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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘La casa torcida’

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Sinopsis

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Tras la muerte del adinerado patriarca griego Aristide Leónides en extrañas circunstancias, su nieta Sophia (Stefanie Martini) acude desesperada a Charles Hayward (Max Irons), un detective privado con el que mantuvo una relación, para que visite la residencia familiar e investigue el caso. Allí le esperan tres generaciones de la multimillonaria dinastía Leónides y un venenoso ambiente cargado de amargura, resentimiento y envidia. Las pistas y motivos hacen pensar que cualquiera podría ser sospechoso del crimen y Charles deberá trabajar a contrarreloj para descubrir al asesino antes de que vuelva a matar.

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Crítica

Nueva adaptación de un misterio de Christie realizada con claroscuros.

Las novelas de Agatha Christie son adaptadas continuamente a diferentes planos de las artes escénicas. Hace poco pudimos ver una nueva versión de ‘Asesinato en el Orient Express’ en el cine y ahora con menos peso mediático nos llega a las carteleras ‘La casa torcida’. Un relato que data de 1949 y que al igual que otras muchas se centra en un posible crimen circunscrito en una casa.

Un supuesto asesinato, una fortuna disputada, una tortuosa familia numerosa y un detective que es contratado para resolver el caso. La historia en si es interesante. Cada personaje, como suele ser en crónicas de este corte, tiene un posible móvil para ser sospechoso o también para ser todo lo contrario. Además el filme tiene la virtud de no mostrar ni el momento de la muerte ni la escena del fallecimiento, con lo que no se la juega en caer en errores. Cada una de las motivaciones del os personajes están justificadas y bien resueltas con sus acciones. Al final todo encaja pero este puzle es demasiado grande para las piezas que tiene y es en su exposición donde nos desmotiva.

Como todos sabemos en las películas basadas en novelas de esta escritora el asesino no siempre es el mayordomo. Por eso en ‘La casa torcida’ la intriga por descubrir la solución del caso permanece vigente casi hasta el mismo final. Pero llegamos a esa resolución cansados ya que su inicio está extremadamente alargado. Se toma demasiado tiempo en plantearnos la situación y presentarnos a sus personajes, sus peculiaridades e incluso sus habitaciones personalizadas cada una con su estilo. Es por ello que nos comenzamos a impacientar, a exigirle avances a la película y sus imágenes tampoco nos ayudan mucho a sobrellevar los compases iníciales. Está rodada con planos que o bien están mal hechos o bien se han filmado así a posta para incomodar al espectador tanto como lo están los interrogados por el detective. El director de fotografía Sebastian Winterø ha optado por mezclar composiciones simétricas con picados y contrapicados sin orden alguno. Un guirigay de tomas que si bien va acorde con el lío mental que se le organiza en la cabeza al investigador no es favorable ni atractivo para el espectador, ni tampoco sé si es premeditado.

Aunque me haya referido a esta película como una película menor y con menos ruido publicitario, por debajo en cuanto a su poder de producción, marketing o fama de sus actores, sí que nos encontramos intérpretes de lo más destacables. Glenn Close, Gillian Anderson o Terence Stamp figuran entre un reparto numeroso en el que el protagonista está interpretado por Max Irons. El actor londinense asume un rol de más peso que los que anteriormente ha interpretado y lo hace llevándoselo a los tópicos. La gesticulación, la manera de dirigirse a unos y a otros, el semblante… Además que su investigador está cargado de clises del género: que si le enciendo el cigarrillo a la antigua amante que viene a encargarme un caso, que si recorto en silueta por una noctambula y neblinosa calle iluminada por tenues farolas envuelto en mi gabardina… De todos modos partimos de la base de que no es el clásico y sabio personaje de Agatha Christie acostumbrado a resolver casos y eso se nota, no está tan trabajado.

Con este filme me ha quedado una sensación de incertidumbre a la hora de pronunciarme a favor o en contra. La película se sostiene, a pesar también de su música repetitiva y muchas veces a destiempo, porque varios de sus personajes si tienen atractivo y su narración causa suspense. Si uno además está acostumbrado a la obra de Christie distinguirá rápido porque en algunos sentidos se sale un poco del tiesto esta novela rompiendo sus moldes. El problema más marcado es que no está del todo bien dirigida ni se ha controlado el tiempo dedicado a la introducción, nudo y desenlace. Una pena porque el guionista Julian Fellowes, muy acostumbrado a escribir sobre intrigas británicas, le podría haber dado un empaque mejor al texto de Christie.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de abril de 2018. Título original: Crooked House. Duración: 115 min. País: Reino Unido. Dirección: Guilles Paquet-Brenner. Guion: Julian Fellowes. Música: Hugo de Charie. Fotografía: Sebastian Winterø. Reparto principal: Max Irons, Christina Hendricks, Gilian Anderson, Glenn Close, Stefanie Martini, Honor Kneafsey, Terence Stamp, Julian Sands, Christian McKay, Amanda Abbington, Preston Nyman, John Heffernan, Jenny Galloway, Tina Gray. Producción: Brilliant Films, Fred Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: misterio, crimen, adaptación. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/la_casa_torcida

Crítica: ‘Verano de una familia de Tokio’

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Sinopsis

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Mientras su mujer viaja con unas amigas para ver la aurora boreal, el abuelo aprovecha para retomar antiguas amistades y rememorar viejos tiempos. Después de un pequeño accidente de circulación sin importancia se desatará el caos en la familia Hirata. Sus hijos se reunirán para intentar que deje de conducir pero el abuelo no se lo pondrá fácil.

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Crítica.

Elevando la temperatura cómica de unos personajes que siguen funcionando.

La comedia ‘Verano de una familia de Tokio’ supone la segunda parte de una serie de correrías de un clan muy peculiar japonés gestadas por el cineasta Yôji Yamada. Historias que nos transportan a una zona acomodada de la capital nipona y de las que conviene que os ponga previamente en situación pues en esta ocasión Yamada ha pecado en no saber sentar precedentes. Porque la de los Hirata es una circunstancia algo singular, del tipo ‘Médico de Familia’, en la que en la misma casa conviven tres generaciones. El matrimonio más mayor, el de los abuelos, tiene una relación muy peculiar. Esto se debe a que en la anterior película, ‘Maravillosa familia de Tokio’, la abuela le pidió al abuelo el divorcio, nada más y nada menos que como regalo de cumpleaños. Conviven bajo el mismo techo como esposos pero hacen vidas casi por separado. El cascarrabias del abuelo Hirata es más independiente que nunca y por eso llega el conflicto de esta nueva película.

La trama en la que se centra ‘Verano de una familia de Tokio’ trata sobre el empeño de todos en quitarle el carné de conducir al patriarca de la casa debido a que cada vez tiene más peligro con el coche. Aquellos que conozcan ya a este personaje sabrán que con lo tozudo que suele ser la tarea no es moco de pavo. Yôji Yamada ha hecho de esa labor una gesta que además va rodeada de otras andanzas que va viviendo el personaje interpretado por Isao Hashizume. Así miembro a miembro de la familia se pasa la patata caliente, el marrón de hablar con su padre, el cual mientras se va de pillerías.

Si hay algo que distingue esta película de la anterior es que va un poco más allá llegando a puntos algo más extremos ganándose el calificativo de comedia de situación. Sigue prácticamente los mismos esquemas (repitiendo los mismos personajes) pero tiene momentos más desbordantes y termina con un desenlace bastante más cerca de lo surrealista. Tras el éxito de su anterior película ahora explota sus puntos fuertes, sus personajes más hilarantes y las relaciones que más jugo tienen. Pero sigue siendo el mismo tipo de película con gags tontorrones y marcadamente descarados, pero dentro de lo respetuoso de la cultura japonesa. Porque los Hirata continúan siendo esa familia que como dije en mi anterior crítica son frágilmente funcionales y se juntan para hablarlo todo comiendo su pedido de anguila con arroz. Aceptan aún críticas constructivas los unos de los otros mientras de fondo se producen todo tipo de payasadas.

