Hoy hemos estado cerca, muy cerca, de personalidades muy experimentadas y veteranas del cine. Por un lado hemos podido ver ‘Emily’ junto a Robert Englund, el cual, continúa en el festival y está gozando como un espectador más. Por otro pudimos ver como Colin Arthur (responsable de los efectos visuales de películas como ‘La historia interminable’ o ‘El resplandor’) recogía entre lágrimas, emoción y aplausos el Gran Premio Honorífico.
Otro premiado con el que hemos estado es Ti West. El director está en Sitges para recoger el premio Time Machine Award. Su carrera es totalmente ecléctica pero ha cultivado mucho el terror. Reniega por ejemplo de su trabajo en ‘Cavin fever 2’ como él mismo nos ha dicho. También participó en la serie ‘Them’, de la cual nos habló cuan difícil fue rodar su recta final.
Aunque también nos habló de su participación en ‘Tales from the loop’ nos quedamos con la respuesta a una pregunta que ponía en relevancia su frecuente relación con la productora A24, punta de lanza de lo que se conoce como “elevated horror”. El director de ‘X’ se manifestó cómodo dentro de esa etiqueta. Por cierto que sobre ‘X’ nos dijo que buscaba unos villanos de slasher diferentes, que le pensó que sería interesante que los villanos fuesen los malos de la historia.
Nos ha gustado mucho ‘La piedad’ pero la sorpresa realmente ha llegado con ‘Sisu’, vaya locura de película nos han traído desde Finlandia. Ahí van nuestras reseñas del día.
‘Pearl’
Magnífica precuela que supera en calidad a ‘X’ y en la que seguimos al personaje interpretado por Mia Goth, no al que lucía su rostro, sino al que interpretó maquillada como anciana. Si el cine de los setenta u ochenta volvía a nosotros con ‘X’, en ‘Pearl’ nos vamos a la época del technicolor. Películas de los 30 o 40 como ‘Lo que el viento se llevó’ o ‘El mago de Oz’ vuelven a nuestras mentes pues con un saturadísimo color y un excelente rodaje nos narran una historia de granja, de juventud y familia, made in américa (aunque esté hecha en Nueva Zelanda), pero que se va retorciendo poco a poco en favor del terror psicológico y unos cuantos momentos de sangre que son para ponerse a aplaudir de pie.
Se han hecho estudios, retratos o retrospectivas de muchos villanos en secuelas, remakes y demás. Pero lo que hace Ti West con la demente de su filme no se había hecho hasta ahora. Cambia de tercio moviéndose en paralelo a ‘La Matanza de Texas’ para tirar de drama y demencia, haciendo un estudio de personaje digno de alabanza. Me quedo con una frase del filme que reza “Es difícil saber quién es la gente hoy en día con la máscara que llevan puesta”.
Disección de una villana que encaja con ‘X’ y que sobre todo destaca por lo inconmensurablemente demente que está Mia Goth. Tiene unas escenas en las que demuestra un apabullante talento y son meritorias de todos los premios posibles, aunque al tratarse de cine de género probablemente se vea menos reconocida de lo merecido. Cuando la veáis no podréis negar que le plano final es una auténtica locura.
Reminiscencias de ‘Paranormal Activity’ e imágenes que recuerdan a ‘[REC]’ en un episodio sobre la paranoia o la neurosis. No es de extrañar esta percepción pues tras la cámara está Jaume Balagueró y en el papel Alberto Marini.
El objetivo de la película es crear neurosis y lo consigue. La misma paranoia que tienen muchos al mirar cómo va la salud de la batería de su móvil es la que tiene el protagonista de este episodio, pero por la salud de su familia. Poder es doler, cuanto más podemos ver más sufrimos. Gran interpretación de Pablo Derqui en este episodio que versiona uno de los originales.
Con este episodio nos vamos a un clásico, el Vampirismo. Se trata una vertiente más romántica y se sique un esquema arquetípico que nos hace imaginar qué es lo que va a pasar. El hecho de contar con un actor de renombre o de moda como Álvaro Morte nos augura uno de los giros pero igualmente se disfruta esta pequeña historia en la que viajamos a una Galicia sumida a una noche eterna.
No sé si estoy en posición de decir que es lo mejor de Alice Waddington pero si puedo afirmar que es lo que más me ha gustado de su filmografía (de la cual he visto ‘Disco Inferno’ y ‘Paradise Hills’). Juega un poco a ‘Frankenstein’ pues juzga del mismo modo a una sociedad movida casi siempre por los prejuicios.
He salido encantada de esta película, no sé muy bien qué hace en el Festival de Sitges, pero me ha gustado tanto que realmente me es indiferente. Frances O’Connor dirige su primera película y nos cuenta su propia visión de Emily Bronte, la escritora de ‘Cumbres borrascosas’. En la cinta vemos su vida junto a sus dos hermanas, también escritoras y su hermano, un bala perdida que la adoraba. El amor, desamor, el querer que su padre la acepte y la llegue algún día a querer. Todo esto nos cuentan en una película con 131 minutos de duración pero que pasan volando. Otro de sus fuertes son sus actores, Emma Mackey esta inmensa y da toda su alma para interpretar a esta mujer.
Víctor Matellano regresa a la gran pantalla con un documental sobre el amor al cine de dinosaurios. Y que mejor manera que con ‘El valle de Gwangi’ una película que se rodó en distintos lugares de España, desde la Ciudad Encantada, Cuenca o Tabernas entre otras.
A través de la mirada de la ciencia con Jose Luis Sanz y del arte con Colin Arthur, vamos viendo los distintos puntos de vista. Arthur nos cuenta su experiencia trabajando junto a RayHarryhausen y como hacían el stop motion cuya técnica fueron mejorando poco a poco.
José Luis Sanz nos muestra su lado cinéfilo y cómo muchos paleontólogos odian muchas veces las cintas de dinosaurios al no ser fieles a estos animales. El documental tiene una parte ficcionada que quizás es la que menos funcione, pero que es necesaria o vehículo para conectar con este dinosaurio, el concavenator y con ‘El valle de Gwangi’
Yuma, un niño que alucina con el espacio conoce a una entidad sideral que invade a su IA. Esta entidad le pide ayuda para lograr su cometido. Con una animación muy bien hecha y bonita, la película es bastante repetitiva y termina cansando. Siempre digo lo mismo, pero en la animación japonesa se están acostumbrados hacer películas largas y a esta le quitas treinta minutos y si sería un buen producto.
Dirigida por Tomoyuki Kurokawa, ‘Break of dawn’ tiene un fondo donde vemos la importancia de la amistad, el valor de las promesas y el respeto a la gente que te rodea, aunque sea una IA. En lo técnico no tiene absolutamente ningún problema, el guion ya es otra historia, pues como he dicho, alargan las situaciones de manera exagerada.
Korpi es un finlandés que se ha partido los lomos para encontrar oro y solucionar su vida. Pero todo se ve trastocado pues estamos en la época de la II Guerra Mundial y aparecen los nazis aplicando en su país la política de tierra quemada.
Jalmari Helander, director de ‘Rare Exports’ y ‘Big game’, nos regala un western bélico que recuerda a los mejores héroes de acción de Hollywood. Implacable, inagotable, despiadado… así es este protagonista a quien le han arrebatado algo y no parará hasta recuperarlo. Willis, Reeves, Cruise y compañía, os ha salido un duro competidor. Si mirásemos este filme desde el punto de vista de los nazis este sería un slasher en el que te dan hasta pena todos los que van sumando al kill count. Un contador que además sube con muertes la mar de salvajes, ocurrentemente macabras. ‘Sisu’ es potente, dura y a veces y cada vez más, majadera. Cine de acción con presupuesto y mucha mala leche. La sala ha roto en aplausos en múltiples ocasiones.
Russell Owen se acerca al cine de Robert Eggers con esta cinta de terror muy contemplativo. Erik un joven pastor de ovejas escoces ha quedado viudo y un poco desquiciado al enterarse que su mujer le era infiel. Decide marcharse y coger un trabajo en medio de la nada. Una casa perdida entre las montañas, su perro y sus ovejas hacen de su día a día algo más sencillo. Pero al llegar la noche, las sombras, la oscuridad y la soledad logran sacar todo su pasado.
Como he dicho, la película es bastante contemplativa, tenemos imágenes impresionantes de las montañas gracias a Richard Stoddard, encargado de la fotografía de la cinta, llenas de tranquilidad. Estas estampas se pierden de golpe al adentrarnos en la oscuridad de la cabaña, donde tenemos verdaderas secuencias de terror.
‘Sherpherd’ es una película que se toma su tiempo para contarte la historia que Russell Owen nos quiere plasmar, pero merece la pena tener esa paciencia para llegar al final. Una de las sorpresas del festival y que, aunque no vaya a gustar a todos, si que al menos visualmente va a hacer las delicias de muchos.
Un asesino en serie que pasa desapercibido para ser una persona normal, una cabaña en el bosque y una mujer con ganas de conocer a alguien. Se juntan el hambre con las ganas de comer.
Travis Stevens expone en 16mm esta obra que tiene un grano muy bien buscado, para introducirnos en una pesadilla que nos rememore a viejos clásicos, aunque la cabaña en cuestión no sea precisamente rural o vintage. Igual nos pasa con el enfoque de la película que en vez de centrarse en las víctimas muchas veces busca la empatía con el villano, al cual descubrimos desde la primera escena.
El arte está presente durante todo el filme mientras se van sucediendo las situaciones incómodas, cada vez más terroríficas. Como sorpresa nos encontramos con un vínculo con la Grecia Clásica y una trama que realmente entretiene. También muy bien gestionada la interpretación de un villano que camina entre lo demente y lo encantador. Un filme sobre la confianza y la paranoia del que no esperaba mucho y he terminado disfrutando.
Eduardo Casanova vuelve a distinguirse por su dominio pintando de rosa. Casanova, manque le pese a sus detractores, se ha adueñado de este color hasta manejarlo de manera personal y efectiva. Nos ubica ante situaciones bucólicas, bonitas a la vista (por lo menos en su inicio) para después desmontarnos todo ese idilio. Que siga quedando claro, nos encontramos dentro de unos códigos extravagantes y kitsch, de imágenes crudas.
‘La piedad’ roza lo experimental y se compone de un relato casi negro. Casanova bebe de las mismas fuentes controvertidas y descarnadas que Lars von Trier, tanto argumental como visualmente. Yo empleo el término gótico kitsch para definir sus imágenes y en este caso vamos desde lo burtoniano hasta lo ordinario y lo grotesco.
Durante todo el filme hay un símil presente, de hecho se hace más evidente y manifiesto en el último acto. Algunas personas viven cautivas dentro de ciertas relaciones, en este caso entre una madre y un hijo. El paralelismo se establece con la Corea del Norte de Kim Jong-il, con el fanatismo y la dependencia malsana que ello conlleva. Muy oportuno ahora que se habla de la hija secreta de Kim Jong-un. La ironía está evidentemente presente, más aún cuando conocemos que la controladora madre interpretada por Ángela Molina se llama Libertad.
Una Ángela Molina postrada a las intenciones del director y aportando muy bien todo su talento para esta empresa. Gracias a su interpretación, y la de un también estupendo Manuel Llunell vivimos una película asfixiante y enfermiza en la que se mezcla la agorafobia con las ganas de escapar. Una contradicción no apta para hipocondríacos y que fustigará a aquellas personas que viven a través de sus hijos. Me ha recordado al caso de Gypsy Rose y Dee Dee Blanchard, aquel que contaba la película ‘Mamá te quiere (Run)’.
Aquellos que hayan visto películas como ‘Attack the block’ o precedentes similares no van a descubrir nada nuevo en este filme. Unas chicas se topan con una criatura sin saber que no es algo de este mundo y terminan teniendo que enfrentarse a ella sin ayuda de los adultos. Todo transcurre en el círculo ártico, rodeados de la nada y perseguidos por monstruos deformes, como en ‘La cosa’. Pero este primer largometraje de Nyla Innuksuk no tiene ni la gracia de la primera a la que os he hecho referencia, ni el terror de la segunda.
