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Crítica: ‘One shot (Misión de rescate)’

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Sinopsis

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El equipo del teniente Blake Harris debe sacar a un importante sospechoso de terrorismo de una base secreta de la CIA situada en el mar Báltico. Zoe Anderson, una joven analista de la CIA, también participa en la misión. De repente, unos insurgentes armados atacan la cárcel durante el traslado del prisionero, llamado Masu Mansur.

El equipo de Harris cree que Mansur tiene información sobre un atentado que se llevará a cabo en Washington D.C y hará todo lo posible para sacarle de la base con vida.

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Crítica

Un one shot con muchos tiros y un falso plano secuencia la mar de resultón

Un one-shot es como se llaman esos cómics que tienen una sola entrega, que son de un único ejemplar conclusivo. Podríamos pensar que esta película llevando ese título sigue los mismos derroteros pero después de verla me animo a creer que habrá más partes. Al fin y al cabo, su director, James Nunn, es el autor de otras películas con militares como ‘El marine’ 5 y 6. Y es que el filme me ha gustado y no es por tener un carácter comiquero, que podría ser, sino por la incesante acción que tiene.

‘One Shot (Misión de rescate)’ nos cuenta la historia de un equipo de Navy SEALs que tiene que extraer a un preso de lo que se antoja como una especie de Guantánamo pero ubicado en una isla cerca de las costas de Polonia. El conflicto empieza cuando el propio director de la institución se niega a entregar a ese preso y poco después la base esa asaltada. A partir de ahí comienza una historia de mucha acción que además pasa por diversas etapas. ‘One Shot’ tiene tiroteos al más clásico estilo del western, escenas de guerrilla, persecuciones, momentos de subterfugio… En cuanto a diversidad de escenas es una película bastante rica y se ha subido al carro de nuevas vertientes dentro del género de acción.

Está claro que ‘John Wick’ sentó un referente tras el estreno de su primerísima entrega. Pero lo que más me remonta ‘One shot’ es a ‘Tyler Rake’, la película que protagonizó Chris Hemsworth para Netflix. Los actores de esta película han tenido un entrenamiento muy táctico y se nota en los movimientos o en el manejo de las armas, pero sobretodo lo que más llama la atención son las coreografías. Pero esa no es la mejor virtud de la película de Nunn que llegará a cines el día 21 de enero.

‘One shot’ alude también al modo de llamar a los planos secuencia en los países angloparlantes. Esto es debido a que se ha usado esa técnica de rodaje y montaje para trasladar la acción de la pantalla al espectador. Toda la película es un falso plano secuencia en su totalidad. Aunque se perciben momentos en los que ha habido un corte, no están también disimulados como lo estuvieron en ‘1917’, el filme está muy bien montado y la acción no se interrumpe. Hay dinamismo, hay experiencia inmersiva… está más que justificado que la película siga este método narrativo.

El protagonista indiscutible es Scott Adkins que repite por lo menos por tercera vez con este director y que está ya subido en el carro de actores de acción como Frank Grillo. Intérpretes relativamente poco conocidos entre el público que no es estadounidense pero que han estado en películas muy populares dando el callo entre tiros y explosiones como ‘Los mercenarios 2’ o ‘X-Men orígenes: Lobezno’ donde hizo de doble de acción de Ryan Reynolds en la piel de Deadpool, lo cierto es que tienen algún parecido. Adkins delega a veces el protagonismo en otros personajes por motivos de la trama y también para poder cumplir con la coreografía de la película, pero cuando está ante la cámara se luce y cumple de sobra. No es ese el caso de Ryan Phillippe que ha realizado un trabajo tremendamente sobreactuado. Acompañan a los soldados una asesora interpretada por Ashley Greene y el preso al que han de escoltar (Waleed Elgadi), siendo este segundo bastante más creíble en su papel.

Fallos, pues le puedes encontrar como a cualquier película sencilla como esta. Cumple con clásicos como la inagotable munición de los buenos y el ejército de villanos que no sabes de dónde sale. Al haber realizado todo en un falso plano secuencia la película no sale de la misma base militar pero eso no es impedimento para que ésta tenga distintos escenarios. No hay pegas con la técnica de cámara en mano que se ha utilizado para rodar pero tal vez sí con el giro final pues resulta bastante inverosímil. Quizás esa inverosimilitud que se le plantea a dos de los protagonistas en los últimos instantes haya sido introducida a propósito pues no queda resuelta y quizá busca hablarnos de los manipuladores que son los servicios de inteligencia.

Y no es que me conforme, es que esta película británica me ha sorprendido gratamente pues tiene un ligero subtexto y derrocha acción dejándonos solo un par de veces en stand by. Se la recomiendo aquellos que busquen un divertimento con bastante adrenalina, pero no para los que sientan tedio con las películas que nos aturden con multitud de disparos, giros de cámara y explosiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de enero de 2022. Título original: One shot. Duración: 96 min. País: Reino Unido. Dirección: James Nunn. Guion: Jamie Russell. Música: Austin Wintory. Fotografía: Jonathan Iles. Reparto principal: Scott Adkins, Ashley Greene, Ryan Phillippe, Emmanuel Imani, Dino Kelly, Waleed Elgadi, Terence Maynard, Jess Liaudin, Lee Charles. Producción: Fiction Films, Signature Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/one_shot_mision_de_rescate

Crítica: ‘Operación Búfalo’

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Sacándole los colores a la Commonwealth

Apuntaos estas fechas: 27 de septiembre de 1956 y 18 de enero de 2022. La primera es la fecha en la que empezó la Operación Búfalo en Maralinga (Australia) y la segunda marca el momento en el que Filmin pondrá a disposición de sus usuarios la serie que narra lo sucedido allí.

Todos los episodios comienzan con la frase “Esta es una obra de ficción histórica, pero gran parte esta terrible historia ocurrió de verdad”. De este modo sabemos que, aunque tengamos mucha comedia hay un subtexto muy serio. También tenemos en todos ellos a modo paródico un noticiero radiofónico que suena de vez en cuando incitando al patriotismo, aunque lo que estén llevando acabo allí sea una misión temeraria en la que dan palos de ciego con la energía nuclear y su consecuente radiación. Lo que pasó en Maralinga es que el ejército británico tiró bombas atómicas en las antípodas.

‘Operación Búfalo’ es una serie Australiana de 6 episodios de 52 minutos cada uno. Transcurre en una base militar disfuncional, indisciplinada que como en otras historias del mismo corte está gestionada por un líder experimentado pero despreocupado o inconsciente, interpretado por James Cromwell. La serie ha sido creada por Peter Duncan (‘Rake’). Aunque Cromwell encarna los remordimientos del Imperio Británico no es el único protagonista, realmente quien hila la narración es el personaje de Ewen Leslie (‘The Nightingale’).

Leslie interpreta al segundo militar más veterano de la base, un héroe de la Gran Guerra. Hace poco vi ‘The White Lotus’ y en ella el regente de un resort se volvía loco por mantener el orden y evitar un escándalo. Esa es la estresante labor del segundo al mando en la ‘Operación Búfalo’, correr de un lado para otro velando por el buen funcionamiento de la base tratando de localizar a una prostituta introducida sin autorización en la base en la víspera de un ensayo nuclear y la visita de unos ministros (de justicia y defensa). “Nunca es fácil” repite constantemente.

El guión dispone conversaciones propias de los Hernández y Fernández de Hergé, en medio de la tormenta conservan la calma y la locuacidad. Son seis capítulos con multitud de sucesos. Nos mantiene enganchados con muchos giros y misterios. Pero bajo todo eso hay un discurso sobre el abuso de poder, los atentados ecológicos, todo ello en aras del imperialismo británico y un mal llamado progreso. Y sobre todo a la apropiación indebida de tierras pertenecientes a aborígenes. De hecho el primer episodio va dedicado a Ningali Lawford Wolf, una actriz aborigen australiana.

Las intrigas se suceden, los compromisos se complican, las situaciones peliagudas son una constante en una serie que más que cómica es ilustrativa y reflexiva. Más que como un entretenimiento humorístico ‘Operación Búfalo’ funciona para poner en entredicho los supuestos valores honorables y benefactores de la Commonwealth.

