Crítica: ‘El caballero de los Siete Reinos’

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Poniente cambia los dragones por la comedia y la justa

Es difícil regresar a Poniente sin esperar el sonido de alas dracónicas o el choque de ejércitos masivos. Sin embargo, lo primero que hay que advertir al espectador desprevenido es que ‘El caballero de los Siete Reinos’, aunque firmemente ambientada en el mundo de R.R. Martin, cambia radicalmente de tono. Para algunos fans puristas, curtidos en la solemnidad política de ‘Juego de Tronos’ o la tragedia shakesperiana de ‘La casa del dragón’, este giro podrá resultar desconcertante, quizás incluso malo. Pero para otros, será una bocanada de aire fresco absolutamente necesaria.

HBO parece haber entendido que la única forma de evitar el hastío del espectador ante tantas conspiraciones palaciegas era apostar por algo diametralmente opuesto: la sencillez y sorprendentemente, el humor. Si las anteriores entregas eran óperas wagnerianas, ‘El caballero de los Siete Reinos’ se acerca más a una balada folk tocada en una taberna ruidosa. Es una manera inteligente de conseguir esquivar las comparaciones directas que habrían hundido a cualquier otro spin-off que intentara imitar la escala de sus predecesoras.

Un tono radicalmente distinto: entre Lanthimos y el cine medieval

En los libros originales ya se ve que este es un texto mucho más ligero, casi una novela picaresca medieval, y la serie abraza esta naturaleza sin complejos. Es abiertamente más cómica, apoyándose en la química de una extraña pareja. Por momentos, la dirección y los diálogos afilados hacen que parezca más ‘La favorita’ de Yorgos Lanthimos que ‘Juego de Tronos’. Hay un absurdo delicioso en la burocracia de los torneos y en la pomposidad de los caballeros que la serie explota con maestría.

Incluso si la serie fuese un poco más allá con el espectáculo de la comedia y la anacronía musical, estaríamos hablando de la nueva versión de ‘Destino de caballero’, aquella película de culto protagonizada por Heath Ledger. La comparación no es gratuita, puesto que la trama se ambienta completamente en una justa, con todo el color, el polvo y el bullicio que ello conlleva. Sin embargo, descuidad que este tono lúdico se mantiene sobretodo durante los tres primeros capítulos. Es ahí cuando la cosa cambia. Tras los episodios dirigidos por Owen Harris (conocido por ‘Black Mirror’), tiene lugar un giro que cambia la dinámica de la serie, recordándonos que, a fin de cuenta, en Poniente nadie está completamente a salvo. Y es por todo esto que el episodio 5 regresa a la brutalidad de los campos de batalla de Westeros, con toda la violencia e impredecibilidad que ello conlleva.

El caballero de los Siete Reinos como serie pequeña en una historia inmensa

George R. R. Martin figura como co-creador y productor ejecutivo, con Ira Parker ejerciendo de showrunner, y se nota el cariño por el material original. Estamos ante una precuela con un formato inusual: seis episodios de poco más de 30 minutos. Esta duración, más propia de una sitcom que de un drama de prestigio, juega a su favor, evitando el relleno innecesario.

Cronológicamente, la acción ocurre aproximadamente 90–100 años antes de ‘Juego de Tronos’ y se sitúa también unos 70 años después de los eventos más tempranos narrados en ‘La casa del dragón’. Es una época fascinante por lo que no tiene: es un mundo donde los dragones son solo recuerdos y cráneos polvorientos. El linaje Targaryen ostenta el Trono de Hierro, sí, pero su poder ya genera cuestionamientos. Sin la amenaza nuclear de los dragones, la autoridad se mantiene mediante la política y la percepción, algo que vemos a través de los ojos del caballero errante Dunk (interpretado por un inmenso Peter Claffey) y su escudero Egg (el joven Dexter Sol Ansell).

La serie se desarrolla durante la era de la Primera Rebelión Fuegoscuro, aunque el foco está en las interacciones personales. La participación de personajes como Aerion Targaryen (Finn Bennett), Lyonel Baratheon (Daniel Ings) y Baelor Targaryen (Bertie Carvel) aporta ese toque de realeza divina y peligrosa, pero vista desde abajo. Muy bien cogido el reparto, especialmente la dinámica entre Claffey y Ansell, que sostienen el peso emocional de la trama con una naturalidad pasmosa y llana.

La sombra de los Targaryen y el giro que lo cambia todo

Para quienes vengan de la literatura, sabrán que en su historia editorial en España, ‘El caballero de los Siete Reinos’ es una compilación de tres relatos: ‘The Hedge Knight’ (El caballero errante), ‘The Sworn Sword’ (La espada leal) y ‘The Mystery Knight’ (El caballero misterioso). La serie narra las aventuras de este caballero, que no es otro que el antepasado de Brienne de Tarth, un dato que explica mucho sobre el tamaño del personaje y el código de honor que veremos en pantalla.

Lo brillante de esta propuesta es que aporta una perspectiva más «a ras de tierra». Ofrece una profundización cultural y social sobre cómo vivían distintas capas de la sociedad en esa época, lejos de la Fortaleza Roja. Es por ello una historia mucho más pequeña y mucho más sencilla que todo lo que hemos visto hasta ahora. Pero no os dejéis engañar por la escala: en buena parte sienta las bases de lo que transcurre durante ‘Juego de Tronos’.

La serie es diferente incluso en su tratamiento de la acción: evita mostrar muertes violentas gratuitas, buscando más el impacto narrativo que el visual. Pero eso no quita que no haya violencia; cuando el acero choca, se siente pesado y peligroso. Constantemente sentimos que esto es el mundo de R.R. Martin y puede morir un personaje repentinamente.

Si no quieres destriparte el primer giro interesante que llega en el tercer capítulo, no mires exactamente de qué va esta historia en internet. Solo diré que la inocencia del torneo da paso a una realidad política mucho más oscura. ‘El caballero de los Siete Reinos’ demuestra que no hacen falta dragones para contar una gran historia de Poniente. Solo hacen falta un buen caballero, un escudero sabiondo e insolente y un guion que sepa reírse de sí mismo antes de sacar la espada.

La serie se estrena el 18 de enero y tiene anunciada segunda temporada para 2027.

Diario de Sitges 2025. 18 de octubre

Día de palmarés y de la saga de los King

Penúltimo día de Sitges 2025 y como cada año se ha dado a conocer le palmarés. Nos hemos llevado alegrías por Rose Byrne, ‘Exit 8’ o ‘The Furious’. Podéis consultar la lista completa aquí. El Festival de Sitges 2025 cerró su 58ª edición con proyecciones esperadas y un homenaje a la productora Gale Anne Hurd, reconocida con el Gran Premio Honorífico WomanInFan por su trayectoria en el cine fantástico y de terror.

La clausura incluyó la proyección de ‘La larga marcha’ (crítica aquí), adaptación de la novela de Stephen King dirigida por Francis Lawrence, que emocionó al público con su crítica distópica. Entre los títulos más comentados estuvieron ‘The Ice Tower’ de Lucile Hadzihalilovic, ‘La sonrisa del mal’ de Paolo Strippoli y la película sorpresa ‘The Restoration at Grayson Manor’ de Glenn McQuaid.

