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Crítica: ’13 días, 13 noches’

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Sinopsis

Kabul, agosto de 2021. Mientras las tropas estadounidenses se preparan para abandonar el país, los talibanes asaltan la capital y toman el poder. En medio del caos, el comandante Bida intenta garantizar la seguridad de aquellos que se encuentran en el único refugio que queda en la ciudad, la embajada francesa. Con cientos de vidas en juego, Bida negocia con los talibanes con el fin de organizar un convoy hacia el aeropuerto. Comienza entonces una carrera contrarreloj para huir del infierno de Kabul antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Convierte un episodio real en puro suspense rescatándolo de la memoria reciente

‘13 días, 13 noches’ es una de esas películas que llegan para recordarnos lo que muchos prefieren olvidar. Dirigida por Martin Bourboulon, cineasta que ya sorprendió con la reciente y sobresaliente adaptación de ‘Los Tres Mosqueteros’, el filme nos transporta a un Kabul de 2021 marcado por el caos y el abandono tras la retirada de las tropas de Estados Unidos. Nos espera una película fidedigna en muchos sentidos de la palabra.

La cinta está protagonizada por Roschdy Zem, actor con una trayectoria sólida que hemos visto en títulos como ‘La fría luz del día’ o ‘El profesor de esgrima’. Aquí interpreta a Mohamed Bida, comandante en la embajada francesa durante aquellos angustiosos días en los que cientos de personas buscaban una salida del país. Junto a él brilla la talentosa Lyna Khoudri, a quien muchos seguimos desde su excelente trabajo en ‘Papicha’. Su presencia en pantalla aporta frescura y una enorme capacidad de transmitir vulnerabilidad y fuerza a la vez. El reparto se completa con Sidse Babett Knudsen, actriz reconocida por el gran público gracias a producciones como ‘Westworld’, ‘Inferno’ o ‘Club Zero’, que aquí ofrece una interpretación firme y carismática, consolidándose como un pilar más para el caleidoscopio de la narración.

El guion, basado en el libro del mismo Mohamed Bida, no se limita a reproducir una memoria militar, sino que construye un relato que busca concienciar, conmemorar y recordar. La historia se adentra en un episodio reciente y doloroso: la retirada norteamericana de Afganistán, considerada una de sus salidas más deshonrosas, que trajo consigo el regreso de la barbarie y un retroceso especialmente brutal para las mujeres del país.

Aunque el marco es histórico y real, Bourboulon consigue envolver la narración en una estructura de suspense, lo que convierte a ‘13 días, 13 noches’ en un thriller tenso y angustiante con ligeras dosis de acción en su tramo final. El espectador siente de cerca la desesperación de quienes intentaban huir, los miedos a infiltrados afganos entre los refugiados, las amenazas constantes de atentados del DAESH, la escasez de recursos, los conflictos de intereses y el dilema moral de cada decisión tomada. Este enfoque convierte la película en algo más que un simple recuento de hechos: se convierte en una experiencia donde la incertidumbre y la presión son palpables.

El filme pone el foco tanto en las emociones de sus protagonistas como en la magnitud de un acontecimiento que cambió la geopolítica mundial. ‘13 días, 13 noches’ se suma a producciones recientes como la última temporada de ‘La Unidad’ o el documental ‘Hollywoodgate’, en ese esfuerzo de rescatar un episodio histórico que no debería borrarse de la memoria y con el que aún tiene occidente una asignatura pendiente. El resultado es un filme sólido, que combina rigor con tensión cinematográfica, y que nos recuerda la fragilidad de la diplomacia y la crudeza de las decisiones políticas. En definitiva, es una película necesaria, valiente y profundamente humana, que invita a reflexionar sobre cómo el abandono de un país puede marcar el destino de millones de vidas.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: 13 jours, 13 nuits. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: Martin Bourboulon. Guion: Martin Bourboulon, Alexandre Smia. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Nicolas Boldu. Reparto principal: Roschdy Zem, Lyna Khoudri, Sidse Babett Knudsen. Producción: Chapter 2, Logical Content Ventures, Pathé, M6 Films, Umedia, Canal+, Cinémage 19, Disney+, uFund. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, hechos reales. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/13_dias_13_noches

Crítica: ‘Tribute’

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Sinopsis

Cuarenta años después del nacimiento del primer videojuego español la tecnología ha avanzado a una velocidad insospechada. Los juegos de ahora no se parecen nada a los de antes. Tampoco sus creadores, distribuidores, cronistas y, por supuesto, los jugadores. Todos hemos cambiado tanto que nos resulta desconcertante echar la vista atrás. Tribute es la historia, autobiográfica, subjetiva, desordenada y emocional del videojuego en España. O esa ha sido la excusa para charlar con algunas de las voces más valiosas del medio.

Crítica

Vigalondo juega en modo historia: documental con alma de 8 bits

‘Tribute’ de Nacho Vigalondo es un trabajo para Prime Video patrocinado por Domino’s Pizza. Es una película que se sumerge en el universo de los videojuegos con un enfoque nostálgico y personal. Vigalondo, conocido por su estilo único y ecléctico, se presenta como un boomer que navega por un mundo donde los videojuegos han alcanzado un estatus cultural significativo, con museos dedicados a ellos y profesionales que viven de su pasión.

La película recuerda al libro ‘Luces, cámara… enter play’ de Pako Mulero, ofreciendo un recorrido histórico que invita a la reflexión sobre las mecánicas de juego y la experiencia de vivir aventuras virtuales. A través de este viaje, ‘Tribute’ rinde homenaje a una amplia gama de juegos y compañías que marcaron la época dorada del software en España, mencionando títulos como ‘Destroyer’ y empresas icónicas como Dinamic, Topo Soft, Ópera Soft y Erbe Software. En este último campo se hace un homenaje especial, destacando la entrevista a Pablo Ruiz, fundador de Dinamic, responsable de juegos emblemáticos como ‘Capitán Sevilla’, ‘Olé Toro’ y/o ‘PC Fútbol’.

Una de las anécdotas más sorprendentes es la revelación de que Paco Pastor, el famoso cantante de Fórmula V, fue el creador de Erbe y posteriormente se unió a SEGA. También se cuenta con, Enrique Urbizu, director de películas como ‘No habrá paz para los malvados’, quien incursionó en el mundo de los videojuegos con títulos cinemáticos como ‘Los justicieros’.

La película no se limita a la nostalgia; también aborda temas contemporáneos, explorando el mundo del streaming donde jugar o reaccionar a juegos en línea es algo más complejo de lo que parece. A través de conversaciones con streamers, ‘Tribute’ ofrece una visión realista de un negocio que, a pesar de su popularidad, se enfrenta aún a ciertas dificultades y riesgos.

Aunque ‘Tribute’ es una obra breve, logra capturar la esencia de lo que los videojuegos han significado para muchas personas. El análisis de la popularidad y estigmatización del mundo del gaming es interesante, y el estilo de Vigalondo, que prioriza lo personal sobre los decorados y artificios, resuena con aquellos que crecieron en un contexto más provinciano. La película despierta una sensación de nostalgia en quienes vivieron la espera por la carga de un casete, la búsqueda de guías con trucos o mapas y las horas pasadas en el cibercafé del barrio.

Cabe destacar que incluso hay una escena post-créditos que añade otro toque humorístico a la experiencia, completando así un homenaje que, aunque limitado en alcance, es profundamente personal.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2025. Título original: Tribute. Duración: 40 min. País: España. Dirección: Nacho Vigalondo. Guion: Nacho Vigalondo, Rubén Ajau. Fotografía: Curro Ferrerira. Reparto principal: Nacho Vigalondo, Pablo Ruiz, Paco Pastor, Sonia Herranz, John Tones, Enrique Urbizu, Conrad Roset, IlloJuan, Skain, Baity Bait, Araneae. Producción: Sayaka Producciones, Domino’s. Distribución: Prime Video. Género: documental. Web oficial: https://www.instagram.com/sayakaproducciones

Crítica: ‘Sin oxígeno’

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En qué plataforma ver Sin oxígeno

Sinopsis

‘Sin oxígeno’ es un thriller de acción cargado de adrenalina que narra la increíble historia real de Chris Lemons (Finn Cole), un buzo profesional que, tras un extraño accidente, queda atrapado en el fondo del Mar del Norte.

Con tan solo 10 minutos de oxígeno de emergencia y a más de media hora de cualquier esperanza de rescate, esta es la lucha imposible de un hombre por sobrevivir a 90 metros de profundidad. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) lucharán contra una feroz tormenta y harán todo lo posible por rescatarlo con vida.

Crítica

Una prueba de que el cuerpo humano aún puede desafiar los límites de la ciencia y la técnica

Antes de empezar, no, esto no va de millonarios jugando a ser exploradores. ‘Sin oxígeno’ no tiene nada que ver con la trágica implosión del submarino Titan en 2023, donde un grupo de aventureros adinerados terminó atrapado en su propia temeridad. Al contrario, lo que nos propone el director Alex Parkinson es el retrato sobrio de un accidente real protagonizado por profesionales altamente cualificados que, lejos del espectáculo, enfrentan una situación extrema con preparación, sangre fría y cooperación. Así es como viven día a día profesionales que se juegan el tipo para mantener los cables y tuberías que atraviesan los mares para darnos las comodidades que disfrutamos.

