secretos del pasado, pero la película se desarrolla con una lentitud exasperante. Es como si a ‘Alcarràs’ le añadiéramos unos proxenetas con menos coeficiente intelectual que el Poli Díaz.
El comportamiento incoherente de algunos personajes perjudica el suspense, mientras la duración convierte la tensión en tedio. Monica Bellucci interpreta a Cristina, una pintora que vive en la casa vecina y acaba atrapada en otra situación de secuestro. Su presencia parece desaprovechada en una producción que no le ofrece suficiente recorrido y que tampoco sabe aprovechar esa segunda línea argumental.
Léa Mysius intenta construir un thriller psicológico sobre las identidades ocultas y el peso del pasado, pero las revelaciones no compensan la espera. A estas alturas, resulta más apetecible imaginar una secuela que desarrolle las secuelas de la hija protagonista y a las invitadas después de semejante cumpleaños. Una invasión doméstica demasiado larga y bastante menos inquietante de lo que pretende.
Película en la que nos muestran perfectamente como el estrés puede destruir tu vida. Ya no solo por salud mental, ya no solo físicamente, sino que puedes hacer daño a los que tienes alrededor. Según la directora nos ha contado que quería reflejar este tipo de situación y penalidad que viven muchos trabajadores y que ella hace ya tiempo sufrió en sus propias carnes.
Para representar esto nos mete dentro de un hospital, exclusivamente a una sala de urgencias, donde tienes que ser el mejor, donde tienes que ser el más rápido y sin duda debes salvar vidas. Allí conocemos a Margot, una joven aprendiz que quiere demostrar lo que vale. Mientras tanto con su estrés, le van surgiendo diferentes síntomas que comienza a investigar por su propia cuenta.
Me ha parecido una película muy original, que se adentra en un tema bastante actual y por el que apenas se preocupan. Lo mejor, el final de la película, ya no el desenlace de los personajes en sí, si no, el final de como arreglan la situación y en general como está el panorama mundial. Me ha parecido lo mejor.
Reúne 14 cortometrajes restaurados, realizados desde finales del siglo XIX hasta 1930, que permiten descubrir los orígenes del cine fantástico y macabro. Son pequeñas joyas pioneras en las que la imaginación suplía las limitaciones técnicas y la cámara empezaba a romper los corsés del teatro para mostrar transformaciones imposibles, apariciones y situaciones inquietantes.
El programa explora la conexión entre estas películas y el Théâtre du Grand-Guignol de París, inaugurado en 1897 y famoso por sus obras breves de terror explícito, crímenes, locura y transgresión. Entre sus piezas destacan ‘The House of the Devil’, de Georges Méliès, ‘Figures of Wax’, de Maurice Tourneur, y ‘Suspense’, de Lois Weber y Phillips Smalley.
Su valor es cinematográfico e histórico: nos permite observar cómo se inventó el lenguaje del género y cómo los primeros cineastas experimentaban con las posibilidades de la cámara. Pero también ofrece una experiencia colectiva cada vez más excepcional. Ver una sala de Sitges ensimismada, en silencio y sin necesidad de sacar el móvil ante películas con más de cien años es una maravilla. El asombro, como demuestra esta sesión, no caduca.
La película nos lleva al cambio entre ciencia y religión. El ‘velo negro’, una enfermedad en la que la persona pierde sus capacidades de hablar, reconocer y poder comunicarse, está en auge en esta historia. Un hombre de fe y su familia son los protagonistas de ‘The ones who grieve’, el es encargado de llevar la dura tarea de terminar de una manera terrible con el sufrimiento de estos nuevos seres. Y es que además de todo lo que os he comentado, también se les ponen los ojos completamente negros y se vuelven carroñeros, comen cadáveres de seres humanos.
Me ha parecido una película bastante interesante, vemos las barbaridades de la religión a través de los ojos de la hija de este “hombre de fe” y también las primeras locuras que se creaban y hacían con la electricidad, como los electroshocks utilizados en el cerebro para ayudar en enfermedades mentales.
Como digo, muy interesante, muy cuidado todo al mínimo detalle y con unas actuaciones impecables.
Peter Jackson: “¿Volver a hacer una película de terror? Claro que sí, si encuentro la historia adecuada”
La jornada de hoy ha estado irremediablemente marcada por los encuentros que los fans han podido tener con dos artistas del cine que son amigos. Ellos son Peter Jackson y Rick Baker. En sendos coloquios hemos podido gozar además de la presencia de Michel Ironside y de los hermanos Bayona. Sin duda hoy ha sido un momento histórico para Sitges.
En su coloquio en Sitges, Peter Jackson ofreció una visión íntima y honesta sobre los entresijos de la dirección cinematográfica. Tras rememorar su histórica visita al festival en 1992 con ‘Braindead’, el cineasta neozelandés repasó la titánica disciplina física y mental que requirió el rodaje de ‘El Señor de los Anillos’, de cuya nueva película comentó que aún está en fase de guión: “Simplemente tienes que levantarte por la mañana y seguir adelante. Te levantas, haces tu trabajo, intentas no colapsar y vuelves a dormir. Cuando estás en una producción tan masiva, no tienes otra opción que continuar. […] La industria en Nueva Zelanda tiene algo bueno: existe una actitud muy de mantener los pies en la tierra” apuntó. Nadie deja que se le suba el éxito a la cabeza; si lo intentas, te bajan de un plumazo rápidamente. También encomió la inolvidable aportación musical de Howard Shore sobre el que dijo: “buscábamos una música que apoyara la historia y diera identidad a cada cultura y personaje. Lo increíble de Howard es que compuso temas que acompañan orgánicamente a la película durante las tres entregas. Su trabajo es sencillamente genial”.
Jackson insistió en que el cine de género sigue siendo su pasión, manteniéndose siempre abierto a regresar al terror si encuentra la historia adecuada, “No tengo un plan rígido sobre mi carrera. Simplemente salto de un proyecto a otro según me apasionen. ¿Volver a hacer una película de terror? Claro que sí, si encuentro la historia adecuada”, dijo. A diferencia de lo que se suele pensar sobre los grandes directores de Hollywood, Jackson admitió que la fase del rodaje suele ser la más estresante y que la duda siempre acompaña el proceso de montaje: “Siempre hay un momento en el montaje en el que estás absolutamente convencido de que has hecho la peor película de la historia. Pasa todas y cada una de las veces. Lo único que puedes hacer es seguir trabajando y arreglar la película paso a paso”.
Por su parte, el legendario maestro de los efectos de maquillaje Rick Baker reflexionó sobre la magia insustituible del trabajo práctico frente al avance del CGI, subrayando la metamorfosis psicológica que vive un actor al verse transformado ante el espejo. “Cuando veo películas que usan CGI hoy en día, pienso en lo que estábamos intentando hacer al mismo tiempo de forma manual. Al principio costó adaptar la silicona y el software, pero la industria evolucionó y hoy hay artistas increíbles en todo el mundo haciendo un trabajo hiperrealista”. Con una gran dosis de humor y nostalgia, Baker rememoró sus inicios en el cine independiente con producciones caóticas y de bajísimo presupuesto como ‘The Baby’ y ‘Octaman’, repasó el complejo reto técnico detrás del doloroso proceso de metamorfosis en ‘Un hombre lobo americano en Londres’ y animó a los jóvenes artistas a aprender mediante la experimentación directa y el acierto-error sin miedo a equivocarse: “Queríamos mostrar el dolor real de la transformación, no solo cortes de cámara. Y lo logramos a base de pruebas y errores continuos en el taller, aprendiendo de cada fallo técnico hasta conseguir que funcionara ante la cámara”. Fue una charla repleta de anécdotas y risas.