Como hemos dicho, ha sido el día en que se ha podido ver ‘La larga marcha’, película basada en la obra de Stephen King que cuenta cómo unos jóvenes se someten a una prueba mortal en la que solo puede quedar uno en un futuro distópico. Suena a ‘Los juegos del hambre’ y el director es exactamente el mismo, Francis Lawrence. Y por otro lado, otro King, su hijo Joe Hill, ha visto otra obra suya adaptada, ‘Abramham’s boys’ que es una revisión del mito de Drácula en forma de secuela siguiendo los pasos de los Van Hellsing tras lo sucedido en la novela de Stocker. Tanto padre como hijo han tenido más presencia en el festival con películas como ‘La vida de Chuck’ o ‘The Black Phone 2’.

‘La larga marcha’ (crítica completa)

Stephen King, nos trajo hace muchos años un futuro distópico, donde tenemos un concurso de televisión en el que acompañamos a unos chavales que tienen que acabar una gran marcha y solo puede quedar uno. Si van perdiendo ritmo, si se paran o se van del camino, mueren.

Lo que uno espera de este tipo de historias es que todos en general se odien, pero no es así, es una historia de camaradería. Muy Stephen King, no os voy a engañar. Si que surge algún adversario que otro, pero también es porque el miedo se adueña de ellos, según van llegando a la meta.

‘La larga marcha’ me ha gustado mucho, es simple, sencilla y muy cruda. El reparto está de maravilla. Aunque han realizado otros trabajos, muchos son casi desconocidos y la verdad que están muy bien. Por supuesto teniendo a la cabeza a Mark Hamill, cualquiera puede darlo todo delante de la cámara.

Todo esto, se acompaña de una buena dirección, sí que es cierto que al final es ver a un montón de gente caminando, pero tenemos todo tipo de planos para mostrarnos el sufrimiento de estos chicos.

Una cinta que nos habla sobre la amistad y sobre la vida. Del rencor y el perdón, ya que cada uno de estos personajes, lleva una mochila llena de experiencias que es la que les hace andar para lograr el gran premio.

Comentado por Vicky Carras.

‘Thinestra’

Otra sorpresa más que hemos tenido la oportunidad de ver en Sitges es ‘Thinestra’ y sin duda me ha gustado mucho. Una cinta un tanto desagradable, pero muy entretenida. Un body horror, al que el único pero que le pongo, es que a la gente le puede recordar un poco en base a ‘La Sustancia’ y seguramente comparen. Pero me parece muy buen producto, bien dirigido, actuado y con una buena fotografía. Eso sí, muy oscura.

Una mujer acepta unas pastillas de una supermodelo para adelgazar, a partir de ahí, sus noches serán un tanto extrañas y cada mañana verá poquito a poco cumplir su sueño, perder los kilos que quería perder.

‘Thinestra’ no intenta agradar, es gore y os recomiendo no ir con el estómago muy lleno. Es una gran crítica hacia esta nueva moda en las que los medicamentos te quitan toda la grasa del cuerpo para devolverte una figura impresionante. Una crítica a esas dietas rápidas que de poco sirven y también, a este mundo que, si no tienes un cuerpo normativo, te hace la vida un tanto imposible.

Comentado por Vicky Carras.

‘Halabala’ (crítica completa)

En los últimos años, el terror del Sudeste Asiático ha buscado abrirse a Occidente, con Joko Anwar como gran referente. En ese contexto aparece ‘Halabala’, de Eakasit Thairatana, que mezcla mitología tailandesa, suspense y horror corporal en un relato donde la selva se convierte en protagonista.

La trama sigue al inspector Dan, un policía marcado por la culpa, enviado a la jungla de Halabala. Allí deberá enfrentar tanto a un criminal que busca venganza como a los rumores de la tribu Batow, supuestos caníbales que rinden culto a un demonio.

El film brilla en su atmósfera: la vegetación, los sonidos y la luz crean un entorno que respira. Sin embargo, el ritmo irregular y un clímax sobrecargado debilitan su fuerza. Chantavit Dhanasevi logra transmitir el tormento del protagonista, mientras Vi, su esposa embarazada, aporta humanidad. ‘Halabala’ es un ejercicio ambicioso, irregular pero sugestivo, que combina lo moderno y lo ancestral en clave de terror.

Comentado por Furanu.

‘Abraham’s boys’

Tras la muerte de Drácula, Abraham Van Helsing, decide escapar con sus hijos a Estados Unidos. Intentar vivir una vida normal, pero el pasado siempre regresa, aunque sea por los traumas que conlleva.

No me he leído el relato de Joe Hill, pero tengo ganas, ya que la idea es muy interesante, pero creo que más que para una película, esto debería de haber sido un corto. Durante el visionado de la cinta, tenemos más silencios que diálogos, miradas penetrantes, que tampoco nos dicen demasiado y esto hace que sea bastante tediosa.

En general la producción está bastante bien, vestuario, dirección, música, fotografía, pero la gran falla es el guion y el cómo está contado todo lo que vamos viendo.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Mickey 17’

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Sinopsis

Mickey Barnes (Robert Pattinson) es un insólito héroe que se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empresario que exige el máximo compromiso con el trabajo: morir para ganarse la vida.

Crítica

Un Bong Joon-ho más excéntrico que incisivo

Nueva película de Bong Joon-ho nueva adaptación de un texto que ya existía. De nuevo dentro de la ciencia ficción y a partir de una novela de Edward Ashton regresamos al discurso humanista de este director que tantas mentes ha suscitado. ‘Mickey 17’ deslumbra con su carisma, ingenio y mordacidad en su primera mitad. La premisa es intrigante: dispone a un hombre destinado voluntariamente a morir y ser clonado repetidamente en una misión espacial, que bien podría ser parte del universo ‘Altered Carbon’. Es una metáfora perfecta para explorar la deshumanización del capitalismo y la explotación laboral. La película combina desde el principio humor negro con una sátira incisiva, recordando lo mejor del director en trabajos anteriores. Luego… la cosa cae.

Robert Pattinson brilla en su interpretación(es), aportando matices a un personaje atrapado en un ciclo de muerte y resurrección. Su actuación es el eje central de la historia, logrando transmitir tanto la comicidad como la demencia y desesperación de un individuo que se enfrenta a su propia multiplicidad. La dinámica entre sus distintas versiones introduce un juego narrativo interesante que aporta frescura y originalidad a la trama. Es innegable que el actor hace un tremendo trabajo de voz.

Tras analizar la novela uno veía porqué este director en concreto se había decantado a adaptarla. Al margen de todos los detalles científicos sobre las calorías o la conciencia, los cuales, apenas aparecen en el filme, se podía pronosticar que la llevaría a su terreno y la elevaría más allá en lo que se refiere al tema de la lucha de clases. Sin embargo, a medida que ‘Mickey 17’ avanza, la crítica social que en un principio parecía afilada se va diluyendo en un espectáculo más preocupado por la excentricidad que por la profundidad. Bong Joon-ho, quien en películas como ‘Parásitos’ y ‘Snowpiercer’ construía comentarios sociales sólidos a través de personajes y situaciones bien definidas, aquí parece ceder demasiado al absurdo. Lo que comienza como una sátira ingeniosa termina repitiendo las mismas ideas sin darles un desarrollo significativo. No obstante, como en ‘Okja’, consigue tocar los palos del animalismo y la soberbia humana.