Entre cosas de adolescentes y pequeñísimas apariciones de ese monstruo la película empieza bien. Promete pues nos da sangre desde el principio y nos aporta algo sobre la filiación de los personajes. Lástima que después se pierde con las actuaciones y con lo torpe que es su acción. Incluso al final intenta en vano también desarrollar un discurso sobre la identidad.
Personas muy jóvenes enfrentando lo fantástico. Se os puede venir a la cabeza la omnipresente ‘Starnger Things’ pero quizá el símil reciente más parecido sea ‘Prey’, de hecho, en los créditos hacen algo similar usando caracteres que posteriormente cambian a nuestro alfabeto. La sangre y el adoctrinamiento de la caza está mucho más presente. Además todo transcurre durante el día pues en esas latitudes sabemos que los días duran muchísimo más.
La directora ha trabajado en cortos y en producciones de realidad virtual. En el plano técnico la fotografía es magnífica y los efectos especiales también. Si hay algo que gusta de este filme son las criaturas, aproximadas al Ijirak, una especie de hombre del saco o krampus para los inuit.
‘La piedad’ es una historia de un extraño amor incondicional, una historia de terror, un melodrama enfermizo con tintes de thriller, donde la obsesión, la dependencia, la maternidad, el control, el miedo y el poder componen a personajes muy oscuros que aparentan ser todo lo contrario.
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Crítica
Casanova bebe de las mismas fuentes controvertidas y descarnadas que Lars von Trier
Eduardo Casanova vuelve a distinguirse por su dominio pintando de rosa. Pintar las cosas de color de rosa siempre ha sido sinónimo de narrar edulcoradamente y con un tono preciosista. Casanova, manque le pese a sus detractores, se ha adueñado de este color hasta manejarlo de manera personal y efectiva. Nos ubica ante situaciones bucólicas, bonitas a la vista (por lo menos en su inicios) para después desmontarnos todo ese idilio. El mensaje de la película se me ha antojado mucho más evidente que en anteriores ocasiones y eso al espectador puede que le convenza más que con ‘Pieles’. Pero que siga quedando claro, nos encontramos dentro de unos códigos extravagantes y kitsch. Si eres de los que no son capaces de digerir cosas tan crudas y prefieres como mínimo todo guisado como mínimo vuelta y vuelta, esta no es tu película.
‘La piedad’, que ya ostenta títulos como el de Mejor Película en la Sección Oficial del Fantastic Fest de Austin, roza lo experimental y se compone de un relato casi negro. Casanova bebe de las mismas fuentes controvertidas y descarnadas que Lars von Trier, tanto argumental como visualmente. Su filmografía, compuesta ya por dos largos y múltiples cortos, podría bautizarse como gótico kitsch. En el caso de este segundo largometraje vamos desde lo burtoniano hasta lo ordinario y lo grotesco. Lo dicho, si no tienes estómago no mires esta pantalla.
Durante todo el filme hay un símil presente, de hecho se hace más evidente y manifiesto en el último acto. Algunas personas viven cautivas dentro de ciertas relaciones, en este caso entre una madre y un hijo. El paralelismo se establece con la Corea del Norte de Kim Jong-il, con el fanatismo y la dependencia malsana que ello conlleva. Muy oportuno ahora que se habla de la hija secreta de Kim Jong-un. La ironía está evidentemente presente, más aún cuando conocemos que la controladora madre interpretada por Ángela Molina se llama Libertad.
Una Ángela Molina postrada a las intenciones del director y aportando muy bien todo su talento para esta empresa. Gracias a su interpretación, y la de un también estupendo Manuel Llunell vivimos una película asfixiante y enfermiza en la que se mezcla la agorafobia con las ganas de escapar. Una contradicción no apta para hipocondríacos y que fustigará a aquellas personas que viven a través de sus hijos. Me ha recordado al caso de Gypsy Rose y Dee Dee Blanchard, aquel que contaba la película ‘Mamá te quiere (Run)’.
La película nos habla también de cómo de importantes se sienten algunos cuando se encuentran dentro de su micromundo o en la manoseadamente llamada zona de confort y de como caen en depresión cuando salen al exterior, perdiéndose en el anonimato. Quizá le pase igual a Casanova y en sus círculos más cercanos la película sea mucho más aplaudida que en las salas de multicines. Espero que le caigan más premios como el que he mencionado, lo cual suscite más curiosidad y lo cual llene más salas.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: La piedad. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Eduardo Casanova. Guion: Eduardo Casanova. Música: Pedro Onetto. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Reparto principal: Ángela Molina, Daniel Freire, Macarena Gómez, Ana Polvorosa, Antonio Durán, María León, Alberto Jo Lee, Manel Llunell, Meteora Fontana, Songa Park. Producción: Crudofilms, Gente Serie, Pokeepsie Films, Spal Films, Link-up. Distribución: Barton Films. Género: drama, terror. Web oficial: https://www.bartonfilms.com/la-piedad
No podemos empezar de otra manera la reseña de este día, debemos señalar con qué directores hemos estado. Nos hemos encontrado con Justin Benson y Aaron Moorhead con quienes hemos hablado de su nueva película titulada ‘Something In The Dirt’. Los directores de películas como ‘Resolution’, ‘El infinito’ o de series como ‘Archivo 81’ o ‘Caballero Luna’ nos han mostrado su cercanía, tan valorable como su talento. Ya os podemos adelantar que su última película está oficialmente incluida en su universo.
Posteriormente hemos acudido a la rueda de prensa ofrecida por uno de los directores más queridos por los espectadores del festival de Sitges. 2022 ha sido el año en el que por fin Quentin Dupieux ha llegado al festival. Y lo ha hecho presentando ‘Fumar produce tos’ e ‘Increíble pero cierto’, ambas con reseña en esta entrada y en la del día anterior. Ha sido elegido para recoger el Time Machine Award y lo hace sorprendido por el fenómeno de ‘Mandíbulas’ en España. “Nadie grita “Togo” en Francia”.
El encuentro ha sido toda una sucesión de risas por sus respuestas, tan cómicas como su cine. “Es difícil escribir el absurdo” declaró. Por otro lado nos contó como crea sus guiones: “Confío en mis ideas sin reflexionar. Las escribo y luego las pienso y elaboro, un poco” afirmó con una sonrisa picarona. En sus películas casi siempre incluye personajes recreados con marionetas. “Se me conocía por la promoción con Flat Eric. Siempre me gustó el ‘Muppet Show’, guarda mucha relación con mi infancia. Ruedo con marionetas porque es más básico, ves inmediatamente el resultado”.
Además se ha celebrado la alfombra roja de la segunda temporada de ‘Historias para no dormir con la presencia de Salvador Calvo, Nacho Vigalondo, Javier Gutiérrez, Petra Martínez, Aníbal Gómez, Carlos Areces, Roberto Álamo, Álvaro Morte, Marta Etura, Jaume Balagueró y por supuesto Alejandro Ibáñez. Ojo a nuestras reseñas de a continuación que hay grata sorpresa.
‘Incroyable mais vrai (Increíble pero cierto)’
Hemos visto la otra película que nos ha traído uno de los clásicos ya del Festival de Sitges, QuentinDupieux, ‘Incroyable mais vrai’ una cinta algo más “seria” de lo que nos tiene acostumbrados. En ella vemos como el paso del tiempo y el envejecer no nos afecta igual a todos y como mucha gente haría lo que fuese para que no pasase el tiempo por ellos, ya sea implantarse mecanismos electrónicos o bajar escaleras durante años. Como siempre tenemos pocos actores en escena, en este caso son cuatro protagonistas y con ellos vamos viviendo situaciones absurdas que vienen dadas por culpa de sus decisiones a no envejecer. Quizás no sea su mejor película, pero no quita a que sea divertida y que nos lo hayamos pasado muy bien.
Tiene una secuencia en la que no hay diálogos y solo vemos las vivencias de uno de los protagonistas con música de fondo y la verdad que me ha parecido una genialidad. Sé que Quentin Dupieux no es un director para todo el mundo, me encanta recomendarle porque realmente merece la pena acercarse a su cine, así que no dudéis en ver ésta o cualquiera de sus películas, aunque no os guste, sé que no os va a dejar indiferentes.
Salvador Calvo, el director de ‘Adú’, ha realizado el mejor cyberpunk que hasta ahora se ha hecho en España. Con ecos de ‘Altered Carbon’ y por supuesto de ‘Blade Runner’ ha materializado una historia que nos lleva a un futuro distópico, deshumanizado y cruel con los feos o ancianos. Los capítulos de ‘Historias para no dormir’ casi siempre tenían un trasfondo social o filosófico y en este caso nos habla de la superficialidad, del miedo a la muerte. Todo ello acompañado de un Madrid futurista, de la frialdad corporativa típica de estas historias y de un diseño de producción apabullante, parece el ‘Cyberpunk 2077’.
Nacho Vigalondo ha hecho una historia original que aun así nos ha recordado a ‘The nice house on the lake’, a elementos de los confinamientos de 2020, a su propia ‘Extraterrestre’ y a otro título que prefiero no desvelar, pues el final es más convencional que lo que he enumerado. Una rallada de historia edulcorada con su habitual sentido del humor y su particular gusto musical. Un episodio con sentido de la tensión y el misterio, como pide esta antología.
Cuando te dicen el día de antes que vas a ver la película más gore que se pone en el festival, sin duda te hace ir con unas expectativas muy altas, pero no. ‘Megalomaniac’ es extraña, con una atmósfera muy cuidada, con algo de violencia, pero gore nada. En la película nos vamos a una casa apartada del mundo en general donde viven dos hermanos. Él un asesino y ella una mujer que vive atormentada por algún tipo de enfermedad mental.
La película en si está basada en los Asesinatos de Mons, eso sí, muy vagamente, coge la idea de que el asesino deja a sus víctimas abandonadas descuartizadas en distintas bolsas de basura. Pero realmente nos cuenta el día a día de Martha en el que la vemos sufrir continuamente todo tipo de vejaciones. Técnicamente está muy bien, la fotografía es oscura y sucia mostrándonos el mundo en el que viven estos dos hermanos. La música es inquietante, además que es igual a la BSO de la serie ‘Dark’ y en si la dirección y las actuaciones muy bien. El problema viene que no cuenta en si nada, hay escenas bastante oníricas y que nos llevan a los mundos de las pesadillas, pero que no dicen nada. Así que pienso que es una historia bastante desaprovechada.
El director Mark Jenkin ha decidido rodar en 4:3 esta película que solo se me ocurre que se ha programado a las 8 de la mañana a modo de reto. Soporífera, insípida, pretenciosa… Mientras he intentado no caer dormido los párpados entrecerrándose convertían la imagen en panorámica. Es, literalmente, la vida de una señora en los años setenta en una isla desierta cuyo día a día consiste en tomarle la temperatura a unas florecillas, tirar una piedra a un pozo, encender un generador y ver como hierve el agua de la tetera. “Sin cambios, sin cambios, sin cambios” anota en su libreta. Ya podrían haberse dado cuenta los realizadores del filme de la exasperante monotonía de su obra.
Podrá ser un estudio contemplativo de la soledad o la pérdida y tener cierta técnica, intencionada y depurada. Pero posee tan poco nervio, tan pocos giros, tan poco interés, que incluso uno piensa que está hecha sin ganas. Recordáis esas patadas de Van Damme que se repetían una y otra vez, pues esto es lo mismo, salvo que lo que se repite es un paseo. Pajas mentales y experimentales.
El folk horror sigue sumando. Esta vez la propuesta nos llega desde Eslovaquia. Allí, a una aldea de montaña, regresa una joven buscando reconciliarse con su pasado, cerrar heridas y despejar algunas incógnitas que la carcomen. Arrastra un trauma que viene desde su infancia y que nos explican en una escueta y súbita escena inicial.
