Archivo de la categoría: Críticas

Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Todo el dinero del mundo’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Roma, 1973. Unos hombres enmascarados secuestran a un adolescente llamado Paul (Charlie Plummer). Su abuelo, J. Paul Getty (Christopher Plummer), es el hombre más rico del mundo, un magnate petrolero tan multimillonario como avaro. El secuestro de su nieto favorito no es razón suficiente para renunciar a parte de su fortuna.

“Todo el dinero del mundo” cuenta la historia de Gail (Michelle Williams), la persistente y tenaz madre de Paul para quien, al contrario que Getty, sus hijos son lo más importante. La vida de su hijo depende de un tiempo que se acaba, y los secuestradores se muestran cada vez más decididos, inestables y violentos. Cuando Getty envía a su enigmático hombre de seguridad, Fletcher Chace (Mark Wahlberg), a velar por los intereses de su nieto, él y Gail se alían en una carrera contrarreloj que revelará el valor del amor frente al dinero.

[/toggle]

Crítica

Christopher Plummer es el magnate de oro que toda afortunada película debe tener.

El ganador de un Oscar por ‘Beginners’ es lo mejor de esta película y no hay que olvidar que está en ella casi por casualidad. El film de Ridley Scott se estrena tras las acusaciones de acoso sexual contra Kevin Spacey, lo que llevó al director a sustituir a este actor por Christopher Plummer en el papel de John Paul Getty. No hemos podido ver la interpretación de Spacey, pero Plummer, sin ser el protagonista de la película, hace que toda la historia brille de una forma especial.

Un film de suspense muy bien narrado y que se estrenó en Estados Unidos en navidad. No parece casualidad esta fecha, porque la historia recoge la esencia del cuento de navidad de Dickens. Un empresario avaro hasta la médula, incluso tan egoísta en la realidad que de realizarlo en una película parecería increíble.

El fondo de este secuestro, basado en hechos reales, es el origen del poder y el dinero. Así vemos a 2 empresarios con un objetivo común, perversos a su manera y cada uno mercadeando con las vidas humanas a su estilo.

Entre las actuaciones, además de Christopher Plummer, hay que destacar al otro Plummer (sin parentesco) cuya actuación como el joven John Paul Getty III mejora escena por escena y va creciendo según avanza el argumento. En cambio, en el otro lado están las interpretaciones de Michelle Williams y Mark Wahlberg, correctas, pero lejos de brillar. En ocasiones las escenas de la pareja carecen de conexión y resultan algo planas. No están del todo claras sus intenciones y su fondo es algo confuso.

Una banda sonora con clásicos italianos que ayudan a sumergirse en una película ambientada a la corrección en los años 60, tanto en el color como en el sonido.

La técnica es excelente y salvo alguna elipsis mal explicada o poco clara, la película engancha y atrapa de principio a fin.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero de 2018. Título original: All the Money in the World. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guión: David Scarpa. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Michelle Williams, Christopher Plummer, Mark Wahlberg, Romain Duris, Charlie Plummer, Timothy Hutton. Producción: Imperative Entertainment, Scott Free Films, TriStar Productions, RedRum Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.allthemoney-movie.com/

Crítica: ‘Yo, Tonya’

Posted on por
2

Sinopsis

[toggle]

Tonya Harding (Margot Robbie) dominó el hielo con un estilo de patinaje totalmente único. También dominó los titulares por algo completamente diferente. ‘Yo, Tonya’ es, por momentos, un absurdo, trágico e hilarante retrato de la mujer en el centro del mayor escándalo en la historia del deporte.

[/toggle]

Crítica

Nadie debería perderse esta historia tan loca y divertida.

Ya hemos visto ‘Yo, Tonya’ y sólo podemos decir cosas buenas de esta cinta donde la comedia se impone ante una historia real y bastante seria. La película nos trae la vida de Tonya Harding, una de las mejores patinadoras que ha tenido Estados Unidos, la cual se vio envuelta en el ataque que casi le cuesta a Nancy Kerrigang el poder jugar los Juegos Olímpicos de 1994.

‘Yo, Tonya’ está contada a partir de entrevistas reales de todos los que tuvieron que ver en ese momento con el incidente, ya sea directa o indirectamente, eso sí cada uno contando su propia verdad. De una manera divertida y bastante provocativa, nos adentra en la turbulenta vida de esta deportista que no tuvo lo que se dice una vida fácil y tampoco su carácter ayudaba mucho a que la gente la tuviese en estima.

Lo que han conseguido Craig Gillespie (director) y Steven Rogers (guionista) es fabuloso, lograr que el público no se aburra sabiendo lo que va a pasar al final y por supuesto conseguir humor de una historia que para nada lo es, me parece algo muy loable y me da mucha rabia que no ‘Yo, Tonya’ no esté nominada a mejor película en los Oscar, pues al menos la nominación es bien merecida.

El casting es sin duda lo mejor, Margot Robbie nos demuestra una vez más lo buena actriz que es y como el parecido físico muchas veces no importa si sabes interpretar a la persona a la perfección. Margot consigue eso y mucho más, sabes que es ella, pero a la vez te olvidas por completo, pues lo dicho, logra ser Tonya Harding, logra que con simples gestos sepas que estás ante una patinadora de los años 90 dispuesta a sobrepasar todos los obstáculos que la vida le pone por delante. Eso sí, una de las fallas de la película es a la actriz haciendo de una chiquilla de 15 años, deberían de haber buscado a alguien que se le pareciera, no creo que hubiese sido difícil.

También tenemos a Mckenna Grace en el papel de una pequeña Tonya, donde su carácter se va formando a partir del maltrato de su madre y abandono de su padre y como ya os comenté en la crítica de ‘Un don excepcional’ esta niña apunta maneras.

En los papeles masculinos tenemos a Paul Walter Hauser, que hace del guardaespaldas de la deportista, que puede parecer un personaje sacado de cualquier comedia de serie B, pero no, viendo las entrevistas reales, el actor ha clavado el personaje. Y luego está Sebastian Stan (‘Capitan América: El Soldado de Invierno‘), que está totalmente irreconocible, mostrándonos quizás el lado más serio de la película, aunque su personaje en ocasiones también está bastante caricaturizado.

Y al igual que con Margot Robbie, hago un parón especial para Allison Janney (‘Mom’), ganadora al Globo de Oro a
Mejor Actriz de Reparto por esta cinta y que esperemos gane el Oscar dentro de unas semanas. Espectacular es la palabra, su papel de madre asquerosa, rancia, a la cual coges una manía increíble, pero que a la vez estás deseando que vuelva a salir en pantalla, es estupendo y sin duda ha tenido un gran trabajo de documentación y de actuación que espero no pase desapercibido.

En las redes sociales, sobre todo Youtube, hay muchísima información sobre el caso de Tonya Harding y se nota mucho que los actores se han empapado hasta el mínimo detalle, gestos, palabras, todo lo hacen tal cual los videos y esto les habrá ayudado a crear una historia real y que no parezca tan surrealista como realmente fue. Además toda esta documentación también les ha ayudado a lograr que todo el vestuario y música fuera clavado.

Para terminar comento otro de los puntos flojos de la película, que son los efectos visuales, está claro que Margot Robbie se ha preparado para la cinta, mucho de los primeros planos la vemos a ella, pero es evidente que por mucho entreno que haya tenido no llega a nivel profesional, así que se utilizó CGI y realmente es bastante malo, son pocas las imágenes pero en ellas se nota.

Quitando ese detalle y el mencionado anteriormente ‘Yo, Tonya’ es fantástica, una cinta que humaniza a una deportista que terminó perdiendo todo. El próximo día no dudéis ni un solo momento en entrar al cine y verla, pues merece mucho la pena, eso sí, como consejo os recomiendo quedaros a los créditos, pues veréis trocitos de las entrevistas reales y como personajes que podrían pareceros absurdos, existieron en la realidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero 2018. Título original: I, Tonya. Duración: 121 min. País: Estados Unidos. Dirección: Craig Gillespie. Guión: Steven Rogers. Música: Peter Nashel. Fotografía: Nicolas Karakatsanis. Reparto principal: Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Bobby Cannavale, Caitlin Carver, Julianne Nicholson, Mckenna Grace, Paul Walker Hauser. Producción: Ai Film, Clubhouse Pictures, LuckyChap Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.itonyamovie.com/

Crítica: ‘Deber cumplido’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Tres soldados estadounidenses regresan de Irak tratado de reintegrarse con sus familias y adaptándose a la vida civil mientras luchan por olvidar sus duros recuerdos de la guerra.