También han estado presentes tanto en photocalls como presentando las películas los equipos de las películas de ‘Braindead’, ‘Sender’, ‘Tesis’, ‘Oddities’, ‘Scanners’, ‘X: The man with the X Ray Eyes’. ‘Gummy’, ‘Somenthing Borrowed’, ‘El despertar’, ‘Océano Titánico’, ‘Las hijas’, ‘Unholy Night’, ‘FLAPJA’, ‘¿Qué es el cine?’, ‘El retorno de Júpiter’, ‘Sick’, ‘Nightborn’ y ‘Sanguine’. Y Bárbara Rey por supuesto ha acudido al festival a recibir el Premio Nosferatu.
‘Oddities’, de Tyler Savage, arranca como un thriller criminal sobre dos jóvenes autodestructivas que matan accidentalmente a su camello y huyen de la ciudad. Lovie Simone y Lilimar forman una buena dupla protagonista, transmitiendo la desesperación de dos amigas que se ven atrapadas en la peor pesadilla de sus vidas. Lo que parece un drama juvenil relacionado con las drogas pronto empieza a desviarse hacia terrenos más inquietantes.
La parada en una tienda de carretera, regentada por una mujer aparentemente inofensiva, marca el comienzo de una intriga que gana fuerza a partir de su mitad. Sin desvelar sus secretos, la película demuestra que hay mucho más detrás de esa huida de lo que sugerían sus primeros compases.
La gran baza es Adrienne Barbeau. Su personaje parece esconder dos caras y su presencia alimenta un suspense que termina sosteniendo buena parte del conjunto. Hay detalles visuales que delatan el bajo presupuesto e incluso cierta apariencia amateur, pero Savage consigue que la curiosidad crezca. ‘Oddities’ mejora según avanza y acaba enganchando cuando se atreve a abandonar el camino que parecía haber elegido al principio.
Una mujer comienza a recibir un sin fin de paquetes de todo tipo de una empresa de envíos. Siempre son objetos que ella necesita y no entiende como están averiguando sus necesidades. Intentando dejar el alcohol, esta paranoia no le viene nada bien. Comienza a delirar y a desconfiar de todo el mundo.
Me ha parecido una estupenda propuesta, llena de arte, locura y drama. Todo ello mezclando primeros planos, planos torcidos, planos borrosos. Jugando con las luces y colores. Haciéndonos ver la realidad de su estado y vivir con ella todas las emociones que tiene en su mente. Un drama, donde la soledad, no solo por parte de ella, sino también de la hermana y de otros protagonistas que vamos conociendo, es parte de la trama y de las decisiones extrañas de cada uno de los personajes que aparecen en ‘Sender’. Una película que merece su visionado y seguramente un segundo para captar todo lo que se ha podido obviar en el primero.
‘Gummy’, de Javi Prada, nos introduce en un mundo de delincuentes, personajes turbios y violencia donde no todo el mundo acaba desempeñando el papel que quiere. Javier Botet interpreta a Mauro, un hombre obsesionado con los ositos de gominola cuyas intenciones despiertan sospechas desde el primer momento. Podría parecer un asesino errante al estilo de ‘No es país para viejos’, pero la película guarda sorpresas que alteran nuestra percepción de los personajes.
La narración se divide en capítulos con letreros que recuerdan al cine de Quentin Tarantino, una estructura fragmentada que permite administrar la información y jugar con las expectativas. En ese recorrido aparecen ecos de ‘Hostel’, ‘La novia gitana’ e incluso ‘Tesis’, por su acercamiento a los rincones más desagradables de la condición humana y a la curiosidad que despierta aquello que nos horroriza pero a la vez nos suscita curiosidad. La referencia a Amenábar cobra especial sentido en el trigésimo aniversario de ‘Tesis’, con el director presente en esta edición de Sitges.
Rupert Grint, paternidad, un bebé inquietante y una pareja que comienza a resquebrajarse en una casa aislada del bosque. No, no estamos hablando de ‘Servant’, aunque la comparación resulta inevitable. ‘Nightborn’, de Hanna Bergholm, convierte la maternidad en una pesadilla de folk horror y body horror protagonizada por Kuura, un bebé monstruoso que resulta dañino, tóxico y especialmente agresivo con su madre.
El niño está a la altura de los pequeños engendros de ‘Braindead’ o ‘It’s Alive’ y cuando tiene que moverse por sí mismo lo hace como una marioneta de cine fantástico clásico. Su nombre significa «escarcha» en finés y conecta directamente con la naturaleza y la mitología de trolls del bosque que alimentan la película.
La maternidad dolorosa el conflicto de pareja encuentran en el fantástico una forma de representar miedos muy reales. ‘Nightborn’ mezcla folklore finlandés, naturaleza, sexualidad, agotamiento y body horror para construir una película decididamente anticonceptiva en la que el verdadero terror quizá no sea tener un monstruo, sino sentir que nadie entiende lo que te está ocurriendo.
Tanto ‘Too Many Beasts’ como su título original, ‘L’espèce explosive’, apuntan a la naturaleza salvaje que habita en el ser humano. Sarah Arnold nos lleva a la campiña francesa, donde los jabalíes arrasan los cultivos y enfrentan a agricultores y cazadores. Tras la desaparición de un campesino, un gendarme corso comienza una investigación que pronto se aleja del thriller criminal convencional.
La película podría ambientarse perfectamente en la España rural, con sus conflictos territoriales y sus debates sobre la fauna salvaje. También recuerda a ‘Solo las bestias’ y ‘As bestas’, aunque adopta una perspectiva más sarcástica y surrealista. El campo es aquí un espacio de tensiones, intereses enfrentados y personajes que defienden su parcela como si todo estuviera en juego.
La fotografía apagada sugiere un drama sombrío, pero el humor va ganando terreno hasta imponerse al suspense. Con Alexis Manenti, conocido por ‘Los miserables’, al frente, ‘Too Many Beasts’ acaba interesándose menos por quién cometió el crimen que por el absurdo de cómo suceden las cosas. Una comedia negra rural cuya mezcla de tonos puede desconcertar, pero que encuentra personalidad en su retrato de las pulsiones humanas.
Peter JacksonyRick Baker maestros de ceremonias inigualables para la Zombie Walk
La jornada ha estado marcada por la presencia de grandes nombres del género fantástico, con Rick Baker, leyenda de los efectos especiales y del maquillaje, como uno de los protagonistas destacados. También han pasado por Sitges Kevin Bacon, acompañado de su familia, y Michael Ironside, tres figuras que han contribuido a dar lustre a una edición que sigue reuniendo a referentes del cine de género de distintas generaciones.
La televisión también ha tenido su espacio con la presentación de la segunda temporada de ‘Apocalipsis Z’, que ha contado con la presencia de Carles Torrens, Carlos Alcaide y Julia Martínez. A ellos se han sumado Summer H. Howell y Samantha Sloyan, vinculadas a la nueva adaptación televisiva de ‘Carrie’, otra de las producciones que han despertado interés entre los asistentes al festival con su presentación de ayer.