Pueblo pequeño, leyendas y brujería. El género fantástico está presente, pero tras él hay un trasunto más importante sobre la feminidad, la cerrazón de pueblo y las creencias ancestrales que aún hoy en día persisten y se enfrentan al escepticismo actual. Es estupenda la flagelación de la protagonista, no por morbosidad dramática, sino por los buenos paralelismos que establece además de la manera en cómo planta cara al status quo.
Se divide en varios capítulos, titulados como aquello a lo que se va a enfrentar la protagonista. ¿Es terror lo que sobrecoge a esta joven? En parte si, aunque quizá no es el horror convencional o el esperado. Es otro más rebuscado, diferente.
Blumhouse nos presenta a la directora Nikyatu Josu. Ella nos presenta a una empleada residente nueva en un hogar en el que debe cuidar a una niña. Una criatura que crece sin padres ya que su madre está enganchada al trabajo y su padre es un mujeriego.
En tres cuartos de hora solo hay una mención a Mami Wata (una divinidad del agua del vudú) y una especie de impulso o atracción hacia la llamada de África. Podríamos pensar que realmente el terror estaba en ese continente, que se han confundido de lugar y época. A la hora sucede algo más fantasioso pero la cosa no se desata, tiene algún tímido gesto que ni siquiera que se puede llamar sobrenatural. El guión presta más atención a la situación sentimental de los personajes y a una tensión ligeramente creciente. Todo para realizar una crítica hacia el estilo de vida occidental y hablar de la maternidad. Es un drama con mensaje claro, pero sin casi nada que me haga pensar que debería estar en Sitges.
Una historia típica, llena de tópicos y que merece mucho la pena. Está claro que los coreanos logran hacer buen cine de acción y esto es lo que es ‘Emergency declaration’.
El detective de policía In-ho recibe un aviso sobre un hombre que amenaza con un ataque terrorista contra un avión. En él termina muriendo un hombre por razones misteriosas. Se declara la emergencia.
Como he dicho es típica, un virus, cuarentena, la gente se vuelve loca y todos ellos sacan lo mejor o peor que llevan dentro.
Pero como he dicho HanJae-rim logra una cinta llena de acción que pese a su duración, 147 minutos, no deja que te aburras en ningún momento. La acción está muy bien rodada y también ayuda a que el CGI está muy bien realizado.
Protagonizada por SongKang-ho, al que ya vimos en la tremenda ‘Parásitos’ y por LeeByung–hun, del que disfrutamos en el ‘Juego del calamar’.
‘Emergency declaration’ es una película muy disfrutable no apta para alguien que vaya a coger un avión en estos días.
Una torre de viviendas queda envuelta en una oscuridad absoluta, como si de un velo negro se tratase, los vecinos se ven encerrados para siempre tras esas paredes. A partir de ese momento, comienzan a actuar rápido, racionar comida, bebida y organizarse en bandas. Al principio es bastante interesante, pero el gran problema que tiene ‘La tour’, es que llega un momento que no te importa nada de lo que te están contando, porque no coges cariño a ninguno de los vecinos y además ellos mismos pierden las ganas de saber qué es lo que realmente ha ocurrido en su edificio.
Las actuaciones y ambientación están muy trabajadas. La dirección la verdad que está muy bien, al final está todo el rato en un edificio, subiendo y bajando escaleras y entrando y saliendo de los diferentes pisos. Pero la verdad que pese a que no está mal, no la volvería a ver y tampoco la recomendaría.
Secuela de ‘Beomjoidosi’, que en España se estrenó como ‘The outlaws’ y fue dirigida por Yoon-Seong Kang. Sang-yong Lee, el director ‘El bueno, el malo y el raro’ donde ya trabajó Ma Dong-seok, coge el testigo. Al protagonista, a quien el público general conocerá por su papel en ‘Eternals’ y el más acostumbrado al fantástico descubrió con películas como ‘Train to Busan’, le recae de nuevo la tarea de acabar con la peor calaña del país.
La estrella del cine de acción coreano vuelve a abrirse paso repartiendo mamporros a mano abierta como policía en un mundo lleno de maleantes y mafiosos, esa vez además en un territorio que no es el suyo. Si en España nos quejamos de los destrozos de los turistas en Corea u otros países asiáticos sufren la visita de prófugos que buscan cobijo y continuar con sus actividades ilegales. A eso se enfrenta el brusco, carismático y simpaticón policía de Dong-seok en esta secuela que es aún más trepidante y efectiva que su predecesora. Quien iba a decir que las estrellas del género de acción de Hollywood encontrarían aquí un digno sucesor/competidor.
La sorpresa del día ha sido toparnos con la que muchos están diciendo que es la mejor película de Sitges 2022. ‘Speak no Evil’, de Christian Tafdrup, está causando sensación y corre como la pólvora de boca en boca. Hemos podido ver tres películas muy esperadas, el remake de ‘One cut of the dead’, ‘Something in the dirt’ y una de las dos nuevas propuestas de Quentin Dupieux. Decepción máxima con la nueva obra de Darío Argento. Ahí van nueve reseñas más de títulos programados en esta 55 edición.
‘Speak no Evil’
Bastante perturbadora me ha parecido ‘Speak no Evil’ una cinta en donde conocemos a una familia danesa que decide ir a visitar a una familia holandesa que conocieron en unas recientes vacaciones. Pero el fin de semana que planteaban idílico se convierte en una pesadilla por las extrañas situaciones que comienzan a vivir.
La película la verdad que logra enganchar y entras en la historia desde el principio. Los cuatro actores protagonistas logran mantenerte en tensión. Está muy bien llevado todo, porque no entiendes bien lo que ocurre y la verdad que eso es algo muy bueno, pues el final es impactante.
Como muchas veces en este tipo de películas además de la dirección, llevada gracias a Christian Tafdrup, es muy importante el tema de la fotografía. En este caso los contrastes entre la luminosidad de cuando conocen a la familia holandesa y la oscuridad de cuando les conocen de verdad es tremenda. Me ha parecido un gran trabajo, sobre todo en sus momentos oscuros, en los que nos perdemos detalles por culpa de esto y logran mantenernos preocupados por los protagonistas.
Una pequeña sorpresa es ‘Speak no Evil’ y la verdad que una vez terminada me he puesto a investigar y aunque me ha encantado el desenlace, he leído que el director quería otro que la verdad hubiese sido muy bueno. Pero los medios y el dinero es lo que tiene y sinceramente, es un buen final.
Hemos tenido la oportunidad de ver ‘Corten!’ la nueva cinta de MichelHazanavicius, que nos trae su versión de nuestra quería ‘One cut of the dead’. Un plano secuencia fallido se convierte en una película en la que vemos el trabajo y el amor hacia el cine. Eso es lo que Shinichirô Ueda quiso darnos con su proyecto de fin de carrera. Hazanavicius, nos muestra un lado un poco más frío con el tema de producción que hay detrás de la película. Distinta, pero aun así tiene el mismo espíritu que su predecesora.
Protagonizada por RomainDuris y BéréniceBejo, la película nos muestra cómo se pueden torcer las cosas en un día de rodaje con la presión de los productores y más haciendo una película con plano secuencia. La rapidez con la que tienen que improvisar para que este plano secuencia no se estropee y que bien. Nos deja ver el trabajo en equipo que tienen que hacer para lograr una película.
Al igual que ‘One cut of the dead’ me pareció muy japonesa, ‘Corten!’ es cine muy francés. Logran alargar una historia que no es necesario alargar, pero no molesta, simplemente es diferente.
Quizá es la mayor comida de coco y la película más críptica de Justin Benson y AaronMoorhead. Es un galimatías complejo rodado con medios muy sencillos y diría que casi escasos, quizá fruto de ese árbol de películas que se formó con los confinamientos del COVID-19. Mezclando matemáticas o física con teorías conspiranoicos o fanatismos generan una historia entre dos vecinos que interpretan ellos mismos y que acaba de un modo quizá excesivamente abierto a la interpretación o sin haber hilado suficientemente las pistas.
El filme suma constantemente divagaciones y elementos como las líneas ley, las cuatro fuerzas fundamentales de la física, espirales de Fibonacci, masones, el MK Ultra, sectas de la antigua Grecia… Se conforma un puzle que yo solo he podido componer como una maquinación fanático-matemática. Está narrada en retrospectiva, navegando entre grabaciones, entrevistas y recuerdos, puede rememorar en determinados aspectos a ‘Archivo 81’, la serie de Netflix donde trabajaron ambos directores. Tal vez haga falta que salga una segunda para que cerremos el círculo o encontremos una explicación más minuciosa y detallada, al fin y al cabo hicieron lo mismo con ‘Resolution’ y ‘The endless’. Ojalá esta sea la puerta a un nuevo universo suyo.
Vuelve Quentin Dupieux al Festival de Sitges y lo hace por partida doble. Hoy hemos tenido la oportunidad de ver ‘Fumer fait tousser’, en castellano algo así como ‘Fumar produce tos’. Con su peculiar humor, Dupieux nos presenta a un equipo de superhéroes, La Patrulla Tabacalera, que se encargan de salvar al mundo gracias a las toxinas del tabaco. Pero tras una gran lucha contra una tortuga gigante, su jefe ve que tienen problemas entre ellos y les manda a un retiro para que estén más unidos.
Divertida, como siempre absurda y llena de historias locas que nos irán contando cada uno de los superhéroes. Un homenaje al cine sentai, en el que veremos kaijus, alienígenas que quieren destruir la tierra y una rata asquerosa que es la jefa de esta curiosa Patrulla Tabacalera. Como nos tiene acostumbrados los efectos son manuales, marionetas, disfraces, todo ello con el gusto del director. Pronto os hablaremos más detenidamente de la cinta con una crítica más extendida.
Las franquicias cinematográficas que más culto generan son las de ‘Star trek’ o ‘Star Wars’. A menos nivel, pero no por ello con menos peculiaridad, llegan los fans de ‘Mad Max’. El fandom por el mundo post-apocalíptico planteado por George Miller es analizado en este documental. Su violencia, su acción, el antiheroismo… Ha creado una cultura que va desde la moda hasta las predicciones de futuro más halagüeñas.
¿Sabías que sus adeptos se van a zonas desérticas para lucir ese look tan característico en festivales y convenciones? ¡Incluso modifican sus coches para que parezcan de las huestes de Immortan Joe! El documental empieza siguiendo los pasos de un miembro del reparto que a pesar de tener diagnosticada una enfermedad terminal, solo piensa en llegar a la celebración del 40 aniversario del estreno de esa película que ja creado toda una tribu urbana. A partir de ahí muestra el impacto de esta historia en distintas vidas, tanto de aquellos que rinden culto al cromo como la de los lugareños.
Por supuesto el director de este filme procede de las tierras que vieron nacer la franquicia, Australia. Y también es importante señalar que su principal ocupación es la fotografía. No es de extrañar pues la puesta en escena y la estética de ‘Mad Max’ son icónicas, casi únicas. Lástima que el documental no tenga los derechos para mostrar imágenes de la película y establecer mejores ejemplos y menos testimonios fan.
Dirigido por AlexandreO.Philippe, artífice, entre otros, del documental ‘78/52’ sobre la famosa escena de la ducha de ‘Psicosis’. Un director especialista en documentales sobre cine y que nos sorprende con la comparativa de la obra de DavidLynch y la película ‘El Mago de Oz’.