Basada en hechos reales, ‘Sin oxígeno’ es un thriller contenido que reconstruye una experiencia extrema de supervivencia en el fondo del Mar del Norte. Dirigida por Alex Parkinson, quien ya exploró este caso en el documental homónimo en su versión original ‘Last breathe’ (2019), la película traslada al terreno de la ficción la historia del buzo británico Chris Lemons, interpretado por Finn Cole.

La trama es sencilla: un accidente deja al protagonista atrapado a 90 metros de profundidad, con apenas unos minutos de oxígeno de emergencia. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) junto con la tripulación de su barco intentan organizar un rescate a contrarreloj en plena tormenta. Esta estructura lineal y sin giros innecesarios permite que el peso recaiga sobre la tensión atmosférica y las decisiones prácticas que enfrenta cada personaje. Si bien la ciencia y la técnica nos ha hecho traspasar límites inimaginables, ‘Sin oxígeno’ constata que nuestro cuerpo aún tiene sorpresas aún más sorprendentes.

A diferencia de otras producciones de este tipo, ‘Sin oxígeno’ no busca el espectáculo. Su tono es sobrio, casi documental en algunos momentos, lo cual encaja con el carácter realista de la historia. La película se apoya en una ambientación efectiva y un uso inteligente de los recursos disponibles y limitados dado su escenario, especialmente en las escenas subacuáticas, rodadas en Malta. El resultado transmite claustrofobia y aislamiento sin necesidad de recurrir a un montaje frenético ni a una banda sonora invasiva.

El reparto cumple con solidez. Finn Cole aporta humanidad al personaje central, mostrando su vulnerabilidad sin caer en el dramatismo barato. Woody Harrelson, como es habitual, ofrece una interpretación carismática pero sin robar protagonismo a sus compañeros, y Simu Liu se integra bien en un rol más discreto que el resto pero no carente de peso en la trama. Ninguno acapara el foco, lo cual refuerza el tono coral y realista del relato. En cuanto a esto último también se percibe la intención de mostrar que tanto en un experimento científico como en un rescate, no suele haber protagonistas únicos, más bien trabajo en equipo.

En lo visual, la película mantiene una estética gris, acorde al escenario industrial y tormentoso en que se desarrolla. El fondo marino se presenta como un entorno hostil y abrumador, no tanto por su apariencia sino por lo implacable de sus condiciones. Las decisiones de dirección de Parkinson refuerzan ese enfoque, priorizando lo funcional por encima de lo estilizado.

Irónicamente habiendo hecho el director ya un documental para Netflix sobre el tema, comete alguna que otra incorrección científica: con los gases, con los tiempos… No obstante queda claro que ‘Sin oxígeno’ es una película ligera que pretende constatar hechos y no reinventar el género ni subrayar una épica innecesaria. Es una obra contenida, que confía en la fuerza de la historia que cuenta y en la verosimilitud de sus personajes. Puede que no impacte, pero sí deja una impresión sobria y reflexiva, alejándose del drama grandilocuente al que este tipo de historias suelen tender. No recomendable para claustrofóbicos y puede interesar a quienes valoran el cine de supervivencia basado en hechos reales, con un enfoque más cercano al realismo que a la acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de agosto de 2025. Título original: Last Breath. Duración: 93 min. País: Reino Unido. Dirección: Alex Parkinson. Guion: Alex Parkinson, Mitchell LaFortune, David Brooks. Música: Paul Leonard-Morgan. Fotografía: Nick Matthews. Reparto principal: Woody Harrelson, Finn Cole, Simu Liu, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring. Producción: Focus Features, Dark Castle Entertainment, Longshot Film Studios, Thing 44, Floating Harbour, FilmNation Entertainment, Aperture Media Parthners. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/last-breath

Crítica: ‘Agárralo como puedas’

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En qué plataforma ver Agárralo como puedas

Sinopsis

Sólo un hombre tiene las habilidades necesarias… ¡para dirigir la Brigada Policial y salvar el mundo! El teniente Frank Drebin Jr. (Liam Neeson) sigue los pasos de su padre en ‘Agárralo como puedas’, dirigida por Akiva Schaffer (Saturday Night Live, Popstar: Never Stop Never Stopping) y del productor Seth MacFarlane (Ted, Padre de familia).

Crítica

Hilarante. Por fin vuelve la correcta incorrección política

Había dudas, muchas, sobre si era buena idea resucitar una de las sagas más queridas de la comedia absurda ‘The Naked Gun’. ‘Agárralo como puedas’ (en su título español), nacida en los ochenta de la mano de los ZAZ (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker), tenía como bandera la incorrección política, el chiste visual milimétrico, el humor físico y la ridiculización del cine policíaco. Décadas después, parecía impensable que alguien se atreviera a devolver a la gran pantalla esa fórmula tan difícil de recrear. Y, sin embargo, Seth MacFarlane, creador de ‘Padre de familia’ y experto en empujar los límites del humor negro y sobrado, ha encontrado la manera de actualizarla sin perder su esencia.

Para muchos Liam Neeson será la gran sorpresa, sin duda, verle en un papel cómico era el gran reclamo. Durante años, el actor irlandés había coqueteado con la idea de hacer comedia. Quedó como anécdota televisiva aquella escena de ‘Life’s Too Short’ en la que se reía de sí mismo y del sida en un sketch ya mítico. Ahora, por fin, se lanza de lleno y lo hace con un personaje a la altura: el hijo de Frank Drebin, aquel policía torpe e irrepetible encarnado por el inolvidable Leslie Nielsen. Neeson demuestra aquí que su vis cómica estaba agazapada en la retaguardia tras años de acción y thrillers. Su físico imponente y su seriedad natural juegan a favor del gag: cuanto más rígido está, más divertido resulta el despropósito que le rodea. De hecho, sales de la sala con la convicción de que te lo has pasado bien por ver a un duro del cine de acción haciendo bufonadas más que por las payasadas en sí mismas.

¿Un guion plagado de gags? Eso es lo que nos ofrecían las películas de los ZAZ. Aunque este nuevo filme no es un torrente de chistes si supera con creces a la mayoría de comedias actuales hasta el punto de llegar a ser hilarante. Y lo que es más importante, es honesto consigo mismo. Como ocurría con Ibáñez en sus cómics, los gags estaban en todas partes e iban desde lo tontorrón hasta lo ingenioso: en el diálogo, en los objetos del fondo, en un simple plano de reacción. Este nuevo ‘Agárralo como puedas’ no llega a esos niveles de locura, pero si exige la complicidad de un espectador rendido a cualquier tipo de mofa, sino ya me diréis a cuento de qué se ha contado de nuevo con una aparición de ‘Weird Al’ Yankovic. Y Seth MacFarlane añade su toque: diálogos afilados, humor autorreferencial y un plus de incorrección política que recuerda que la comedia también puede (y debe) incomodar. Ahí queda la secuencia que finaliza con O. J. Simpson.

Había también un factor nostalgia y se cumple con algunas de las gracias, incluyendo los títulos de crédito. Una breve aparición de Priscilla Presley y el ya visto homenaje en el tráiler rinde tributo a los actores protagonistas que tantas risas nos dieron. Pero este no es un filme que viva solo de las rentas y como hicieron también con la saga ‘Scary Movie’ se intenta captar al público más joven. Igualmente se encargan incluso de verbalizar en las primeras escenas cuál es la declaración de intenciones del filme: rendir culto al original sin perder de vista lo actual. Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer entienden que la clave del éxito está en respetar el estilo visual y narrativo original, es decir, cine policíaco con voz en off y agentes chapados a la antigua rodeados de parodia constante. Pero había que adaptarse a la audiencia que se comunica a través de memes, anglicismos y el absurdo en formato digital. De algún modo, la película funciona como una celebración del chiste universal, capaz de unir generaciones.

Seamos honestos, ‘Agárralo como puedas’ (‘Dónde está el policía’ en otros países hispanohablantes) no es para todos los públicos, nunca lo ha sido. Servidor ha visto las películas originales hasta sabérselas de memoria, ponérselas a sus amigos y cuestionar su amistad con estos dado que no todos se divertían con ellas. Son filmes para quienes toleran todo tipo de humor y a ello ahora hay que sumarle en cinismo y el sarcasmo de MacFarlane. Para los que crecieron con Frank Drebin y para quienes aún creen que la comedia debe tener un punto salvaje, esta secuela espiritual es un regreso triunfal. Para los que aún no saben reconocer que forman parte de la generación de cristal, haced “next”.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de agosto de 2025. Título original: The Naked Gun. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Akiva Schaffer. Guion: Dan Gregor, Doug Mand, Akiva Schaffer. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Eddie Yu.  Producción: Paramount Pictures, Domain Entertainment, Fuzzy Door Productions, Quebec Film And Television Tax Credit. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/nakedgunmovie/

Crítica: ‘El regreso de Ulises’

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En qué plataforma ver El regreso de Ulises

Sinopsis

Tras 20 años de ausencia, Ulises aparece en las costas de Ítaca, demacrado e irreconocible. El rey ha regresado, pero muchas cosas han cambiado desde que partió a la guerra de Troya. Su amada Penélope es acosada por numerosos y ambiciosos pretendientes, mientras su hijo, Telémaco, se enfrenta a la muerte a mano de los que ven en él un obstáculo. Ulises se verá ahora obligado a enfrentarse a su pasado para recuperar su familia y su reino.