Uno de los aspectos más problemáticos es el tono, que oscila entre la farsa y la denuncia social sin encontrar un equilibrio claro. Algunos personajes, en particular el líder de la misión (Mark Ruffalo), son caricaturas exageradas de líderes y presidentes corporativos actuales que funcionan como bromas recurrentes, pero que nunca evolucionan hacia algo más sustancial. En lugar de servir como una representación matizada del poder y la corrupción, estas figuras quedan atrapadas en la repetición de los mismos chistes y excentricidades.

A nivel visual, ‘Mickey 17’ es capaz de transportarnos a otro mundo. El diseño del planeta donde se desarrolla la historia es envolvente y hostil, y los efectos especiales contribuyen a la sensación de un mundo alienígena creíble. La dirección de Bong Joon-ho sigue siendo magistral en la construcción de secuencias impactantes, pero el guion no logra mantener el mismo nivel de precisión que en sus mejores trabajos.

El principal problema radica en el ritmo: la segunda mitad de la película se siente alargada, con situaciones que reiteran lo que ya se ha establecido en la primera parte. En lugar de profundizar en sus temas, la historia se entrega demasiado a su extravagancia, perdiendo la oportunidad de dejar una huella más contundente y sacándose demasiados elementos de la chistera. ‘Mickey 17’ es una película ambiciosa y entretenida, con una premisa provocadora y momentos de gran ingenio. Sin embargo, a diferencia de las obras más logradas de Bong Joon-ho, aquí la sátira se dispersa en un relato que no termina de afinar su mensaje.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Mickey 17. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: Bong Joon Ho, Corea del Sur. Guion: Bong Joon Ho. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo. Producción: Warner Bros., Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Pictures Company. Distribución: Warner Bros. Género: drama, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/mickey-17

Crítica: ‘The Monkey’

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Sinopsis

Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.

Crítica

Si ‘Destino Final’ y ‘Annabelle’ tuvieran un hijo diabólico, sería ‘The Monkey’

De vez en cuando, el cine nos regala un alineamiento estelar de talentos que dan como resultado una experiencia que se siente clásica y fresca a la vez. En el caso de ‘The Monkey’, cual alineamiento de planetas, la alineación nos deja eclipsados. Se han juntado aquí Osgood Perkins, con su estilo hipnótico y su ya característica paleta de colores apagados (casi calcada a la de ‘Longlegs’), con los traumas infantiles más truculentos de Stephen King y con la vena más gamberra de James Wan, la que vimos desatada en ‘Maligno’.

Basada en el relato corto de King, ‘The Monkey’ encaja dentro del subgénero de objetos inanimados malditos, con reminiscencias de ‘Annabelle’ o ‘La zarpa del mono. Pero el hijo de quien empuñó el cuchillo en ‘Psicosis’ lo lleva un paso más allá con una estructura que recuerda a ‘Destino Final’: una vez que el macaco de juguete empieza a chocar sus platillos, la muerte se desata en una serie de carambolas macabras, persiguiendo a sus víctimas con una precisión aterradora e ineludible. Los protagonistas, desesperados, intentan burlar este mecanismo como si tuviesen en sus manos una death note, pero la película deja claro que el destino siempre encuentra la manera y cual mafioso consigue hacer que parezca un accidente.

Lo que distingue a ‘The Monkey’ sobre otras películas estándar del mismo género es su tono: Perkins juega de nuevo magistralmente con la tensión y un humor negro que podría estar directamente influenciado por unos ZAZ pasados de rosca. Este tono forma parte intrínseca de esta comunión de artistas pues el relato originalmente no lo tenía. Así consigue llevarnos de lo inquietante a lo grotescamente sangriento en cuestión de segundos. Aquí no solo hay sustos bien orquestados, sino una celebración del terror con estallidos de violencia absurda que recuerdan por momentos al ‘Evil Dead’ de Sam Raimi.

En ‘The Monkey’, Perkins transforma la historia de Stephen King en una reflexión sobre la inevitabilidad de la muerte. La película nos muestra cómo el destino, representado en el siniestro juguete de cuerda, es ineludible. No importa cuántas veces los personajes intenten huir, deshacerse del mono o ignorar su influencia, la muerte sigue su curso. Esta visión podría parecer deprimente a primera vista: una resignación ante lo inevitable, un recordatorio de nuestra impotencia frente al tiempo. Pero hay algo profundamente liberador en aceptar esta verdad. Si todo es efímero y la muerte es una certeza, entonces la vida cobra un nuevo sentido. No hay nada que perder aferrándonos a miedos innecesarios o a preocupaciones vanas. Al final, The Monkey nos empuja a bailar en medio de la tormenta. Nos dice: “Si la muerte es segura, entonces esperémosla sin perder el tiempo”. En lugar de ver la fatalidad como algo paralizante, la película nos invita a abrazar el presente con pasión, con movimiento, con entrega total. Así, lo que parecía una historia oscura se convierte en un llamado a la vida, a la danza de lo inevitable.

En el apartado actoral, destaca el doble trabajo de Theo James, quien logra diferenciar de manera clarísima a los dos personajes gemelos. Quizá lo ha tenido algo más fácil que Christian Convery pues representa a dos personalidades bastante opuestas, pero ambos lo han logrado de manera efectiva. Junto ellos también hay que señalar, los jóvenes y Colin O’Brien quien aporta un matiz inesperado al filme a través de la inocencia, la frustración y la angustia de su personaje. Su interpretación aquí, ejerciendo el papel más fácil de empatizar para el espectador por el desconcierto que vive, demuestra que es un talento emergente. Para mi este actor es quien debería hacer de villano en una hipotética versión live action de ‘Toy Story’.

El microcosmos de Oz Perkins crece. Quizá algún día se marque un Shyamalan y se marque un crossover uniendo todos los demonios y maldades de sus películas. Desde luego sería interesante volver a ver al jinete pálido que cierra ‘The Monkey’. De momento, solo unos agraciados, han podido ver un avance de su próximo trabajo, ‘Keeper’, en forma de teaser y escena post-créditos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: The Monkey. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Osgood Perkins. Guion: Osgood Perkins. Música: Edo Van Breemen. Fotografía: Nico Aguilar. Reparto principal: Theo James, Tatiana Maslany, Elijah Wood, Adam Scott, Rohan Campbell. Producción: Atomic Monster, Black Bear International, British Columbia Film Comission, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group, The Safran Company. Distribución: Beta Fiction Spain, YouPlanet Pictures. Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.themonkeyfilm.com/

Crítica: ‘Buffalo Kids’

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Sinopsis

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Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.