Crítica: ‘La casa’

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Sinopsis

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‘La casa’ es una excéntrica comedia de humor negro sobre una casa y los tres relatos surrealistas de los individuos que la convirtieron en su hogar.

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Crítica

Solo la calidad de la animación es suficiente incentivo para entrar en ‘La casa’

El próximo 14 de enero Netflix nos plantea una nueva antología. Esta vez en formato película, pero dividida en tres capítulos, el nombre escogido es ‘La casa’. Y es que este largometraje está compuesto por unas historias que tienen en común una peculiar y bonita casa. Además de eso su nexo es que están recreadas con la técnica del stop-motion y poseen una moraleja. Tres narraciones con tintes de fábula adulta y algo de humor negro. Los personajes cambian de un episodio a otro, la ubicación de la casa también pero básicamente, de un modo muy relacionado con el desquicie y la demencia, nos habla de la búsqueda de un hogar. Una temática muy oportuna, precisamente ahora, cuando la vivienda es uno de los problemas más preocupantes de nuestra sociedad.

Los episodios están dirigidos por personas familiarizadas con el stop-motion. Emma de Swaef y Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr y Paloma Baeza. De hecho, si habéis visto alguno de sus cortos comprobaréis que recuperan sus personajes para ubicarlos dentro de esta acogedora pero perturbadora vivienda. Nexus Studios es el estudio que les ha unido para plantearnos los dilemas de unos personajes que aunque sean animales o de otra época están muy relacionados con todos nosotros.

Se me ha quedado floja la fuerza de la moraleja de estas historias, podría haberse extraído algo más potente de esta idea. Pero funciona cuando vemos que la casa a veces es un símbolo de esperanza, otras es todo un tormento, otras una frustración, otras sueños rotos, otras un símil de una vida llena de negaciones… Es evidente que para que estas historias tan enigmáticas tengan sentido hay que buscarles el sentido metafórico. Aquel que esté buscando deshacerse de una herencia, construirse un hogar o pasar página en su vida va a encontrar lazos con los protagonistas.

La ambientación nos lleva desde la época victoriana hasta nuestra actualidad. El diseño de producción y los diálogos nos devuelven a las mejores épocas de Tim Burton. El humor apático y los personajes martirizados nos llevan a ese cine que tanta influencia tiene de Edgar Allan Poe. Las criaturas que se mueven por las estancias de la casa son como esos muñequitos de las casas de muñecas Sylvanian Families. Todos los detalles están muy logrados, desde la casa y el mobiliario hasta pequeños detalles como una chocolatina o el agua y el fuego.

Aunque son entretenidas hay que reconocer que los episodios son raros, sobre todo el primero. Pasamos de una trama inquietante, puede recordar un poco a ‘El Resplandor’ pero que acaba yendo por otros derroteros. El segunda pega un salto en el tiempo y podría haber sido como ‘Esta casa es una ruina’, pero también nos sorprende incluyendo hasta un número musical. El tercero tiene el cambio geográfico más significativo y es al que se le puede extraer un significado más trascendental.

Esta película, con personajes de fieltro tipo ‘Trolls’ de Dreamworks pero en deprimente y para adultos, tienen cosas que contarnos. La calidad con que son recreados directamente un incentivo para entrar en ‘La casa’ y acompañarles en sus penurias y alegrías.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de enero de 2022. Título original: La casa. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Emma de Swaef, Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr, Paloma Baeza. Guion: Enda Walsh. Música: Gustavo Santaolalla. Reparto principal (voces originales): Helena Bonham Carter, Matthew Goode, Claudie Blakley, Paul Kaye, Miranda Richardson, Mia Goth, Will Sharpe, Susan Wokoma, Mark Heap, Stephanie Cole. Producción: Nexus Studios. Distribución: Netflix. Género: comedia, drama, antología. Web oficial: https://nexusstudios.com/insight/the-house-official-trailer/

Crítica de ‘El Pacificador’

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Tan fresca como estúpida

Cuando una serie empieza su primerísimo episodio piloto con un clásico “anteriormente en…” y sus escenas proceden de una disparatada película (‘El Escuadrón Suicida’) ya nos podemos imaginar el tono burlesco que va a tener. Pero es que además ‘El Pacificador’ arranca con un opening en el que los protagonistas bailan en plan musical sobre un escenario a ritmo del glam metal de Wig Wam. La parodia, la mofa y el heavy metal están omnipresentes en esta serie de HBO Max que se estrena el 13 de enero. Un lanzamiento que arrancará permitiendo ver tres episodios de los ocho que tiene la serie. Esta reseña la escribo tras haber visto siete de ellos, todos con escena post-créditos.

Segunda serie de James Gunn. El director de ‘Guardianes de la galaxia’ vuelve a la misma sintonía de su serie de 2008 titulada ‘PG Porn’ aunque rebajando un poco el tono grosero para acercarlo a la gran audiencia. Se nota que la calidad viene garantizada por el presupuesto de HBO Max y DC Comics pero eso no resta que la serie esté repleta de sangre, palabrotas y desnudos. A James Gunn le funcionó aplicar su pasado en la Troma para resucitar al escuadrón más desastroso de DC Comics y ahora con este spin-off secuela volverá a conquistar a gran parte de la audiencia. Aunque no puedo evitar seguir sintiendo a ‘Doom Patrol’ como la mejor serie de DC que HBO Max tiene en su catálogo.

El Pacificador de John Cena ha perdido la epicidad y luce muy poco la puntería demostrada en ‘El Escuadrón Suicida’, pero conserva su estupidez. Con la serie vemos que es más patriota que pacificador. Es tan “americano” que vive en uno de esos pintorescos parques de caravanas en una casucha pintada con la bandera norteamericana. La serie llega para plantar unos cuantos huevos de pascua con respecto a los cómics (como los múltiples cascos) pero no plantea nada serio salvo algunos datos del pasado del protagonista. Básicamente solo es una historia de acción y comedia. A Cena se le da bien hacer el tonto, pero no actuar. Viene del espectáculo que viene, pero aún le falta mucha escuela interpretativa. Se lo notamos sobre todo cuando tiene que hilar muchas frases o en los momentos dramáticos… A si es que lo mejor de la serie es la acción y los momentos incómodos. La frase “Si vis pacem, para bellum” (“Si quieres paz, prepárate para la guerra”, ya usada en ‘The Punisher’), es la máxima de Pacificador, solo que él no va directo a la confrontación, se tropieza de una manera obtusa con ella.

Junto a Cena está el reparto de agentes que a las órdenes de Amanda Waller (Viola Davis) monitorizaban las misiones del Escuadrón Suicida. Tienen el encargo de acabar con una amenaza mundial ideada para la serie, “Las mariposas”, una especie de invasión de los ultracuerpos un tanto diferente a la que ‘El Escuadrón Suicida’ planteó con Starro. Y para ampliar la trama se incorpora otro villano que si proviene de las viñetas, Judomaster (Nhut Le), una especie de guardaespaldas canijo que no hace más que comer snacks. Además hay otras sorpresas o enemigos que prefiero no desvelar.

Pero las novedades no vienen solo de parte de los villanos. Descubrimos que quien provee de trajes y armas al Pacificador es su padre, interpretado por Robert Patrick (el T-1000 de ‘Terminator 2’). Parece que va a ser su propio Alfred pero pronto descubrimos que esconde una personalidad y sorpresas diferentes. Al igual que la especie de Robin que se le une, encarnado por Freddie Stroma. Me refiero a Adrian Chase cuyo alter ego es El Vigilante, un personaje ya aparecido en la serie ‘Arrow’ interpretado por Josh Segarra.

Pero si hay una incorporación divertida es la del águila. Eagly es la mascota y compañera del Pacificador y resulta la mar de simpática. Está estupendamente recreada por ordenador y aunque se nota a veces que falla el punto al que miran los personajes y donde está realmente colocado el ave, es tan realista que lo pasamos por alto.  La personalidad de este personaje es tan tierna como traicionera, no descartemos que tenga un papel importante en el último episodio.

Sinceramente, me trae sin cuidado todo el trasfondo dramático de los personajes secundarios. Creo que duermen la trama. Sobre todo se adormece cuando los agentes, que más bien son oficinistas que tienen que trabajar obligados por Amanda Waller (si habéis visto ‘El Escuadrón Suicida’ sabréis por qué), nos plantean sus inquietudes o miedos. ‘El Pacificador’ funciona cuando el antihéroe se muestra fascista, racista, sexista… sin ser consciente de lo que es realmente. Cuando se ve que es un tipo que intenta ser superhéroe pero que a veces es villano. En la serie no lo es tantas veces como debería y se separa en ese sentido de ‘El Escuadrón Suicida’, quitándole parte de la gracia.

