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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Creed II: la leyenda de Rocky’

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Sinopsis

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La vida se ha convertido en una balanza para Adonis Creed (Michael B. Jordan). Entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, se enfrenta al desafío de su vida. Enfrentarse a un oponente con vínculos en el pasado de su familia, solo intensifica su inminente batalla en el ring. Rocky Balboa (Sylvester Stallone) estará a su lado a lo largo de todo el camino y juntos se enfrentarán a su legado, se cuestionarán por lo que merece la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia.

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Crítica

Secuela con menos gancho pero que promete más asaltos

Seguimos con la saga del pupilo de Rocky pero sigue sin desaparecer la omnipresente figura del Rocky de Sylvester Stallone. El actor de míticos personajes como Rambo o Rocky ha realizado una segunda película con la que le tiende un puente ideal a Michael B. Jordan. El actor afroamericano, con un físico apoteósico, podría continuar la amplia saga en solitario pues su rol tiene suficiente consistencia y esta segunda entrega le da argumentos para hacerlo. Tal vez no sean argumentos tan grandes como su rival, el boxeador profesional Florian «Big Nasty» Munteanu, pero si para hacerse con su primer personaje icónico que con el tiempo tendrá que defender.

Stallone también va quitándose responsabilidades y tampoco dirige esta entrega que ha sido capitaneada por Steven Caple Jr. Un autor que coge el relevo de Ryan Coogler (ocupado con ‘Black Panther’), que para mí era desconocido y que tiene secuencias muy bien elaboradas en esta película. Por lo demás no veo que haya tenido gran trabajo en ‘Creed II’ pues los actores que trabajan en ella hacen roles muy similares o iguales a los que han llevado a cabo antes. Quizá su fallo ha sido caer en los tópicos del cine sobre deportes.

Ahí sí que entran Stallone y Juel Taylor que son quienes han escrito el guión. La estructura es más o menos la de siempre. El género de deporte, en concreto el del boxeo, siempre cumple ciertas pautas que no se saltan en ningún momento, salvo quizás en un final que se separa más de lo estereotipado, que emplea un giro nuevo. El momento de bajón en la carrera del boxeador, la secuencia de entrenamiento que parece un anuncio de Adidas, la presión del rival, la discusión con el entrenador… Nada nuevo en líneas generales, no como sucedió con la primera parte.

Entonces, por qué ‘Creed II’ no supone un batacazo ni un aburrimiento. Pues porque en sus tramos dramáticos se siente con bastante personalidad y saca jugo a lo acontecido en la saga, progresando además con las nuevas generaciones. En esta nueva entrega de la serie de Rocky el trasfondo se amplía y los personajes principales progresan, mostrando alguna vertiente distinta a la habitual. Me ha gustado el modo en cómo se introduce de nuevo la figura de Drago, incluyendo un prisma bastante curioso y elaborando un discurso diferente para mantener la famosa lucha de bloques.

Y en esa explotación de la leyenda de Rocky y de su legado encontramos muchos guiños en forma de fotos o secuencias re-aprovechadas, centradas obviamente en Apollo Creed, el personaje que interpretó Carl Weathers y el de Drago, Dolph Lundgren. Es entrañable la aparición también Milo Ventimiglia, quien ya hizo del hijo de Rocky.

Al final parece que se confirman las intenciones de Stallone para no volver a ser Rocky. Tal y como acaba, casi literalmente entregando el relevo a un sucesor, parece que no dará un paso atrás en sus declaraciones y no se enfundará de nuevo la piel del personaje que creó hace más de cuarenta años. Ha mantenido solventemente a ese tipo chapado al antigua que no suelta su pelota negra y visita el cementerio con rigurosa regularidad. Por mi creo que ya ha obtenido bastante partido de su boxeador sin llegar a quemarlo ni desfigurarlo, a si es que (coincidiendo con una parte importante del filme), buen momento para arrojar la toalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de enero de 2018. Título original: Creed II. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Caple Jr. Guion: Juel Taylor, Sylvester Stallone. Música: Ludwig Goransson. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Sylvester Stallone, Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Wood Harris, Russell Hornsby, Florian «Big Nasty» Munteanu, Andre Ward, Phylicia Rashad, Dolph Lundgren, Milo Ventimiglia. Producción: MGM, Warner Bros., New Line Cinema. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.warnerbros.es/creed-ii

Crítica: ‘La casa de Jack’

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Sinopsis

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Estados Unidos, años setenta. Seguimos al inteligentísimo Jack durante cinco incidentes y descubrimos los crímenes que le definen como un asesino en serie. Vivimos la historia desde la perspectiva de Jack. Considera cada asesinato como una obra de arte, pero su profunda inadaptación le plantea problemas con el mundo exterior. A pesar de la intervención de la policía, que se acerca inevitablemente, Jack se empeña en arriesgarse cada vez más contra toda lógica. A medida que la historia avanza, compartimos las descripciones que hace de su condición, sus problemas y pensamientos mediante conversaciones con el desconocido Verge: una mezcla grotesca de sofisticación, de una casi infantil autocompasión y de explicaciones detalladas de maniobras tan peligrosas como difíciles para Jack.

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Crítica

La casa de Jack tiene cimientos macabros, desviadas vigas y desafiantes habitaciones

Escribo esta crítica unos meses después de haber visto ‘La casa de Jack’ en el pasado Festival de Sitges. Esto no es pompa festivalera que me doy, lo digo por remarcar que redacto mis opiniones tras un tiempo y en frío, al margen del subidón y fascinación que sentí al salir del cine, sentimientos que iban acompañados de turbación, ahora explicaré porqué.

Que Lars von Trier es un provocador nato no lo discute nadie. Pero que encima aún sea capaz de dejarte con dudas sobre ti mismo, poniendo además a prueba tu integridad, ya es llevar el desafío a unas cotas más altas. ‘La casa de Jack’ es una película sugerente pero a la vez trastornada, extremadamente retorcida. Me encantan este tipo de propuestas, no solo por la burla y el reto que representan, sino porque es todo un planteamiento casi nuevo tanto para versados como para inexpertos del cine nórdico.

‘La casa de Jack’ se construye a base de varios capítulos. Y es que originalmente este proyecto iba a ser una serie construida a base de episodios, o incluso una representación teatral. Ese aspecto se ha conservado en la película que se divide en 5 partes o incidentes y un epílogo que conversan con el espectador muy de cerca. Cada sección describe varios asesinatos en un lapso de doce años. Es el mismo protagonista quien a través de sus elucubraciones y conversaciones con Verge (cuyo nombre, «borde» en danés, tiene su doble sentido) nos va relatando sus obras artísticas con forma de crimen. Así hasta que se edifica, literalmente, una biografía de asesinatos y desafíos a las autoridades o cánones establecidos.

Jack es un asesino de costumbres arraigadas, de una falta de vida social manifiesta y de muchos TOCs, entre ellos el de ser impecáblemente limpio. El saber lo que pasa por la cabeza del protagonista y su condición particular de chapuzas y suertudo genera situaciones que son siniestramente hilarantes. El psicópata de Trier interpretado por Dillon es un actor social, alguien que abiertamente interpreta sus interacciones con el resto de la gente. Ese y otros detalles nos lanzan una invitación a la autocrítica y nos obligan además a hacer un gran acopio de gusto por el humor negro. Es una oscura y burlesca divina comedia.

Algunas escenas son realmente enfermizas. Soy consciente de que mucha gente considerará eso como algo malo y lo respeto, pero para mí no ser capaz de verlas solo demuestra no saber distinguir bien una ficción y no saber ver que hay mucho que aprender de secuencias así. Muchos aspectos deleznables de la mente humana se ponen en tela de juicio mostrándolos en su máximo exponente. Si se viesen por separado las imágenes de esta película, sacadas de contexto, entendería que se armase un escándalo, pero ‘La casa de Jack’ está lo suficientemente bien montada como para que se vea una verdadera maldad en ellas.

No he visto ni la mitad de la filmografía de Matt Dillon, pero creo que muchos coincidirán conmigo en que este es su mejor papel. Su Sr. Sofisticación está muy enlazado con la literatura y pintura clásica, nada que ver con su farsante de ‘Algo pasa con Mary’. Blake, Goethe, Virgilio, Dante, Delacroix… son referentes tanto psíquicos como ópticos. Visualmente es muy explícita, muy bien trabajada en todos sus encuadres y puestas en escena. Y Dillon aguanta el tipo, sostiene su personaje en cada momento manteniéndose a la altura de la calidad técnica de la cinta.