Crítica

Mirada melancólica y realista a la parte menos tratada del mito

La Odisea de Homero siempre ha sido una de las piedras angulares del arte narrativo occidental. Inspiración constante para la literatura, el cine y la televisión, ha servido como patrón para representar el viaje del héroe, plagado de pruebas, monstruos y dioses caprichosos. Sin embargo, Umberto Pasolini ha decidido mirar más allá del relato clásico y explorar un terreno mucho menos transitado: el retorno. ¿Qué ocurre después de que el héroe pisa de nuevo su tierra? ¿Qué queda tras veinte años de guerras, engaños, ausencias y cicatrices invisibles?

Dejando al margen la épica y la fantasía clásica, Pasolini ha tenido para ‘El regreso del héroe’ la idea de imaginar y rellenar un hueco, lo cual, también es una apuesta arriesgada. Habitualmente vemos cómo Odiseo/Ulises se enfrenta a las sirenas, escapa de Circe o ve como sus compañeros son devorados por los gigantes. El potencial y originalidad de este filme reside en mostrar a Ulises como un héroe arrepentido, martirizado, traumatizado, arrepentido y avergonzado. ‘El regreso de Ulises’ es un drama intimista que despoja al mito de su grandilocuencia para retratar a un hombre roto que intenta reconstruir, sin manual ni redención asegurada, los vínculos que dejó atrás. Ralph Fiennes encarna a este Ulises desencantado, marcado por el trauma, la culpa y la vergüenza de su prolongada ausencia. Su interpretación es sobria, poderosa y contenida, y sostiene gran parte del peso emocional de la película. A su lado, Juliette Binoche, como Penélope, aporta una dignidad herida y silenciosa, pero efectiva. Así mismo representa estupendamente esa lealtad suicida que tan bien relató Homero en su obra.

Donde el filme pierde fuelle es en su reparto secundario. Charlie Plummer, en el papel de Telémaco, no logra transmitir el conflicto interno de un hijo dividido entre el mito del padre que nunca conoció y el hombre de carne y hueso que tiene delante. Su interpretación resulta rígida y a menudo superficial, lo que desequilibra emocionalmente algunas escenas clave del relato.

Visualmente, la película apuesta por una estética que coquetea con el realismo arqueológico. Algunas secuencias, de hecho, se sienten más como fragmentos de documentales diseñados para museos que como parte de una narrativa cinematográfica. Esto, sin embargo, no es necesariamente un defecto. La ambientación es notablemente austera, sobria, y da vida a una Grecia arcaica más primitiva y terrenal, muy alejada del esplendor visual del péplum clásico. El vestuario, las construcciones y hasta los utensilios del día a día están representados con una fidelidad que se alía con el carácter terrenal que ha querido imprimirse en el protagonista.

Pasolini se aleja deliberadamente de la épica sobrenatural. No hay dioses en escena, ni milagros, ni signos divinos. Atenea, la guía celestial del Ulises homérico, ha sido eliminada del relato. A cambio, se introducen cambios que reescriben el mito con mayor crudeza emocional: el personaje que decide destino de Antínoo, la traición de Melantio y la reacción de Telémaco al conocer a su padre revelan un enfoque más humano, casi doméstico, del relato heroico.

‘El regreso de Ulises’ es más que una reinterpretación, una mirada melancólica y realista a la parte menos tratada del mito. Su mayor virtud es también su mayor riesgo: la desmitificación del héroe. Un Ulises derrotado por la vida, más que por la guerra. Una historia de reencuentros imposibles, de identidades desdibujadas y heridas invisibles que el tiempo no cura.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de agosto de 2205. Título original: The Return. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Umberto Pasolini. Guion: Edward Bond, John Collee, Uberto Pasolini. Música: Rachel Portman. Fotografía: Marius Panduru. Reparto principal: Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Marwan Kenzari, Angela Molina, Claudia Santamaría, Charlie Plummer. Producción: Heretic, Ithaca Films, Kabo Films, Marvelous Productions, Picomedia, Rai Cinema, Redware Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: aventuras, adaptación. Web oficial: https://es.unifrance.org/pelicula/59403/the-return

Crítica: ‘The people’s Joker’

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Sinopsis

En Gotham City, donde la comedia ha sido prohibida, una aspirante a payasa sin gracia llamada «Joker the Harlequin» lucha por encontrar su identidad de género mientras intenta formar parte del único programa humorístico que queda en la ciudad. Pero su camino la llevará a enfrentarse a un oscuro y trastornado vigilante encapotado que mantiene el control sobre Gotham.

Crítica

La película que desafió a Warner y salió airosa (al menos en lo legal)

Antes de entrar en la anatomía misma de ‘The People’s Joker’, es imprescindible hablar del derecho a la parodia. La parodia, consagrada por la doctrina legal en numerosas jurisdicciones, protege la sátira, la crítica, la exageración humorística. Es precisamente este derecho el que autoriza a Vera Drew a jugar con personajes icónicos de DC Comics, a invertir arquetipos y a remecer expectativas. Si algo queda claro, es que, sin ese paraguas legal, el filme no existiría (o se habría enfrentado a demandas inabarcables). Así que, queda establecida esa premisa esencial: la parodia es legítima y necesaria.

Nada más aparecer este filme independiente en el Festival de Toronto, Warner Bros. envió una carta pidiendo explicaciones e instando a esperar a revisar si se infringía algún detalle relacionado con propiedad intelectual. El festival medió y la película se proyectó pero su directora la retiró del resto de festivales a los que aplicaba por miedo a no poder hacer frente a una demanda con un gigante como Warner. Aún así, la película ha sobrevivido y llega ahora a Filmin tras haberse podido ver en otros marcos fuera de España. A día de hoy no ha habido denuncia contra la película por parte de los propietarios de personajes como Batman, Joker, Harley Quinn y compañía.

‘The People’s Joker’ abre con dedicatorias: a Joel Schumacher, a quien Drew dedica esta obra por su despertar trans durante el visionado de su película ‘Batman Forever’, durante la cual sentía más afinidad con Nicole Kidman que con Val Kilmer. Y el filme también está dirigido a la madre de la directora y protagonista, la cual, aparece retratada con ironía. Figura como madre conservadora y cerrada se convierte en imagen cómica y cristal de contraste, muy al estilo de la madre de Sheldon Cooper. El doble sentido funciona: por un lado, homenaje, por otro, denuncia de lo retrógrado, como si Drew jugara al equilibrista entre reverencia y humor ácido.

Desde el primer fotograma, la película se define como trans y queer. No hay preludios: se declara identitaria, política y personal. Mezcla una realidad autobiográfica con elementos de ficción del universo DC, en un tono de “chifladura sentimental” que recuerda a algunos episodios de ‘Doom Patrol’: delirantes, emotivos, coloristas y totalmente fuera de lo convencional. Todo esto se debe a que el filme pretende ser un zasca. Surge del intento de responder a Todd Phillips (director de ‘Joker’), el cual comentó que la cultura woke limitaba actualmente a la comedia. Ese pulso cultural es valiente y necesario, pero al enfocarse tanto en lo autobiográfico, Vera Drew descuida la narrativa cómica, pierde perspectiva de su cometido principal. El desnudo frente a cámara es valiente, sí, pero el objetivo, la vuelta de tortilla que anuncia desde su germen… no termina de cuajar. Existen ejemplos recientes y exitosos: ‘Tomboy’ (Céline Sciamma) y ‘Feel Good’ (Mae Martin), que sí logran ese equilibrio entre lo íntimo, lo queer y lo universal. Aquí, en cambio, muchas buenas ideas quedarán en esbozo.

Algunas ideas paródicas funcionan: chispazos visuales, referencias meta, insinuaciones audaces. Incluso, en tono friki, diría que a Drew le vendría bien pasar por el universo Cálico Electrónico para asimilar timing y gags. Pero el gancho falla: los chistes no rematan, muchas ocurrencias mueren al instante. Y ahí reside la tragedia: la apuesta era fuerte, merecida, valiente… pero el resultado es plano. Sorprende hasta cierto punto que Warner no haya interpuesto demandas: la película no hace gracia, prácticamente refuerza el argumento de Phillips. Una auténtica pena. Además Drew no usa imágenes originales, no por lo menos un tiempo suficiente como para tener que pagar derechos.