Crítica: ‘The tender bar’

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Sinopsis

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Un pub del barrio de Manhasset, Long Island, se convierte en un segundo hogar para un niño huérfano de padre en ‘The Tender Bar’, una conmovedora e inspiradora historia de superación dirigida por George Clooney. La vida de J.R. (Tye Sheridan y Daniel Ranieri), cuyo padre desapareció antes de que tuviera edad para hablar, da un vuelco cuando se muda a la ruinosa casa de su abuelo tiempo después de que él y su madre (Lily Rabe) atravesaran momentos difíciles. Bajo la tutela poco convencional de su tío Charlie (Ben Affleck), un carismático camarero autodidacta, y de un puñado de clientes habituales del bar, J.R. se convierte en un joven decidido a cumplir su sueño de convertirse en escritor.

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Crítica

Un bar muy leído, pero sin un libreto que suscite interés

El primer dato que nos invita a ver ‘The tender bar’ es el que vuelve a colocar a George Clooney de nuevo tras las cámaras de una película después del fracaso, a mi gusto, de ‘Cielo de medianoche’. De nuevo dirige una obra que adapta una novela, en esta ocasión de J.R. Moehringer, y de nuevo lo hace para una plataforma de streaming, Amazon Prime Video. Me cuesta decirlo porque Clooney es un actor que me trae mucha simpatía y como director me gustó con su ‘Buenas noches, y buena suerte’ y ‘Monuments men’, pero desde ‘Suburbicon’ todo ha sido mucho ruido y pocas nueces.

Con ‘Cielo de medianoche’ pecó de darle en exceso a las divagaciones y de restar importancia a la trama que él mismo protagonizaba. Ahora, sin tener un papel en la película, descarga el peso en Ben Affleck y Tye Sheridan, dos actores que pese a pertenecer a diferentes generaciones tienen modos similares de actuar y funcionan bien sobre el set. Y con respecto a sus interpretaciones o como suele decirse “química” no tengo nada que objetar. Es el guión lo que no me ha suscitado ningún interés.

La historiad e ‘The tender bar’ nos lleva a Long Island, en los años setenta y ochenta. Allí un joven que sueña con ser escritor es criado casi en exclusiva por su tío, quien regenta un bar repleto de libros llamado “Dickens” y que le sirve de tutor o instigador para cumplir su sueño. Esta es una historia paterno filial, con lazos de sangre, de crecimiento y superación. El bar es un foro, un punto de control en la vida del protagonista, un lugar donde prácticamente se cría y donde expone o recibe lecciones de vida. Ese aspecto es lo único valioso del filme. El hecho de ser capaz de remontarnos a lugares que todos reconocemos como seguros, como fijos en nuestras vidas, como un anclaje al que recurrir en tiempos de duda o necesidad.

Este “bar tierno” nos transmite envidia por la cercanía y dinámica educativa del tío interpretado por Affleck. Pero nos aburre. La octava película de Clooney es también la que menos giros de guión posee. No se percibe un conflicto en el protagonista, no uno que haga de la película algo destacable. Y por supuesto no hay un clímax ni emocionante ni sorprendente pues al estar la narración dirigida por la voz en off del joven interpretado por Sheridan ya sabemos cómo va a terminar todo.

El único personaje que evoluciona o que demuestra motivaciones es el protagonista y eso hace que más que anecdótica la película peque de incompleta. Ni con las constantes flatulencias de Christopher Lloyd consigue ‘The tender bar’ sonsacarnos una sonrisa. Su diseño de producción está correcto, su casting es adecuado, sus valores familiares reseñables, pero quizá esta no es la mejor obra para adaptar al cine, tal vez es más evocadora o emotiva en papel.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de enero de 2022. Título original: The tender bar. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: George Clooney. Guion: William Monahan. Música: Dara Taylor. Fotografía: Martin Ruhe. Reparto principal: Ben Affleck, Tye Sheridan, Lily Rabe, Max Martini, Max Casella, Rhenzy Feliz, Matthew Delamater, Sondra James, Briana Middleton, Ivan Leung, Alissa Bourne, Daniel Ranieri, Christopher Lloyd. Producción: Smoke House Pictures, Big Indie Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.bigindiepictures.com/#projects

Crítica: ‘El espía honesto’

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Sinopsis

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El ambicioso científico Franz Walter acepta trabajar para el servicio de inteligencia exterior de la RDA y promete lealtad absoluta al sistema hasta que pueda asumir su nuevo cargo como catedrático en la universidad. Franz, pronto se verá obligado a utilizar prácticas no muy adecuadas para conseguir las peticiones de sus superiores: vigilancias y escuchas telefónicas, cartas y diagnósticos falsificados, chantajes y presiones psicológicas. Pero esto es más de lo que Franz puede soportar… Y se producirá un súbito giro en la historia.

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Crítica

Carece del mordiente necesario como para causar sensación

La historia de ‘El espía honesto’ viene directamente de nuestros europeos años 80. Pero esta no es otra película que se una a la explotación nostálgica que tanto nos rodea en la última década. Es un título que nos trasporta a la Alemania de 1981 para hacer un poco de justicia histórica y para remarcar también cuán dañinos pueden ser los métodos de los gobiernos en las vidas de sus ciudadanos, aunque el sueño de estos sea servir fielmente a su patria.

Werner Teske es quien inspira la narración y la directora Franziska Stünkel ha decidido cambiar el nombre del protagonista a Franz Walter, el cual, está interpretado por Lars Eidinger, a quien vimos recientemente en ‘El profesor de persa’ y al que se le suman otros actores alemanes, entre ellos algunos de la serie ‘Dark’. Un cambio que imagino que sirve para respetar a la persona y sus familiares, pero que también busca no mostrar su final, el cual os recomiendo no os destripéis googleando sobre Teske. Premeditado es también el ritmo del filme. ‘El espía honesto’ huye de las tramas de espionaje que dependen de sus escenas de riesgo o de sus traicioneros giros para atrapar al espectador. Es un relato más humano, más lánguido, algo que sin duda jugará en contra de la película para calar en un público masivo.

Si el largometraje os da la sensación de estar muy bien ambientado no es solo porque nos lo muestren con una imagen intencionadamente tratada con tonos “vintage”. Es porque también se ha localizado en los lugares originalmente usados por la RDA y su servicio de inteligencia. Sin duda un curioso atractivo que nos ayuda a sumergirnos en una era de miedo, desconfianza o paranoia. Así nos pinta la directora y guionista la época de la República Democrática Alemana, aunque lo hace de manera discreta o de un modo tan excesivamente reservado que carece del mordiente necesario como para causar sensación.

Lo bueno, o por lo menos lo que marca la diferencia, es que este no es un espía que diga a gritos “¡Ey! Vengo a destapar todos los trapos sucios habidos y por haber y a llevar una vida emocionante”. Gracias a su sobriedad la película se siente más humana y realista. Parece orientada a reconocer los pecados del pasado. Y cuando hablamos de la búsqueda de exculpación por parte de los germanos nos suele venir a la mente la época hitleriana, olvidándonos de que más recientemente el país estuvo partido en dos. Como igual de dividida estaba la vida del protagonista, escindida entre su amor por la patria y los sueños forjados con su pareja, otro factor que la directora acierta a retratar.