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Crítica

Un western road trip con tanta aventura como emotividad

Quizá no tenga la misma repercusión o impacto en la cultura popular, pero la animación Española no tiene nada que envidiar a industrias como la americana, quien ponga eso en duda debería ver películas como ‘Robot Dreams’ o ‘Buffalo Kids’. Se lo acaba de arrebatar el corto ‘ON/OFF’ de Nicolás Pedro Villarreal pero el cortometraje ‘Cuerdas’, del cual parte ‘Buffalo Kids’, llegó a ostentar el Récord Guinness del cortometraje más premiado. Ahora, a partir de la idea de esa sencilla y bonita historia llega este largometraje.

Si con el cortometraje nos invitaron a retornar a un patio de colegio repleto de juegos como la comba, las palmas o la pelota, ahora lo directores Pedro Solís y Juan Jesús Galocha “Galo” nos transportan a un viaje por los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí conocemos a dos hermanos irlandeses, huérfanos y emigrantes. Han de ir sin recursos de Nueva York a California para conocer a su tío. En esa aventura conocen a Nick, un niño con parálisis cerebral que junto a otros niños viajan en busca de unos padres de adopción. Puede que cueste creerlo, pero todo esto que parece salido de la sombría mente de Charles Dickens es un western road trip repleto de emotividad y peripecias.

La película gana aún más matices de afectividad cuando conocemos un tierno detalle. Nick realmente es Nicolás, el hijo de Pedro Solís. Coprotagonizaba el corto y también ‘Buffalo Kids’. Vale que la película se podría resumir como el tributo de un padre que quiere brindarle a su hijo una última aventura. Pero el filme, aunque tiene mucha sensibilidad, no se deja llevar por la sensiblería. Si el corto clamaba por la inclusión y la comprensión, el largometraje hace lo mismo en un escenario aún más grande, extendiendo su discurso a otros ámbitos y personas.

Los autores de ‘Tadeo Jones’ o ‘Momias’ van acercando cada vez más su estilo gráfico al de Pixar/Disney pero no tienen nada que envidiar. Alcanzando un nivel superior al de la saga ‘Tadeo Jones’ consiguen escenarios a veces fotorealistas para personajes ligeramente cabezones. El equilibrio entre caricaturización y paisaje realista está muy logrado. Con ello nos transportan efectivamente al far west de un modo que en muchas ocasiones rememora a los clásicos de los cincuenta.

Aunque hay hasta un guiño para ‘Aterriza como puedas’, ‘Buffalo Kids’ es una obra marcadamente infantil. Al fin y al cabo, busca inculcar valores de respeto e igualdad, los cuales, tampoco está de sobra recordárselos a algunos adultos. Por lo demás es rendirse a un divertimento con nativos americanos iniciándose en el fútbol, una niña la mar de revoltosa y un perro llamado pizca.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Buffalo Kids. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Juan Jesús García Galocha, Pedro Solís García. Guion: Jordi Gasull, Javier López Barreira, Pedro Solís García. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Alisha Weir, Sean Bean, Gemma Arterton, Stephen Graham. Producción: Atresmedia Cine, 4CatsPictures, Little Boy AIA, Anangu Grup, Mogambo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/buffalo-kids

Crítica: ‘Un fantasma anda suelto por casa’

Sinopsis

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La familia de Kevin se convierte en una sensación mediática de la noche a la mañana por haber encontrado al fantasma Ernest en su nueva casa. Pero, cuando Kevin y Ernest investigan por su cuenta el misterioso pasado de este, se convierten en blanco de la CIA.

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Crítica

El ‘Casper’ de Netflix

Christopher Landon, el director de ‘Feliz día de tu muerte’ y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, se refirió al relato original de Geoff Manaugh como una especie de ‘E.T.’ pero si lo pensamos bien ‘Un fantasma anda suelto por casa’ recuerda mucho más a ‘Capser’. Landon sigue jugando con la muerte pero en esta ocasión el tono deja de ser sangriento y juvenil para tornarse en algo totalmente familiar.

En el siglo XXI uno de los mayores temores de una familia no es encontrarse con un espectro, es no tener un lugar donde echar raíces. Con ello comienza ‘Un fantasma anda suelto por casa’, con una familia que compra una casa inusitadamente barata. ¿Recordáis aquella casa de los crímenes que intentaba vender Marge Simpson? Pues al estilo. Desde el comienzo y con el título Landon nos deja ver que el solitario casoplón en la que transcurre la acción está encantado. Allí además de unos poltergeist se manifiestan los problemas de los Presley mientras intentan hacer borrón y cuenta nueva. Es en el arranque donde vemos más similitudes con ‘Casper’, de hecho, la primerísima escena recuerda a la de la película de Brad Silberling, los protagonistas sellan acuerdos con el meñique y el fantasma aquí también sirve como disparador de una historia sobre la redención y el reencuentro familiar. Pero el tipo de humor es ligeramente más negro y aún con todo atípico para Landon. Esta es la versión más light de un director que en su día ya nos impactó con ‘Disturbia’

A pesar de llamarse ‘Un fantasma anda suelto por casa’ la película tiene su mejor parte en el segmento en que se convierte en un road trip con guiños a ‘Matrix’, ‘Ghost’ y ‘Psicosis’. El montaje es ágil y ayuda a empatizar con los protagonistas el hecho de que la historia se traslade a códigos actuales en los que las redes sociales siempre juegan un papel, con la consecuente frivolidad y estupidez de internet. La película sirve como entretenimiento pero en determinados momentos y de manera puntual es utilizada como arma para reírse de retos tontos, de los cada vez más relevantes negacionistas y de los siempre desafortunados cuñados que saben de todo. Por otro lado Landon modifica algunas cosas de la historia original y hace un discurso sobre la “cárcel” que supone para algunos el vivir bajo los estereotipos o exigencias sociales, pero solo demuestra lo quejicas que somos con los problemas del primer mundo.

Funciona muy bien Anthony Mackie como padre obcecado por la búsqueda del éxito y reflejo de toda una generación. Me ha encantado ver de nuevo a Tig Notaro empuñando un arma futurista o a Jennifer Coolidge en un nuevo y excéntrico papel. Pero reconozcamos que el protagonista realmente es Jahi Di’Allo Winston, el cual soporta bien el peso que ha recaído en sus hombros. Él y un David Harbour peinado con cortinilla a lo Iñaki Anasagasti. Su imagen como simpático aunque deprimido fantasma holográfico al estilo ‘Agárrame esos fantasmas’ me parece de lo más entrañable. Quizá ese sea el mejor adjetivo para ‘Un fantasma anda suelto por casa’ pues creo que en un futuro los jóvenes y adolescentes que reversionen este filme lo recordarán así.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Título original: We have a ghost. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Christopher Landon. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: David Harbour, Jahi Di’Allo Winston, Anthony Mackie, Jennifer Coolidge, Tig Notaro, Tom Bower, Faith Ford, Steve Coulter, Erica Ash, Niles Fitch, Sherri Eakin, April McCullough, Scott A. Martin, Ned Yousef, Natalie Okamoto, Jo-Ann Robinson, LaTaryion Perry. Producción: Legendary Entertainment, Temple Hill Entertainment. Distribución: Netflix. Género: comedia, aventura. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80230619/

Crítica: ‘Black Phone’

Sinopsis

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Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años, y le encierra en un sótano insonorizado donde de nada sirven sus gritos. Cuando un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede oír las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

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Crítica

Uno de los mejores papeles de Ethan Hawke en mucho tiempo

Que gozada de película. Una cinta donde los terrores mas sencillos y un humor un tanto exagerado se aúnan para regalarnos una mezcla que sin duda, no gustará a todos, pero a mi me funciona de maravilla.