Entre los momentos más bizarros, la película extrae riffs y citas de ‘El regreso del caballero oscuro’ o el ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer. El Robin de Frank Miller se transforma, en un giro delirante, en el Joker de Jared Leto: un galimatías mental que podría ser fascinante… si tuviera coherencia. Pero termina siendo una breve chispa de locura sin desarrollo. Se queda en la anécdota. El estilo es una mezcla de técnicas, animación e imagen montada que coquetea con el horterismo kitsch, rayando lo extremadamente amateur. Se siente como un collage de bancos de imágenes superpuestas (recuerdos de ‘The Amazing Bulk’ han aparecido en mi mente), con estética mal pulida que distrae más que aporta. Podría ser un recurso expresivo, pero chirría. Tampoco es de extrañar pues de presupuesto han contado con apenas 100.000 dólares, de los cuales 19.000 se consiguieron por crowdfunding durante la pandemia, algo bastante poco significativo.

Fondos de matte painting, miniaturas, animación 2D y 3D, secuencias de stop-motion, collages digitales y hasta números musicales con marionetas interdimensionales. ‘The People’s Joker’ es un experimento personal y político: una provocación queer, un arrebato autobiográfico, una chifladura visual. Es legítima por derecho a la parodia, y valiente por desnudarse ante la cámara. Pero en su ímpetu autorreferencial, falla como comedia. Filmin suele ser buena apuesta para obtener combinaciones transgresoras, valiosas, independientes y diferenciadas. Por desgracia este es un punto negro en su catálogo que si acaso cumple los dos últimos adjetivos y quizá se convierta en placer culpable para alguien.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2025. Título original: The people’s Joker. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Vera Drew. Guion: Bri LeRose, Vera Drew. Música: Justin Krol, Quinn Scharber, Danni Rowan. Fotografía: Nate Cornett. Reparto principal: Vera Drew, Lynn Downey, Kane Distler, Nathan Faustyn, David Liebe Hart, Phil Braun, Griffin Kramer, Christian Calloway, Trevor Drinkwater, Ruin Carroll, Tim Heidecker, Bob Odenkirk. Producción: Open Road Films. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/the-peoples-joker

Crítica: ‘Nadie 2’

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Sinopsis

A veces, no hay nada más peligroso para un padre de familia que unas vacaciones.

Crítica

Entre el héroe reacio y la parodia involuntaria

Si la primera entrega de ‘Nadie’ (Nobody, 2021), dirigida por Ilya Naishuller, fue una refrescante sorpresa dentro del género de acción (una especie de primo lejano y más amargo de John Wick), ‘Nadie 2’ llega con la promesa de ser una bomba de relojería. Con la dirección ahora a cargo del indonesio Timo Tjahjanto, responsable de segmentos impactantes en las antologías ‘V/H/S’ y del feroz filme de culto ‘The Night Comes for Us’, esta secuela no solo debería subir la apuesta en cuanto a violencia y ritmo, sino que tiene ese deber no escrito de ampliar el universo que se inició hace cuatro años y mantener alto el nivel de su productora 87 North. ¿Lo hace? Siendo un filme divertido se queda con asignaturas pendientes para después del verano.

Desde sus primeros compases, la película promete devolvernos a las sensaciones del primer filme. Volvemos a encontrarnos con Hutch Mansell (Bob Odenkirk), ese “hombre cualquiera” con pasado letal que intenta rehacer su vida mientras la violencia llama a su puerta. El concepto del héroe reacio sigue siendo la columna vertebral de la historia, pero esta vez el guion se acerca más al tono familiar y cómico de una serie como ‘Fubar’ que al pulso preciso, estiloso y seco de su predecesora.

Uno de los mayores problemas de ‘Nadie 2’ es la pérdida casi inmediata del sello coreográfico que caracterizó a la primera entrega. Donde antes había un manejo físico y visual elegante, que aún así estaba en sintonía con lo mundano del protagonista, ahora hay un descenso rápido a la típica sucesión de tiroteos donde los enemigos parecen sacados del cuerpo de stormtroopers: disparan mucho, fallan siempre. La dirección de Tjahjanto, aunque por momentos conserva cierto pulso, se ve limitada o diluida por un enfoque más genérico que lo que nos tiene acostumbrados. Se echa de menos su estilo sangriento, caótico pero preciso, que aquí apenas asoma.

La película tampoco teme abrazar lo ridículo, lo que no sería un defecto si lo hiciera con inteligencia o autoconsciencia. Pero aquí el humor parece impuesto, rozando el gag innecesario, con situaciones que buscan la risa fácil más que la sátira o el desahogo. Ese sentido del ridículo está presente, pero no con el filo que lo haría memorable. Aún así hay carcajadas inevitables fruto del carácter negro del filme, no todo son intenciones caídas en saco roto.

A nivel narrativo, el componente familiar vuelve a ocupar un espacio central, lo que podría haber sumado en profundidad emocional, pero acaba restando contundencia al relato. Se aleja así de la introspección crepuscular que tenía la primera entrega y se aproxima más a un producto amable, digerible y olvidable. Tan cine de fórmula como una producción barata de Netflix.

En cuanto al reparto, la inclusión de Sharon Stone como villana es una de las decisiones más cuestionables. Su personaje resulta excesivo, mal escrito y sin amenaza real, recordando más al antagonista caricaturesco interpretado por Toby Kebbell en ‘Bloodshot’ que a una némesis en la línea del estilo de la saga. Cuánto daño han hecho los bailes de Tik Tok…

‘Nadie 2’ se aleja peligrosamente de lo que hizo especial a la original. Iba con la esperanza de ver una ramificación digna de los autores de ‘John Wick’ en la que incluso podría encajar el personaje de Keanu Reeves. Ahora ya preferiría que no sea así. No es tanto una película de acción salvaje como una mezcla diluida entre lo que Tjahjanto podría haber ofrecido y lo que cualquier cinta protagonizada por Liam Neeson ha hecho ya hasta la saciedad. Pierde estilo, pierde filo y, sobre todo, pierde oportunidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Nobody 2. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Timo Tjahjanto. Guion: Umair Aleem, Derek Kolstad, Bob Odenkirk, Aaron Rabin. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Bob Odenkirk, Connie Nielsen, John Ortiz, RZA, Colin Hanks, Christopher Lloyd, Sharon Stone. Producción: 87North, Eighty Two Films, OPE Partners, Odenkirk Procissiero Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/nobodymovie/

Crítica: ‘Materialistas’

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Sinopsis

Una joven y ambiciosa celestina de Nueva York se debate entre la pareja perfecta y su imperfecto ex.

Crítica

Desmonta la lógica de las relaciones eficientes y puede desmontar a más de uno

Madame Web se encuentra en una boda con Mr. Fantástico y la Antorcha Humana. Esto que parece el principio de un chiste que haría que tú, que buscas un cine con distintas costuras que el comiquero, digas “next” en una cita, es lo que precisamente trata de evitar el personaje de Dakota Johnson. Ella es una persona que se dedica a hacer de celestina, un Tinder personal para que lo entiendan los más jóvenes. Su cometido es hacer que acabes en la cita correcta, con la persona que potencialmente pueda ser tu cónyuge y no con alguien que te cause rechazo instantáneo. Lo irónico: ella misma no encuentra pareja. Y eso no es casualidad.

‘Materialistas’, dirigida por Celine Song y producida por A24, podría haber sido una nueva ‘Hitch’ o un intento más de actualizar ‘El diario de Bridget Jones’. Pero no. En vez de caer en las fórmulas edulcoradas del género, Song nos ofrece una mirada más sofisticada, crítica y emocional. Si en ‘Vidas pasadas’ analizaba los hilos invisibles del destino y el amor a través del tiempo, aquí disecciona el presente con bisturí emocional y parece que también preocupado.

La protagonista, interpretada con acierto por Dakota Johnson, se mueve entre citas, expectativas y algoritmos, funcionando como un espejo roto en el que muchos pueden verse reflejados. La película expone, con mucha más inteligencia de la que su tono ligero deja entrever, cómo hemos llegado a cosificar hasta el amor, tasando el físico, el éxito o la compatibilidad como si fueran valores bursátiles o datos de esos que alimentan los algoritmos de las redes.

Johnson brilla en su papel más irónico y maduro hasta la fecha. Le acompañan con buen pulso Chris Evans y Pedro Pascal, que lejos de ser simples intereses amorosos, construyen dos tipos de masculinidad con los que la protagonista se confronta y evoluciona. Los diálogos están afinadísimos, y no hay línea de guion que no revele capas de los personajes o del sistema emocional que habitan. Entre los tres retratan a una sociedad actual que cosifica y cuantifica todo, hasta tal punto de que parece que hemos evolucionado poco o incluso involucionado.