Admito no haber visto nada de Lynch, salvo ‘Dune’ y me ha sorprendido muchísimo todo lo que ‘El Mago de Oz’ sale reflejado en sus películas. Los zapatos rojos, las grandes cortinas y el viento. A través de varios capítulos vamos escuchando a difernetes artistas comentando las distintas secuencias y comparándolas con la película de JudyGarland. JustinBenson, AaronMoorhead, KarynKusama, RodneyAscher, AmyNicholson y JohnWaters, son los encargados de dar voz narrativa a este documental. Me ha gustado mucho como está tratado el documental, con infinidad de material de David Lynch, no solo sus películas, sino cortos, entrevistas e incluso sus propias divagaciones en radio.
En esta película austriaca descubrimos la truculenta situación que vive Simi. En plena adolescencia se haya carcomida por su estado físico, en concreto por su peso. Las fechas no acompañan pues es pascua, época de comer torrijas. Sin embargo la tía de Simi, ex-mujer de su tío por parte de madre, tiene un plan bastante retorcido para ella. Mientras prepara suculentos platos para su primo le impone una dieta a base de ayuno.
Esta ópera prima da auténtica hambre. Se suceden los platos y el sonido de las tripas, las de la protagonista y las de los espectadores. Supone una auténtica tortura culinaria, se te hace la boca agua viendo esta película. Es menos tortura cinematográfica de la que esperaba pues la parsimonia y poca sangre de estos europeos auguraban un filme espeso. No obstante se agradece que desde el principio se masque algo extraño, malsano y retorcido. Eso sí, el final es cierto que te lo ves venir.
Volamos al espacio de la mano de la directora novel Magdalen Lauritsch. Estamos ante su ópera prima, después de varios cortos. ‘Rubikon’ nos presenta a una tripulación que tras ver como una nube tóxica llega a la Tierra, entran en el gran debate de si intentar salvar a los posibles supervivientes o rehacer su vida en el espacio.
Aunque no cuenta nada nuevo, ‘Rubikon’ nos da una gran puesta en escena. Con un CGI muy trabajado y con un vestuario de 10. Todo el tema técnico en la película la verdad que es fantástico, se ve que el presupuesto ha sido alto y que el equipo ha trabajado con ganas.
Donde falla es en la historia, no porque ya lo hayamos visto, eso no me importa, al principio engancha y la verdad que está muy bien contada. Pero sí que es cierto que llegados a la mitad de la película ya no está todo contado y no hacen más que darle vueltas a la misma idea, volvemos a la Tierra o no.
Los tres actores protagonistas logran una química muy buena, para las situaciones buenas y malas que ocurren. Y la directora hace un trabajo estupendo para ser su primer largo. Lo dicho, la única pega, las vueltas que se dan para llegar al desenlace final.
Dario Argento regresa a la dirección tras ‘Drácula 3D’ y después de verle en su debut como actor protagonista este año en ‘Vortex’. Vuelve con una película escrita junto a Franco Ferrini que estaba guardado en un cajón desde 2002 tras que la productora Cecchi Gori se declarase en bancarrota.
He de reconocer que la película me ha decepcionado muchísimo, pero antes de entrar en detalles, la película nos cuenta la historia de Diana, una prostituta que queda cegada por culpa de un asesino en serie, el cual falla en su cometido. Tras esto, comienza la huida de nuestra protagonista junto a un niño.
‘Dark Glasses’ no tiene intriga ninguna, desde el principio ves el percal y tampoco hacen mucho para que la película te intente enganchar. Hay escenas que realmente son de risa y se nota que es un trabajo bastante dejado. Con lo que cuida el color y la música Argento en sus anteriores cintas, en esta no se ve nada de eso. Es muy plana y realmente la música en momentos llega a molestar.
En cuanto a las actuaciones, son bastante exageradas y torpes. La verdad que es una pena porque, aunque no esperaba un peliculón, sí que quería ver algo distinto y bien realizado.
Obnubilados por el talento de Edgar Wright y de Paul Urkijo Alijo
El día de hoy ha estado marcado por producciones que os van a gustar mucho. Guardad estos nombres pues vais a querer ver las locuras de ‘Pobre diablo’, las reflexiones de ‘After yang’, la crudeza de ‘Cerdita’, la fidelidad de ‘¡García!’, el monstruo de ‘Ego’, lo adorables y cabroncetes que son los ositos de ‘Unicorn wars’… Pero sobre todo guardar el nombre de Paul Urkijo Alijo pues el autor que ya nos deslumbró en la 50 edición de Sitges y volvió el año pasado con el corto ‘Dar dar’ nos ha dejado alucinados con ‘Irati’.
Y si nos ha encantado el re-encuentro con el director vasco aún más obnubilados hemos salido de la charla con Edgar Wright. El director británico es uno de los premiados en esta edición y hemos podido asistir a un encuentro con él donde nos ha hablado de cuáles son sus influencias, cómo cree que está influyendo él, si desea hacer una cuarta entrega de la trilogía del corneto (que va a ser que no)… Incluso nos ha confesado tener un poster español de ‘Shaun of the dead’ en su casa pues le hace gracia que la llamasen ‘Zombies party’.
No olvidemos tampoco a la savia tradicional. Darío Argento ha vuelto a la ciudad catalana y en rueda de prensa ha dicho que “El cine de terror es como el mar. Sube y baja. Es como un movimiento que cambia en función del espíritu del mundo. En este momento me interesa el cine que viene de Oriente, de Corea, de Japón… Yo siempre he seguido mi estilo, y creo que, de este modo, también he inspirado a otros directores a la hora de hacer cine”. Asimismo, ha lamentado la decadencia del género fantástico en Italia a lo largo de los últimos años: “En Italia en este momento es importante la comedia. Todo el mundo hace películas cómicas. Quizás sea porque las películas fantásticas son muy costosas, y en cambio la comedia es simple. El cine fantástico en Italia está prácticamente muerto”.
Como todos los años, a continuación, va nuestra tanda de reseñas con lo proyectado o visto hoy.
‘Irati’
Paul Urkijo lanza su segunda película y con ella su segunda invitación a descubrir la magia del folklore vasco. Nos hace retroceder aún más en el tiempo y nos lleva al 788 D.C. Allí nos narra la historia de Enko e Irati, dos jóvenes que se reencuentran tiempo después, tras un evento la mar de drástico que descubriréis en el primer acto y que tiene un giro magnífico.
Brujas, lamias, caballeros, niños y diversos seres de la mitología de Euskadi como el Sugaar o la diosa Mari forman parte de esta arraigada historia. Esas criaturas se enfrentan al cristianismo como buenamente pueden. Es ahí donde encontramos el símil con las leyendas artúricas, siempre ligadas a la llegada de la palabra de los creyentes en Jesús, María y demás. La épica, la odisea, la idiosincrasia, pueden recordar a otras historias, como ‘El anillo de los nibelungos’, pero está claro que ‘Irati’ tiene su propia personalidad. La historia del bosque más grande de Navarra está contada con perspectiva ecologista y posee una potencia visual muy evocadora que ya se alza como particular de este director.
Hay algo más que resaltar en ‘Irati’, la documentación, no solo en cuanto a vestuario o localizaciones, sobre todo en cuanto a la mitología y al euskera de la época. Clama por amar las historias de fantasía, pero sobre todo por no olvidar a aquellos que quedan tapados por las nuevas o grandes corrientes. Por desgracia a veces hay que meter a nuestra madre Tierra en ese saco. Desde luego con el trabajo de Urkijo se va a difundir todo como la pólvora.
HBO acoge muchas series de Adult Swim y ‘Pobre diablo’ podría estar también dentro de ese catálogo. Los cómicos transgresores y albaceteños de ‘Muchachada Nui’, ‘Museo Coconut’ y previamente, ‘La Hora Chanante’, son los responsables de esta serie animada que tiene capítulos de veinte o treinta minutos. Una apuesta más extensa que otras animaciones suyas como ‘Los Klamstein’, ‘Maricón y tontico’ o ‘Enjuto Mojamuto’ que al fin y al cabo eran más sketches que una serie regular.
Si os gustan las series dinámicas e idas de la olla como ‘Rick y Morty’ os debéis apuntar a esta. ¿Qué pasó con el hijo del diablo nacido en ‘La semilla del diablo’? Eso nos proponen descubrir localizando la serie en el mítico edificio Dakota de Nueva York, situado junto a Central Park, lugar donde pernoctaba Little Nicky. Al igual que la película de Adam Sandler la serie ridiculiza todo lo infernal y nos invita a conocer a un torpe anticristo que llega a la gran manzana. En resumidas cuentas esta es una serie hecha por fans de la cultura humorística popular, ideal para echarse unas grandes carcajadas e ir identificando los guiños que dispone.
Los ideadores y las voces de los personajes vienen aportadas por Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla o Carlos Areces. Satán viene adornado con acento canario ya que le dobla un habitual colaborador y amigo como Ignatuis Farray, ya sabéis, “hijo de puta, hay que decirlo más”, o Javier Botet (que ha trabajado con ellos en ‘Capítulo 0’, por ejemplo). Son muchos los personajes de los que se compone ‘Pobre Diablo’ y también trabajan aquí Stéphanie Magnin, Gakian, Iria del Río… Además de comediantes como David Pareja o Borja Sumozas. El primer episodio está dedicado a la memora de Verónica Forqué, puso voz a Rose, la madre de la criatura demoníaca.
Alberto Vázquez, ganador del Goya por ‘Psiconautas, los niños olvidados’, cinta que puede verse en la web de RTVE play, vuelve con un largo de animación que está a la misma altura. No obstante los que quedaron encandilados con esa obra pueden quedar decepcionados porque ahora nos encontramos ante algo más acorde para fans los productos de Adult Swim. “¡Honor, dolor y mimos!” gritan en el campamento corazón.
Este largometraje surge del corto ‘Sangre de unicornio’, disponible en el canal de Youtube de UniKo. Se mantiene el tono satánico-adorable y se conservan esos momentos malrolleros, mucha mala baba e incluso un toque bíblico y de ‘La chaqueta metálica’ mezclada con ‘El Escuadrón Suicida’. Una guerra sin cuartel se libra entre ositos achuchables y unos unicornios. Los primeros son los seres más avanzados de la creación y los segundos habitan el bosque mágico.
Por supuesto hay que leer entrelíneas mientras vemos ‘Unicorn wars’. Es una historia sobre la fraternidad, en los códigos de Caín y Abel o de parábolas como la de “el hijo pródigo”. También abraza las consecuencias o el progreso de una civilización que se cimenta en las mentiras de la religión. Más cerca a nuestra actualidad está la identidad de un pueblo que se somete a las promesas del belicismo y los discursos de odio.
Los derroteros de la película son algo distintos a los del corto. Posee un final aún más simbólico, metafórico y pesimista. En cuanto al diseño hay más color. El estilo del corto ya era atractivo de por sí, eran dibujos casi únicamente en blanco y negro y como a acuarela, muy bonitos, contrastando con lo horripilante de sus escenas y trama. En esta ocasión el nivel de detalle se ha aumentado, tenemos muchos más personajes e incluso se percibe más profundidad o relieve. Igualmente se consigue ese zigzagueo entre lo mono y lo horripilante que funciona estupendamente.
A partir del exitoso cortometraje de 2018 Carlota Pereda ha desarrollado este largo. Al igual que Sorogoyen hizo con ‘Madre’ utiliza ese metraje estrenado (precedido de un pequeño prólogo que presenta a más personajes) para alargar la narración. Pero al contrario que Sorogoyen, Pereda si aprovecha esta oportunidad y quizá no merezca también el Goya pero que desde luego nos da una propuesta entretenida y poseedora de un valioso mensaje.
Podríamos denominar a esta película como slasher rural. Se combinan los elementos del cine de asesinos en serie con las características de la España vaciada, la España de las desapariciones de muchachas y la que da pie a sucesos como el de Puertohurraco. La histeria familiar y las habladurías de un pequeño pueblo del oeste español sirven de buena distracción para que pasen desapercibidas las entidades malvadas del filme. Una de ellas es la evidente presencia de un tipo amenazador. Y la otra, la más valorable, la figura del acoso, a menudo ignorada por la ceguera de los padres, por los miedos sociales o los silencios cómplices.