Yôji Yamada, esta persona con más de ochenta títulos dirigidos y casi noventa años de edad firma esta segunda entrega de su trilogía (hay preparada ya una tercera) reformada en comedia (tras haber partido del drama de ‘Una familia de Tokio’) con el fin de transmitir una de las grandes preocupaciones en Japón, las personas mayores. Sus retratos costumbristas se convierten en un chapuzón de lo más simpaticón, como un anime de los ochenta plasmado en imagen real, cordial pero con inquietudes que transmitir de manera campechana.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de abril de 2018. Título original: Kazoku wa tsuraiyo 2. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guion: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Masashi Chikamori. Reparto principal: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Kazuko Yoshiyuki, Yui Natsukawa, Isao Hashizume,Takashi Sasano, Masahiko Nishimura, Jun Fubuki, Nenji Kobayashi,Tomoko Nakajima, Yuriko Hirooka, Kôen Kondô, Tsurube Shôfukutei,Fujita Okamoto, Katsumi Kiba, Shozo Hayashiya, Jiro Dan, Masayasu Kitayama,Yûki Tokunaga, Ayumu Maruyama, Takanosuke Nakamura. Producción: GyaO, Hakuhodo DY Media Partners, Hakuhodo, Kinoshita Komuten, Kodansha, Yomiuri Shimbun, The Shochiku Kinema Kenkyû-jo, Sumitomo Corporation. Distribución: A Contracorriente Films, Sherlock Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/818/verano-de-una-familia-de-tokio/

Crítica: ‘Campeones’

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Sinopsis

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Marco es el segundo entrenador de un equipo de baloncesto de la primera división española. Tiene problemas en el trabajo, con su pareja y con casi todo lo que le rodea. Es, más que nada, una cuestión de actitud frente a la vida.

Un día, en pleno partido de Liga, esas frustraciones desembocan en una tremenda bronca con el primer entrenador, que deriva en una borrachera y ésta en un accidente de tráfico que le sienta en el banquillo.

La sentencia le llevará a entrenar a un equipo de baloncesto muy especial, formado por personas con discapacidad intelectual, a la vez que pierde su trabajo y se rompe su relación de pareja.

De forma sorpresiva para el propio Marco, él será quien realmente aprenda de su aventura junto a un equipo donde imperan las ganas de vivir y el dar importancia a las cosas que realmente la tienen…

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Crítica

Los disparates de Fesser transmitidos con más autenticidad que nunca.

Aún me acuerdo de los tronchantes anuncios que Javier Fesser hizo para el ‘PC Fútbol 2000′ y ahora, cuatro años después de lanzar su último largometraje vuelve a asociarse con el deporte. Un lapso de tiempo en el que ha estado realizando cortometrajes como ’17 años juntos’ o ‘Servicio técnico’ en los cuales ya contaba con algunos de los actores que vemos en ‘Campeones’, su nueva película. En la cinta que ha escrito junto a David Marqués (‘Dioses y perros’) nos cuenta cómo un entrenador profesional de baloncesto (Javier Gutiérrez) pasa de ser el segundo al mando de un equipo de la ACB a entrenar un grupo de discapacitados intelectuales. Todo ello a causa de una serie de errores y de desatinos que deberá arreglar en su vida.

Es una película muy sincera y campechana, que muestra de un modo susceptible la vida de personas con discapacidad intelectual. Es muy valorable y hay que destacar que todo elenco de actores trabaja teniendo el mismo peso en la película, sin hacer ningún tipo de distinción, como debe ser. Y el hecho de recalcar ese trabajo en equipo, de buscar el que formemos todos parte de una sola cosa dejando al margen cualquier tipo de diferencias es uno de los mensajes más potentes de la película.

La franqueza de ‘Campeones’ emana de la nobleza de sus actores. Personas capaces de llenarnos de calidez con una interpretación natural. Con un elenco así, y esto lo digo tanto por los actores primerizos como por los profesionales, es imposible no sentir proximidad con los personajes escritos por Fesser y Marqués. El equipo de «Los amigos» está compuesto por diez protagonistas que de verdad, en la vida real, tienen distintas limitaciones para llevar a cabo su día a día, pero eso no les ha impedido filmar una película. Demuestran no solo ser capaces de meterse en un personaje y en una historia ajena a la de su realidad, si no ser muy buenos comediantes.

Vista en perspectiva y analizado su mensaje y estructura ‘Campeones’ es una mezcla de ‘Intocable’ y ‘Somos los mejores’. Sigue el espíritu catártico de la primera y los esquemas de la segunda. Es una cura de honestidad para el protagonista que no apreciaba lo que tenía ni el futuro que le podía esperar a través de unas personas que son felices con lo poco que ya poseían.

Porque ‘Campeones’ no es solo una película humorística que nos ofrezca una retahíla de gags irracionales y de lo más ilógicos, cosa que siempre me ha encantado de Fesser. También tiene su carga dramática. Durante un buen tramo la comedia se pierde y la película se desvirtúa cayendo a merced de las partes más típicas y menos características del cine del director. Esto ocurre en dos momentos concretos. Cuando se quiere entrar en el drama del personaje de Javier Gutiérrez con su pareja, sin el cual creo que ‘Campeones’ habría funcionado igual, y cuando entra en la dinámica de otros films deportivos en los que pasa siempre exactamente lo mismo. Estas dos partes de la película son prescindibles o por lo menos se podrían haber aligerado, están fuera del estilo de Fesser además.

A parte de todo el desternillante equipo de baloncesto el principal protagonista es Marco, el entrenador al que da cara y voz Javier Gutiérrez. Aunque en su inicio parecía que le íbamos a ver de nuevo en un personaje falto de tacto y con serios problemas profesionales comprobamos que este es un papel diferente pues la persona que encarna si experimenta una revelación muy diferente a la de su escritor en ‘El autor’ y al contrario que la que vemos en ‘Vergüenza’, por ejemplo, en donde interpreta a alguien incurable. Por lo tanto nuevo sujeto para el currículo de uno los actores españoles más en forma de la actualidad.

Como decía antes Fesser ha repetido equipo. Por ejemplo su director de fotografía es el mismo con el que ya trabajó en el hilarante cortometraje ‘Servicio técnico’. Chechu Graf, el artífice de las imágenes de ‘Toc toc’ o ‘The green inferno’, se ha decantado por el colorido, los planos abiertos y con mucha luz. Aunque, a no ser que se me haya escapado, no he visto ninguna bombona de butano y eso ya es raro en una película de Pendleton. También se mantiene con el director Rafael Arnau (‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo’ o ‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón’) como compositor en una banda sonora en la que lo más

‘Campeones’ es una comedia diáfana y sin prejuicios. No habría necesitado de ningún contrapunto dramático para llegar a nuestros corazones pues es bastante tierna con sus personajes naturales. Pero ha querido mostrar que todos tenemos algún tipo de minusvalía, aunque nos consideremos «normales». Autocrítica se puede hacer con este filme, pero también podemos aprender muchas lecciones de vida gracias a su respeto y picarona inocencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de abril de 2018. Título original: Campeones. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Javier Fesser. Guion: David Marqués, Javier Fesser. Música: Rafael Arnau. Fotografía: Chechu Graf. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Athenea Mata, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Daniel Freire, Itziar Castro, Luis Bermejo, Jesús Vidal, Sergio Olmos, Julio Fernández, Jesús Lago, José de Luna, Fran Fuentes, Gloria Ramos, Alberto Nieto, Roberto Chinchilla, Stefan López. Producción: Películas Pendleton, Morena Films, Movistar+. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/campeones-94/

Crítica: ‘Inmersión’

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Sinopsis

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‘Inmersión’ es una historia de amor que nos traslada a los mundos opuestos de Danielle Flinders (Alicia Vikander) y James More (James McAvoy). Se conocen por casualidad en un remoto hotel de la costa normanda donde ambos se preparan para peligrosas misiones. Se enamoran casi en contra de su voluntad, pero pronto verán el uno en el otro al amor de sus vidas.

Al separarse, descubrimos que James trabaja para el servicio secreto británico. Está involucrado en una misión en Somalia para seguir el rastro de una red de terroristas suicidas que están asolando Europa. Danielle “Danny” Flinders es una bio-matemática que trabaja en un proyecto de inmersión en busca del origen de la vida en nuestro planeta. Estarán a un mundo de distancia el uno del otro. James será apresado por yihadistas y no podrá contactar con Danny, que tendrá que adentrarse en lo más profundo del océano a bordo de un sumergible, sin ni siquiera saber si James sigue vivo…

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Crítica

‘Inmersión’ ha sido una insípida y ardua inversión de mi tiempo.

Alicia Vikander y James McAvoy protagonizan la última película de Wim Wenders. ‘Inmersión’ relata el romance fortuito de dos personas que se conocen en un hotel. Pero esa aventura se ve interrumpida por que sus vidas han de separarse por cientos de kilómetros de distancia. Ambos aceptaron una misión cuando tenían poco que perder, cuando aún no se conocían. Tras encontrarse se dieron cuenta que ganaron algo que hizo que esa misión quedase en un segundo plano y que en sus vidas había algo más que sumergirse en sus trabajos. Esta es una historia en la que supuestamente Wim Wenders nos pretende emocionar y conmocionar, pero no lo consigue dado que no llega a suscitar afecto por los personajes.

