La primera serie de acción real de la franquicia ‘Resident Evil’ consta de ocho episodios de menos de una hora (más los que vengan en futuras temporadas, si no la cancelan). Los podréis ver a partir del 14 de julio en Netflix. Sigue la dinámica de los ‘Resident Evil’ modernos e incorpora una nueva trama que se regodea más en los preludios. Podemos dividir esta serie en dos partes que describiré a continuación, una menos presente y bastante aceptable y la que domina la temporada haciendo bajar el nivel de esta “adaptación”. Por lo menos no es como ‘The walking dead’, que te puedes pasar todo un capítulo sin ver un zombie.
Por un lado la acción transcurre en 2036, 14 años después del estallido zombie a gran escala, tiempo después del de Raccoon city que sucedió en el 98. Pero también, y en su mayoría, nos cuentan lo que sucedió en 2022 en una inventada New Raccoon City, tres meses antes de la catástrofe mundial y justo después del desastre de Tijuana.
Cuatro son los nombres a destacar en esta historia, todos ellos interpretando a personajes con el mismo apellido, Wesker. Lance Reddick (‘John Wick’, ‘Fringe’) es Albert Wesker (con la consabida polémica por el cambio de raza). Las otras protagonistas, las hijas de Wesker, son encarnadas por las jóvenes Tamara Smart y Siena Agudong, junto con las actrices que las representan de mayores, como Ella Balinska (‘Los ángeles de Charlie’) quien fue atleta en su día y aquí nos aporta la mayor dosis de acción que han sido capaces de disponer.
Lo malo es que la mayoría de la trama adolescente sobra, yo calculo que el 70% del metraje. Quizá la explicación la encontremos en que esta ‘Resident Evil’ está creada por Andrew Dabb, el co-escritor de ‘Supernatural’ y esta también es una serie de fraternidad con padre complicado. El quinto episodio por ejemplo está acaparado totalmente por las dos hermanas cuando eran jóvenes y tiene momentos de vergüenza ajena. Y a partir de ahí la cosa decae más. Los mejores momentos son los que transcurren en 2036 ya que son los que tienen acción y monstruos clásicos de la saga, recordando a películas como ‘Wyrmwood: Apocalypse’. Ahí se desarrolla por ejemplo cómo funcionan los no-muertos (llamados ceros aquí) tras catorce años vagando y buscando carne humana, encontrando cada vez menos.
La trama transcurre en Nueva Raccoon City pero también en un Londres destruido y con zombies que por desgracia no recuerda a ‘28 días después’. La serie termina recordando más a ‘Rec 4’ que al exitazo de Danny Boyle con zombies (o infectados) que corren. Al igual que en muchas de las películas animadas la acción nos lleva lejos de Raccoon y eso permite distanciarse, ampliar el universo de ‘Resident Evil’ y oxigenar la historia fuera de las estrictas exigencias de lo que habría sido una adaptación de alguno de los clásicos. Pero como pasa con muchas de las historias de Netflix, la brújula se estropea y pierden de vista qué material tenían entre manos. La táctica es la de desarrollar una secuela independiente generando nuevas historias y nuevos personajes, seguramente con la pretensión de tener un efecto boomerang y que estos aparezcan en los juegos.
Aunque este sea un material casi carente del espíritu de los juegos de Capcom (menos aún que las películas de Anderson y Jovovich) seguimos teniendo elementos que nos recuerdan a la original, de manera episódica y casi ciñéndose a lo meramente conocido como huevos de pascua. Umbrella obviamente es una corporación farmacéutica que controla territorios enteros, ahora capitaneada por Evelyn Marcus (Paola Nuñez), hija de uno de sus fundadores, James Marcus. Aparecen los gusanos de ‘Resident Evil 3: Nemesis’ o de ‘Code Verónica’, los lickers, las arañas gigantes, el Chainsaw Majini del quinto juego, Lisa Trevor… Incluso se hace un guiño a las plantas verdes con las que nos curábamos en los juegos. Pero obviamente no es suficiente, por lo menos si no compartimos la visión de Dabb. Falta un guión a la altura y una ambientación más similar a los videojuegos, cosa que por lo menos si conseguía el último filme.
En ‘Pig’, Rob ha dejado su pasado atrás. Ahora vive en los salvajes bosques de Oregón, junto a un pequeño cerdo cazador de trufas. Juntos llevan una vida de lo más rutinaria y normal, salen al bosque, encuentran trufas y viven alejados del mundanal ruido en una pequeña cabaña. Sin embargo, un día Rob es atacado y cuando despierta se da cuenta de que se han llevado a su cerdo.
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Crítica
Ver a este Nicolas Cage tan tierno y contenido es tan fortuito y afortunado como encontrar una trufa por el bosque
Si recurro a vuestra memoria para que rescatéis mentalmente la trilogía tailandesa ‘Ong-Bak’ o las películas paralelas llamadas ‘Thai Dragon’ tendréis en mente el cariño que le tenían esos jóvenes protagonistas a su elefante o al Buda de su aldea. El argumento o punto de partida de esos repetitivos filmes de Tony Jaa es casi calcado al de ‘Pig’, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage. La inmensa diferencia reside en que aquí no tenemos acción, a si es que no esperéis una búsqueda tipo cruzada de Liam Neeson en ‘Venganza’, ni una parodia involuntaria como terminan siendo los filmes de este Coppola. Este es un sentido thriller con un objetivo bastante desmoralizador.
Nicolas Cage se convierte en un ermitaño que vive en el bosque junto a su cerdo trufero. Con una vida reducida al mínimo y sin complicaciones ambos cohabitan plácidamente una destartalada cabaña. Hasta que, como si hubiese entrado un zorro en un gallinero, el cerdo es secuestrado por la noche. La trama de ‘Pig’ consiste en mantener el suspense, en ir tirando del hilo para descubrir dos cosas. La primera una obvia, quién tiene al gorrino. La segunda es desentrañar la identidad y el pasado del protagonista.
En ‘Pig’ tenemos al Nicolas Cage más serio y contenido de los últimos años, más aún que en ‘Color out of space’, sobre todo porque no hay componente fantástico. Contenido en el sentido de que interpreta a un personaje solitario y silencioso, con un comportamiento taciturno y calmado. El hombre que tiene que esbozar deja poco margen para las extravagancias del actor, de hecho modula muy bien su voz. Además, vive en continua complicidad con su cerdo trufero, el cual, además de ser una herramienta de trabajo es una fiel compañía. Ahí entra en escena una ternura inusitada para el actor. A si es que ‘Pig’ es una película para entretenerse con Nicolas Cage pero de un modo muy distinto al que nos tiene acostumbrados.
El otro aliciente de esta película es el de tener un primer affaire con el director que prepara la tercera parte de la ya saga ‘Un lugar tranquilo’. Michael Sarnoski es el nombre a recordar para cuando hablemos del relevo de las películas del nuevo Sr. Fantástico, John Krasinski. El toque sucio, campestre, oscuro y deprimente que tiene ‘Pig’ podría encajar con esas películas post-apocalípticas. También lo silencioso que está Cage (algo que sin duda favorece su interpretación). Conseguir que el actor no use sus ademanes habituales me parece todo un logro en la dirección.
Por último, otro incentivo para ver este filme es la inclusión de Alex Wolff en el reparto como escudero de Cage, como su Sancho Panza. Es uno de los protagonistas de ‘Hereditary’ que además ha estado trabajando en buenos títulos desde la película de Ari Aster, como ‘Tiempo’ o ‘Jumanji: siguiente nivel’. El interés en ver cómo progresa en su carrera radica en que le veremos dentro de poco en la próxima película de Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’. Y promete tener papeles protagónicos importantes en un corto espacio de tiempo.
‘Pig’ es una triste historia enmarcada en una Norteamérica decadente. Cada capítulo lleva títulos de suculentos platos y cada episodio va aderezado con alguna escena de lo más deprimente. Es muy bueno el cara a cara que tiene Cage con el cocinero Derek interpretado por David Knell. En resumidas cuentas, este filme tiene una profunda reflexión y no es otra que todos elegimos vivir una realidad u otra, todo depende de qué pensamos que nos hará felices. Sobre todo nos habla de los falsos sueños que nos hacen vivir vidas falsas. Toda una sorpresa pues muy pocos esperarán algún tipo de argumento meditabundo en una película con Nicolas Cage.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de julio de 2022. Título original: Pig. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Vanessa Block, Michael Sarnoski. Música: Alexis Grapsas, Philip Klein. Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, Nina Belforte, Gretchen Corbett, Dalene Young, Julia Bray, Darius Pierce. Producción: Al-Film, Altitude Film, BlockBox Entertainment, Endeavor Content, Escape Artists, Hungry Bull Productions, Pulse Films, Saturn Films, Sweet Tomato Films, Valparaiso Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, suspense. Web oficial:https://neonrated.com/films/pig
Buscando una nueva casa de papel han conseguido un remake, del remake, del remake…
Esta nueva producción española llamada ‘La noche más larga’ se define como una miniserie, por tener solo seis episodios, pero no podemos considerarla como tal pues la trama no se cierra en esos seis capítulos. Es un duelo de bandos en una prisión que queda abierto para segunda temporada. Netflix lanzará esta primera temporada el 8 de julio y ni la plataforma ni los showrunners lo reconocerán nunca, pero este es un clarísimo caso de intentar crear un nuevo fenómeno como el de ‘La casa de papel’, pero les ha salido una versión estirada de ‘Asalto al distrito 13’.