La película, aunque es larga me ha entretenido tanto que ni me he dado cuenta de que no tiene música. La única pega que le encuentro a ‘La casa de Jack’ es su epílogo. Por un lado es una auténtica catábasis pero por otro extiende más la película transportándola a un límite quizá presuntuoso y auto-referente que no necesitaba.

Sin ser de lejos seguidor de Lars von Trier he de otorgarle el mérito de demostrar una vez más que se puede hacer algo distinto, no solo dentro de su carrera, si no en el cine en general.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: The house that Jack built. Duración: 155 min. País: Dinamarca Francia, Suecia, Alemania. Dirección: Lars von Trier. Guion: Lars von Trier. Fotografía: Manuel Alberto Claro. Reparto principal: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Siobhan Fallon Hogan, Sofie Gråbøl, Ed Speleers, David Bailie. Producción: Zentropa Productions, Radio (DR), Film I Väst. Distribución: Golem Distribución. Género: frantástico, thriller, comedia negra. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=428

Crítica: ‘The old man and the gun’

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Sinopsis

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Basada en la historia real de Forrest Tucker, un apuesto ladrón de bancos que en sus 80 años de vida logró escaparse 18 veces de prisión. Retirado del oficio, Tucker (Robert Redford) vive en un hogar de jubilados y ha encontrado en Jewel (Sissy Spacek) al amor de su vida.

Cuando un día ve al detective John Hunt (Casey Affleck) por televisión, el ex atracador siente la necesidad de dar un último golpe y demostrar que aún puede traer en jaque a los policías más competentes.

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Crítica

Lowery ha elaborado una elegante despedida para Redford

David Lowery, el director de ‘A ghost story’, cambia totalmente de género cinematográfico y del terror más íntimo se pasa a una comedia ligera con alguna que otra pincelada de drama. Esta nueva película más que tener visos de convertirse en un título de culto, como su anterior largometraje, está destinada a rendir culto, en concreto a Robert Redford. Y lo hace convirtiéndole en un atracador de bancos que lejos de querer jubilarse bate récords de robos. En varios sentidos marca el fin de una carrera dedicada a robar corazones de un modo fino.

Aunque aún nos queda por oír su voz como narrador en ‘Buttons’ de Tim Janis, ‘The old man and the gun’ sabe a despedida. Es un adiós que además hace repaso a la carrera de Redford muy elegantemente y si uno ha seguido sus pasos también se puede decir que muy emotivamente. Mucha presión puede sentir un director a la hora de firmar el cierre de una filmografía de en torno a seis décadas.  Muchos de los títulos de Redford han estado ligados al mundo de las cárceles y las fugas, eso nos lo recuerda Lowery en una secuencia magistral en los compases finales de la película. También se encuentran sutiles guiños a películas como ‘El golpe’, ‘La jauría humana’ o ‘Dos hombres y un destino’.

La historia de ‘The old man and the gun’ tiene algo más de interés aparte de ser la última en la que parece que veremos al actor de Santa Monica. Trata sobre Forrest Tucker, alguien que realmente existió y que llegó a acumular entorno a cuatro millones de dólares en atracos. Se pasó la vida entrando y saliendo de la cárcel pero lo más memorable fueron sus robos siendo ya un anciano. Él y su banda fueron perseguidos durante bastante tiempo. La película juega con esa realidad y la recrea a su manera, creando una comedia bastante entrañable.

Curiosamente esta película reúne a Sissy Spacek con Robert Redford. Y digo que les reúne porque ambos compartieron escenario al subir a recoger su Oscar el mismo año, por ‘Quiero ser libre y ‘Gente corriente’ respectivamente. El trío de protagonistas se completa con otro reencuentro, esta vez más reciente. Casey Affleck ya trabajó con el director y guionista en ‘A ghost story’ y se convierte en el tercer actor principal de la cinta. También hay que contar con nombres como Danny Glover y Tom Waits para comprender porque digo que el reparto tiene mucho peso y se rodea de un casting bien elaborado.

La película está hecha para Robert Redford y el rol que ha tenido que desempeñar es muy cómodo para él. Nada que no haya hecho antes: guaperas con clase, granuja irremediable pero buena persona en el fondo, con métodos de la vieja escuela… Su interpretación no nos aporta nada nuevo, pero creo que en un título de estas características, con lo que representa, podemos permitírselo e incluso agradecérselo.

Para remontarnos a la época dorada de Redford nos han llevado a principios de los ochenta. Años en los que recibió su Oscar y en los que era más que cotizado por haber realizado películas como ‘El golpe’, ‘El gran Gatsby’, ‘Los intocables’,  ‘Dos hombres y un destino’ o ‘Todos los hombres del presidente’. Para retraernos a esos tiempos emplea títulos de crédito y cartelones propios de los años sesenta y setenta. También la calidad de su imagen y los tonos que vemos en la pantalla sumergen al espectador en un film que parece ser de hace varias décadas. El encanto de este filme es que nos devuelve a esos tiempos pasados, obligándonos a re-visionar títulos ya antológicos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: The old man and the gun. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: David Lowery. Guion: David Lowery. Música: Daniel Hart. Fotografía: Joe Anderson. Reparto principal: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tom Waits, Tika Sumpter, John David Washington. Producción: Identity Films, Wildwood Enterprises, Endgame Entertainment, Conde Nast Entertainment, Sailor Bear. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/old-man-and-the-gun/

Crítica: ‘Ötzi, el hombre de hielo’

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Sinopsis

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Los Alpes de Ötztal, hace más de 5300 años. Cerca de un arroyo, se ha asentado un poblado neolítico. Su líder Kelab tiene la responsabilidad de ser el guardián del santo sagrario,Tineka. Mientras Kelab está cazando, el asentamiento es atacado y los miembros de la tribu son brutalmente asesinados, entre ellos la mujer y el hijo de Kelab. Solo sobrevive un bebé recién nacido. ¡Y Tineka ha desaparecido!

Cegado por el dolor y la furia, Kelab solo tiene un objetivo:¡venganza!

La búsqueda de los asesinos se convertirá en una odisea para Kelab. Luchará para mantener con vida al bebé y contra las fuerzas de la naturaleza. Un error fatal lo convertirá de cazador a cazado. Además de todo ello, la soledad hará que Kelab dude de sus acciones cada vez más.
Cuando por fin Kelab se enfrente a los asesinos de su tribu, su mayor desafío será no convertirse en uno de ellos…

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Crítica

Una manera de dar a conocer un hallazgo revelador de nuestro pasado

El gran e insólito hallazgo de la momia congelada en los Alpes italianos a principios de los 90 le ha valido su tercera película a Felix Randau. Quién le iba a decir a ese individuo que murió hace más de 5000 años que iba a protagonizar un filme. Ötzi es un hombre que se sabe con bastante aproximación cómo murió y que se conservó congelado, convirtiéndose en la momia natural más antigua de la edad de cobre europea. Gracias a ello se conocieron o confirmaron muchas teorías acerca de las costumbres y condiciones en las que vivíamos antes de las primeras civilizaciones que nos dejaron un legado escrito.

Esta es una película muy relacionada con la investigación pues los estudios del cuerpo de la momia así como de los objetos que portaba han revelado buena parte de su historia y hábitos. Pero también tiene circula por la vertiente de las pesquisas criminalísticas ya que supone uno de los asesinatos sin resolver más antiguos que se conocen. Muchas de las teorías que rodean a Ötzi son imaginadas por los arqueólogos o ficcionadas a partir de los signos hallados en su cuerpo o los vestigios de sus pertenencias. La película se dedica en buena parte a recrear una historia inventada pero con numerosos puntos basados en datos científicos. Angelika Fleckinger, directora del Museo Arqueológico e South Tirol, ha servido de asesora para que la película sea lo más aproximada posible a la realidad que se piensa vivió este hombre hallado en el valle de Ötz, cerca de Tirol, que es donde se ha rodado la película.

