Crítica: ‘El gran baño’

Sinopsis

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En plena crisis de los cuarenta, un peculiar grupo de hombres decide formar el primer equipo nacional de natación sincronizada masculino. Desafiando estereotipos e ignorando la incomprensión de los que les rodean, se sumergen en una divertida e insólita aventura que les llevará a hacer frente a las dificultades y a sacar lo mejor de si mismos, gracias a la ilusión y el trabajo en equipo.

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Crítica

Una estructura clásica con acertadas diferencias de forma

Desde Francia nos llega la historia real de un equipo de natación sincronizada que rompió moldes. La ubicación se ha cambiado pues los hechos auténticos sucedieron en Suecia, pero el cartel de la película se encarga de hacer honor a esa nación, por lo menos su versión española.

Un grupo de fracasados y decaídos hombres entrena para exhibir sus números de natación sincronizada. Ya sea por el deporte que practican o por lo decepcionante de su existencia son objeto de burla y vapuleo. El protagonista de la cinta es un padre de familia deprimido por su situación de desempleo que en el agua encuentra un alivio, una desconexión o aislamiento. Mathieu Amalric es ese nuevo integrante del equipo que se incorpora justo a tiempo de que este se establezca grandes metas. El esquema de este filme es el clásico. Un equipo de derrotados y derrotistas recibe un nuevo miembro y eso les supone aire fresco, por lo que su suerte cambia. El filme cumple varios tópicos y resoluciones muy vistas, pero también posee varias diferencias que hacen que se salga de los moldes.

En primer lugar esta película no se basa en mostrar el contraste entre unos perdedores y alguien exitoso o profesional. Es más, nadie en la película tiene un mínimo atisbo de notoriedad en su vida. Es decir, un manta se une a otros mantas. No como sucede en películas similares tales como ‘Somos los mejores’, ‘Equipo a la fuerza’ o ‘Campeones’. Por otro lado permuta el juego habitual cambiando las tornas entre hombres y mujeres. Es una mujer la que entrena a un equipo de hombres en un deporte tradicionalmente femenino. Eso además de generar alguna que otra situación graciosa sumerge al filme en el asunto del papel de la mujer en la sociedad.

No solo porque no haya ni un solo triunfador nato o porque sepa darle la vuelta a las cuestiones de género se sale de la norma. ‘El gran baño’ habla desde su inicio de romper lo cuadriculado, de dar rienda suelta a los que prefieren los bordes redondeados. Y aunque no consigue la circulatura del cuadrado en prácticamente todos sus personajes alcanza su objetivo enarbolando diferentes «maneras de vivir», como decía Rosendo. Porque «son tiempos difíciles para los soñadores», decía la francesa ‘Amelie’.

El humor del filme se centra principalmente en el patetismo de sus personajes. Individuos que usan sus clases de natación como terapia de grupo y que se aíslan de su triste realidad ahogando las penas en agua y cloro. Personas en crisis sin ánimo ni intención de recuperar su juventud pero si las ganas de vivir y sentir.

El mayor acierto de Gilles Lellousche es el casting de la cinta, sobre todo haber contado con Amarlic para el papel principal. Es una especie de Steve Buscemi francés. Con un rostro tan consternador como chistoso construye a un personaje creíble y entrañable. Así mismo el resto del reparto logra, mejor que el propio guión, que nos creamos a sus nadadores haciéndonos partícipes de sus ilusiones y perspectivas. Su musicalidad también se une al buen trabajo del elenco actoral y nos remonta a más de un tema clásico.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de enero de 2018. Título original: Le grand bain. Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Gilles Lellouche. Guion: Gilles Lellouche. Música: Jon Brion. Fotografía: Laurent Tangy. Reparto principal: Guillaume Canet, Matthieu Almaric, Virginie Efira, Beoît Poelvorde, Jean-Hugues Anglade. Producción: Studiocanal. Distribución: flins & Piniculas. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=244

Crítica: ‘El collar rojo’

Sinopsis

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En el verano de 1919, Jacques Morlac, un héroe de la Primera Guerra Mundial encarcelado, le cuenta su historia al juez, un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra. Delante de la puerta del cuartel, el perro del soldado le espera, ladrando día y noche.

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Crítica

Un título sin pretenciosidad y con humildes argumentos

En primer lugar me gustaría decir que agradezco que aparezcan películas sencillas como ‘El collar rojo’. No voy a soltar un discurso sobre el estado de la crítica del cine, sobre la tendencia de generarse grandes expectativas que parece generalizada y que hace que casi todos los comentarios sean extremos: o muy buena o muy mala. Este nuevo filme de Jean Becker (‘Mis tardes con Margueritte’) es normal y corriente.