Pero uno de los momentos más especiales ha llegado con la tradicional Zombie Walk, que este año ha contado con dos invitados de auténtico lujo: Peter Jackson y Rick Baker. El director neozelandés, con quien tendremos un encuentro el domingo, se ha sumado a la celebración para presentar esta cita ya clásica del Festival de Sitges, en una combinación perfecta de cine fantástico, maquillaje monstruoso y pasión por el terror. Una aparición que sirve también como aperitivo de la esperada conversación que mantendremos con Jackson en los próximos días.
Los Premios SGAE Nueva Autoría 2026 han reconocido el talento emergente en el Festival de Sitges, con galardones para Nausica Serra por la dirección de ‘Dissecció d’una incoherència en crisi’, Diana Magallón por el guion de ‘Amor comestible’ y Pablo Garayoa y Lídia Grau por la música original de ‘Amber Lights’. La ceremonia, celebrada en el Cine Prado, ha distinguido trabajos de ESCAC, La Casa del Cine e Idem Animation School, seleccionados entre 33 obras presentadas por 14 centros educativos.
l Festival de Sitges ha acogido la presentación de GEN TERRORZ durante el encuentro «Emerging Fantastic New Labels», en el que productores y profesionales del audiovisual han reivindicado el potencial artístico y comercial del cine fantástico y de terror, así como la necesidad de apoyar a nuevos talentos y propuestas arriesgadas. La iniciativa busca descubrir proyectos originales y ambiciosos de nuevas voces del género y mantendrá abierta su convocatoria hasta el 31 de octubre de 2026. Las bases y el formulario de inscripción están disponibles en Horror Lab.
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera ha presentado en Sitges las novedades de su décima edición, que se celebrará en Tenerife del 6 al 15 de noviembre de 2026. La actriz Sean Young, inolvidable replicante de ‘Blade Runner’, y el cineasta Alejandro Amenábar, que celebrará el 30.º aniversario de ‘Tesis’ junto al actor Eduardo Noriega, se incorporan a los invitados de honor, entre los que ya figuran Christopher Lambert y Tom Berenger. El festival también ha anunciado una Sección Oficial de 13 largometrajes procedentes de España, Estados Unidos, Indonesia y Finlandia, con especial protagonismo del cine español y canario gracias a títulos como ‘Tránsito’, ‘Gummy’ y ‘The End of It’. La selección incluye además propuestas internacionales como ‘Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma’, de Jane Schoenbrun, y ‘Ghost in the Cell’, de Joko Anwar, consolidando una programación que combina terror, ciencia ficción, thriller y comedia negra, con el objetivo de celebrar una década de cine fantástico y apoyar tanto a figuras consagradas como a nuevas voces del género.
Halloween parece hecho a medida para la oveja Shaun por su carácter gamberro y burlesco. Mucho han tardado en hacer una película en torno a esta festividad. Nueva aventura llena de referencias al terror y hasta un guiño a ‘This Is Spinal Tap’. La historia parte de un experimento científico que recuerda al tomacco de ‘Los Simpson’: un compuesto antinatural provoca el nacimiento de una huerta mutante que Shaun, después de encontrar un libro de ciencias, se encarga de convertir en un nuevo desastre.
Malentendidos, travesuras y humor físico vuelven a ser las armas de Aardman. Pero lo más impresionante sigue siendo la animación. Luces, humo, líquidos y personajes cada vez más dinámicos demuestran el nivel de una compañía que continúa llevando el stop-motion a cotas extraordinarias. Como Halloween, Shaun vuelve periódicamente. Y, como Halloween, siempre consigue que pasemos un buen rato.
Los guionistas de ‘Hellbound’ o ‘Revelations’, ChoiKyu–seok y YeonSang–ho, se vuelven a reunir para darnos un producto quizás no sea del todo original, pero que logra renovar un género de una manera satisfactoria. Y es que regresan los zombis coreanos y regresan de una manera diferente.
Zombis que se mueven cual colmena, zombis que aprenden y que sin duda van mejorando según comenten errores. Una película llena de acción y terror. Todo ello gracias también a la mano de la dirección de Yeon Sang-ho, encargado de dirigir la gran trilogía de zombis que ya nos enganchó hace años, compuesta por ‘Seul station’, ‘Train to busan’ y ‘Península’.
La verdad que la película me ha gustado mucho, la he disfrutado desde el minuto uno, tiene traiciones, mucha acción y como digo una muy dirección e historia por parte de los dos creadores. Una película que ojalá llegue a verse en pantalla grande porque merece mucho la pena.
‘Ghost in the Cell’ es la película con mayor calidad técnica de Joko Anwar y una de las más próximas a determinados códigos occidentales. Con su reparto coral, personajes estrafalarios, humor absurdo, música de aire bebop y violencia podría recordar en algunos momentos a Takashi Miike. Sin embargo, su primer acto, de casi cuarenta minutos, se hace excesivamente largo antes de que empiece el verdadero festival de sangre.
A partir de ahí, la película convierte una prisión plagada de criminales en una especie de selva de depredadores obligados a hacer el ridículo para sobrevivir. La religión y la prensa también aparecen dentro de una sátira social que utiliza el fantástico para hablar de corrupción y abuso de poder.
Sus prótesis y maquillajes son magníficos, aunque algunos efectos CGI resultan demasiado plásticos. Una rara avis dentro de la filmografía de Anwar, especialmente difícil de tomar como primera referencia de su cine. Si eres capaz de ver una película extraña, excesiva y deliberadamente desquiciada la disfrutarás, pero si quieres ver un filme con denominación de origen Joko Anwar te va a defraudar.
Otra cosa no, pero KarimOuelhaj logra crear siempre muy mal rollo en sus películas. Hace ya unos años pudimos ver también aquí en Sitges, ‘Megalomamiac’ que, aunque no fue de mis favoritas, logró, al igual que esta, hacerme sentir bastante mal mientras la veía.
‘Heat of madness’ nos trae la historia de una traición. Un ladrón es traicionado por parte de su equipo y busca venganza. Ya que, en el transcurso de ese tiempo, ha perdido mucho mas que su reputación.
La película es dura y lo dicho, crea muy mal royo en el visionado, tiene una atmósfera oscura y muy bien cuidada. Eso es gracias a la fotografía y al color de la película. OlivierPicard es el encargado de dar vida a este personaje tan lleno de odio y al que le está jugando también una mala pasada su mente.
Rodada entre Mexico y España, ‘Tiempos grises’ llega al Festival de Sitges. Dirigida por Frank Rodríguez, la historia nos lleva junto a un matrimonio que va a celebrar su aniversario de bodas. Ambos quieren ir hacia un pueblo de España, eso si, no saben que es la peor decisión de sus vidas, pues no van a poder salir nunca más de allí.
Un thriller psicológico, donde personas extrañas, lugares lúgubres son los grandes protagonistas de esta historia que le falta un poco de fuerza y quizás un montaje algo más ligero.
La historia no está mal contada, pero si que hay momentos que parece que no termina de avanzar. No me ha gustado mucho el resultado final.