No puedo evitar alinearme con el protagonista cuando pienso que siempre fracasamos aquellos que desempeñamos nuestro trabajo con la mayor honestidad y escrúpulos posibles, aunque con ello caiga en un ejercicio de soberbia parecido al del ambicioso Franz Walter. Esa contradicción de sentimientos es similar a la que busca el filme. Cuando más se observa es en la primera visita de Walter a la Alemania Occidental. “Esta sociedad brilla en la superficie, pero debajo hay una miseria como nunca has visto”, le dice su compañero de viaje y misión. Una frase que podría funcionar en ambas Alemanias e incluso hoy en día. “Nahschuss” es la palabra alemana que da título al filme, “primer plano”, ya que pone el foco muy de cerca en intentar acercarse a aquellos que estaban en primera línea, los que se la jugaban de verdad. De un modo templado ‘El espía honesto’ nos aporta, una vez más, una historia de quitarse la venda de los ojos.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de enero de 2022. Título original: Nahschuss (The last execution). Duración: 115 min. País: Alemania. Dirección: Franziska Stünkel. Guion: Franziska Stünkel. Música: Karim Sebastian Elias. Fotografía: Nikolai von Graevenitz. Reparto principal: Lars Eidinger, Luise Heyer, Devid Striesow, Paula Kalenberg, Victoria Trauttmansdorff, Peter Benedict, Moritz Jahn, Peter Lohmeyer. Producción: Network Movie Film-und Fernsehproduktion, Franks Filmproduktion, C-Films, Zweites Deutsches Frensehen, ARTE. Distribución: Adso Films. Género: drama, thriller. Web oficial: https://adso.tv/ficha/el-espia-honesto

Crítica: ‘El día de la bandera’

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Sinopsis

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John Vogel es un inconformista. Un extraordinario padre con grandes planes y una actitud audaz que enseña a su hija Jennifer a vivir una vida de riesgo y aventura. El padre de Jennifer era más grande que la vida. Esto resulta muy emocionante para una niña, pero a medida que Jennifer crece, la realidad comienza a devorar esta imagen de su héroe. Sus grandes e imprudentes historias ya no son creíbles, pero si sus terribles consecuencias. Liberándose, Jennifer se construye una vida propia, lejos de su inestable infancia.

Él le enseño mucho sobre el amor y la alegría, pero también resultó ser uno de los falsificadores más notorios en la historia de Estados Unidos.

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Crítica

Tan melancólica que te deja la bandera a media asta

‘El día de la bandera’ está basada en un libro de memorias escrito por el personaje que interpreta Dylan Penn y que se titula “Flim-Flam Man: The True Story of My Father’s Counterfeit Life”, lo cual, viene a decir “La verdadera historia falsa de mi padre”. Sean Penn y Dylan Penn, padre e hija en la realidad, interpretan también a un padre y una hija, John y Jennifer Vogel. Esta es la historia real de un estafador nacido el día de la bandera que parecía un buen padre pero que sin embargo engañaba a su hija y a su madre patria.

La película se abre con una persecución y con el personaje de Jennifer recibiendo noticias sobre su padre, protagonista de ese lance policial que ha sido retransmitido por todo el país. Es así como empieza esta película de superación y desengaño, pero esos primeros instantes son meramente introductorios, la narración transcurre en el pasado. Es por eso que la mayor parte de la imagen de la película está tratada de tal modo que nos rememora a las grabaciones de los setenta y ochenta.

Melancólica y meditabunda. ‘El día de la bandera’ transcurre de manera nostálgica y dramática por la juventud de Jennifer, cuya apesadumbrada voz nos cuenta esta odisea norteamericana. Una búsqueda que ha sido usada para desarrollar la relación entre un padre y una hija. Terminamos de ver ‘El día de la bandera’ y no nos quedamos con muchos hechos concretos, más bien con sensaciones tristes, deprimentes. Pese a estar basada en hechos reales la película no funciona como elemento informativo, más bien como un discurso paterno-filial que supongo que Sean Penn utiliza para impulsar la carrera de su hija en esta su segunda película. Al fin y al cabo el filme trata de un padre que hace lo que está a su alcance para garantizar un futuro a su hija.

Quizá la película hubiese funcionado si mostrase con mejores herramientas la auténtica catarsis que hizo que Jennifer Vogel pasase de calmar las penas con drogas a ser una escritora respetable. Ni siquiera causa impacto la escena de la entrevista de trabajo, que se supone que es la verdadera declaración de principios. Ya no se predica el mismo “Sueño americano” de antes. Por lo que nos venden las películas, ‘El día de la bandera’ no es una menos, nos demuestran que USA es una tierra muy distinta a la de décadas atrás, para supervivientes y oportunistas, para redenciones y malvivir, para mantenerse en pie a partir de una base corrompida.

Ciertamente Sean Penn está estancado en su carrera. Vuelve a pegársela con una película que aporta poco, ya no solo a nivel informativo, también interpretativo. Y lo peor es que no acabo de ver la razón por las que se pone tras la cámara pues narrativamente no tiene recursos suficientes o no lo suficientemente arriesgados o bien ordenados, para destacar en el rol de director. Pero oye, si él tiene la capacidad y espíritu para meterse en esas lides es libre de hacerlo, pero que no se queje si la taquilla no le acompaña.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de enero de 2021. Título original: Flag Day. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Sean Penn. Guion: Jez Butterworth. Música: Joseph Vitarelli. Fotografía: Daniel Moder. Reparto principal: Sean Penn, Dylan Penn, Miles Teller, Josh Brolin, Hopper Penn, Katheryn Winnick, Dale Dickey, Eddie Marsan, Norbert Leo Butz, Bailey Noble, Megan Best, Adam Hurtig, Billy Smith, Regina King. Producción: Wonderful Films, Conqueror Productions, Olive Hill Media. Distribución: Inopia Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://olivehillmedia.com/media/flag-day/

Crítica: ‘Hierve’

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Sinopsis

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Sigue durante una hora y media a los trabajadores y a los clientes de un lujoso restaurante de Londres durante el servicio más complicado en el día más concurrido del año. Una pesadilla en la cocina antes de Navidad que probablemente aumentará tu empatía hacia chefs, cocineros y camareros.

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Crítica

Exhibe con cruda veracidad el chantaje social y emocional del día a día

Filmin nos propone un nuevo drama realista protagonizado por Stephen Graham. En este caso el actor británico se mete en la piel de un cheff que junto a su equipo ha de cocinar para muchos comensales que esperan tener una gran cena navideña. Un viernes en el que todos aguardan que la noche vaya rodada pero que no tienen la consciencia de que a cuantos más protagonistas hay, más aumentan las variables capaces de producir un desastre. Y ‘Hierve’ tiene tantos ingredientes que puede reventar de la presión en cualquier momento, como la vida misma.

‘Hierve’ es una película de Phillip Barantini. Alarga un cortometraje que ya hizo el director con Graham en 2019. Se compone de un solo plano secuencia que empieza con marcha apresurada a pie de calle, en un rinconcito londinense. Y de ahí va a más y más, quizá haciendo coincidir demasiadas cosas, como queriendo condensar un año entero de trabajo en una noche. Aunque Graham es el protagonista todos los miembros del amplio equipo del restaurante van cogiendo el relevo de la cámara, con lo que la narración se hace ágil. Es muy similar a lo que nos ofrecía ‘Birdman’ pero sin artificios, de un modo más crudo. El logro de sincronización y planificación de este tipo de películas es indudable.

Se remarca el estrés del día a día sumado al de la vida íntima, la presión de una inspección o la visita de irritantes clientes que piensan que hay que darles un trato especial solo por sus followers en una red social o por hablar refinadamente. Es el chantaje diario al que muchos se ven sometidos constantemente. Una coacción que ejercemos todos de un modo u otro casi sin saberlo. Y todo esto en Navidad, cuando todo el mundo está irónicamente estresado, en la supuesta época más feliz del año. ‘Hierve’ es como un episodio de un programa de Chicote o Ramsay pero sin interrupciones, sin voz en off o sonidos efectistas.