‘El collar rojo’ es una película sin grandes pretensiones y no por eso se queda en algo mediocre. Funciona bien en varios de los argumentos extraídos de la novela de Jean-Christophe Ruffin y su duración es apropiada. Una película pequeña con pocas cosas que reprochar y con un rostro bien conocido como el de François Cluzet (‘Normandía al desnudo’, ‘Intocable’).

La historia nos narra la relación que se genera entre un juez militar (Cluzet) y un joven francés acusado de algo que en tiempos de la I Guerra Mundial podía tener graves consecuencias. La peculiaridad del filme es que mientras el inculpado permanece retenido en prisión su perro le aguarda a sus afueras cual Hachikō. La cuestión es que ese perro pertenece realmente a la amada del reo y mientras que el juez le interroga va descubriendo la historia de amor que vivió en el pasado y aquello que le ha llevado a su celda.

Una de las pegas del filme es que la historia de amor se impone bastante a la del perro que es el verdadero sino del filme. Es decir, lo que más interesa es averiguar por qué el largometraje se llama el collar rojo y por qué el personaje de Nicolas Duvauchelle ha sido encarcelado. Pero casi todo el tiempo estamos recibiendo novedades sobre su romance y el perro se convierte casi en un McGuffin.

Esta no es una película con fines animalistas. Su discurso transcurre más por las vías de la crítica ligera a los valores tradicionales, hacía la auténtica humanidad y el significado del verdadero honor. En cuanto la cinta esgrime dos o tres pinceladas en sus primeros compases sobre cuáles son sus manifiestos se hace evidente el desenlace. No obstante su ambientación, su cercanía y cordialidad nos permiten aguantar hasta el final sin aburrirnos.

Un poco de filosofeo y la habilidad de dejarnos ver al perro protagonista desde varios puntos de vista son varios de los puntos destacables de un filme que os puede hacer pasar un buen rato sin buscar la típica sensiblería que tanto nos hace sufrir por los animales en otros largometrajes.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2018. Título original: Le collier rouge. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Jean Becker. Guion: Jean Becker, Jean-Christophe Rufin, Jean-Loup Dabadie. Música: Johan Hoogewijs. Fotografía: Yves Angelo. Reparto principal: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck, Jean-Quentin Châtelain, Patrick Descamps, Lynn Collins. Producción: ICE3, K.J.B. Production, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/925/el-collar-rojo/

Primeras imágenes y cartel de ‘Asterix: El secreto de la poción mágica’

Estreno el 11 de enero gracias a Vértice Cine

Asterix y Obelix seguirán con sus aventuras en formato de animación. Tras el éxito de ‘Astérix : la Residencia de los Dioses’, el animador Louis Clichy y el guionista Alexandre Astier vuelven a dirigir en tándem una nueva historia animada sobre las aventuras y desventuras de estos célebres personajes. ‘Asterix: El secreto de la poción mágica’ está producida por M6 Studio y Mikros Animations, es una idea original de Astier (‘Kaamelott’, ‘David et Madame Hansen’).

Por supuesto está inspirada en los famosos cómics que salieron de la imaginación de René Goscinny y Albert Uderzo. Clichy aporta su arte como animador en el parisino estudio Mikros Image, después de haber trabajado en algunas de las películas más exitosas de Pixar, como ‘Wall·E’ , ‘Up’ o ‘Ratatouille’.

El primer film de los dos cineastas recaudó 35 millones de dólares en todo el mundo y fue la película animada más taquillera de Francia en 2014. Ahora Astier y Clichy esperan conquistar de nuevo al público con una propuesta curiosa: buscar un sustituto para el inigualable Panoramix.

Sinopsis oficial:

Trepando ágilmente entre árboles en busca de muérdago, el druida Panoramix sufre una caída que le hace reflexionar… Se ha roto una pierna, ¡pero podría haber sido peor! ¿Quién se encargaría de preparar la tan vital poción mágica que da fuerza sobrehumana a quien la prueba si él no pudiera hacerlo? Con Astérix y Obélix a su lado, emprenderá una búsqueda por toda Galia para encontrar un druida digno de conocer el secreto de la receta de la poción mágica, y asegurar así el futuro de su aldea.