Nicolas Winding Refn y Pino Donaggio trabajan en el remake de ‘Maniac Cop’
La segunda jornada del Festival de Sitges ha reunido a varias figuras destacadas del cine fantástico y de culto. El director Mark L. Lester, responsable de títulos como ‘Commando’, ‘Curso 1984’ y ‘Ojos de fuego’, ha recibido el Premio Máquina del Tiempo en el Auditori del Meliá, donde ha repasado sus cinco décadas dedicadas al cine de género. Por su parte, Nicolas Winding Refn y Pino Donaggio han protagonizado un encuentro en Sitges Industry para hablar de su colaboración en ‘Her Private Hell’ y de sus respectivas trayectorias. Ambos han confirmado que volverán a trabajar juntos en el remake de ‘Maniac Cop’. También ha participado en la jornada Julie Corman, productora vinculada a New World Pictures, que ha compartido su experiencia en el cine independiente estadounidense y ha animado a las nuevas generaciones, especialmente a las mujeres, a implicarse en los rodajes y la producción audiovisual.
El terror ha tenido un papel destacado en la programación con la presentación de ‘Leviticus’, de Adrian Chiarella, una historia sobre dos adolescentes de una comunidad religiosa cuyo amor desencadena una amenaza sobrenatural. La película aborda el fanatismo y las terapias de conversión desde el género fantástico. También ha centrado la atención ‘Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma’, dirigida por Jane Schoenbrun y protagonizada por Hannah Einbinder y Gillian Anderson. Además, el Festival ha acogido la presentación del primer episodio de ‘Carrie’, la nueva adaptación de la novela de Stephen King dirigida por Mike Flanagan para Prime Video. Sus protagonistas, Summer H. Howell y Samantha Sloyan, han participado en un encuentro con la prensa para hablar de sus personajes y del proceso de reinterpretación de esta historia sobre el acoso escolar.
La jornada también ha reservado espacio para impulsar nuevas voces en el cine fantástico. Inés Toharia ha ganado el II Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina por ‘Márgenes oscuros’, un galardón promovido por la Fundación SGAE y el Festival de Sitges y dotado con 10.000 euros. El anuncio se ha realizado durante una mesa redonda del programa WomanInFan dedicada a la escritura femenina en el cine fantástico. El premio busca reconocer guiones originales e inéditos de autoras y fomentar una mayor presencia de mujeres en el género.
Está claro que NicolasCage siempre realiza trabajos distintos y originales, en este caso nos trae ‘The Carpenter’s Son’ donde da vida a San José, nos encontramos en un Egipto donde los romanos mandan. Y por supuesto lidiando con un Jesús adolescente que no se lo está poniendo nada fácil.
Basado en el Evangelio Apócrifo de Tomás (sobre la infancia de Jesús) vemos una película de terror. Una historia en la que Jesús está siendo atraído por un ser que le está mostrando otra manera de vivir y de actuar.
La película es bastante tenebrosa, con unas imágenes bastante potentes en las que vemos escenas terroríficas que hacen que el miedo aparezca en cada uno de nuestros protagonistas. El reparto en general me ha gustado mucho, aquí sabéis que tengo mucho aprecio a Nicolas Cage que no suelo ser demasiado objetiva, pero en esta película sí que os puedo decir que no es el más histriónico de esta cinta y es que su compañera de reparto FKATwigs tiene alguna escena que otra bastante exagerada, pero que para cómo nos están contando la historia, es necesario.
Me han gustado mucho NoahJupe, al que ya vimos en la estupenda ‘Sus hijos’ y una mención especial a IslaJohnston, está fabulosa en este papel tan misterioso y cruel. Aun no conocemos su fecha de estreno, pero estará distribuida por Youplanet que ya compro los derechos de la película antes del Festival de Sitges.
‘Leviticus’, debut de Adrian Chiarella, utiliza el terror sobrenatural para hablar de homofobia, religión y terapias de conversión. Su título remite con clara evidencia al libro del Antiguo Testamento que contiene una de las prohibiciones bíblicas más utilizadas contra las relaciones entre hombres. La película convierte esa doctrina en una historia en la que el deseo mutuo provoca un ritual destinado a “corregirlos” y termina liberando una entidad que adopta la forma de aquello que más desean.
La sexualidad explícita, los forcejeos y la naturaleza impulsiva de los muchachos sirven para contraponer deseo y represión. La película critica con claridad las terapias de conversión y utiliza el fantástico como representación de un conflicto social real.
Su mayor interés está en una ambigüedad explicativa que va de la mano del interés del filme en provocar y suscitar el debate social. De nuevo el fantástico sirve de metáfora para tatar detalles concretos de una comunidad.
Una de las decepciones, al menos para mí de este Festival de Sitges sin duda ha sido ‘Adolescencia, Sexo y muerte en Campamento Miasma’. Una película de la que no tenía expectativa ninguna, admito que la he visto sin conocer nada y solo y únicamente por GillianAnderson. Pero me he encontrado una película bastante aburrida después de que el comienzo es bastante divertido.
La franquicia ‘Camp Miasma’ es puesta en manos de una joven y entusiasta directora para que la resucite. Las típicas películas slasher con un asesino con máscara, en este caso un gran panel de ventilación.
La futura directora está entusiasmada por Billy Presley, actriz de las películas originales y viaja hasta el antiguo campamento para convencerla de regresar. Aquí el deseo, la fantasía y la realidad se mezclan. La película nos habla de muchas cosas, entre ellas de la liberación sexual que consigue Kris, algo que llevaba buscando y analizando demasiado tiempo y lo único que tenía que hacer era dejarse llevar.
Hannah Einbinder y Gillian Anderson están estupendas, tienen una química espectacular y comprenden perfectamente lo que nos están contando.
El 20 de noviembre la podréis ver en nuestras salas de cine gracias a MUBI. Sinceramente, aunque a mí no me haya entusiasmado, creo que el visionado es obligatorio, ya que la película es bastante original.
Fernando Martínez y Juan González, Burnin’ Percebes, regresan después de la extraña y divertida ‘El fantástico caso del Golem’ con otra propuesta pulp y bizarra. ‘La muerte de Drácula’ lleva el mito vampírico a nuestros días, pero evita el camino más evidente: no pretende ser otra versión de ‘Lo que hacemos en las sombras’.
El absurdo sirve aquí para reflexionar, desde una perspectiva sorprendentemente naíf y sin recurrir demasiado a la comedia, sobre la inmortalidad, el amor eterno y el vacío existencial. La relación entre Drácula y Mina a través de océanos de tiempo permite preguntarse qué ocurre cuando vivir para siempre deja de ser un regalo y se convierte en una condena.
Javier Botet, muy querido en Sitges y que ya interpretó al vampiro en ‘El último viaje del Demeter’, encarna a un Drácula muy particular, mundano, cero efectista pero impregnado del pop de Warhol.
Una película rodada en blanco y negro y formato 4:3, a la antigua. Pero el ritmo juega en su contra. Algunas escenas se alargan demasiado y determinadas canciones hacen que la película resulte más tediosa que su anterior trabajo. Extraña, despreocupada y muy personal, pero también irregular.
Arrancamos viendo tres películas muy diferentes entre sí
Un año más, el Festival de Sitges abre sus puertas y en Moviementarios.com nos instalamos durante varios días en el corazón del cine fantástico para contar todo lo que suceda dentro y fuera de las salas. Una edición que llega cargada de estrenos, propuestas de género de todo tipo y una larga lista de cineastas, intérpretes y profesionales que pasarán por el festival para presentar sus trabajos y compartir sus experiencias con el público.
Durante estos días tendremos la oportunidad de descubrir películas que serán seguro éxitos de taquilla y rarezas que queremos descubriros, además de reencontrarnos con nombres imprescindibles del fantástico como Peter Jackson, Michael Ironside, Danny DeVito, Robert Eggers, Rick Baker, Casey Affleck, Heather Graham, Takashi Shimizu, Duncan Jones… Pero no nos olvidaremos como siempre de descubrir nuevos talentos que llegan a Sitges con propuestas dispuestas a sorprender, provocar o, por qué no, dividir al público.