La película se alterna entre los instantes en los que la pareja se conoce y comparte momentos juntos enamorándose en el pasado y la actualidad que viven desempeñando sus trabajos. Presentes en los cuales Vikander, como bio-matemática, se tendrá que sumergir en el profundo océano sin saber nada de su amado, del cual desconoce su verdadera profesión. Dos personas de cuyas historias independientes Wim Wenders es incapaz de generar interés alguno y eso que la ocupación de James McAvoy es bien emocionante y la de Vikander bastante interesante. Para el espectador no hay relevancia en que ninguno de los dos alcance sus objetivos, no hay expectación en ver cuál es la meta de cualquiera de ellos. Es más, la empatía por la relación amorosa que viven los protagonistas también tarda en germinar, como si se hallase escondida en ese profundo océano sin luz ni calidez en el que el personaje de Vikander ansía rebuscar el origen de la vida.

La película pretende abordarnos con argumentos inteligentes, con metáforas elaboradas. Pero se desmerece a sí misma con secuencias innecesarias y primerísimos planos ridículos. No hay ni utilidad ni lenguaje en sus planos que respalden todo lo cosechado en sus inicios. El dramatismo de las escenas de uno no está en sincronía con las del otro. Esto hace que el ritmo narrativo se resienta ya que la cadencia de las historias es desigual.

No sé si la culpa es de la novela de J.M. Ledgard, de la dirección de Wim Wenders o del guion de Erin Dignam, pero ‘Inmersión’ tiene un conjunto de desatinos que arreglar. La responsabilidad suele recaer en el director. Wenders ha pretendido que hagamos apnea hacía lo más profundo de una relación y lo que casi consigue es dejarnos sin aliento pero de resoplar de pesadez ante la presión de sus argumentos anodinos. Es más, con dos actores que por lo general hacen que me quite el sombrero es una sorpresa mayúscula que solo tenga un par de escenas para guardar de todo el largometraje.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de abril de 2018. Título original: Submergence. Duración: 110 min. País: Alemania, Francia, España. Dirección: Wim Wenders. Guion: Erin Dignam. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Benoît Debie. Reparto principal: James McAvoy, Alicia Vikander, Alexander Siddig, Celyn Jones, Reda Kateb, Mohamed Hakeemshady. Producción: Lila 9th Productions, Neue Road Movies, Morena Films, Umedia, Backup Films, Green Hummingbird Entertainment, Atresmedia, Movistar+, PalmStar Media. Distribución: eOne Films. Género: romance, drama, adaptación. Web oficial: https://morenafilms.com/peliculas/inmersion/

Crítica: ‘Barbara’ la nueva película de Mathieu Amalric

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Sinopsis

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Brigitte, una actriz reconocida internacionalmente, llega a París para interpretar en una película a la icónica cantante francesa Barbara. A medida que pasan los días, la realidad y la ficción se irán confundiendo para el equipo de rodaje y también para la propia actriz.

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Crítica

Visualmente poética, narrativamente pausada.

Nos llega desde Francia ‘Barbara’ de Mathieu Amalric, una cinta bastante complicada, donde el director juega a recrear el rodaje de una película dentro de ésta. Amalric hace que los 98 minutos de película se hagan eternos y fatiguen al espectador.

La cinta nos trae el rodaje de una película biográfica sobre la icónica cantante francesa Barbara. Brigitte (Jeanne Balibar) se prepara minuciosamente para hacer su actuación más lograda.

Jeanne Balibar está maravillosa, su Premio Cesar es bien merecido, aunque la película no me haya gustado, admito que solo por ver a esta mujer actuar merece la pena. Amalric le ha hecho un gran regalo a su ex pareja, ella nos muestra cómo va preparándose, copiando cada gesto, su voz, como poco a poco le invade el espíritu de la cantante, tanto que llega un momento que no sabes si las escenas son parte de los vídeos reales de la cantante o si son escenas grabadas para la película. En ese sentido el director sin duda ha realizado un gran trabajo.

Lo malo es el ritmo de la película y que intenta meter una historia de amor u obsesión que no se termina de aclarar bien y hace que pierdas el hilo de la historia.

Aparte de Jeanne Balibar, otro de los puntos fuertes de la cinta es su fotografía, las imágenes se te quedan incrustadas en la pupila, preciosas, poéticas. El momento en el que Balibar está aprendiendo a moverse como Barbara, mientras ve las imágenes proyectadas en una pared, me parece una de las escenas más bonitas que he visto en el cine en mucho tiempo. Sin duda merecido el Premio en Cannes a la Mejor Poesía Narrativa .

Una lástima que la película no llene, no agasaje, sea tan sumamente pesada, porque si el ritmo hubiese sido distinto, con la fotografía tan buena, con la actriz tan perfecta y una música increíble, la película podría haber llegado muy lejos.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de marzo de 2018. Título original: Barbara. Duración: 98 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Amalric. Guion: Mathieu Amalric, Philippe Di Folco. Música: Olivier Mauvezin. Fotografía: Christophe Beaucarne. Reparto principal: Jeanne Balibar, Mathieu Amalric, Vincent Peirani, Fanny Imber, Aurore Clément, Grégoire Colin. Producción: Waiting For Cinema. Distribución:  Sherlock Films y A Contracorriente Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/817/barbara/

Crítica: ‘El justiciero’

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Sinopsis

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Paul Kersey (Bruce Willis) es un famoso cirujano que vive felizmente con su familia en Chicago. Un día, su esposa (Elisabeth Shue) y su hija (Camila Morrone) son brutalmente atacadas en su casa. Paul, que siempre había sido un tipo tranquilo, siente cómo la sed de venganza va apoderándose de él.  Con la policía sobrecargada de crímenes, decide tomar la justicia por su mano e ir en busca de los agresores de su familia y de paso enfrentarse a todo tipo de criminales que se cruzan en su camino.

A medida que sus víctimas captan la atención de los medios, la ciudad se pregunta si este vengador es un ángel guardián… o un ángel justiciero.

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Crítica

Un justiciero en un momento controvertido para su país.

Primera vez que Roth se sale del género de miedo y lo hace para re-rodar la novela de Brian Garfield. Vuelve a cobrar vida ese texto y esta vez obviamente no es con el difunto Charles Bronson si no con Bruce Willis. Porque esta película sirve además de remake ya que la novela se adaptó a modo de saga en el 74. Además la película no transcurre en Nueva York como la obra que dirigió en el 74 Michael Winner, si no en Chicago. A parte de eso hay otros cambios para hacer la película más contemporánea, conveniente y puede que polémicamente actual.

El argumento de la película no es muy diferente al de otras películas de venganza. Paul Kersey es un padre de familia y amante esposo que sufre un ataque en su propia casa mientras está trabajando en su hospital. Le corroe por dentro no saber quién es el artífice de su tragedia y ver como su ciudad está plagada de delincuentes, entonces decide convertirse en un paladín de la justicia.

Tras barajarse varios actores como Del Toro, Neeson o Damon, Bruce Willis acabó protagonizando este proyecto, propiciando que el guionista Joe Carnahan dejase la producción ante su descontento. No obstante el guion finalmente se le ha atribuido a él aunque por lo visto hasta nueve personas han estado involucradas en la escritura de esta película. Quizá su mano haya hecho que el nivel de violencia sea menor, que tengamos menos sangre en pantalla ya que para ser una película de Eli Roth no hay brutalidades extremas. Solo una a destacar y un lance fruto de una carambola que nos puedan llamar la atención y que podamos decir que son clásicas del cine que suele dirigir.

Es más, para tener a Eli Roth y a Bruce Willis juntos sorprende que se tarde tanto en interiorizar las razones de este temerario personaje. Tenemos a un héroe que tarda en coger un arma, pero no solo eso, a la película le cuesta mostrarnos un atisbo de acción, a pesar de que desde el principio nos habla de crímenes, tiroteos y oleada de muertes. Con la llegada del cirujano interpretado por Willis (en la versión de Bronson era un arquitecto), surge la clásica controversia de si es necesario que haya un justiciero en la ciudad. Un debate que llevamos teniendo años en los comics con enmascarados como Batman. Y como un enmascarado va el señor Kersey cuando la ley no hace progresos y cuando parece que ser un justiciero si es una solución efectiva y que la cuidad agradece en su mayoría, aunque surja el peligro de que le salgan imitadores. En ese momento entra en acción la otra cara de la moneda. La película alaba las virtudes de poner al alcance de todos los estadounidenses un arma, pero en mi opinión no queda claro de si lo hace con intenciones sarcásticas o propagandísticas. Porque en determinadas escenas queda un poco irrisorio ver a Bruce Willis como un serio cirujano enfundado en una sudadera por la calle pistola en mano al son de la música de Chicago preparado para matar a cámara lenta. Y en otras escenas se ridiculiza lo fácil que es conseguir un arma en una tienda.