Pero aunque el director y guionista le haya echado algo de imaginación todo lo que vemos en pantalla es más que factible. Me parece que informativamente es una película con alto valor. No parece tener fallos científicos en lo que se refiere a que nos representa como una sociedad sedentaria, agricultora, con ganado, casas, caza, ritos… Tenían por entonces sentido de la propiedad y llegaron los primeros intercambios con otras aldeas y ese tipo de interacciones es lo que le da a la película un pequeño toque de intriga que se suma a la espera de ver cómo han recreado la muerte de Ötzi. No se le da respuesta por ejemplo a las decenas de tatuajes de este misterioso hombre pero si al porqué actualmente es posible encontrar a unas 19 personas genéticamente emparentadas con él.

El estudio del ADN de Ötzi nos aportó el posible aspecto de este protagonista del largometraje y se ha buscado un actor similar a las recreaciones. Jürgen Vogel (‘La ola’) es Ötzi. La película está apoyada en el personaje que le da título, al cual se han permitido la licencia de bautizar como Kelab. Interactúan con él otros personajes, cuyos actores interpretan bien, con la simpleza de un hombre poco complejo y de hace tantos siglos. Quizá reconozcáis a algún que otro rostro pero quien más os va a sonar es Franco Nero, que tiene un brevísimo papel.

En el filme no se habla una lengua reconocible actualmente. Los protagonistas hablan un idioma creado a partir del rético. No se entiende lo que dicen ni nos ponen subtítulos porque, aunque con un guión algo aburrido, se ha rodado con la suficiente habilidad como para que se emplee una manera de expresarse de lo más universal.

Podemos decir que esta es una película divulgativa para aquellos que estén faltos de conocimientos de prehistoria. Como largometraje necesita algo más de ritmo o emoción, se queda en ese sentido por detrás de estrenos recientes como ‘Alpha’ o clásicos como ‘El clan del oso cavernario’. Su nivel de detalles acordes a lo documentado es bueno e ir identificando esas particularidades es lo que la hace más llevadera. Sus instantes finales nos dejan un pormenor que puede que deje espacio para la reflexión, acerca de cómo nos vemos a nosotros mismos y cuál es el sentido de nuestros actos desde tiempos inmemoriales.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: Der Mann aus dem Eis. Duración: 96 min. País: Alemania. Dirección: Felix Randau. Guion: Felix Randau. Música: Beat Solèr. Fotografía: Jakub Bejnarowicz. Reparto principal: Jürgen Vogel, André M. Hennicke, Sabin Tambrea, Susanne West, Franco Nero. Producción: Port au Prince Film, Kultur Produktion, Echo Films, Lucky Bird Pictures, Amour Fou Filmproduktion. Distribución: Festival-Films. Género: drama, historia. Web oficial: http://festival-films.com/el-hombre-de-hielo.html

Crítica: ‘La Favorita’

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Sinopsis

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Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra con Francia. Aun así, las carreras de patos y el gusto por la piña florecen. La frágil reina Ana (Olivia Colman) ocupa el trono y su amiga íntima, Lady Sarah Churchill (Rachel Weisz), gobierna el país en su lugar mientras se ocupa de la mala salud de Ana y su volátil temperamento. A la llegada de una nueva criada, Abigail Masham (Emma Stone), el carisma de esta se gana la simpatía de Sarah, que se convierte en su protectora y por su parte, Abigail ve en ello la posibilidad de regresar a sus raíces aristocráticas. A medida que la política de la guerra consume gran parte del tiempo de Sarah, Abigail llena el vacío que esta deja como compañera de la Reina. Su creciente amistad le brinda la oportunidad de cumplir sus ambiciones y no permitirá que ninguna mujer, hombre, política o conejo se interponga en su camino.

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Crítica

Una cinta de época que os dejará impresionados

Puedo decir sin equivocarme, que ‘La Favorita’ es una de las mejores películas del año 2019 y que no va a cambiar mi opinión de aquí a diciembre.

Que reparto, que dirección y que guión lleno de humor ácido y retorcido que sin duda Yorgos Lanthimos ha utilizado tan bien. No había visto aún ninguna película de este director y después de ver ‘La Favorita’ no será la única.

La película nos lleva a la corte de Ana de Gran Bretaña, donde la soberana, última británica de la casa Estuardo, vive en su palacio donde es manipulada por cualquiera que aparezca por allí, pero sobre todo por su intima amiga Sarah Jennings, que no solo es la consejera, sino la manda más de todo el reino. Pero el destino pone en su camino a su prima Abigail, una joven que hace que toda su vida de un vuelco tremendo.

En la película vemos las triquiñuelas de los palacios, la corte tan ridícula, que mientras el pueblo se muere de hambre, los ricos juegan a malgastar tomates con el bufón de la corte. Cosas así van apareciendo entre la trama para demostrarnos lo absurdo que era todo y como esos ricos decidían por el pueblo.

Rachel Weisz y Emma Stone están perfectas como siempre, además el papel de Emma Stone y su bajada a los infiernos es espectacular. Pero sin duda la gran Reina de toda la película es Olivia Colman (‘The Crown’) que da fuerza a su papel, pero sobre todo, candidez, ingenuidad y tristeza al ver como todo el mundo se aprovecha de ella. Me parece un trabajo espléndido y esperemos que siga cosechando premios como hasta ahora.

Eso sí, no solo las actrices hacen un gran trabajo, pues en el reparto masculino está Nicholas Hoult, con un papel muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados y que hará la vida imposible al personaje de Emma Stone para conseguir que todos sus planes salgan bien.

El guion lleva la mano de Deborah Davis y de Tony McNamara. Esta es la única película que no ha firmado como guionista el director y aun así se ha movido como pez en el agua, ya que otro de los fuertes de la película es la dirección. Con unos giros de cámara que son una locura, ojos de pez, que hacen que podamos ver los grandes pasillos y salones del palacio en su totalidad, un gran acierto pues te introduce perfectamente en el ambiente. Eso y también el vestuario de la mano de Sandy Powell es espectacular, todo el conjunto hace que nos creamos la película al cien por cien.

La película me ha entusiasmado en toda su totalidad, creo que es una buena opción para la carrera de los Oscar y sin duda va a dar más de una sorpresa.

 Ficha de la película

Estreno en España: 18 de enero de 2019. Título original: The Favourite. Duración: 121 min. País: Reino Unido. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guión: Deborah David, Tony McNamara. Música: Johnnie Burn. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, James Smith, Mark Gatiss, James Melville, PJoe Alwyn, John Locke. Producción: Element Pictures, Scarlet Films, Film 4 Productions. Distribución: 20th Century Fox. Género: Drama, comedia. Web oficial: http://www.foxsearchlight.com/thefavourite/

Crítica: ‘Glass’

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‘Glass’ es un thriller basado en un cómic donde el director M. Night Shyamalan reúne las narrativas de dos de sus películas más sobresalientes: ‘El protegido’, de Touchstone Pictures (2000), y ‘Multiple’ de Universal (2016). Después de ‘El protegido’, Bruce Willis retoma el papel de David Dunn y Samuel L. Jackson encarna a Elijah Price, conocido también por su seudónimo de Mr. Glass. James McAvoy, que trabajó en ‘Múltiple’, vuelve a interpretar a Kevin Wendell Crumb y las múltiples identidades que residen en él, y Anya Taylor-Joy es Casey Cooke, la única cautiva que sobrevivió a un encuentro con La Bestia.

Enlazando con la conclusión de ‘Múltiple’, ‘Glass’ nos descubre a Dunn persiguiendo a La Bestia, la figura sobrehumana de Crumb, en una serie de encuentros cada vez más intensos, mientras que la sombría presencia de Price surge como un orquestador que esconde secretos cruciales de ambos hombres.

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Crítica

La gran pregunta es ¿habrá más? Ojalá

Agradar y complacer a todos nunca es fácil. M. Night Shyamalan es verdad que tiene mi apoyo casi siempre y cuenta con un sobrado reconocimiento internacional, pero con una película que ha conseguido aunar tanto a Universal como a Disney tiene que haber consenso casi a la fuerza. En ‘Glass’ asistimos a la confirmación y consolidación de un universo Shyamalan con tintes comiqueros, un bollo glasseado para amantes de las historietas. Y se hace de un modo limítrofe a la mecánica de Marvel Studios pero permitiendo al director indio imponer su estilo, dejando claro que tiene su propio cine y que no cede ni a lo comercial ni al carácter de una superproducción. Por supuesto sin renegar a ninguno de los argumentos de ‘El protegido’ y ‘Múltiple’, todo encaja. Porque esta película no es un espectáculo desbocado ni una historia efectista, pero intuyo que es la idea del Dark Universe que a Universal Pictures le habría funcionado. Se acerca más a una obra de autor con las clásicas marcas que nos dejan siempre las películas de la Blumhouse.

