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Crítica: ‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’

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Sinopsis

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Rabiye Kurnaz es una mujer aparentemente corriente, excepto porque es un terremoto. Cuidando de sus hijos y mucho más, es la que lleva la batuta en su casa de Bremen. Poco después de los ataques del 11-S, en 2001, su hijo Murat es acusado de terrorismo y es uno de los primeros enviados a la cárcel de Guantánamo. Esto marca el inicio de un viaje hacia el corazón de la política mundial para esta decidida mujer alemana-turca. Acompañada del abogado de derechos humanos Bernhard Docke, luchará por la liberación de su hijo.

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Crítica

Humana, sensible y a su manera, subversiva

Las historias de David contra Goliat, tipo ‘Erin Brockovich’ o ‘Una cuestión de género’, aquellas que ponen al ciudadano de a pie contra el monstruo del sistema o del gobierno, siempre causan simpatía, consiguen empatizar con el espectador y llegar a un punto que, aunque no toque vivencias personales, se siente muy cercana. Al fin y al cabo, todos nos sentimos indefensos ante las grandes corporaciones o instituciones. Si además añadimos el valor que le da a la historia el estar fundamentada en un lance real, el espectador se siente doblemente atraído. Esa es la baza que juega ‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’.

Todos somos humanos y reconocemos una injusticia cuando la vemos. Los casos de Guantánamo derivan en una opinión casi unánime, en un sentimiento de no raciocinio e injusticia que todos detectamos. ‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’ transcurre en los meses y años posteriores al atentado del 11S y pone sobre la palestra una vez más términos como islamofobia o lavado de cerebro. Recrea la lucha de una madre que quiere sacar a su hijo de la cárcel que USA montó en Cuba y que aún hoy en día retiene a personas que no albergan esperanza alguna de juicio.

Este sonado caso representó un problema para Rabiye Kurnaz, la incansable madre del joven preso llamado Murat, pues aunque vivía en Alemania poseía nacionalidad turca y todas las características de una persona que se ha alineado con los terroristas islamistas. Estamos pues ante un brete para las administraciones, en un vacío legal que era un escape para tres países que se lavaban las manos y a la vez una desesperación para unos familiares que vivían presos de la falta de información y la ambigüedad de un mundo legal que no controlaban. No es de extrañar que la película se llevase el premio a mejor guión e interpretación en Berlín. El caso está tratado con mucho tacto y nada de sensacionalismo. El trabajo de Meltem Kaptan como la protagonista es difícil por lo sensible del tema pero ayuda mucho el optimismo de su personaje. No sé si esta era realmente la actitud que tuvo esta mujer durante todo este vía crucis o no, también estoy seguro que a muchos les va a parecer una manera frívola de contar la historia, pero a mi desde luego me ha parecido una manera liviana y a la vez afectuosa de narrar todo.

‘Rabiye Kurnaz contra George W. Bush’ está contada a través de la simpática relación que establece Rabiye con el abogado Bernhard Docke. Ella es un mar de ingenuidad y él vive con los pies en el suelo, pero ambos tienen algo en común, tesón y sentido de la justicia. Si este fuese un título yankee les interpretarían seguro Octavia Spencer y Tom Hanks. La película habría sido de diez si no fuese porque peca de potencia visual, de fuertes discursos y de no tener un desarrollo de personajes más elaborado o al menos acompañado de un montaje más ágil.

Como vemos siempre, el amor de unos padres por un hijo mueve montañas. Este un caso más de tantos padres y madres coraje que no cesan en su empeño y son capaces de cambiar el devenir de los acontecimientos e incluso el funcionamiento de nuestro mundo. Si La película logra remover conciencias habrá sembrado la semilla necesaria para corregir injusticias o producir el cambio que demanda. Os animo a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de febrero de 2023. Título original: Rabiye Kurnaz gegen George W. Bush. Duración: 119 min. País: Alemania. Dirección: Andreas Dresen. Guion: Laila Stieler. Música: Johannes Repka, Cenk Erdogan. Fotografía: Andreas Höfer. Reparto principal: Meltem Kaptan, Alexander Scheer, Charly Hübner, Nazmî Kirik, Abak Safaei-Rad, Alexander Hörbe, Sevda Polat, Abdullah Emre Öztürk, Cornell Adams. Producción: Arte France Cinéma, Cinéma Defacto, Iskremas Filmproduktion, Pandora Filmproduktion. Distribución: Vercine Distribución. Género: drama, política, hechos reales. Web oficial: https://www.pandorafilm.com/filmography/rabiye-kurnaz-gegen-george-w.-bush.html

Crítica: ‘Almas en pena de Inisherin’

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Sinopsis

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Dos amigos de toda la vida se encuentran en un callejón sin salida cuando uno de ellos decide abruptamente poner fin a su amistad, con consecuencias alarmantes para ambos.

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Crítica

Desde la austeridad y la parquedad de sus dos protagonistas se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo

Martin McDonagh vuelve a nuestras carteleras con ‘Almas en pena de Inisherin’ tras lograr ser la cinta más nominada a los Globos de Oro (ocho candidaturas) desde que obtuviese ese reconocimiento ‘Cold Mountain’ allá por 2003. En la gala del pasado diez de enero se llevó tres galardones, el de Mejor película (comedia o musical), el de Mejor actor de comedia o musical y Mejor Guión. Me falta por ver aún la película de Spielberg pero la verdad es que no le veo objeciones a la decisión de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que es quien dicta el resultado.

El director de ‘Tres anuncios en las afueras’ se aleja una vez más del ruido de las grandes ciudades para trasladar sus inquietudes en una pequeña localización rural. Con eso ya nos muestra cuánto quiere reducir a lo básico sus argumentos. En esta película que tiene bastantes tintes de parábola bíblica nos presenta Inisherin, un lugar ficticio de las Islas de Arán con una belleza pasmosa. Ahí nos movemos entre casi tres únicas localizaciones, dos casas y un pub. Descubrimos entonces la historia de dos amigos que ven su rutina trastocada por la decisión de uno de ellos.

‘Almas en pena de Inisherin’ se fundamenta en elementos y conceptos primordiales. La palabra sencillez brota entre cada brizna de la verde hierba irlandesa que vemos en pantalla. Esta es la historia de unos pueblerinos ajenos hasta el momento de empezar el filme a cualquier debate sobre la condición humana. El guión y las interpretaciones consiguen que nos pongamos en el papel de los dos protagonistas. Por un lado está un altamente creíble Colin Farrell, quien encarna a una persona que vive feliz llevando una vida de lo más humilde y elemental. En contrapartida está su amigo, quien interpretado por Brendan Gleeson ha tenido un ataque de existencialismo y de repente se ve asaltado por inquietudes o temores vitales que su amigo ni se plantea ni atisba a comprender. Desde la austeridad y la parquedad de sus dos personajes se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo.

Al margen de ese conflicto entre quienes buscan vivir una vida sencilla y quienes ansían dejar una huella indeleble en la historia humana hay un relato aún más simple. La parte que concierne a Farrell nos habla de una pérdida de la alegría, de la violación de una inocencia cultivada durante toda una vida, de un optimismo fruto del aislamiento del resto del mundo. Es un choque de bruces contra la realidad que rompe una envidiosa felicidad.