Se usa mucho ahora la expresión inglesa “instant karma” para referirse a la justicia violenta o fortuita. Con el merecido que le va cayendo a cada uno de los personajes nos cuestionarnos si somos buenas personas o si realmente debería pasar lo que vemos. Puede parecer que es la parte más cruda o agresiva del filme, pero si lo pensamos bien lo más inmaduro y agresivo sucede al principio de la película. La obra termina con una explosión de sangre pero nos hace volver sobre nuestras reflexiones y no se siente como algo tan gratuito como nos puede suceder con las películas de Voorhees, Myers y compañía. Desde luego tanto el corto como su ampliación ocuparán un buen lugar en el spanish horror.
‘Venus’ ha sido la encargada de inaugurar la 55º edición del Festival Internacional de cine Fantástico de Cataluña y aunque tengo muchos sentimientos encontrados con la película he de decir que me lo he pasado muy bien en el visionado.
Segundo proyecto de The Fear Collection, el sello cinematográfico español especializado en el género de terror y suspense, creado por SonyPicturesInternationalProductions y PokeepsieFilms, en asociación con PrimeVideo.
Lucía comete el grave error de robar a quien le da de comer, unos mafiosos que llevan un negocio de drogas en la discoteca en la que ella trabaja como bailarina. Decide huir tras ser herida, a la casa de su hermana a la que no ve desde hace muchos años.
Basada en un relato de Lovecraft vamos viendo como las cosas se le van complicando a nuestra protagonista de muchas maneras para terminar con un final os aseguro nada esperado.
La película es bastante chorra, tiene sus cosas buenas y malas a partes iguales. Entre las malas, al menos en mi opinión, que me gustaría ver más sangre, que se les fuese un poco más de las manos todo. Y de las partes buenas, he de decir, que estamos ante JaumeBalagueró como director, sus planos y giros de cámara están muy estudiados y bien hechos. Las actuaciones son correctas y realmente le dan viveza a la película.
Pronto os hablaré más detenidamente de ella en una crítica más extensa ya que ‘Venus’ llega a nuestras salas el próximo 2 de diciembre de 2022.
Hemos podido ver los dos primeros episodios de la serie que HBO Max estrena el 28 de octubre. No es la primera vez que el autor de cómics Santiago García ve adaptada una obra suya a formato de serie. Anteriormente se produjo ‘El vecino’ para Netflix y ahora hemos gozado de verdad con ‘¡García!’. Si queréis saber cómo es el cómic podéis leer nuestra reseña aquí. Es la historia de una becaria (Veki Velilla) que intenta conseguir destacar en el periódico donde. Su camino acaba dando con una base secreta bajo el Valle de los Caídos. Allí se topa con García (Francisco Ortiz), un agente que sale de una larga hibernación. Es un superhombre que llevaba dormido desde los primeros años del mandato de Franco. La serie plantea una “realidad alternativa”, muy entrecomillas.
Sin duda va a levantar algo de polémica, debate o ampollas. Desde la sátira que se hace de nuestra política hasta la presencia de El Valle de los Caídos, ‘¡García!’ ha llegado para incomodar. En resumen viene a mostrar cuánto tiemblan los partidos políticos tradicionales de nuestra democracia ante el auge de nuevas corrientes o formaciones. La serie mantiene esa línea.
Pero no os confundáis, al igual que el cómic este no es un relato meramente político. Tiene thriller pero también mucha acción. Acción bastante bien realizada, tanto en lo que se refiere a coreografías como en el aspecto de los efectos visuales. El símil más cercano en ese sentido son las películas de James Bond. El cómic rememoraba a esos tebeos sobre espías de los cuarenta o cincuenta, tipo ‘Spy smasher’, ‘Secren Agent X-9’ o incluso ‘El Capitán Trueno’ dada la relación entre García y su fiel ayudante. La serie sigue haciendo lo mismo que la publicación de Astiberri, nos da politiqueo pero también una gran dosis de persecuciones y peleas.
A24 de nuevo presente en el Festival de Sitges. En esta ocasión para contarnos la historia de Yang, la inteligencia artificial de una familia que se estropea. Este evento abre la puerta a un dilema sobre los sentimientos y dependencia de una máquina que podría extrapolarse a nuestras televisiones o smartphones.
‘Her’ o ‘Ex-machina’ son dos películas en la línea de este poético título protagonizado por ColinFarrell, JodieTurner-Smith, Malea Emma y Justin H. Min. Casi que nos podríamos hacer un ciclo temático con estas películas y acabaríamos prescindiendo de nuestras Siri y Alexa. Nos viene a decir lo perdidos que nos estamos quedando biológicamente, al borde del transhumanismo y sin capacidad de decisión. Por mucho que camuflemos nuestro entorno de elementos biológicos estamos en un mundo artificial, plastificado, como la exposición Bodies que aparece en una de las escenas.
Deprimente, por el carácter de sus personajes y por la perspectiva de futuro que nos plantea, que no es un futuro tan lejano. Solo hay que ver la primera secuencia, que hará las delicias de los zombies bailones de TikTok. Acierta con nuestro comportamiento y apego hacia lo material/digital e incluso acierta en como funciona la gestión de un aparato averiado. Falla con el ritmo tedioso y la profundidad del discurso.
Una gaviota muerde el pezón de un hombre atado a una cruz al borde de un acantilado de Sicilia mientras este intenta mantener una erección. Así empieza este ridículo y alocado filme que cierra la trilogía “Mole song”. Takashi Miike concluye así una nueva saga que va en la línea de chifladuras como su adaptación de ‘Jojo’s bizarre adventure’ o ‘First love’, vista también en Sitges. No tengo el dato pero no me cabe duda de que Miike es el autor que más mangas ha adaptado a la acción real, en este caso es uno creado por Noboru Takahashi.
Los japoneses suelen mostrarse muy polarizados en cuanto a la mafia. En ocasiones parecen incluso orgullosos de ella, como en las películas de Takeshi Kitano, y otras avergonzarse de ese pasado tan delictivo y extendido. En este caso estamos ante el segundo ejemplo. Llegando a límites tan cómicos como los de las películas de ‘Kung fu Sion’ o a personajes tan criminales o pintorescos como los que vemos en ‘Lupin III’, nos cuentan las aventuras de un topo que se infiltra en una organización que quiere distribuir droga entremezclada con espaguetis italianos. Lo dicho, una majadería.
Aunque decae en su mitad es divertida, no hace falta haberse visto las anteriores y tiene un final espectacular con ralla incluida y no es de cocaína.
Una joven adolescente, encuentra un huevo en medio del bosque y comienza a cuidarlo escondiéndolo de su desestructurada familia. Una madre influencer que quiere vivir a través de ella, un padre que ve todo bien y supuestamente es feliz y un hermano al que no soporta.
Una película de monstruos que, aunque bastante predecible, se deja ver y se disfruta. En momentos es bastante repugnante, tiene escenas que os recomiendo tener el estómago vacío si sois un poco aprensivos, pero no llegan a ser tantas como parecía.
Una de las cosas que me ha gustado y a la vez no de Hatching es el monstruo, me gusta, ya que está realizado a base de animatrónica. Me gusta que aun se utilicen estos métodos para darle un toque más vivo y terrorífico a estas criaturas. Pero el diseño del bichejo en sí, da entre pena y asco. Puede ser que eso es lo que intentaban representar, pero en mi caso no me ha convencido. Y lo dicho, que gracias a la animatrónica los movimientos terminan haciéndose más reales que si hubiese CGI.
En general la película como he dicho es bastante predecible, pero no quita a que sea un buen entretenimiento, con unas buenas actuaciones, una historia bastante perturbadora y dentro de tanta sangre, tenga unos decorados tan bonitos.
Hace tiempo que se rompieron los lazos históricos y políticos entre los afroamericanos y el continente africano. Pese a evidentes conexiones sanguíneas y sufrimientos segregacionistas la mayoría ni tiene familia allí, ni ha pisado nunca África, ni sabría ubicar un solo país del continente en el mapa. No obstante hay paralelismos entre la Norteamérica colonial y la Sudáfrica post-apartheid que siguen siendo igual de válidos para establecer un discurso universal.
En forma de thriller psicológico y de terror paranormal, con muchos símiles y algo de sarcasmo, la directora sudafricana Jenna Cato Bass nos narra una historia de racismo. En la remota Ciudad del Cabo se ambienta esta película que establece acertados símiles en cuanto a cuáles son los fantasmas y qué ruidos son germen de terror.
La mala elección de ciertos elementos y de una poco carismática y algo apática protagonista le resta mucho a una película que ya de por sí cuesta digerir al venir servida con los esquemas del cada vez más de moda terror de ritmos lentos y argumentos “intelectuales”, el manidamente llamado “elevated horror”.
Dirigida por Sadrac González-Perellón, nos trae la historia de Elisa, una joven con poderes que vive con su padre. Ambos perdieron a la persona que más querían, la madre de Elisa y ella solo quiere venganza. Dos familias se unen a través de la desgracia y sus caminos van juntándose poco a poco gracias a distintas casualidades.
La dirección de actores es bastante mala, ‘Asombrosa Elisa’ cuenta con un reparto tremendo y no lo aprovecha nada. Asier Etxeandía, Ivan Massagué y Silvia Abascal, van por la película como apagados. Que supongo que es lo que pretendía el director, pero la verdad que la película se hace lentísima.
Aunque ocurren distintas situaciones en la cinta, no vemos que avance nada y solo hay diálogos vacíos que tampoco cuentan nada interesante. Está claro que el cine de Sadrac no es para mí, me pasó algo por el estilo otra película suya, ‘Black hollow cage’ y sé que a mucha gente le entusiasmó.
Define y ofende nuestra actualidad sin necesidad de defender el pasado
No es la primera vez que el autor de cómics Santiago García ve adaptada una obra suya a formato de serie. Anteriormente se produjo ‘El vecino’ para Netflix y ahora hemos gozado de verdad con ‘¡García!’, la cual podréis ver a partir del 28 de octubre en HBO Max. La serie que protagonizó Quim Gutiérrez era algo más parecido a ‘Green Lantern’ o ‘Spider-Man’, esto se asemeja más a ‘Capitán América’ o ‘James Bond’. Si queréis saber cómo es el cómic podéis leer nuestra reseña aquí o podéis ver la serie de seis episodios (hemos podido ver dos) pues se asemeja bastante.
Eugenio Mira (‘Grand Piano’) ha dirigido los episodios adaptados por Sara Antuña (‘Luna, el misterio de Calenda’). Pensaba que no se atreverían a ceñirse a ciertas cosas del cómic y para mi grata sorpresa he visto que sí. Sin duda va a levantar algo de polémica, debate o ampollas. Desde la sátira que se hace de nuestra política hasta la presencia de El Valle de los Caídos, ‘¡García!’ ha llegado para incomodar. Además se le han incorporado aún más elementos actuales que en el cómic, que salió en 2015. Las mascarillas están presentes, pero más allá de ese detalle visual está la Foto de Colón o las ideas tan particulares de “libertad” que tienen algunas.
En ‘¡García!’ una periodista (Veki Velilla) intenta conseguir destacar en el periódico donde trabaja de becaria. Su camino acaba dando con una base secreta bajo el Valle de los Caídos. Allí se topa con García (Francisco Ortiz), un agente que sale de una larga hibernación. Es un superhombre que llevaba dormido desde los primeros años del mandato de Franco. La serie plantea una “realidad alternativa”, muy entrecomillas.
Más que mostrar o parodiar cómo es un facha de pura cepa lo que hacían los cómics dibujados por Luis Bustos, o lo que yo entendí de ellos, es que se pueden poner en relevancia las carencias o corruptelas de nuestra democracia poniéndolas desde un punto de vista de alguien que viene del pasado, un pasado que ya era retrógrado de por sí. En resumen viene a mostrar cuánto tiemblan los partidos políticos tradicionales de nuestra democracia ante el auge de nuevas corrientes o formaciones. La serie mantiene esa línea.