Scott Derrickson regresa al terror con ‘Black Phone’, basada en un relato corto de Joe Hill, que aparece en su libro ‘Fantasmas: El pasado no está muerto, ni siquiera es pasado…’. Scott Derrickson no solo ha dirigido, sino que también ha sido el encargado junto a C. Robert Cargill de adaptar el relato.

Nos vamos a un pueblo de Estados Unidos, donde la violencia está en todas partes. Allí, de la noche a la mañana, comienzan a desaparecer niños. A través de Finney y su hermana Gwen, vamos desentrañando estas extrañas desapariciones, de la manera más cruel posible, ya que Finney termina siendo una de las víctimas. En su celda encontrará un teléfono negro que le hará bastante compañía.

La verdad que no he indagado demasiado si es de los primeros relatos de Joe Hill, pero vemos perfectamente en él su inspiración en las historias de su padre, Stephen King. Esto lo aprovecha Scott Derrickson, con una atmósfera oscura y llena de personajes macabros. Globos, desapariciones de niños, un pueblo en el que todo el mundo parece odiarse y por supuesto un personaje tenebroso lleno de traumas infantiles.

Me parece tremendo el trabajo de Ethan Hawke (‘El hombre del norte‘) que vuelve a trabajar con Derrickson. Realiza un trabajo muy bueno con su cuerpo, pues no le vemos la cara. Y solo con sus posturas sentimos si está relajado o lleno de ira y por supuesto el uso de su voz. Además se le añaden las diferentes máscaras que tiene su personaje. Esto es gracias al trabajo del equipo de Tom Savini.

En el reparto encontramos caras como la de Jeremy Davies o James Ransone, que hace un pequeño homenaje a su personaje en ‘Sinister’. Este bastante más cómico.

En el reparto infantil tenemos a Mason Thames, el encargado de dar vida a Finney. Se nota mucho el trabajo físico que ha realizado, pues no hacen más que ponerle pruebas en la película. Y la verdad que se desenvuelve muy bien en el terror.

Pero sin duda la estrella de la película es Madeleine McGraw, que hace un papel lleno de ternura, odio y mucha mala leche. Las escenas en las que se pone a rezar son tremendas.

Como he dicho, una de las cosas que no gustarán de la película es el humor que introduce. Para mi ha sido todo un acierto. Después de tanta tensión un golpe fuerte de humor siempre viene bien. Descoloca al espectador y a la vez hace la película más amena.

Poco más os puedo añadir, que vayáis a disfrutarla a partir del 24 de junio en las salas de cine, pues merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Black Phone. Duración: 102 min. País: EE. UU. Dirección: Scott Derrickson. Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Ethan Hawke, Mason Thames, Jeremy Davies, James Ransone, Madeleine McGraw, Gina Jun, E. Roger Mitchell, Ron Blake, Robert Fortunato, Chris TC Edge, Braxton Alexander. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Crooked Highway. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/theblackphonemovie/

Reseña: ‘Exhalación’

Argumento

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No importa cuál sea el tema que trate Ted Chiang en sus narraciones, siempre demuestra una formidable habilidad para indagar en los enigmas de la condición humana y abordar los conflictos éticos que la relación con la tecnología plantea en nuestra existencia. Lejos del enfoque distópico hoy predominante en las narraciones futuristas, las historias de Chiang muestran una perspectiva abiertamente positiva y vitalista, delineando preguntas filosóficas de un enorme calado humano.

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Reseña

Tiene todo el mordiente que ha perdido ‘Black Mirror’

Los galardones literarios no suelen ser tendencia en las redes sociales y si le pides al ciudadano de a pie que te diga el nombre de alguno de ellos seguramente, si tenemos suerte, nombrarán el Premio Planeta o el Cervantes que suelen ser más populares. Y si ya nos vamos a lo concreto y hablamos de los Hugo, Locus o los Nebula el desconocimiento se hace más evidente. En esos tres “certámenes” Ted Chiang ha ganado unas cuantas veces y son los más importantes en cuanto a ciencia ficción, fantástico o fantasía se refiere. Los relatos de ‘Exhalación’ ostentan algunos de esos reconocimientos.

En la faja que acompaña a esta cuarta edición de ‘Exhalación’ podemos leer: “Y tú que creías que no te gustaba la ciencia ficción”. Y es que este es un libro perfectamente recomendable para aquellos que no se han acercado a la ciencia ficción en formato libro o que no se han topado con relatos sesudos. En mi caso particular me considero muy aficionado a este género cuyos pioneros fueron Julio Verne o H.G. Wells. Disfruto con relatos que nos llevan al espacio o al futuro y van acompañados de acción como suelen ser los más convencionales. Pero cuando más lo gozo es cuando me topo con historias que me hacen cavilar, que me abren a nuevas corrientes de pensamiento o que reinventan. Casi todas las que nos plantea aquí Ted Chiang hacen eso, sobre todo las primeras.

Cuando hablamos de la conjunción de antología y ciencia ficción lo primero que se nos viene a la cabeza hoy en día suele ser ‘Black Mirror’. La serie de Charlie Brooker nos ha volado la cabeza en más de una ocasión y ha generado horas y horas de charlas de discusión que casi siempre han ido acompañadas de alabanzas y miedo. Esa gran serie poco a poco ha ido perdiendo su mordacidad y su visión de futuro, se ha diluido su poder de fascinar a través de las tecnologías. Ese mordiente es lo que si tiene hoy en día Ted Chiang, el cual sería un fichaje revitalizante para esa serie. Prueba de ello es el magnífico resultado de ‘La llegada’, que se basó en ‘La historia de tu vida’, otro relato corto del autor neoyorkino. Además mucha de sus historias muestran halos de esperanza, pudiendo acabar perfectamente en moralejas taciturnas.

Lo que aquí os vais a encontrar es una serie de nueve relatos inconexos cuya complejidad no ha de asustaros. La prosa de Chiang es sencilla y utiliza recursos suficientes para facilitar la comprensión por parte del lector. Mezcla conceptos antropológicos o filosóficos con dispositivos totalmente fantasiosos. Incluso a pesar de estar muy presente lo digital hay muchos relatos que dejan un sabor bíblico. Os va a llevar por tramas en las que entra en juego la termodinámica, el libre albedrío, las paradojas temporales o el amor por seres artificiales.

No vais a descubrir en ‘Exhalación’ artilugios proféticos, no, ese no es el estilo del autor. Chiang se dedica más bien a analizar o a indagar en las posibilidades de la ciencia, tanto en la mente humana como en la sociedad. Suena muy filosófico o metafísico y es así. En cada relato de ‘Exhalación’ se establecen dilemas que o bien creemos que están por venir o bien deberíamos tener ya sobre la mesa.