[/toggle]

Crítica

La dura realidad de la vuelta a casa de un soldado.

DeAPlaneta nos trae la ópera prima de Jason Hall (guionista de ‘El francotirador’), el cual nos vuelve a llevar al después de la guerra, esta vez dirigiendo él, y con una historia basada en hechos reales recogidos en la novela escrita por el periodista David Finkel.

El director nos muestra como es el después, como tres jóvenes soldados se convierten en veteranos al querer quedarse con sus familias o por no pasar las pruebas psicológicas para poder volver al frente enemigo. Como la sociedad se olvida de quiénes son y ellos siguen viendo a sus víctimas y compañeros muertos.

Parece que al director le ha llamado la atención este tipo de historias y sin duda ‘Deber cumplido’ está muy bien contada y dirigida. No es una película inolvidable, pero si una que te hace pensar, pues estos soldados creen que van a tener ayudas para sobrevivir, buenos médicos que les ayuden y todo tipo de atención al volver de una guerra, pero la cinta nos muestra que no, que una vez eres veterano y sin heridas visibles la cosa se complica bastante. Y otra de las cosas que vemos es el número de suicidios que se llevan a cabo por parte de estos ex militares, es alucinante y bastante triste conocer este dato.

El reparto de la cinta están fantásticos y realistas, Miles Teller (‘Whiplash’) está fabuloso, es  un poco el más centrado de los tres amigos que vuelven, el joven sargento decide quedarse con su familia e intentar sanar él solo sus heridas. Sus otros dos compañeros no lo llevan tan bien y son la imagen clara de los daños colaterales de servir en el ejército, representados por Joe Cole (‘Black Mirror’) y Beulah Koale (‘Hawai 5.0‘).

En el lugar de las mujeres que esperan ansiosas volver a tener a sus maridos en casa tenemos a Haley Bennet  (‘La chica del tren’), Keisha Castle–Hughes (‘Juego de Tronos’) y a Amy Schumer y aquí paro porque he de admitir que no me gusta nada esta actriz y ha sido una agradable sorpresa verla haciendo un papel serio y además con muy buen resultado.

En lo técnico tampoco es una película que sobresalga demasiado, tampoco lo pide, no necesita ser espectacular, pues lo importante es la historia que te cuentan, pero nombraremos al director de fotografía Roman Vasyanov, el cual se ha encargado de películas como ‘Corazones de acero’, ‘Escuadrón suicida’ o la actual ‘Bright’, pues deja ver el esmero en darnos los detalles de los rostros de estos soldados durante las secuencias de guerra.

El 16 de febrero podréis ver esta cinta en las salas españolas, una historia de soldados sin apenas guerra, una historia que va mas allá y nos permite conocer las secuelas que deja el ver tanto sufrimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero 2018. Título original: Thank you for your service. Duración: 109 min. País: EEUU. Dirección: Jason Hall. Guión: Jason Hall (adaptado novela David Finkel). Música: Thomas Newman. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Miles Teller, Joe Cole, Beulah Koale, Haley Bennet, Amy Schumer, Keisha Castle-Hughes. Producción: Reliance Entertainment, Dune Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: Drama. Web oficial: http://www.debercumplido.com/

Crítica: ‘La forma del agua’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

De manos del maestro de la narración Guillermo del Toro llega la película ‘La forma del agua’, un sobrenatural cuento fantástico que transcurre en Norteamérica alrededor del año 1963, con la trasfondo de la Guerra Fría. En el laboratorio donde trabaja, oculto en unas instalaciones de alta seguridad del gobierno, la solitaria Elisa (Sally Hawkins) se encuentra atrapada en una vida llena de silencio y aislamiento. La vida de Elisa cambia por completo cuando, junto con su compañera Zelda (Octavia Spencer), descubre un experimento clasificado como secreto. Completando el reparto se hallan los actores Michael Shannon, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg y Doug Jones.

 [/toggle]

Crítica

El monstruo más grande de esta película es sin duda su director.

Desde la incomprendida ‘La cumbre escarlata’, Guillermo del Toro no había vuelto a dirigir una película, pero como de costumbre, la espera ha merecido la pena y Del Toro nos regala con ‘La forma del agua’ su trabajo más personal.

Con un comienzo similar al de ‘El laberinto del fauno’, Guillermo del Toro nos comienza a contar la historia de una princesa sin voz, con unas imágenes impresionantes bajo el agua que hace que poco a poco no adentremos en esa atmósfera de cuento que tan bien se le da al director.

La vida de Elisa, una vida sencilla, en la que todos sus tiempos son medidos, en la que disfruta de la compañía de su vecino y de su trabajo como limpiadora en un laboratorio va a cambiar tras la llegada de un monstruo a su lugar de trabajo.

El comienzo de la película me ha recordado muchísimo a la francesa ‘Amélie’, la inocencia y sencillez de la protagonista, los colores de la película con tonos verdes, su vecino artista y por supuesto la música, podría decirse que es la película francesa de Del Toro y aunque no ha dicho en ningún momento que haya homenajeado esta cinta, pienso que algo de homenaje tiene.

Una de las películas que si que ha nombrado como homenajeada es clara, ‘La mujer y el monstruo’ de Jack Arnold, la cual le encandiló de pequeño y sin duda no le gustó para nada su final y ha decidido dar su propia versión.

Esta historia de amor es pura, un ser venido del Amazonas, donde le consideran un Dios, que come huevos cocidos, es trasladado a un laboratorio de Estados Unidos en plena Guerra Fría para ser estudiado y se encuentra con esta mujer curiosa y llena de compasión.

Pero la película no solo trata el amor, sino también el miedo a lo desconocido, a lo distinto, a como intentamos acabar con lo diferente antes de intentar entenderlo. El mexicano ha hecho una película valiente, muy actual, pues estando las cosas como están últimamente en Estados Unidos, el tema de la tolerancia es algo bastante complicado.

Sin duda esta cinta no sería nada sin Sally Hawkins, su papel de Elisa es un regalazo que Del Toro le ha hecho y que la actriz ha sabido aprovechar y dar todo para mostrarnos a una mujer independiente, valiente y soñadora, que no se corta de ninguna manera para salirse con la suya.

En cuanto a sus compañeros mencionar por supuesto al monstruo, ese ser anfibio al que da vida Doug Jones, muy parecido al que ya interpretó en ‘Hellboy’, quitando que aquí el monstruo no habla, pero quien sabe, puede ser alguien cercano al querido Abe. Y el otro monstruo de la cinta, Michael Shannon, que como siempre está perfecto. Como curiosidad, el personaje de Shannon nos deja un pequeño guiño hacia Santiago Segura y su personaje Torrente.

Cuesta mucho hablar de ‘La forma del agua’ si no mencionamos a Alexandre Desplat, creador de su banda sonora, sin su música esta historia hubiese sido muy distinta. Nos hace disfrutar y adentrarnos en la historia de una manera tan perfecta que hace que la película sea un verdadero cuento de hadas en plena Guerra Fría.

Y qué decir del arte de la cinta, no suelo mencionar los carteles, pero el creado por James Jean es tan bonito y sin duda supo captar la esencia de la película. El autor hizo esta ilustración como petición de Guillermo del Toro, sin apenas conocer bien como iba a ser el monstruo y para esta imagen se basó en el famoso cuadro de Gustav Klimt ‘El beso’. Sin duda debió de encantar al director pues es una de las escenas más bonitas de toda la película. Como curiosidad mencionar que este artista es el creador de los primeros carteles de la película ‘mother!‘.

Está claro que esta cinta tiene lo que más le gusta a Guillermo del Toro, monstruos y tiene al monstruo más grande, él mismo, tras las cámaras, consiguiendo una película encantadora, la cual está haciendo mucho por el cine fantástico y que tiene ya en su haber un montón de premios y 13 nominaciones a los Oscar. No os puedo decir más, el 16 de febrero id todos al cine no lo dudéis, entrad y disfrutad de la nueva creación del director mexicano.

 Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero 2018. Título original: The Shape of Water. Duración: 119 min. País: Estados Unidos. Dirección: Guillermo del Toro. Guión: Guillermo del Toro y Vanessa Taylor. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Dan LaustsenReparto principal: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever. Producción: Bull Productions, Fox Searchlight. Distribución: 20th Century Fox. Género: Fantástico. Web oficial: http://www.fox.es/la-forma-del-agua

Crítica: ‘Black Panther’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

‘Black Panther’ cuenta la historia de T’Challa quien tras los acontecimientos de ‘Capitán América: Civil War’, vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T’Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo.

[/toggle]

Crítica

Volvemos a tener una película seria de superhéroes sin que esta tenga que ser oscura.

Lo primero que agradecer a esta nueva película de Marvel Studios es que tras tanta sobrecarga de películas repletas de personajes poseídos por el espíritu de un monologuista de gatillo fácil es que por fin volvemos a tener un filme serio y reflexivo. Los personajes son más dramáticos sin que esto sea un valle de lágrimas, conservando el espíritu del MCU (universo cinematográfico marvel). Aunque no nos faltan las elipsis cómicas pero son una o dos, no se iban a resistir en una película de Disney. El poco humor que tiene la película viene del flojo cameo de Stan Lee y de las intervenciones de Letitia Wright, quien ejerce de hermana de T’Challa (Black Panther). Una pariente que por cierto es un calco de Q, el proveedor de armas de Bond y que para la edad que tiene controla cualquier campo de la ciencia, que vale que sea una película comiquera pero es en exceso inverosímil.

Pero retrocedamos, ¿de qué va Black Panther? Es una película que explica el origen del personaje pero teniendo en cuenta que está dentro de un plan de películas que ya hace tiempo que cogió carrerilla. Aún así podría independizarse de sus predecesoras ya que funciona muy bien por sí sola, de hecho tiene muy pocas referencias a las películas de Los Vengadores. Continúa a partir de lo acontecido en ‘Civil War’ para narrar su historia autónoma y deja todo muy bien explicado.

Os va a beneficiar no leer nada ni documentaros sobre este personaje antes de ver ‘Black Panther’. De este modo entraréis mejor en los giros de guión de la película y en las novedades de este héroe que para tantos es ajeno o como mucho un conocido de vista. Si sois seguidores suyos os vais a deleitar por que la versión que han escrito Joe Robert Cole (‘American Crime Story’) y Ryan Coogler (‘Creed’) le da la seriedad y espiritualidad que pedía la creación de Stan Lee y Jack Kirby, aunque puede que no tanto su profundidad. Y si temíais el mal de todas estas películas comiqueras, que cojeen en sus villanos, este no es el caso. Y eso no la convierte en la mejor película de Marvel/Disney, pero si en un largometraje capaz de cambiar el rumbo para un público que empezaba a estar hastiado.

La película del primer superhéroe negro de la historia, por lo menos de los cómics populares o de gran tirada, tiene una ambientación apabullante. En lo que se refiere a todo lo que tiene que ver con Wakanda, la nación de Pantera Negra, se ha recreado a través de imágenes generadas por ordenador. Está muy lograda y es muy similar a lo que vemos en las viñetas. Literalmente es un lugar terrenal pero a su vez de otro mundo o época. Por supuesto el equipo de la película ha creado su versión del país africano, al igual que ha sucedido con el traje de Black Panther, pero a esto estamos acostumbrados pues se hace con todos y cada uno de los superhéroes que se traspasan del papel al celuloide.

‘Black Panther’ pedía folclore africano y el filme lo exhala por todas partes. Personajes, diseño de producción, música… Si uno no es muy seguidor de este tipo de cultura puede acabar muy sobrecargado, en especial por la música. La banda sonora de Ludwig Göransson (‘Creed’, ‘Déjame salir’) está compuesta por infinidad de percusiones tribales mezcladas con sonidos modernos. Solo en algunos compases se rompe esta tendencia para dejar paso a unos temas más actuales y gangsta.

Os preguntaréis cuántas escenas post-créditos tiene. Son dos las que han introducido en esta ocasión. Una que si enlaza con los films del universo Marvel que están por venir y la otra que sinceramente, la podrían haber metido al final y habernos ahorrado todos los créditos.

Chadwick Boseman ya demostró en ‘Civil War’ que podía dar el pego como Black Panther. Ahora en su película en solitario da el DO de pecho haciendo además que su rey se ponga a la altura de otros superhéroes para poder coger el relevo. Junto a él destacan muchos actores ya famosos pero sobre todo un elenco muy femenino. Principalmente los roles jóvenes son los que más llaman la atención, desde la ya comentada hermana interpretada por Letitia Wright, pasando por Lupita Nyong’o como la inquebrantable Nakia hasta Danai Gurira como una habilidosa Okoye. Todas ellas pelean de lo lindo pero superándose a lo que hace en ‘The Walking Dead’ Gurira os va a mostrar unas coreografías muy elaboradas. No podemos olvidar tampoco a Michael B. Jordan y a Andy Serkis como villanos, de los cuales ya he dicho que no es el punto flaco como en otras ocasiones, más bien demuestran que esta película no es precisamente para niños.

Si miráis la filmografía del director y actores veréis que antes o después el grueso de ellos ha trabajado en algún que otro proyecto juntos, como ‘Creed’, ‘Déjame salir’ o ‘Fruitvale station’. Esto se ha notado en la película pues la sintonía y el entendimiento se hacen patentes, todo fluye de manera más natural incluso en películas de este corte, plagadas de acción y ciencia ficción, que aunque muchos no lo crean, también hay que tomárselas en serio.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero de 2018. Título original: Black Panther. Duración: 134  min. País: EE.UU. Dirección: Ryan Coogler. Guión: Joe Robert Cole, Ryan Coogler. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Rachel Morrison. Reparto principal: Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Forest Whitaker, Andy Serkis, John Kani, Letitia Wright, Winston Duke. Producción: Marvel Studios, Walt Disney Pictures. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: cómic, ciencia ficción, aventuras. Web oficial: http://disney.es/peliculas/black-panther

Crítica: ‘The Ritual’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Un grupo de amigos de la universidad se reúnen para emprender un viaje de senderismo por los montes de Suecia, con la finalidad de rendir homenaje a uno de ellos, muerto de forma violenta. Cuando se internan en el bosque, una presencia amenazante empieza a acosarles.

[/toggle]

Crítica

Dentro de lo habitual, se agradece su finalización.

El personaje de Rafe Spall, sintiéndose culpable por lo que sucede en el pasado, decide cumplir la última idea o deseo de su amigo muerto. Esa voluntad le lleva a él y sus amigos en común a una excursión a Suecia en la que se perderán y se verán amenazados por algo totalmente desconocido y desconcertante. Esa es la premisa, no os acabo de destripar nada de ‘The Ritual’. Esa mezcla de drama y fantástico bien podría haber salido de una novela de Stephen King pero realmente en lo que se inspira la película de David Bruckner (‘V/H/S’) es en una obra de Adam Nevill. Este autor de cerca de cincuenta años tiene éxito desde principios de este siglo con sus obras y su texto respira precisamente terror moderno. No he recorrido las líneas de sus escritos pero lo que se ha rodado basándose en ellos deambula por los mismos derroteros que lo que estamos viendo en películas muy recientes. Escenas que buscan subirnos la adrenalina, sonido subido de tono, imágenes impactantes…

La amistad, la culpa, el tormento, la confianza y la fustigación forman parte muy importante de ‘The Ritual’. Por lo menos bajo mi punto de vista eso he leído de la película de Bruckner. Un filme de terror que acaba tirando por derroteros fantásticos para poder tener una solución más completa, satisfactoria y detallada que películas similares. Porque ‘The Ritual’ recuerda mucho a otras películas del género, en especial y en demasía a la reciente ‘Blair Witch’. El hecho de desorientarse en un bosque y quedarse a merced de algo desconocido, los elementos que van apareciendo, la poderosa escena en una cabaña… Todo es en exceso similar a la película que rodó y estrenó hace tan solo un año Adam Wingard (‘Death Note’). Al menos el presente título cierra y es conclusivo.