Crítica: ‘Rodin’

Sinopsis

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París, 1880. Después de 40 años, Auguste Rodin recibe un encargo del estado que dará pie a algunas de las esculturas más relevantes de la historia. Mientras tanto, comparte su vida con Rose, su amor de toda la vida, hasta que conoce a Camille Claudel, una destacada alumna que se convierte en su asistente y, más tarde, su maestra, con la que además iniciará una relación de amor y admiración mutua que marcará su vida y su carrera. La obra de Rodin supuso el punto de partida de la escultura moderna, y su vida estuvo impregnada por la pasión y la lucha entre aquellos que supieron admirar su arte y quienes rechazaban la sensualidad de su escultura.

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Crítica

La insistencia francesa de esculpir el amor desluce al magnífico Rodin

Han pasado cien años desde la muerte del escultor Auguste Rodin y desde Francia nos llega una película sobre el gran escultor. Vincent Lindon (‘La ley del mercado’) se convierte en el artista que realizó grandes obras de la escultura moderna que hoy en día son iconos para todo el planeta.

‘Rodin’, que está dirigida y escrita por Jaques Doillon (‘Le petit criminel’), no nos ofrece una visión grandilocuente del creador francés. Nos baja del mito a la tierra pero ni siquiera atina en su afán de sumergirse en sus intimidades o en su retrato de un artista. ¿Cuál es la diferencia entre el artista y el artesano? El artesano crea basándose en la repetitividad y la funcionalidad, en dar lo que quieren otros. El artista trabaja creyendo en la creatividad y la sinceridad de sus propios pensamientos. Lo que hace Doillon, cual artesano, es repetir de manera cronológica la vida del artista, pero poniendo su foco en algo totalmente erróneo y a merced de un público gustoso de la información amarilla. La vida amorosa de Rodín absorbe casi todo el metraje y diluye cualquier argumento divulgativo o entusiasta que pudiese tener el filme.

Aunque casi toda la acción transcurre en su traller, y de camino o de fondo vamos viendo muy bien recreadas míticas obras de Rodin como «Los burgueses de Calais» o «El adiós», el largometraje se centra sobre todo en las relaciones de Rodin con sus aprendices y modelos. Se pretende mostrar las abstracciones y motivaciones del artífice de «El pensador», pero sus amores Rose Beuret y Camille Claudel acapararon la atención del artista y también lo han hecho ahora con Jaques Doillon quien quizá debería haber buscado argumentos de más peso a la hora de retratar al artista. Quedan fuera muchos acontecimientos importantes de su vida o aparecen de manera casi fugaz.

Este no es un biopic completo de Rodin. No abarca desde su nacimiento hasta su muerte. Arranca desde que recibe el encargo de hacer «La puerta del infierno» a sus cuarenta años. Y es esta obra la que permanece como un leitmotiv y casi espectador a lo largo de toda la película, de tal modo que vemos como va creciendo cerca de parecer un recurso subliminal. La forma en cómo está narrada la película también es fallida. Recurre repetidamente a momentos semejantes y no hay un hilo argumental que seguir con verdadero interés. Ni siquiera cuando hacen acto de presencia grandes nombres como Claude Monet, Balzac, Victor Hugo o Paul Cézanne logramos desconectar del tono romántico o melodramático.

Aunque extrae algunas imágenes con muy buen tratamiento de la luz no roza la magnitud que debería tener una película sobre un modelista de tal renombre. No está a la altura de la huella histórica que dejaron sus obras. Ni siquiera Lindon se aproxima estéticamente al barbudo autor de manos prodigiosas. Me niego a creer que Rodin no tuviese una vida lo suficientemente inspiradora o conflictiva como para sacar de ella una película más fructífera. En lugar de ello lo que vemos es un largometraje que roza lo presuntuoso con unas maneras además algo aparatosas y extenuantes para contar una historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto. Título original: Rodin. Duración: 119 min. País: Francia. Dirección: Jaques Doillon. Guion: Jaques Doillon. Música: Philippe Sarde. Fotografía: Christophe Beaucarne. Reparto principal: Vincent Lindon, Izïa Higelin, Séverine Caneele, Bernard Verley, Anders Danielsen Lie, Arhur Nauzyciel, Olivier Cadiot, Alexandre Haulet, Pierre-Yves Desmonceaux, Svetlana Semusheva, Maxence Tual. Producción: Les Films du Lendemain, Artémis Productions, France 3 Cinéma. Distribución: Caramel Films. Género: drama, romance, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/rodin

Crítica: ‘Buenos vecinos’

Sinopsis

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Tras una supuesta infidelidad, Atli es expulsado de casa por su mujer, quien no le permite ver más a su hija. Se ve obligado a mudarse a casa de sus padres, que están envueltos en una pelea con sus vecinos debido a que su imponente y hermoso árbol da sombra en el patio de los mismos. Mientras Atli lucha por ver a su hija, la confrontación vecinal se intensifica hasta límites insospechados.