Me gusta que al final Chiang dedique unas páginas para arrojar contexto a cada una de las historias, de este modo a parte de nuestra propia interpretación podemos tener la razón de ser de cada uno de ellos. Relatos que nos llevan por muchísimos escenarios, desde lugares del antiguo oriente hasta mundos virtuales o universos totalmente imaginados.

Fue publicado en España en septiembre de 2020 y en octubre ya iba por la cuarta edición. Esta que tengo en mis manos está puesta a la venta de la mano de la editorial Sexto Piso, la cual, os permite leer las primeras páginas de este libro en este enlace. Si esa introducción y mis palabras no os sirven para acercaros él es que el mundo está a punto de dar su última exhalación.

Ficha del libro

Autor: Ted Chiang. Portada: Ximo Abadía. Traducción: Rubén Martín Giráldez. Editorial: Sexto Piso. Datos técnicos: 348 págs., rústica, 15 x 23 cm. Publicación: septiembre de 2020 (mayo de 2019 EE.UU.). Precio: 22.50€.

Crítica: ‘The Map of Tiny Perfect Things’

Sinopsis

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Basada en el relato de Lev Grossman, la película, dirigida por Ian Samuels, cuenta la historia del ingenioso adolescente Mark (Kylie Allen), quien vive felizmente el mismo día en un bucle sin fin y cuyo mundo se pone patas arriba cuando conoce a la misteriosa Margaret (Kathryn Newton), también atrapada en el bucle temporal. Mark y Margaret forman una pareja magnética que se propone encontrar todas las pequeñas cosas que hacen que ese día sea perfecto. Lo que sigue es una historia de amor con un giro fantástico, en la que los dos luchan por descubrir cómo, y si es posible, escapar de su día interminable.

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Crítica

Tiene todos los puntos para convertirse en un clásico juvenil

Ha habido dos cosas de ‘The Map of Tiny Perfect Things’ que me inclinaron a enviar una solicitud para verla al departamento de prensa de Amaozn Prime Video. Una de ellas es Kathryn Newton (la actriz protagonista) y la otra el componente de ciencia ficción con todo el tema del bucle temporal. Y ambos componentes me han parecido suficientes como para sostener la narración de una película que termina siendo bastante más romántica o sensiblera que otra cosa. Quizá por buscar una mezcla entre género fantástico y tierno es por lo que se ha introducido por ahí de fondo la nave de E.T. ‘The Map of Tiny Perfect Things’ es una película muy simpática y ocurrente que además de saber ser lo justamente traviesa sabe explotar al máximo el lado emotivo de su título.

Newton trabajó hace poco en ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, película que os recomiendo que veáis en cuanto se estrene. En ese filme estuvo a las órdenes de Christoper Landon, autor de la saga ‘Feliz día de tu muerte’. Quizá ambos ya sabían de este proyecto y el director le pudo dar algún consejo paradójico temporal. El caso es que tanto ella como Kyle Allen (el otro protagonista del filme) llevan con gracia esta historia que a pesar de estar ambientada en un día que se repite una y otra vez se hace cambiante y nada reiterativa.

‘The Map of Tiny Perfect Things’ trata acerca de dos chicos que sin saber por qué se ven encerrados en un bucle temporal viviendo una y otra vez el mismo día. Llevan tanto tiempo así que tienen oportunidad de memorizar todo lo que pasa, igual que Tom Cruise en ‘Al filo del mañana’. Así nos lo demuestran con un primer plano secuencia bastante bien hecho. A parte de con varios tramos de la película consistentes en llevar a cabo algunos sueños húmedos de todo adolescente. La cuestión es que acaban recorriendo su pequeño pueblo en busca de aquellos pequeños momentos perfectos que pueden ver repetirse una y otra vez, de ahí el mapa. Digamos que es como ir encontrando los secretos ocultos en un enorme videojuego del tipo sandbox, algo complicado pero que al fin y al cabo es meramente recreativo, una evasión del verdadero objetivo.

Lev Grossman ha desarrollado el guión a partir de un relato que escribió en 2016. Él mismo se moja y hace un cameo en la propia película siendo salvado de la siempre molesta mancha que producen las cagarrutas de los pájaros. Con esa “salvación” y con alguna imagen en televisión hace el guionista hace un homenaje a ‘Los héroes del tiempo (Time bandits)’ del fallecido Terry Gilliam, en la cual también había un mapa, este indicando la ubicación de agujeros temporales.

La edad de los protagonistas, la música, algunas escenas luminosas, secuencias muy videoclipistas, la historia de amor… Hace que esta película de Ian Samuels tenga todos los puntos para convertirse en un clásico juvenil. Al fin y al cabo la moraleja de la cinta gira en torno a la madurez, a aprender a dejar de evadirnos con trivialidades y afrontar la realidad. Nos cuenta eso y nos grita qué podemos hacer usando nuestros conocimientos para servir a la felicidad del resto.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: The Map of Tiny Perfect Things. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Ian Samuels. Guion: Lev Grossman. Música: Tom Bromley. Fotografía: Andrew Wehde. Reparto principal: Kathryn Newton, Kyle Allen, Josh Hamilton, Al Madrigal, Cleo Fraser, Anna Mikami, Teance Blackburn, Vanessa Padla, Jermaine Harris, Emmett Ferguson, Lily Lumpkin, Lisa VanAmburg, Douglas DeLisle. Producción: FilmNation Entertainment, Weed Road Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: ciencia ficción, romance, adaptación. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/the-map-of-tiny-perfect-things

Crítica: ‘La voz humana’

Sinopsis

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Una mujer ve pasar las horas junto a las maletas de su examante (que vendrá a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no entiende que su amo le haya abandonado. Durante los tres días de espera, la mujer solo ha bajado una vez a la calle, para comprar un hacha y una lata de gasolina. La voz humana es una lección moral sobre el deseo, no importa que su protagonista esté al borde del abismo. El riesgo es parte esencial en la aventura de vivir y de amar.

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Crítica

Una mujer (internacional) al borde de un ataque de nervios

Esta no es una versión de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ de hecho el cortomertaje surge a partir de un relato de Jean Cocteau. Pero su protagonista, interpretada por Tilda Swinton, si está atacada, a punto de estallar.

Tras la laureada ‘Dolor y Gloria’ nos llega un cortometraje de Pedro Almodóvar que nace adaptando una obra teatral. Y para ello emplea una nave que parece vacía pero que vemos rápidamente que aloja una casa. Un hogar sin techo. Un plató que sirve como jaula para la angustia que siempre produce la espera prolongada. El personaje sin nombre de Swinton se aloja en una casa que bien podría ser una zona de Ikea, en la que de poco sirven los objetos materiales ante la falta de un ser que ya no está y que solo ha dejado buenos recuerdos. Escenificación del vacío interior.

Nostalgia y despecho, pero no descomposición. Está muy bien el discurso del filme. Un carpe diem en retrospectiva. Aboga por atesorar los mejores momentos, por usarlos como bálsamo a la hora de pasar página y no derrumbarse. Pero ‘La voz humana’ también se deja llevar por el deseo y los impulsos. Y es que el corazón siempre traiciona.