‘Asalto al distrito 13′ es una película de 2005 que versionaba un filme de 1976 llamado ‘Asalto a la comisaría del distrito 13′, dirigido nada más y nada menos que por John Carpenter. Ese título a su vez provenía de un clásico de Hawks, ‘Río Bravo’ que el propio cineasta ya se encargó de repetir con algunos cambios en ‘El Dorado’. Los guisonistas Guionista Xosé Morais y Victoriano Sierra Ferreiro, autores de ‘Néboa’, calcan la fórmula y ya pueden innovar para la segunda parte, porque esta ni destaca entre tanto remake ni se ha distanciado lo suficiente con la obra de Álex Pina como para resultar fresca.
En ‘La noche más larga’ un asesino en serie famoso, perteneciente a una organización, no se resiste a su detención y va a la cárcel. El arresto de “El Caimán”, que así se llama, pone en jaque a ciertas personas y hace que se ejecute un plan. Comienza así un thriller que transcurre en una noche, la de Navidad. En medio de este conflicto está el director que estaba a punto de celebrar la nochebuena con sus hijos. Lo que parece iba a convertirse en una versión española de ‘Jungla de cristal’ sigue el mismísimo esquema de los remakes que he comentado. Si tenemos en cuenta que a lo ya contado le sumamos la típica tensión entre internos y funcionarios y además componentes externos interesados en el recién apresado vemos que esto es muy similar a la película de Jean-François Richet o Carpenter. Incluso mantiene el dilema para el protagonista que se ve dividido por una doble moral, por lo personal y lo profesional, por el valor de una vida u otra.
El director Oscar Pedraza (‘Sky rojo’, ‘Patria’) se mueve bien por los escenarios recreados para dar vida a la Prisión Psiquiátrica Monte Baruca. La historia refleja bien la presión del protagonista que tiene que dirigir un manicomio y además cuidar a sus hijos en Navidad durante de la vorágine que se genera. Esta es una situación de esas de planes rotos, de improvisaciones y de muchos intereses e interesados. Cuando mejor funciona la historia es cuando se mueve entre presos, guardias y demás personajes “secundarios”, irónicamente no es cuando se centra en los dos protagonistas interpretados por Alberto Ammann y Luis Callejo. No es por ellos, sino por que es mucho más interesantes el arco del resto de protagonistas. No obstante, cabe señalar que lo de Luis Callejo como villano sin escrúpulos es dar en la diana. Da el perfil de psicópata y sociópata de película frío y calculador. También es remarcable el papel de Daniel Albaladejo como Cherokee y el de Xabier Deive como uno de los guardias más veteranos de Baruca.
Lo que más me ha decepcionado no es ni su falta de originalidad ni su descarado intento por convertirse en fenómeno de masas. Es el hecho de que peque en no darse cuenta de que más es menos. Se introducen demasiados componentes, se intenta rizar el rizo y estirar el chicle. ‘La noche más larga’ está repleta de coincidencias convenientes que hacen que la trama se alargue con giros y más giros, de los ya clásicos detalles de diversidad e inclusión de Netflix, los típicos romances de las series españolas… No es una copia pues en vez de transcurrir en una comisaría se ubica en una prisión/manicomio o en vez de localizarse en nochevieja sucede en nochebuena. Sutiles cambios que, al menos para mí, no son suficientes.
Invierno de 1950. En la gélida región del lago Changjin de Corea del Norte, comienza una sangrienta batalla entre Estados Unidos y China. Pese a las condiciones climatológicas extremas, la falta de alimento y la gran diferencia de armamento, las tropas chinas avanzan con espíritu intrépido y voluntad de hierro en la que fue una de las batallas más violentas de la Guerra de Corea.
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Crítica
Un ‘Pearl Harbour’, ‘Enemigo a las puertas’ o ‘Bandera de nuestros padres’ made in China
Con ‘La batalla del lago Changjin’ estamos hablando de la que se considera una de las contiendas que definieron el desenlace de la Guerra de Corea. En 1950, cuando la guerra llevaba seis meses, en el embalse de Chosin se libró un enfrentamiento a bajas temperaturas que se prolongó durante diecisiete días. Aquello terminó con muchas bajas chinas y con los Estados Unidos y sus aliados de la ONU poniendo pies en polvorosa viendo su intento de reunificar Corea frustrado. A eso es a lo que los historiadores (occidentales) llamaron «el mayor movimiento de evacuación por mar de la historia militar de EE.UU.», como una especie de Dunkerque.
¿Es propaganda? Por supuesto. Esta película es todo un ensalzamiento de una nación, de hecho, ha formado parte de la celebración de los cien años del Partido Comunista de China. Pero llevamos tragando esto por parte de los yankees durante décadas, si ellos pueden… ahora les toca ser vistos como los villanos. No soy experto en la Guerra de Corea y tampoco había que ser experto en la de Vietnam o las Guerras Mundiales para darse cuenta de que lo que nos están narrando es la versión sesgada del país que protagoniza y produce la película. Salvo contadas excepciones casi nunca hay autocrítica en estos largometrajes. Y cualquiera se atreve en la China de las reprimendas a poner en entredicho este episodio histórico. Al margen de la intención propagandística y del lavado de cara está otra cuestión. Si hay un síntoma de que la China Comunista ya no es la China Comunista que promovió Mao es este. China está volcada en la comercialización y el hecho de que lance a nivel mundial este tipo de superproducciones, siguiendo el ejemplo de USA, supone una gota que cae en un vaso ya colmado. China es autoritaria, sí, pero de comunista ya tiene más bien poco.
¿Y se ve ese autoritarismo en el filme? Que va. Como decía no hay crítica en esta cinta, se ve clarísimamente que estamos viendo unos hechos reales maquillados. En la era de Internet y con la documentación que hay es difícil cambiar la imagen de lo que ha pasado en una guerra, que se lo digan a Putin con lo inútiles que son sus comunicados que quedan desmentidos en cuanto vemos lo que nos llega sobre Ucrania desde los smartphones de los que están a pie de campo. Pero también es cierto que hablamos de una batalla entre dos países muy cerrados al mundo, sobre todo en esa época.
‘La batalla del lago Changjin’ es la película china más taquillera de la historia con más 900 millones de dólares recaudados. También es la más cara, probablemente debido al número de extras y efectos especiales. Debe ser que los que aparecen en el filme no han decidido trabajar gratis, en plan todo por su patria. Así si debieron avanzar las victoriosas tropas Chinas que tal y como cuenta la historia, la que venden en el bando yankee, eran innumerables. Las bajas alcanzaron la friolera de 40.000 chinos frente a casi 10.500 aliados. Por muy épico que se pinte el aspaviento que se dio al bloque unionista, el sacrificio por saturación se antoja excesivo.
Es propaganda sí, pero, ¿qué tal como película? Pues de entrada dura 175 minutos, casi tres horas y encima cuenta ya con una secuela ‘Water Gate Bridge’. Claro, porque esto no fue una batalla, fue toda una campaña militar. Y como tal el despliegue de medios es tan apabullante que te dan ganas de ver los extras sobre el rodaje. Desde el acabado que dan las tarjetas gráficas chinas renderizando a tope efectos de postproducción, pasando por los tiros de cámara, la innumerable cantidad de extras y sus vestuarios… Recuerda (copiando incluso planos) a las producciones como ‘Los cañones de Navarone’ o ‘El puente sobre el rio Kwai’ (de hecho la secuela trata sobre un puente que es vital para la huida de los norteamericanos) pero con los medios de ahora. Hasta el cartel recuerda a los clásicos bélicos. Hay películas recientes, como ‘Midway’, que también tienen batallas aéreas y navales que podrían considerarse en la misma línea, de hecho, Emmerich sonó para dirigir ‘La batalla del lago Changjin’. Y como pasa con muchas películas del director que está empeñado en destruir el mundo, cansa lo alargada que está la acción.
Otro dato relevante y que no puedo dejar de señalar. Evidentemente para ponerle cara al ejército “invasor” hacían falta rostros occidentales. Todos los actores que interpretan soldados norteamericanos únicamente han rodado películas chinas en su carrera. Y otra curiosidad es que el filme tiene cinco directores, uno de los cuales es el artífice de la película sobre Mao y el establecimiento de la República Popular China. Me he acordado mucho de la ridiculización que se hacía con el personaje de Daniel Brühl en ‘Malditos bastardos’, intentando crear héroes para el pueblo.