Fijaos bien en la fotografía de Ben Davis. El autor de las imágenes de ‘Cry Macho’ o de muchos títulos marvelitas ha procurado que el paisaje nos transmita espontaneidad y una rutina de lo más campechana, pero a la vez resultar apabullantemente embriagadora. Merece la misma atención el ritmo que nos brinda el montaje, que no es precisamente ágil pero que extrañamente se hace fugaz. Ha sido obra del ganador del Oscar por ‘Sound of metal’ Mikkel E.G. Nielsen que ha sustituido al editor habitual del director, Jon Gregory, a quien va dedicada la película.

El reparto está compuesto por otros muchos irlandeses pero por supuesto son Colin Farrell y Brendan Gleeson quienes lo encabezan, coincidiendo una vez más con el director pues protagonizaron también en ‘In Bruges (Escondidos en Brujas)’. La negrura de aquel filme está también presente en ‘Almas en pena de Inisherin’ pues esta reyerta entre amigos que se torna como una alegoría de esas Guerras Civiles que al final nunca se sabe realmente por qué han comenzado, que tienen algunas treguas en las pequeñas cosas en común y que cada vez se tornan más esperpénticas sin más remedio que la muerte mutua de ambos bandos, sin ganador alguno.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de febrero de 2023. Título original: The Banshees of Inisherin. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Martin McDonagh. Guion: Martin McDonagh. Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan, Pat Shortt, David Pearse, Gary Lydon, Jon Kenny. Producción: Blueprint Pictures, Film 4, Fox Searchlight, Metropolitan Films International. Distribución: Fox Searchlight. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.searchlightpictures.com/the-banshees-of-inisherin/

Crítica: ‘Agencia Lockwood’

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Divertida y misteriosa versión de cazafantasmas distópico-adolescente

La serie de Netflix ‘Agencia Lockwood’ está basada en las novelas de Jonathan Stroud. El título original de esta serie británica de ocho episodios es ‘Lockwood & Co.’ y ha sido orquestada por William McGregor, Catherine Morshead y Joe Cornish. Podréis verla a partir de este viernes 27 de enero.

‘Agencia Lockwood’ trata a cerca de unos adolescentes que trabajan para su propia agencia independiente, la cual, de dedica a cazar “visitantes”. Cada uno tiene un poder y viven en una realidad en la que la presencia hostil de los fantasmas está normalizada. Este es un mundo trastocado por un brote de fantasmas llamado “el problema”, de origen desconocido y cuyo toque es mortal. En él los más jóvenes son usados como cazafantasmas desde muy temprana edad, con fines laborales, económicos o de seguridad. En concreto, los tres protagonistas intentan ganarse la vida por su cuenta, almacenando como los Warren en su sótano a los entes que capturan.

Sinceramente, no sé qué tal es la serie como adaptación. Pero los jóvenes protagonistas actúan bien y por lo menos tienen un alto parecido a los que aparecen en las portadas. Son una sensitiva que oye a los espectros, un líder con capacidades visuales que podría ser un joven Constantine y su amigo investigador que también es capaz de percibir las malas vibraciones. ‘Agencia Lockwood’ tiene la virtud de esgrimir sus propias normas en torno al mundo de los muertos que permanecen atados a nuestro plano. Construye una trama de intriga sostenida por unas reglas fantásticas bien sostenidas. Se destaca además por el carácter descarado y desvergonzado, además de algo adulto, de sus pequeños protagonistas y por centrar toda la acción en sentidos como tacto, vista y oído.

Tiene encanto ya que huye de la frialdad de las nuevas tecnologías y tira del encanto del VHS, de los artilugios mecánicos, de unos personajes que por un lado son arquetípicos y por otro diferenciados de otras narraciones adolescentes. Son jóvenes prodigios que pese a su talento fracasan y hacen uso de un carácter adulto y sarcástico. En parte puede recordar a la personalidad de los Jóvenes Titanes.

Aventura y misterio. Hay intriga por el origen de los ectoplasmas agresivos, suspense por la seguridad de los protagonistas, curiosidad por ver cómo será el siguiente monstruo… En realidad no es una serie de tantas que resuelven un caso en cada episodio. Si buscas aventuras episódicas esta no es tu serie. Hay un hilo que ir siguiendo y la diferencia además es que aquí los elementos son paranormales. Te gustará si te agradan series como ‘Locke & Key’, ‘Pesadillas’ o ‘The Umbrella Academy’.

Crítica: ‘Slash/Back’ (Cazadora de aliens)

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El soñoliento pueblo de Pangnirtung se despierta con un típico día de verano. Sin escuela, sin chicos guays (bueno… excepto uno), y con 24 horas de luz solar. Pero para Maika y sus amigos, el verano de siempre no es lo mismo cuando descubren que una invasión alienígena amenaza su pueblo natal. Estas adolescentes han sido subestimadas durante toda su vida, pero, utilizando armas improvisadas y sus conocimientos de las películas de terror, demuestran a los alienígenas que no hay que joder a las chicas de Pang.

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Crítica

Mezcla canadiense y descafeinada de ‘Attack the block’ y ‘La cosa’

Aquellos que hayan visto películas como ‘Attack the block’ o precedentes similares no van a descubrir nada nuevo en este filme. En ‘Slash/Back’ unas chicas se topan con una criatura sin saber que no es algo de este mundo y terminan teniendo que enfrentarse a ella sin ayuda de los adultos. Todo transcurre en el círculo ártico, rodeados de la nada y perseguidos por monstruos deformes, como en ‘La cosa’. Pero este primer largometraje de Nyla Innuksuk no tiene ni la gracia de la primera a la que os he hecho referencia, ni el terror de la segunda. Le falta gancho, crudeza y tener un poco más definido a qué publico va dirigida, quizá intenta llegar a un abanico de espectadores tan amplio que se queda en tierra de nadie.

Entre cosas de adolescentes y pequeñísimas apariciones de ese monstruo la película empieza bien. Promete pues nos da sangre desde el principio y nos aporta algo sobre la filiación de los personajes. Lástima que después se pierde con las actuaciones y con lo torpe que es su acción. Incluso al final intenta en vano también desarrollar un discurso sobre la identidad.

Personas muy jóvenes enfrentando lo fantástico. Se os puede venir a la cabeza la omnipresente ‘Starnger Things’ pero quizá el símil reciente más parecido sea ‘Prey’, de hecho, en los créditos hacen algo similar usando caracteres que posteriormente cambian a nuestro alfabeto. La sangre y el adoctrinamiento de la caza está mucho más presente. Además todo transcurre durante el día pues en esas latitudes sabemos que los días duran muchísimo más.

La directora ha trabajado en cortos y en producciones de realidad virtual. En el plano técnico la fotografía de ‘Slash/Back’ es magnífica y los efectos especiales también. Si hay algo que gusta de este filme son las criaturas, aproximadas al Ijirak, una especie de hombre del saco o krampus para los inuit. Por lo general a aquellos que la vieron conmigo en Sitges les gustó más que a mí. Yo no he llegado a sintonizar ni con el guión ni con la psique de las protagonistas, que me parece que está vagamente trabajada.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Slash/Back. Duración: 86 min. País: Canadá. Dirección: Nyla Innuksuk. Guion: Ryan Cavan, Nyla Innuksuk. Música: Michael Brook. Fotografía: Guy Godfree. Reparto principal: Tasiana Shirley, Alexis Wolfe, Nalajoss Ellsworth, Chelsea Prusky, Melissa Hood, Kristian Bruun, Shaun Benson, Natar Ungalaaq, Amelie Albert-LeBlanc. Producción: Good Question Media, Mixtape VR, Red Marrow Media, Scythia Films, Stellar Citizens. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: terror, aventuras. Web oficial: https://slashback.official.film/

Crítica: ‘Tár’

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El guionista, director y productor Todd Field firma ‘Tár, protagonizada por Cate Blanchett en el papel de la innovadora directora de una de las orquestas más importantes de Alemania. Conocemos a Tár en la cúspide de su carrera, a punto de publicar un libro y de dirigir la Quinta Sinfonía de Mahler. Sin embargo, de un modo totalmente inesperado, su vida empieza a desmoronarse en las siguientes semanas. El resultado es un mordaz examen del poder, de su impacto y de su perdurabilidad en el mundo de hoy.