Ella coloca con inquietud una buena colección de películas desperdigadas sobre su mesita, apila maletas y objetos que aguarda entregar a aquella persona con la que antes compartía espacio vital. Pero esta no llega, no da señales de vida y eso la tiene en un sinvivir. Tampoco ayuda mucho a la tranquilidad de esta ahora solitaria mujer los ladridos y quejidos melancólicos del perro de su expareja.

En ‘La voz humana’ solo tenemos una protagonista femenina. Y como secundarios un perro y el vendedor de la ferretería que visita en su única salida y que está interpretado por Agustín Almodóvar. A ellos les acompaña una atípica música en lo que se refiere a las melodías de Alberto Iglesias. Tonos misteriosos que también transmiten tristeza y algo de locura.

Hay mucha nitidez (6k), colorido y riqueza de formas en este corto que en un principio parecía que iba a ser casi mudo, una tímida incursión de Almodóvar en los rodajes en inglés. Pero la conversación posterior es bastante abundante y contundente. En ella vemos la fuerza y el talento tanto de quien lo ha adaptado como del texto original. Talento pero no genialidad. Una capacidad innegable para sacar partido a las emociones más humanas, de mano de la puesta en escena del director y de la actriz que sin nada a lo que amarrarse despliega una gran interpretación.

Swinton se despide en ‘La voz humana’ de alguien famoso que además de grandes instantes para la memoria le ha dejado un perro. Sería precioso que el corto sirviese como una apasionada carta de despedida a su amigo David Bowie. Lo cual hace que vuelva a preguntándome cuando Swinton aceptará hacer el biopic sobre Ziggy Stardust.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2020. Título original: The human voice. Duración: 30 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Reparto principal: Tilda Swinton, Agustín Almodóvar. Producción: El Deseo, Filmnation Entertainment. Distribución: Wanda Visión, Avalon D.A. Género: drama, cortometraje. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/la-voz-humana

Crítica: ‘Color out of space’

Sinopsis

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Los Gardner se mudan a una granja remota de Nueva Inglaterra. Están ocupados adaptándose a su nueva vida cuando un meteorito se estrella en su patio. El misterioso aerolito parece derretirse en la tierra, infectando el terreno con un color brillante de otro mundo. Para su horror, la familia descubre que esta fuerza alienígena está mutando gradualmente cada forma de vida que toca… incluido ellos.

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Crítica

Un tripi visual con terror y un Cage que va a lo suyo, todo bien

¿Qué da más miedo, una interpretación de Nicolas Cage o una historia de H.P. Lovecraft? Cuando vi esa combinación pensé “historia de Lovecraft, bien. Nicolas Cage, bien (pero en plan cómico)”. Cage es capaz de arruinar muchas historias buenas, pero por suerte este no ha sido el caso. Durante toda la película se mantiene un pulso entre lo inquietante de la trama y la siempre turbadora interpretación del sobrino de Francis Ford Coppola.

Basada con bastante fidelidad en un relato de Lovecraft ‘Color out of space’ nos cuenta el episodio que vive una familia cuando un meteorito cae en su granja. Un perturbador color desconocido (que se ejemplifica con un magenta) les deslumbra y en la zona todo empieza a cambiar de un modo inimaginable.

Mutaciones, deformaciones, voces, alucinaciones, emponzoñamiento… La tierra se corrompe con algo que no es de este mundo, comienzan a pasar cosas raras y la familia se ve encerrada irremediablemente. La ecuación de este largometraje se resume con la suma entre ‘Aniquilación’ más ‘La cosa’ más ‘Poltergeist’.

El filme tiene una buena puesta en escena y en ocasiones supone un verdadero tripi visual. En su exploración de lo extraño, tanto en el plano mental como en el físico, nos ofrece amorfas aberraciones muy bien maquilladas con sabor del terror de antaño. Eso si, hay que advertir que en una de las variaciones del relato original sucede algo no apto para animalistas.

Podríamos catalogar este título como un retrato de algún tipo de agonía. Sus personajes sufren a la vez que el espectador puede sentir esa clase de fascinación morbosa que tantos éxitos da en el cine.

Cage interpreta al padre de familia. Como siempre tiene momentos casi desternillantes, llevándose algo al personaje a su propio terreno. Pero podría decirse que está más contenido de lo habitual. Considero esto un logro de Richard Stanley y de la historia que lo consigue enmascarar o disimular. Aunque me consta que Stanley pidió a Cage que actuase como en ‘Vampire Kiss’. Además el director ha conseguido que el resto del reparto supla las carencias de Cage, en especial con la manera de usar a los personajes más jóvenes.

Hay muchos guiños lovecraftianos y a la propia filmografía del director. Esta es de esas películas que pica la curiosidad no solo de poder ver qué sucede hasta el final sino también de buscar más en la filmografía del director, aunque seguro que también habéis visto su ‘Isla del Dr. Moreau’ o ‘Los abandonados’, esta última muy recomendable. Richard Stanley tiene fama de ser raro y de no quitarse nunca su sombrero. La película tiene unos magníficos y oníricos efectos especiales realizados por los españoles de User T38 y nos confirmaron en la Muestra SYFY que efectivamente Stanley es un tipo peculiar, de ahí sus películas.

Esta es una cinta de personajes raros trabajando en ella pero de cosas aún más raras que hacen que merezca la pena ser disfrutada. Sumergíos en esta región de Arkham con alpacas y momentos rosáceos y ya me contaréis si volvéis con la mente de una sola pieza. Si para entonces tenemos suerte, ya estará en marcha la próxima entrega ya que esta será una trilogía de películas, seguramente inconexas argumentalmente, que seguirá con ‘El horror de Dunwich’.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Color out of space. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Stanley. Guion: Scarlett Amaris, Richard Stanley. Música: Colin Stetson. Fotografía: Steve Annis. Reparto principal: Nicolas Cage, Q’orianka Kilcher, Joely Richardson, Tommy Chong, Madeleine Arthur, Brendan Meyer, Julian Hilliard, Elliot Knight, Melissa Nearman. Producción: SpectreVision, ACE Pictures Entertainment, BRO Cinema, XYZ Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: http://www.finefilms.co.jp/color/

Patrick Wilson estará en Sitges para presentar ‘En la hierba alta’

Un relato de Stephen King y Joe Hill adaptado por Vincenzo Natali para Netflix

Durante la próxima edición del Festival de Sitges se presentará ‘En la hierba alta’. Esta será la película de inauguración de la 52 edición que tendrá lugar el 3 de octubre. Una historia que surge de una un relato corto de Stephen King. ‘En la hierba alta (In the Tall Grass)’ es la última película de Vincenzo Natali, reconocido director cuyo talento ha sido celebrado en anteriores ediciones del Festival gracias a títulos como ‘Cube’ (ganadora en Sitges 1998), ‘Cypher’ y ‘Splice’. De este modo, Netflix apuesta por Sitges para presentar uno de los títulos más esperados entre los fans del género.