En resumen. ‘La batalla del lago Changjin’ (la película) puede servir como síntoma de que China ha cedido a la filosofía capitalista siendo uno de los motores del consumismo, es irónico que al mismo tiempo pinten como villanos al máximo exponente del mercantilismo. O bien puede funcionar (el hecho histórico) como conveniente advertencia a la OTAN ahora que el país asiático está reafirmando su postura tras la Cumbre de Madrid. Si las películas sobre las grandes guerras servían para que Estados Unidos pusiese su miembro viril sobre la mesa ante sus derrotados, esta gran apuesta sirve para ver esos envites, recordando una dolorosa derrota más para occidente.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Chang jin hu. Duración: 175 min. País: China. Dirección: Chen Kaige, Dante Lam, Tsui Hark. Guion: Huang Jianxin, Xiaolong Lan. Música: Elliot Leung, Wang Zhiyi. Fotografía: Luo Pan, Peter Pau. Reparto principal: Wu Jing, Jackson Yee, Duan Yihong. Producción: Alibaba Pictures, August 1st Film Studio, Beijing Dengfeng International Culture Communications Company, Bona Film Group, China Film Group Corporation (CFGC), Huaxia Film Distribution, Shanghai Film Group. Distribución: A Contracorriente Films. Género: bélico, hechos reales. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-battle-at-lake-changjin
La película explora la vida y la música de Elvis Presley a través del prisma de su complicada relación con el coronel Tom Parker, su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia de los EEUU. Y en el centro de este periplo está Priscilla Presley una de las personas más importantes e influyentes en la vida de Elvis.
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Crítica
Luhrmann hace brillar a Elvis como nadie
Presentada en Cannes, esta semana llega a nuestras salas ‘Elvis’, la nueva cinta de Baz Luhrmann, especialista en musicales que nos regala la extraña relación entre Elvis Presley y su manager Coronel Tom Parker.
Durante sus 159 minutos Luhrmann nos cuenta desde el momento en el que Elvis es descubierto por su futuro manager y como éste le va engatusando para que trabaje para él. Vemos de donde le venían sus maravillosos movimientos y vemos todas sus referencias musicales.
Aunque musicalmente soy muy fan de Elvis, no tenía ni idea acerca de esta relación tan tóxica con su manager. Un hombre que no le dejaba volar como a el le hubiese gustado. Todo para lograr sacar todos los beneficios a su favor. El Coronel fue un chupasangres que no paró de quitarle el 50% de todas las ganancias a Elvis hasta mucho después de la muerte del artista.
‘Elvis’ me ha parecido una historia muy triste. Con sus luces, en las que vemos al joven convirtiéndose en la gran leyenda que es y por supuesto sus sombras, ese final que aunque se veía venir, no deja de ser una verdadera pena.
Con esta película conoceremos como la familia Presley vivían en un barrio de afroamericanos, como el artista aprendió todo lo que sabía de música de estos barrios llenos de ritmos de jazz y blues. Todo esto que le querían prohibir por el racismo que existía en el país.
La dirección de Luhrmann es tremenda, con sus movimientos locos de cámara, su historia contada a través de planos secuencias, cortes bruscos en el montaje por todos lados haciendo las escenas mucho más frenéticas. Dentro de todo este frenesí entran las cámaras lentas para detallarnos algún detalle al que quiere que prestemos atención. Una locura como siempre.
Y que decir del reparto. Austin Butler está tremendo. No se parece a Elvis, pero solo saber que el 70% de las canciones las canta el, como ha aprendido a moverse como Elvis, ya me merece mínimo una nominación a los Oscar. Y es que aunque físicamente no se parezca, en ningún momento dudas de que Elvis esté ahí. Como detalle, he leído en una entrevista que escribió a Rami Malek para que le aconsejase como copiar los movimientos de los conciertos como hizo el.
El gran villano de la película está interpretado por Tom Hanks. Parece que el Pingüino de Batman ha salido de los comics para terminar aquí. Y es que el Coronel tenía ese aspecto malévolo del personaje del cómic. Además de ser un estafador y un embaucador. Me parece tremendo el maquillaje de Tom Hanks, exagerado como le gusta a Luhrmann y además necesario, después de buscar imágenes reales, era bastante grotesco. E incluso con un maquillaje tan llamativo, Tom Hanks sigue interpretando de maravilla.
En el resto del reparto encontramos caras muy conocidas. Entre ellas la de Dacre Montgomery, Richard Roxburgh, David Wenham, Helen Thomson, Olivia DeJonge, Leon Ford o Kelvin Harrison Jr.
Una única pega que le pongo es que al menos en el pase de prensa, no nos subtitularon las canciones. Y sí, yo mas o menos al ser fan de su música muchas me las conozco. Pero merecería la pena el subtitulado porque cuando suena una canción tiene que ver con la historia que nos está contando. Aunque no sea un musical al uso, si que se usan sus propias canciones para explicarnos lo que estamos viendo.
Para ir cerrando la crítica de la cinta, comentar que al igual que se hizo con ‘Bohemian Rhapshody‘, vemos imágenes reales al final de la cinta, incluida la última canción que se le escuchó cantar en directo, Unchained Melody.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original:Duración:País: Estados Unidos. Dirección: Baz Luhrmann. Guión: Baz Luhrmann, Sam Bromell, Craig Pearce. Música: Elliott Wheeler. Fotografía: Mandy Walker. Reparto principal: Dacre Montgomey, Austin Butler, Luke Bracey, Tom Hanks, Olivia DeJonge, David Wenham, Richard Roxburgh, Natasha Bassett, Kodi Smit-McPhee. Producción: Bazmark Films, Roadshow Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: Drama, musical. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/elvis
Que maravilla volver a ‘The Umbrella Academy’ y que todo siga igual de loco
Comenzamos con las locuras desde el minuto uno de la temporada. Vemos como después de salvar el mundo en 1963 y supuestamente arreglar toda la línea temporal, nuestros peculiares héroes regresan a casa donde todo vuelve a ser normal. Pero, nada de esto es cierto. Se encuentran en una realidad bastante más complicada. Su casa no es su casa, sino que además de que su padre vuelve a estar vivo se encuentran con otra “familia” de superhéroes, la Academia Sparrow. Bastante diferentes a ellos y mucho más agresivos.
A partir de aquí, vamos conociendo a los diferentes componentes de la Academia Sparrow. Y aunque han sido criados por el mismo padre, son completamente distintos a nuestra querida familia Umbrella.
La tercera temporada de ‘The Umbrella Academy’ llega a nuestras casas el próximo miércoles 22 de junio en Netflix. La serie consta de 10 episodios, ‘Otrafamilia’, ‘Lamayorboladebramantedelmundo’, ‘Energíadesobra’, ‘Kugelblitz’, ‘La decisión másética’, ‘Marigold’, ‘Auf Wiedersehen’, ‘Unabodaenelfindelmundo’, ‘Sietecampanas’ y ‘Olvido’, de unos 50 a 40 minutos de duración.
Volvemos a reencontrarnos con personajes desaparecidos y se añaden nuevas caras para complicar un poco más la historia. Otros que cambian, pues tenemos algún episodio en el que nos cuentan el cambio de Vanya a Viktor.
Esta tercera temporada de ‘The Umbrella Academy’ no pierde su esencia. Buena música, historias enrevesadas y unos personajes cada vez más disfuncionales que hacen que nos quedemos siempre con ganas de más.
Me gusta mucho eso, ese carácter despreocupado ante un apocalipsis o luego que les entren las prisas por intentar arreglar todo. Esa manera que tiene cada uno de los personajes de afrontar los problemas, ya sea con alcohol, amor o traiciones.
El que Klaus haya sido uno de los personajes con más minutos de esta temporada también ha sido algo de mi agrado, me encanta RobertSheehan y su talante, que logra crear a un personaje tan tonto y adorable. Además, que tenemos un claro homenaje a su personaje de ‘Misfits’.
En el reparto volvemos a encontrarnos con ElliotPage, TomHopper, DavidCastañeda (‘Cuenta pendiente’) que tendrá un giro bastante grande en su vida, EmmyRaver–Lampman, AidanGallagher, JustinH. Min o RituArya. Y entre las nuevas caras tenemos a GenesisRodriguez, JakeEpstein, CazzieDavid, BritneOldford o JustinCornwell.
En la dirección de los JeremyWebb (‘Altered Carbon’), cuarto episodio por SylvainWhite (‘Fargo’) o PacoCabezas (‘Adios’)
Lo que no se si esta vez han tenido algo de menos presupuesto o si ha habido prisas a la hora de estrenar la tercera temporada de ‘The Umbrella Academy’. Pero me ha chocado bastante el tema del CGI, bastante flojo en general. Si que es cierto, que hay buenos efectos a la hora de realizar los poderes y sobre todo al final. Del cual evidentemente no voy a contar, pero hay algún que otro croma que es clamoroso.
Pero, que sea eso lo peor. Al final lo bueno que tiene ‘TheUmbrellaAcademy’ es su historia original, su puesta en escena y las locuras que nos ofrece esta familia tan desorganizada. Que como he dicho antes, nos deja con muchas ganas de más. ¿Termina ‘The Umbrella Academy’ con esta tercera temporada? De momento no tenemos noticias, pero si la siguen yo la acogeré con los brazos abiertos como siempre.