Por la devoción de Eli Roth hacia su personaje en Breaking Bad tenemos a Dean Norris de nuevo interpretando a un policía. Ya sabemos que ha hecho de agente o de cualquier tipo de representante de la ley en incontables ocasiones (‘Medium’, ‘La cúpula’, ‘Bing Bang theory’, ‘El cuerpo del delito’…) a si es que no es de extrañar que tenga controlado el papel. Quien también aparece en ‘El justiciero’ es Vicent D’Onofrio bastante más contenido que de costumbre y en un segundo plano también menos habitual. Mucho más presentes están Elisabeth Shue y Camila Morrone como esposa e hija de Kersey pero tampoco les ha dejado el guion un margen especial para hacer grandes cabriolas.

A parte de la casualidad y choque con la actualidad se nota que Roth busca una veracidad con sus imágenes de periodistas hablando sobre el estado del país a cerca del tema de las armas y los conflictos en las calles. Las declaraciones de la prensa y de los ciudadanos parecen verídicas y son de las que en el mundo real se harían virales rápidamente. No lo veo como un largometraje anti-armas con personajes pro-armas, está más cerca de algo que ensalza la posesión de una pistola en cada hogar. Lo cierto es que la película de Roth está algo indefinida políticamente, desconozco cuál es su orientación en ese sentido, tampoco me inquieta. Pero casualmente surge en buen momento ya que ha salido justo cuando Trump sugiere que los profesores de las escuelas vayan armados. Tampoco habría sido fácil evitar coincidir con este debate en USA ya que cada dos por tres sale a la luz. Si algo es el filme de Eli Roth es oportuno y embarazoso.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: Death Wish. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Joe Carnahan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Bruce Willis, Elisabeth Shue, Camila Morrone, Vicent D’Onofrio, Kimberly Elise, Dean Norris. Producción: Metro Goldwyn Mayer, Cave 76. Distribución: Filmax. Género: drama, acción, adaptación, remake. Web oficial: https://www.deathwish.movie/

Crítica: ‘Ready Player One’

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Sinopsis

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En el año 2045, el mundo real es un lugar hostil. Wade Watts (Tye Sheridan) sólo se siente vivo de verdad cuando escapa a OASIS, un universo virtual inmersivo al que la humanidad dedica gran parte de su tiempo. En el OASIS puedes ir a cualquier parte, hacer cualquier cosa, convertirte en lo que quieras: los únicos límites son tu propia imaginación. El brillante y excéntrico James Halliday (Mark Rylance) creó el OASIS y dejó su inmensa fortuna y el control total del Oasis al ganador de un concurso de tres partes que diseñó con el fin de encontrar un digno heredero. Cuando Wade supera la primera prueba de la búsqueda del tesoro que transforma la realidad, él y sus amigos, también conocidos como los High Five, se internan en un universo fantástico repleto de revelaciones y peligros para salvar el OASIS.

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Crítica

Ready Player One es un deleite y mezcolanza de personajes, nada lejos de aquello que hacíamos todos con nuestros juguetes.

La adaptación del afamado libro ‘Ready Player One’ (reseña aquí) ya es una realidad. Desde antes incluso de que se publicase en librerías Warner Bros. ya estaba convencida de que esta sería una gran película y así ha sido. La novela de Ernest Cline narra la situación de nuestro planeta en el futuro y en él los humanos juegan, trabajan, se relacionan… viven en Oasis. Oasis es un juego que se ha convertido en lo más importante a nivel global. Ese entretenimiento mueve toneladas de dinero y se convierte en el objetivo de todos desde que su creador muere y anuncia que ha escondido un huevo de pascua en él. Es entonces cuando arranca una búsqueda en la que se ve inmerso Wade Watts, el protagonista interpretado por el joven Tye Sheridan.

Este Ready Player One mejora en varios puntos al libro. El personaje de Wade es más creíble, sobre todo porque no es tan extremadamente sabio como en la obra escrita. Dada su corta edad costaba creer que ya acumulase tanto conocimiento. Arranca y presenta todo de un modo bastante dinámico, de manera que pronto nos sumergimos en la realidad virtual de Oasis. También se ha solucionado a mejor el tramo final. Dentro de los esquemas del cine ochentero que emplea resulta más llevadero y más fluido, menos preconcebido y más admisible. Una de las cosas que parece que atraen también de la película es mostrar un futuro distópico. Es tendencia, como lo son los videojuegos, crear realidades venideras en las que a la humanidad no le va nada bien, o no por lo menos como creemos que nos debería ir.

Pero el filme comete los mismos errores que la novela. El personaje principal está sobreprotegido en demasía, por él realmente no tememos en ningún momento. Y el guion está descuidado a merced del espectáculo visual y las referencias cinematográficas y gamers. Esto sucede en otras muchas películas de corte similar. La historia se reduce a algo bastante cuadriculado, especialmente para partir de una premisa tan original.

La gran fuerza de Ready Player One reside en lo que es obvio. En el frenesí visual de sus escenas y en el disfrute de referencias que ofrece. Ciudadano Kane, Batman, Halo, los juegos de 8 bits, King Kong, El Resplandor, Hello Kitty, Spawn, Dragones y Mazmorras… Podría llenar esta entrada solo con alusiones para contentar a mi editor cual Homer Simpson con su «joróbate Flanders». ¿Es este el crossover definitivo? Con tantas películas que últimamente combinan diferentes personajes es normal que nos venga a la cabeza esa pregunta. Desde luego hay muchísimas más apariciones que en ‘Rompe Ralph’ y están mucho mejor introducidas. También puede que acabe siendo más emotiva que la próxima entrega de ‘Vengadores’ y es que la nostalgia es una baza muy fuerte hoy en día, pero no solo por eso, si no porque el fan encontrará elementos tanto del hoy como del ayer. Quizá hablando de mezcla de franquicias nos venga también a la cabeza ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ y sin duda, para mi ese filme es el único crossover que se mantendría hoy en día por encima de Ready Player One. Y hay que señalar además que aunque aquí Warner manda están muy presentes otras licencias a si es que preparaos para ver cosas de Mortal Kombat, las Tortugas Ninja, Wonder Woman, Mass Effect, El gigante de hierro, Regreso al Futuro, Overwatch… y no os va a rechinar nada de nada, al contario, vais a ver todo en sintonía.

Sobre todo el largometraje de Steven Spielberg es muy gamer. Aquellos que son asiduos a las videoconsolas van a gozar de lo lindo con esta película. Primero se van a morir de envidia por el universo del que gozan los protagonistas, seguidamente se van a quedar ensimismados por la mecánica de la cinta y luego van a querer parar esta una y otra vez para reconocer a cada personaje que aparece. El culmen y prueba de esto es la gran escena final de la película al son de los Twisted Sister, que aunque ha sido modificada de como había sido escrita por tema de derechos, es un espectáculo en el que nos gustaría vernos a todos metidos con nuestro propio avatar.

Se nota que el director es Steven Spielberg. No solo por la cantidad de referencias al cine de su productora, la Amblin, si no por el carácter de sus personajes, por el tono de la aventura, por la por la estructura del guion o por banda sonora con la que Silvestri nos aletarga a veces. Principalmente en lo dulcificada que está la historia es en donde vemos la mano de Spielberg. Por lo tanto hay que agradecer que gracias a su presencia se haya podido hacer una película con tantas licencias, lo malo es que se obliga a rebajar algo el tono haciéndola más familiar. Por otro lado el propio Ernest Cline y Zak Penn (‘Los Vengadores’) al escribirla han introducido cambios en las famosas pruebas para hallar el huevo de pascua y de ese modo poder causar nuevas sensaciones a los lectores y a los cinéfilos.

Es buena la crítica que se hace desde el futuro a nuestra vida actual. ¿Vivimos atrapados en el mundo del entretenimiento? ¿Llegaremos a vivir dominados por nuestro ansia de consumir ocio o de aislarnos del mundo real? Aunque parezca algo vacua la película si tiene su trasfondo, pero Spielberg en su tradición de hacer cine familiar lo ha desatendido por completo.