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Crítica

Gunnar Sigurðsson nos muestra con agudeza que no podemos llevarnos como perros y gatos

‘Buenos vecinos’ nos llega principalmente desde Islandia bajo la batuta de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Que no os engañe el título de esta película, no vais a ver ningún manual de civismo ni vais a contemplar la buena convivencia que tanto se prodiga cuando se habla de los países nórdicos. De hecho el título original del largometraje es ‘Under the tree (bajo el árbol)’. Y esto se puede interpretar como indicativo no solo de lo que transcurre bajo el árbol de la casa de los protagonistas, si no de lo que le sucede al árbol familiar, de cuáles son las consecuencias de las acciones de los mayores en las ramas inferiores del árbol genealógico. Que sí, que el título empleado en España dota a la película de un carácter irónico, pero el título original también puede tener ese sentido metafórico, que quizá yo he encontrado de manera más rebuscada pero no carente de significado.

En ‘Buenos vecinos’ tenemos básicamente dos historias paralelas. La de un hijo en pleno proceso de desesperante separación y la de sus padres en creciente conflicto con unos vecinos por culpa del árbol de su jardín. Ambas historias comienzan de un modo bastante incómodo, con situaciones sentimentalmente violentas y conflictivas. Los artífices de esas circunstancias no se andan con ningún tapujo por lo que el guión nos da momentos tanto de drama crudo como de humor casi retorcido. Sus acciones tienen repercusiones en la vida de los que les rodean, sobre todo en sus descendientes, al menos así lo va señalando poco a poco el director a través de varias reflexiones. Es decir, lo que viene a decir el comportamiento de sus personajes es que el no ser empático o no dialogar puede ocasionar daños colaterales a tus seres queridos.

Mucho más cómica y entretenida es la parte de los padres que le da más sentido tanto al título original como al empleado en nuestro país. Hay que señalar que tampoco está exento de importancia el mensaje de la historia del personaje de Steinþór Hróar Steinþórsson, el cual ejerce de marido en pleno divorcio, padre a punto de entrar en cólera e hijo refugiado en casa de sus padres. Pero se imponen el sarcasmo y la locura que están bastante presentes en esta película, sobre todo personificados en el personaje de Edda Björgvinsdóttir.

No te das ni cuenta de cómo Hafsteinn Gunnar Sigurðsson te pasa del drama a la comedia y de ahí a una tragedia de lo más desconcertante e incluso hilarante para aquellos que gusten del género negro. Y es que el desenlace de la película está totalmente desbocado en dos escenas que pueden dejar trastocado a cualquiera, convirtiéndose en una cinta casi de género para culminar con una escena final totalmente sarcástica. Muy mordaz el estilo de este director al que reconozco que he descubierto en esta su tercera película y del que intentaré ver sus anteriores trabajos de algún modo.

Ambas historias se podrían haber solucionado con diálogos y comprensión por ambas partes, siendo buenos vecinos o cohabitantes. Sin embargo lo que demuestra este filme, que roza el estilo de Haneke, es que el ser humano a lo que tiende es a hacerse daño, a hacer la vida del otro imposible. Señoras y señores, esta película, no les va a parecer merecedora de un Oscar, pero desde luego les va a enseñar que la empatía y la escucha es muy importante para no acabar mal con los que duermen a su lado.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: Under the tree / Undir Trénu. Duración: 89 min. País: Islandia, Dinamarca, Polonia, Alemania. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson, Huldar Breiðfjörð. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Monika Lenczewska. Reparto principal: Steinþór Hróar Steinþórsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Lára Jóhanna Jónsdóttir, Þorsteinn Bachmann, Selma Björnsdóttir. Producción: Netop films, Profile Pictures, Madants, One Two films. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/buenos-vecinos/

Crítica: ‘Happy end’

Sinopsis

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A nuestro alrededor, el mundo, y nosotros en medio, ciegos. Una instantánea de la vida de una familia burguesa europea.