Resulta previsible el hecho de que la historia antes o después acabe explotando. Pero si no seguramente la sensación seria de que esta es una cocina sin jugo. El conflicto es ineludible. La técnica del plano secuencia contribuye a llevar en aumento la tensión de un lugar que se llena sin que apenas te des cuenta. Cámara en mano se reflejan momentos de complicidad eufórica mezclados con conflictos la mar de incómodos. Sucesiones de lances de todo tipo y a toda máquina. Hay muchos personajes por lo que ‘Hierve’ se convierte en un abanico de sensaciones. Si nunca has trabajado en una cocina o si eres de protestar por cualquier minucia en un restaurante con ‘Hierve’ entenderás que no todo es tan fácil como parece y que una cosa es que te den un servicio y otra tener un sirviente. Hambre os va a dar la película, pero también ganas de poneros en el lugar de otro o por lo menos de pedir las cosas por favor.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre de 2021. Título original: Boiling Point. Duración: 92 min. País: Reino Unido. Dirección: Philip Barantini. Guion: Philip Barantini, James Cummings. Música: Aaron May, David Ridley. Fotografía: Matthew Lewis. Reparto principal: Stephen Graham, Vinette Robinson, Alice Feetham, Jason Flemyng, Hannah Walters, Malachi Kirby. Producción: Ascendant Films, Burton Fox Film, White Hot Productions, Three Little Birds Pictures, Alpine Films, Bromantics, Urban Way PRoductions. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial: https://ascendantfilms.co.uk/films/boiling-point/

Crítica: ‘100 días con la Tata’

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Sinopsis

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Los padres del actor Miguel Ángel Muñoz tuvieron que recurrir a la “Tata” (Luisa Cantero) para que cuidara a su hijo mientras ellos trabajaban. Desde entonces, la Tata (97) y Miguel Ángel (38) nunca se han separado. Pero tras varias complicaciones de salud de la Tata, Miguel Ángel se da cuenta de que su historia de amor se puede acabar y decide llevar a cabo todas las cosas que tiene pendientes de hacer junto a ella: un road trip, conocer los orígenes de Luisa y hasta rodar una película juntos. Una aventura que se ve interrumpida por la llegada de la pandemia. Un giro que, lejos de entristecerlos, hará que ambos estén más unidos y disfruten más que nunca durante 100 días juntos en un piso de 35m2. Pero que también forzará a Miguel Ángel a encarar su mayor miedo: la separación de la persona más importante de su vida.

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Crítica

Una ópera prima muy tierna

Miguel Ángel Muñoz nos presenta en su primer largometraje documental a su Tata, Luisa Cantero, mujer que cuidó de él mientras sus padres trabajaban. Después de varios sustos por la salud de la Tata, Miguel Ángel se da cuenta de que esa historia de amor puede acabarse un día y el miedo que tiene le hace hacer un montón de actividades junto a ella que tienen pendientes. Creando con estos momentos una película, donde la principal protagonista sería ella. Todo esto queda interrumpido por la famosa pandemia, pero no hay mal que por bien no venga y al final 100 días en un piso de 35 m2 da para mucho.

Instagram logró que la Tata se hiciese famosa y alegró las vidas de mucha gente con sus vídeos y directos.

Me ha gustado mucho el enfoque de la cinta, una película donde ellos dos, nuestros protagonistas, disfrutan, sufren, se enfadan y por supuesto, muestran un amor incondicional.

Miguel Ángel Muñoz, un hombre que se ve desde la lejanía que no puede parar quieto, se encuentra de repente encerrado en un piso chiquitín al cargo de su Tata, se cambian las tornas y es él el que debe encargarse al 100% de ella.

Este documental nos habla de muchas cosas, de la precariedad de la vida de nuestros ancianos, de como terminan muchas veces olvidados y del trabajo que realizan muchos trabajadores en los hogares de éstos. Ese gran trabajo físico y mental.

No os equivoquéis, este documental tampoco es una reivindicación ni nada por el estilo, pero si que te deja ese mensaje.

También nos habla del miedo a la pérdida, Miguel Ángel sufre mucho al pensar que un día va a llegar el temido momento de no volver a ver a su Tata. Pero también nos habla de la aceptación, pues la Tata no es que lo desee, pero ella sabe que el día que llegue llegará y está preparada.

Una cinta muy emotiva y a la vez muy divertida. Realmente es un conjunto de vídeos caseros muy bien rodados, pero que no deja de ser momentos muy íntimos y bonitos. Bueno, bonitos y también alguno que otro en el que vemos la mala leche de la Tata.

Además es muy curioso como es la vida, durante el confinamiento, se ve, como la Tata va rejuveneciendo, por así decirlo, al menos en lo mental. Como su ánimo va hacia arriba en vez de decaer, pese al miedo de la pandemia. Mientras que Miguel Ángel va hacia abajo. Necesita su espacio y ha dejado de hacer deporte, algo que físicamente también le afectó.

Un documental muy recomendable, muy positivo y lleno de momentos que os harán recordar a cualquiera de nuestros mayores. Miguel Ángel le da un precioso homenaje a su Tata y a él mismo.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre de 2021. Título original: 100 días con la tata. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Muñoz. Guion: Jorge Laplace, Miguel Ángel Muñoz. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Miguel Ángel Muñoz, Luisa Cantero. Producción: Paciencia Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial: https://bteampictures.es/100-dias-con-la-tata/

 

Crítica: ‘Matrix Resurrections’

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Sinopsis

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Neo parece no haber vivido todo lo visto en las anteriores entregas de The Matrix. Vive atiborrado a pastillas azules, pero todo cambia de nuevo cuando Morfeo aparece de nuevo en su vida con la pastilla roja.

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Crítica

Parche sobre parche, actualización sobre actualización

Pues sí, es raro que estés leyendo estas líneas y no sepas que ya hay una cuarta entrega de Matrix, debes ser de esos que han conseguido estar libres y desconectados de la red. Solo una de las dos hermanas Wachowski ha estado en esta nueva entrega y precisamente esa es la sensación que nos queda, que falta parte del talento y la originalidad que nos sorprendió en 1999. Y el problema es que este nuevo episodio tampoco tiene la brillantez de las escenas de acción que tuvieron las escuelas. En ‘Matrix Resurrections’ no tenemos ni vistosidad, ni coreografías, ni el sentido trepidante que vivimos gracias en su parte también a una banda sonora que no han sabido ni recuperar ni imitar.

Con el fin de justificar el regreso de los protagonistas se va poniendo parche sobre parche, idea sobre idea. El símil informático nos viene muy bien traído pues la única justificación que le encuentro a esta película es la de cerrar con una tirita una saga que se perdió entre el ruido de sus escenas de acción y los desvaríos que acabaron por no llevar a nada. Se van sacando soluciones de la manga, prácticamente deus ex machina y son tan conscientes de ello que hasta utilizan esa palabra de la película. ‘Matrix Resurrections’ comete el mismo error y nos deja con un final abierto y una escena post-créditos que se burla de sí misma o incluso de los espectadores.

Tirando de lenguaje meta y autorreferencias el filme es consciente de que ya no puede retorcer más su propia trama y de manera abierta reconoce que ya es un mero entretenimiento prácticamente desprovisto de alma, que no puede ser un remake más, pero que está hecha para el regocijo o bolsillo de Warner, literal. Admito estar muy de acuerdo cuando la película sabe exponer que, aunque han pasado los años seguimos siendo una sociedad que prefiere vivir adormilada bajo el control de otros, ya sean las máquinas que llevamos en los bolsillos o ya sean dos o tres mandamases, además de mostrar que nuestras decisiones están totalmente guiadas por un sistema binario, bipartidista o como lo queramos llamar según el ámbito de que hablemos. Otro mensaje en el que hace inciso y con el que coincido es el de las rutinas. Recordemos que el arquitecto le dijo a Neo que no era el primero elegido ni su Sion la primera que destruía. Y parece que el filme también está decidido a reírse de su repetitividad pues al margen de recordarnos que todos estamos anclados a unos hábitos, ‘Matrix Resurrections’ funciona como una especie de repetición condensada de la trilogía entera volviendo al punto del elegido, el debate del destino, la rebelión autoconsciente y violenta de los programas…

En lo que también volvemos al código fuente de Matrix es el sentido de que ésta vuelve a ser una película de amor. Como dicen varios personajes de la película “lo que cautivó de ‘Matrix’ es que nos dejaba rallados y que además se inventó un nuevo tiempo bala”, era “filosofía recubierta de cuero”. Este largometraje reconoce que necesita reinventarse, se camufla de complejo, pero es muy explicativo y sencillo en resumidas cuentas. Es incapaz de re-orientarse con la originalidad necesaria y tiene varias soluciones bastante pobres tanto en calidad como imaginativamente. Ya os acordaréis de esto cuando veáis la escena más tensa de Neil Patrick Harris o los ojos de los enemigos de Neo.