Si la veis en versión original y necesitáis recurrir mucho a los subtítulos os perderéis infinidad de detalles. Ya solo por no dejar pasar ningún pormenor de los avatares de Oasis deberíais verla doblada, pues el filme transcurre en su mayoría en el videojuego. Siendo esto así no nos importa mucho que los actores estén un poco faltos de carisma y las interpretaciones no sean de lo mejor del año. Los verdaderos artistas de esta película son los centenares de creadores de videojuegos y películas que durante décadas nos han hecho disfrutar y el equipo de arte visual de Ready Player One que los ha devuelto a la vida de manera excepcional para nosotros.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de marzo de 2018. Título original: Ready Player One. Duración: 140min. País: EE.UU. Dirección: Steven Spielberg. Guion: Ernest Cline, Zak Penn. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Simon Pegg, Mark Rylance, T.J. Miller, Lena Waithe, Win Morisaki, Philip Zhao, Rona Morison, Hannah John-Kamen, Letitia Wright. Producción: Warner Bros., Amblin Entertainment, De Line Pictures, Village Roadshow Pictures, Reliance Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: aventuras, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: ReadyPlayerOneMovie.com

Crítica: ‘Pablo, el apóstol de Cristo’

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 Sinopsis

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Pablo sufre en soledad en una prisión romana, a la espera de su ejecución por orden del emperador Nerón. A Mauricio, el ambicioso prefecto de la prisión, le cuesta imaginar qué clase de peligro podría suponer este hombre destrozado. En otro tiempo, fue Saulo de Tarso, un brutal asesino de cristianos de alto rango. Ahora, su fe inquieta a Roma. Corriendo un gran riesgo, Lucas, el galeno, visita al anciano Pablo para confortarlo y atenderlo… así como para preguntarle, transcribir y sacar clandestinamente las cartas de Pablo a la creciente comunidad de creyentes. Pese a la inhumana persecución a la que los somete Nerón, estos hombres y mujeres difundirán el Evangelio de Jesucristo y cambiarán el mundo.

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                                                                                        Crítica                                    

Andrew Hyatt se vuelve a empapar de la Biblia para traernos parte de la vida de Pablo. 

Comienza la Semana Santa y con ella las películas dedicadas a contarnos historias sobre la Biblia. Esta en especial me ha llamado mucho la atención, pues no conocía nada acerca del apóstol Pablo y la verdad que por lo poco que se ve en la película, su vida fue de lo más interesante.

La película dirigida por Andrew Hyatt (‘Llena de gracia’), nos lleva a la época de Nerón, el cual quemó Roma, pero le echo la culpa a otros, entre ellos al apóstol Pablo. Nos muestran una ciudad sumida en un mar de violencia, donde los cristianos son utilizados como antorchas en las calles o mandados a los Circos.

Lo malo de la película es que no se centra en una sola historia, sí, la trama central es clara, os lo dice el título, ‘Pablo, el apóstol de Cristo‘, pero al final tiene tantas subtramas que realmente terminas perdiendo el hilo de lo que estás viendo y es una pena la verdad, pues lo que admito que me ha sorprendido es conocer la historia de este apóstol, que antes de convertirse fue perseguidor de los cristianos y la verdad es algo que le atormenta durante toda la cinta.

James Faulkner nos da una actuación muy digna como Pablo, tenemos ante nosotros a un hombre débil y bastante demacrado, eso sí, delante de los romanos se levanta como nadie para demostrar que no pueden con él. Sus miradas y gestos son sin duda lo mejor de la película.

Mientras tanto Jim Caviezel da vida a Lucas, el cual llega a Roma con intención de escribir todas las cartas de Pablo para poder repartirlas por las distintas ciudades y que la gente conozca su historia. Por si os perdéis, esta es la historia central de la película.

En el reparto también nos encontramos con Oliver Martínez, Joanne Whalley, John Lynch, Antonia Campbell–Hughes, Alexandra Vino, Noah Huntley, entre otros.

Poco más tengo que decir sobre esta película, la verdad que se hace bastante larga y sigo diciendo que es una pena que no haya profundizado en el pasado de este apóstol, pues sin duda era una historia muy interesante y sinceramente también era lo que me esperaba.

 Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Paul, apostle of Christ. Duración: 106 min País: Estados Unidos. Dirección: Andrew Hyatt. Guión: Andrew Hyatt. Música: Jan A.P. Kaczmarek. Fotografía: Gerardo Mateo Madrazo. Reparto principal: Jim Caviezel, James Faulkner, Oliver Martínez, Joanne Whalley-Kilmer, Antonia Campbell-Hughes, Noah Huntley, Yorgos Karmihos, Alexandra Vino, Manuel Cauchi. Producción: Affirm Films. Distribución: Sony Pictures Spain. Género: Drama. Web oficial: http://www.paulmovie.com/site/

Tenemos una copia de ‘Un día maravilloso en la Tierra’ y la hemos analizado

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Fascinante secuela de ‘Tierra’

Ya está a la venta ‘Un día maravilloso en la Tierra’. La película que supone la secuela del deslumbrante documental ‘Tierra’ de la BBC llega para sacar un rendimiento máximo a los reproductores y televisores con tecnología 4K UHD que además ya tengan tecnología HDR. Para hablar en términos más terrenales, ya que es un filme sobre nuestro planeta: es una película que ha sido grabada de tal manera que reproducida en su máxima calidad nos muestra un abanico de colores, contrastes y definición que está muy próximo a los límites de lo que nuestro ojo puede ver.

Sony Pictures Home Entertainment la ha puesto en tiendas desde el 7 de marzo. Para enseñarnos este nuevo lanzamiento nos convocó en la tienda especializada Audiorema de Cine, donde nos proyectaron las imágenes del documental al límite de su capacidad. La gama cromática de los fotogramas que se nos muestran en ‘Un día maravilloso en la Tierra’ es bellísima. Cielos, plumajes, océanos, terrenos, iris, auroras boreales… Todo ello ha sido filmado no solo para completar una película divulgativa, si no para consumar una paleta de colores amplísima.

Pero no todo es color, también definición. Rugosidades, líneas, profundidad de campo, objetos minúsculos entre gigantes, detalles que normalmente pasan desapercibidos e nuestra mirada… Este largometraje no se centra solo en paisajes generales de nuestro planeta. Contiene historias de criaturas de todo tipo y regiones del globo terráqueo y estas son mostradas en la televisión como si las tuviésemos delante.

Es un reportaje lleno de escenas y secuencias impactantes, tensas, emotivas y artísticas. Tiene a su vez muchos time lapses, tomas a cámara súper lenta o macros que harán que no os arrepintáis de haberos comprado un equipo de altísima calidad para vuestras casas. Estampas con unos encuadres únicos, a la altura del documental que le precede. Podemos ver rayas manta saltando fuera del agua, electrizantes auroras boreales, mullidas nubes apareciendo y desapareciendo, enigmáticas familias de narvales, el nacimiento de una efímera… Singulares momentos que por muchos documentales de La 2 que uno haya visto sorprenden y son novedosos.

El sonido es otra cualidad de este documental. Si tenéis una buena instalación en casa os dejará aislados del resto del mundo. Está grabado para que lo disfrutéis con la calidad que ofrece la tecnología Dolby ATMOS. Muy envolvente y muy realista, a demás acompañado de una banda sonora de Alex Heffes (‘El último rey de Escocia’) bastante adecuada para la ocasión.

‘Un día maravilloso en la Tierra’ solo está disponible en versión original subtitulada al castellano. Está grabado con la voz en off de Robert Redford y dura en torno a 95 minutos. La edición viene acompañada de dos discos. Uno en formato 4k Ultra HD y otro en Blu-ray. Ambos contienen aproximadamente 25 minutos más de extras y son los siguientes:

Entre bastidores (15 min.): El equipo de la película nos habla sobre el rodaje del documental. El productor Stephen McDonogh o los co-directores Richard Dale, Lixin Fan y Peter Webber nos desvelan algunos secretos de su trabajo tras las cámaras.

Rompiendo el hielo (2:16 min.): Breves imágenes sobre la búsqueda de los narvales en el Ártico.

Choque de titanes (1:53 min.): Testimonio de Martin Colbeck, operador de cámara que grabó la lucha de jirafas del documental.

Persiguiendo sombras (1:56 min.): Max Hug-Williams (operador de cámara) y Daniel Huertas (productor) nos cuentan cómo se hicieron con las imágenes del Langur de Cabeza Blanca.

Criando una familia en el fin del mundo (1:48 min.): Max Hug-Williams y la productora Elizabeth White hablan de las dificultades para grabar entre cientos de pingüinos.