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Crítica

Haneke contra los acomodados

La familia Laurent os da la bienvenida a su casoplón. El clan aburguesado que ha ideado Michael Haneke recibe a sus visitantes con los brazos abiertos, pero no tanto a sus familiares más cercanos. Michael Haneke se ha hecho esperar cinco años desde su última película, uno por cada miembro de los Laurent. Esta familia posee unos individuos que en su afán de guardar las formas se relaciona más y mejor con personas fuera de su entorno cotidiano que con aquellos de su misma sangre. Pero dentro de ‘Happy end’ esta no es la crítica más voraz que lanza el cineasta contra la sociedad acomodada europea y para ello prepara diversas historias que le sirven de vituperio.

En buena parte de su inicio la película es cotidianamente aburrida. Muestra las desventuras y apuros ordinarios de personas normales y corrientes, teniendo en cuenta el alto nivel de vida de los Laurent. Solo descoloca el uso de tomas al estilo metraje encontrado o stories y ciertos comentarios que van a pareciendo. Hasta bien avanzado el filme no aparece el clásico Haneke, aquel que se dedica a desconcertarnos y a turbarnos. Con cada personaje procura crear un caso cada vez más retorcido con el cual burlarse de la clase media alta o de la humanidad actual por extensión. Lanza sus improperios camuflados en las taras de sus individuos y al final uno acaba hasta riéndose con las ideas tan macabras que pueden salir de la cabeza de este artista.

Trabajar  ambiguamente con la ironía y casi con la afrenta siempre ha sido algo que se le ha dado bien a este austriaco que además ha procurado trabajar con actores y actrices de otras de sus películas para que lo de siempre le salga bien. Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert son dos de ellos que además vuelven a reunirse. En el caso de Trintignant su participación es esencial e inquietante, pero en el caso de Huppert su trabajo es algo menos relevante. Dejan más poso los papeles de Mathieu Kassovitz o de la joven Fantine Harduin. Me sobra por ejemplo toda la parte de Franz Rogowski, quien si bien nos ha demostrado lo buen actor que es en películas tan recientes como ‘En tránsito’ no tiene aquí una oportunidad tan buena. El guion peca de que varias de las temáticas giren en torno a lo mismo aunque por lo general podemos distinguir tres o cuatro asuntos. Las narraciones están entremezcladas, pero Haneke es tan buen director que pese a ello es capaz de contárnoslas sin que nos perdamos, clarificando poco a poco cada cuestión planteada.

Haneke es un director que contraría, de eso no hay duda. Es capaz de transportarnos de una comida en un lujoso comedor a la incómoda familiaridad de orinar con la puerta abierta. ¿Por qué separado  se escribe todo junto y todo junto se escribe separado? Haneke a veces es tan insondable y a la vez tan sencillo como esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio. Título original: Happy End. Duración: 107 min. País: Austria, Francia. Dirección: Michael Haneke. Guion: Michael Haneke. Fotografía: Christian Berger. Reparto principal: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Rogowski, Laura Verlinden, Aurelia Petit, Toby Jones, Hassam Ghancy, Nabiha Akkari, Philippe du Janerand, Dominique Besnehard. Producción: Les Films du Losange, X Filme Creative Pool, Wega-Film, arte France Cinéma, France 3 Cinéma, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bayerischer Rundfunk (BR), Arte France, Le Studio Canal+, Ciné+, Centre National du Cinéma, France télévisions, ORF Film, Fernseh-Abkommen, Filmförderungsanstalt, Eurimages. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=422

6 cosas que quizá no sabías de ‘Campeones’

Fesser nos contó detalles del filme español que está causando sensación

Desde que se estrenó el 6 de abril ‘Campeones’ ha sido todo un éxito de crítica y público en España situándose a día de hoy casi en los 3 millones de espectadores tras haber permanecido 10 semanas entre las tres películas más vistas. La cinta de Javier Fesser escrita también por David Marqués, protagonizada por Javier Gutiérrez y distribuida por Universal Pictures ya atraviesa nuestras fronteras y comienza a exhibirse a nivel internacional.

Durante los días 18 y 19 de junio se han vivido unas jornadas con el director en la Cineteca de Madrid. Asistimos al cine ubicado en el Matadero de Legazpi y en esas charlas Fesser nos descubrió su modus operandi, nos habló de su carrera, vimos su última película con él y desentrañamos muchas de sus anécdotas. Además de mostrarse encantado de trabajar con personas con discapacidad intelectual y transmitirnos conocimientos que atesoraremos nos contó varias curiosidades que detallamos a continuación.