Quizá todo este texto está sonando demasiado negativo pues la película realmente no es la decepción que yo pensaba que iba a ser. Pero claro, venimos de levantar una expectativa en torno a una película que a todos los que la vimos en su momento de una manera fresca nos voló la cabeza y cabía esperar que habiendo pasado unos años la historia se cerrase ya de una manera definitiva con un guión mucho más concienzudo. Incluso ‘Animatrix’ fue más innovadora aún habiendo salido en el mismo año que la segunda y tercera entrega. Cuando mejor funciona ‘Matrix Resurrections’ es cuando Neo (Keanu Reeves) y Trinity (Carrie-Anne Moss) muestran su complicidad y cuando consigue conectar con el público gracias a destellos y guiños de las mejores escenas de la franquicia.

Está claro que esta película también es catártica para su directora que ha contado con un reparto lleno de amigos hechos en anteriores producciones. Pero no le funciona la buena sintonía que tiene con ellos ni a nivel de guion y a nivel estético pues por momentos parece que estamos apretujados entre modernos y hipsters en el mercadillo de Camden Town. Duele también lo mal que se ha gestionado la figura del agente Smith.

Las actualizaciones que le ha puesto la película sí que están más acertadas. Parafraseando una vez más una de sus escenas… “han usado código antiguo para algo nuevo”. Ya no estamos hablando solo de argumentos de empoderamiento femenino o de un discurso más abierto a la diversidad. Hablamos también de la incorporación de nuevos diseños de máquinas y de personajes que abogan por un discurso pacifista y de concordia entre las clases más radicalmente diferentes. La película tiene toda la razón cuando grita por el fin de las guerras y cuando pone en relevancia que cuando la humanidad más esfuerzo y energía emplea es cuando se mueve motivada por el deseo o el miedo.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre de 2021. Título original: The Matrix Resurrections. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Lana Wachowski. Guion: Lana Wachowski, Aleksandar Hemon, David Mitchell. Música: Johnny Klimek, Tom Tykwer. Fotografía: John Toll, Daniele Massaccesi. Reparto principal: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Yahya Abdul-Mateen II, Jessica Henwick, Jonathan Groff, Neil Patrick Harris, Priyanka Chopra Jonas, Christina Ricci, Telma Hopkins, Eréndira Ibarra, Toby Onwumere, Max Riemelt, Brian J. Smith, Jada Pinkett Smith. Producción: Village Roadshow Pictures, NPV Entertainment, Silver Pictures, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.matrixresurrections.entradaswb.com/

Crítica: ‘La noche del fin de los tiempos’

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Sinopsis

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Esta historia empieza cuando un joven ambicioso roba el conocimiento de una planta sagrada. Pronto sucumbirá a las oscuras tentaciones del poder y, al hacerlo, desencadenará años de sufrimiento para la humanidad. A medida que su poder aumenta, un grupo de héroes de diferentes culturas y procedencias intentarán detener el mal a cualquier precio.

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Crítica

Un baño de misticismo salvaje y vistoso

La técnica de la rotoscopia vuelve a nosotros en plena era digital. Lo que nos ofrece ‘La noche del fin del mundo’ es visualmente retro y nos devuelve las antiguas películas animadas, como el largometraje que se hizo de ‘El Señor de los Anillos. La comunidad del anillo’, es indudable que los diresctores Philip Gelatt y Morgan Galen King siguen la escuela de Ralph Bakshi.

En su día la obra de Bakshi causó cierta polémoca. Y es que muchos pusieron sus dibujos a un público infantil, para el cual todo era chocante o confuso. Este largo, cuya técnica ya usaron sus autores en ‘Exordium’ es obviamente para adultos. Porque además del tipo de animación llama la atención como principal arma que posee mucha fantasía y mucha violencia, hasta límites extremos.

‘La noche del fin de los tiempos’ es una historia de magia, poderes y venganza. En ella una reina hechicera busca respuestas en una antigua montaña. Ese personaje sirve como narrador de esta cruenta historia. Una narración de capa y espada, de nigromancia y dioses, de sangre y fuego. Nos recuerda horrores a los mundos de Red Sonja o Conan. No es de extrañar por lo tanto que tengamos en el reparto de voces a Lucy Lawless, la mítica actriz de Xena. Además de ella en versión original podemos encontrar a Richard E. Grant o Joe Manganiello. No obstante, el doblaje al castellano es magnífico.

‘La noche del fin de los tiempos’ es un baño de misticismo salvaje y vistoso. Está llena de horrores cósmicos o de visiones del inframundo. La muerte está omnipresente en esta historia que fragua su mitología de un modo estupendo y que nos entretiene con su mundo fantástico de igual modo que lo hacen las novelas de Tolkien o una partida de rol al antiguo RuneQuest.

En ocasiones el dibujo es burdo, sencillo, parco en detalles, refiriéndome a lo son los personajes, pero tiene un dinamismo y unos tonos que nos llevan a épocas pasadas, lo cual favorece a la narrativa. Sin embargo la magia y los fondos o escenarios por los que se mueve la historia es otro cantar. Vamos por lugares que parecen sacados de las primeras versiones de ‘Dungeons & Dragons’ o de los pinceles de Cary Nord.

Este es un regalo para aquellos que quieran un sabor cinematográfico vintage y las sensaciones fantasiosas de las aventuras mágico-medievales. El guión es preciosista y no excesivamente intrincado, está más enfocado a proporcionar subidones a aquellos que busquen sensaciones tipo R.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de diciembre de 2021. Título original: The spine of night. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Philip Gelatt, Morgan Galen King. Guion: Philip Gelatt, Morgan Galen King. Música: Peter Scartabello. Reparto principal (doblaje original): Lucy Lawless, Richard E. Grant, Patton Oswalt, Betty Gabriel, Joe Manganiello, Patrick Breen, Larry Fessenden, Jason Gore, Tom Lipinski, Nina Lisandrello. Producción: Gorgonaut, Reno Productions. Distribución: Filmin. Género: fantástico. Web oficial: https://www.gorgonaut.net/

Netflix nos invitó a una charla científico cinéfila sobre ‘No mires arriba’

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“El cine acierta cuando nos muestra a los astronautas trabajando en equipo”, Pedro Duque

Pensábamos que no íbamos a tener más que contaros sobre ‘No mires arriba’ tras publicar una crítica aquí en la web y otra en nuestro canal de Youtube. Pero tenemos más que aportaros para animaros a ver la última obra de Adam McKay. Netflix nos invitó ayer a un estelar encuentro. Con motivo del estreno de ‘No mires arriba’ nos ha reunido en el Domo 360 de Madrid donde nos hemos encontrado con Pedro Duque (astronauta y exministro de Ciencia e Innovación), José Luis Crespo (físico, Quantum Fracture), Laura Parro (investigadora en Ciencias Planetarias) y Andrea G. Bermejo (redactora, Cinemanía). Un acto presentado por Eduardo Sáenz (Órbita Laika).

Con ellos hemos charlado sobre lo que sucede en ‘No mires arriba’, que es en resumen que un asteroide va a chocar contra la Tierra con el 100% de probabilidades. En esa película juega un papel muy importante la comunicación y la divulgación, algo que dado el carácter de los invitados, fue el eje que vertebró la charla.

Sobre el acto de hablar de ciencia en público y hacer entender a todo el mundo lo que dices Pedro Duque señaló que “hay que estructurar la información de modo que tenga contenido capaz de captar la atención. Es difícil en el poco tiempo que solemos tener, se ve eso en la película”. Yendo más allá Crespo apuntó que “uno tiene que entender que aunque las cosas no se vean hay que conocer las consecuencias”. Y es que la película aunque trate sobre un meteorito tiene muchas similitudes con la pandemia que vivimos, y eso que McKay escribió el guión mucho antes de 2020. Como os habréis dado cuenta y como también destacó Bermejo citando películas como ‘Contagio’, “la ciencia es uno de los motores de cambio de la humanidad. El cine se ha nutrido de sus dilemas”. Por último Parro, que está en un proceso para convertirse en astronauta de la ESA dijo que “Necesitas una preparación para llevar todo a un terreno que se pueda entender. Lo hemos visto con la pandemia. Con todo este panorama se nos va haciendo más caso a los científicos”.