El reparto de ‘Glass’, vestido por los diseños del español Paco Delgado, es pequeño pero sobradamente suficiente. Cuenta con actores con una larga experiencia en adaptaciones de cómics. Bruce Willis y Samuel L. Jackson ya habían trabajado juntos, malo sería con la cantidad de películas que han realizado, sobe todo Jackson. Se les une James McAvoy al protagonismo y el trío funciona como la seda. En teoría esta es la película para el personaje de Mr. Glass, pero de nuevo son las personalidades de McAvoy y su interpretación el plato fuerte. Su trabajo merece un largo etcétera de adjetivos, tan largo como la lista de personajes y matices que emplea. Juega al Dr. Jekyll elevado a una alta potencia. También es de admirar el valor de Shyamalan para dejar tanto tiempo en standby a Jackson. Pero eso es porque ha cuidado muy bien los detalles de sus personajes. El trabajo de Sarah Paulson y Anna Taylor-Joy queda en un segundo plano y nos topamos con una ligera sorpresa con Sprencer Treat Clark.

El bueno, el malo y el indeterminado. La inspiración en las viñetas sobrepasa lo obvio con sus personajes. A parte de poder reconocer referencias a superhéroes y colecciones conocidas el argumento está centrado en el mundo del noveno arte. Incluso Shyamalan mantiene sus cameos, tan propios del mismo Stan Lee.

Pese a lo sobrenatural de sus protagonistas este no es un título efectista. Tampoco nos lleva de un sitio a otro, no nos muestra lugares abrumadores. De hecho posee muy pocas localizaciones y no acusa la constancia de su escenario principal. Se pasa muy rápido, sobre todo si eres lector asiduo a los cómics o si estás abierto a captar la mecánica tradicional de estos. Es más, entreveo un homenaje al mundo de las viñetas además de una intención aleccionadora, que aboga más por una mayor comprensión de las páginas de los superhéroes antes que por sus adaptaciones cinematográficas.

Al final hay dos momentos importantes. Uno muy valiente y otro arriesgado. M. Night Shyamalan sorprende con la conclusión de la película y además nos mete ganas de más. Entendería si surge una parte del público que no acepte su cierre. Pero a mí personalmente no me importaría una cuarta entrega si nos volvemos a encontrar con el guionista sesudo que ha cosechado éxitos tiempo atrás o lo hará con este título y si con eso rompemos la absurda tradición de las trilogías.

Hay que tener presentes ‘El protegido’ y ‘Múltiple’ para tener una visión de conjunto de esta película. Sobre todo el primer título coge más forma y justificación con ‘Glass’. Aunque emplea metraje de esas películas y genera nuevos flashbacks creo que hace falta haber visto los títulos del 2000 y 2016. La única lástima es que no existe la tensión y el misterio que consiguió en sus otros trabajos, ellos ceden al bizarrismo de los personajes. Con lo que solo me queda decir, dejad a Shyamalan hacer su cine. ‘Glass’ es autorreferente, cumple su meta de ser meta.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de enero de 2019. Título original: Glass. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: M. Night Shyamalan. Guion: M. Night Shyamalan. Música: West Thordson. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Bruce Willis, Sarah Paulson, James McAvoy, Anna Taylor-Joy, Samuel L. Jackson, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Luke Kirby. Producción: Blumhouse Productions, Blinding Edge Pictures, Touchstone Pictures. Distribución: Buenavista, Walt Disney Pictures. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://twitter.com/GlassPelicula

Crítica: ‘Los nenúfares de Monet: la magia del agua y la luz’

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Los nenúfares de Monet: la magia del agua y la luz cuentan la historia del origen de una obra de arte en serie que rompió con la convención de un artista que dedicó su vida a la pintura. Su esfuerzo desafió el espacio y las convenciones en sus obras maestras atemporales.

En un país devastado por la guerra, el genio indiscutible del arte francés trastornó el mundo del arte y lo cambió para siempre. Cuando se acercaba el final de la Primera Guerra Mundial, Monet comprendió que su obra de arte debía ser su último legado a Francia: un símbolo de paz, esperanza y resistencia en un mundo maltrecho y sangriento.

Este es el relato de una obsesión: la luz y el agua de la que el pintor no pudo escapar y de cómo la transformó en magia. Una historia de elementos radicales que revolucionaron el Arte Moderno. La intención clara de Monet era transferir a la tela la «primera impresión pura» de las formas y objetos, tal como se representan a ojos de quién nunca los había visto. Este largometraje muestra los Nenúfares de Claude Monet como nunca vistos hasta el momento.

Una mirada única y exclusiva de las obras maestras ubicadas en el Museo Orangerie, el Museo Marmottan, el Museo Orsay y Giverny, por primera vez en la gran pantalla para ofrecer una experiencia única e irrepetible.

Con la inestimable contribución de Ross King, autor del bestseller Mad Enchantment: Claude Monet y la pintura de los lirios de agua (2016).

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Crítica

Monet y sus nenúfares, una historia llena de aventuras y desolación

Los días 14 y 15 podremos ver en las salas de cine ‘Los nenúfares de Monet: la magia del agua y la luz’. Documental dirigido por Giovanni Troilo, experto documentalista que nos trae la vida de este pintor obsesionado por el Sena.

El documental nos lleva en un viaje por Francia a conocer la vida de Monet, desde su más tierna infancia, donde se escapaba de la escuela para observar el mar y pintarlo, hasta su vejez, donde su obsesión por el agua llegó a tal punto de tener un lago lleno de nenúfares que a través de su borrosa mirada conocemos tan bien.

El documental está narrado por Elisa Lasowski (‘Promesas del Este’), la cual a través del Sena y de una casa acuática como la que tuvo Monet, nos va contando la complicada vida de este pintor.

Ver su país en guerra hizo que se replanteara muchas cosas, su arte se volvió más oscuro pero a la vez lleno de vida y esperanza. También su mundo se tambaleó a la muerte de su esposa, a la cual en el documental se la representa como a ‘Ofelia muerta’ de John Everett Millais, aunque nada tenga que ver, pero es una bonita metáfora de los sueños que el pintor tenía de ella.

Una de las cosas que más me ha gustado del documental ha sido el poder observar el jardín real en Giverny ,de dónde sacaba sus pinturas e inspiración. Monet se dedicó a vivir a la rivera del Sena y de tenía una casa flotante que utilizaba como estudio de pintura.

Sinceramente, aunque la historia del pintor es interesante, tiene unas imágenes bien bonitas pues al fin y al cabo la fotografía va de la mano de Sanne de Wilde y el poder ver los lugares y compararlos con las pinturas me parece un gran acierto. Pero me falla la narrativa, el documental es bastante soso y la actriz Elisa Lasowski no ayuda mucho a que se haga algo más ameno.

Pero quitando ese pequeño detalle, es un gusto poder conocer la vida de artistas, pues el contexto de su vida es importantísimo a la hora de poder entender su arte.

Monet amaba a los nenúfares, mas de 250 obras sobre este jardín infinito, el cual le daba paz y tranquilidad, pero que visitaba también en sus momentos más difíciles para poder intentar salir del infierno que en el que se encontraba.

Este último episodio de ‘Los Grandes del Arte en el Cine’ dura 80 minutos y en el entrareis en museos, estaréis en la naturaleza y sobre todo viajareis a través del Sena y los ojos vidriosos de Monet.

 Ficha de la película

Estreno en España: 14 y 15 de enero 2019.Título original: Water Lilies of Monet: The Magic of Water and Light. Duración: 80 min. País: Italia. Dirección: Giovanni Troilo. Guión: Giovanni Troilo Música: Remo Anzovino. Fotografía: Sanne de Wilde Reparto principal: Elisa Lasowski. Producción: Ballandi Arts. Distribución: A Contracorriente Films, The Film Agency, Arte en pantalla. Género: Documental.

Crítica: ‘El gran baño’

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Sinopsis

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En plena crisis de los cuarenta, un peculiar grupo de hombres decide formar el primer equipo nacional de natación sincronizada masculino. Desafiando estereotipos e ignorando la incomprensión de los que les rodean, se sumergen en una divertida e insólita aventura que les llevará a hacer frente a las dificultades y a sacar lo mejor de si mismos, gracias a la ilusión y el trabajo en equipo.