  1. Originalmente la canción de la película no iba a ser la que hemos escuchado interpretada por Coque Malla. Se había elegido un tema de Bruce Springsteen y se le contactó para obtener su permiso, pero ante la no respuesta de este tuvieron que escoger una alternativa que ha satisfecho al director de igual manera.
  2. Los partidos de la liguilla que juegan los protagonistas son partidos que se jugaron realmente. «Hemos hecho casi un torneo real» dijo Fesser.
  3. La película tiene varios efectos de CGI. Uno de ellos el paisaje que se ve en la escena del autobús que estaba parado con un croma de fondo. También el público de las gradas del primer partido estaba insertado con imágenes generadas por ordenador.
  4. Este es el quinto largometraje de Fesser y la primera vez que dirige un guión ajeno. En el texto inicial de la película no estaba la final que disputa el equipo de Los Amigos. Tras una reescritura y cambios para adaptar al estilo del director de ‘El milagro de P.Tinto’ se incluyo.
  5. Para la versión francesa se han recortado 8 minutos porque su distribuidor ha pensado que resultaría más eficiente. Por un lado se ha cortado la escena en la que el personaje de Mariano Llorente se acerca por primera vez a la mujer del protagonista interpretada por Athenea Mata. También se ha eliminado la última conversación que tiene Javier Gutiérrez con Roberto Chinchilla en la playa al creer que aporta demasiados finales al filme, aunque a Fesser esta decisión no le parece correcta por el mensaje que aporta pero la comprende y respeta.
  6. Según Javier Fesser el filme ya tiene ofertas para remakes en China, Holanda y EEUU. Incluso en el país norteamericano se le ha ofrecido al director ser quien lo lleve a cabo pero ha manifestado no estar interesado.

Crítica: ‘Normandía al desnudo’

Sinopsis

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Los ganaderos de Mêle-sur-Sarthe, un pequeño pueblo de Normandía, se han visto afectados por la crisis agrícola. Su alcalde, Georges Balbuzard (François Cluzet), busca la manera de que su pueblo se haga oír para salvarle. Por casualidad, Blake Newman, un famoso fotógrafo especializado en desnudos en masa, pasa por la zona y Balbuzard ve la oportunidad de llamar la atención. Por delante le queda la difícil tarea de convencer a todo el pueblo para que se desnude… por una buena causa.

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Crítica

Un desnudo protesta con menos eficacia de lo esperado.

En ‘Normandía al desnudo’, François Cluzet (‘Intocable’) se echa de nuevo al campo y se desvive también por sus habitantes, aunque a través de unas herramientas diferentes a las empleadas en ‘Un doctor en la campiña’. Esta película busca también mezclar drama y comedia, con una pizca más de hilaridad que ese título anterior de 2016 aunque sin explotarla en la medida deseada. De hecho ‘Normandía al desnudo’ se queda bastante corta en lo que a comedia se refiere.

La crisis de los agricultores franceses es el marco de esta historia en la que Cluzet es el paternalista, desvivido y omnipresente alcalde de todos ellos. En medio de todo el revuelo y esa gran desesperación económica llega el talentoso Toby Jones convertido en un Spencer Tunick, el fotógrafo que retrata masas de personas desnudas por todo el mundo. Enamorado del paisaje les propone hacer una de sus famosas fotografías con todo el poblado despojado de sus ropas en ella, con fines artísticos para él y como un reclamo mediático para los agricultores que demandan atención por parte de su país. Pero claro, la mentalidad ambigua de los residentes choca con la idea del artista.

En esta ocurrencia del director Philippe Le Guay vemos un aspecto bastante divertido. Pero cabía esperar que el cineasta explotase mucho más la confrontación entre el mundo rural y el moderno. La película podría haber acabado siendo una especie de «Full Monty galo» y en lugar de ser tan graciosa o disparatada como la cinta de 1997 se inclina más hacia lo anecdótico y melodramático. El filme se dedica más a narrar las controversias personales o a demandar las tragedias nacionales. Al fin y al cabo trata de desnudar los secretos o sentimientos de cada uno. «Los que siempre os han alimentado ahora se mueren de hambre» resume uno de los agricultores de la película en un arrebato de exasperación. Los prejuicios, la vergüenza, la mentalidad retrógrada, los viejos rencores, los celos… Son muchos caballos de batalla que junto a la política o los distintos estilos de vida expuestos desplazan la comedia a un segundo plano.