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Crítica

El abuso de poder castigado mientras vemos el declive de una gran artista

Todd Field dirige y también escribe esta magnífica película que nos lleva al mundo de la música clásica y las orquestas. Esas orquestas capitaneadas la mayoría por hombres y que poco a poco van dando paso a mujeres directoras. Este es el caso de Lidia Tár, una directora de orquesta con un éxito tremendo en todo el mundo. Una mujer llena de poder que lo usa a su gusto y le da absolutamente igual a quien tenga que pisar o destrozar para conseguir lo que quiere.

La dirección de la película es tremenda, tenemos planos secuencia que son brutales, unidos a los diálogos con los que Todd Field nos va a adentrar en más de un debate al salir de la película. Porque ‘Tár’ tiene muchos temas que van a dar que hablar y la verdad que la película los trata muy bien.

‘Tár’ tiene imágenes preciosas, llenas de fuerza y con unos planos complicadísimos que nos muestran la locura de esta mujer por su profesión. Todo ello es gracias a la fotografía de Florian Hoffmeister, el cual ya le hemos visto en películas como ‘Antlers: Criatura oscura’ o en alguno de los episodios de ‘The Terror’.

Todo esto unido a una actuación impecable de Cate Blanchett, nos da una película casi redonda que sin duda apunta fuerte para los Oscar, pues la actriz ya ha conseguido este año el Globo de Oro. Vamos viendo como una mujer altiva, segura de si misma y muy resolutiva se va diluyendo. La manera de encorvar su cuerpo, su mirada triste y desolada nos va mostrando una evolución hacia la caída de esta mujer al olvido. Su personaje está muy bien construido, una mujer que parece tan dura y que se jacta de ser mujer en un mundo de hombres, a la vez es una persona que siempre imita la manera de vestir de sus compañeros o de posar para las entrevistas.

Pero junto a ella tenemos un tremendo reparto secundario, Noémie Merlant, Mark Strong, Nina Hoss, Sophie Kauer o Allan Corduner o Julian Glover plantan cara y también adoran a nuestra protagonista.

Por supuesto otro punto grande es la banda sonora y el sonido de la película, sobre todo el sonido, pues cuando escuchamos la orquesta nos mete de lleno en la sala. De repente sube tanto el volumen que parece que estemos en el mismo lugar que la orquesta y estemos viviendo ese momento con ellos.

En la película vemos un pequeño dardo a Placido Domingo, algo insignificante, pero que cuando ves la película no paras de recordar el caso del cantante. Al final el tema principal de la película es el abuso del poder

Aunque como podéis ver la película me ha gustado mucho, he de decir, como me pasa últimamente con muchas de las cintas que nos llegan a las salas, es que le sobran minutos. Aunque es interesante y los diálogos sean tremendos, hay una parte de la película en la que pierdes un poco el interés pues ya deja de sorprender. Es la única pega que le pongo a ‘Tar’ por lo demás es perfecta.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de enero de 2023. Título original: TÁR. Duración: 158 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Field. Guion: Todd Field. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Florian Hoffmeister. Reparto principal: Cate Blanchett, Nina Hoss, Mark Strong, Noémie Merlant, Sam Douglas, Sydney Lemmon, Murali Perumal, Diana Birenyte, Vivian Full, Amanda Blake. Producción: Focus Features, Standard Film Company, EMJAG Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, música. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/tar/

Crítica: ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’

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En qué plataforma ver Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro

Desdibuja el horror y las viñetas de Junji Ito

Una de las series más esperadas por los lectores de cómics y manga era este título que acaba de estrenar Netflix el pasado 19 de junio. ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ adapta una vez más al formato serie las historias del mangaka Junji Ito, conocido por sus cuentos de terror. Y digo una vez más porque allá por 2018 ya se estrenaron unas OVA’s que se llamaron ‘Junji Ito Collection (Korekushon)’.

A través del director Shinobu Tagashira (artífice de la anterior serie) y los guiones adaptados de Kaoru Sawada (‘Kita e…: Diamond Dust Drops’) Netflix nos presenta estas historias del autor que han sido animadas por Studio DEEN. Los mangas ya publicados de Ito se convierten en entretenimiento animado del cual se agradece el estilo que diría que es casi noventero. Pero por desgracia la inclusión del color y de algunos elementos en 3D le quitan muchísimo encanto a las narraciones.

Ha sido lanzada de manera completa con 12 episodios, la mayoría de los cuales están divididos en dos capítulos distintos. ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ es ideal para un entretenimiento corto, breve o para ver durante algún desplazamiento, pero la idea se supone que es meterse en casa a oscuras a ver estas historias. No la veo ideal si eres muy fan del autor porque no han conseguido el mismo efecto en el espectador que en el lector. Vale que al leer un cómic o manga, sobre todo si este es de terror, importa mucho tu estado anímico, tu imaginación, el ambiente en el que te encuentres o lo aprensivo que seas. Se supone que una serie o una película tiene que allanar mucho el terreno en ese sentido al poder atacarnos también a través del sonido y el movimiento. En este caso, por lo menos en la mayoría de episodios, no se logra ese efecto que tan famoso ha hecho a Junji Ito entre los lectores.

Están sus personajes tétricos y lo que nos cuenta sigue siendo macabro, desconcertante, misterioso, paranormal, juguetón con lo desconocido y casi siempre y literalmente retorcidamente desagradable. Pero ya el opening, al son de una especie de J-pop, nos adelanta lo perdida que va la serie. Hay demasiado color y los personajes o su animación a veces resultan pueriles, amateur e incluso ridículos. La mayoría de episodios pecan de ser sobreexplicativos y sus diálogos entorpecen la trama, por no decir que eliminan cualquier tipo de atmósfera tétrica conseguida. Las voces en castellano tampoco ayudan, por si la vais a ver doblada.

Sin duda ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ habría sido una adaptación más satisfactoria si se hubiese mantenido el blanco y negro o si sus historias estuviesen mejor resueltas (cosa que puede que sea un problema heredado de las viñetas). A veces es muy difícil cerrar una historia y en este caso casi ninguna está finalizada y mucho menos explicada. Esto a veces sirve para imbuirnos aún más misterio o dejarnos más desconcertados, pero otras directamente nos dejan con una sensación de insuficiencia.

Para mi Junji Ito es un artista que visualmente me impacta y cautiva. Es como si Alan Poe hubiese nacido también con las dotes del dibujo. Sus novelas y narraciones breves a veces también son extraordinarias. Prueba de ello son sus famosas ‘Uzumaki y ‘Tomie’ (la cual tiene hasta ocho live actions). En este caso nos pasa como con el gabinete de Guillermo del Toro, que unos episodios nos gustan pero otros no. Lo malo es que tenemos una obra original con la que comparar que le hace un flaco favor a este nuevo material. Ojalá sirva para que os lancéis a sus viñetas.