Lo mejor de ‘Materialistas’ es que, bajo su envoltorio de comedia romántica, late una historia profundamente meditada y meditabunda, que no solo anima a la sinceridad entre personas, sino a la verdad con uno mismo. Celine Song ha encontrado en su historia el hueco para analizar la condición humana actual. Nos interpela sobre el origen de nuestra autoestima: ¿Somos valiosos por cómo nos perciben o por lo que somos cuando nadie nos ve? Sin duda es un filme que te hace cuestionarte cosas. No da respuestas fáciles, pero sí provoca las preguntas correctas. Y eso, en una película romántica, es oro puro.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Materialists. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Celine Song. Guion: Celine Song. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Shabier Kirchner. Reparto principal: Dakota Johnson, Pedro Pascal, Chris Evans. Producción: A24, 2AM, Killer Films, Access Entertainment, IPR.VC. Distribución: Sony Pictures. Género: romántico. Web oficial: https://a24films.com/films/materialists

Crítica: ‘Indomables’

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Sinopsis

Muriel y su marido Lee comienzan una nueva vida en California cuando él regresa de la guerra de Corea. Pero su nueva estabilidad se ve alterada por la llegada del carismático hermano de Lee, Julius, un jugador caprichoso con un pasado secreto. Rápidamente se forma un peligroso triángulo amoroso. Cuando Julius se marcha en busca de la joven tramposa de la que se ha enamorado, el anhelo de Muriel por algo más la empuja a una vida secreta propia, apostando a los caballos de carreras y explorando un amor que nunca soñó posible.

Crítica

Una historia old-school con corazón actual

A veces pasan por nuestras carteleras títulos que sin gran inversión de marketing acaban pasando desapercibidos o con salas casi vacías por el reclamo de producciones mayores y aún así convirtiéndose en clásicos a reivindicar para los que le dan una oportunidad. Ese es el caso de ‘Indomables’, la película protagonizada por un elenco de jóvenes estrellas emergentes como Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi y Will Poulter. Dirigida por Daniel Minahan, es una película que desafía convenciones del pasado de manera audaz y tan desafiante como hemo estado viendo en algunos casos en lo último años. Desde su inicio, la cinta se revela como una historia de identidad y libertad, donde cada personaje parece escudriñar sus propias fronteras emocionales y sociales, impulsado por deseos que no siempre encajan en estructuras tradicionales.

Lejos de ser un mero triángulo amoroso, ‘Indomables’ se expande hasta convertirse en más que un triángulo amoroso en un pentágono amoroso: relaciones múltiples entrecruzándose como piezas de un tablero complejo. Lo protagonitas conforman un entramado donde afecto, interés y engaño flirtean constantemente. Este laberinto romántico refleja, casi simbólicamente, una economía emocional intrincada: aquí aparece la idea de jugar a varias bandas, tanto amorosa como económicamente. No es solo pasión y deseo; también hay una contienda, una danza fina entre poder, ganancia y vulnerabilidad. Cada personaje parece invertir (emocional o materialmente) en alianzas que pueden ser desmanteladas en cualquier momento. Y lo que predomina en todo momento es un sentimiento de peligro: peligro al apostar, peligro de que te descubra tu pareja, peligro al hacer trampa, peligro a que se desvele tu homosexualidad…

Hay un gusto muy marcado por lo retro: la ambientación, el vestuario, la banda sonora y ciertos guiños estéticos nos transportan directamente a los años 50. ‘Indomables’ nos hace volver a esa época basándose en la novela de Shannon Pufahl. Además hay algo ‘old school’ en su planteamiento, en la gestualidad de los personajes, incluso en el ritmo narrativo. Los diálogos tienen la cadencia de Hollywood clásico, pero proyectados con una claridad moderna y libre de censura o tabúes sociales. En cierto sentido, ‘Indomables’ actúa como una revisión contemporánea de figuras icónicas como Marlon Brando, John Wayne o James Dean, ese espíritu rebelde e íntimo, pero refractado a través de una mirada de hoy. No se trata de una copia, sino de una reinterpretación consciente, como si el director hubiese querido revisar aquella época sin ánimo de cancelar lo hecho hasta ahora, pero si de invitarnos a la amplitud de miras.

El tema LGBTQI+ se hila con naturalidad a lo largo de la historia, sin fórmulas ni estridencias. La identidad fluye, las etiquetas se desdibujan. La cinta explora con elegancia y potencia cómo amar y pertenecer pueden ir de la mano de la libertad de ser. Esa dualidad (identidad y libertad) está en el centro de los conflictos internos: el deseo de autenticidad frente al miedo a la marginación, las redes de afecto que refuerzan, pero también encadenan, y la necesidad de romper esos grilletes para alcanzar una libertad plena.

Daniel Minahan, a través de una puesta en escena calculada y sutil, logra un equilibrio entre lo vintage y lo contemporáneo. No hay estridencias visuales: predominan planos sobrios, iluminación tenue, tonos pastel y sombras largas que recuerdan los grandes estudios, pero con una paleta emocional más diversa. La sensación es nostálgica, pero no sacada de un museo.

El guion aprovecha esa base literaria para explorar psicologías complejas. Los silencios valen tanto como las palabras, y ciertos gestos o miradas evocan más que diálogos explícitos. La carga simbólica de la época de los 50 (con su moral implícita y su glamour conservador) se fractura con la pluralidad de los cuerpos y afectos que circulan en ‘Indomables’.

No todo encaja; a veces la densidad temática hace que ciertos arcos narrativos queden un poco comprimidos hacia el final. Pero esta compresión también agrega tensión, como si los personajes se viesen obligados a resolverse antes de lo esperado. Y aunque se agradece esa intensidad, tal vez un poco más de expansión en algunos vínculos hubiese permitido un cierre menos abrupto emocionalmente, pese a que tiene una escena final elegante.

Es una obra valiente, rica y evocadora. Una película que nos invita a revisar lo que damos por clásico y a pensar en la identidad y el deseo como fuerzas siempre renovables. Entre referencias retro, tensión emocional y libertad contemporánea, Minahan propone una mirada audaz al amor, al poder, a la identidad y al campo de fuerzas afectivas que atraviesa a cada persona.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: On Swift Horses. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Minahan. Guion: Bryce Kass. Música: Mark Orton. Fotografía: Luc Montpellier.  Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi, Will Poulter, Diego Calva, Sasha Calle. Producción: Ley Line Entertainment, FirstGen Content, Cor Cordium, The Dan Corp, Wavelength, Killer Films. Distribución: Beta Fiction. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.leylineentertainment.com/on-swift-horses

Crítica: ‘Karate Kid: Legends’

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Sinopsis

Karate Kid: Legends reúne a los icónicos maestros de las artes marciales de una de las películas más queridas de todos los tiempos, para contar una historia completamente nueva llena de acción y emoción.  Cuando el prodigio del kung fu Li Fong (Ben Wang) se traslada a Nueva York con su madre para comenzar en una nueva y prestigiosa escuela, encuentra consuelo en la amistad con una compañera de clase y su padre. Pero su tranquilidad dura poco una vez que, sin buscarlo, atrae la atención del formidable campeón de kárate local. Impulsado por el deseo de defenderse, Li se embarca en un viaje para participar en la competición definitiva de kárate. Guiado por la sabiduría de su profesor de kung fu, el Sr. Han (Jackie Chan), y del legendario Karate Kid, Daniel LaRusso (Ralph Macchio), Li fusiona sus estilos únicos para prepararse para un épico enfrentamiento de artes marciales.

Crítica

El legado del Sr. Miyagi regresa en una cinta que combina acrobacias modernas con la esencia clásica del karate cinematográfico

El universo de ‘Karate Kid’ se expande con ‘Karate Kid: Legends’, una película que abraza el legado de la saga mientras busca nuevos horizontes en la narrativa y en su forma de representar la acción. Dirigida por Jonathan Entwistle, esta entrega se presenta como un ambicioso crossover que une a dos grandes referentes del cine de artes marciales: Jackie Chan, leyenda viva y poseedor de un Oscar honorífico, y la entrañable figura del Sr. Miyagi, eternamente interpretado por Pat Morita. La cinta logra establecer un puente emocional entre generaciones y conectar directamente con la secuela original (haciéndonos olvidar que hubo entregas con Hilary Swank y Jaden Smith), sirviéndose de la nostalgia sin caer en el homenaje vacío o la lágrima fácil.

Desde los primeros minutos, el espectador es recibido con referencias visuales, diálogos evocadores y una clara voluntad de conexión con los fans veteranos y los nuevos adeptos que llegaron a través de ‘Cobra Kai’. La relación entre Han Shifu (Chan) y el legado de Miyagi no solo tiene peso dramático, sino que se convierte casi en el eje temático del filme: el traspaso del conocimiento, el respeto al maestro y la evolución del aprendiz. Lo que fue una película considerada un clásico menor se convirtió en la actualidad en todo un fenómeno y la conexión que se establece en este filme es plausible y desde luego fiel al espíritu original.

Uno de los grandes aciertos de ‘Karate Kid: Legends’ es su apuesta por una acción mucho más acorde a los tiempos actuales, sin perder el tono familiar de la saga. Las coreografías beben directamente del estilo de Jackie Chan: acrobacias imposibles, defensas originales, bufonadas físicas y coreografía tan milimétrica como veloz. En estas secuencias, la película encuentra su mejor forma. La acción no solo entretiene, también rinde culto al cine de artes marciales clásico, homenajeando a figuras como el propio Chan y a un tipo de cine que marcó a generaciones enteras.