El Arca de Noé (1:39 min.): El perezoso es un portador de vida y brevemente podréis descubrir por qué.

Crítica: ‘Pacific Rim: Insurrección’

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 Sinopsis

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El conflicto mundial entre monstruos sobrenaturales y las descomunales máquinas pilotadas por humanos creadas para vencerlos solo era un preludio del ataque a gran escala contra la humanidad.

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Crítica

‘Pacific Rim: Insurrección‘ nos da una gran traca final.

Cinco años después del estreno de ‘Pacific Rim’ cinta dirigida por Guillermo del Toro, llega su segunda parte, un poco más cercana a ‘Transformers’ o a ‘Mazinguer Z’ que a su predecesora, pero que promete lo que da, mechas y kaijus, aunque a estos últimos les cuesta un poco volver.

No va a defraudar al público que vaya en busca de acción,  pero‘Pacific Rim: Insurrección’ comienza teniendo que dar demasiadas explicaciones, nuevas presentaciones de los nuevos personajes, el contar que ha ocurrido después de la guerra, todo eso está contado de manera ligera, pero aún así te hace perder un poco toda la esencia que tenía la primera, los «kaiju».

Para centrarnos, esta cinta nos lleva unos años después de la gran guerra, ahora los Jeagers se ven amenazados por las nuevas tecnologías que quieren apartar a los pilotos del campo de batalla para que luchen desde los edificios mediante drones. Más no puedo contar, pues la verdad que las sorpresas que nos da la cinta son bastante originales y es mejor verlas que leerlas.

Como he dicho antes se nos presentan nuevos protagonistas, como Jake Pentecost, hijo del héroe de guerra (John Boyega), Nate Lambert (Scott Eastwood) o la joven Amara Namani (Cailee Spaeny), aunque seguimos teniendo la compañía de viejos conocidos como Mako Mori (Rinko Kikuchi), Dr. Newton Geiszler (Charlie Day) o Dr. Hermann Gottlieb (Burn Gorman) entre otros.

La película es entretenida, luchas, acción, comedia y algún que otro drama que de vez en cuando atormentan a nuestros protagonistas. El error es volver a repetir cosas que ya sabíamos de la primera, el cómo se preparan los pilotos, que si necesitan estar concentrados y no quedarse en los recuerdos, que si tienen que trabajar unidos, cosas que no son necesarias y hacen perder un tiempo precioso para ver buenas luchas entre mechas y monstruos.

En cuanto al nivel técnico decir que se ha realizado un gran trabajo y de nuevo los grandes mechas parecen tan reales como en su primera parte. La música y el sonido en general está bien trabajado.

Puedo decir que ‘Pacific Rim: Insurrección’  va a gustar y que os va a dejar con ganas de más después de un final tan bueno, porque otra cosa no, la película aunque empieza con demasiados preámbulos va in crescendo y realmente es cuando te das cuenta de que se queda corta. Así que esperemos que pronto se pongan manos a la obra y vuelvan con más mechas y kaijus y sobre todo si los rumores son ciertos, que entren en escena King Kong y Godzilla.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Pacific Rim: Uprising. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Steven S. DeKnight. Guion: Travis Beacham, Emily Carmichael, Kira Snyder, T.S.  Música: John Paesano. Fotografía: Daniel Mindel. Reparto principal: John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Tian Jing, Charlie Day, Rinko Kikuchi, Burn Gorman, Dustin Clare, Karan Brar, Daniel Feuerriegel, Madeleine McGraw, Shyrley Rodríguez, Ragart Adams, Zhang Jin, Jaime Slater, Lily Ji. Producción: Universal Studios Home Entertainment, Double Dare You, Legendary Pictures. Distribución: Universal Pictures Spain. Género: Ciencia Ficción, acción. Web oficial: http://www.pacificrim-insurreccion.es/

Crítica: ‘Peter Rabbit’

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Sinopsis

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Basada en el personaje de la saga de libros infantiles de Beatrix Potter, Peter Rabbit, nos muestra relación entre una familia de conejos y el gruñón señor McGregor. Se trata de la primera adaptación del clásico inglés que mezcla animación y acción real.

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Crítica

‘Peter Rabbit’, una maravilla para grandes y pequeños.

 

No he podido evitar salir con una sonrisa después de terminar de ver ‘Peter Rabbit’, me han encantado las aventuras de este travieso conejo y sus amigos, que bueno, más que travieso al principio yo le veo más bien como un pequeño delincuente, pero la verdad que es adorable.

Estupenda cinta dedicada al público infantil y por supuesto a los acompañantes de estos, los adultos. La música y el humor es apto para cualquier tipo de público y va a hacer las delicias de todos.

Peter, las trillizas Pelusa, Pitusa y cola de Algodón y su primo Benjamín luchan por conseguir los preciados productos de la granja del malvado señor McGregor. Un día a este anciano que tanto odio tiene a los conejos se le lleva un camión de helados con colores y su casa se la queda su sobrino, un estirado ex empleado de Harrods que pretende vender la hacienda de su tío.

La cinta está narrada desde el principio, un cuento que tiene de todo, drama, aventuras, diversión y una historia de amor.

La animación de la película está muy cuidada, siempre es difícil introducir y mezclar la animación con la realidad y lo han hecho de una manera muy realista. Te crees lo que estás viendo, aunque los conejos lleven chaquetas vaqueras, como muy bien nos recalca en una de las conversaciones el personaje de Domhnall Gleeson.

La cinta no la hemos podido ver en versión original, sino doblada y he de decir que está muy bien doblada. Dani Rovira da voz y vida a Peter Rabbit, ese conejo tan aventurero como temerario, sus hermanas tienen la voz de Silvia Abril que se encarga de dos de ellas y Belén Cuesta, esta última también se encarga de la narración del cuento.

Mientras tanto en la versión original Will Gluck, el director de la cinta, cuenta en el reparto humano con el gran Sam Neill, bastante irreconocible, pero con una actuación divertida y breve, también pone voz al Tejón. Rose Byrne en un homenaje claro a la autora de los libros, Beatrix Potter, su personaje se llama Bea y dibuja a estos animalillos que tantos quebraderos de cabeza le dan a su vecino, como Sam Neill, también regala su voz a uno de estos animalillos y es la Oca que aparece durante toda la cinta. Y Domhnall Gleeson, que últimamente está en todos lados y al que esperemos ver en más sitios, pues siempre está estupendo y por supuesto también tiene su voz en una de los bichejos, es la ranita que sale pescando todo el rato.

En el reparto animal, las voces de estos en versión original tenemos a James Corden como Peter Rabbit, Sia, Margot Robbie y Daisy Ridley son las encargadas de dar las voces a las trillizas y Colin Moody a Benjamín.

No puedo hablar como lectora, pues nunca he tenido entre mis manos estos libros, pero de seguro como he dicho a los niños les va a encantar esta aventura y se van a quedar con ganas de mas. Traviesos y a la vez adorables, así son estos animalillos que lo único que quieren es que se les quiera y comer de lo que antiguamente eran sus tierras libres de alimento y no un huerto privado.

 Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Peter Rabbit. Duración: 95 min. País: Estados Unidos. Dirección: Will Gluck. Guion: Will Gluck y Rob Lieber (Basado en las novelas de Beatrix Potter). Música: Dominic Lewis. Fotografía: Peter Menzies Jr. Reparto principal: Domhnall Gleeson, Rose Byrne, Sam Neill, Sia, Margot Robbie, Daisy Ridley, James Corden Dolin Moody. Producción: Sony Pictures Animation, Animal Logic Entertainment, ColumbiaColor. Distribución: Sony Picture Spain. Género: Comedia, animación. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/peterrabbit/

Crítica: ‘Thelma’

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Sinopsis

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Thelma, una joven y tímida estudiante, se despide de su religiosa familia de un pequeño pueblo para trasladarse a estudiar a la capital. Un día, en la biblioteca, conoce a Anja y comienza a sentirse atraída por ella. A medida que los sentiminetos hacia Anja crecen empiezan a ocurrir sucesos inexplicables alrededor. Thelma deberá entonces enfrentarse a trágicos secretos de su pasado y a la aterradora posibilidad de que ella sea la causa de todo lo que sucede.

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Crítica

‘Thelma’ cuenta con una gran historia que se pierde en los silencios.

Me resulta complicado hablar de una película que tiene un claro mensaje, una buena historia pero que no está bien llevada. Es una pena, porque creo que ‘Thelma’ tiene muchas cosas que pueden gustar, pero tiene un ritmo tan pausado y con unas actuaciones tan poco expresivas, que se hace una proyección bastante dura.