Pero este diario, como es habitual, no pretende limitarse a contar qué películas hemos visto. Queremos trasladaros cómo se vive Sitges desde dentro: las conversaciones con sus protagonistas, las presentaciones, las ruedas de prensa, los encuentros y todo aquello que convierte al festival en mucho más que una sucesión de proyecciones. Cada jornada iremos actualizando con nuestras experiencias y con todo aquello que consideremos interesante compartir con vosotros.
La 59.ª edición del Festival de Sitges ha arrancado con Carlota Pereda y su thriller ‘Found Alive’, convirtiéndose en la primera directora española y la cuarta mujer en inaugurar el certamen. Protagonizada por Chloë Grace Moretz, la película aborda la historia de una superviviente de un secuestro que ayuda a otra joven rescatada mientras investiga la desaparición de más víctimas. La jornada también ha incluido la proyección infantil de ‘Monstruosa Mia’, el cortometraje ‘Homing’ y un homenaje a figuras del cine recientemente fallecidas, además de la entrega del Industry Award al director y productor David Gregory. Nicolas Winding Refn ha presentado ‘Her Private Hell’, una propuesta de atmósfera onírica que inaugura Sitges Collection, sección en la que también se ha proyectado ‘Boiúna, la leyenda del Amazonas’.
La programación inaugural ha completado su oferta con propuestas de terror y fantasía de diferentes estilos. Los Burnin’ Percebes han estrenado ‘La muerte de Drácula’, una revisión del mito vampírico que inaugura Nuevas Visiones, mientras que ‘Ithaqua’, apadrinada por Hammer Productions, ha llevado el terror monstruoso al western. Por su parte, ‘Chapter 51’ ha combinado comedia metanarrativa, thriller detectivesco y falso documental en la sección Órbita. La jornada ha reunido también a destacados representantes del fantástico contemporáneo, como Javier Botet, Rick Baker y Bob Murawski, en un comienzo que combina grandes nombres internacionales, cine de género y nuevas voces.
Una película de la mítica Hammer debería estar a la altura de los monstruos que hicieron historia dentro del cine fantástico. ‘Ithaqua’, sin embargo, desaprovecha buena parte del potencial de su criatura titular para convertirse finalmente en una historia de supervivencia ambientada en el siglo XIX, durante el declive del comercio de pieles.
La conexión con Lovecraft resulta especialmente interesante. Ithaqua fue creado por AugustDerleth dentro de los Mitos de Cthulhu a partir de la inspiración de ‘El Wendigo’ de AlgernonBlackwood, una figura relacionada con la naturaleza salvaje, el frío, la locura y la pérdida de control. Pero la película apenas aprovecha esa dimensión y termina ofreciendo una persecución contra humanos convertidos en devoradores de carne.
Con LukeHemsworth y KevinDurand como protagonistas antagónicos obligados a colaborar, la película mejora cuando abandona el western fronterizo y se entrega al frenesí monstruoso. La oscuridad, el maquillaje y algunas imágenes grotescas ofrecen auténticos momentos de horror. CaseyWalker demuestra oficio, pero su acercamiento al folclore cósmico se queda demasiado en la superficie.
Mike P. Nelson es uno de esos directores que generan simpatía entre los aficionados al terror. Tras ‘Wrong Turn’, su segmento de ‘V/H/S/85’ y su próxima responsabilidad al frente de la nueva ‘Saw’, ‘Boiúna: la leyenda del Amazonas’ confirma su gusto por un género físico, sucio y bastante poco complaciente para con sus actores y sus espectadores.
La película se suma a la recuperación de la tradición de animales gigantes en el cine pero lejos de buscar la diversión de una aventura palomitera. Nelson apuesta por el suspense, la persecución y una violencia bastante cruda. Hay sangre, barro, muertes y momentos especialmente desagradables, aunque quizá echemos en falta más presencia de la criatura, le falta un extra de colmillo y constricción en sus primeros compases.
Con Jessica Rothe, Logan Marshall-Green y Kiana Madeira, la película introduce además campamentos y explotaciones mineras ilegales que alteran el equilibrio de la selva. No es un filme político, pero sí deja una pequeña mirada hacia las comunidades que viven en el Amazonas.
‘Her Private Hell’ confirma desde sus primeros minutos que Nicolas Winding Refn sigue siendo fiel a su particular universo visual. Una ciudad futurista cubierta de sombras, neones azules y rosa chicle, arquitectura imposible y una atmósfera entre discoteca, pesadilla y ciencia ficción nos sitúan inmediatamente en el territorio de ‘The Neon Demon’. Aunque parte del título y de algunos rasgos generales del ‘Her Private Hell’ de 1968, Refn convierte aquella premisa en algo completamente diferente.
La película es tan enigmática que puede provocar la misma sensación que contemplar una obra de arte moderno sin conocer su contexto. Hay momentos que parecen extraídos de un videoclip de Madonna pasado por ‘Star Trek’ y otros que evocan el thriller psicológico de ‘En realidad, nunca estuviste aquí’. Refn no pretende que todo encaje, sino sumergirnos en una lógica de pesadilla donde se busca más la experiencia que la narrativa.
Bajo su deslumbrante foto se intuye una historia sobre el trauma, la pérdida y la necesidad de encontrar el amor de un padre. La búsqueda, el miedo y aquello que persigue a los personajes funcionan como distintas manifestaciones de un mismo infierno emocional. ‘Her Private Hell’ puede fascinar o desesperar, pero difícilmente superará un escrutinio con mayoría absoluta.
Cine 2025: Películas imprescindibles que han marcado el año
El año 2025 nos ha dejado una cosecha cinematográfica excepcional, demostrando que el séptimo arte sigue teniendo una capacidad inagotable para sorprendernos, ya sea a través de grandes producciones en salas o joyas ocultas en plataformas. Como es tradición en nuestra casa, hemos querido recopilar aquellos títulos que más nos han marcado durante estos meses para que no se pierdan en el ruido de los estrenos.
Fieles a nuestra filosofía, no nos gusta hacer rankings ni asignar puntuaciones numéricas, pues creemos que el cine es una experiencia demasiado subjetiva para reducirla a una cifra. Por ello, cada año organizamos esta lista por categorías, funcionando más como un mapa de recomendaciones que como una competición. Nuestro objetivo es que este texto sirva como un recordatorio útil y una guía para descubrir (o revisar) historias que merecen ser recordadas. Desde el cine de autor más íntimo hasta los grandes espectáculos visuales, aquí tienes nuestra selección de lo mejor que nos ha regalado la pantalla este año.
Se alzan como principales ganadoras ‘El baño del diablo’ y ‘Strange Darling’
Sitges llega a su penúltimo día. Pendiente aún de clausurar y de las tradicionales maratones del domingo los diferentes jurados compuestos en su Sección Oficial por Cristophe Gans, Fred Dekker, Carlota Pereda, Lisa Dreyer y Stephen Thrower se han reunido y hecho oficial sus conclusiones. En rueda de prensa hemos conocido el criterio de este diverso equipo de profesionales que cada año reúne el Festival de Sitges y que este año ha destacado la lista que podéis descubrir justo debajo de este párrafo. Descubre a continuación el palmarés de Sitges 2024.