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Crítica

Una estructura clásica con acertadas diferencias de forma

Desde Francia nos llega la historia real de un equipo de natación sincronizada que rompió moldes. La ubicación se ha cambiado pues los hechos auténticos sucedieron en Suecia, pero el cartel de la película se encarga de hacer honor a esa nación, por lo menos su versión española.

Un grupo de fracasados y decaídos hombres entrena para exhibir sus números de natación sincronizada. Ya sea por el deporte que practican o por lo decepcionante de su existencia son objeto de burla y vapuleo. El protagonista de la cinta es un padre de familia deprimido por su situación de desempleo que en el agua encuentra un alivio, una desconexión o aislamiento. Mathieu Amalric es ese nuevo integrante del equipo que se incorpora justo a tiempo de que este se establezca grandes metas. El esquema de este filme es el clásico. Un equipo de derrotados y derrotistas recibe un nuevo miembro y eso les supone aire fresco, por lo que su suerte cambia. El filme cumple varios tópicos y resoluciones muy vistas, pero también posee varias diferencias que hacen que se salga de los moldes.

En primer lugar esta película no se basa en mostrar el contraste entre unos perdedores y alguien exitoso o profesional. Es más, nadie en la película tiene un mínimo atisbo de notoriedad en su vida. Es decir, un manta se une a otros mantas. No como sucede en películas similares tales como ‘Somos los mejores’, ‘Equipo a la fuerza’ o ‘Campeones’. Por otro lado permuta el juego habitual cambiando las tornas entre hombres y mujeres. Es una mujer la que entrena a un equipo de hombres en un deporte tradicionalmente femenino. Eso además de generar alguna que otra situación graciosa sumerge al filme en el asunto del papel de la mujer en la sociedad.

No solo porque no haya ni un solo triunfador nato o porque sepa darle la vuelta a las cuestiones de género se sale de la norma. ‘El gran baño’ habla desde su inicio de romper lo cuadriculado, de dar rienda suelta a los que prefieren los bordes redondeados. Y aunque no consigue la circulatura del cuadrado en prácticamente todos sus personajes alcanza su objetivo enarbolando diferentes «maneras de vivir», como decía Rosendo. Porque «son tiempos difíciles para los soñadores», decía la francesa ‘Amelie’.

El humor del filme se centra principalmente en el patetismo de sus personajes. Individuos que usan sus clases de natación como terapia de grupo y que se aíslan de su triste realidad ahogando las penas en agua y cloro. Personas en crisis sin ánimo ni intención de recuperar su juventud pero si las ganas de vivir y sentir.

El mayor acierto de Gilles Lellousche es el casting de la cinta, sobre todo haber contado con Amarlic para el papel principal. Es una especie de Steve Buscemi francés. Con un rostro tan consternador como chistoso construye a un personaje creíble y entrañable. Así mismo el resto del reparto logra, mejor que el propio guión, que nos creamos a sus nadadores haciéndonos partícipes de sus ilusiones y perspectivas. Su musicalidad también se une al buen trabajo del elenco actoral y nos remonta a más de un tema clásico.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de enero de 2018. Título original: Le grand bain. Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Gilles Lellouche. Guion: Gilles Lellouche. Música: Jon Brion. Fotografía: Laurent Tangy. Reparto principal: Guillaume Canet, Matthieu Almaric, Virginie Efira, Beoît Poelvorde, Jean-Hugues Anglade. Producción: Studiocanal. Distribución: flins & Piniculas. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=244

Crítica: ‘El vicio del poder’

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Sinopsis

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‘El vicio del poder’ explora la historia real jamás revelada sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale) un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día.

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Crítica

McKay se consuma como un gran narrador y crítico de la Norteamérica contemporánea

Es un clamor que Christian Bale es un grandísimo actor, ya no solo por los premios que acapara, entre ellos un Oscar, sino por su capacidad para transformarse en otras personas hasta el punto de comprometer su propia salud o el aspecto de su cuerpo. Lo suyo más que una habilidad camaleónica son aptitudes de mímesis. Se mezcla con la historia de su personaje y con el entorno o reparto que ponen a su disposición. Esta vez, jugándose la salud hasta un límite opuesto al que llegó con ‘El maquinista’, sigue los pasos de uno de sus mentores, Gary Oldman, y se convierte en un político al que siempre hemos visto de buen año, Dick Cheney.

Bale es un tipo de extremos, de método. Aunque en ‘El vicio del poder’ le vemos con mucho maquillaje ha tenido que convertirse en un auténtico zampabollos para ganar peso. Con ese aspecto físico conseguido solo le quedaba calcar los ademanes del vicepresidente de George W. Bush hijo. Desde los andares hasta su tunante risa ladeada vemos al personaje hecho realidad. Pero no solo de Christian Bale es meritorio de ese logro. Otros actores como Sam Rockwell, Amy Adams o Steve Carell nos esbozan maravillosamente a las personas a las que interpretan, especialmente Rockwell que encarna ese sandio, embaucador y engreído que era Bush. Si la cinta deja claro que Bush llegó donde llegó por la gente que le rodeó también nos remarca que Cheney tenía en todo momento a su esposa que le aleccionó para llegar a las más altas esferas.

Ni de lejos esta película se apoya solo en sus intérpretes. ‘El vicio del poder’ es tan buena porque la ha elaborado un gran contador de historias. Si los estadounidenses son expertos en saber contarnos sus propias crónicas Adam McKay ya es un artesano en ese campo. Elabora un discurso bien estructurado, fácil de seguir y en muchos puntos revelador. Todos los actores de su equipo o han trabajado juntos o con el director en otras películas. Sobre todo hay que tener en cuenta el anterior título de Adam McKay, ‘La gran apuesta’, que tiene un carácter similar y que cuenta también con Bale y Carell.

La película está trabajada a través de la comedia y el biopic, desde una orientación política clara pero sin los métodos agresivos de un extremista. Es menos combativa que las obras Michael Moore pero desde su lectura también hace uso de una gran sátira. Se palpa mucha improvisación en las escenas, pero también premeditación en un guión en el que se reconoce ya una marca de la casa, un estilo reclamado por McKay. La complicidad del reparto también es evidente, imagino que el rodaje debe haber ido como la seda.

De antemano el director y guionista nos manifiesta con humor cuáles son sus intenciones e inclinaciones políticas, así como que hay algo de ficción en la cinta dada la inaccesibilidad de su protagonista. Pero por si acaso no queda claro en los post-créditos no los remarca. Espero con total sinceridad que esta película sirva para que en nuestro país muchos puedan hacer examen de conciencia, para que establezcan los claros paralelismos que tiene. Este filme nos habla de las responsabilidades de los políticos, de las repercusiones históricas de sus actos y decisiones, así como de aquellos que les votan. El título hace referencia no solo al ansia de poder de los mandamases, sino también del pueblo que escoge a quién le gobierna guiándose por la necesidad de nutrir su hambre de superioridad y supremacía sobre el resto del mundo o sobre quienes considera inferiores.

Otro puntazo a favor es su narrativa. Desde una tercera persona nos elaboran una biografía que por si resulta menos explicativa que ‘La gran apuesta’ está repleta de metáforas, tanto gráficas como orales. Veo este título mucho más fácil de seguir que el anterior estrenado por McKay y sus alegorías son del todo acertadas y aclaratorias.

En ‘El vicio del poder’ vais a recorrer las etapas de Nixon, de Bush padre, de las elecciones con recuento de votos, del 11-S, de la segunda guerra de Irak… En estos dos últimos tramos que menciono el filme pierde mucho su sarcasmo y hace peligrar su ritmo. Muy importante es también que trate temas personales como los infartos de Cheney, por algo que no quiero desvelar para no quitarle gracia y porque el propio director sufrió uno antes de finalizar el filme e insertó imágenes de su intervención en la película.