El director noruego Joachim Trier, nos trae la historia de una muchacha que comienza la andadura a la universidad, el vivir sola, el despertar de su sexualidad, de una manera muy descontrolada, pues Thelma vivía bajo una estricta educación religiosa de la que sus padres se encargaban. Poco a poco vas conociendo el porqué de esta situación, esta primera parte de la niñez, hasta que se marcha puede recordar a Carrie pero sin todo lo bueno de la historia de Stephen King.

Ya os digo, no es todo malo en esta película, lo que nos cuentan es muy creíble, vemos conociendo a esta chica que ha estado tan encerrada que su despertar es bastante traumático. Le van apareciendo sentimientos que ella no comprende, los ve malos, pero a la vez no puede deshacerse de ellos. Los fenómenos extraños que empiezan a ocurrir a su alrededor son cada vez más peligrosos y todo es culpa de no saber controlar esos pensamientos nuevos.

Una de las cosas que más me ha gustado de la película es su fotografía, de Jakob Ihre que ya ha trabajado con el director en varias de sus películas. Los colores grises, negros y blancos los vemos en los dos escenarios de la cinta, el hogar de Thelma y la universidad. Eso sí, en la casa de los padres, la atmósfera que se crea es fría y cerrada, nos deja bien claro que era una prisión para ella, mientras que en la universidad, hay movimiento, luz y allí es donde renace y comienza ser ella misma.

Lo peor sin duda es la manera de contar la historia, llega un momento que se pierde el interés, la parte de la infancia de ella, hace que de nuevo conectes, pero a partir de que ella empieza a hacerse una serie de pruebas médicas, que por cierto podéis quedaros ciegos durante estas imágenes, a la película le cuesta mucho remontar.

Para terminar, comentaros que lo que sí que es cierto es que ‘Thelma’ no deja indiferente a nadie, para bien o para mal. Un visionado de esta cinta merece la pena, pues ya os digo, hay muchas opiniones y quizás seáis del tipo de público que puede gustar esta cinta o como en mi caso, que se le ha hecho demasiado pesada.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Thelma. Duración: 116 min. País: Noruega. Dirección: Joachim Trier. Guion: Eskil Vogt y Joachim Trier. Música: Ola Flottum. Fotografía: Jacob Ihre. Reparto principal: Eli Harboe, Kaya Wilkins, Henrid Rafaelsen, Ellen Dorrit Petersen, Nders Mossling, Vanessa Borgli. Producción: Motlys, Eurimages, Le Pacte, Nordic Film och TV Fund, Norwegian Film Institute, Snowglobe Films. Distribución: Surtsey Films. Género: Drama. Web oficial: http://surtseyfilms.es/peliculas/thelma/

Crítica: ‘El aviso’

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Sinopsis

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Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle.

Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.

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Crítica

Aunque muy bien ejecutado ‘El aviso’ es un thriller dentro de lo corriente.

Raúl Arévalo sigue enganchado al suspense y en ‘El aviso’ nos atrapa también a los espectadores pero solo en buena parte de la película. Aunque no es lo único a lo que se dedica si es lo que parece que más eficientemente consigue interpretar, pero en esta ocasión la historia tiene un algo que no juega del todo a favor del aplauso unánime del público. La nueva película de Daniel Calparsoro trata de un juego de casualidades matemáticas y de casuísticas criminalísticas entre varias épocas diferentes que causan una intriga inicial en el espectador. Porque lo que sucede es que el protagonista interpretado por Arévalo investiga el tiroteo en el cual está inmerso un amigo suyo. En dicho tiroteo había implicadas cinco personas. Lo que descubre es que durante un período constante de años en el mismo lugar y el mismo día siempre muere alguien. Pero aparte de ese dato las coincidencias van más allá y la secuencia numérica se hace aún mayor. Para más inri Jon (el personaje de Arévalo) es un hacha de las matemáticas y esto alimenta su obsesión con los números además de acentuar otros aspectos negativos de su vida. De manera intercalada conocemos la historia de Nico quien frecuenta en el futuro el mismo lugar del tiroteo y que recibe un aviso que le insta a no acudir allí determinado día o morirá.

Si, se crea una expectativa inicial muy buena, el largometraje está muy bien realizado y nos va causando curiosidad. Pero según vamos descubriendo como se está resolviendo la historia nos va fastidiando que se haga de una manera tan convencional, implicando siempre al protagonista del mismo modo que en otras tantas películas y estando en una posición tan obvia. La cinta se desarrolla con dos líneas argumentales paralelas que se llegan a cruzar en el clímax del filme, como era de esperar, justo cuando obtenemos la explicación de todo, pero esa solución está solo sugerida y tampoco es matemáticamente precisa.

Es muy probable que la novela de Paul Pen en la que se ha basado la película de Daniel Calparsoro se arme con los mismos argumentos. Estoy casi seguro que el estilo de escritura es tan ágil como el ritmo del filme. Los personajes están bien relacionados entre sí y además nos dan una pequeña subtrama de acoso escolar, bastante bien traída al plano de la actualidad. Pero en líneas generales, aun cuando la película está muy bien interpretada y rodada, nos deja un sabor de boca excesivamente común. El ritmo y los buenos planos que tenemos en la pantalla están culminados con un cierre de su propio círculo igual que el que hemos experimentado en otras muchas narraciones. Si no has visto mucho cine o no las leído gran cantidad historias ambientadas en diferentes épocas ‘El aviso’ te sorprenderá. Si no es el caso te puede servir como ejemplo de buenas maneras, pues es un gran ejercicio de cómo se hace una película de intriga.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: El aviso. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Daniel Calparsoro. Guion: Chris Sparling, Patxi Amezcua, Jorge Guernicaechevarria. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Sergi Vilanova Claudin. Reparto principal: Aura Garrido, Belén Cuesta, Raúl Arévalo, Aitor Luna, Sergio Mur, Antonio Dechent, Luis Callejo, Julieta Serrano, Hugo Arbués. Producción: Morena Films, Tormenta Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller. Web oficial: http://www.elavisolapelicula.com/

Crítica: ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’

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Sinopsis

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Harold es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.

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Crítica

Una serie de desgracias desvelan una faceta muy graciosa de David Oyelowo.

Joel Edgerton ya trabajó con su hermano Nash Edgerton en películas como ‘El regalo’ o ‘La venganza de Jane’. Ahora en ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ se pone a las órdenes del también doble de acción para formar parte de un elenco protagonizado además por David Oyelowo y Charlize Theron. Aunque junto a ellos yo destacaría otros dos nombres como son Thandie Newton y el siempre alocado Sharlto Copley. Pero el reparto tiene más caras conocidas, como las de Amanda Seyfried o Harry Treadaway aunque ambos están en un segundo plano de un filme que sin duda merece el calificativo de coral.

En mi caso, al ver ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ no he podido evitar acordarme de la trilogía de Guy Ritchie compuesta por ‘Lock & Stock’, ‘Snatch’ y ‘RocknRolla’. La corrupción de sus personajes, el constante y cómico declive que experimentan, la caricaturización tan satírica de la cultura popular, los diálogos… No vamos a hablar de la película de Edgerton en términos trascendentales o cinematográficamente antológicos, pero desde luego si logra superar las expectativas que tenía puestas en ella y me ha sorprendido con muchos de sus argumentos.

Quizá no sea tan alocado ligar una película como esta a Hemingway dado que en ella se vive una aventura basada en la pérdida. Edgerton (actor) ya alude al novelista saliendo fotografiado en los San Fermines y Harold (David Oyelowo) acaba haciendo referencia al bar en el que el escritor pasaba horas en Venecia. Vemos varias referencias a ‘Fiesta’, la novela del autor ganador del Nobel, Oyelowo la mete en su maleta y además esta es una historia de un ciudadano de USA con problemas en el extranjero, en México, que no es España pero también se habla español. Además la conocida teoría del iceberg de Hemingway se podría aplicar aquí, a modo de parodia. Para el protagonista lo que pasa está muy claro, pero por debajo de todo eso están pasando cosas muy distintas, es decir, lo que también se conoce como «teoría de la omisión». Y ahí está el punto más cómico de la película, en ver como se desquicia con cada hallazgo David Oyelowo, cuya actuación me ha hecho reír bastante y me ha sorprendido por contraste tras verle en películas como ‘Un reino unido’, ‘The Cloverfield paradox’ o despuntar con ‘Selma’.