Salvo por la escena en la choza y los compases finales del filme el resto de ‘The Ritual’ es un clisé. También merece la pena salvar la interpretación de Rafe Spall, el cómo ha llevado el actor sus momentos de culpabilidad y ha hecho que su personaje se fustigue. Para ser la primera vez que David Bruckner no necesita acompañamiento en la dirección podría decirse que ha sido lo suficientemente eficaz dentro de su previsibilidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de febrero. Título original: The Ritual. Duración: 94 min. País: Reino Unido. Dirección: David Bruckner. Guión: Joe Barton. Música: Ben Lovett. Fotografía: Andrew Shulkind. Reparto principal: Rafe Spall, Robert James-Collier, Sam Troughton, Arsher Ali, Jacob James Beswick, Paul Reid, Kerri McLean. Producción: The Imaginarium Studios, eOne Films. Distribución: Netflix. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80217312

Crítica: ‘The Cloverfield Paradox’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

En un futuro cercano, una crisis energética amenaza a la raza humana. Astronautas de todo el mundo se reúnen en una estación espacial para probar una tecnología experimental, pero los resultados no son los esperados, y el equipo queda aislado luchando por su supervivencia.   [/toggle]

Crítica

Aventura espacial para dar las respuestas que no tuvimos en las dos películas anteriores.

La tercera parte de la saga Cloverfield ya se ha estrenado en Netflix. La producción de J. J. Abrams que empezó siendo un choro de aire fresco para el género kaiju y que paso por el thriller claustrofóbico ahora se traslada al espacio orbital para mezclar un poco las dos entregas anteriores.

Nos situamos en un mundo al borde de una guerra mundial avivada por la crisis energética, algo totalmente plausible, después viene el fantástico. En el espacio unos científicos intentan crear una nueva fuente de energía a partir de un acelerador de partículas y es entonces cuando se produce «la paradoja». Si la anterior entrega resultó algo insatisfactoria en el sentido de que no expandía el nuevo universo Cloverfield de Abrams arrojando luz sobre las criaturas que amenazaban nuestro planeta en este caso sus seguidores pueden quedarse más satisfechos. Por un lado tienen la ciencia ficción del cineasta desatada por completo y además pueden contar que con este nuevo título de la saga cinematográfica Cloverfield se obtienen explicaciones satisfactorias. Y estas respuestas llegan nada más empezar la película, cuando un personaje nos explica en qué consiste la «Paradoja Cloverfield», la cual no os voy a detallar, tranquilos no destripo nada. Entonces ¿descubierto esto tan pronto tiene interés ver qué sucede con los nuevos personajes y con la Tierra? Por supuesto que sí. Se nota que la ciencia ficción es el punto fuerte de J. J. Abrams y que ha hecho bien a la hora de escoger a Oren Uziel (‘Lago Shimmer’) y Doug Jung (‘Star Trek: Más allá’) para escribir la historia. Los dos escritores de esta película están a la altura del imaginario del autor de historias como ‘Perdidos’ o ‘Fringe’.

Lo que es menos admisible es la incorrección científica de la película, pero es que tampoco se busca. Como el que los científicos dependan de un «combustible» para encender un acelerador de partículas, ya que realmente estos funciona con alto voltaje, intensidad, vacío… La película le hace un flaco favor a este tipo de proyectos científicos. Señores detractores del LHC, por favor, tómense ‘The Clovervield Paradox’ como una historia de ciencia ficción que nos plantea una situación la mar de interesante, nada más.

Ya podemos hablar de trilogía y parece que de saga, porque da para más. Pese a que en este nuevo filme tenemos varias sorpresas, los títulos anteriores tenían mejores giros. ‘The Clovervield Paradox’ tiene cosas que te ves venir y varios tópicos históricos, culturales e incluso de otras aventuras espaciales y de la cinematografía de Abrams. Aún así la película desempeña la función que los espectadores demandaban. Por otro lado económicamente se nota que ha habido más empeño pues tiene mayor dotación económica que sus dos predecesoras y un acabado superior al de aquella primera parte que tan mediática llego a ser y que tan efectiva fue al esconder a su kaiju. Solo hay que ver la gran cantidad de imágenes que nos ofrecen de la Estación Espacial Internacional (que se inventan para la película) o los eventos que nos recrean después.

También ha contado con actores conocidos y bastante jóvenes. El filme se apoya bastante en un cada vez más presente Daniel Brühl, que en este caso en vez de su sangre española ha sacado a relucir sus orígenes germanos. Despunta mucho Chris O’Dowd pero por que siempre se nos queda grabado aquel que tiene los momentos más cómicos y por que personalmente le tengo cierto cario desde ‘Los informáticos’. No obstante quien tiene más peso en la película es Gugu Mbatha-Raw. Es el eje del filme, todo y todos pasan por ella, repitiendo así Cloverfield protagonista femenina de un modo que también resulta eficiente. No cabe duda de que a Mbatha-Raw no le queda nada por demostrar, también se desenvuelve bien en este tipo de aventuras mezcladas con acción.

Por último, para pasar por el aro de esta película hay que ser algo fantasioso y estar una pizca enamorado del género. Seguro que algunos de vosotros como yo os resistís a creer que sea una casualidad que el acelerador de partículas se llame Shepard, como el protagonista del ‘Mass Effect’. No es más que otro guiño de unos rendidos a las historias espaciales con la capacidad de rodarlas. Lo tenían en bandeja, al fin y al cabo toda la película trata sobre una paradoja, sobre un efecto de masa.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de febrero de 2018. Título original: The Cloverfield Paradox. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Julius Onah. Guión: Oren Uziel. Música: Bear McCreary. Fotografía: Dan Mindel. Reparto principal: Gugu Mbatha-Raw, David Oyelowo, Daniel Brühl, Elizabeth Debicki, Zhang Ziyi, Chris O’Dowd, John Ortiz. Producción: Bad Robot, Paramount Pictures. Distribución: Netflix. Género: thriller, acción, aventuras. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80134431

Crítica: ‘The Florida Project’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Moonee sueña con ir a Disneylandia, pero lo más cerca que ha estado es el motel barato a las afueras de Orlando (Florida), en el que vive con su madre Halley, de 22 años: el Magic Castle Motel. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby, el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que se burla de las payasadas de los niños. Halley ha perdido su trabajo, y otra niña de la misma edad que Moonee se acaba de mudar al motel de al lado. Promete ser un verano inolvidable

[/toggle]

Crítica

Colores llamativos para esconder las miserias humanas.

Después de meditar mucho sobre esta cinta, de reflexionar y de asimilarla, puedo decir que ‘The Florida Project’ es más bien un documental sobre la vida en un motel, demasiado cotidiana, sencilla y sin nada apenas que contar.

Para que os hagáis una idea ‘The Florida Project’ es el lado dramático de la serie ‘Me llamo Earl’, en la que sí, sabemos que viven en la pobreza, pero al menos su humor y manera de llevar su vida, les hace más ameno todas las desgracias.

La película de Sean Baker nos presenta la vida de Moonee, una niña que vive en uno de los moteles que hay cerca del Disney World de Orlando, su vida es hacer la vida imposible a los de su alrededor y hacer todas las canalladas posibles, mientras su madre pasa de ella marchándose de fiestas y metida en negocios ilegales.

Ya está, es el día a día de ellos, la niña tiene dos amigos y las ideas que se les ocurren y llevan a cabo son de verdaderos delincuentes. En serio, aluciné lo inteligentes que eran y que solo lo utilizaran para maldades.

Realmente es una cinta muy real, quizás demasiado, con nada de historia, hasta los últimos minutos de la cinta, no ocurre nada, solo ves pasar el día a los niños, intentando conseguir helado gratis, aunque tengan que robar o pedir dinero en la calle. Pues otra cosa no, la verdad que dan lástima, pues nadie se encarga de esas criaturas.

Sean Baker ha sabido dirigir perfectamente a estos jóvenes actores y crear unos personajes bastante creíbles. La niña Brooklynn Prince está estupenda, su papel de Moonee deja perplejo y es una pena que por su edad no pueda recibir premios y ni optar a ellos, porque sin duda ella es la película. Aunque eso sí, admito que no me gustaría tenerla cerca, su personaje es demasiado salvaje.

Sin duda alguna de quien más he disfrutado ha sido de William Dafoe, su personaje, además de tener una santa paciencia, tiene un corazón bastante grande para aguantar todo lo que le hacen.

Otro punto a favor es el uso del color, llamativos colores inundan la película, dando una sensación de magia y alegría, mientras que lo que estás viendo es todo lo contrario. Junto a esto, unes la música, inspiradora y muy animada, que nos lleva a un desenlace que vemos venir desde el comienzo, pero que aun así no nos deja impasibles, pues el plano final de Brooklynn Prince es sobrecogedor.