Este nuevo estreno que ya tiene varias nominaciones en los Globos de Oro nos da brillantes momentos. Entre ellos una gran escena en la que hace una breve aparición Alfred Molina. En ese momento vemos con meridiana efectividad la sátira y crítica de McKay. Con esta mención quiero hacer énfasis en el tono sarcástico del filme, en su búsqueda de remover conciencias sin dejar nada al azar y en su denuncia hacia el ciudadano medio que mira con indiferencia y anestesia los actos evidentes de destrucción que tiene ante él. Comedia histórica que no os debéis perder.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Vice. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Eddie Marsan, Jesse Plemons, Naomi Watts, Alfred Molina. Producción: Gary Sanchez Productions, Plan B Entertainment, Annapurna Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.vice.movie/

Crítica: ‘Astérix: El secreto de la poción mágica’

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Sinopsis

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Cuando Panoramix se cae de un árbol mientras intentaba coger muérdago y se rompe las piernas, decide que debe buscar un sucesor. Con Astérix y Obélix a su lado, se embarca en un viaje a través de la Galia para encontrar un druida. Un druida que pueda entrenar y que sea digno de heredar la receta de la poción mágica…

El mismo equipo que estaba detrás de Astérix: la residencia de los dioses, se vuelve a reunir para llevar a la gran pantalla una nueva historia protagonizada por el irreductible pueblo galo creado por Goscinny y Uderzo.

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Crítica

Los irreductibles galos vuelven para hacernos disfrutar

Poco nuevo os voy a contar de lo que os vais a encontrar en esta película, pues dudo mucho que no conozcáis a los galos que protagonizan esta historia. Una nueva entrega de Astérix y Obélix llega a nuestras pantallas y de nuevo se encargan de dirigirla Alexandre Asiter y Louis Clichy, que fueron los encargados de volvernos a traer a estos héroes en 2014 con ‘Asterix : La residencia  de los dioses‘.

En esta cinta cambia un poco el juego, si, los romanos siguen intentando acabar con Armórica, si, los galos siguen comiendo jabalíes y por supuesto, los pobres piratas siguen perdiendo su barco cada vez que Astérix u Obélix están cerca. Pero esta vez la historia se centra en Panorámix, el querido druida de la aldea, el cual está en horas bajas y monta un drama al caerse de una rama. En su búsqueda de un sustituto conoceremos a nuevos y divertidos personajes que harán las delicias de todo el público que se acerque a ver la película.

Los directores vuelven a confiar en el trabajo de Mikros Animation, de los cuales hemos visto trabajos como ‘El Principito’ o ‘Astérix: La residencia de los dioses‘. Un verdadero acierto pues el trabajo es estupendo.

Se ha convertido en costumbre en la animación, que a la hora de contar una historia dentro de la historia que estamos viendo, el estilo del dibujo cambie y en este caso no es diferente. La animación digital deja paso a los bosquejos en lapicero que bien podrían ser meros bocetos de los dibujantes originales. Una bonita manera de mostrarnos que realmente esta película proviene del mundo del cómic.

Christian Clavier y Guillaume Briat, vuelven a dar sus voces a los dos personajes protagonistas. El primero no solo ha dado su voz en las versiones  animadas, si no que en dos de las versiones de imagen real pone también cuerpo a Astérix.

No perdáis como siempre de vista los nombres de los personaje secundarios, pues merecen mucho la pena, como Vitroceramix, pero no es el único y sin duda encontraréis a más de un héroe de acción.

Sin duda una buena opción para llevar a lo más pequeños al cine este fin de semana y divertiros en familia.

 Ficha de la película

Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Astérix: Le secret de la potion magique. Duración: 86 min. País: Francia. Dirección: Alexandre Astier, Louis Clichy. Guión: Alexandre Astier, basado en el cómic de René Goscinny y Albert Uderzo. Música: Philipe Rombi. Fotografía: David Dulac. Reparto principal: Christian Clavier, Guillaume Briat, Alex Lutz, Alexandre Astier, Elie Semoun, Daniel Mesguich, Bernard Alane, Lionnel Astier. Producción: M6 Studio, Mikros Image, Canal +, Centre National de la Cinématographie. Distribución: Vertice 360. Género: Animación, aventura. Web oficial: http://www.vertice360.com/asterix-el-secreto-de-la-pocion-magica/

Crítica: ‘Memorias de un hombre en pijama’

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Sinopsis

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‘Memorias de un Hombre en Pijama’, es la historia de Paco, un cuarentón soltero empedernido,  que en la plenitud de su vida consigue su sueño infantil: trabajar desde casa y en pijama.

Pero cuando creía haber encontrado el súmmum de la felicidad, irrumpe en su vida Jilguero,  la chica de la que se enamora y que tendrá que luchar por permanecer al lado de un hombre cuyo máximo objetivo vital es quedarse en casa en pijama.

Es también la historia de los solteros y las parejas, amigos de ambos, que con sus divertidas anécdotas influyen en sus vidas y en su relación.

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Crítica

Memorias no memorables

Quizás es más conocido por todos por ‘Arrugas’ y su versión animada, pero Paco Roca es un historietista que ha sido múltiplemente premiado, con el Premio Nacional del Cómic inclusive. En sus obras contempla reflexiones mezcladas con una cotidianidad de lo más mundana. En el caso de ‘Memorias de un hombre en pijama’ me decepcionó, pese a parecerme una manera original de narrar los trasuntos de la vida de un dibujante que en algunos sentidos me recordó a otros cómics como ‘Los profesionales’, pero con un tono menos políticamente cargado.

La animación de esta traslación del papel a la pantalla no es mala, al contrario que su doblaje. Aporta más texturas, luces y volumen a las imágenes del cómic original pero mantiene sus proporciones y atmósfera. Los muchos retazos de los que se componía el tebeo van apareciendo de manera reconocible en la película.

En mi caso el cómic cuando más me gustaba era cuando entroncaba con esas curiosidades que desvelan el día a día de un dibujante: los agobios por las entregas, la precariedad, la búsqueda de inspiración, las frustraciones del artista, la ingratitud hacia los autores… Con la película me sucede igual. El personaje ya venía desarrollado de las viñetas y para mí están claros cuáles son sus puntos fuertes y cuales los flacos. Estas memorias de un hombre en pijama las considero buena adaptación, pero no buena película porque cojea y brilla en los mismos aspectos.

Funciona cuando consigue conectar con ese lado tan real que reconocerán muchos lectores. Pero cuando trata de intentar hacer sensacional algo que es ordinario nos encontramos con una fórmula que no funciona, eso me pasó con la narrativa de Roca en el papel y tampoco me ha parecido lo suficientemente carismática en el caso del trabajo de Carlos Fernández de Vigo. El primer largometraje del director no creo que sea una historia en la que se pretenda que empaticemos con el personaje, aunque en muchos aspectos nos sentiremos alineados con él. Es un diario en movimiento que puede que para algunos tenga interés, pero al margen de los asuntos de artista que he mencionado antes no le veo relevancia. Este es un relato con patetismo, guiños generacionales, escenas de pareja… que no consiguen llenarse del «buenrollismo» y la auténtica complejidad que le corresponde. Su mensaje es vacuo, no se percibe un todo que defina la película de manera justificada.

La suma de anécdotas que vamos viendo están acompañadas de las canciones de ‘Love of lesbian’. En gran medida ‘Memorias de un hombre en pijama’ parece un vídeo promocional del grupo del que tampoco puedo decir que sea seguidor. Al margen de mi gusto musical hay que decir que las canciones no acompañan a las escenas. E irónicamente aunque tenga tantos temas del grupo español esta es una cinta muy arrítmica. Los planos dibujados son muy estáticos, la historia transcurre con un sonido pobre y la voz que ha empleado Raúl Arévalo tampoco ayuda a avivar el relato.

Me parece buena noticia que viñetas españolas se lleven a la gran pantalla pero en resumidas cuentas, parece que esta película, aunque surja de las páginas de un cómic, arte que tanto me gusta, no está hecha para mí.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2019. Título original: Memorias de un hombre en pijama. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Carlos Fernández de Vigo. Guion: Ángel de la Cruz, Paco Roca, Diana López Varela. Música: Love of lesbian. Fotografía: Carlos García Cabeza. Reparto principal: Raúl Arévalo, María Castro, Manuel Manquiña. Producción: Dream Team Concept, Ladybug Films, Movistar+, Televisión de Galicia (TVG), Televisión Española (TVE). Distribución: Begin Again. Género: comedia, animación, cómic, adaptación. Web oficial: https://twitter.com/UnHombrenPijama

Crítica: ‘Juliet, desnuda’

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Sinopsis

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Basada en la exitosa novela de Nick Hornby (Alta fidelidad), Annie (Rose Byrne) y Duncan (Chris O´Dowd) están cerca de la cuarentena y son pareja desde hace quince años. Ambos llevan una vida tranquila, pero a Annie le inquieta el paso del tiempo sin ninguna pasión. Duncan, en cambio, concentra toda su atención en Tucker Crowe (Ethan Hawke), un músico americano que desapareció tras publicar el exitoso álbum ‘Juliet’. Pero cuando los caminos de Annie, Tucker y Duncan comienzan a cruzarse, descubrirán que la vida nos da sorpresas y que todo puede cambiar.