Hemos citado ‘Contagio’ pero con tanto científico antes o después se habló de cuan acertadas científicamente son las películas. Parro coincide con nosotros en destacar a ‘Marte (The martian)’ “a mí la que me gusta es ‘The martian’, está muy bien llevada, con solo alguna cosa a criticar. Mucha gente me ha preguntado qué tiene de verdad”. Crespo también acertó al apreciar que “siempre hay pequeñas ideas en las películas que hacen “inception» en tu cabeza y se quedan”. Y Pedro Duque desde su experiencia espacial y las películas que ha visto estaba en posición de afirmar que “el cine acierta cuando nos muestra a los astronautas trabajando en equipo. Cuando se va a lo individual es cuando se equivoca, no se puede hacer todo eso en solitario. Pero sin duda tiene el valor único de poder generar interés”.

Sobre si es veraz todo eso que vemos en las películas de librarnos de una roca enorme que se dirija a la Tierra José Luis Crespo indicó “reventarlo con bombas es la peor idea. Se podría fragmentar en muchas partes y ese sería un problema más difícil”. El trabajo de Parro está muy relacionado con este tipo de problemáticas: “estamos intentando estar preparados. Queremos tener un comprobador de que en caso de necesitarlo podemos desviar un asteroide” anunció.

Las películas catastrofistas muchas veces no son solo espectáculo, como es el caso de ‘No mires arriba’. Andrea G. Bermejo bien lo ejemplificó al decir que “lo interesante es que más allá de querer hacer un entretenimiento hay un retrato de la sociedad del momento. ‘No mires arriba’ es un retrato tan ácido y escéptico que viene a decir que no merece la pena que lo intentemos”. Y es que incluso los políticos están bien retratados. Pedro Duque desde su reciente experiencia dijo que “hay que darles primero el eslogan y luego la explicación. Eso puede pasar, lo he aprendido también […] Obviamente funcionaría tener un asesor científico que le explique la situación al político de turno”.

Nosotros en concreto preguntamos sobre la parte corporativa de la película, que se mete bastante con los CEOs de las grandes tecnológicas. Pedro Duque también nos dijo “obviamente las corporaciones ya nos están influyendo, en las campañas electorales por ejemplo”. Bermejo aclaró que “hay una crítica a las tecnológicas” a lo que Crespo aportó “Bezos ha sugerido controlar el clima con un aerosol dispersado por la atmósfera. Terraformar. Eso da miedo”.

La charla tuvo muchos momentos educativos y muy bien explicados. Agradecemos a Netflix esta invitación y os invitamos una vez más a ver ‘No mires arriba’ que ya está en cines y a partir del 24 estará subida a la plataforma.

Crítica: ‘Spider-Man: No Way Home’

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Sinopsis

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Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un Súper Héroe. Cuando pide ayuda a Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser Spider-Man.

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Crítica

Un borrón y cuenta nueva que aún así unifica de un modo épico

Voy a intentar exponer mi opinión con la menor cantidad de pistas y spoilers posibles, que a pesar de que me parecen ridículos los extremos a los que se llega, sé que es un tema sensible. Y os lo dice alguien cuyo primer cómic norteamericano fue sobre Spider-Man. ‘Spider-Man: no way home’ es para mi la mejor de la trilogía de Tom Holland. En parte porque creo qué como seguidor he picado en el llamado fanservice y porque como lector he reconocido muchos puntos de cómics que Forum trajo a España en el siglo pasado.

Si es la información que buscabais os puedo decir también que hay dos escenas post-créditos, que nos dejan con unas ganas locas de ver más. Estaba justificado el hype, la expectativa, porque ya está desatado el crossover con las franquicias que controla Disney, por ser el segundo Spider-Man en llegar a tres películas y por los posibles cameos de los participantes en las otras secuelas. Seguro que en las cabezas de los fans más fantasiosos esta película podría haber sido aún más meta pero este spiderverso es eso, un multiverso que ha tejido bien su telaraña y seguirá jugueteando con sus posibilidades o consecuencias. ¿Lo llamamos fanservice? ¡Caramba! Es que las secuelas se hacen para los espectadores más fieles. Pero es que esta nueva aventura tiene además su justificación, con motivación y redención para todos los personajes.

Es un reencuentro con las otras franquicias que se cancelaron y a la vez un borrón y cuenta nueva que se suma al que se hizo en ‘Avengers: endgame’. Probablemente Warner/DC se tiren de los pelos porque se les han adelantado y llegarán tarde con su evento “flashpoint” al cine (no siendo así en la TV), creo que ‘Spider-Man: no way home’ se burla un poco del tema. Esta es una reconciliación con lo ya estrenado que tiene varios giros y sorpresas que podrían haberse mostrado en formato serie con finales cliffhanger incluidos. ¿Pero… se parece solo a los cómics o es otra película más tipo Marvel Studios/Disney? Probablemente este sea el personaje qué más se está conservando de una manera próxima a su esencia. No obstante no olvidemos quién pone aquí el dinero y eventos como la guerra contra Thanos, las escenas humorísticas o los cameos están omnipresentes.

¿Lo que más me ha gustado a mi? Quizá sea porque siempre he sido más de monstruos que de héroes por lo que lo mejor de esta película para mí es la manera en cómo interactúan los villanos entre sí. Aunque llegamos a tenerlos expuestos en lo que parece la galería de “El coleccionista” de ‘Los Simpson’, están mejor entremezclados que en la tercera entrega de Sam Raimi. Además algunos cogen de soslayo el aspecto de los cómics clásicos que las precuelas les negó. Las peleas y las conversaciones me recuerdan a tebeos como ‘Los enemigos mortales de Spiderman’ o ‘Los enemigos letales de Spiderman’. Viñetas que nos acostumbraron a ver al intrépido neoyorkino rodeado de mil peligros, con el sentido arácnido constantemente disparado. Eran aventuras sin descanso, repletas de villanos, de alianzas y de intrahistoria. Todo esto ayuda a sobrellevar la duración pues además cada enemigo conserva el carácter que tuvo en su película anterior e incluso gana nuevos matices. Pero vale ya, Jamie Foxx, ponte el traje de Spawn de una vez.

Después de ver los primeros tráilers tenía miedo en el sentido de si Disney no había tomado nota de los errores históricos de Marvel Comics. Pero no ha sido así. No me habría sorprendido si Doctor Strange se hubiese marcado un Mefistazo. Pero no hay un evento tan clamoroso. Roza el larguero pero al fin y al cabo ‘Spider-Man: no way home’ supone una re-escritura en la historia de Peter Parker, siguiendo muy de cerca la senda iniciada por ‘Spider-Man: un nuevo universo’. Sin embargo hay pegas.

No me funcionan los momentos dramáticos en los que nos quieren sacar la lagrimilla, en parte porque ya hemos pasado por eso y en parte porque se quedan cortos. Y otra cosa en la que Marvel no consigue acabar de ganarme es con su manía de hacer casi todos los trajes a través de imágenes generadas por ordenador. Hay ocasiones que es obligatorio, pero se nota muchas veces la diferencia de movimiento entre cuerpo y cabeza, como ha pasado tanto con los exoesqueletos de Iron Man.

En resumen. Es amazing, amazing, amazing. Como película ‘Spider-Man: no way home’ es tan épica que se pasa rápido, cómo extensión del UCM está totalmente coherente tras los eventos de las gemas del infinito y como adaptación del personaje original de Stan Lee y Steve Ditko se recupera bastante de la esencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2021. Título original: Spider-Man: No Way Home. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Watts. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jamie Foxx, Willem Dafoe, Tony Revolori, J.K. Simmons, Angourie Rice, Alfred Molina, Jacob Batalon, Jon Favreau, Harry Holland, Christopher Cocke, J.B. Smoove, Hannibal Buress, Martin Starr. Producción: Columbia Pictures, Pascal Pictures, Marvel Studios, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: adaptación, ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.spidermannowayhome.movie/

Crítica: ‘El chico de Asakusa’

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Sinopsis

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La película de Netflix ‘Asakusa Kid’, basada en las memorias de Takeshi Kitano, bebe de la auténtica y conmovedora historia del legendario artista; un relato de sueños, fracasos, amor y lealtad protagonizado por Kitano y su mentor, Senzaburo Fukami.

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Crítica

‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés

Que Takeshi Kitano mezcla muy bien lo tradicionalmente japonés con lo moderno no lo duda nadie. Que su sentido del humor es muy distinto al que suelen tener en su país también ha quedado patente a lo largo de su gran carrera. Pero que sus orígenes estaban en el espectáculo de variedades o que representa un relevo generacional muy drástico es menos conocido.