La película no me ha entusiasmado, le falta una historia, pues termina siendo más bien un documental sobre la vida en estos moteles, pero no puedo decir que sea mala, porque el trabajo de Sean Baker con los niños es espectacular y el cómo logra engañar al espectador con sus colores y su música, para luego destrozarte con solo un primer plano es muy admirable.

 Ficha de la película

Estreno en España: 09 de febrero 2018. Título original: The Florida Project. Duración: 115 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sean Baker. Guión: Sean Baker y Chris Bergoch. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Alexis Zabé. Reparto principal: Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vianite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian. Producción: Cre Film, Freestyle Picture Company, June Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: http://diamondfilms.es/the-florida-project/

Crítica: ‘Amityville: el despertar’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Belle y su familia se mudan a una nueva casa, para ahorrar dinero y así ayudar a pagar la asistencia sanitaria de su hermano gemelo James, que se encuentra en coma. Pero cuando empiezan a ocurrir fenómenos extraños, incluyendo la milagrosa recuperación de James, Belle comienza a sospechar que su madre no le ha contado toda la verdad y pronto descubre que acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.

[/toggle]

Crítica

Queriendo alargar la historia de una casa histórica pero sin ser pretencioso.

No es la primera ni será la última. No es la mejor tampoco ni la más aberrante. No es innovadora pero tampoco es excesivamente tópica. La mítica casa encantada de Amityville tiene nueva película. El 112 de Ocean Avenue es una localización real donde de verdad se perpetró un atroz asesinato. De sobra es conocido el crimen que cometió el muchacho de la familia DeFeo, todos conocemos la matanza que llevó a cabo mientras su familia dormía y los posteriores supuestos poltergeist que han atormentado a los sucesivos moradores. Esta no es una película que nos repita por enésima vez esa historia. Por supuesto están los elementos clásicos como la famosa casa de ventanas ominosas, las voces, la habitación roja… Pero en vez de repetirse tanto con la archiconocida leyenda negra intenta alargarla, haciendo un poco de metacine e incluso de repaso de todo lo filmado anteriormente.

En esta ocasión nos ponemos en la piel de una familia que se muda al domicilio maldito, cuyo precio ha sido rebajado debido a la dificultad de alquilarlo. A priori los integrantes del clan desconocen lo que ha pasado en su nuevo hogar, solo quieren llevar una vida tranquila y que uno de sus integrantes se recupere de su enfermedad, o eso es lo que quiere que creamos el director Franck Khalfoun. Este cineasta que anteriormente ha logrado darnos buenas películas del género junto a Alexandre Aja como ‘Maniac’ o ‘Parking 2’ consigue de nuevo un filme de serie B, aunque de calidad regulera. Si la incluimos dentro de la saga que acumula ya esta residencia tiene momentos en los que manifiesta que es consciente del legado que hereda e incluso que es admiradora de él. Es algo muy característico de las películas de la Blumhouse.

El diseño de producción está más cerca de una serie tipo ‘Embrujadas’ que de una película festivalera. No es capaz de crea una atmósfera propia que infunda miedo de verdad y eso que ha contado con alguien tan bueno como Steven Poster, director de fotografía de ‘Donnie Darko’. A decir más, Bella Thorne como protagonista está más que estereotipada. Es una chica a la que hacen bullying en el instituto, la visten como clásica deprimida, tiene problemas en casa… En resumen, el filme tiene los fallos clásicos y sigue los pasos previsibles de las películas de este género.

Pero algunas cosas buenas si tiene. Como virtudes presenta algún que otro sobresalto para el espectador y consigue librarse de las taras de alguna de las predecesoras ambientadas en Amityville que las convertían en alargadas cintas demasiado pretenciosas. Además ofrece un buen giro de guión que os va a parecer original, no inteligente pero si atrevido y valiente. Por último el papel de Cameron Monaghan seguro que os parece de lo mejor del filme. No puedo deciros en qué consiste su papel en la película pero puede que le haga despertar más fans de los que ya tenía tras su paso por la serie ‘Gotham’.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: Amityville: The Awakening. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Franck Khalfoun. Guión: Franck Khalfoun. Música: Robin Coudert. Fotografía: Steven Poster. Reparto principal: Jennifer Jason Leigh, Bella Thorne, Mckenna Grace, Cameron Monaghan, Thomas Mann,  Jennifer Morrison, Kurtwood Smith, Taylor Spreitler, Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter. Producción: Blumhouse Productions, Dimension Films, Miramax. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: http://diamondfilms.es/amityville-el-despertar/

Crítica: ‘Cavernícola’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Dug, cavernícola, y Cerdog, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con «el juego sagrado». ¡Un partido llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.

[/toggle]

Crítica

Nick Park hace saltar su chispa a golpes de sílex y cobre.

Que los ingleses inventaron el fútbol es innegable e inmutable, la historia es la que fue y no se puede cambiar. Pero por si se nos ha olvidado, y aunque sus orígenes realmente fueron en la Edad Media, llega ‘Cavernícola’. Si bien esta no es una película sobre el origen del fútbol emplea ese deporte como excusa para crear una herramienta de conflicto entre dos pueblos. También es verdad que es muy difícil hacer un filme novedoso o simpático ubicado en la Edad de Piedra con tantos largometrajes y series como se han hecho en esa época: ‘Los Picapiedra’, ‘Capitán Cavernícola’, ‘Los Croods’… A si es que esta es la propuesta que se le ha ocurrido al director de ‘Wallace y Gromit’ y ‘Chicken Run: evasión en la granja’, Nick Park, así como a sus guionistas Mark Burton (‘Gnomeo y Julieta’), James Higginson (‘Killing Bono’), John O’Farrell (‘Chicken Run: evasión en la granja’).

Lo que nos plantean es un choque de eras. La edad de piedra se enfrenta a la de bronce y para defender sus intereses tienen que disputar un partido de fútbol en el que los malos (los de la edad de bronce), son los expertos y los buenos (los cavernícolas de la edad de piedra) son los novatos. De ahí Nick Park y su equipo sacan multitud de chascarrillos, de esa premisa y de la época en la que se ambienta su historia por supuesto. Todo ello aderezado con su habitual ingenio y con la magistral habilidad de las manos de los animadores de de los estudios de animación Aardman (‘La oveja Shaun’). La plastilina de sus personajes y el CGI de sus fondos nos sumerge en una simpática era de caza y artilugios de cobre.

No dudo que en su versión original esté la película bien doblada, también se ha contado con actores famosos que ya han prestado sus voces varias veces en series, películas de animación o videojuegos. El personaje que dobla Hugo Silva lo dobla Eddie Redmayne en el Reino Unido, al de Chenoa le pone voz Maisie Williams y al de Mario Vaquerizo le interpreta Tom Hiddleston. Como veis personas y timbres de voz distintos pero no por ello incompatibles con sus personajes y con la percepción que debemos tener de ellos. Es más, en contra de lo que opinen aquellos a los que no les guste que doblen actores no profesionales de doblaje, los tres hacen muy bien su trabajo, en especial Hugo Silva, cuya voz cuesta reconocer por que emplea un tono bastante más risueño y juvenil que el que tiene normalmente, mucho más acorde al espíritu de su personaje. En el caso de Mario Vaquerizo hay que decir que es el más experimentado de los tres y en este personaje se supera frente al Frankenstein que hizo en ‘Hotel Transilvania’ o a Caca de ‘Emoji’. No usa al menos un acento jamaicano como ha hecho Hiddleston en la versión original, como he leído que hace el actor londinense y podemos oír en los tráilers ingleses. Creo reconocer también, espero no equivocarme, la voz de David Hernán quien dobló también muy bien en su día a Richard Ayoade, quizá le conozcáis más como Moss en ‘Los informáticos’.