Palmarés de Sitges 2024
SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓ
Jurat/Jurado/Jury: Lisa Dreyer, Stephen Thrower, Christophe Gans, Fred Dekker, Carlota Pereda
Millor pel·lícula de la SOFC / Mejor película de la SOFC / Best feature film in the SOFC
El baño del diablo (The Devil’s Bath) de Veronika Franz & Severin Fiala
Premi especial del Jurat de la Secció Oficial Fantàstic / Premio especial del Jurado de la Sección Oficial Fantàstic / Special Jury Award in the Official Fantàstic Selection
Exhuma de Jang Jae-hyun
Millor direcció de la SOFC (patrocinat per Moritz) / Mejor dirección de la SOFC (patrocinado por Moritz) / Best direction in the SOFC (sponsored by Moritz)
Soi Cheang per Twilight of the Warriors: Walled In
Millor interpretación femenina de la SOFC / Mejor interpretación femenina de la SOFC / Best actress in the SOFC
Kristine Froseth per Desert Road
Millor interpretación masculina de la SOFC (patrocinat per Cupra) / Mejor interpretación masculina de la SOFC (patrocinado por Cupra) / Best actor in the SOFC (sponsored by Cupra)
(ex-aequo)
John Lithgow per The Rule of Jenny Penn
Geoffrey Rush per The Rule of Jenny Penn
Millor guió de la SOFC (patrocinat per Caixabank) / Mejor guion de la SOFC (patrocinado por Caixabank) / Best screenplay in the SOFC (sponsored by Caixabank)
Aaron Schimberg per A Different Man
Millors efectes especials, visuals o de maquillatge de la SOFC / Mejores efectos especiales, visuales o de maquillaje de la SOFC / Best Special, Visual or Makeup Effects in the SOFC
Equips de Digital District & Machina Infinitum per Else
Millor música de la SOFC (patrocinat per DARK) / Mejor música de la SOFC (patrocinado por DARK) / Best music in the SOFC(sponsored by DARK)
Die Hexen per Fréwaka
Millor fotografía de la SOFC / Mejor fotografía de la SOFC / Best cinematography in the SOFC
Giovanni Ribisi per Strange Darling
NOVES VISIONS
Jurat/Jurado/Jury: Olivia Cooper-Hadjan, Rebecca de Pas, José Enrique Monterde
Millor pel·lícula de la secció Noves Visions / Mejor película de la sección Noves Visions / Best film in the Noves Visions section
A Desert de Joshua Erkman
Millor direcció de la secció Noves Visions / Mejor dirección de la sección Noves Visions / Best direction in the Noves Visions section
Grazia Tricarico per Body Odyssey
Millor curt Noves Visions Petit Format / Mejor corto Noves Visions Petit Format / Best short film Noves Visions Petit Format
Jurat/Jurado/Jury: Victoria McCollum, Marysia Nikitiuk, Álex Mendíbil
Premi Méliès d’Argent a la millor pel·lícula de gènere fantàstic / Premio Méliès de Plata a la mejor película de género fantástico / Méliès d’Argent Award for the best fantastic genre feature film
Animale de Emma Benestan
Premi Méliès d’Argent al millor curt europeu de gènere fantàstic / Premio Méliès de Plata al mejor corto europeo de género fantástico / Méliès d’Argent Award for the best European fantasy genre short film
Meat Puppet de Eros V
ANIMA’T
Jurat/Jurado/Jury: Bill Kopp, Verónica Buide, Juanjo Sáez
Millor llargmetratge d’animació de la secció Anima’t / Mejor largometraje de animación de la sección Anima’t / Best animated feature film in the Anima’t section
Memorias de un caracol (Memoir of a Snail) de Adam Elliot
Millor curtmetratge d’animació de la secció Anima’t / Mejor cortometraje de animación de la sección Anima’t / Best animated short film in the Anima’t section
Free the Chickens de Matúš Vizár
ÒRBITA
Jurat/Jurado/Jury: Douglas Buck, Roxana Ramos, Mar Canet
Millor pel·lícula de la secció Òrbita / Mejor pel·lícula de la sección Òrbita / Best feature film in the Òrbita section
Zero de Jean Luc Herbulot
BLOOD WINDOW
Jurat/Jurado/Jury: Douglas Buck, Roxana Ramos, Mar Canet
Premi Blood Window a la millor pel·lícula / Premio Blood Window a la mejor película / Blood Window Award for best feature film
Mi bestia de Camila Beltrán
JURAT DE LA CRÍTICA / JURADO DE LA CRÍTICA / CRITIC’S JURY
Premi de la crítica José Luis Guarner a la millor pel·lícula SOFC / Premio de la crítica José Luis Guarner a la mejor película SOFC / José Luis Guarner Critics’ Award for best film in the SOFC
El baño del diablo (The Devil’s Bath) de Veronika Franz & Severin Fiala
Premi Citizen Kane per al millor director revelació / Premio Citizen Kane para el mejor director revelación / Citizen Kane Award for best new director
Thibault Emin per Else
Millor curtmetratge de la SOFC (patrocinat per Fotogramas) / Mejor cortometraje de la SOFC (patrocinado por Fotogramas) / Best short film in the SOFC (sponsored by Fotogramas)
Jurat/Jurado/Jury: Nerea Torrijos, Ivan Villamel, Meritxell Civil
Premi Brigadoon Paul Naschy al millor curt / Premio Brigadoon Paul Naschy al mejor corto / Brigadoon Paul Naschy Award for the best short film
Céntrico de Luso Martinez
Jurat/Jurado/Jury: Jaume Balagueró, Aina Clotet, Francesc Gener
SGAE NOVA AUTORIA
Jurat/Jurado/Jury: Jaume Balagueró, Aina Clotet, Francesc Gener
Premis SGAE Nova Autoria: Millor direcció-realització / Premios SGAE Nova Autoria: Millor direcció-realització / SGAE Nova Autoria Awards: Best Direction-Production
(ex-aequo)
Blava Terra de Marine Auclair
DARU/N de Benjamin Hindrichs
Premis SGAE Nova Autoria: Millor guio / Premios SGAE Nova Autoria: Mejor guion / SGAE Nova Autoria Awards: Best Screenplay
Benjamin Hindrichs per DARU/N
Premis SGAE Nova Autoria: Millor música original / Premios SGAE Nova Autoria: Mejor música original / SGAE Nova Autoria Awards: Best Original Music
Premi Jurat Carnet Jove a la millor pel·lícula SOFC / Premio Jurado Carnet Jove a la major película SOFC / Carnet Jove Jury Award for best feature film in the SOFC
El baño del diablo (The Devil’s Bath) de Veronika Franz & Severin Fiala
Premi Jurat Carnet Jove a la millor pel·lícula Sitges Documenta / Premio Jurado Carnet Jove a la mejor película Sitges Documenta / Carnet Jove Jury Award for best Sitges Documenta film
Grand Theft Hamlet de Pinny Grylls & Sam Crane
PREMIS DEL PÚBLIC / PREMIOS DEL PÚBLICO / PEOPLE’S CHOICE AWARD
Gran Premi del Públic a la millor pel·lícula de la SOFC (patrocinat per La Vanguardia) / Gran Premio del Público a la mejor película de la SOFC (patrocinado por La Vanguardia) / Grand People’s Choice Award for best feature film in the SOFC (sponsored by La Vanguardia)
Strange Darling de JT Mollner
Premi del Públic Panorama Fantàstic / Premio del Público Panorama Fantàstic / Panorama Fantàstic People’s Choice Award
Handsome Guys de Dong-Hyub Nam
Premi del Públic Sitges Collection / Premio del Público Sitges Collection / Sitges Collection People’s Choice Award
Dead Talents Society de John Hanchiang Hsu
Premi del Públic Focus Àsia / Premio del Público Focus Asia / Focus Asia People’s Choice Award
Dead Talents Society de John Hanchiang Hsu
Premi del Públic Midnight X-treme / Premio del Público Midnight X-treme / Midnight X-treme People’s Choice Award
Recomendamos series y películas para perderse en miles de mundos
El multiverso es un término que los cómics (y por extensión sus adaptaciones a películas o series) han hecho suyo. Ahí está el “evento flashpoint” o el cómic ‘Crisis en tierras infinitas’, para muchos una de las primeras incursiones en el mundo de las diferentes versiones del mismo mundo. Si nos ceñimos a lo científico es una palabra que se usa definir al hipotético conjunto de universos paralelos que coexisten con el nuestro, que tienen nuestras mismas leyes, espacio y tiempo, pero que por ligeras variaciones estadísticas presentan sutiles diferencias.