¿Conocéis la canción Loco Vox? Pues nada que ver con el partido político
Hombreras, faldas, abanicos gigantes… la imagen de los Loco mía es inolvidable, digna de haber salido en ‘El quinto elemento’, pero cayeron en el olvido, como tantos otros grupos que suenan en la radio durante una época sin parar. Yo era un preadolescente cuando tuvieron éxito, llegaron al número uno y súbitamente cayeron. No he tenido nunca curiosidad de saber qué había sido de ellos, pero lo que he descubierto con el documental que también podréis ver vosotros a partir del 22 de junio en Movistar Plus+ es mayúsculo, cargado de giros inimaginables, no le falta nada. Si hay una serie de la que es mejor que no te hagan spoilers, es esta.
Nuevo documental relacionado con la música española, con mucho más salseo, que el último estrenado por Movistar Plus+, ‘Raphaelismo’. En tres episodios dirigidos por Jorge Lapace, quien quizá os suene por ser el guionista de ‘100 días con la Tata’, nos hablan de aquel grupo que con descaro se coló en todas nuestras radios y televisores. Según ellos mismos afirman eran un grupo tan exitoso que de haber seguido hoy en día estarían en el top de la música mundial. Llegaron con una estética que rompía con lo que imperaba en España, conquistando sobre todo al público femenino. Les gustaba provocar, llamar la atención o ser el centro de atención como alguno de ellos reconoce. Con un toque muy kitsch crearon toda una tribu urbana, una marca, un modo de vida. Pero tras esa fachada habría muchos otros motivos velados y multitud de lances que os van a asombrar sin duda.
El productor de Alaska, Bosé, Carrá, Perales… José Luis Gil cogió a esos hombres de moda en Ibiza para convertirles una boy band. ‘Locomía’ es él contra Xavier Font, el cabeza del grupo que se refiere a sí mismo como patriarca, flautista de Hamelin, creador, conquistador de almas, “para celebritie yo”, “yo no me muero sin un Grammy”… Pero su propio hermano le define como “el Darth Vader de Loco mía”. Básicamente todo se resume en un duelo de prioridades, en el enfrentamiento entre un marketing totalmente desapegado de la calidad vocal o lo personal contra la libertad estética, conceptual e incluso sexual.
A través de estos capítulos les vemos como personas endiosasdas, quemadas, dolidas, arrepentidas… Pero en sus orígenes solo eran jóvenes con ganas de pasárselo bien y lucir una personalidad diferente y cohibida por las mentalidades tradicionales. Se juntaron por afinidad estética o sexual, pero cada uno descubrió con el tiempo que tenían ideas diferentes y la cosa acabó como el rosario de la aurora. Por la droga, por los conflictos amorosos, por la intervención de terceros, por las envidias, por la comercialización, debido a las limitaciones por contrato, a raíz de un rencor sin mesura… La historia es de telenovela, de esas de pasión y cuchilladas.
‘Locomía’ deja al margen los egos y la trayectoria artística, los éxitos musicales con Loco Vox o Loco mía… Eso es casi lo de menos en este documental. En el centro está la retrógrada mentalidad de España, la que existía fuera de las fronteras de la movida madrileña y que aún necesitaba una transición mayor que la de la democracia. La música sirvió una vez más como vehículo para ejercer de palanca de cambio y de apertura a una sociedad mínimamente progresista, que por fin podría sentirse Europea en casi todos los sentidos.
Todos tenemos en mente un grupo de cuatro integrantes pero por la formación llegaron a desfilar muchos nombres: Xavier Font, Manuel Arjona, Gard Passchier, Luis Font, Juan Antonio Fuentes, Francesc Picas, Carlos Armas o Santos Blanco López. Y eso sin contar al segundo Loco Mía. El grupo, perdón, los grupos desaparecieron y ya no los vemos en televisión ni sacan nuevos temas, eso sí, su web oficial con su tienda de merchandising sigue en activo. Parece que los Loco mía estarán algún día de nuevo en nuestras listas de Spotify, quien sabe cuáles serán sus caras.
Este verano llega a los cines el épico final de la era Jurassic al juntarse por primera vez dos generaciones. Chris Pratt y Bryce Dallas Howard se unen a la oscarizada Laura Dern, Jeff Goldblum y Sam Neill en ‘Jurassic World: Dominion’, una nueva, atrevida y asombrosa aventura que recorrerá todo el planeta.
Dirigida por Colin Trevorrow, el guionista de la saga de Jurassic World, esta nueva entrega transcurre cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar. Ahora, los dinosaurios conviven – y cazan – con los seres humanos en todo el mundo. Este frágil equilibrio cambiará el futuro y decidirá, de una vez por todas, si los seres humanos seguirán en la cúspide de los depredadores en un planeta que comparten con los animales más temibles de la creación.
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Crítica
Los nuevos dinosaurios vienen para comerse las salas de cine
Aunque ColinTrevorrow no nos trae nada nuevo ni sorprendente, si puedo decir, que el resultado final de ‘Jurassic World: Dominion’ me ha sido satisfactorio. Tiene sus peros, sin embargo, en tu totalidad termina funcionando.
Cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar, volvemos a reencontrarnos con los protagonistas de la saga de ‘JurassicWorld’ en un mundo en el que humanos y dinosaurios deben convivir.
Nuestros protagonistas, Owen y Claire están escondidos en una cabaña para poder proteger a Maisie. Pero como no todo es felicidad y menos en un mundo en el que hay dinosaurios, su paz es trastocada cuando se llevan a Maisie y a Beta, la hija de Blue.
A partir de aquí, con varias tramas que se van uniendo entre sí, volvemos a ver al Dr. Grant, a la Dr. Ellie Sattler, Ian Malcolm, el Dr. Henry Wu o incluso a Lewis Dodgson.
Está claro que esta película es un homenaje a los fans de ‘JurassicPark’, hay escenas clavadas a la primera película y detalles, como alguna muerte de algún personaje que es idéntica. Admito que no me molesta, pero tampoco lo necesitaba. Hablo como fan de la saga y sobre todo de la primera película que casi me sé de memoria.
Para mí ese es el gran pero de la película que en el fondo ha querido contentar a los fans sin complicarse, después de que ‘Jurassic World: El reino caído’ no gustase demasiado al fandom. Bueno y el otro de los peros que le encontré a la película fue el tema de levantar la mano para que los dinosaurios se calmen y no te coman, ya me parece demasiadas las veces que lo utilizan. Pero como he dicho, tiene sus cosas buenas.
‘Jurassic World: Dominion’ está dividida en dos partes, una hasta que llegan al recinto de BioSyn y la otra ya en el propio recinto. La primera parte está llena de acción muy bien rodada. Hay una persecución que creo que se puede ver en el tráiler, en la que Owen es acosado por unos Atrociraptor a la que no le ponen absolutamente nada de música y la verdad que impresiona escuchar el motor, las pisadas de los dinosaurios y las dentelladas mientras miles de trastos que hay en la calle caen a su alrededor.
Las escenas ya en el centro de BioSyn, nos descubren lugares pantanosos con dinosaurios bastante curiosos, entre ellos un Therizinosaurus cheloniformis que logrará crear una de las escenas más tenebrosas de la película. Pero aquí también encontraremos viejos amigos como los Dilophosaurus que no se lo van a poner fácil a nuestros protagonistas.
Una de las cosas que también me ha gustado bastante ha sido que se adentran con profundidad en el tema del ADN, si, tampoco es algo nuevo, pero creo que a Michael Crichton le hubiese gustado mucho hacia donde llevan este aspecto. No voy a contar demasiado, pues he visto que justo lo que pasa no aparece en el tráiler, pero es obvio que jugar con el ADN nunca les sale bien.
Antes de terminar comentar el CGI de la cinta, donde volvemos a tener animatrónica y CGI unido algo que se agradece bastante a la hora del visionado. Parece todo más real y no como en las anteriores cintas. Han realizado un gran trabajo dada la complejidad de alguno de los nuevos dinosaurios que han introducido en la cinta.
‘Jurassic World: Dominion’ finaliza una saga con la que muchos hemos crecido y a la cual hemos adorado desde el principio, lo hace de la mejor manera, con todos sus protagonistas y nuevos dinosaurios para dejarnos por otro lado con la boca abierta.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: Jurassic World: Dominion. Duración: 146 min. País: EE. UU. Dirección: Colin Trevorrow. Guion: Emily Carmichael, Derek Connolly, Colin Trevorrow. Música: Michael Giacchino. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Chris Pratt, Laura Dern, Jeff Goldblum, Sam Neill, Bryce Dallas Howard, Omar Sy, Campbell Scott, Mamoudou Athie, BD Wong, Justice Smith, Daniella Pineda, Scott Haze, Kristoffer Polaha. Producción: Amblin Entertainment, Latina Pictures, Perfect World Pictures, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial:https://www.instagram.com/jurassicworld/
Sin reparar en gastos a través del globo terráqueo y de la historia
Volvemos a la época de Carlos I, el mismo del que hablamos en nuestra crítica de la película ‘Comuneros’ que podréis leer aquí. Mientras en el Reino de Castilla se producía el levantamiento de los comuneros, a finales del renacimiento, tenía lugar una expedición que cambió la manera de ver el mundo y supuso el dominio comercial del imperio español durante varias décadas más. La gesta de Elcano y Magallanes fue de esas que transformaron la historiade la humanidad.