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Crítica

‘Juliet, desnuda’ una comedia a la antigua usanza.

Si estáis cansados de superhéroes, películas demasiado complicadas y queréis ir al cine a ver una cinta bonita, con humor ácido y buena música, ‘Juliet, desnuda’ es vuestra película.

Basada en la novela de Nick Hornby, escritor de ‘Alta fidelidad’, la cinta nos trae un trío amoroso en un pueblecito británico. La mitomanía obsesiva del personaje de Chris O’Dowd, dejando de lado a su mujer por un cantante que desapareció hace años, es la clave de esta cinta donde vemos que pasados los cuarenta años seguimos con las mismas dudas que con veinte y que aun puedes coger la vida por los cuernos.

El gran acierto de Jesse Peretz es sin duda su reparto, Rose Byrne, Ethan Hawke y Chris O’Dowd, son los encargados de dar fuerza y veracidad a esta cinta.

El papel de hombre dejado, con miles de hijos y que vive de sus antiguos éxitos es para Ethan Hawke, que es el punto medio en este trío. La ternura de Annie hace que Tucker comience a fijar en ella y a darse cuenta de los muchos errores que ha cometido a lo largo de su vida. Mientras que Chris O’Dowd es el obsesivo marido de Annie que vive para y por su ídolo. Sus escenas de máster en un blog son estupendas.

En el reparto encontramos también a Phil Davis, Denise Gough, Lily Newmark, Ayoola Smart o Eno Clienti.

Aparte del reparto que como he dicho es lo mejor, el pueblecito en el que vive Annie nos enseña el porqué de su personalidad, sencilla y calmada. Pues el lugar es tranquilo, pequeño y muy bucólico.

La película no es nada original, no os va a sorprender, pero sí que es verdad que de vez en cuando hace falta una película así, sencilla, divertida, sin más pretensiones que contarnos una historia bonita y entretenernos durante la hora y media que dura la película.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2019. Título original: Juliet, Naked. Duración: 105. País: Estados Unidos. Dirección: Jesse Peretz. Guión: Tamara Jenkins, Evgenia Peretz, Jim Taylor basada en la novela de Nick Hornby. Música: Nathan Larson. Fotografía: Remi Adefarasin. Reparto principal: Rose Byrne, Ethan Hawke, Chris O’Dowd, Megan Dodds, Jimmy O. YAng, Lily Newmark, Ayoola Smart, Sascha Panknin, Thomas Gray. Producción: Apatow Producttions Distribución: Diamond Films. Género: Comedia. Web oficial: http://diamondfilms.es/juliet-desnuda/

Crítica: ‘El collar rojo’

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Sinopsis

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En el verano de 1919, Jacques Morlac, un héroe de la Primera Guerra Mundial encarcelado, le cuenta su historia al juez, un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra. Delante de la puerta del cuartel, el perro del soldado le espera, ladrando día y noche.

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Crítica

Un título sin pretenciosidad y con humildes argumentos

En primer lugar me gustaría decir que agradezco que aparezcan películas sencillas como ‘El collar rojo’. No voy a soltar un discurso sobre el estado de la crítica del cine, sobre la tendencia de generarse grandes expectativas que parece generalizada y que hace que casi todos los comentarios sean extremos: o muy buena o muy mala. Este nuevo filme de Jean Becker (‘Mis tardes con Margueritte’) es normal y corriente.

‘El collar rojo’ es una película sin grandes pretensiones y no por eso se queda en algo mediocre. Funciona bien en varios de los argumentos extraídos de la novela de Jean-Christophe Ruffin y su duración es apropiada. Una película pequeña con pocas cosas que reprochar y con un rostro bien conocido como el de François Cluzet (‘Normandía al desnudo’, ‘Intocable’).

La historia nos narra la relación que se genera entre un juez militar (Cluzet) y un joven francés acusado de algo que en tiempos de la I Guerra Mundial podía tener graves consecuencias. La peculiaridad del filme es que mientras el inculpado permanece retenido en prisión su perro le aguarda a sus afueras cual Hachikō. La cuestión es que ese perro pertenece realmente a la amada del reo y mientras que el juez le interroga va descubriendo la historia de amor que vivió en el pasado y aquello que le ha llevado a su celda.

Una de las pegas del filme es que la historia de amor se impone bastante a la del perro que es el verdadero sino del filme. Es decir, lo que más interesa es averiguar por qué el largometraje se llama el collar rojo y por qué el personaje de Nicolas Duvauchelle ha sido encarcelado. Pero casi todo el tiempo estamos recibiendo novedades sobre su romance y el perro se convierte casi en un McGuffin.

Esta no es una película con fines animalistas. Su discurso transcurre más por las vías de la crítica ligera a los valores tradicionales, hacía la auténtica humanidad y el significado del verdadero honor. En cuanto la cinta esgrime dos o tres pinceladas en sus primeros compases sobre cuáles son sus manifiestos se hace evidente el desenlace. No obstante su ambientación, su cercanía y cordialidad nos permiten aguantar hasta el final sin aburrirnos.

Un poco de filosofeo y la habilidad de dejarnos ver al perro protagonista desde varios puntos de vista son varios de los puntos destacables de un filme que os puede hacer pasar un buen rato sin buscar la típica sensiblería que tanto nos hace sufrir por los animales en otros largometrajes.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2018. Título original: Le collier rouge. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Jean Becker. Guion: Jean Becker, Jean-Christophe Rufin, Jean-Loup Dabadie. Música: Johan Hoogewijs. Fotografía: Yves Angelo. Reparto principal: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck, Jean-Quentin Châtelain, Patrick Descamps, Lynn Collins. Producción: ICE3, K.J.B. Production, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/925/el-collar-rojo/

Así es ‘Bandersnatch’, la película interactiva de ‘Black Mirror’

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Vuestra primera decisión la tomamos nosotros, vedla

Lo nuevo de ‘Black Mirror’ no es una temporada, es una película. Pero en cierto sentido si tenemos varias propuestas pues llega de manera fracturada, con varios finales distintos que podremos ver en función de lo que decidamos que haga el protagonista. Es una propuesta muy de videojuego pero también de juego de rol. ‘Bandersnatch’ es un gran experimento, una nueva propuesta de Netflix que funciona de manera interactiva, que va a acaparar bastante de vuestro tiempo y atención.

De nuevo Netflix tira de nostalgia como en otros de sus buques insignia, véase ‘Stranger things’, sobre todo con su ambientación pero también nos rememora a épocas de nuestra infancia en las que leíamos los libros de «Elige tu propia aventura». Ahora Netflix incorpora esa técnica a su plataforma digital. Un ejercicio que ya hacen desde hace tiempo algunos usuarios de Youtube consiguiendo bastantes visionados. Esta es una película que se basa en lo que pulsamos en determinados momentos. La plataforma nos ofrece distintas vías de elección y de ese modo encadenamos varias secuencias de escenas. Muchos videojuegos de hoy en día nos ofrecen conclusiones alternativas, determinadas por nuestros actos, pero al contrario que en un videojuego ‘Bandersnatch’  no está guiada por una inteligencia artificial, por lo tanto estamos un poco supeditados a la hora de elegir, es decir, da la impresión de que todas las decisiones que tomamos nos abren nuevas visualizaciones pero no todas nuestras respuestas determinan cuál de los múltiples finales vamos a ver. La serie tiene muchos callejones sin salida que os harán retroceder para intentar llegar a los títulos de crédito.

‘Bandersnatch’ es autorreferente, no solo porque su trama haga referencia a la interacción del espectador con la historia, si no porque también introduce abiertamente guiños a otros episodios de ‘Black Mirror’. Además el protagonista es un espectador y un creador de historias, pero el espectador también es creador de historia y protagonista de la trama. De ahí que se cree un círculo vicioso de referencias que os va a atrapar. Es una obra que a ilustres de la ciencia ficción como Philip K. Dick, al cual se hace alusión, le habría encantado.