Aunque otros gocen de muchos minutos y tengan momentos verdaderamente buenos el auténtico protagonista es Harold, el personaje nigeriano al que encarna David Oyelowo. Un ejecutivo de una farmacéutica estadounidense con fábrica en México al que se la juegan. Alrededor de él están su mujer, sus jefes, unos supuestos turistas americanos, los recepcionistas de su hotel, su chófer y contacto habitual en México, un cártel de la droga, un místico misionero… Entre toda esta matriz de individuos se va moviendo sin quererlo ni beberlo cuando él pensaba que tenía su vida bien montada. Yo ya me he hecho fan del cártel mexicano a raíz del filtro que aplica a sus visitas y del personaje de Sharlto Copley, que nunca nos falla. Al gozar de todo este abanico de personajes el filme tiene que saltar de un modo vivaz de unos a otros. Y si bien se descuida algún tiempo de algunos individuos que tienen menor importancia lo hace a favor de ofrecernos una cadencia de historia más ágil.

Aunque hay que remarcar que se acaban las sorpresas en ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ en cuanto vemos un giro que sucede a la media hora. Pero no importa mucho porque tampoco esperábamos quedar estupefactos ni ver cambios de argumento meditados al detalle ni frases dignas de una película de Tarantino. Pero gracias al humor sarcástico que tiene si nos brinda secuencias que podremos ver muchas veces repetidas.

La película cae a posta en los tópicos sobre México como la música mariachi, las canciones de Molotov o el Día de Muertos. Pero al igual que ocurre con su previsibilidad está a merced de su tono disparatado, en el que si no estamos dispuestos a entrar no merece la pena ni que compremos la entrada del cine. ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ es un largometraje norteamericano que se llama así mismo Gringo y hace pantomima de su propia cultura desde fuera de sus fronteras y a mi esa autocrítica me convence.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Gringo. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Nash Edgerton. Guion: Anthony Tambakis, Mathew Stone. Música: Christophe Beck. Fotografía: Eduard Grau. Reparto principal: David Oyelowo, Charlize Theron, Joel Edgerton, Harry Treadaway, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley, Diego Cataño, Yul Vazquez, Rodrigo Corea, Carlos Corona, Melonie Diaz. Producción: Amazon Studios, Blue-Tongue Films, Denver and Delilah Productions, Double Barrel VFX, Pictures in a Row. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, acción. Web oficial: https://www.gringo-movie.com

Crítica: ‘Tomb Raider’

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Sinopsis

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Lara Croft es la hija ferozmente independiente de un excéntrico aventurero que desapareció cuando ella era apenas una adolescente. Ahora, Lara se ha convertido en una joven de 21 años sin ningún propósito en la vida. Se abre paso por las caóticas calles del East London, el barrio de moda, como mensajera en bicicleta, un trabajo que apenas le da para pagar el alquiler. Decidida a forjar su propio camino, se niega a tomar las riendas del imperio empresarial de su padre y con la misma firmeza se niega a reconocer que él se ha ido para siempre. Pero después de siete años sin él, deberá enfrentarse a los hechos y seguir adelante aunque Lara no logra entender lo que la impulsa a resolver el enigma de su misteriosa muerte.

Lara deja atrás todo lo que conoce y va en busca del último paradero conocido de su padre: una legendaria tumba en una isla mítica que podría estar en algún lugar de la costa de Japón. Pero su misión no será fácil; de hecho, llegar a la isla entrañará de por sí enormes peligros. De repente, Lara tendrá que enfrentarse a retos aún mayores y, contra viento y marea y gracias a su inteligencia, su fe ciega y su espíritu inquebrantable, debe aprender a superar sus límites mientras se adentra en lo desconocido. Si sobrevive a esta peligrosa aventura, podría ser su bautismo de fuego para ganarse el nombre de Tomb Raider.

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Crítica

Una contundente Lara Croft con muy buena acción.

Quince años después de las dos películas de ‘Tomb Raider’ de Angelina Jolie vivimos un regreso de la heroína Lara Croft a la gran pantalla cuando en los videojuegos también hace años que tuvo lugar un lavado de cara de la saga y del personaje. Aunque para gustos están los colores y el juego original marcó un antes y un después esta nueva protagonista me parece más acorde a un tipo de heroína que responde a la demanda actual, a unos códigos más correctos.

Con la película de Vikander experimentamos el mismo cambio generacional que en los juegos. Cambia la estética del personaje y la dinámica de este. ¿Qué queréis leer? ¿Si me ha gustado más esta Lara Croft que la de Angelina Jolie? La respuesta es sí. Esta heroína es más creíble, es una aventurera que pasando por lo que pasa se despelleja la piel y es físicamente más verosímil. No cabe duda que Vikander se ha machacado para estar a tono para la película, por tierra y mar salta a la vista. Otra cosa es que tenga escenas que dentro del género fantástico encajen dentro de un videojuego, pero al ser más terrenal resulta más fácil entrar en su juego. A parte está la aptitud que tiene el personaje nuevo. Quizá se deba a la etapa que han rodado de este, pero aún no vemos a la tozuda, suspicaz y aguda mujer que si encarnaba Jolie y que si vemos en todos los juegos. Esto lo compro como película que nos muestra el momento en el que madura la heredera el imperio Croft.

Con lo de etapa me refiero a que esta es una película iniciática. Estamos en una época tierna de la protagonista, cuando aún no ha pisado su primera tumba. Vive al margen de su familia, a causa de la desaparición de su padre. Esta nueva Lara empieza como repartidora en bicicleta, pasa de trabajar en una especie Glovo a ser toda una Indiana Jones modo crosfit. Su senda nos puede recordar a la de muchos héroes que como El Zorro cogen el testigo para continuar un legado. Y esto nos lleva a lo que para mí son los dos problemas de la película, relacionados entre sí: la duración y el personaje de Dominic West. El actor británico interpreta al padre de la saqueadora de tumbas y sus interacciones con ella hacen que el drama aparezca de un modo reiterativo e innecesario. De este modo se alarga una película que no necesita cargarse tanto en ese sentido. Además la relación y frases que cruzan ambos en ocasiones recuerdan demasiado a ciertas películas clásicas de aventuras que siempre se mencionan cuando se habla de este género, no haré referencia al título por no destripar nada de la trama.

A mí me ha parecido buena adaptación de un videojuego, por supuesto mucho mejor que la mayoría que las que vimos en los noventa y principios de siglo. Por todo lo que acabo de decir sobre el personaje y por que como filme de aventuras está bastante bien armado. Conserva los clásicos acertijos, aunque se habría agradecido que hubiesen sido también un reto para el espectador, no solo para la heroína, cambia constantemente de escenario, combina tiroteos y huídas con arqueología… Y todo esto de manera que se puedan reconocer secuencias herederas directas de la mecánica del videojuego. El conjunto está bastante próximo a lo que fue el reboot del 2013, incluyendo a un villano que aunque no es del todo igual cumple bien su cometido.

En cuanto al diseño de producción y vestuario estaba claro que el look aventurero de Lara se iba a mantener, así como las localizaciones naturales. La estética es tan de videojuego que hasta se notan las imágenes generadas por ordenador en más de una ocasión. A algunas escenas se le ve un poco el cartón, pero como he dicho antes esto no es de lo peor de la película. Por el contrario la recreación de la tumba, siempre hay una que visitar en ‘Tomb Raider’, es estupenda. Los detalles japoneses que acompañan al recinto y a la leyenda de este episodio tienen la belleza tanto cautivadora como mortal que hacía falta.

Desde luego es un acierto haber contado con Roar Uthaug para esta película. El director de ‘La ola’ (película noruega multipremiada) se estrena en Norteamérica con esta película y su sobriedad y rudeza le vienen como anillo al dedo al tono del filme. Una de las guionistas es Geneva Robertson-Dworet y en sus manos por lo visto van a quedar otras películas como ‘Dragones y Mazmorras’ o ‘Sherlock Holmes 3’ y es la responsable de ‘Capitana Marvel’. Yo me quedo bastante tranquilo pues parece que sabe lo que es llevar a cabo una buena adaptación, lo que es traducir los códigos de un arte a otro y lo que es más importante, cuales son las corrientes actuales que se demandan.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: Tomb Raider. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Roar Uthaug. Guion: Geneva Robertson-Dworet, Alastair Siddons.  Música: Junkie XL. Fotografía: George Richmond. Reparto principal: Alicia Vikander, Dominic West, Walton Goggins, Daniel Wu, Kristin Scott Thomas, Derek Jacobi, Nick Frost. Producción: GK Films, MGM, Square Enix, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, acción, adaptación. Web oficial: http://www.tombraidermovie.com/