Ben Wang, quien encarna al joven protagonista, cumple con solidez en las escenas de combate, donde muestra una sorprendente agilidad. La dinámica del nuevo torneo van en sintonía con lo que vemos en su habitación: un póster del Tekken, clara señal de que la película quiere conectar también con el universo gamer y los códigos de la cultura pop actual. No obstante, fuera del combate, a Wang aún le queda recorrido en lo interpretativo. Un detalle menor que se nota más por contraste con un villano algo descafeinado: Aramis Knight tiene físico, tiene técnica, pero le falta carisma como antagonista, cayendo en el mismo pecado de entregas anteriores. Paradójicamente, fue de lo más salvable en ‘El juego de Ender’, pero aquí no termina de despegar.

En cuanto a estructura, la película se ajusta a los patrones clásicos de la saga: el matón de turno, el entrenamiento especial en busca de un golpe ganador y el torneo como clímax. Todo ello reciclado, pero con un envoltorio moderno y algunos personajes secundarios que aportan nuevas perspectivas al mundo de los deportes de contacto. A pesar de que repite clichés, sabe renovarlos con cierta elegancia y da lugar a unos pocos diálogos más elaborados que en anteriores entregas. Lástima que la historia de amor con el personaje de Sadie Stanley (porque en todo ‘Karate Kid’ hay romance) esté mal fundamentada y entre un poco con calzador.

‘Karate Kid: Legends’ no revoluciona el género, pero sí honra su historia. Con una dirección funcional, buenos momentos de acción y una carga emocional eficaz en un par de escenas, se posiciona como una secuela digna que, sin duda, puede satisfacer tanto a los nostálgicos como a una nueva generación. Lo que si que se puede augurar es que de paso a más series o películas de una franquicia que está viviendo una segunda juventud.

Por último, apartado para la curiosidad. Se ha perdido la ocasión de hacer un guiño a otro videojuego, en concreto ‘Street Fighter’. La actriz que ejerce como madre del protagonista, Ming-Na Wen, fue quien interpretó a Chun Li en la película de 1994 dirigida por Steven E. de Sozua y protagonizada por Jean-Claude Van Damme.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: Karate Kid: legends. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Entwistle. Guion: Rob Lieber. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Justin Brown. Reparto principal: Jackie Chan, Ralph Macchio, Ben Wang, Joshua Jackson, Sadie Stanley. Producción: Columbia Pictures, Sunswept Entertainment, Jerry Weintraub Productions, TSG Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, drama. Web oficial: https://karatekid.movie/

Crítica: ‘Devuélvemela’

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Sinopsis

Un hermano y una hermana descubren un ritual aterrador en la apartada casa de su nueva madre adoptiva

Crítica

Todo un ritual cinematográfico sobre el duelo

Los hermanos Danny y Michael Philippou, conocidos por su debut cinematográfico ‘Háblame’ (Talk to Me), vuelven a bucear en los abismos emocionales del duelo con ‘Devuélvemela’ (Bring Her Back), una perturbadora y visceral exploración del dolor, la culpa y la obsesión por revertir lo irreversible: la muerte. Si en ‘Háblame’ coqueteaban con el terror sobrenatural desde un enfoque muy juvenil, esta nueva propuesta se erige como un relato más maduro, devastador y profundamente humano, para muchos, más terrorífico.

Desde su arranque, ‘Devuélvemela’ se aleja de los códigos del jump scare y prefiere sumergirse en una atmósfera opresiva y enferma. Sus personajes parecen atrapados en un círculo vicioso de autodestrucción, cada uno reflejo de una sociedad podrida por la negación del duelo y la manipulación emocional. Aquí no hay consuelo, ni esperanza, sólo un grito desesperado: “devuélvemela”, que se convierte en plegaria, mantra y condena. Y es que para más inri, si ya de por sí el carácter de sus protagonistas es de índole dramática, algunos se comportan de un modo marcadamente malsanos y maquiavélicos.

Lo curioso —y no meramente anecdótico— es que tanto ‘Háblame’ como ‘Devuélvemela’ optan por títulos imperativos. Esta elección, lejos de ser una coincidencia, revela una intención temática clara: el deseo de desafiar a la muerte, de imponer la voluntad humana sobre lo inmutable. Es cine de duelo, sí, pero también de rebelión emocional ante la pérdida, de personajes que se niegan a aceptar el silencio que deja el vacío.

En términos formales, es cierto que ‘Háblame’ poseía una ejecución más pulida, un ritmo más ágil y una puesta en escena más acorde a los tiempos. ‘Devuélvemela’, sin embargo, apuesta por el riesgo: la cámara se vuelve más errática, el montaje más flemático y el tono más febril. Esto le aporta más equilibrio narrativo y más profundidad. Te puede dar más o menos miedo que ‘Háblame’ pero indudable este nuevo título tiene más misterio, y una carga emocional mucho más demoledora.

Las películas de los Philippou se alzan como altamente truculentas, con escenas muy dolorosas de ver, ahí encuentran puntos en común. Donde sí supera con creces ‘Devuélvemela’ a su predecesora es en las interpretaciones. Sally Hawkins, en un papel que exuda… mejor no entrar en calificativos relacionados a su personaje para no caer en spoilers… ofrece una de las actuaciones más impactantes del cine de género reciente. Su presencia eleva el filme, le otorga una densidad emocional que lo distingue entre sus contemporáneos.

No se puede ignorar el contexto: ‘Devuélvemela’ está dedicada a Harley Wallace, amigo íntimo de los Philippou fallecido el año pasado mientras le película estaba en pre-producción. Esta dedicatoria no es sólo un gesto personal, sino el corazón mismo de la película. Se nota que este proyecto nace del dolor real, de una pérdida sentida. Y eso impregna cada fotograma.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2025. Título original: Bring her back. Duración: 103 min. País: Australia. Dirección: Danny Philippou, Michael Philippou. Guion: Danny Philippou, Michael Philippou, Bill Hinzman. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood, Sally Hawkins. Producción: Causeway Pictures, Salmira Productions, The South Australian Film Corporation, SAFC Studios, RackaRacka Studios. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.causewayfilms.com.au/films/bring-her-back

Crítica: ‘Los tipos malos 2’

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Sinopsis

Los delincuentes favoritos de todos están de vuelta, pero esta vez tienen compañía.

En la nueva entrega rebosante de acción de la aclamadísima y taquillera comedia de DreamWorks Animation en torno a un genial equipo de animales que no respetan la ley, los ahora muy reformados Tipos Malos se esfuerzan (mucho, muchísimo) en ser buenos, pero se ven envueltos involuntariamente en un golpe de envergadura mundial planeado por un inesperado grupo de criminales: las Tipas Malas.

Crítica

Una secuela mezclada con combustible para cohetes y servida en vaso de Martini

No es fácil hacer una secuela que no solo funcione, sino que también mantenga el estilo, eleve la apuesta y nos arranque carcajadas sin perder elegancia. Pero ‘Los tipos malos 2’, dirigida de nevo por Pierre Perifel y acompañado esta vez por JP Sans, lo logra con una mezcla tan inesperada como eficaz: una banda de animales antropomórficos exdelincuentes con trajes a lo Humphrey Bogart, persecuciones imposibles y una animación que parece cobrar vida a base de dinamita visual. Está claro que los personajes de los libros de Aaron Blabey van a tener películas para rato.

La película nos devuelve a estos carismáticos ladrones con gran corazón justo cuando están intentando portarse bien… o al menos camuflando su maldad con clase y muchos sudores fríos. El señor Lobo Feroz, que no ha perdido ni una pizca de su encanto canalla, y su pandilla vuelven a la acción para enfrentarse a un reto mayor que cualquiera de sus muchos atracos: conseguir la aceptación de la sociedad, robar el corazón de la gente.

Vestuario, localizaciones y una atmósfera casi sacada de una cinta noir de los años 40, todo sigue ahí, como si Casablanca se hubiera colado y actualizado en una página de cómic. Hay persecuciones que parecen salidas de un storyboard de ‘Sin City’ mezclado con ‘Speed Racer’, y escenas donde los personajes rompen la cuarta pared con tanta frescura que uno espera que el Señor Serpiente se siente contigo en el sofá y te pase unas palomitas.

La animación en 3D es un espectáculo por sí sola: estilizada, vibrante, con un ritmo que no deja que el ojo parpadee demasiado. Cada movimiento es una viñeta animada, y cada plano tiene ese toque que le da identidad propia a la saga. Lejos de acomodarse, el film demuestra que el medio animado es terreno fértil para propuestas que mezclan lo clásico con lo moderno. Es por eso que pasamos de la tradicional caja fuerte a conocer a un magnate que es una evidente burla a los Musk y Bezos.

En el corazón de la historia está el mensaje de siempre, el que esgrimían películas como ‘Shrek’ o ‘Monstruos contra alienígenas’, pero con otro envoltorio: las segundas oportunidades, los prejuicios sociales y esa eterna lucha por cambiar, aunque el mundo siga viendo tus orejas de lobo. Evidentemente es una película para el mercado infantil y juvenil y la moraleja está presente y evidente durante toda la cinta, no hay margen para la sorpresa ni trata con condescendencia al espectador. Se nota en el planteamiento del guión que además de pretender frescura las cartas están bocarriba y no se busca la sorpresa fácil. Como en toda secuela animada aparecen nuevos personajes que igualmente van a la cara y no esgrimen argumentos rebozados de tópicos, sino que nos golpean continuamente con recursos originales, patente sobre todo en su resolución final.