Crítica: ‘Jung_E’

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En este apasionante thriller de ciencia ficción, un catastrófico cambio climático ha devastado la Tierra y los humanos han huido a refugios espaciales. Allí se libra una guerra y, para ponerle fin, un equipo ha clonado el cerebro de la mítica mercenaria Yun Jung-yi para crear la IA de combate definitiva.

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Crítica

Song-ho Yeon se monta su propio Ghost in the shell

Sang-ho Yeon (‘Train to Busan’, ‘Rumbo al infierno’) vuelve con un nuevo largometraje en el que una vez más intenta entretenernos y ya de paso criticar la condición humana. En esta ocasión se aleja de los monstruos para adentrarse en el metal de los robots de la ciencia ficción. En ‘Jung_E’ nos lleva a un mundo en el que la humanidad vive en el espacio, fuera de un planeta Tierra inundado por el cambio climático. Pero nuestro siempre presente belicismo provoca una guerra entre las colonias que pueblan las distintas estaciones espaciales. Es por eso que en un intento desesperado uno de los bandos intenta replicar a su mejor mercenaria copiando su mente y trasladándola al cuerpo de un androide.

El aprendizaje de las máquinas siempre depende de unas primeras instrucciones humanas acompañadas de posteriores correcciones dadas al programa. Para los detractores de las IA’s que tantas imágenes están generando hoy en día, saber que previamente se le han enseñado miles de imágenes y luego viene la generación genuina de nuevo material. La fuente de conocimiento del androide que se pretende crear en ‘Jung_E’ es la conciencia y recuerdos de una letal soldado. Pero hay algo que falla y no se consigue un producto satisfactorio para la corporación que ha iniciado el proyecto. La película tiene una pizca de acción pero se centra en el debate y proceso de creación de este nuevo ser. Y es que para Yeon somos criaturas de naturaleza vil, cuya historia demuestra que nuestra maquinaria de guerra acaba sirviendo a productos que usamos luego en nuestro día a día.

El tema de las IAs no es nuevo pero si está cada vez más de moda. ‘Jung_E’ funciona en algunos momentos en los que toca lo ético de este tipo de tecnologías. A pesar de que lo más atractivo son sus imágenes no es una película que se fundamente en los tiros o las peleas. Es un entretenimiento que busca ser más emocional y dramático. Se siente como tantas otras narraciones asiáticas de género fantástico. Tiene un argumento muy distópico, acción épico-heróica y pese a ello está plagada de tontorronerías e incluso diría que de momentos naif. Busca cierta complejidad existencialista y sentimental pero le pierde su humor infantiloide. Pese a ello como decía tiene visualmente también sus virtudes y aunque los efectos especiales son mejorables la calidad es superior a la de ‘Rumbo al infierno’. Me ha gustado mucho el diseño de robots y androides, pero sobre todo de la fábrica en la que se crean.

La trama se evidencia como un popurrí de otras muchas películas tanto clásicas como recientes, algo mucho menos original de lo que nos tiene acostumbrados el director coreano. A la cabeza se nos pueden venir películas como ‘Ex machina’, ‘Alita: Ángel de combate’, ‘Morgan’, ‘Archive’, ‘Altered Carbon’, ‘Elysium’, ‘Yo, Robot’ e incluso por unos robots que aparecen recuerda a ‘Chappie’ y por un examen de ética al que se someten rememoramos el test de Voight Kampff de ‘Blade Rubner’. Ahí os dejo una buena lista. Pero sobre todo es una especie de ‘Ghost in the shell’ en el que Sang-ho Yeon incorpora unos robots que se mueven como los tachikoma, dispone una sala de montaje como la que vio nacer a Motoko Kusanagi y las ciudades están provistas de luz, oscuridad y lluvia.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Jung_E. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Yeon Sang-ho. Guion: Yeon Sang-ho. Reparto principal: Kim Hyun-joo, Kang Soo-youn, Ryu Kyung-Soo. Producción: Climax Studio. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘La leyenda de Vox Machina’ T2

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Dan ganas de volver a sumergirse en otro mundo con el D20

Si os gusta jugar al rol, si os gusta la fantasía medieval, si os gusta la animación para adultos, no os gustan los episodios de una hora o si simplemente os gusta el contenido diferenciado de lo común o lo políticamente correcto, vais a encontrar en ‘La leyenda de Vox Machina’ una serie a la que engancharos. Y más sabiendo que a partir del 20 de enero se lanza su segunda temporada en Prime Video con 12 nuevos episodios de media hora cada uno.

Amazon Prime Video engrosó con esta serie su línea de productos abiertamente violentos, malhablados, fantasiosos y dedicados a un público cuya edad va de la adolescencia en adelante, como ‘The Boys’, ‘Invincible’… ‘La leyenda de Vox Machina’ trata a cerca de unos aventureros reunidos bajo el nombre de Vox Machina, una compañía heterogénea de personajes que busca el oro y la gloria en un mundo medieval. De hecho, todo parte del imaginario de Dungeons & Dragons (por ahí veréis la forma del D20), pero por tema de derechos se evita mencionar el juego o sus licencias.

Si habéis leído los libros de ‘Dragonlance’ sabréis que Weis y Hickman los escribieron a partir de sus partidas de rol. Pues esto es lo mismo. Critical Role (Sung Jin Ahn, Alicia Chan, Young Heller, Pang Yu-Won, Stanley Von Medvey, Brandon Auman y Eugene Son) son unos streamers que emiten en directo desde 2015 mientras juegan con sus elfos, halflings, goliaths… Sus aventuras se han convertido en serie animada gracias a un Kickstarter y ello es en parte impulsado a que además estos jugadores son actores de doblaje (de ahí el nombre del grupo).

Todos los roleros hemos participado en partidas en las que nos hemos sumergido en todo tipo de locuras disparatadas o nos hemos flipado con la acción que permitían las características de nuestras fichas. Saquear la guarida de un dragón equipados de una ruidosa armadura, insultar a palabrotas a los fornidos guardias de un castillo, convertirnos en todo tipo de animales para hacer cosas surrealistas, retroalimentar con nuestra sangre a nuestra propia espada vampírica, usado mascotas mágicas como Guenhwyvar, sacar muchos críticos y pifias… Eso es lo que se ve reflejado en esta divertida serie. Es un entretenimiento distendido, juvenil y épico. Dan ganas de comprar unas cervezas y juntarse de nuevo con los amigos para iniciar una nueva campaña. Quizá no tengan los derechos de Wizards of the Coast pero desde luego le hacen una publicidad impagable.

Chris Prynoski, quien ha estado involucrado en ‘Big Mouth’, ‘Star Trek: Lower Decks’ o ‘Metalocalypse’, es el responsable de esta serie. ‘La leyenda de Vox Machina’ tiene una animación y un cambio de escenarios que puede recordarnos (con tono adulto) al de ‘Avatar: the last airbender’. Es una especie de anime norteamericano en cuya segunda temporada (o módulo hablando en términos roleros) arrancan por todo lo alto con The Chroma Conclave y un diseño de dragones magnífico. El humor y la aventura son la nota predominante y lo único que tengo que reprocharle a la historia es el guión tan predecible que tiene. Se nota que es una serie de partidas en las que tienen que mantener a los partícipes y eso forzosamente los mantiene con vida. Otra cosa que la hace predecible es el ver que todos y cada uno de ellos van recibiendo una mejora (arma, magia, poder…) en cada episodio. Tienen un master demasiado concesivo. Al menos cada capítulo está dedicado a contarnos algo sobre el pasado de los protagonistas y eso da riqueza tanto a su trasfondo como al universo en el que nos sumergen. Me quedo esperando la tercera temporada con las travesuras y aventuras de Vax, Vex, Grog, Keyleth, Pike, Percy y Scanlan pues esta segunda se queda muy pendiente de resolución. También aguardo la versión animada de ‘Cazafantasmas’ de Prynoski.