Siempre tiene algo de dramático el hecho de que el aprendiz supere al maestro. Pero si a ello le sumamos el sorpasso de un formato como el televisivo que se comió en su día al teatral tenemos un drama tragicómico muy propio de la filmografía del director de ‘El verano de Kikujiro’, ‘Hana-bi’ o ‘Zatoichi’. Y para más ende la película nos habla de la transformación y decadencia de todo un barrio, el de Asakusa, que fue desde el Japón feudal todo un distrito de entretenimiento. Pero ante tanto infortunio la película aplica varias capas de respeto y candidez que suavizan la historia, convirtiéndose más en un tributo que en un biopic meticuloso.

Desde que estrenó en España ‘Outrage 3’ estamos en sequía de Takeshi, no nos llegan cosas suyas a estas costas desde 2017. ‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés. En parte porque nos arroja algunos datos sobre sus orígenes artísticos y en parte porque todo procede de sus memorias manuscritas. La película abre con un plano de Yûya Yagira muy bien maquillado, con mucho parecido a Takeshi, pero ese maquillaje solo es para recordarnos la imagen más conocida del director pues todo transcurre años atrás, empezando en el 74.

Beat Takeshi en España es más conocido por el público general por presentar ‘El castillo de Takeshi’ o como dice su nombre más popularizado, ‘Humor amarillo’. Ahí le veíamos disfrazado de señor feudal, pero los que le han visto actuar en películas o han visionado entrevistas reconocerán aquí sus gestos. Yagira imita muy bien sus tics, su boca ladeada al hablar, las nada poco habituales manos en los bolsillos, su menuda estatura… incluso aparecen algunos destellos de su mala leche. Lo que más destaca en ‘El chico de Asakusa’ es su gusto por el jazz. Y la verdad es que viendo este vídeo parece justificado tanto taconeo. Aún así ‘El chico de Asakusa’ se rellena con demasiado bailoteo y canto.

Relleno era la comedia en el establecimiento en el que él aprendía de su maestro a hacer reír. Un local donde solo había llenos cuando había estriptis. Takeshi fue un amago de ingeniero que dejó rapidísimamente sus estudios para usar su ingenio en pro de la comedia y la ficción. En este filme se rinde homenaje a quien fue su mentor. Es un renovarse o morir. Ante ese dilema vemos como Takeshi, en su constante capacidad para adaptarse al medio usó su estilo propio y se enfrentó ante el control que ejerce la televisión sobre sus artistas. Es por eso que el filme emplea humor satírico y negro, que es lo que le hizo destacar en el Japón de los 80.

‘El chico de Asakusa’ no toca sus conflictos de juventud, posible germen de sus historias de mafiosos. También pone al cineasta todo lo bien que se pone a una persona que es tildada de genio en su país. Compro esa adulación, pero me habría gustado una película más realista que preciosista. Pero como cortesía a los maestros que hemos tenido en la vida me parece muy elegante.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2021. Título original: Asakusa Kid. Duración: 122 min. País: Japón. Dirección: Hitori Gekidan. Guion: Hitori Gekidan. Reparto principal: Mugi Kadowaki, Morio Kazama, Hiroyuke Onoue, Honami Suzuki, Nobuyuki Tsuchiya, Yûya Yagira, Yo Oizumi. Producción: Django Film, Nikkatsu. Distribución: Netflix. Género: biográfico, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘No mires arriba’

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Sinopsis

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Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. ¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de ‘The Daily Rip’, un animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?!

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Crítica

Muy lúcida, muy punk, muy McKay

Pese al aspecto comercial de sus películas promovidas por grandes productoras y repletas de actores de gran caché, las últimas películas de Adam McKay han conseguido ser tanto o más punzantes que los documentales de Michael Moore. ‘La gran apuesta’ y ‘El vicio del poder’ han supuesto viento fresco para un ambiente podrido. Ahora el director vuelve con crítica y sátira estrenando ‘No mires arriba’ y no es que no defraude es que supera cualquier expectativa. Si sus anteriores películas tenían cierto grado de complejidad por su agilidad, los tecnicismos que utilizaba o los detalles más dirigidos al público estadounidense, conocedor de la política local, en esta ocasión ha hecho una obra la mar de sencilla, que no deja títere con cabeza y que a la vez resulta la mar de lúcida.

Soy de los que piensan que tanto el terror como la comedia son herramientas magníficas ora transmitir algo serio, pero solo unos pocos saben usarlas correctamente. En este caso McKay llega hasta una burla obvia y el terror que nos infunde es el que nos deja patente que estamos en un mundo tan estúpido que merecemos una extinción como la que borró del mapa a los dinosaurios. En ‘No mires arriba’ nos cuenta la historia de dos astrónomos que detectan un meteorito e intentan concienciar a la opinión pública y a las autoridades de que va a chocar contra la Tierra. Ni con una certeza del 100% consiguen la alarma que se merece tal descubrimiento. Ese punto apocalíptico que nos parece surrealista es el que se desarrolla y creedme, os vais a ver retratados. Es como si a Roland Emmerich le hubiese dado un ataque de sátira inteligente.

‘No mires arriba’ son 145 minutos de reír y reír con una bajona final (ojo que tiene post-créditos) en la que hemos de reconocer que tenemos lo que nos merecemos. Que no os asuste su duración porque de verdad que no paras de tener comedia en forma de sátira, crítica, parodia, surrealismo… se emplean chistes visuales y gags continuamente. McKay saca su lado más cómico para reírse del negacionismo, la frivolidad innata del ser humano, la escasa empatía que tenemos, el hambre de las corporaciones, el cómo bromeamos hasta con la muerte o trivializamos con sorna aquello que evitamos asumir como inevitable. ‘No mires arriba’ se ríe inteligentemente hasta del pin de la Agenda 2030 o de los conspiranoicos de QAnon (sobre los cuales ya produjo el documental que comentamos aquí). Se mete contra aquellos inútiles que nos gobiernan o están desperdiciando y desprestigiando posiciones de poder así mismo como a esos votantes que niegan verdades absolutas o se suman a ridículos retos en redes sociales. “No son tan inteligentes como para tener ese nivel de maldad” dice uno de los personajes cuando se refiere a los poderosos. Es por todo esto que trata y por lo directa que es, que me ha parecido de lo más punk.

El filme comenzó su andadura en febrero de 2020 pero ya que se ha rodado tras la pandemia y ha de recrear una roca en medio del espacio, cohetes, masas de gente… este es el trabajo que tiene más imágenes generadas por ordenador de toda la filmografía de McKay. Entre eso y el repartazo que luce intuyo que esta será su película más cara. Y ha merecido la pena pues el resultado es de 10, da de lleno en el clavo. ‘No mires arriba’ es la película que necesitamos como especie y que tras la presión o el desgaste emocional que llevamos nos levanta el ánimo.

Capitanean el filme Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como esos descubridores que llevan con un alto nivel de angustia y estrés toda la situación. Os van a encantar en los momentos más límite. Pero otros actores, encargados de la parte más paródica os llamarán más la atención. Como Mark Rylance en la piel de un ominoso CEO, la presidenta conservadora y oportunista de Meryl Streep, el retrógrado astronauta de Ron Perlman, el político enchufado de Jonah Hill, la vividora presentadora de Cate Blanchett… por personajes que no sea.

El tagline de la película dice “basada en hechos posibles” y la verdad es que muchos ya están pasando. Nos negamos la verdad y la eludimos voluntariamente a través de los datos y el entretenimiento que nos arrojan las pantallas de los móviles. Metemos ahí la cabeza cual borrico aislado de lo que le rodea por sus anteojeras. ‘No mires arriba’ nos anima a levantar la cabeza y a disfrutar de la vida, del impresionante planeta que aún tenemos. Si no os queda claro con lo sencilla que es y lo abiertamente que se expone haced por lo menos un poco de análisis de la última cena que se muestra en pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de diciembre de 2021 (24 de diciembre Netflix). Título original: Don’t look up. Duración: 145 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Brittel. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Leonardo Dicaprio, Meryl Streep, Rob Morgan, Tyler Perry, Cate Blanchett, Mark Rylance, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi (alias Kid Cudi), Himesh Patel, Melanie Lynskey, Michael Chiklis , Tomer Sisley. Producción: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.