Pero no os confundáis, al igual que el cómic este no es un relato meramente político. Tiene thriller pero también mucha acción. Acción bastante bien realizada, tanto en lo que se refiere a coreografías como en el aspecto de los efectos visuales. El símil más cercano en ese sentido son las películas de James Bond. El cómic rememoraba a esos tebeos sobre espías de los cuarenta o cincuenta, tipo ‘Spy smasher’, ‘Secren Agent X-9’ o incluso ‘El Capitán Trueno’ dada la relación entre García y su fiel ayudante. La serie sigue haciendo lo mismo. Si en la publicación de Astiberri teníamos intercalados unos cómics de lo más vintage, lo que lo sustituye a esos flashbacks son escenas en blanco y negro, rodadas en lugares como la estación/museo de Chamartín o la rehabilitada Estación del Norte.
La factura es más propia de Netflix que de HBO. De todos modos hay que tener en cuenta que estamos hablando de una producción desarrollada en España y no falta talento, pero si presupuesto para llegar a los acabados de las míticas series de esta cadena (plataforma). Hay aspectos o detalles que pulir pero sin duda ‘¡García!’ se suma a la lista de series que elevan el nivel de lo que se hace en nuestra península.
El ejército osito adoctrina a jóvenes reclutas para la guerra que libran contra los unicornios y amenaza la seguridad del pueblo osito. Los hermanos Azulín y Gordi, junto a un inexperto grupo de reclutas, serán enviados a una peligrosa misión para salvar el Bosque Mágico. ¿Estarán los ositos preparados para ello?
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Crítica
Hilarante zigzagueo entre lo mono y lo horripilante
Alberto Vázquez es un director que ganó el Goya a mejor película con una buena película y no fue no por falta de competidores o por hacer lo de siempre, como viene pasando últimamente. Lo hizo con ‘Psiconautas, los niños olvidados’, cinta que puede verse en la web de RTVE play. Esta película está a la altura, no obstante los que quedaron encandilados con esa obra pueden quedar decepcionados porque ahora nos encontramos ante algo más acorde para fans de ‘Happy Tree Friends’ o ‘Rick y Morty’, la verdad es que podría ser un producto de Adult Swim. “¡Honor, dolor y mimos!” gritan en el campamento corazón.
Este largometraje surge del corto ‘Sangre de unicornio’, disponible en el canal de Youtube de UniKo. Ese tono satánico-adorable se mantiene en esta agradecidamente grosera película. También se conservan esos momentos malrolleros, mucha mala baba e incluso un toque bíblico y de ‘La chaqueta metálica’ mezclada con ‘El Escuadrón Suicida’. La historia nos muestra un ancestral odio entre unicornios y ositos amorosos. Se supone que los osos son las criaturas más adelantadas de la creación y están inmersos en una guerra casi segregacionista con los unicornios del bosque mágico. Un conflicto que se libra encarnizadamente y sin cuartel.
Por supuesto hay que leer entrelíneas mientras vemos ‘Unicorn wars’. Es una historia sobre la fraternidad, en los códigos de Caín y Abel o de parábolas como la de “el hijo pródigo”. También abraza las consecuencias o el progreso de una civilización que se cimenta en las mentiras de la religión. Más cerca a nuestra actualidad está la identidad de un pueblo que se somete a las promesas del belicismo y los discursos de odio.
Los derroteros de la película son algo distintos a los del corto. Posee un final aún más simbólico, metafórico y pesimista. Lo que yo extraigo tras una proyección de comedia y matanza es que surgimos de un fango creado mezclando barro y sangre, del dolor y la barbarie.
El diseño también ha cambiado. Hay más color, quizá también más inversión económica. El estilo del corto ya era atractivo de por sí, eran dibujos casi únicamente en blanco y negro, muy bonitos, contrastando con lo horripilante de sus escenas y trama. En esta ocasión el nivel de detalle se ha aumentado, tenemos muchos más personajes e incluso se percibe más profundidad o relieve. Igualmente se consigue ese zigzagueo entre lo mono y lo horripilante que funciona estupendamente.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de octubre de 2022. Título original: Unicorn Wars. Duración: 92 min. País: España, Francia. Dirección: Alberto Vázquez. Guion: Alberto Vázquez. Música: Joseba Beristain. Producción: Uniko, Abano Produción, Autour de Minuit. Distribución: Barton Films. Género: animación, terror, fantasía, comedia. Web oficial:https://www.bartonfilms.com/unicorn-wars
Imaginando una secuela de ‘Rosemary’s Baby’ al estilo de ‘Little Nicky’
HBO acoge muchas series de Adult Swim y ‘Pobre diablo’ podría estar también dentro de ese catálogo. Si, esta serie animada estará disponible en HBO Max pero por suerte podemos decir que la factura es española, que proviene de un grupo de humoristas que han creado escuela. Los cómicos transgresores y albaceteños de ‘Muchachada Nui’, ‘Museo Coconut’ y previamente, ‘La Hora Chanante’, son los responsables de esta serie animada que tiene capítulos de veinte o treinta minutos. Una apuesta más extensa que otras animaciones suyas como ‘Los Klamstein’, ‘Maricón y tontico’ o ‘Enjuto Mojamuto’ que al fin y al cabo eran más sketches que una serie regular.
He de reconocer que como otros muchos he hecho el tontaco entre amigos imitando las imitaciones vistas en los Celebrities (antes Testimonios) y esperaba con mucha expectativa esta serie. Me cuesta separar al fan que hay en mí a la hora de analizar la serie y por otro lado me es sumamente fácil caer en la dinámica humorística de estos artistas que en este caso más que nunca, no tienen pelos en la lengua. Si os gustan las series dinámicas e idas de la olla como ‘Rick y Morty’ os debéis apuntar a esta a partir del 17 de febrero.
¿Qué pasó con el hijo del diablo nacido en ‘La semilla del diablo’? Ahí está el primer spoiler si no habéis visto la película de Polanski. Eso nos proponen localizando la serie en el mítico edificio Dakota de Nueva York, situado junto a Central Park, lugar donde pernoctaba Little Nicky. Al igual que la película de Adam Sandler la serie ridiculiza todo lo infernal y nos invita a conocer a un torpe anticristo que llega a la gran manzana.
Los ideadores y las voces de los personajes vienen aportadas por Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla o Carlos Areces. Satán viene adornado con acento canario ya que le dobla un habitual colaborador y amigo como Ignatuis Farray, ya sabéis, “hijo de puta, hay que decirlo más”, o Javier Botet (que ha trabajado con ellos en ‘Capítulo 0’, por ejemplo). Son muchos los personajes de los que se compone ‘Pobre Diablo’ y también trabajan aquí Stéphanie Magnin, Gakian, Iria del Río… Además de comediantes como David Pareja o Borja Sumozas. El primer episodio está dedicado a la memora de Verónica Forqué, quien puso voz a Rose, la madre de la criatura demoníaca.
Los capítulos, dirigidos por Miguel Esteban (‘Nasdrovia’), suelen seguir dos o tres arcos argumentales distintos entre los que nos van haciendo saltar. Así el ritmo y las majaderías que nos plantean se suceden más rápido. El séptimo por ejemplo se vertebra solo en la historia de un personaje diferente y se centra en sus penurias, cuidado si tenéis mascota.
Han pasado los años, ya no se anima en flash, pero la estética es prácticamente igual que la que dio vida a Enjuto o los Klamstein, de hecho un personaje luce un pelo con la misma coloración que el famoso hikikomori. Rokyn Animation (‘Lady Reaper’) es quien se ha encargado de darle movimiento a los diseños de personaje de Joaquín Reyes.
El corporativismo malvado del mundo del entretenimiento, lo ridículo de ser un incels, la esclavitud a la tecnología… ‘Pobre diablo’ va haciendo sátira mientras se suceden los guiños a ‘Army of Darkness’, ‘The big bang theory’, ‘Star Wars’… y otros muchos títulos. El opening puede beber de ‘Los Simpsons’, por ejemplo. En resumidas cuentas esta es una serie hecha por fans de la cultura humorística popular, ideal para echarse unas grandes carcajadas.
Para Sara, el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pequeño pueblo. Pero todo terminará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras. Sara sabe más de lo que dice y tendrá que decidir entre hablar y rescatarlas, o no decir nada para proteger al extraño hombre que la ha salvado.
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Crítica
Este slasher rural nos mantiene en el #TeamPiggy
Uno de los cortos más comentados y exitosos de los últimos años es ‘Cerdita’. En 2018 Carlota Pereda sorprendió con una corta historia sobre el acoso y el karma y ahora ha tenido la oportunidad de desarrollarla. Y no la ha desaprovechado. Sorogoyen hace poco hizo lo mismo con ‘Madre’, su famoso y premiado corto. Generó un largometraje usando el corto como punto de partida y a partir de ahí desplegó una historia que fue decayendo poco a poco hasta ser del todo predecible y casi irrelevante. Pereda ha hecho algo similar pero manteniendo el objetivo de su historia original y alargándola de manera que quizá no merezca también el Goya pero que desde luego se hace entretenida y poseedora de un valioso mensaje.
El filme arranca con escenas nuevas, presentado a otros personajes, ampliando el escenario y sirviendo de prólogo para lo visto en el cortometraje. El espectador que no haya visto germen de esta película lo tiene ya incluido en el primer acto del filme. Tras eso comienza una película que podríamos llamar slasher rural. Se combinan los elementos del cine de asesinos en serie con las características de la España vaciada, la España de las desapariciones de muchachas y la que da pie a sucesos como el de Puertohurraco. La histeria familiar y las habladurías de un pequeño pueblo del oeste español sirven de buena distracción para que los villanos de esta historia hagan de las suyas.
Porque podemos distinguir varias entidades malvadas en ‘Cerdita’. Una de ellas es la evidente presencia de un tipo amenazador. Y la otra, la más valorable, la figura del acoso, a menudo ignorada por la ceguera de los padres, por los miedos sociales o los silencios cómplices. Llamarlo bullying si queréis usar un eufemismo anglosajón, yo prefiero decir acoso pues me suena tan alarmante e inapelable como las escenas de violencia física y psicológica que sufre la protagonista de la película.
El cortometraje ya nos planteaba en unos pocos minutos muchísimas cuestiones. Ahora se usa otra expresión inglesa para referirse a la justicia violenta o fortuita, “instant karma”, aquella expresión que acuñó Lennon. Con el merecido que le va cayendo a cada uno de los personajes nos cuestionarnos si somos buenas personas o si realmente debería pasar lo que vemos. Puede parecer que es la parte más cruda o agresiva del filme, pero si lo pensamos bien lo más inmaduro y agresivo sucede al principio de la película. La obra termina con una explosión de sangre pero nos hace volver sobre nuestras reflexiones y no se siente como algo tan gratuito como nos puede suceder con las películas de Voorhees, Myers y compañía.
Ya éramos del #TeamPiggy y lo seguimos siendo tras la expansión de su historia, sobre todo tras comprobar que el humor negro también acompaña a este verano extremeño. La zona de Gredos, en concreto la de Villanueva de la Vera sirve de escenario para una historia que por desgracia tiene bastante de real y que está bien narrada, sin lagrimeo y brindándonos algunos puntos de fuga. Pereda retrata en ‘Cerdita’ a una parte casi olvidada de España, compuesta por alcahuetas que pernoctan en sus puertas, negocios familiares, arquitectura de mampostería y madera y por supuesto vocablos como el “chacho”. Desde luego tanto el corto como su ampliación ocuparán un buen lugar en el spanish horror.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de octubre de 2022. Título original: Cerdita. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Carlota Pereda. Guion: Carlota Pereda. Música: Oliver Arson. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Laura Galán, Richard Holmes, Carmen Machi, Irene Ferreiro, Camille Aguilar, Claudia Salas, Pilar Castro, José Pastor, Fernando Delgado-Hierro, Julián Valcárcel. Producción: Morena Films, Backup Media, Cerdita, Comunidad de Madrid, Indéfilms, ICAA, La Banque Postale, Movistar Plus+, Triodos Bank, RTVE. Distribución: Filmax. Género: suspense, terror, drama. Web oficial:https://morenafilms.com/en/portfolio/cerdita/
Netflix estrena este 7 de octubre ‘El club de la medianoche’, la nueva serie de Leah Fong y Mike Flanagan (‘Misa de medianoche’, ‘La maldición de Hill House’, ‘Doctor sueño’). Durante el día inaugural del Festival de Sitges han sido proyectados los dos primeros episodios, nosotros hemos tenido la suerte de poder disfrutar de la serie al completo.