Nick Park se acaba de estrenar como director en solitario en el cine, aunque para muchos quizá esto sea una sorpresa. En sus anteriores trabajos estuvo acompañado de Peter Lord o Steve Box. Le ha salido un largometraje muy inglés y muy futbolístico. De hecho incluso su música evoca ambas cosas. Una de las canciones del filme es de los Kaiser Chiefs, grupo británico cuyo nombre salió de un equipo de balompié. La historia que ha creado es algo convencional, dentro de los clásicos relatos de superación y de trabajo en equipo. Muchos films infantiles tienen un mismo protagonista que tira del carro, como habitualmente decía un conocido capitán de fútbol. El partido que juegan, que por suerte es corto y tiene un estilo muy a lo ‘Oliver y Benji’, sigue el mismo esquema en lo que va sucediendo, las mismas pautas, solo faltaría que el campo fuese curvo. Pero aunque la película no es redonda como un balón sí que tiene todos los requisitos para ser considerada mucho más que amena.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: ‘Early Man’. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Nick Park. Guión: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell. Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg. Reparto principal (doblaje original): Eddie Redmayne, Maisie Williams, Tom Hiddleston. Reparto principal (doblaje español): Hugo Silva, Chenoa, Mario Vaquerizo. Producción: Ardman Animations, StudioCanal. Distribución: Vértice 360. Género: animación, comedia. Web oficial: https://www.earlymanmovie.com/

Crítica: ‘El instante más oscuro’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Presentada por Focus Features y producida por Working Title Films, es una emocionante e inspiradora historia que tiene lugar días antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. A los pocos días de convertirse en primer ministro de Gran Bretaña, Winston Churchill (Gary Oldman, nominado por la Academia) debe hacer frente a una de las decisiones más difíciles de su carrera política: negociar un tratado de paz con la Alemania nazi o mantenerse fiel a sus ideales y a la libertad de una nación. Con las imparables fuerzas nazis adentrándose en Europa Occidental, la amenaza de una invasión inminente, un pueblo que no está preparado, un rey escéptico y su propio partido conspirando en su contra, Churchill, a pesar de vivir el instante más oscuro, guiará a una nación e intentará cambiar el curso de la historia mundial.

[/toggle]

Crítica

Un Gary Oldman que roza la clonación.

No es de extrañar que Gary Oldman se haya llevado el Globo de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama en la última edición pues su trabajo en esta película es magnífico. Tampoco me asombra su nominación al Oscar y de hecho me sorprendería si no lo ganase. Las fotografías y tráilers previos al estreno de la película eran vaticinio de un parecido digno de un mellizo. Aunque reconocemos mínimamente a Oldman bajo todo el maquillaje y la mímica, es innegable que tanto actor como equipo de caracterización han logrado clonar en la gran pantalla al primer ministro. Sus rasgos faciales, su ropa, su cuerpo… Los enérgicos gestos que realizaba, sus tics, sus míticas poses, su voz… Oldman ha trabajado muy bien la dicción, el acento, la entonación y el timbre del político inglés. Si antes de ver la película os buscáis audios y vídeos de Winston Churchill comprobaréis que las diferencias son mínimas.

El filme en lo que más efectivo resulta es en remarcar la importancia de la construcción de los discursos del Primer Ministro, en los mensajes que transmitía, en una época en la que la motivación era una de las armas más importantes para ganar la guerra pues el enemigo tenía  las armas físicas más potentes y avanzadas. Realmente dan ganas de que surjan líderes así y la película funciona bien si lo que pretende es trasladar una imagen de gran dignatario.

Al margen del inconmensurable trabajo de Oldman hay que tener en cuenta el papel del director. Se palpa que Joe Wright ha intentado crear un largometraje casi a modo de veneración cargado de historia, ideología y simbolismo. Me parece elocuente, aunque no sé si intencionada, la secuencia en la que Churchill da un discurso, estando aún solo y sin apoyos. Ahí es cuando gracias a su carisma y carácter parece ganar enteros. Es entonces cuando, se le acerca una primera persona a darle la mano pero saliendo de detrás de una columna, como simbolizando que a partir de ese momento saldrán de las sombras todos esos partidarios que estaban escondidos. Me parece una manera brillante y casi subliminal de representar como con sus palabras era capaz de hacer cambiar no solo la opinión que se tenía de su persona si no las circunstancias de toda una guerra.

Pero si nos quedamos solo con la interpretación de Oldman y algunos instantes que consigue salvar Wright la película a nivel global se nos queda vacua. Hay buen reparto, en algunos casos con más o menos fidelidad en lo que se refiere hacia la persona real a la que interpretan, pero ninguno brilla más allá de lo habitual. Desde luego creo que John Hurt habría plasmado mejor a Neville Chamberlain que Ronald Pickup. Pero casting a parte, sin Oldman la película es insípida, sin sustancia ni revelación alguna. Es un drama histórico con un final harto conocido, que además se suma a las múltiples películas que hemos visto esta temporada sobre Dunkerque (‘Dunkeque’, ‘Su mejor historia’).

‘El instante más oscuro’ arranca con un parlamento inglés envuelto en tinieblas, dota a la secretaria de Churchill del rincón más lóbrego para colocar su máquina de escribir y recrea el nº 10 de Downing Street con habitaciones sombrías. Todo ello para acabar llevándonos a un momento de inflexión, cuya luz se ve al final del túnel. Y ese túnel no es otro que el del mítico Tube londinense donde veréis otra escena en la que se luce Gary Oldman citando incluso el ‘Horacio’ de Thomas Babington: «¿Qué mejor manera de morir puede tener un hombre, que la de enfrentarse a su terrible destino, defendiendo las cenizas de sus padres y los templos de sus dioses?». Palabras apropiadas para un hombre que parecía encontrarse solo y desesperado ante el peligro. Es decir Joe Wright nos lleva desde las sombras a la luz, pero tampoco es que consiga deslumbrarnos.

Para una carrera con tantos altibajos como la de Joe Wright la actuación de Oldman le viene de lujo. Por supuesto que está por encima de la media de sus películas, pero deja mucho que desear como drama político pues no consigue contar nada relevantemente nuevo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Darkest hour. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Joe Wright. Guión: Anthony McCarten. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Bruno Delbonnel. Reparto principal: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lili James, Stephen Dillane, Ronald Pickup, Ben Mendelsohn. Producción: Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.elinstantemasoscuro.es/

Crítica: ‘El pasajero’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Siguiendo los éxitos de ‘Sin identidad’, ‘Non-Stop’ y ‘Una noche para sobrevivir’, Liam Neeson y el director Jaume Collet-Serra vuelven a trabajar juntos por cuarta vez en el explosivo thriller ‘El pasajero’, que se centra en la frenética misión de un hombre que trata de evitar un desastre en un tren lleno de viajeros.

[/toggle]

Crítica

Liam Neeson y Jaume Collet-Serra vuelven juntos después de ‘Una noche para sobrevivir’

Sam Neill, Jonathan Banks, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Clara Lago y el gran Liam Neeson, con este reparto Jaume Collet–Serra nos trae un thriller lleno de intrigas y tensión. Que quizás no sea muy original, pero sí que os va a dar 104 min de entretenimiento puro.

Ya es la cuarta vez que el actor irlandés trabaja junto a nuestro director patrio, Jaume Collet–Serra, que desde ‘La casa de cera’ parece afincado ya en la industria de Hollywood sin ningún tipo de problema.

La cinta nos lleva a Nueva York, bueno más bien al trayecto en tren que nuestro protagonista hace desde su casa a su lugar de trabajo, hasta que un día, una misteriosa mujer (Vera Farmiga) se sienta a su lado en el vagón y su viaje se convierte en una estresante aventura para poder salvar a todos los pasajeros del tren.

Qué decir, los actores no pueden estar mejor, nos adentran en la película desde el principio y te crees todos sus personajes.

Aunque sí que es cierto que hay cosas que se podrían haber mejorado, como por ejemplo vas viendo cómo va a terminar la película desde el principio, no quiero decir mucho, pero se juntan las piezas demasiado pronto.

Otra de las cosas a mejorar son los efectos especiales, un poco decepcionantes en las escenas clave de acción. Aparte, que por lo que vemos, el personaje de Liam Neeson tiene los huesos de plomo, pues hay escenas que realmente sus pies deberían haberse hecho pedazos, pero bueno, esto puede ser una licencia para que pueda seguir cumpliendo su misión y no nos quedemos sin héroe tan pronto.

Aparte de estas cosas, que tienen importancia, pero que se pueden ignorar, la cinta es entretenida y nos da la opción de ver a un repartazo que lo da todo, y que aunque el final te lo huelas desde el principio sí que hay ciertas partes en las que llegas a dudar realmente y te confundan.

Mencionar a Roque Baños, compositor de la banda sonora de la cinta, autor también de ‘1898. Los últimos de Filipinas‘ que hace un trabajo estupendo.