Crítica: ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’

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El documental dramatiza la biografía de María Lejárraga, dramaturga cuya producción vio la luz bajo el nombre de su marido, el empresario teatral Gregorio Martínez Sierra. La autora de obras como Canción de cuna, llevada al cine en cinco ocasiones, o del libreto de El amor brujo, de Falla, fue además diputada por la segunda República y fundadora de proyectos pioneros para los derechos y las libertades de la mujer.

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Crítica

Toda una mezcla de Mary Shelley y Virginia Woolf a la española

Siempre hay referentes que han construido los cimientos de lo que es nuestro panorama actual. Por desgracia muchos de ellos caen en el olvido o son borrados por corrientes o coyunturas perniciosas para el progreso. Ese es el caso de María Lejárraga y de tantas otras mujeres que aparecen en los créditos finales de ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’. Un documental de Laura Hojman que ya se puede ver en Filmin y que figura entre los candidatos al Goya.

Seguro que os suena ‘Canción de cuna’, aunque sea por las cinco veces que ha sido llevada al cine. O ‘El amor brujo’ de Falla, cuyo libreto escribió ella. E incluso ‘La Dama y el Vagabundo’, cuyo guión se dice que fue plagiado por Disney al inspirarse en la obra ‘Merlín y Viviana’ que el mismo estudio rechazó pocos años antes. Tal vez este último hecho sea el que más llame la atención, pero creedme que es lo mínimo a destacar de este revelador documental.

El nombre de María Lejárraga aparece muy poco en las estanterías de las bibliotecas. Por situaciones familiares y dado el encorsetamiento de la mujer que imperaba en la época, la propia autora llegó a renunciar a ver de nuevo su nombre en una portada de un libro. Llegó a un acuerdo con su marido con el que se encontraba cómoda. Eso le produjo grandes satisfacciones, pero también varias desgracias. No obstante no me corresponde a mí contaros la historia de esta prolífica mujer, sino al muy bien documentado largometraje de Hojman. El hecho de que ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’ ponga en relevancia que la escritora vivió bajo la marca “Gregorio Martínez Sierra” no hace más que ser un ejemplo de como todo un género ha sido ninguneado durante la historia humana.

Pero el papel social de esta autora va mucho más allá de las novelas o las obras teatrales. Fue Diputada en la Segunda República y una gran activista por los derechos de las mujeres. El documental coge ese testigo y reivindica aquellos que muchos aún se niegan a ver. A través de lecturas de sus textos, de las cartas que mantenía con su esposo o de las reflexiones de distintas personalidades actuales que intervienen en el documental, se hace un retrato de alguien que a día de hoy sería influencer o que si no hubiese visto su vida sesgada por la guerra o la muerte de su marido se habría convertido en uno de los personajes más destacables de nuestra literatura o historia política.

No es de extrañar que Laura Hojman, quien preside la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AAMMA), haya querido hacernos el favor de esculpir la figura de esta gran mujer. Se agradece enormemente que esta información no se quede en la columna de algún libro de historia o en el rincón de algún museo y llegue hasta nuestras casas para servir de maravilloso ejemplo y referente para todos. Pero también que el guion del documental procure extrapolar su historia a la de la España de hace tan solo cien años en el pasado, época en el que parecía que íbamos a alcanzar esa modernidad que tanto nos está costando conseguir aún hoy en día.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2023. Título original: A las mujeres de España. María Lejárraga. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Laura Hojman. Guion: Laura Hojman. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Beatriz Hohenleiter, Adonis Macías Reina. Reparto principal: Cristina Domínguez, Kiti Mánver, Manuela Carmena, Rosa Montero, Antonina Rodrigo, Vanessa Montfort, Juan Aguilera, Isabel Lizarraga, Remedios Zafra. Producción: Canal Sur Radio y Televisión, Fundación SGAE, Instituto de Crédito Oficial, RTVE, Summer Films. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial: ver en Filmin.

Crítica: ‘Una herencia de muerte’

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Sinopsis

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Macey (Toni Collette) y Savanna (Anna Faris) andan justas de recursos, pero sobradas de voluntad. A estas dos hermanas, que a duras penas consiguen sacar adelante su destartalada cafetería, se les ocurre una idea para salir de pobres: ganarse a su pudiente tía Hilda (Kathleen Turner), que padece una enfermedad terminal, y pegar el pelotazo. Sería el plan perfecto si Macey y Savanna no fueran las únicas de la familia con ganas de convertirse en herederas de esta matriarca controladora y cascarrabias.

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Crítica

Un guión que no está a la altura de la clase pretendida

La expectativa con la que había entrado a ver ‘Una herencia de muerte’ era medianamente alta. La película está dirigida por Dean Craig, a quien quizás no conozcáis pues realmente solo ha estrenado ‘Amor. Boda. Azar.’ estando él tras la cámara. Pero seguro que os suena más si os digo que es el guionista de las dos versiones de ‘Un funeral de muerte’, ‘Moonwalkers’ o ‘Una boda de muerte’. Sobre todo era el primer título el que me atraía pues tanto en su versión británica como en el remake me habían hecho reír. Además el reparto de este filme es altamente atractivo, entonces ¿por qué mi sensación ha sido de decepción?

Repasemos quién aparece en la película. Destacan Toni Collette (‘Hereditary’) y Anna Faris (‘Scary Movie’) como protagonistas y por su talento aunque Collette sea más conocida por papeles dramáticos. Kathleen Turner (‘Tras el corazón verde’), Ron Livingston (‘Boardwalk Empire’, Rosemarie Dewitt (‘The staircase’), Patricia French (‘Dos tontos todavía más tontos’) y Keyla Monterroso Mejia (‘Colegio Abbot’) les acompañan en el cartel. Pero, y aquí viene el personaje en el que más se manifiesta el fallo de la película, también está David Duchovny. No tengo nada en contra del actor, al contrario, soy ferviente fan de sus personajes de ‘Expediente X’ o ‘Evolution’, pero se muestra en ‘Una herencia de muerte’ como la versión más pobre de su papel en ‘Californication’.

Con pobre me refiero a que no goza de ninguna clase de ingenio, agudeza, sutileza u originalidad. Hay que reconocer que ‘Una herencia de muerte’ nos arranca más de una carcajada ya que consigue ser mordaz, pero esto sucede puntualmente. Por desgracia la lucidez en el guión y la acidez en el humor que vimos en las películas anteriormente escritas por Craig brilla por su ausencia a favor del humor verde y grosero. El sexo, los insultos o lo escatológico se hacen con el poder del libreto.

El esquema era el de anteriores ocasiones. Reunir a todos los personajes en una misma casa y enredarles a través de sus distintas motivaciones. Además el eje de nuevo es la familia y sus reyertas amontonadas durante años. La codicia y la desesperación son las dos partes más importantes que a priori estimulan a los protagonistas. En ese sentido se mete en la misma dinámica que películas como ‘Ratas a la carrera’, pero ojalá hubiese sido tan ágil como la película de Jerry Zucker.