El título de la serie es ‘El club de la medianoche’ y sería fácil confundirse con la producción canadiense también llamada así y que fue lanzada en 1991. Esa obra cuyo título original era ‘Are You Afraid of the Dark?’ trataba también de unos jóvenes que se reunían para contarse historias. Pero realmente este nuevo estreno de Netflix surge de la novela juvenil que Christopher Pike publicó en el 94, quizá influenciado por la serie ya que hace lo mismo solo que con enfermos terminales.
Una casa sirve de residencia para un grupo de jóvenes que han recibido el nefasto diagnóstico de no tener curación. Los miembros del lugar se evaden de su fatal destino contándose historias por la noche y enfrentando juntos el terror de cada uno. Es como si se tratase de una obra de Albert Espinosa, pero sin esperanzas de sobrevivir y con terror. Este es un relato mucho más juvenil que ‘Doctor Sueño’ con reflexiones sobre lo superficial y lo fugaz.
La serie nos propone un drama de terror pero que también sirve de antología pues se nutre de historias independientes. Las narraciones de estos jóvenes pacientes sirven de tabú o eufemismo para enfrentar sus próximamente caducas vidas. Y es que hay otras cosas terminales que nos matan como los celos, las adicciones, los deseos de satisfacción, el saber que perderemos a nuestros seres queridos… Todo ello sale a la luz gracias a relatos sacados del libro de Pike y a otros creados para este propósito. Son diez episodios de casi una hora dotados de intriga por lo que sucede en la casa, de los cuales el máximo atractivo es recibir una pequeña dosis de sustos y descubrir nuevas minihistorias. Por desgracia el carácter de la serie la hace la más ordinaria de todas las que ha estrenado Flanagan, muy lejos del terror conseguido en ‘La maldición de Hill House’.
Flanagan suele tirar de habituales como Henry Thomas, Carla Gugino, Kate Siegel u Oliver Jackson-Cohen. Pero el protagonismo de esta serie recae en actores muy jóvenes ya que sigue la estela de series como ‘Pesadillas’. Los nombres a citar son los de Ruth Codd, AnnarahCymone, Sauriyan Sapkota, Adia, Aya Furukawa, Iman Benson, William Chris Sumpter e IgbyRigney. Algunos repiten, como Annarah Cymone, Samantha Sloyan o Zach Gilford que salían en ‘Misa de medianoche’. También está Robert Longstreet que ha salido en casi todas las obras anteriores del director y aparecerá en ‘La caída de la casa Usher’, como es el caso de Sauriyan Sapkota o Aya Furukawa. Como curiosidad, trabaja aquí Heather Langenkamp, quien se enfrentó a Freddy Krueger en la primera ‘Pesadilla en Elm Street’.
En ‘El club de medianoche’ perdura la obsesión de Flanagan por las casas de estilo victoriano. En este caso la tensión, los sustos y los sobresaltos tienen lugar en una que data de 1901. La residencia tiene su historia propia y además se parece mucho al edificio donde vive la familia de la adaptación del cómic ‘Locke & Key’, también de Netflix, es como si hubiesen reaprovechado la localización.
Para Becky y Hunter, la vida trata de superar tus miedos y empujar tus límites. Sin embargo, después de subir hasta la cima de una torre de comunicaciones abandonada, se encuentran atrapadas y sin forma de bajar. A 600 metros del suelo y totalmente alejadas de la civilización, las chicas pondrán a prueba sus habilidades de escaladoras expertas y lucharán desesperadamente por sobrevivir aunque lo tengan todo en contra. ¿Lo conseguirán?
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Crítica
En vez de bajarnos nos suben, pero el patrón es el mismo
Este no es nuestro primer encuentro con los productores de ‘Fall’. En vez de llevarnos muchos metros hacia abajo como hicieron en las dos anteriores películas que estrenaron (‘A 47 metros’, ‘A 47 metros 2’) ahora nos eleva a las alturas. Nos suben junto a dos jóvenes (Grace Caroline Currey y Virginia Gardner) a una torre de televisión, una columna de hierro que asciende a 610 metros de altura. Ciertamente esta es una descabellada idea, pero no olvidemos aquella moda que nació en Rusia llamada skywalking.
Estamos ante una secuela espiritual, como si fuese ‘A 47 metros 3’, pero como siempre pasa con las secuelas, intentando ir más allá. En las películas de Johannes Roberts teníamos al menos un elemento por el que movernos, ahora nos rodea prácticamente el vacío en este filme de Scott Mann. Primero nos llevan muy hacia abajo, ahora muy hacia arriba, si no tienen otras ideas van listos por que se les van a quedar escasas las tres dimensiones.
‘Fall’ parte de una escena tipo ‘Máximo riesgo (Cliffhanger)’ para desarrollar una historia de superación personal y de límites, los del miedo y los del postuero. El mérito o el éxito de estas películas reside en conseguir sacar más elementos que animen o hagan progresar la historia o ingeniárselas para que se sucedan los giros. ‘A 47 metros 2’ ya pecaba de repetirse y de resultar excesivamente forzada. En este caso hay que reconocer que consiguen incorporar suficientes componentes a la trama como para ganar continuidad y no perder interés.
Los paisajes que acompañan a estas escaladoras o aventureras están rodados de modo impactante. Por supuesto hay croma para recrear el escenario en el que sucede casi toda la película, pero está muy bien acabado. Si consigues meterte al 100% en la película seguro que sientes el vértigo o el mareo de las protagonistas. Si no has visto mucho cine de terror o aventuras en los últimos años quizá tengas la suerte de que te pille de primeras.
Jeffrey Dean Morgan (‘The walking dead’, ‘Watchmen’) figura en el reparto del filme como padre de una de las protagonistas. Se incorpora una cara famosa, como se hizo en las otras películas con Matthew Modine o las hijas de Stallone y Bassinger. ¡Es la misma mecánica! Son películas cortadas por un mismo patrón y ni siquiera se cortan en dar un espacio de tiempo entre ellas. Es lo que se puede llamar, hacer cine como churros.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de octubre de 2022. Título original: Fall. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Mann. Guion: Jonathan Frank, Scott Mann. Música: Tim Despic. Fotografía: Miguel De Olaso. Reparto principal: Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding, Jeffrey Dean Morgan. Producción: Tea Shop Productions, Capstone Studios. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantástico, suspense, aventura. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/fall
‘En los márgenes’ es una película sobre la familia, el amor y la solidaridad. La cuenta atrás de tres personajes con tres historias entrelazadas que tratan de mantenerse a flote y sobrevivir a 24 horas claves que pueden cambiar para siempre el curso de sus vidas. El film explora el efecto que una situación de estrés económico tiene sobre las relaciones personales y cómo el afecto y la solidaridad pueden ser un motor para saliradelante. Un emocionante viaje a contrarreloj en los márgenes de una gran ciudad.
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Crítica
La primera película dirigida por Juan Diego Botto es un pulgar hacia arriba
Juan Diego Botto, el actor argentino afincado en Madrid, ha elegido el cine social para estrenarse en el rol de director y guionista y consigue, muy efectivamente, contar una historia sobre las miserias de España, en concreto de Madrid. Zonas obreras y con frecuentes situaciones de vulnerabilidad como Plaza elíptica, Orcasitas… son aquellas que dan cobijo a los protagonistas de ‘En los márgenes’.
Junto a su pareja, la periodista Olga Rodríguez, contando con la producción de Penélope Cruz, han elaborado un filme sobre la pérdida, la miseria o la dedicación. Nos narran la historia de un abogado (Luis Tosar) volcado en una plataforma que atiende a ciudadanos indefensos ante las injusticias del sistema, la de un hombre de mediana edad (Font García) sin trabajo y con un cuadro de depresión, la de una madre (Adelfa Calvo) acongojada y pendiente de una llamada que nunca recibe, la de una mujer (Penélope Cruz) que desconsolada va a perder su vivienda… ‘En los márgenes’ es una historia que salta de un drama a otro, como se dice habitualmente, un cruce de vidas, pero no son vidas cruzadas, sino entremezcladas.
El protagonista principal, o hilo conductor, es el personaje de Tosar, acompañado de un Christian Checa que le da muy bien la réplica. Ya nos gustaría encontrarnos con personas como él en nuestra vida cuando pasamos auténticas dificultades. Es de esos ángeles de la guarda que se dejan su vida en pro de la de los demás. La dirección de Botto nos hace vivir acertadamente algo similar a un “training day” o “día de furia”. A matacaballos vamos recorriendo calles poco conocidas de la capital mientras se suceden los desatinos y la tensión va in crescendo. La urgencia de los protagonistas se convierte en toda una llamada para el espectador.
El entretenimiento está en la narrativa, el interés en lo que se cuenta. Más allá aún del tema de los desahucios, que parece que a algunos políticos les importa menos que el de los okupas, está el hecho de cómo miramos a otro lado. Nos creemos el centro del mundo pero nuestra vida, como decía antes, está entremezclada con la de personas que sufren miserias. Penurias como el perder una casa o un ser querido. Y todo esto por la burocracia, la corrupción, las triquiñuelas de los bancos o la incapacidad de las administraciones. Creemos que nuestra vida es prioritaria y no miramos a los márgenes, nos hacemos los locos y preferimos mirar nuestras apps, nuestras quinielas o nuestras series.
Mi sensación es que ‘En los márgenes’ nos intenta hacer ver dos cosas. Una, que sigue habiendo buena gente en el mundo que se implica de verdad en los problemas de aquellos que les piden auxilio. Dos, que hace falta torcer nuestro cuello para ver qué sucede a nuestro lado. Nos deja claro también que uno solo no puede arreglar las desgracias del mundo, pero también que la unión hace la fuerza. Si hay que poner una pega quizá sea que a mi gusto el final se desvía demasiado hacia un par de dramas de pareja y no tanto a cerrar la historia de los desalojos. No obstante, nos deja tan en vilo como deben vivir muchas familias y los cartelones de cierre nos devuelven al foco del filme mostrando unas cifras esperpénticas.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de octubre de 2022. Título original: En los márgenes. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Juan Diego Botto. Guion: Juan Diego Botto, Olga Rodríguez. Música: Eduardo Cruz. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Penélope Cruz, Luis Tosar, Adelfa Calvo, Christian Checa, Aixa Villagrán, Font García, Nur Levi, Javier Perdiguero, Fabrice Boutique, Irene Bueno Royo, Juan Diego Botto. Producción: Amazon Prime Video, Ayuntamiento de Madrid, BE TV, Crea SGR, Compaigne Cinématographique, Head Gear Films, ICAA, Morana Films, On the fridge, Panache Productions, Proximus, TeleMadrid, VOO, Vértice 360. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial:https://morenafilms.com/portfolio/en-los-margenes/?portfolioCats=79
Mikel, tras una ruptura amorosa y en el paro, está harto de su vida en el País Vasco. Necesita cambiar de aires, por lo que acepta la invitación de un pariente lejano, con el que sólo ha tenido contacto por redes sociales, para ir a Argentina a trabajar en la empresa que este está montando. Sin embargo, no tardará en darse cuenta de que su familiar no tiene nada que ofrecerle. Para su sorpresa, el pueblo está habitado principalmente por descendientes vascos que no han pisado la tierra de sus antepasados, pero viven sus tradiciones con pasión y de manera idealizada. Ni diez mil kilómetros lo han alejado de su casa.