‘El pasajero’ da lo que promete, acción, tensión y a Liam Neeson volviéndola a liar por salvar a su familia y a un tren completo lleno de viajeros, no se le puede pedir más, sin duda una película para entrar y olvidar tus problemas de fuera.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2018. Título original: The commuter. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jaume Collet-Serra. Guión: Byron Willinger y Philip de Blasi. Música: Roque Baños. Fotografía: Paul Cameron. Reparto principal: Liam Neeson, Vera Farmiga, Clara Lago, Patrick Wilson, Sam Neill, Elizabeth McGovern. Producción: The Picture Company. Distribución: Tripictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.thecommuter-movie.com/

Crítica: ‘Mazinger Z Infinity’

Posted on por
2

Sinopsis

[toggle]

La humanidad se encuentra una vez más en peligro de caer en las garras del Imperio Subterráneo, que en el pasado fue liderado por el científico malvado Dr. Infierno. Entonces, Koji Kabuto pilotó al súper robot Mazinger Z y, con la ayuda de sus amigos del Instituto de Investigaciones Fotónicas, frustró las malvadas ambiciones del Dr. Infierno y devolvió la paz al mundo.

Han transcurrido 10 años desde entonces… Ahora que ya no es piloto, Koji Kabuto ha seguido el camino de su padre y su abuelo iniciando su carrera como científico. Y ahora encuentra una gigantesca estructura enterrada en las profundidades del Monte Fuji, junto con una misteriosa indicación de la vida… Nuevos encuentros, nuevas amenazas y un nuevo destino aguardan a la humanidad. El antiguo héroe Koji Kabuto debe tomar una decisión sobre el futuro: ser un dios o un demonIo….

[/toggle]

Crítica

El Mazinger de toda la vida para los que quieran revivirlo.

El gran precursor del género mecha (robots gigantes) que además marcó la infancia de muchos de nosotros y cambió la manera de ver ese tipo de animes, Mazinger Z, tiene nueva película. Toei Animation ha rescatado, si es que había caído en el olvido, al gran ingenio tecnológico de la animación japonesa para llevarlo a la gran pantalla. Lo que nos trae el estudio nipón es una película para la que tienes que tener una mentalidad infantil o estar predispuesto a recuperar la nostalgia, a revivir esos episodios y esos cómics que empezaron a lanzarse hace 45 años. Porque cuando se hace un largometraje con el motivo especial de un aniversario, como es el caso, a veces salen historias más forzadas como esta. Si hubiese sido la culminación de una serie tal vez habría salido una historia más natural y definida. Y no con esto estoy diciendo que ‘Mazinger Z Infinity’ sea una mal filme, al contrario, ha sabido recrear a la perfección los episodios antiguos, pero el espectador de entonces consume ahora otro esbozo de narraciones.

El director escogido para esta película es el mismo que realizó la película de ‘One Piece’ del año 99 y junto al guionista Takahiro Ozawa han ideado una historia que transcurre 10 años después de lo que vimos en la serie original. Nuestro protagonista, Koji Kabuto, se ha «jubilado» de eso de luchar contra y en robots gigantes y ahora es un científico que casualmente ha encontrado restos arqueológicos de un Mazinger Z, el Infiniti. Mientras la humanidad ha desarrollado la energía fotónica, cuyas instalaciones son atacadas por el villano de siempre, el Doctor Infierno. Es entonces cuando Kabuto ha de plantearse seriamente si abandonar la senda del pacifismo y volver a guerrear contra sus enemigos a riesgo de encarnar de nuevo una figura de dios para los humanos o demonio de la destrucción. Todo demasiado casual y puesto en bandeja para que el protagonista se luzca rápidamente. Es más con el paso en el tiempo que se ha dado al hacer la película los personajes han madurado ligeramente, pero no lo suficiente como para ofrecernos a los que veíamos la serie un entretenimiento más adulto. Por otro lado se han incorporado nuevos personajes que le dan algo más de jugo a la trama, de hecho se notan determinadas inspiraciones en ‘El quinto elemento’ o ‘Ghost in the Shell’, por lo que si Mazinger inspiró a generaciones posteriores ahora posteriores generaciones podrían haber inspirado a Mazinger.

El diseño de los artefactos mecánicos es obra de Takayuki Yanase. Si estáis puestos en anime actual sabréis que os esperan droides modernos y de conceptos vanguardistas, pero también un tanto estrafalarios. Este director ya ha demostrado su talento renovando sagas en ‘Ghost in the Shell: Arise’ y aquí ha hecho algo similar, creando nuevas máquinas que respetan el alma de la obra original pero que están al tanto de lo actual. El anime, hablando ahora en general, está modernizado mezclando animación por ordenador para los mechas, en especial para Mazinger, pero aún así se conserva el corte clásico. Reconocemos a los personajes de toda la vida, el trazo de dibujo es el mismo. El estilo de la serie se conserva, tanto en sus formas como en sus colores. Se nota también la mano de Hiroya Iijima, diseñador de personajes que me maravilló en ‘Afro Samurai’ pero que aquí ha estado más atado por lo establecido en el pasado. Como desventaja también tenemos que en algunos fotogramas en la recreación de señalados fondos no se consigue una buena armonía con los personajes.

Hay que tomarse esta película como una llamada al niño que veía la serie en las últimas décadas del siglo XX. Se nos anima a recuperar las sensaciones de antaño empezando con una especie de opening como si fuese un episodio más. La famosa canción de Mazinger vuelve a sonar un poco más cañera mientras vemos una serie de recuerdos que nos ponen al día de la nueva situación de los protagonistas. A partir de ahí todo sigue el mismo esquema de la serie. Por supuesto el gran robot emplea sus míticos ataques y los personajes siguen siendo tan puros, tan simpáticos o villanos como siempre. A si es que si sois fans de Mazinger tranquilos que sigue siendo el revulsivo de siempre, tendréis hordas de kaijus mecánicos, puños fuera, ataque fuego de pecho, rayo fotónico… Respecto a esto, la acción en las batalla resulta caótica, más que en las peleas cuerpo a cuerpo. del tipo shoot ‘em up, esos juegos de naves de los videojuegos, algunos tan difíciles de superar. Con ello han filmado varias secuencias trepidantes, muy rápidas, pero que aturrullan un poco si no estás acostumbrado a ver este tipo de animes.

Al margen de la remembranza que hace Junji Shimizu en su película se pone a Mazinger como figura de unión para toda la humanidad cuando todo el planeta es incapaz de ponerse de acuerdo. Se hace así una especie de ligera crítica del ser humano recalcando que este es incapaz de alcanzar consenso incluso en la peor de las situaciones. A pesar de ello no se alcanza un tono oscuro o maduro, la gama cromática ya desmesuradamente colorida de los robots enemigos  nos saca del cariz catastrófico que podría tener la película. Es por eso que reitero una vez más, película para los más creciditos pero que quieran retraerse hacia su niñez.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero de 2018. Título original: Mazinger Z. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Junji Shimizu. Guión: Takahiro Ozawa. Música: Toshiyuki Watanabe. Fotografía: Makoto Ujiie. Reparto principal (doblaje original): Showtaro Morikubo, Ai Kayano, Sumire Uesaka, Toshihiko Seki, Ami Koshimizu, Natsuki Hanae, Wataru Takagi, Kappei Yamaguchi, Masami Kikuchi, Junpei Morita, Bin Shimada, Kozo Shioya, Hiroya Ishimaru, Minori Matsushima, Yui-p, Okarina, Azusa Tadokoro, Miku Ito, Hiroyuki Miyasako, Romi Park, Keiji Fujiwara, Unsho Ishizuka. Producción: Toei Animation. Distribución: Selecta Visión. Género: animación, ciencia ficción. Web oficial: http://mazingerz-world.com/

Crítica: ´Los archivos del Pentágono’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

En junio de 1971, el New York Times, el Washington Post y los principales periódicos de EE.UU. tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno que duró cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidense. Katherine Graham y Ben Bradlee, formaron un equipo improbable, ya que se vieron obligados a unirse y tomar la audaz decisión de apoyar al New York Times y luchar contra el intento sin precedentes de la Administración de Nixon de restringir la primera enmienda.

[/toggle]

Crítica

Valiente y muy cuidada, así es la nueva cinta de Steven Spielberg.