El argumento nos auguraba una comedia que giraría en torno a la mezquindad humana. Pero ‘Una herencia de muerte’ es víctima de su propio chiste, no hay ensayo ni estudio ninguno y acaba intentando sonsacarnos la risa fácil con momentos chabacanos, algo excesivamente parco en inteligencia. Irónicamente no hereda la buena dinámica conseguida por el escritor en previos estrenos. Y eso que el filme está acompañado no solo por un buen reparto, también por una buena banda sonora repleta de soul y rhythm and blues. El texto no está a la altura de la clase pretendida.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: The Estate. Duración: 91 min. País: Reino Unido. Dirección: Dean Craig. Guion: Dean Craig. Música: Will Bates. Fotografía: Darin Moran. Reparto principal: Toni Collette, Anna Faris, David Duchovny, Kathleen Turner, Ron Livingston, Rosemarie Dewitt, Patricia French, Keyla Monterroso Mejia. Producción: Signature Films, Capstone Group, Pretty Matches Productions, Thruline Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: https://www.theestatemovie.com/

Crítica: ‘Detective Knight: redención’

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Sinopsis

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Bajo custodia en una cárcel de Nueva York, el detective James Knight se encuentra en medio de una fuga dirigida por The Christmas Bomber, un fanático cuyos discípulos de Santa Claus están aterrorizando a la ciudad. Con la prometida devolución de su placa a cambio de acabar con los terroristas, el detective Knight repartirá misericordia a los justos… y justicia despiadada para todos los demás.

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Crítica

Mejora ligeramente pero sigue siendo un loable y tristemente fracasado intento

Volvemos con Detective Knight (Detective Caballero), menos mal que en España han mantenido el nombre y no se ha hecho una de esas horribles traducciones. ‘Detective Knight: redención’ es la segunda parte de la última trilogía de Bruce Willis. La primera era una película protagonizada por el mítico actor en la que casi ni aparecía. Por lo menos en esta meten a los villanos en el cartel, que son quienes realmente llevan el peso del filme. Me gustaría creer que estos largometrajes de Edward Drake han servido para engrosar las arcas de la estrella y enfrentarse a los gastos médicos derivados de su afasia, pero sinceramente, viendo el resultado les habría salido mejor un crowdfunding. Loable pero tristemente fracasado intento.

Esta película está una pizca más interesante y al menos está mejor gestionado el hecho de que Willis tenga problemas para hablar haciendo que su personaje tire más de más juegos de miradas, parezca que tiene una especie de depresión, se lleve mal con todos los que le rodean… Su afasia se ha tornado en una especie de acogida a la quinta enmienda durante ‘Detective Knight: redención’. Hay que reconocer que La primera secuencia ya es mejor que casi toda la primera entrega y aún así no es buena. No hay ritmo y se perciben varios fallos de guón, sino hubiese variedad de planos diría que está a la altura de un serial televisivo de bajo presupuesto. La iluminación en interiores, los discursos, prefabricados, la música de base de datos… es un producto muy pobre, pero bueno, si mejora en la tercera a lo mejor estaremos hablando de algo potable.

Con ‘Detective Knight: redención’ se apuntan a la Navidad y al género carcelario manteniendo el de atracos como principal eje. Nos presentan a unos villanos que bien podrían haber surgido de un cómic de Batman. Van enmascarados de manera grotesca, por su mente pasa toda clase de parafernalias lunáticas y sueltan un discurso caótico, sociópata y antisistema. De nuevo volvemos a tener la evidente influencia de ‘Le llamaban Bodhi’ pero de nuevo se pierde por su repetitividad y por su cansino y poco carismático discurso.

Es duro ver como Willis encabeza el cartel y ni tiene presencia, ni puede pronunciar sus famosas frases lapidarias. Aguantaré a la entrega de cierre igual que he aguantado a la escena post-créditos aunque sea por afán completista y por ver actuar a Jack Kilmer, hijo de Val Kilmer.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Detective Knight: Redemption. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Paul Johansson, Lochlyn Munro, Miranda Edwards, Jimmy Jean-Louis, Mitchell Baker, Corey Large. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial: https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-redemption

Crítica: ‘Babylon’

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Sinopsis

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Del oscarizado director, Damien Chazelle, ‘Babylon’ es una historia épica original ambientada en Los Angeles durante los años 20, protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie y Diego Calva, junto a un reparto coral donde destacan Jovan Adepo, Li Jun Li y Jean Smart. Una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.

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Crítica

Una oda al cine y a la depravación del ser humano

‘Babylon’ es la nueva película de Damien Chazelle, que pese a su juventud (37 años) y su corto currículum ha mostrado talento y más luces que sombras en sus anteriores trabajos. ‘Whiplash’ y ‘La La Land’ son claro exponente de lo que puede hacer; ‘First man’ como lo que no debe hacer (en opinión de éste que escribe). Con ‘Babylon’ tengo sentimientos encontrados. ¿Luces o sombras? A ver si trato de explicarlo.

Nada más empiezo a verla, ‘Babylon’ se muestra como una comedia vertiginosa que te lleva a una parte (la de las fiestas y los rodajes, aunque sobre todo las fiestas) del Hollywood de los años 20, en los comienzos del cine (todavía mudo) como industria de entretenimiento. Debo confesar que me quedo hechizado por la cascada de imágenes y planos secuencia con los que Chazelle nos deleita (luego doy más detalles) demostrando su brillantez moviendo la cámara. Posteriormente, ‘Babylon’ cambia de ritmo y se convierte en una historia que pierde esa fuerza y ritmo en favor de un drama en ascenso o dicho de alguna otra forma: al principio es una montaña rusa visual de depravación, en tono de comedia loca con sorprendentes o inesperados toques bizarros por un lado, seguida de un profundo drama contenido por el otro. A mí no me llega a tocar el alma aunque me produce cierto sentimiento pero… será por eso que me acaba sabiendo a poco o quizá con el deseo de haber visto lo mismo pero contado de otra manera. Como os decía, son sentimientos encontrados los que me termina produciendo este filme, que para nada es olvidable. La confirmada brillantez detrás de la cámara de Chazelle no puede ocultar del todo que el ritmo de la película decaiga por momentos, aunque mantenga nuestro interés. Quizá tenga el sentimiento de que ‘Babylon’ carezca de armonía y Chazelle no encuentre el modo de hilar fino y darle fuerza a todas las partes por igual.

Esta película nos cuenta esa historia de fiestas y rodajes de la creciente y cambiante industria del celuloide a través de varios personajes a lo largo de esos años. Esa historia, la de cada personaje, es la historia que importa porque tiene mucho valor dramático, y es la que percibo como la gran perjudicada del tono de ‘Babylon’. No termina de imponerse como debería.

El elenco brilla con luz propia, Brad Pitt da la talla de sobra (aunque no es su mejor papel) con un personaje que para mí es el que tiene más carga irónica de todos. Prefiero no contaros su trama para no hacer spoiler. Quedaros con que era una estrella del cine mudo que promovía ideas para reinventar el cine.

Margot Robbie en mi opinión es carne de premios con su interpretación de una incipiente actriz que no puede huir de sí misma. Está fantástica, disfruto cada fotograma de ella. Creo que la amo así que podéis no hacerme caso hasta que lo comprobéis por vosotros mismos.

Diego Calva es para mí, la cara desconocida y la revelación de esta cinta. Un muy buen trabajo interpretativo y el alma de la peli.

Los secundarios, con historias más pequeñas, cumplen con solvencia su cometido y ayudan a darle más sentido al conjunto. Buen casting.

Mención aparte merece el “pseudocameo” de Tobey Maguire. No sé si sobraba en la peli, pero ya que está, os invito a que lo disfrutéis.

En términos de diseño de producción, debo aplaudir el trabajo realizado. La ambientación, los decorados, todo te traslada a la época.