Algo muy bueno es que, por suerte, nos impide poder despistarnos con el móvil o con nuestras mascotas ya que las opciones aparecen en pantalla durante el visionado y tenemos que decidir rápidamente qué camino seguir. Nada de distraerse pues va todo de manera fluida, continuada y sin cortes.

Os planteareis cuántas veces habréis querido redefinir vuestra vida eligiendo un camino diferente al que habéis escogido. Tiempo y poder. Tiempo para vislumbrar las opciones con claridad o perspectiva y poder para decidir y rectificar con conocimiento. Eso es lo que nos devuelve este nuevo juego cinematográfico. Por cierto que tampoco podréis mirar la barra de tiempo a ver cuánto queda del episodio porque eso también es una incertidumbre en esta ocasión.

El número de escenas, la cantidad de metraje que tiene que haber generado el director David Slade (‘Hard candy’, ’30 días de oscuridad’, serie ‘American Gods’) tiene que ser inmensa. Sé que hay películas complejas de rodar o muy extensas, con mucho material no utilizado, pero lo de este episodio tiene que haber sido una verdadera labor titánica de logística. Por supuesto todo está escrito por el guionista habitual y creador de ‘Black Mirror’, Charlie Brooker.

La elección del reparto también es un gran acierto. Will Poulter (‘Detroit’) tiene un gran papel y de nuevo realiza una interpretación digna de mención. Son muchas las expectativas que tengo en este actor y él no hace más que incrementarlas. Pero el verdadero protagonista, a parte de nosotros mismos, es Fionn Whitehead (‘Dunkerque’). Plasma a un personaje psicótico y obsesivo sin caer en tópicos.

‘Black Mirror’ vuelve a jugar con nuestra conciencia y consciencia, vuelve a jugar con nuestro corazón y nuestra mente haciéndonos además partícipes de la historia que vemos, convirtiéndonos en el gran hermano se un Show de Truman digital. El debate siempre está presente con esta franquicia y en esta ocasión llega de la mano de la historia de un joven creador de videojuegos que cuestiona su realidad y que no puede ser responsable de las consecuencias de sus actos, porque no son realmente suyos. A muy pocos les costará empatizar con el protagonista por aquello de querer rehacer su historia a partir de un punto u otro.

La faena para muchos puede ser que su móvil o dispositivo no sea compatible con este nuevo formato que si convierte a ‘Black Mirror’ en una producción original de la casa, más allá de haber sido una adquisición a Channel 4. Nosotros ya hemos desbloqueado varios finales, que no vamos a desvelar, aunque el spoiler no importará mucho si llegáis a conclusiones distintas. Hay usuarios que ya han realizado un diagrama de flujo de la película. Si quieres un consejo hacer un buen ejercicio de empatía o de interpretación para saber qué os puede llevar a un final distinto o al menos para no caer en un callejón sin salida.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Black Mirror: Bandersnatch. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: David Slade. Guion: Charlie Brooker. Música: Brian Reitzell. Fotografía: Jake Polonsky. Reparto principal: Fionn Whitehead, Will Poulter, Asim Chaudhry, Alice Lowe, Craig Parkinson. Producción: Netflix, Hose of Tomorror. Distribución: Netflix. Género: drama, ciencia ficción, thriller. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80988062

Crítica: ‘Tiempo después’

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Sinopsis

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En el 9177, mil años arriba, mil años abajo –que tampoco hay que pillarse los dedos con estas minucias-, el mundo entero –y según algunos autores, el universo también- se ha visto reducido a un solo Edificio Representativo y a unas afueras cochambrosas habitadas por todos los parados y hambrientos del cosmos.

Entre todos estos desgraciados, José María decide que, con las dificultades que haya que salvar y mediante la venta en el Edificio Representativo de una riquísima limonada que él manufactura, otro mundo es posible.

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Crítica

Cuerda, todos somos contingentes, pero tú eres necesario

La nueva película de Jose Luis Cuerda podría calificarse como una distopía, por eso de que transcurre en un futuro lejano en el que el mundo vive concentrado en un solo rascacielos marginando a sus afueras a todo aquel que no dispone de uno de los empleos predefinidos por el régimen establecido. Pero tiene más de real de lo que parece y la propia sinopsis que acabo de daros os puede orientar hacia el por qué. ‘Tiempo después’, que surge de una novela del propio Cuerda y podría estar ambientada en la misma realidad que ‘Amanece que no es poco’, retrata desde el futuro muchos de los males de nuestra actualidad e historia. Y esto sucede también con el tono del filme, que desde su sindiós nos hace cavilar sobre cosas muy sensatas.

Por supuesto que esta es una propuesta muy cómica pero también nos trae algo de drama en cuanto pensamos la situación que nos quiere plasmar. Entre gags y verborrea resabida Cuerda nos dice que nos desnaturalizamos en cuanto dejamos de ser humanos para responder a fines económicos o empresariales, en cuanto nos marcamos objetivos basados en cifras y en un sistema, por encima de cualquiera que sea la condición humana. Al grito de ¡taxidermia! nos dice que estamos disecados obedeciendo órdenes. Acomete contra una sociedad de clases, de ideas sesgadas o banalizadas y contra el control absoluto del sistema. Al menos eso he extraído yo al finalizar la película. En esta ocasión la crítica es mucho más abierta y menos implícita. En ocasiones esa condición es la que hace que sea una película inferior a un tan mitificado título como ‘Amanece que no es poco’, al que encontraréis muchos guiños.

‘Tiempo después’ nos devuelve al Cuerda que nos rodea de muchos personajes, todos ellos con la elocuencia de un experimentado literato y el manejo del lenguaje de un escritor del Siglo de Oro. La espontaneidad tan docta de sus personajes, por muy mundanos que sean, es lo que le da chispa a la película.

Su historia también está más definida que su comedia de 1989, la cual mezclaba tramas casi sin relación entre ellas. Aún así ‘Tiempo después’ es tan ilegible y tan galimatías que solo se puede describir como ejdidie krfiensosi sorjeoso eici fie ale.

No puedo dejar de creer que la elección de los edificios de la película también responde a un doble sentido crítico, que se suma a su particular estructura. Unidas las futuristas Torres Blancas y el peculiar edificio de la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España caricaturizan nuestro sistema tradicional y el futuro que creemos que vamos a tener como sociedad organizada. Desde el hall de patrimonio hasta el skyline de la torre, todo se presenta como desolador o predefinido y eso que son dos edificios que se saltan las normas arquitectónicamente hablando.

Los razonamientos y elucubraciones los personajes de ‘Tiempo después’ nos dan la gran ironía que hace falta en estos tiempos. Los actores escogidos para interpretarles tienen roles que les vienen como anillo al dedo. Si tenía que regresar Cuerda con una película de este estilo es ahora, cuando proliferan tantos cómicos versados en lo disparatado y chanante. Ellos recogen el guante arrojado por el director y escritor incorporando a su estilo las ideas del guión y no al revés, como pasa muchas veces en las que se desfigura el planteamiento en favor de hacer brillar a determinados nombres.

Solo un maestro como Cuerda puede demostrar con una comedia tan alocada lo cuerdo que está. Aunque no lo parezca el argumento tiene más sentido, pese a que visualmente es más estrambótica que ‘Amanece que no es poco’. A parte de a otros títulos harto conocidos, como he dicho antes hay referencias y guiños a Amanece. Así como repite algunas frases o escenas nos planta delante jóvenes rebeldes que dicen «Ortega y Gasset mola mazo» con la misma naturalidad con que sus pueblerinos adoraban a Faulkner. Al que no le gustase esa película… que no vea esta porque sigue su estela.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de diciembre. Título original: Tiempo después. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Jose Luis Cuerda. Guion: Jose Luis Cuerda. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Blanca Suárez, Roberto Álamo, Arturo Valls, Miguel Rellán, Carlos Areces, Gabino Diego, Manolo Solo, Antonio de la Torre, María Ballesteros, César Sarachu, Secun de la Rosa, Andreu Buenafuente, Berto Romero, Daniel Pérez Prada, Raúl Cimas, Joaquín Reyes, Estefanía de los Santos, Nerea Camacho. Producción: Estela Films, Pólvora Films, Lanube Películas, El Terrat, Atresmedia Cine. Distribución: eOne Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://twitter.com/TiempoDespues_