Rodrigo Santoro ya se ha metido en la piel de otros personajes históricos, como Jerjes o Jesucristo. El brasileño ejerce en ‘Sin límites’ de Magallanes. Como el Aquiles de Brad Pitt va en busca de gloria, de escribir su nombre a fuego en la historia. Por otro lado Juan Sebastián Elcano está interpretado por Álvaro Morte. El reto de ambos navegantes era encontrar una ruta más corta a las Indias y conseguir las preciadas especias esquivando a los portugueses. Una gesta siguiendo la estela de Colón. Fueron tres años que como todos sabemos culminaron no solo en el descubrimiento de una nueva ruta sino que supusieron un zasca a los terraplanistas de ayer y de hoy, antes incluso de la formulación matemática de la teoría heliocéntrica.
‘Sin límites’ son seis episodios de unos cuarenta minutos cada uno que están tan bien hechos que se pasan en un abrir y cerrar de ojos. Cuentan con guión de Patxi Amezcua (‘La sombra de la ley’, ‘Séptimo’) de quien hablábamos hace poco cuando os contábamos qué tal estaba otra serie de Prime Video basada en una gesta marina, ‘Operación Marea Negra’. Pero sobre todo dispone del espíritu aventurero del director Simon West. El director de ‘Con Air’, ‘Los mercenarios 2’ o ‘Lara Croft: Tomb Raider’ nos cuenta los pormenores de la corte, los gajes de oficio, las dificultades del mar, los desacuerdos de la tripulación, los peligros de adentrarse en tierra ajena… ‘Sin límites’ tiene todos esos elementos que hicieron populares las películas de corsarios o las de aventuras en búsqueda de gloria y riquezas.
Años de penurias, de revueltas, de conspiraciones, de recelos y de descubrimientos. La desesperanza y el desconocimiento de la época produjeron más de un altercado, algo que refleja bien ‘Sin límites’. Los imperios se han construido históricamente sobre riesgos y golpes de suerte, sin estos osados descubridores que imaginaban que otro mundo era posible a saber cómo sería nuestro mapa político hoy en día. Todos sabemos cómo acabó esta historia, el valor de la serie reside en el entretenimiento que ofrece y en los detalles que narra, que muchos espectadores ni los habrán buscado en Wikipedia.
La historia nos dice que Magallanes empezó liderando esta empresa pero murió en combate en Filipinas y el que decidió completar la gesta y verificar la teoría recién descubierta de la vuelta al mundo fue Juan Sebastián Elcano. El mismo que hoy en día sigue teniendo un barco con su nombre. No obstante fue Magallanes el que recibió el honor de tener el nuevo paso descubierto a su nombre. Quizá los más patriotas de los espectadores se retuerzan en su butaca cuando vean la visión de Elcano pues aunque es visto como hombre de honor y carisma se le pinta como borracho y endeudado. Sin embargo al final se perfila como el corazón de la expedición mientras que Magallanes es esbozado como el cerebro, uno calculador y tozudo.
Conoceréis detalles como la salida de Sevilla, la inclusión de Juan de Santander, las zancadillas del celoso rey de Portugal, los textos del cronista Antonio Pigafetta los cuales en buena parte han hecho posible que esta historia pueda contarse con detalle. Por supuesto hay licencias y lances que favorecen la acción. Pero la fidelidad y labor divulgativa está fuera de duda. Además la serie hace uso de una gran riqueza de escenarios que aún hoy en día se conservan, como el castillo de Olite. Y plató con croma. Como curiosidad, a veces nos pasan capítulos con algunas escenas sin terminar. Hay a quien no le gusta pero a mí me permite ver cuán colosal es el trabajo de postproducción para recrear con verosimilitud localizaciones remotas o que encarecerían o alargarían la producción. Vais a notar también en ese sentido lo bien que está hecha ‘Sin límites’.
La serie está rodada en portugués y castellano para ganar fidelidad. Gran dupla cultural y excelente elección de protagonistas. La serie es un acierto en el plano técnico y en el artístico. Y además de ser una elección correcta supone una inversión de gran calado. Correcta en cuanto a la calidad que dan ambos protagonistas, aunque no tengan un gran parecido físico con los originales. Completan el reparto los actores Sergio Peris-Mencheta (Capitán Cartagena), Adrián Lastra (Capitán Mendoza), Carlos Cuevas (Martino), Pepón Nieto (Padre Bartolomé), Raúl Tejón (Gómez de Espinosa), Gonçalo Diniz (Duarte Barbosa), Manuel Morón (Cardenal Fonseca) y Bárbara Goenaga (Beatriz). Les podréis ver a todos a partir del 10 de junio en Prime Video.
Uno nunca acaba de acostumbrarse al nivel de atrevimiento de ‘The Boys’
Uno de los grandes retrasos derivados de la pandemia que aún persiste es ‘The Boys’ T3. Al menos tuvimos hace poco ‘The Boys: Diabolical’ que nos sirvió como pequeña dosis para ir calentando motores y mantener viva la serie inspirada en los cómics de Garth Ennis y DarickRobertson. Ese retraso ha hecho que tengamos que decir que en ‘The Boys’ T3 hay una escena muy a lo ‘El Escuadrón Suicida’ y no al revés. Pero como es de imaginar la serie mantiene su esencia y hemos de dar gracias a que va todavía más allá.
‘The Boys’ T3 son ocho nuevos episodios, de los cuales hemos podido ver seis, que llegarán el próximo 3 de junio a Prime Video con un estreno de triple episodio, después tendremos uno semanal. Blasfema, antisistema, antipatriótica, con personajes homosexuales, con mujeres empoderadas e incluso se mofa de las armas en esta tercera temporada. Dudo que haya votantes de VOX viendo esta serie, aunque pudiera ser pues muchos de ellos son una contradicción en sí misma. Hay que prepararse por que desde el minuto cero hay drogas, sexo y por supuesto más carnicería aún. ‘The Boys’ T3 no deja de ser una de las adaptaciones de cómic más loca y sin tapujos, libertina dirían algunos, tanto que no se dedica a ser solo una trama de héroes con mallas, también lanza sus críticas, a uno y otro lado. Un ejemplo es la zona del parque de atracciones de Vought dedicada a la inclusividad o el cómo Patriota se cansa de pedir disculpas por ser un heterosexual con capacidades claramente superiores.
El primer episodio empieza en un punto que ni las películas de DC de Snyder, de hecho hay un guiño a su ‘Dawn of justice’ y por otro lado a Marvel Studios. ‘The Boys’ va a cuchillo con las otras casas y con la ya a la vista obsolescencia del mercado comiquero en el audiovisual. En la anterior temporada ya se lanzaba más de un dardo al respecto. Además ese arranque cuenta con un cameo de alguien que hemos tenido y tendremos más presente en el mundo superheróico. Y no es el único cameo de la serie, hay muchos más en esta nueva remesa de episodios. Puedo adelantaros que los dos primeros episodios empiezan en esa línea, muy a lo inicio de ‘Tropic Thunder’, con un tráiler o escena de una ficción dentro de la ficción, imaginando nuevas series o películas, muy burlesco.
Durante estos nuevos capítulos Hughie está más fuera de la lucha ya que luce pública y abiertamente su relación con la súper Starlight. La heroína también se mantiene muy presente en esta temporada con novedades que no conviene que os cuente. Por el contrario Maeve está más ausente que nunca. Como también está más alejado de la acción Leche Materna que busca recuperar el tiempo perdido con su hija.
Carnicero y el resto por supuesto continúan su cruzada contra Vought y sobre todo contra Patriota. Para ello su nuevo objetivo es encontrar a anunciado Soldier Boy que está interpretado por Jensen Ackles. En ese camino deberán permitir que la hipocresía y crudeza de Carnicero se imponga más que nunca y con ello descubrimos una nueva faceta del personaje interpretado pro Karl Urban. Mientras tanto Patriota como siempre va a lo suyo, intentando recuperar su popularidad mientras lidia con las opiniones contrarias de sus compañeros. Obviamente intenta recuperar a su hijo y Antony Starr nos brinda otra pedazo de actuación. Al igual que destaco la de Ackles que poco a poco gana presencia. Muy bueno el casting de esta temporada, incluso por los actores que han escogido para interpretar a Grace Mallory (LailaRobins) y Stan Edgar (Giancarlo Esposito) de jóvenes.
En esta temporada os aguarda sexo con hombres menguantes, re-apariciones en Los Siete, evolución para personajes como Kimiko (Karen Fukuhara), nuevos personajes con nuevos poderes y muchas más cosas que no estaría bien que os adelantase. Si podemos hablar de la nueva posibilidad de que los humanos normales puedan tener poderes, como hemos visto en el tráiler. Eso no solo nos da momentazos cuando los personajes adquieren poderes, sino una nueva dimensión a la serie pues es ir un paso más allá en el negocio de los súper que ven amenazada su profesión pues cualquiera podría ejercer su rol. Aunque este no es el eje de la temporada si que abre nuevas posibilidades, sobre todo a la acción.