La radiografía que hace de la sociedad hollywoodiense a finales de los años 20 y principios de los 30 donde se produce un cambio radical en la industria del cine no sé si es precisa (no estaba en esas fiestas) pero me la puedo creer a pies juntillas. Su director nos ofrece en imágenes una ensalada de extravagancia, depravación, drogas, un retrato del ser humano hedonista, oscuro… los años locos se les denominó. La explosión de la prosperidad y la burbuja especulativa. `Babylon’ es una especie de “El gran Gatsby versión L.A. a lo bestia”.

También es un homenaje al cine de antes y de siempre, como medio de contar historias y entretener, con una curiosa secuencia de imágenes al final de la película que tienen todo el sentido si eres capaz de encontráselo.

No creo que sea una película que guste a todos por igual en su conjunto, pero sí en alguna de sus partes. Es cine, el cine dentro del cine y da gusto verla en pantalla grande. De esas películas que requieren de una “digestión” para asimilar todo lo que acabamos de ver.

Quizás los 188 minutos que dura no sean justificables en este caso, aunque confieso que no se me hace pesada. Si alargar el metraje se usase como excusa para contar mejor la historia, quizás en este caso no haya cumplido ese objetivo.

Yo creo que ‘Babylon’ es una película que derrocha talento técnico e interpretativo y que por alguna razón no siento que llegue a ser redonda pero sí notable, así que no puedo dejar de recomendarla a todo buen cinéfilo de pro.

Lo bueno: Su inicio, su brillantez tanto detrás como delante de la cámara. Puro cine.

Lo menos bueno: Que contando con “Lo bueno” me haya quedado un sabor agridulce al final.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Babylon. Duración: 188 min. País: EE.UU. Dirección: Damien Chazelle. Guion: Damien Chazelle. Música: Justin Hurwitz. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Brad Pitt, Margot Robbie, Diego Calva, Jean Smart, Jovan Adepo, Li Jun Li, P.J. Byrne, Lukas Haas, Olivia Hamilton, Tobey Maguire, Max Minghella, Rory Scovel, Katherine Waterston, Flea, Jeff Garlin, Eric Roberts, Ethan Suplee, Samara Weaving, Olivia Wilde. Producción: Paramount Pictures, C2 Motion Pictures Group, Material Pictures, Organism Pictures, Wild Chickens Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/BabylonMovie/

Crítica: ‘The last of us’

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Una temporada para calcar la primera parte de la saga

El próximo 16 de enero HBO Max estrena el live action de ‘The last of us’ empezando así una nueva emisión semanal que atrapará a muchos. La adaptación del juego desarrollado en su día por Bruce Straley y Neil Druckmann (‘Uncharted’) ha sido llevada al formato televisivo de la mano de Craig Mazin quien sigue con sus historias dramáticas alejándose aún más de sus primeras comedias. Ya nos sorprendió con ‘Chernobyl’ y ahora aliándose con Druckmann nos sumerge exitosamente en una aventura de zombies, traumas personales y supervivencia.

Siempre es difícil transmitir a la audiencia las mismas sensaciones que tiene jugando a un juego a través de una película o serie porque al fin y al cabo el usuario es parte de la historia manejando a los personajes con su mando. Pero ‘The last of us’ pertenece a esa corriente de juegos que ofrecen durante sus partidas una experiencia cinematográfica por la gran cantidad cinemáticas que tiene. Quizá por eso la serie puede funcionar bien y ganarse incluso a los gamers, ya que logra que nos metamos en su dramática historia y revivamos las fases del juego, aunque sin llegar a imbuirnos tanto terror. Seguramente la serie se gane un buen número de adeptos jugones pero no sin antes pasar por el examen de un casting (Pedro Pascal y Bella Ramsey) que no tiene precisamente un parecido físico próximo al de los protagonistas del juego de Naughty Dog.

¿Qué sucede en ‘The last of us’? La acción transcurre en una realidad alternativa veinte años después de arrancar un brote contagioso. El hongo Cordyceps, que a día de hoy solo era parásito en insectos, se pasa a los humanos según esta ficción. Se convierten así en unos zombies que parece que tienen verrugas gigantes y amorfas como las del papiloma humano. Se comportan de manera violenta y simbiótica, comunicándose además como si fuesen una colonia.

Tenemos explicación para este apocalipsis, no como sucedió en el cómic y serie de ‘The walking dead’. Tranquilos, Mazin ha asegurado que no van a alargar tanto la serie. Esta primera temporada de la serie ‘The last of us’ abarca todo el primer juego, incluyendo los caníbales en Silver Lake, las luciérnagas y la última y trascendental conversación entre Ellie y Joel. Aún con todo y con eso emplea espacio para recrearse en algunos precedentes. Después de todo el juego tiene muchos momentos para reabastecerse y más escenas de acción con zombies y bandidos. Si te lo pasabas en su totalidad en unas quince horas la serie nos comprime la narración en unas nueve.

Esta producción repite los mismos pasos del juego llevando algunos a límites más espectaculares. La primera secuencia se parece a la de ‘Un lugar tranquilo 2’ y los zombies corren y saltan como en ‘Guerra mundial Z’ pero la comparativa más directa y reciente es con ‘The Walking Dead’. Es una serie muy similar pero no se despista con tantos personajes y tiene mejor ritmo. Además empieza con un interesante debate con hongos sobre la mesa y nos brinda una genial apertura en el segundo capítulo que me ha recordado a los mejores momentos de ‘The Strain’, donde también había un enfoque científico y un posterior escenario apocalíptico.

El opening podría decirse que es a lo ‘Juego de Tronos’ pero formando el mapa con liquen y hongos. Comparte también con ‘Juego de tronos’ a parte del equipo de maquillaje y prostéticos que se ha traído Mazin de ‘Chernobyl’. En lo sonoro, participa el mismo compositor musical, Gustavo Santaolalla. En cuanto al vestuario y peluquería a los personajes les han peinado y vestido igual pero como mencionaba el parecido es bastante lejano y de la cara de Ellen Page a la de Ramsay hay un trecho. Tess (Ana Torv) es para mí la mejor escogida del casting. Como curiosidad o huevo de pascua, han dado papeles secundarios a actores como Ashley Johnson y Jeffrey Pierce, quienes doblaban a Ellie y Tommy en la versión de consola. Todos, incluidos los dos protagonistas, actúan acorde a las escenas del juego y la personalidad de sus personajes. Está claro que la manera en cómo plantaba cara en ‘Juego de Tronos’ le ha valido a Ramsay el papel de esta niña que está un tanto trastornada y es un auténtico dolor de muelas.

La ambientación post apocalíptica es buena. Mejor que la de ‘DMZ’ o ‘Y el último hombre’ e incluso que algunas etapas de ‘The Walking Dead’ o ‘Sweet Tooth’. La relación entre los personajes de distintas edades es igual de importante que en esas series, pero el tratamiento de esta serie es mejor. Por eso tenemos varios episodios flashback (me sobran los episodios tres y siete), que se desconectan un poco de la trama para mostrar solo al final cuál es su razón de ser. Pero lo más importante es que ‘The last of us’ tiene buen equilibrio entre drama, terror y acción. Si os gusta el juego o esta serie os recomiendo una obra muy similar en algunos aspectos, ‘Melanie. The girl with all the gifts’.