Por mucho que los protagonistas de ‘Los tipos malos 2’ se reformen, la banda sigue disfrutando de sus aventuras, conduciendo a toda mecha y salvando el día como si fueran un cruce entre James Bond y Robin Hood con licencia para romper cosas. Casualidad o no la moraleja es similar a la de Shrek y con ‘Los tipos malos 2’ nos acercamos peligrosamente al mismo resultado que el de la saga ‘Fast & Furious’. Ambas franquicias también pertenecen a Universal Pictures.

Y para los adultos, Perifel y Sans no se olvidan de dejarnos miguitas de pan en forma de referencias: citas para clásicos como ‘Ghost’ o a los McGuffins de Alfred Hitchcock, una escena en la que el Profesor Mermelada parece poseído por Hannibal Lecter y frases de ‘Arma letal’. Y como confirmación de lo que ya opinamos con la primera entrega, la acción está pensada para aquellos nacidos en los 80 y 90 que han crecido viendo películas como ‘Heat’, ‘Reservoir Dogs’ u ‘Oceans eleven’ o para los que más recientemente han disfrutado con las distintas versiones del ’Escuadrón Suicida’. ‘Los tipos malos 2’ es una secuela que no se limita a repetir la fórmula: la agita, la mezcla con combustible para cohetes y la sirve en un vaso de Martini. Agitada, no revuelta. Y si eso no es cine con estilo, que venga la Señora Tarántula y me haga un gráfico explicativo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2025. Título original: The bad guys 2. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Perifel, JP Sans. Guion: M Pierre Perifel, JP Sans. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Sam Rockwell, Marc Maron, Craig Robinson, Anthony Ramos, Awkwafina, Danielle Brooks, Zazie Beetz, Maria Bakalova, Natasha Lyonne. Producción: DreamWorks, Scholastic Entertaiment, Universal Pictures. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, aventuras. Web oficial: https://www.dreamworks.com/movies/the-bad-guys-2

Crítica: ‘Los 4 Fantásticos: primeros pasos’

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Sinopsis

Con el vibrante telón de fondo de un mundo retrofuturista inspirado en los años 60, ‘Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos’ presenta a la Primera Familia de Marvel: Reed Richards/Mister Fantástico, Sue Storm/Mujer Invisible, Johnny Storm/Antorcha Humana y Ben Grimm/La Cosa, que se enfrentan a su mayor desafío hasta la fecha.

Crítica

Entiende tan bien el concepto original que solo con eso es lo mejor que ha hecho Marvel en años

Desde aquella oculta, rescatada por la piratería y casi mítica película de 1994 producida por Roger Corman, realizada únicamente para que no se perdieran los derechos, hasta las más recientes reimaginaciones, los Cuatro Fantásticos han tenido un recorrido accidentado en la gran pantalla. Chris Evans, antes de convertirse en el Capitán América, dio vida a un carismático Antorcha Humana en las películas de los 2000. Años más tarde llegó la inefable y fallida versión de 2015, dirigida por Josh Trank, que prometía renovación pero acabó en desastre. Incluso tuvimos un guiño ilusionante con la aparición fugaz de John Krasinski como Reed Richards en el multiverso de Marvel y una bufonada con el personaje de Evans en ‘Deadpool & Wolverine’. A lo largo de las décadas, muchas han sido las versiones (algunas queridas, otras olvidadas) de esta primera familia de superhéroes.

Matt Shakman, director de series adultas e incluso irreverentes como ‘Juego de Tronos’ o ‘The Great’ es quien ha cogido el encargo sometido a mucha presión por las expectativas y exigencias de los fans que además vienen cansados de fracasos marvelitas. Previamente ya ha estado relacionado con Marvel pues fue el principal director de ‘Bruja Escarlata y Visión’. Al igual que James Gunn ha empezado en el universo comiquero con series y aunque parezca que esta película sigue la estela de ‘Superman’ (2025) llevándonos a una base cuidada por robots, este personaje surge de los cómics e iba a estar en ‘Los 4 Fantásticos’ (2005), pero sus escenas fueron cortadas. El referente más probable a este personaje artificial tan adorable es el del robot B9 de ‘Perdidos en el espacio’, una serie que nació años antes de la primera aparición de los 4F en los cómics. Todo esto lo pongo sobre la mesa simplemente para remarcar que a esa época, a los sesenta, nos hace retroceder este filme. Uno de los mejores ganchos, tanto nostálgicos, como conceptuales o como estéticos, es ese estilo retro que marca la diferencia con respecto al saturado mercado de películas superheróicas. Es una de las mejores decisiones de esta producción que dota al filme de personalidad propia, dimensión narrativa y respeto por el material original.

Pero para muchos la mejor decisión es la que por proximidad y temática coincide también con el ‘Superman’ de James Gunn. El filme trata por momentos sobre la bondad de unos personajes que pese a todo se mantienen en su determinación de ayudar a la humanidad, sometiéndose con ello al juicio público y a dilemas éticos. Vivimos en una época donde la tendencia es la crispación y el odio, ser bueno es casi un acto de rebeldía. Los protagonistas encarnan la ingeniosidad, la esperanza y la compasión humanas. En ese sentido el filme acierta a retratar a la familia de superhéroes. Sin duda es momento de películas luminosas para luchar contra las fuerzas destructivas del odio. Congratulará a los lectores la apología por el concepto de unidad y el carácter familiar del filme, en varias dimensiones de esta palabra. ‘Los 4 Fantásticos: primeros pasos’ funciona muy bien como aventura e incluso como posible inicio del reinicio marvelita ya confirmado por Kevin Feige.

Sin duda ‘Los 4 fantásticos: primeros pasos’ es lo mejor que ha hecho Marvel en muchos años, estará en el top 3 de muchos seguidores. Pero yo esperaba un paso más adelante. Dados los años y la edad media del fan del Marvel cinematográfico cabía esperar la nunca llegada madurez narrativa. Tenían entre manos una película con un potente dilema filosófico, planteado evidentemente por Galactus y Silver Surfer. Bien es cierto que con Thanos surgieron ciertos debates relacionados con lo kantiano y lo genocida. Y que Silver Surfer puede plantear un dilema como el que tenían Gamora y Nébula, pero en mayores proporciones. Aquí con Silver Surfer sucede todo de un modo casi repentino, sin desarrollo, excesivamente arbitrario para un ser que lleva años al servicio de Galactus. Pero la mayor decepción llega con el personaje del devorador de mundos. Galactus representa la inevitabilidad de la muerte o la entropía, el equilibrio universal. Es algo más allá que un antagonista físico, no es alguien con el que se pueda batallar o que elige hacer el mal en nombre del bien, Galactus no elige: simplemente es. Vive y consume planetas o por el contrario muere. Ergo hay que preguntarse… ¿Tiene más derecho a existir un ser cósmico que puede mantener el equilibrio universal que una civilización? Los héroes quieren salvar un planeta, pero Galactus representa el mensaje de que el universo no gira en torno a nosotros. Todo esto está en ‘Los 4 Fantásticos’ de Matt Shakman, para regocijo de la parte de mi cerebro que se encarga del pensamiento abstracto y de la corteza cingulada anterior, la cual, detecta contradicciones y tensiones morales. Pero se apoca excesivamente al personaje reduciendo la contienda con él a algo físico (tanto por el tipo de batalla como por la ciencia) y no de un modo intelectual o filosófico. Al menos, lo que que si resulta apabullante es la voz de Ralph Ineson que te aporta esa sensación de estar ante un ser antiguo y fatalista.

Por resumir. El espectador y lector notarán lo bien entendidos que están los personajes, tanto en el papel como por parte de absolutamente todo el elenco. La acción transcurre con una fluidez casi orgánica y aparecen imágenes ante nuestros ojos que parecen viñetas en movimiento. Incluso está bien interpretado que esta es una película con mucha ciencia e innovación. Hasta tal punto es una gozada verla con mente de fan de la ciencia ficción que cuando los héroes dan un salto por el espacio (en su nave cariñosamente llamada Excelsior) el equipo de efectos especiales ha tenido a bien interpretar cómo sería un pliegue en el espacio/tiempo y un puente de Einstein-Rosen. Sin duda una de las mejores secuencias del filme.