‘En la hierba alta’ es la adaptación del relato homónimo que Stephen King coescribió con su hijo, Joe Hill, y que se publicó en dos partes en la revista Esquire en 2012. Se trata de una historia de terror claustrofóbico con elementos sobrenaturales, protagonizada por los hermanos Becky y Cal. Tras escuchar el llanto de un niño pidiendo ayuda, ambos se adentrarán en un gran campo de hierba alta en Kansas, donde quedarán atrapados por una fuerza siniestra que rápidamente les desorienta y les separa. Aislados del mundo y sin posibilidad de escapar del control del campo, pronto descubren que lo único peor que estar perdido es ser encontrado.

Uno de sus protagonistas, Patrick Wilson, rostro habitual en títulos de género como ‘Insidious’, ‘The Conjuring’, ‘Watchmen’ o ‘Aquaman’, visitará Sitges 2019 juntamente con el director, Vincenzo Natali.

Crítica: ‘Oro’

Sinopsis

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‘Oro’ es una aventura de época inspirada en las épicas expediciones de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, a través de la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se creía, estaba hecha completamente de oro. La película retrata con crudeza la violencia existente tanto en los acontecimientos como en las personalidades de aquellos españoles que se embarcaron en la mayor proeza de la historia como fue el descubrimiento y la conquista de América, y la permanente búsqueda del mítico El Dorado.

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Crítica

Aires de western sin el oropel de las superproducciones.

La obra de Arturo Pérez-Reverte puede ser plato de mayor o menor gusto, pero su riqueza y éxito es indiscutible dado que siempre suscita mucho debate, estimula la imaginación del lector y sobre todo fomenta la curiosidad histórica de aquellos que se adentran en sus tramas. En la mayoría de los casos logra extraer un enfoque diferente de una historia que creíamos ya harto conocida, de una época de sobra retratada o de un ámbito hasta todo límite explorado. Nos hallamos ante otra ocasión de esas en las que el escritor nos propone sumergirnos en una selva de aventuras y descubrimiento, de documentación y detalle, de ficción histórica, de la que tiene un pie en la orilla de lo auténtico y otro en el de lo imaginado. No cabe duda de que el relato de Pérez-Reverte tenía mucho de veraz y que junto al director Agustín Díaz Yanes han buscado resquicios de históricos que respalden esta película. De ahí que hayan logrado conseguir un enfoque tan realista, que lo que más me haya gustado de ‘Oro’ sea su tratamiento. No estamos ante el intento de limpiar el nombre del otrora imperio español, tampoco ante otra película cruenta sobre la aniquilación del pueblo indígena. Este es un filme mucho más equilibrado respecto a esas dos vertientes históricas que a unos les gustará y a otros no, pero que seguramente se adapte más a lo que realmente sucedió en el siglo XVI en Sudamérica.

Debido a lo anterior expuesto me alegra decir que esta película me ha parecido mejor que la que reunió anteriormente a Díaz Yanes y a Pérez Reverte, es decir, ‘Alatriste’. La historia está mejor trabajada y la ambientación está también dentro de lo que consideramos como verídico. Los días de rodaje por Canarias, Andalucía, Panamá y Madrid han servido para construir una creíble selva y el trabajo de la figurinista Tatiana Hernández (Peris Costumes) es excelente a la hora de vestir a los protagonistas. Puede que siga los pasos de ‘1898. Los últimos de Filipinas’, película de corte similar e histórico, que me dejó mejor sabor de boca, y se llevó el cabezón de mejor vestuario.

Porque ‘Oro’ tampoco es una película redonda. Mis expectativas eran altas si comparo con lo que al final me he encontrado. Es bastante menos intensa y tiene un ritmo muy distinto al esperado, sus pautas están más marcadas por el género del western, no el de la épica aventurera. De la determinación del tono pueden llegar los desaciertos. Lo más llamativo son algunos fallos de rodaje y montaje que presenta. Repite alguna que otra escena, algunas tomas se ven con poca calidad, otros encuadres son bastante desacertados, en el inicio de algunas secuencias los actores están demasiado colocados… La historia va narrada por el protagonista de Raúl Arévalo y por el personaje de menos peso de Andrés Gertrúdix. Este último al ser su rol el del representante del rey va anotando todo lo sucedido con una prosa más adornada que en determinados momentos se pierde. Todo este cúmulo de deslices le resta fuerza a una película que de haber sido objeto de alguien más perfeccionista dejaría una carga mucho más poderosa en el espectador.

A nivel interpretativo no he visto descuidos como los que he comentados antes. Las actuaciones están más cerca del nivel de la historia. Los protagonistas, los actores con papeles de más peso, son los que más nos pueden llamar la atención, pero entre ellos destacan Raúl Arévalo y Óscar Jaenada. Se pasan la película entera con un tira y afloja que se ve obligado a detenerse por el patriotismo, el instinto de supervivencia y el sentido del honor del soldado. Eso les ha forzado a crear una extraña relación entre sus personajes: son adversarios pero a la vez camaradas. Tal vez debería ir más allá para referirme a su conflicto pero entraría en los terrenos pantanosos del spoiler.

‘Oro’ tiene virtudes para brillar como los propios premios que puede llevarse. Pero también tiene fallos tan penalizables como los pecados que convirtieron a nuestros protagonistas o antepasados en soldados de fortuna en busca de el Dorado. Me quedo por encima de todo con el recado irreverente y sarcástico que viene a decir que como buenos españoles siempre seguiremos con las mismas rencillas y por si fuese poco querremos ser gallardos, estaremos haciendo alarde y mostrando bravuconería hasta en la más inútil de nuestras empresas.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de noviembre de 2017 (9 de noviembre Comunidad de Madrid). Título original: Oro. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Agustín Díaz Yanes. Guión: Agustín Díaz Yanes. Música: Javier Limón. Fotografía: Paco Femenía. Reparto principal: Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, Jose Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo, Juan Carlos Aduviri, Juan Diego. Producción: Apache Entertainment, Sony Pictures España, Atresmedia Cine. Distribución: Sony Pictures. Género: aventura, historia, adaptación.

Fecha de estreno para el filme español ‘Oro’

La película de Agustín Díaz Yanes llegará en octubre.

El nuevo trabajo del director Agustín Díaz Yanes, ‘Oro’, del cual ya os hablamos aquí, se estrenará en España el próximo 27 de octubre 10 de noviembre de la mano de Sony Pictures Releasing. Es un filme basado en un relato inédito de Arturo Pérez-Reverte. Se inspira en la expedición de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa.

El reparto de ‘Oro’ lo forman Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, José Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo y Juan Carlos Aduviri, con la colaboración especial de Juan Diego.

‘Oro’ vuelve a reunir al director ganador de dos premios Goya, Díaz Yanes (guion original y dirección novel por ‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’), con el autor superventas Pérez-Reverte, cuya obra se ha traducido a más de 40 idiomas y vendido más de 15 millones de ejemplares. Díaz Yanes y Pérez-Reverte colaboraron por última vez en el gran éxito de taquilla ‘Alatriste’, protagonizado por Viggo Mortensen.

‘Oro’ es una producción de Apache Films, Atresmedia Cine, Movistar+, Sony Pictures España y Tezutlan Films AIE, con la producción asociada de Aralan Films y Virtual Contenidos, la participación de Atresmedia, Movistar+ y Canal Sur Televisión, con el apoyo del ICAA y la financiación de Crea SGR.