Ya hemos visto ‘Los archivos del Pentágono’, la nueva cinta de Steven Spielberg, que nos trae una historia de Vietnam desde el punto de vista periodístico y político.

La cinta rescata varios temas como son la lucha por la libertad de prensa contra el orgullo de un gobierno y la lucha de una mujer por poder de decidir en su propia empresa.

Spielberg nos da una lección sobre la historia del periodismo y sobre cómo el gobierno de los Estados Unidos decidió silenciar la verdad que muchos querían contar. En esta cinta nos vuelve a contar una historia sobre Vietnam, pero desde otra perspectiva, no con armas de fuego, sino con el arma más potente, la verdad.

La manera con la que se intentó silenciar a varios periódicos para evitar que ‘Los archivos del Pentágono’ siguieran saliendo a la luz, terminó mal para el Gobierno y gracias a eso, una pequeña batalla para la libertad de prensa fue ganada.

Mucho ha pasado desde entonces y aun seguimos con pequeñas luchas, pero este es un gran ejercicio de conciencia para poder ver cuántas vidas se hubiesen salvado de ambos lados si el gobierno de los Estados Unidos no hubiese sido tan orgulloso.

El otro tema a tratar es el de nuestra protagonista, Katherine Graham, dueña de el The Washington Post, el cual en ese entonces era un periódico casi local y que se ve envuelto en una lucha que no se podía ni imaginar. Rodeada de hombres que la miran por encima del hombro, los cuales aunque la tienen aprecio, no ven bien que su jefa sea una mujer de cuyas decisiones depende el futuro del periódico.

Meryl Streep está estupenda, nos muestra a una mujer con un montón de dudas, a la que le cuesta hablar en las reuniones de empresa y se apoya siempre en uno de sus consejeros, poco a poco vamos viendo una evolución y sobretodo una liberación de esta mujer que va ganándose su puesto con grandes decisiones. Añadir que es la primera vez que la actriz trabaja con Spielberg y solo puedo decir que ya era hora, y que el papel que le ha dado es un verdadero regalo.

El otro claro protagonista es el personaje de Tom Hanks,  Ben Bradlee, que es el periodista que tantos dolores de cabeza le da a su directora, pero a la vez la ayuda a ese pequeño empujón que necesita. Por lo que he podido leer Bradlee era vecino de Spielberg y Tom pudo conocerle y hasta poder estudiarle, se nota pues su personajes está muy cuidado.

En el resto del reparto podemos ver a Michael Stuhlbarg, Alison Brie, Jesse Plemons, Sarah Paulson entre otros. Y con una mención especial a Bob Odenkir, actor de ‘Breaking Bad’, que aunque ya sabemos que es un gran actor, en esta cinta nos muestra su lado más serio el cual borda.

Sin duda, todas las nominaciones a premios son merecidas. Una cinta que da mucho que pensar. ¿Hasta qué punto pueden arrebatarnos la libertad de prensa?. ¿Cuántas cosas más nos ocultan?

No dudéis en acercaros a los cines el 19 de enero, una gran puesta en escena os espera y una pequeña parte de la historia que os dará mucho que pensar. 

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero 2018.  Título original: The Post.  Duración: 116 min. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Spielberg. Guión: Liz Hannah. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bradley Whitford, Bruce Greenwod, Matthew Thys, Alison Brie, Carrie Con, Jesse Plemons. Producción: Amblin Entertainment, DreamWorks, Distribución: eOne Films Spain. Género: Thriller.

Crítica: ‘Tres anuncios en las afueras’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

‘Tres anuncios en las afueras’ es una comedia dramática con toques oscuros del ganador del Oscar Martin McDonagh (‘Escondidos en Brujas’). Después de meses sin que aparezca el culpable de la muerte de su hija, Mildred Hayes (la oscarizada Frances McDormand) da un valiente paso al pintar tres anuncios en unas vallas publicitarias camino de su pueblo con un polémico mensaje dirigido a William Willoughby (el nominado al Oscar Woody Harrelson), el venerado jefe de policía del pueblo. Cuando su segundo al mando, Dixon (Sam Rockwell), un inmaduro niño de mamá aficionado a la violencia, entra en acción, la guerra entre Mildred y las fuerzas policiales de Ebbing no hace más que empeorar.

[/toggle]

Crítica

Esto sí es publicidad ética, de calidad y que quiero ver más veces.

Cuando una película es capaz de hacer que tengas sentimientos encontrados, cuando logra que te encariñes con todos y cada uno de sus personajes, cuando te sorprende con sus ocurrencias… Es entonces cuando tienes esa sensación de que no podrías decir nada malo de la película, aunque no la consideres una obra maestra, pero aún así sientas que no vas a parar de recomendarla. La comedia de Martin McDonagh no es una montaña rusa de sensaciones ni un despiporre, pero ello es debido a que está circunscrita con precisión en el drama de la vida y por eso merece la pena ser vista.

‘Tres anuncios a las afueras’ es una comedia muy negra. Casi que los calificativos que le vienen mejor son amarga y ruda, pero al fin y al cabo comedia negra. Está muy cargada de remordimientos y esos tres carteles que el personaje de Frances McDormand emplea para presionar a la policía hacen que salgan los de todos a la luz. Por lo tanto viene dotada de un potente trasfondo dramático que se hace con la película casi inevitablemente. Es por eso que trata sobre el coraje y la redención, pero también sobre los juicios morales. Todos los personajes tienen algo de lo que avergonzarse o algo que afrontar y para ello han de hacer acopio de valor o buscar el perdón.

Puede recordar en muchos aspectos al cine de los hermanos Coen: por su humor áspero e inteligente, por los diálogos directamente sinceros, por la concepción de sus personajes, por la visión tan particular de Estados Unidos que ofrece… Sobre todo vienen a la memoria películas como Fargo, lo cual no es difícil pues también la protagonizaba Frances McDormand. No es de extrañar la elección de la actriz fetiche y esposa de uno de los Coen para esta película pues es una abanderada en eso de la comedias de este tipo.

Mildred Hayes (Frances McDormand) tiene unos prontos que harían que temblara de terror hasta Juan sin miedo. Su tozudez, agallas y rudeza me han recordado a personajes interpretados por John Wayne o Clint Eastwood y Frances McDormand puede mirar de igual a igual a esos dos grandes mitos del cine. Porque además esta película huele totalmente a western. Una mujer que está prácticamente sola ante el peligro y la injusticia, en una villa del centro de Estados Unidos decidiendo azuzar a las autoridades, tanto por activa como por pasiva, para que cumplan con su trabajo y hagan justicia con el caso de su hija muerta… Ese argumento es de película del oeste nada más plantearlo. Tanto su trama como el carácter de sus personajes os van a llevar a un western moderno dirigido ecléticamente.

Es una película en la que cuesta decantarse por un personaje predilecto, en la que puedes sentirte identificado de algún modo con todos y cada uno de los individuos que pueblan la ficticia localidad de Ebbing, independientemente de cuáles sean sus virtudes o defectos a destacar. El filme pone en relieve que todos pueden tener un lado bueno y un lado malo, lo que es más importante, aunque nos presente a personajes en apariencia casi catetos, salidos de la Norteamérica más profunda, nos dan lecciones con su valentía o con sus demostraciones de amor incondicional y perseverancia, las cuales podrían estar escritas en las novelas más ilustres de las bibliotecas más exclusivas. Es por esto que hacía falta contar con actores muy cercanos al espectador, que no se den aires de grandes estrellas y capaces de encontrar un buen balance entre el humor y el drama. Martin McDonagh ha sabido aprovechar eso de su reparto. Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage… son nombres de artistas que siempre logran hacernos sonreír pero que la mayoría les tenemos aprecio gracias a que siempre logran dar a sus personajes un matiz humano muy particular. De entre todos ellos (obviando el claro protagonismo de McDormand) no elijo como favorito, pero si me gustaría señalar a Rockwell, quizá por tener más minutos en pantalla pero también por ser el que más ha hecho evolucionar a su personaje y el que más encarna el espíritu de esta magnífica película.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: Martin McDonagh. Guión: Martin McDonagh. Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis, BSC. Reparto principal: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish, Lucas Hedges, Željki Ivanek, Caleb Peters, Samara Weaving, John Hawkes, Peter Dinklage. Producción: Blueprint Pictures. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.tresanunciosenlasafueras.es/