Como siempre, toca comentar las escenas post-créditos y se vienen spoilers. La última escena es un gag devolviéndonos la versión animada de Los 4 Fantásticos. En la primera escena ha habido algo de decepción. Marvel anunció a bombo y platillo en la Comic-Con el tema de Robert Downey Jr. como Doctor Doom. Ahora bien, en este epílogo aparece dándonos la espalda, sin dar la acara y con la máscara en la mano. ¿Habrá nuevo giro para el aspecto del archienemigo de los Cuatro Fantásticos? ¿O solo es una manera de interpretar el carácter dramático y casi teatral del personaje? En cualquier caso es otra manera de hacer que corran ríos de tinta.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de julio de 2025. Título original: Fantastic Four: first steps. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Shakman. Guion: Jeff Kaplan, Ian Springer, Josh Friedman, Peter Cameron, Eric Pearson. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Jess Hall. Reparto principal: Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn, Ebon Moss-Bachrach, Ralph Ineson, Julia Garner, Paul Walter Hauser, Natasha Lyonne, Sarah Niles. Producción: Marvel Studios, 20th Century Studios. Distribución: Disney. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.marvel.com/movies/the-fantastic-four-first-steps

Todos los personajes vistos en ‘Los 4 Fantásticos: primeros pasos’

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Del multiverso al cosmos: todas las estrellas de Los 4 Fantásticos

Los 4 Fantásticos han aterrizado por fin en el Universo Cinematográfico de Marvel, y lo han hecho por todo lo alto pues por fin se ha calado al 100% su personalidad. Y más allá de devolvernos a Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm, ‘Primeros pasos’, la película dirigida por Matt Shakman está repleta de guiños para fans, cameos inesperados y apariciones especiales que expanden aún más la mitología marvelita. Desde luego es todo un homenaje a Stan Lee y Jack Kirby.

Desde personajes clásicos del cómic hasta rostros familiares del MCU, esta nueva entrega funciona como carta de presentación para una etapa cósmica y ambiciosa. Algunos de estos cameos podrían pasar desapercibidos para el espectador casual, pero los fans atentos encontrarán auténticas joyas escondidas entre los fotogramas.

En esta entrada repasamos uno a uno todos los personajes, cameos y apariciones que hacen de “Primeros pasos” mucho más que un nuevo remake. Si quieres saber quién aparece sigue leyendo… pero ojo: a partir de aquí, spoilers.

Pedro Pascal – Reed Richards / Mr. Fantástico

El genio científico capaz de estirar su cuerpo a voluntad, líder del grupo en los cómics clásicos de Stan Lee y Jack Kirby. Uno de los personajes más inteligentes del universo Marvel.

Vanessa Kirby – Sue Storm / Mujer Invisible

Experta en usar campos de fuerza e invisibilidad. Tradicionalmente el corazón emocional y estratégico del equipo, en muchas etapas, eje principal de la aventura que viven estos superhéroes. En esta nueva versión, pese lucir la alianza que demuestra que está casada con Richards, conserva su apellido de soltera.

Joseph Quinn – Johnny Storm / Antorcha Humana

Hermano menor impulsivo, capaz de envolver su cuerpo en llamas y volar. Enérgico y carismático, siempre funciona como válvula cómica en su relación con La Cosa.

Ebon Moss‑Bachrach – Ben Grimm / La Cosa

Cuerpo rocoso y fuerza brutal. Tradicionalmente el músculo del equipo con un profundo sentido de lealtad y un corazón enorme. Irónicamente a pesar de su aspecto, es de todo el grupo el que más cerca está del ciudadano de a pie.

Recreado por CGI – Franklin Richards / Powerhouse

En los cómics es considerado un mutante que supera el nivel Omega. Hijo de Mr. Fantástico y la Mujer Invisible puede hacer realidad cualquier pensamiento o deseo.

Matthew Wood – H.E.R.B.I.E.

El asistente robótico hogareño de los Richards que recibe su nombre de: Humanoid Experimental Robot, B-type, Integrated Electronics. Este actor ha prestado su voz a personajes como Grievous, Kylo Ren y otros muchos personajes dentro y fuera del universo Star Wars.

Ralph Ineson – Galactus

El devorador de mundos, una entidad cósmica ancestral. Interpretado con una presencia y voz sobrecogedora que encarna su naturaleza necesaria y trágica

Julia Garner – Shalla‑Bal / Silver Surfer

Versión femenina del heraldo plateado de Galactus, una figura de poder y conflicto moral profunda.

Se supone que Robert Downey Jr. – Doctor Doom

En la primera escena post-créditos hace su prometida aparición el Dr. Victor von Doom. Pero lo hace dando la espalda a cámara y con su máscara en la mano. Durante el filme también nos da calabaza dejando la silla de Latveria vacía en la sede de la Future Fundation. Ya apareció en la San Diego Comic-Con Robert Downey Jr. ataviado con la mítica capucha verde, pero aquí no da la cara. ¿Qué nos querrán decir?

Martin Dickinson y Greg Haiste – Stan Lee y Jack Kirby

Ambos creadores del cómic están presentes en toda la película pues esta emula mucho a sus cómics. Pero hay un establecimiento llamado “Stanley’s service center” que parece aludir a quien en su día acuñó la expresión “Excelsior!”. Precisamente así se llama el cohete que pilota la familia de héroes, Excelsior. Pero aún más allá, ambos autores aparecen representados como dibujantes de cómcis en un local de Timely (antesala de Marvel) rodeados de dibujos justo enfrente del lugar donde hace su primera aparición Silver Surfer. Y para rizar el rizo este nuevo universo ha recibido el número 828, en guiño a la fecha de nacimiento de Kirby: 8/28/1917 en formato de fecha norteamericano.

Recreado por CGI – Giganto

El primer villano que vimos para los Cuatro Fantásticos pues dominaba la portada de su número uno. Es una mutación liberada por el Hombre Topo.

Paul Walter Hauser – Harvey Elder / Mole Man

Villano clásico de los cómics de Los 4 Fantásticos, para muchos un villano menor pero suele tener mucha relevancia. Señor de los Subterráneos y conocido como Hombre Todo en España, da dolores de cabeza a los 4F con sus Topoides y su lucha por el mundo subterráneo.

Sarah Niles – Lynne

Monica Lynne es una cantante y activista creada en los cómics en 1969 por Roy Thomas, Frank Giacoia y Herb Trimpe. Tuvo un romance con T’Challa / Black Panther. En la película forma parte de la FF (Future Foundation), una organización filantrópica que los lectores de cómics reconocerán y que en el filme se asemeja a la ONU.

Mark Gatiss – Ted Gilbert

Un presentador de televisión carismático y afortunado por poder entrevistar a los Cuatro Fantásticos. No tiene referencia comiquera.

Natasha Lyonne – Rachel Rozman

Personaje original creado para esta película. Sería el equivalente a Alicia Masters pues es quien tiene más relación con La Cosa fuera del grupo de los 4 Fantásticos.

Alex Hyde-White, Rebecca Staab, Michael Bailey Smith y Jay Underwood – Los Cuatro Fantásticos

Estos cuatro actores son quienes encarnaron a Los 4 Fantásticos en la versión no estrenada de Roger Corman. Hicieron su película con medios casi nulos y sin saber que realmente no estaba proyectado hacerse ese filme, todo era una estratagema para conservar los derechos de la cual no estaban informados. Aparecen durante el filme, varios de ellos como presentadores de TV o como trabajadores de una planta eléctrica.

Sin actor – Capitán América

En diversas escenas en Time Square aparecen diversos cines, uno de ellos curiosamente llamado Forum, como se llamaba la editorial que traía los cómics de Marvel a España. En otros vemos un cartel que promociona una película llamada ‘Subzero intel’. Esto ha sido interpretado por muchos al Capitán América ya que representa a un soldado escalando por el hielo. Recordemos que antes de los 60 el «Capi» quedó congelado accidentalmente y esto podría indicarnos que esta tierra 828 también existía.

Sin actor – Pensador Loco, Mago, Amo de las Marionetas y Diablo

Villanos recurrentes de los cómics que no aparecen en el filme pero que son mencionados o representados como dibujos animados en la segunda escena post-créditos.

Recreado por CGI – Peotor

Es un orangután perteneciente a los supersimios, los esbirros de Fantasma rojo. Mejorado con radiación cósmica.

John Malkovich – Ivan Kragoff / Fantasma Rojo

Para acabar con un sonadísimo personaje NO VISTO finalmente en el filme. John Malkovich fue eliminado en la versión final de la película, inicialmente iba a interpretar a Ivan Kragoff / Fantasma Rojo, otro villano emblemático que aparece al final del filme en dibujo animado y sin articular palabra alguna.

Entrevista al director y voces de ‘Los tipos malos 2’

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Hablamos con Pierre Perifel, Santi Millan y Gemita

Con motivo del esperado estreno de ‘Los Tipos Malos 2’ el próximo 1 de agosto, hemos tenido la oportunidad de charlar con algunas de las voces más reconocibles de la película. En estas dos entrevistas exclusivas, el director Pierre Perifel nos habla del proceso creativo detrás de esta secuela repleta de acción y humor, mientras que Santi Millán y Gemita, quienes dan vida a algunos de los personajes más carismáticos de la cinta, nos cuentan su experiencia doblando al español.

Si te gustó la primera entrega de ‘Los Tipos Malos’, no te pierdas lo que sus protagonistas tienen que decir sobre esta nueva aventura animada que promete conquistar a grandes y pequeños. ¡Dale al play y descubre todos los secretos del rodaje!