Cuando una ruptura interdimensional altera la realidad, Evelyn (Michelle Yeoh), una inmigrante china en Estados Unidos, se ve envuelta en una aventura salvaje en la que solo ella puede salvar el mundo. Perdida en los mundos infinitos del multiverso, esta heroína inesperada, debe canalizar sus nuevos poderes para luchar contra los extraños y desconcertantes peligros del multiverso mientras el destino del mundo pende de un hilo.
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Crítica
Una chifladura valiente y maravillosa
Dentro del mundo del cine podemos hablar muchas veces de modas. Tenemos épocas en las que nos llegan películas de vampiros, otras de fantasía medieval, otras de zombies… parece que el tema de los universos paralelos es lo que últimamente se cotiza más en el mundo fantástico. El máximo exponente o quien ha conseguido venderse mejor dentro de esta temática es Marvel Studios, pero hay otras historias muy a tener en cuenta como ‘El único’ o ‘Fringe’ u otras que comentamos en este otro artículo sobre el tema. ‘Todo a la vez en todas partes’ también cuenta con la participación de los hermanos Russo, pero Los máximos responsables de las famosas frases marvelitas no son las personas a destacar precisamente.
Que en Estados Unidos haya sido avalada por la distribuidora A24 ya dice mucho de este filme. Pero debéis tener aún más en cuenta que los conocidos como “los Daniels” son los directores de esta película. No han sido pocas las veces las que os hemos recomendado desde aquí que veáis ‘Swiss Army Man’, una propuesta muy loca en la que Paul Dano usa el cadáver de Daniel Radcliffe como navaja suiza en una isla desierta. Alejándose del tono soez e incluso escatológico que tenía esa película la propuesta de ‘Todo a la vez en todas partes’ es una chifladura maravillosa. Una nueva visión y manera de entender el multiverso que está repleta de acción, comedia y sensibilidad. Se agradece que haya propuestas así de locas y por lo tanto así de valientes. No es fácil implicar a un equipo a hacer una comedia disparatada y juguetona como esta.
El otro gran valor de la película reside en su protagonista. ‘Todo a la vez en todas partes’ cuenta para su papel principal con Michelle Yeoh, una actriz que tiene a los espectadores del fantástico entusiasmados. La historia nos habla de una agobiada madre de familia migrante que lleva un servicio de lavandería que está siendo auditado. Y en medio de la debacle y caos que experimenta su vida personal aparece una figura que le descubre que existen mundos paralelos. Si además tenemos en cuenta que su marido está interpretado por Ke Huy Quan (el “Data” de ‘Los Goonies’, el acompañante de Indiana Jones en ‘El templo maldito’), que el papel de su padre ha recaído en James Hong de ‘Golpe en la pequeña China’ y que la auditora que le han asignado es Jamie Lee Curtis… como para no estar desquiciada o ser disfuncional.
El largometraje nos gana con su propuesta, con su montaje y con su reparto. Yeoh sabe manejarse en tan confusa trama haciendo personajes distintos que a la vez son el mismo. No es la primera vez que se relaciona con “yoes alternativos” pues nos sorprendió y mucho con sus Emperadores Philippa Georgiou de ‘Star Trek: Discovery’. Es altamente divertida la relación con sus maridos ficticios con los que tiene una relación Neo y Morfeo. La verdad es que esta película tiene bastante de ‘The Matrix’ pero me niego a considerar a la película de las hermanas Wachowski como una obra del multiverso, porque la considero más una realidad distópica. Y no me quiero dejar sin tocar el papel de la hija pues además de estar bien interpretando es parte vital del filme. Stephanie Hsu aparecía en ‘Shang-Chi’, con lo que cerramos otro nodo con el universo de Marvel Studios pues además podemos decir que no es la única ya que también intervienen, mucho, extras como Brian Le y Andy Le.
La verdad es que el personaje que le ha tocado a Curtis parece sacado de La Hora Chanante (Muchachada Niu para los más tardíos). Por eso es divertida, por ver a actores consagrados rendidos al humor absurdo. pero como decía, esta película es algo más que un montón de peleas, persecuciones y momentos ridículos, también tiene su apartado emotivo. A la protagonista de ‘Todo a la vez en todas partes’ se le ha pasado la vida volando, tenía otros sueños. Y pasa de ese estado de mediocridad a verse inmersa en una lucha contra el caos del multiverso, la cual, le encamina a una catarsis. Todo ello salpicado de una infinidad de imágenes que nos llevan desde el colorido más burlesco a escenas de puro neo noir. Obviamente como trata de universos paralelos, de realidades alternativas, juega con el efecto mariposa, las variaciones y las consecuencias de las decisiones, a todos los niveles, incluyendo el visual. Solo de pensar en la cantidad de horas en croma, escenarios y maquillaje para hacer la película me da vértigo, sobre todo sabiendo que los efectos del filme los han hecho entre unos cuantos a base de lo aprendido en tutoriales de Internet.
Es difícil que leyendo lo que he descrito os pueda encajar todo con cierta coherencia, pero lo hace y de una manera épica. Me he acordado mucho del episodio ‘The Fansworth Paradox’ de ‘Futurama’. Para que los millenial y los marvelitas lo entiendan esta película es cono meterse en la mente del Doctor Strange de ‘Infinity War’. La única pega que le pongo es que se hace un poco larga aunque culmine con un guiño que me ha recordado a ‘El último gran héroe’.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de junio de 2022. Título original: Everything Everywhere All at Once. Duración: 132 min. País: EE. UU. Dirección: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels. Guion: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels. Música: Son Lux. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Jamie Lee Curtis, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum Jr. Producción: AGBO, Hotdog Hands, Ley Line Entertainment, Year of The Rat. Distribución: Youplanet Pictures. Género: acción, ciencia ficción, comedia. Web oficial:https://a24films.com/films/everything-everywhere-all-at-once
Una mezcla de ‘The Ring’, ‘Pesadilla en Elm Street’, ‘Elfen lied’ y ‘El corazón del guerrero’
Siguiendo una mecánica que ya empieza a convertirse en costumbre en Netflix, la cuarta temporada de ‘Stranger Things’ va a llegar dividida en dos partes. Los primeros episodios estarán subidos en la plataforma el 27 de mayo y los dos últimos podrán ser vistos a partir del 1 de julio, ojo a su duración. Habrá un total de nueve capítulos de la que de momento es la penúltima temporada, pues hay anunciado que habrá por lo menos una más.
Soy de los que reconoce abiertamente que no le gusta ‘Stranger Things’ por su enorme dependencia de los elementos nostálgicos. Ahora bien, habiendo puesto en marcha su propio universo la serie ha llegado a un punto de madurez en el que ya no se cimenta (tanto) en las reminiscencias del pasado y si me ha enganchado, solo ha hecho falta llegar a cuatro temporadas para ello. Si buscamos referencias la serie puede recordar a ‘Pesadilla en Elm Street’ (lo reconoce abiertamente) con una mecánica de muertes muy a lo ‘The ring’ y volviendo a esos aspectos de Eleven que recuerdan a ‘Elfen lied’, un anime que os recomiendo.
Salvando el romantiqueo juvenil y el humor ridículo podemos decir que ‘Stranger things’ ha madurado, quizá a pasos agigantados y dejando un poco atrás su público más fiel, el adolescente. Va más allá con el tema de la sangre y las muertes alcanzando cotas del terror japonés más escalofriante y presentando monstruosidades que de nuevo pueden recordar a las de Stephen King o Guillermo del Toro. Este nuevo tramo empieza retrocediendo al 78, a los laboratorios donde Once ganó sus poderes. Pero la acción transcurre en marzo del 86, seis meses después de la batalla de Starcourt. Como siempre una festividad es el marco de la serie, en esta cuarta temporada son las vacaciones de primavera (spring break).
Y no puede ser más clásica la historia. Tenemos a los típicos nerds (gilís como diría Homer Simpson) que pasan de ser populares, al capullo del capitán del instituto, a la animadora de turno, a la inadaptada deprimida… Y como en las otras tres temporadas no se pierde ese sabor a ‘Los Goonies’ o ‘Cuenta conmigo’. Pero sí que es cierto que sobre esa retahíla de referencias ochenteras se imponen los traumas y las secuelas de lo vivido al finalizar la pasada temporada.
Con esto llegamos a algo que también cansa a los que jugamos al rol, la criminalización o miedo hacia Dungeons & Dragons y similares. Bien es cierto que ‘Stranger things’ ha jugado buen papel en ese sentido, mostrando que no es nada más que un juego de tablero e interpretación. Pero esta temporada da un paso atrás y sigue la estela de títulos como ‘El corazón del guerrero’. La turba contra el freak que pasa su tiempo libre junto a sus amigos sectarios cazando monstruos. Si el Demogorgon aludía a una criatura del juego de tablero ahora es un mago oscuro, un azotamentes, quien pone en peligro al mundo. Ojalá que la serie se meta en la mente de los espectadores para picar la curiosidad a los jóvenes por un hobbie la mar de enriquecedor en vez de alimentar ese estigma.