En el vedismo, religión anterior al hinduismo, ya encontramos referencias que datan de varios cientos de años a.C. En concreto se encuentran en el Bhagavata-Purana, una colección de textos, la hallamos en concreto en el escrito por Viasa. Pero el término como tal fue acuñado por el psicólogo William James quien fue uno de los fundadores de la psicología funcional que viene a decirnos que, un estado funcional se caracteriza porque ante un determinado input reacciona con un determinado output y pasa a otro estado funcional, es decir, acción-efecto, distintas acciones, distintos efectos.
¿Y si pudieses ser un mago que lucha contra dragones? ¿Y si en otra vida estás consiguiendo todos tus sueños? ¿Pudiera ser que en otra realidad hubieses nacido con otro sexo o raza? Ciñéndonos a que en un multiverso tiene que haber diferentes versiones del mismo personaje, fruto de sutiles cambios en la historia, vamos a enumerar una lista con dieciocho recomendaciones que demostrarán que llevamos tiempo manejando este concepto en el audiovisual y el juego que puede dar. No veréis en este artículo películas como ‘Atrapado en el tiempo’, ‘Donnie Darko’, ‘Feliz día de tu muerte’, ‘El día de mañana’ o series como ‘Dark’ ya que esas las consideramos de viajes en el tiempo, no de multiversos. También nos gustaría citaros la obra de Terry Pratchett o ’La torre oscura’ de Stephen King pero si entramos en literatura este artículo puede ser enorme.
‘Lost’
Para muchos una de las mejores series de la historia, para otros la más innecesariamente alargada. La culpa o mérito de ello la tiene la gran cantidad de personajes de los que dispusieron J.J. Abrams y Damon Lindelof, entre otros. Un reparto coral que tanto dentro como fuera de la misteriosa isla vivía vidas diferentes que costó enlazar y dar explicación. Todos sabemos que el final dejó contentos a muy pocos. El multiverso en forma de puzle que se había montado tras casi ciento veinte episodios se antojaba de difícil solución.
‘Fringe’
Otra creación de JJ Abrams. Pudo haber sido una ampliación del universo de ‘Perdidos’, tratando esa serie como un caso Fringe, pero al final no llegó a consumarse ese crossover. Directamente la serie trata sobre un científico que encuentra una ventana a un universo paralelo donde su hijo aún vive. Ciencia loca desatada y distintas versiones de los mismos personajes van apareciendo. Impresionante el personaje de Walter Bishop interpretado por John Noble y la simbología que se utiliza hasta en su mítico opening.
‘Sliders (Salto al infinito)’
“Si vieras una puerta que lleva a otra dimensión… ¿pasarías por ella?” Eso nos decían en las promos de ‘Sliders’. No he metido esta serie solo porque es una de las que más me estimuló e introdujo en el tema del multiverso durante mi adolescencia, también porque en cada episodio introduce un nuevo mundo y tiene hasta 87 capítulos. Historias en las que un joven y sus amigos intentan encontrar el retorno a casa tras haber hecho un viaje a través de un agujero de gusano que les desliza a través del multiverso. El propio opening ya os va a recordar a las viñetas de un cómic de DC y el dispositivo con el que viajan a mandos de televisión o al de la SEGA Genesis.
Es una serie muy poco conocida pero que cuenta con actores que a posteriori se hicieron famosos. Destacan el joven Jerry O’Connell y su hermano Charlie O’Connell pero también trabajaron en ella Sabrina Lloyd, Clevelant Derricks y el mítico John Rhys-Davies. Ojalá todos volviesen con sus personajes pues tras seis temporadas culminó con un cliffhanger no resuelto. A los creadores y productores Robert K. Weiss (‘Agárralo como puedas’, ‘Granujas a todo ritmo’) y Tracy Tormé (‘Carnivale’, ‘Soy leyenda’) les debemos mucho por haberse devanado los sesos.
‘El infinito’ + ‘Resolution’
Si nos leéis con asiduidad sabréis que somos unos fervientes seguidores de la obra de Justin Benson y Aaron Moorhead. Con estas dos películas, en las que también actúan se montaron su propio multiverso en el que juegan también con el espacio-tiempo de un modo estupendamente cuadrado y con un sentido del misterio y la ciencia ficción la mar de innovadores. Si os atrae más el cine mainstream ved ‘Synchronic’ que podría ser una secuela espiritual de estos dos títulos y está protagonizada por Anthony Mackie y Jamie Dornan.
‘The OA’
Dos temporadas siguiendo a una joven invidente que ha sido secuestrada y que cuando aparece años después habiendo recuperado la visión no quiere dar ninguna explicación. Una serie de esas enigmáticas que es casi mejor no explicar por qué está dentro de este artículo, pero tiene su propio y escueto multiverso, por supuesto. Magnífico Jason Isaacs y muy bien gestionada la actuación de Brit Marling, quien por cierto es co-creadora de la serie. Aviso, esta serie es de las raras.
‘Star Trek: Discovery’
Toda la saga de Star Trek ha brindado siempre a sus trekkies versiones alternativas de sus personajes, sobre todo cuando el reparto ha cambiado o se ha abrazado otra generación. Pero en concreto la saga Discovery, que aún hoy en día está viva, ha jugueteado con argumentos muy ricos en variantes y además estando estos muy bien introducidos en la trama. No es fácil plantear todo un universo de ficción y además reescribirlo a mitad de una temporada. El reparto se lo pasa fetén interpretando al mismo personaje pero con carices distintos. Quien más se aprecia que se lo pasa en grande con este género es Michelle Yeoh, al final hablaremos más de ella.
‘El último gran héroe’
¿Y si los personajes de los actores más famosos cobrasen vida? Eso es lo que pasa en esta película de John McTiernan que es todo un homenaje al cine de acción y a las buddy movies. Un ticket de cine mágico abre una puerta interdimensional en la pantalla de un viejo cine. A través de ella un joven entusiasta conoce al héroe de sus películas, el cual está interpretado por Arnold Schwarzenegger. Divertidísima idea que explota, literalmente, todos los tópicos del cine policial y de testosterona. Cuidado con que multiverso abrís.