Crítica: ‘Poker face’

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En qué plataforma ver Poker Face

Sinopsis

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El multimillonario jugador de póquer Jake Foley (Russell Crowe) les brinda a sus mejores amigos la oportunidad de ganar más dinero del que jamás hayan soñado, en una noche que nunca olvidarán. Pero para jugar, tendrán que revelar algunos de sus secretos más oscuros, y a medida que avance la noche, descubrirán el motivo real por el que participan, lo que los llevará a apostarlo todo para salvar sus vidas.

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Crítica

Un Rat Pack que se queda en un farol

‘Poker face’ es el regreso de Russell Crowe a la dirección. El actor neozelandés vuelve a su tierra para dirigir un filme que también ha escrito y protagoniza rodeado de un intento de “Rat Pack” de caras conocidas entre las que se encuentran RZA, Liam Hemsworth o Elsa Pataky. Tal vez la historia original de Stephen M. Coates partía de una buena idea, pero desde luego el guión que finalmente a acabado escribiendo Crowe está mal planteado. Quizá también sea cosa del montaje pues bien es cierto que en los primeros compases del filme se mezclan flashbacks con el presente en tiempo fílmico y se hace confuso, llega un momento que no sabemos si estamos viendo entremezclados dos momentos diferentes o si sucede todo en paralelo.

La historia de ‘Poker face’ nos lleva a conocer a un grupo de amigos a los que la vida a acabado relacionando con el mundo del póker. Y con cara de póker nos deja el filme pues aunque consiste en un home invasión que entretiene y se pasa rápido nos deja indiferentes, ni nos cuenta ni nos aporta nada. De hecho su final, con tintes de supuesto happy ending, nos deja una sensación frívola cimentada en el bálsamo del dinero, lo cual a priori parecía que era lo contrario que se pretendía como moraleja.

A veces el filme parece pretender ser una especie “australianización” de Guy Ritchie, otras un thriller a lo Haneke y otras un trasunto de ‘La habitación del pánico’ de Fincher. Acaba siendo una mezcla de géneros que nos saca constantemente del filme, no alcanza una dinámica capaz de establecer sensaciones próximas a los personajes o una mínima intriga. Bien es cierto que establece un misterio en torno al grupo de amigos y que no aburre como otras muchas películas sobre el juego de cartas. Pero habría sido mucho más eficiente si se hubiese regodeado en la vileza de sus personajes o si hubiese explotado esa especie de software Pegasus que se inventa.

Para el público español quizá la curiosidad está en ver a Pataky de nuevo en pantalla grande. Actúa junto a su cuñado y tiene bastante texto pero tiene un personaje bastante trivial. Más irrelevante se hace cuando el primer plano que le hace Crowe es a su canalillo y cuando le hace repetir su pose más famosa en los photocalls, es decir, ofrecer espalda desnuda a la cámara.

El grupo de pillos que de adultos se convierte en delincuentes ni impone, ni tiene pátina de espinoso. La película se supone que va sobre esta pandilla de corruptos o delincuentes pero todos los giros o el centro de atención terminan recabando en Rusell Crowe de una manera inconmensurable. Aunque bien es cierto que esta segunda juventud que vive el actor está siendo fructífera, en el caso de su propia película es todo un farol que se queda en nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Poker face. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Russell Crowe. Guion: Stephen M. Coates, Russell Crowe. Música: Antony Partos, Matteo Zingales. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Russell Crowe, Liam Hemsworth, RZA, Brooke Satchwell, Daniel MacPherson, Aden Young, Paul Tassone, Steve Bastoni, Elsa Pataky, Jack Thomson. Producción: SKY, MEP Capital, Alceon Entertainment Partners, Acrlight Films, Hamilton Entertainment, JBH Entertainment, Future Artists Entertainment, Fear of God Films. Distribución: Vértice 360. Género: suspense, drama. Web oficial: https://screenmediafilms.net/film/3569/Poker-Face

Crítica: ‘Brian y Charles’

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Sinopsis

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Brian and Charles nos descubre la historia de Brian, un solitario inventor que vive en un remoto valle de Gales del Norte. Aparentemente, la soledad no parece molestarle, y se pasa la mayor parte de su aislada vida en su ruinoso taller creando objetos extraños que nadie quiere. Hasta que, un día, Brian construye un robot. Fabricado con una vieja lavadora y una maltrecha cabeza de maniquí, la imponente máquina de más de 2 metros de altura es una peculiar construcción similar a un anciano destartalado.

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Crítica

Precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional

Hay que ver qué bien recibidas son estas nuevas visiones cinematográficas. ‘Brian y Charles’ es un nuevo vehículo para expresar muchas facetas de la psique humana con tremendo tacto y sin que con ello se necesite mermar la comedia o el absurdo.

Expandiendo el corto homónimo que realizó el mismo equipo de director y guionistas (Jim Archer, David Earl y Chris Hayward) nos cuentan la vida de Brian, una especie de inventor que vive casi aislado en su pequeña finca de Gales. Con un cerradísimo acento y una aún más cerrada personalidad, este creador pasa el día materializando todo aquello que pasa por su cabeza. De entrada, la película es tronchante solo por mostrarnos qué majaderías realiza este entrañable personaje interpretado por David Earl. Realiza con cualquier tipo de desperdicio multitud de cachivaches raros e inútiles hasta el punto de parecer un lunático e incluso mendigo. Tiene lo que podría llamarse un síndrome de Diógenes creativo.

Tras infinidad de creaciones fallidas consigue dar vida a un robot dotado de la cabeza de un maniquí con cierto aire a Eduardo Punset y con un cuerpo compuesto por una lavadora. Este autómata posee inteligencia pero también parece estar sumergido en la irracionalidad de la edad del pavo. La comedia prosigue tras el primer acto pues choca la excentricidad del protagonista con la personalidad pueril del robot, bautizado como Charles Petrescu (podéis seguirle en Twitter). A parte de la nada trivial propuesta humorística descubrimos en ese punto el otro valor de ‘Brian y Charles’. A mi manera de entenderlo el robot es como una proyección de la mente y el corazón del protagonista. Utiliza el mecanismo psicológico del amigo invisible sirviendo al Brian para exteriorizar aquello que no se atreve a mostrar. Es ahí cuando nos topamos con una historia que intenta recrear un difícil paso a una adultez tardía, a la búsqueda del valor para enfrentarse a la vida más allá de la burbuja en que vive. Pero también hay quien verá aquí la salida de una profunda depresión. En un mundo superficial, donde impera la ley del más fuerte o la lógica de las máquinas nos topamos con un precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional.

El filme está rodado como si fuese un falso documental, cámara en mano, casi tipo found footage. Pero no se mantiene esa técnica y se pierde esa sensación tan íntima que produce el ver como una cámara se mete en la vida de otra persona. Porque si hay algo importante en esta cinta es el sentir como alguien intenta vivir, crear y soñar. Por esas características y por su vertiente indie me ha recordado mucho a ‘Brigsby Bear’. Y también, por sus efectos tan caseros y sus momentos tan absurdos me ha llevado de vuelta a las películas de Quentin Dupieux, incluyendo el rap de los postcréditos. Deberíais apuntaros estas dos referencias en caso de que os guste ‘Brian y Charles’.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Brian and Charles. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Jim Archer. Guion: David Earl, Chris Hayward. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Murren Tullett. Reparto principal: David Earl, Chris Hayward, Louise Brealey, Jamie Michie, Lynn Hunter, Lowri Izzard, Mari Izzard, Cara Chase, Nicholas Asbury, Sunil Patel, Vivienne Soan. Producción: Bankside Films, BFI Films, Film4 Productions, Mr. Box. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/brian-and-charles/