Aunque este universo esté más que lanzado a la independencia o a su propia creatividad no os preocupéis que sigue introduciendo guiños y referencias a los 60, 70 u 80 o a clásicos del terror. Empieza con California Dreamin’, aparecen los Gremlins, Eddie Murphy en ‘Superdetective en Hollywood’, ‘Halloween’, ‘El silencio de los corderos’ y por supuesto Freddy Krueger. La mayor expectativa en ese sentido era la incorporación de Robert Englund al reparto. Lástima que como temíamos tiene una aparición escueta y que nos vamos viendo venir tras el primer y segundo episodio. Por lo menos así sucede en los seis primeros episodios que es lo que Netflix nos ha permitido visionar previo al estreno.
‘Stranger things’ T4 consiste en una persecución y dos rescates. Lo que hace interesante y aporta ritmo a esta temporada es el hecho de que los protagonistas están más separados más que nunca. Ya sea en la distancia o por la influencia de sus hormonas o la presión social, los protagonistas descubren que cada uno quiere emprender un camino distinto al del resto y la cohesión del grupo se ve amenazada. Es por eso que esta es más que nunca una historia de adolescencia y amistad.
Hay cosas que me han sacado de quicio y otras que me han enganchado mucho. Ya veréis la escena del interrogatorio al capitán de baloncesto, enerva como el personaje tarda en sumar uno más uno. Igual que no funciona todo el trasunto de Eleven a lo Carrie, paupérrima Millie Bobby Brown, cada vez me transmite menos. Sin embargo el cuarto episodio, dirigido por Shawn Levy (‘Noche en el museo’), es estupendo. Lo mejor de esta temporada es la interpretación de Joseph Quinn como Eddie Munson y la relación tan cómica entre Dustin y Steve.
Después de más de treinta años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchell (Tom Cruise) se encuentra dónde siempre quiso estar, sobrepasando los límites como un valiente piloto de prueba y esquivando el avance en su rango que lo emplazaría en tierra. Durante el entrenamiento a un destacamento de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se tropieza con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), distintivo: «Rooster», el hijo del difunto amigo de Maverick, y el Oficial de Intercepción de Radar, el teniente Nick Bradshaw, conocido como «Goose».
Enfrentándose a un futuro incierto y a los fantasmas de su pasado, Maverick se ve envuelto en una confrontación con sus miedos más profundos, culminando en una misión que exige el máximo sacrificio de aquellos que serán elegidos para volar.
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Crítica
Si te gustó la primera, ‘Top Gun: Maverick’ no te defraudará, te entusiasmará
Corría el año 1986 cuando ‘Top Gun’ se estrenaba en los cines de todo el mundo. La producción era una especie de cocktail de película bélica de aviones, un anuncio de la marina estadounidense para alistarse y cierta estética videoclipera que triunfó en el público de todo el mundo y consagró a Tom Cruise como la estrella de cine que hoy en día sigue siendo… 36 años después (y ha llovido mucho desde entonces).
La fórmula era simple pero efectiva: Testosterona a base de bien, una historia de amistad, otra de amor, otra de rivalidad, escenas icónicas y acción en forma de combates aéreos. Muy resultón y el acabado final fue más que aceptable. Su director, el fallecido Tony Scott, al que le dedican esta secuela, le imprimió ese sello tan particular que tenía en su forma de rodar, y junto con una buena dirección de fotografía y aquel “Take my breath away” de la banda sonora hizo de la producción todo un éxito.
Casi cuatro décadas después llega ‘Top Gun: Maverick’ como una secuela que homenajea a aquella película, siguiendo la fórmula original, aunque dándole un toque de madurez inevitable y una vuelta de tuerca en lo que se refiere al rodaje de sus espectaculares escenas aéreas. Madurez quiero señalar que tanto para el personaje como para la propia Top Gun.
Aquí nuestro talentoso y rebelde protagonista ahora trabaja dentro de la marina en proyectos como piloto de pruebas hasta que llaman a su puerta para entrenar y enseñar a un grupo de élite de la academia Top Gun. En esos primeros minutos vemos que Maverick sigue teniendo muy presente a “Goose”, su gran amigo y compañero al que su muerte le marca de por vida. Luego también vemos que pese al tiempo transcurrido sigue teniendo ese punto de rebeldía como piloto y bueno…una nueva misión le pone a prueba de nuevo.
Porque ojo, el argumento es calcado a la primera película. Academia, instrucción, entrenamiento y combate aéreo. Entre medio, algo de humor, nostalgia, un poco de romance y constantes guiños al pasado. De lo que realmente va esto es de Maverick y sus conflictos internos, el sentimiento de culpa y ahora de responsabilidad por la vida de los jóvenes pilotos, y el choque entre su presente y su pasado. Tom Cruise es el protagonista absoluto en todo lo que se refiere a ‘Top Gun: Maverick’. En su nueva cruzada, hay sobre todo dos personajes que influyen en sus decisiones. El de Penny (trama romántica), interpretado por la fantástica Jennifer Conelly que vuelve a encontrarse con Maverick para la sorpresa de éste… y el de “Rooster”, el hijo de “Goose” ahora piloto, interpretado por un buen Miles Teller y su trama es la más importante en cuanto a desarrollo de ese conflicto ya que Maverick le afecta en lo personal.
Mención aparte para Val Kilmer (que siempre me ha parecido muy buen actor) actualmente luchando contra un cáncer de garganta, al que Cruise quería en la película sí o sí. El bueno de Val, el otro guaperas de la primera entrega que daba vida a Iceman, tiene su escena junto con Tom y para aquellos que pasan de los cuarenta verlos otra vez ahí 36 años después hace que incluso te emociones. Al fin y al cabo hemos seguido la carrera de estos dos durante décadas y nos regalan una entrañable escena.
Por si no lo sabéis ya, Tom Cruise aquí también es productor de ‘Top Gun: Maverick’. Verdadero motor y principal responsable de este proyecto e intervino en todas las decisiones importantes del rodaje. La inclusión de Val Kilmer no fue lo único en lo que insistió. También lo hizo para que todas las escenas aéreas con los F-18 se hicieran sin CGI (imágenes generadas por ordenador) así que todas las tomas son reales y los actores se tuvieron que preparar a fondo para soportar las fuerzas g en vuelo supersónico. Otro gran nombre como el de Ed Harris solo tiene un papel testimonial.
Porque cuando hablamos de acción, aquí es donde ‘Top Gun: Maverick’ supera a su predecesora gracias a lo que ha evolucionado la industria del cine y las técnicas para grabar desde cualquier ángulo hoy en día. Sencillamente espectacular y en un buen cine la experiencia de sonido hace que sea aún más inmersivo todo. Bien por JosephKosinski, el director que no fue pensado para esta secuela (siempre fue Tony Scott), pero que además de ser fiel a la primera y rendirle homenaje con planos y escenas similares (véase el portaviones, la playa o la motocicleta en el aeródromo) también imprime su sello personal cuando pone sus cámaras literalmente en el aire. Soy de la opinión de que no es fácil hacer una película bélica con aviones de combate modernos (apenas hay) y parte del probable éxito de taquilla de esta secuela será por lo espectacular de cada toma, plano y escena dentro de los F-18 y por supuesto por el gancho y la buena forma que sigue teniendo Tom Cruise con casi 60 años de edad (estoy deseando verlo en acción de nuevo en su próxima ‘Misión imposible’). Me quito el sombrero después de 40 años en la cima de la meca del cine. Pocos pueden presumir de ello.
No obstante no podemos dejar de pasar por alto que es un producto hecho para el disfrute y no se debe esperar cierta coherencia en el guión porque apenas la tiene para sostenerse por sí mismo. Los malos están ahí porque sí, tienen mejores aviones y sus motivaciones no son importantes porque solo están para complementar la acción, única protagonista en el último tramo de la película. Todo cogido con pinzas pero al final nos da un poco igual como ya pasaba en la primera. En todo caso pone de manifiesto el debate de que en un futuro no muy lejano el protagonismo pase a los aviones no tripulados, pero lo hace de pasada nada más.
Tienes que haber visto la primera (que por cierto, ha sobrevivido bastante bien a los años) si quieres entender mejor al menos ciertos conflictos entre los personajes. Si te gustó entonces ‘Top Gun: Maverick’ dudo mucho que te decepcione. Te hará pasar un rato agradable y preguntarte que después de 36 años tenga tanto sentido y funcione tan bien. Sé que he repetido varias veces los años que han pasado entre ambas pelis pero… es que no desentonan prácticamente nada.
Esta secuela, en resumen, es un producto de acción de primer nivel en cuanto se refiere a las secuencias aéreas, con una dosis grande de nostalgia que hará emocionarse a los más sensibles. Adolece de un buen guión aunque según pasa la peli te olvidas de ese detalle y recuerdas sus virtudes, tanto pasadas como presentes, para una secuela que, lo vuelvo a decir, 36 años después tiene sentido y que en su género, logrará (?) enganchar a otra generación como lo hizo la primera en los 80.