La película está narrada a trozos por una niña que cuenta la historia de su familia, la cual se ha mudado recientemente a esa campiña en crisis. Dicha historia permanece bastante descolgada del largometraje a pesar de parecer ser el hilo central y finalmente está metida únicamente con el fin de incluir un argumento protesta más, el del vegetarianismo. Sin la inclusión de este arco narrativo ‘Normandía al desnudo’ habría transcurrido igual y tampoco aporta nada importante a la trama ni al conjunto de los gags.

Sí que me agrada más la metáfora artística de la película. Aquellos que están quedándose sin nada ahora se lanzan a por todas despojándose de lo que les queda ante todo el mundo. Aunque hay cierto valor en que algunos actores se lancen a mostrarse como vinieron al mundo también habría cabido esperar que ese coraje fuese ligado a un tono más sarcástico ya que se ha hecho tanto hincapié en los dramas planteados. Lo dicho, para ser un a película sobre agricultores a ‘Normandía al desnudo’ le ha faltado arar un poco más sus tierras para que la semilla de su comedia enraíce más hondo y su protesta crezca más alto.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de junio de 2018. Título original: Normandie nue. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Philippe Le Guay. Guion: Philippe Le Guay. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Reparto principal: François Cluzet, Toby Jones, François-Xavier Demaison, Arthur Dupont, Grégory Gadebois, Philippe Rebbot, Patrick D’Assumçao, Julie-Anne Roth, Vincent Regan, Daphné Dumons. Producción: Les Films des Tournelles. Distribución: Vértice 360. Género: comedia, drama.

Crítica: ‘El malvado zorro feroz’

Sinopsis

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Un zorro que es incapaz de asustar a nadie y de cazar nada, no tiene otra ocurrencia que robar -de una granja muy peculiar- unos huevos de gallina para, tras incubarlos y criar a los pollitos…, comérselos. Pero al nacer, los pollitos creen que el zorro es su madre y este se encariña de ellos lo que complicará las cosas a este zorro que, ni es malvado ni feroz. En esa divertida granja también encontraremos a un conejo que actúa como una cigüeña bajo la dirección de un pato loco».

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Crítica

Es muy fácil dejarse llevar por la sencillez de estos cordiales animales.

En casos como estos no se puede decir que estemos ante una película basada en un cómic, lo que debemos decir es que un artista total, es decir, dibujante, colorista y guionista ha traspasado, no adaptado ni basado, su obra a la gran pantalla. Benjamin Renner dirige junto a Patrick Imbert (‘Corto Maltés: la película’) y guioniza junto a Joan Regnaud (‘Ernest et Célestine, La Collection’) esta película de animación que ha venido a titularse ‘El malvado zorro feroz’. Pero ese en realidad es el título de uno de los tres relatos que nos presenta el simpaticón zorro protagonista de la película a modo de maestro de ceremonias.

El título original es más concreto con el contenido de la película. ‘El malvado zorro feroz y otros cuentos’ viene a decir si lo traducimos. En realidad tenemos tres historias por el precio de una. Se titulan: ‘La entrega del bebé’, ‘El malvado zorro feroz’ y ‘Hay que salvar la Navidad’. El conjunto de todas ellas trata sobre la paternidad o la tutela, amén de otros temas como el respeto a las creencias de otros, la confianza, la protección o el tesón. La temática de la película la vemos identificada en una madre que cuida a sus progenitores, en un padre adoptivo que se encariña de unas criaturas que no son ni de su especie, en un amigo que tiene unos colegas que le avergüenzan constantemente e incluso en la figura de Papá Noel.

Lo más importante es que el filme llega de manera espontánea a todas las edades. Tiene algunos momentos desopilantes, es cordial, muy natural y sabe a fábula. Por supuesto que lo que más ayuda es que entra muy bien por los ojos. Está realizada con un estilo tan claro, sencillo y limpio como las intenciones que pretende transmitir. La expresividad de sus personajes es también una de las claves. Los rostros de los animales tienen las facciones de un mimo. Son criaturas no excesivamente antropomórficas, pero si obviamente caminan erguidas y tienen útiles del ser humano. Su bonachón aspecto nos ayuda a desdramatizar temas que de otro modo nos habrían resultado más trágicos. Una pareja que da vergüenza ajena, un cerdo diligente pero casi igual de torpe, un zorro nada despiadado… Los personajes son tan tontorrones, tiernos y suelen estar tan desvalidos que dan ganas de achucharles. Si estuviésemos hablando de una superproducción ya estaríamos viendo toda una línea de monísimos peluches en todas las tiendas de juguetes. Pero la virtud de esta película es que se queda al margen de frivolidades y está dentro de lo parabólico y entrañable.