Universo Marvel
El universo Marvel, el orquestado por Marvel Studios/Disney, es en sí un multiverso. Todas las fases planificadas por los Russo y su culminación con ‘Infinity War’ y ‘End Game’ nos llevan a una confluencia de películas que unen a héroes de diferente índole. Pero ahora se está yendo más allá de ese viaje quántico que consiguió terminar con Thanos y películas como la última de Spider-Man o la de Doctor Extraño manejan en sus hábiles dedos el concepto de mundos paralelos abrazando así otras facetas de sus personajes. El ejemplo más claro es la serie animada ‘What if…?’ o ‘Loki’.
Universo DC
Las películas de DC han seguido una deriva tan caótica que no queda otra que considerarlas como one shots o universos alternativos, sobre todo en el caso de Batman. Pero donde tenemos realmente un multiverso intencionado es en las series de CW donde se han tocado conceptos como el flashpoint o la Crisis en tierras infinitas. Y si lo que queremos es ver a los superhéroes y villanos de un modo diferente el catálogo animado de la Warner Bros. nos ofrece títulos como ‘Hijo rojo’, ‘Crisis in two earths’ o ‘Dioses y monstruos’, os van a sorprender sin duda.
Los crossovers
El mezclar diferentes franquicias en una sola película además de ser un disfrute digno de un niño que juega con sus distintos juguetes es un gustazo visual. Películas como ‘¿Quién engaño a Roger Rabbit?’, ‘Space Jam’ o ‘Ready Player One’ nos atraparon con su historia, pero nos hicieron tener más de un visionado para poder encontrar todos los guiños o personajes. Una mezcla de universos animados con el real que siempre ha aportado alguna innovación animada. El último grito en este sentido es el exitoso estreno de ‘Chip ‘n Dale: Rescue Rangers’.
‘Doctor Who’
Volvamos atrás para recorrer el omniverso o toda una colección de multiversos. Un clásico de los que hacen afición por las aventuras y la ciencia ficción. El Doctor Who es la prueba de que se puede estirar, retorcer o ampliar el universo de un personaje a través de viajes, cambios de aspecto (o actor) y mucha imaginación. Lo del Doctor Who parece inacabable pues cada nueva versión del aventurero crea su mundo y se va cruzando con los demás, sobre todo desde que se retomó la franquicia. La cabina azul no ha parado de realizar viajes interdimensionales desde que se retomó en 2006. ¡Solo la nueva etapa tiene 13 temporadas!
‘Coraline’
¿Y si tuvieses tras la pared de tu casa la respuesta a todos tus problemas? ¿Podría existir un mundo mejor al otro lado? Coraline encuentra una versión mejorada de su vida y la tiene al alcance de su mano. Pero lo que no sabe Coraline es que su destino lo dicta Neil Gaiman y con el ilustre guionista la fatalidad y el horror están siempre a la vuelta de la esquina. Fantástica la novela y estupenda la adaptación de Henry Selick. ¿Quién puede olvidar esos otros yoes con botones cosidos a sus ojos?
‘Coherence’
Entramos en esas películas de culto que han ido surgiendo en los últimos veinte años. La obra de James Ward Byrkit no reúne muchas caras conocidas, salvo el actor de ‘Buffy’, Nicholas Brendon. Pero a veces esa es una virtud que ayuda a meternos bien en los personajes. En este caso son un grupo de amigos que tras ver un cometa comienzan a experimentar cosas desconcertantes. La caja de Schrödinger siempre nos habla de estados posibles y eso es lo que se usa como ejemplo en este filme para aplicar la teoría de la Decoherencia cuántica.
‘Mr. Nobody’
Nombres como Jared Leto, Sarah Polley, Diane Kruger, Linh Dan Pham o Rhys Ifans figuran en esta película belga de Jaco Van Dormael. Nos lleva al año 2092 y cual medusas los humanos renuevan sus células para ser inmortales. No, aún no todos. En la Tierra solo queda un mortal y dada esa condición y lo poco que le queda de vida es entrevistado por distintas personas. Pero sus relatos cambian de uno a otro. El filme es un juego de tintes románticos que flirtea con la realidad, la memoria y los recuerdos. Gran maquillaje el que se usó para Jared Leto, mejor que el de ‘La casa Gucci’.
‘Dragones y mazmorras’
Volvamos a tirar de nostalgia. Vamos a ceñirnos a la serie animada, no a la película, esa para mí no existe. No cabe duda de que la serie de Marvel Comics y TSR marcó a varias generaciones. Desde su canción de apertura en castellano hasta sus divertidos personajes, este show televisivo sirvió como introducción al mundo del rol y la fantasía medieval de muchos adultos de hoy en día. Aventuras de capa y espada vividas por unos chicos que viajaron a través de una atracción de feria hasta los mundos del Amo del Calabozo, todo esto introducido con el ya mencionado opening. Nada que ver con ‘El caballero negro’ de Martin Lawrence.
‘Devs’
La serie ‘Devs’ de Alex Garland nos amenizó el confinamiento a más de uno. Pero más allá de haber servido como bálsamo es un nuevo estímulo intelectual, como casi todo lo que hace el director. Nuevamente no puedo desvelar la razón por la que esta es una película de multiversos ya que se explica en el último episodio, pero su ingenio y misterio tiene poco parangón. Si ahora decimos que se están haciendo realidad muchas cosas de Star Trek en el futuro seguro que hablan de esta serie.
‘Rick y Morty’
Quién más se atreve a jugar con los universos paralelos son este abuelo y nieto. La alocada serie de Adult Swim esgrime ideas que nos vuelan la cabeza pues los guiones de sus capítulos además de ser frenéticos cierran siempre el círculo del modo más inesperado. Es imposible contar las versiones de Rick y de Morty que hemos visto ya pues a veces aparecen nuevas interpretaciones en un simple gag y otras son el eje argumental de todo el episodio. Cogen lo que ‘Futurama’ hizo de un modo más tímido en el quince de su cuarta temporada y lo multiplican por diez.
‘Todo a la vez en todas partes’
Para el final he dejado la última propuesta que nos va a llegar a cines de la mano de Youplanet y que os comentamos de manera más extensa aquí. El multiverso como metáfora o también como camino hacia la catarsis. Una idea así es propia de A24 y también tiene aportación de los hermanos Russo. Michelle Yeoh interpreta a una mujer agobiada por hacienda, su hija, su padre y su marido. Una mujer con el corazón dividido y sobre la que recae el peso de salvar todos los multiversos. Esta locura parte de las mentes de los directores de ‘Swiss Army Man’ y contiene comedia, acción, giros locos y talento interpretativo. Tiene todo lo que queremos en este universo y lo que quieren en los otros.
¿Vas a tener un San Valentín casero? Si tienes pensado tirar de sofá y manta el próximo domingo y te gusta celebrar San Valentín tenemos propuestas que harán de tu día algo más entretenido y si puede ser, más romántico.
En concreto nos hacemos eco de una selección que nos ha transmitido Amazon Prime Video. En ella encontraréis todo tipo de títulos donde domina el romance rodeado de drama, comedia y acción. Nuestra recomendación es ‘Grease’, que también está en la plataforma pero no en el listado.
Pero ojo, también hay pensadas para aquellos que se quieren distanciar de lo empalagoso y de una celebración que se considera que responde más a fines comerciales. Por eso hay también una lista anti San Valentín.
Películas de San Valentín de Amazon Original y Amazon Exclusive:
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