Buscad un buen cine, comprad palomitas aunque estén a precio de chuletón de Ávila y disfrutad del cine de entretenimiento por excelencia como es ‘Top Gun: Maverick’.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de mayo de 2022. Título original: Top Gun Maverick. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Joseph Kosinski. Guion: Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer. Fotografía: Claudio Miranda. Reparto principal: Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez, Greg Tarzan Davis, Ed Harris, Val Kilmer. Producción: Jerry Bruckheimer Films, Paramount Pictures, Skydance Productions, Tencent Pictures, Don Simpson/Jerry Bruckheimer Films, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial:https://www.topgunmovie.com/
El hombre de a pie enfrentándose al thriller novelesco
Movistar Plus+ nos trae ‘Rapa’, una serie de seis episodios de cincuenta minutos cada uno que bien podría continuar más allá de esta primera temporada. El estreno de este nuevo thriller tendrá lugar el 19 de mayo y nos llevará a las cercanías de A Coruña, los parajes y zonas rurales de Cedeira y las calles de Ferrorl.
En ‘Rapa’ una mujer aparece herida de muerte en el monte y es encontrada por un hombre que pasa por allí caminando. La cosa se complica ya que parece que ha sido una agresión y también al descubrir que la víctima es la alcaldesa de la localidad cercana, que lleva más de treinta años en el cargo. Pronto empiezan las conspiraciones políticas, las intrigas familiares, las habladurías de pueblo y las sospechas razonables.
De político, a clérigo, a eminente médico. JavierCámara últimamente ha interpretado a personajes a los que se les presume mucho renombre, pero ahora se mete en la piel de una persona la mar de sencilla y anodina, eso sí, inteligente como tantos otros personajes que ha encarnado. Aquí es un profesor de instituto que se incorpora como un ingrediente más al misterio no solo por el hecho de haber encontrado a la alcaldesa, también por tener un extraño comportamiento y una curiosidad por lo que ha pasado digna de un metomentodo.
La otra trama sigue a una guardia civil interpretada por Mónica López. Una mujer que habita el municipio de la alcaldesa y a la que se le asigna el caso. Una persona que como el personaje de Cámara ve Galicia con ojos de forastera, con la diferencia de que ya lleva años residiendo allí. Es una agente eficiente, con familia, cuyo principal dilema aparece a mitad de la serie.
Está muy bien trabajada la relación de simbiosis que se establece. Ambos protagonistas se benefician el uno del otro y dentro de la misma situación cada uno encuentra algo con lo que aferrarse a la vida. Pero aún así deben marcar ciertos límites, rozando el romance. ‘Rapa’ es una cruzada vital por encontrar la verdad que viene firmada por Pepe Coira y Fran Araújo, responsables de ‘Hierro’. Entra muy fácil y con mucho gancho esta historia ambientada en la España tradicional deteriorada por las influencias y los oportunistas, en la Galicia que no acaba de cicatrizar las heridas de la droga. La serie tiene un carácter novelesco al introducir en las investigaciones de un crimen a personas mundanales. Individuos en el brete y a la vez la emoción de tener la mayor aventura de su vida.
Entremedias o más bien entremezclado con las pesquisas por resolver el asesinato, hay una lucha por no perder ciertas tradiciones, ciertas raíces. Y es que el nombre de la serie alude a la Rapa das bestas, que es un festejo que consiste en cortar el pelaje de los caballos para, entre otras cosas, desparasitarlos. Al final la serie se convierte en eso, en una lucha por eliminar a los parásitos que se ocultan entre el pelaje de nuestra sociedad. Cada miembro del elenco tiene su sentido de la justicia y su visión de cómo hay que purgar a ese tipo de personas que son dañinas para el resto.
Hay una elipsis de tiempo entre el tercer y el cuarto episodio que le viene muy bien a la serie, sobre todo para darle aire y perspectiva a los dos personajes protagonistas y a alguno más que no conviene mencionar pues desde muy temprano sabemos quién está en el ajo. La pena es que como espectadores sabemos desde el segundo episodio quién es la persona culpable e incluso los motivos para hacer lo que hace. Lo bueno es que hay pormenores enriquecedores por descubrir que si nos hacen ver el resto de episodios, que nos animan a descubrir cómo se conectan todas las piezas.
‘Rapa’ es una serie donde visualmente predomina el blanco. La luz de la puesta en escena parece poblada de niebla, de una claridad cegadora. Lo cual nos viene a decir que a plena luz del día se esconden multitud de misterios que hay que esperar a que se clarifiquen o enfoquen como quien aguarda a que se despeje la bruma. Muchos parece que mienten, muchos parecen tener un móvil para atentar contra la alcaldesa. Cedeira es un pueblo pequeño y la serie juega con lo fácil que es que las piezas del tablero estén interrelacionadas ente si y en secreto.
Esta podría ser una serie protesta, en contra de la destrucción de nuestra naturaleza y abogando por escuchar a nuestros intelectuales. Una de las protagonistas va al cine a ver ‘Mientras dure la guerra’ y por ahí se ven banderas de cuando se entonaba el “nunca mais”. Pero más allá de lo que podamos vislumbrar o leer entrelíneas se percibe que la intención es la de crear un sabor a novela policíaca. Y aunque se ubican bien todas las piezas del puzle parece que hay intención de realizar una segunda temporada o bien nos han querido dejar con un final abierto agridulce y, por ende, cercano a lo que es muchas veces la realidad. Espero que si tenemos más episodios se siga poniendo el foco en que son personajes mundanos con más preocupaciones que el hecho de resolver un crimen y no progrese la trama que parece que nos va a meter el siempre inexplicablemente obligatorio romance.
El inspector Manuel Bianquetti se ve forzado a aceptar un traslado a la comisaría de Cádiz. Su tranquilidad inicial se verá rota por el hallazgo del cadáver de una joven que le recordará un pasado que le atormenta. Pese a la oposición de sus superiores, Bianquetti emprenderá una cruzada solitaria para atrapar al culpable, siguiendo unas evidencias que podrían ser fruto de su imaginación. Su vecina, una frágil enfermera acosada por su expareja, parece ser la única persona que está de su lado.
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Crítica
Clama por una mejora de la sociedad y el sistema a la hora de proteger y de prevenir
La de ‘La maniobra de la tortuga’ es una historia criminal y policíaca que explora muy bien a sus dos protagonistas principales, interpretados por Natalia de Molina y Fred Tatien. Salida de la novela de Benito Olmo nos narra la vida de una enfermera que vive y trabaja en Cádiz. Poco a poco vemos como ella tiene un temor arraigado en su interior y cómo va creciendo y apoderándose de su vida. Por otro lado está el arco argumental de su vecino. Un policía francés trasladado obligadamente a la ciudad andaluza tras un error y una serie de comportamientos que también se van desgranando correcta y paulatinamente.
En ‘La maniobra de la tortuga’ sale el justiciero que muchos deberíamos llevar dentro. Se ha producido un crimen atroz, de esos que ocupan dos o tres minutos en los telediarios, y un policía de esos que hace y deshace como le viene en gana, se pone a indagar. Pronto descubrimos una trama de encubrimientos, mafias y corruptelas, pero lo que importa es lo que hay de fondo y lo que acaba saliendo a relucir.
Parece que la relación entre los dos protagonistas es solo la de ser vecinos y se ayudan mutuamente de un modo que me han recordado al del ‘Punisher’ de Jonathan Hensleigh. Pero más allá de la acción, las heridas o los cruces en el rellano está un discurso que convierte a la película en un arma protesta. ‘La maniobra de la tortuga’ clama por una mejora de la sociedad y del sistema a la hora de proteger y de prevenir. Explora las distintas dimensiones de la violencia de género de un modo que sobra decir que es necesario, aunque en pleno siglo XXI debería ser innecesario.
Esta es la segunda película del director Juan Miguel del Castillo que repite de nuevo con Natalia de Molina. Demuestra que lo de ‘Techo y comida’ no fue casual. Y lo hace ambientando la historia en su tierra. ‘La maniobra de la tortuga’ es cine negro, novelesco. Nos indica que un lugar tan blanco y brillante como Cádiz puede servir de escenario para la historia más funesta. No voy a decir que el emplazamiento es un personaje más pues no me lo parece y es una expresión de lo más manida. La idea, pienso yo, de usar Cádiz como marco para esta historia, es mostrar que en el lugar más alejado, arrinconado y luminoso también puede suceder la tragedia, también te pueden atrapar tus miedos. Quizá por eso experimentamos ese chocante final que nos deja en vilo. Un final que se produce sin sonido, sin música, haciendo una llamada para acabar con esas situaciones que casi siempre se producen por los silencios cómplices.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: La maniobra de la tortuga. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Juan Miguel del Castillo. Guion: Juan Miguel del Castillo, José Rodríguez. Música: Xavier Font. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Natalia de Molina, Fred Tatien, Mona Martínez, Ignacio Mateos, Gerardo de Pablos, Luisa Vides, Miguel Diosdado, Dariam Coco, Carlos Manuel Díaz, Joaquín Perles, Pablo Béjar, Nicolás Montoya. Producción: Áralan Films, A Contracorriente Films, Aleph Media, Movistar+, RTVE, Canal Sur. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, adaptación. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/la-maniobra-de-la-tortuga/in-cinemas
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