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Crítica
Una comedia ligera ideal para empezar el otoño
Mikel (Joseba Usabiaga) es un joven que está en crisis, en paro y recién abandonado por su novia. En un instante de ‘El vasco’ suena el “Euritan dantzan” de Gatibu, bailando en la lluvia clama esa canción, cuando Mikel lo último que quiere es bailar. Despechado, de vuelta de todo y desencantado con Euskadi se va a Argentina con un familiar que reside allí desde que una parte de su familia emigrase, como tantos otros que tuvieron que irse tras la Guerra Civil. La sorpresa y gracia de este filme bautizado con el gentilicio de Mikel, ‘El vasco’, es que se topa en el país sudamericano con una colonia de vascos que tienen una visión muy particular de Euskadi, pues jamás lo han pisado. Es por ello que la presencia de Mikel les asombra y se convierte en una especie de ídolo o modelo al cual seguir, un vasco vasco.
Al leer la sinopsis de esta coproducción hispano-argentina lo primero que se nos puede venir a la cabeza es ‘Ocho apellidos vascos’. Efectivamente el humor basado en los regionalismos está omnipresente, aunque se desmontan infinidad de tópicos. No olvidemos que el protagonista huye renegando de su tierra y su pasado, esperando hacer tabula rasa. La situación es surrealista y enervante para este joven y ahí está parte de la gracia. También nos reímos a raíz del contraste de carácter pues tenemos a un chico bastante cerrado y sosainas rodeado de dicharacheros lugareños que esperan oír su euskera. La vis cómica de los protagonistas podría ser mejor pero realmente nos sacan más de una carcajada.
Además de Usabiaga en la película actúan intérpretes como la mexicano-argentina Inés Efron o el argentino Eduardo Blanco. El mayor sabor a Euskadi lo aporta Itziar Aizpuru quien vuelve a estar tan entrañable como en la trilogía del Baztán. Decía que ‘El vasco’ rompe más de un estereotipo pero lo que si se cumple, y sufre el joven bermeano, es lo liantes y parlanchines que son los argentinos. Se encuentra atrapado en un Euskadi de baratillo cuando lo que busca es olvidarse de su tierra, lograr eso entre unas embaucadores voces es imposible. Ellos se encargan de darle dolores de cabeza al pobre protagonista pero también de aportarnos un drama que consiste en el intento de alinearse a una identidad y sobre todo de mantener viva la memoria. El filme está equilibrado, nos da carcajada y nos intenta tocar la fibra. Se constituye al final como una comedia ligera que acompaña ahora que vuelven los tonos otoñales a teñir nuestras calles.
Cuando viajamos al extranjero nos damos cuenta, o valoramos mejor, lo que tenemos en casa, en especial nuestra gastronomía. Esa es en parte la idea de ‘El vasco’, contar la historia de alguien que desde la negatividad odia su tierra y desde lo lejos la medioañora. Jabi Elortegi también rompe ese estereotipo y aunque hace algo de manual también nos muestra una manera de enamorarse desde la distancia.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de octubre de 2022. Título original: El vasco. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Jabi Elortegi. Guion: Arantxa Cuesta, Xabi Zabaleta. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Jon Sangroniz. Reparto principal: Joseba Usabiaga, Itziar Aizpuru, Eduardo Blanco, Inés Efrón, Laura Oliva, Analía Juan, Hernan Sevilla. Producción: Pausoka Entertainment, Prisma Cine, Oeste Films, Film Andes S.A, ETB, INCAA. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.pausoka.eus/es/proyectos/el-vasco/
De la novela más vendida surge un misterio cautivador. ‘La Chica Salvaje’ cuenta la historia de Kya, una niña abandonada que se crio hasta la edad adulta en los peligrosos pantanos de Carolina del Norte. Durante años, los rumores de la «Chica del pantano» rondaron Barkley Cove, aislando a la astuta y resistente Kya de su comunidad. Atraída por dos jóvenes de la ciudad, Kya se abre a un mundo nuevo y sorprendente; pero cuando uno de ellos es encontrado muerto, la comunidad inmediatamente la señala como la principal sospechosa. A medida que se desarrolla el caso, el veredicto sobre lo que realmente sucedió se vuelve cada vez más confuso y amenaza con revelar los muchos secretos que yacen en el pantano.
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Crítica
Le sobra biografía y le falta juzgado
Una joven pierde de distintas maneras a todos los miembros de su familia. Como viven aislados en una pequeña casa en medio de una marisma permanece allí aprendiendo a ser autónoma y libre de cualquier tipo de convención social y lejos del radar de jurisdicción alguna. Pero su vida se cruza de nuevo con el mundo urbano cuando un joven muere en su área y es señalada como asesina.
Esta niña ha crecido al margen de la civilización y su educación dista mucho de la de los niños de ‘Captain fantastic’. Lejos de ser una especie de ‘Tarzan’ o de ‘Mowgli’ lo que particulariza a la chica salvaje de este relato es que vive como una ermitaña. Separada de la ciudad, pero acudiendo a ella para lo justo y necesario. Por lo tanto cualquier encuentro con ella supone una oportunidad de descubrimiento o un trabajo de conocimiento, pues es una desconocida para todos. La película adapta una novela de Delia Owens (la cual hace un cameo) y no sé si es igual que el filme, pero tanto para los personajes como para los espectadores supone un camino biográfico por la vida de esta chica.
Por lo tanto, de lo que también está lejos ‘La chica salvaje’ es de ser un thriller de investigación. Es una película que narra una vida entera, una vida en la que ha predominado el miedo o los sesgos. A raíz del asesinato parece que lo que más impera es la desconfianza de unos pueblerinos hacia alguien que vive aislado del mundo. Pero el resultado, tomemos nota de esto siempre, es que se juzgan a sí mismos al señalar a alguien basándose en prejuicios.
Como decía, esta no es una película policíaca. De hecho apenas es también judicial. Tenemos escenas en el juzgado intercaladas, mientras la protagonista, estupendamente bien interpretad por Daisy Edgar-Jones, va contando su vida. A priori está escrita así para establecer un (larguísimo) contexto al alegato de inocencia de la joven. Dos horas para lo que tiene que contar me parece excesivo, incluso habiendo apreciado las preciosas imágenes de los pantanos de Louisiana, que es donde se ha rodado el filme.
Hay misterio pero pocas sospechas o dudas razonables para el espectador, no es de esos filmes que hacen pensar o establecer teorías durante la marcha. ‘La chica salvaje’ parece más pensada para tocar nuestra sensibilidad. Puede resumirse como un amor a tres bandas en el que hay tres intervinientes: la joven, los chicos del pueblo y la ciénaga. Es una extensa y poco intensa historia de amor, miedo y supervivencia al margen.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de septiembre de 2022. Título original: Where the Crawdads Sing. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Olivia Newman. Guion: Lucy Alibar. Música: Mychael Danna. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Taylor John Smith, Harris Dickinson, Michale Hyatt, Sterling Macer Jr., David Strathairn. Producción: 3000 Pictures, Hello Sunshine. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, misterio. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/wherethecrawdadssing
Alice (Pugh) y Jack (Styles) tienen la suerte de vivir en la comunidad idealizada de Victoria, la ciudad experimental de la compañía que alberga a los hombres que trabajan para el proyecto de alto secreto Victoria y también a sus familias. La vida es perfecta y la compañía satisface todas las necesidades de los residentes. Pero empiezan a aparecer grietas en su idílica vida, sacando a la luz destellos de algo mucho más siniestro que acecha debajo de la atractiva fachada. Y es entonces cuando Alice no puede evitar preguntarse qué están haciendo exactamente en Victoria y por qué. ¿Qué precio tendrá que pagar Alice para sacar a la luz lo que está pasando en este paraíso?
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Crítica
Mucho mejor su discurso que su narrativa
Una aislada urbanización en unos idílicos años cincuenta es el escenario elegido para la historia de ‘No te preocupes, querida’. Un lugar y un ambiente que recuerda al ‘Suburbicon’ de George Clooney y que funciona similar al tinglado de Hank Scorpio, me pregunto si Olivia Wilde también ha querido parodiar de respagilón a Richard Branson.
Para nada. En lo que se centra ‘No te preocupes, querida’ es en la presión que ejerce la sociedad o la tradición falocentrista en la vida de las mujeres. Rutinas preestablecidas, cánones de belleza, sueños sesgados… el lavado de cerebro que sufren personas mujeres desde su más tierna edad hasta que se casan con el “capitán del instituto” o el “jefe de departamento” es lo que está omnipresente durante todo el filme. Sobre todo el discurso anti-machista que carga contra la priorización de los deseos o el control y sometimiento por parte del hombre. Lo hace de un modo que recuerda a ‘Las mujeres perfectas’, pero con drama y suspense, de hecho la película funciona como una revisión actualizada del texto de la novela de Ira Levin.
El planteamiento de Wilde es el de una hipótesis extrema y enfermiza, algo francamente plausible. “Un momento Doc ¿Qué nos ocurre en el futuro? ¿Nos volvemos gilipollas o algo parecido?” decía Marty McFly. Ciertamente parece pintar que estamos ante una realidad en la que o vivimos agilipollados o no hemos aprendido. Lo que parece querer decirnos la directora es que algunos ya son este tipo de personas pero no tienen medios para serlo aún más. Vais a ver comparada esta película con ‘Black Mirror’, pero hay un símil cinematográfico con una tetralogía mucho más acertado, sería un spoiler citarla.
Olivia Wilde señaló a ‘Origen’ y ‘El show de Truman’ como influencias para ‘No te preocupes, querida’. Relación con Nolan hay pues tanto Florence Pugh como Harry Styles tienen parte protagónica en filmes de Christopher Nolan (Pugh en ‘Oppenheimer’ y Styles en ‘Dunkerque’). Mucho me temo que tanta referencia hace que aunque el discurso del filme esté bien, sea válido o actual, la narrativa no nos coja por sorpresa, ni mucho menos el giro de guión que sucede a media hora del final.
Son dos horas en las que el poder del filme radica en el misterio o suspense y en destellos fugaces de buenas actuaciones. Wilde se ha esforzado en algo que suele ser efectivo, intentar plantear una problemática muy trillada pero desde un enfoque muy diferente. Eso hace que en buena parte de este filme podamos hablar de algo muy interesante, pero en su extensa duración tenemos un abuso de recursos. Nos sobran tantos flases de imágenes que llegan a ser casi subliminales y sonidos o música experimentales, por ejemplo. Hay veces que el terror roza los estilos de Ari Aster o Jordan Peele.
Una vez más, no esperaba menos en alguien tan activista como Olivia Wilde, se esgrime un arma potente destinada a romper estigmas, como el de las mujeres amas de casa que son vistas incluso como cáscaras de huevo vacías de cualquier tipo de contenido. También esa imagen errada del marido que se ve a si mismo como un mártir por ser el que día a día sale a trabajar para traer un sueldo a casa. Son lacras sociales que aún quedan por curar, se agradece el afán puesto para la película, pero falta una pizca más de originalidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de septiembre de 2022. Título original: Don’t Worry Darling. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Olivia Wilde. Guion: Katie Silberman, Carey Van Dyke, Shane Van Dyke. Música: John Powell. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Florence Pugh, Harry Styles, Olivia Wilde, Gemma Chan, Chris Pine, KiKi Layne, Nick Kroll, Douglas Smith, Kate Berlant, Asif Ali, Dita Von Teese, Timothy Simons, Sydney Chandler. Producción: New Line Cinema, Vertigo Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, suspense. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dont-worry-darling
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