En muchas ocasiones ‘El malvado zorro feroz’ pierde los bordes de igual modo que lo pierden las viñetas de Renner, para así conseguir diferentes efectos (velocidad, aislamiento, oscuridad…). Nos encontramos así ante una viñeta sin barreras, frente un celuloide sin obstáculos. Realmente si uno curiosea las páginas del cómic se da cuenta de que solo faltaba rellenar las animaciones intermedias entre una viñeta y otra. Animar la película para el autor debe haber sido muy fácil pues la pre-producción la tenía ya hecha con su cómic a modo de storyboard. Además que Renner sabe el terreno que pisa pues ya ha dirigido animación anteriormente. Sin duda la ayuda del director Patrick Imbert y del guionista Joan Regnaud ha servido para rellenar esos huecos y trasladar correctamente ‘El malvado zorro feroz’ del noveno al séptimo arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Le Grand Méchant Renard et autres contes. Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Patrick Imbert, Benjamin Renner. Guion: Benjamin Renner, Joan Regnaud. Música: Robert Marcel Lepage. Producción: Folivari. Distribución: Sherlock Films. Género: animación, comedia, cómic, adaptación. Web oficial: http://folivari.com/en/projet/the-big-bad-fox-and-other-tales/

Crítica: ‘El Doctor de la felicidad’

Sinopsis

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Knock, un estafador arrepentido y reconvertido a médico, llega al pequeño pueblo de Saint-Maurice para aplicar un «método» destinado a hacerle rico: va a convencer a la gente de que un paciente sano es un enfermo que ignora serlo. Y para ello debe encontrar a cada uno la enfermedad real (o imaginaria) que sufre. Como maestro en el arte de la seducción y de la manipulación, Knock está a punto de alcanzar sus fines. Todo esto cambiará cuando en su camino se cruce una joven que le hará plantearse sus decisiones y una persona de su turbulento pasado que llegará para desenmascararle.

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Crítica

Omar Sy vuelve a darnos lecciones de moral con este ‘El Doctor de la felicidad’

Lorraine Lévy nos trae la historia de Knock, un canalla estafador convertido en médico que piensa llevar un nuevo método de negocio a una pequeña villa francesa en los años 50.

Basada en el libro ‘Knock’ de Jules Romains, la historia está bastante cambiada, pues el libro es una dura crítica hacia la tiranía nazi. Aquí puedes ver como el doctor logra convencer a todo el mundo para poder sacarles el dinero gracias a su forma de ser, pero no llega a ser un villano, todo lo contrario.

La directora ha conseguido hacer una película positiva y llena de moralejas, de una historia oscura y muy real, con un Doctor bien distinto al de la novela. Divertida y sencilla y con ninguna pretensión más que la de entretener al espectador.

Para el papel del Doctor Knock ha escogido a Omar Sy (‘Intocable’) que como acostumbra nos muestra como un don nadie arrepentido de su pasado puede llegar a lo más alto si se lo propone. Cuando la medicina se tropezó en su camino, su vida cambió por completo.

A Omar Sy también le acompañan Ana Girardot (Nuestra vida en la Borgoña), Alex Lutz (Los visitantes la lían: ¡En la Revolución Francesa!‘) o Sabien Azéma (‘Una policía en apuros’) entre otros. Todos y cada uno de los personajes del pueblo son importantes, cada uno más peculiar y enfermos a su manera, consiguen encontrar consuelo en las manos de este médico que trae una curiosa felicidad a un lugar en el que estaban completamente aburridos.

En la fotografía encontramos a Emmanuel Soyer, simple y luminosa, como la historia de la película. En cuanto a la banda sonora, es bastante sosa y no da emoción ninguna.

La cinta dura 113 minutos y hacia la mitad ha comenzado a ser algo aburrida, pues introducen una historia de amor que no dice mucho y es bastante insípida, no tiene fuerza y lo que hace es alargar bastante el metraje. Pero sí que es cierto que esta historia, por insulsa que sea, es importante para el final de la película.

Así que ya sabéis, el 25 tenéis cita con el cine francés en las salas de cines españolas. Una comedia que nos dará un soplo de aire fresco, para disfrutar sentado con unas palomitas y no pensar en nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Knock. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Lorraine Lévy. Guión: Lorraine Lévy, adaptación de la novela de Jules Romains. Música: Cyrille Aufort. Fotografía: Emmanuel Soyer. Reparto principal: Omar Sy, Ana Girardot, Alex Lutz, Hélène Vincent, Pascal Elbé, Audrey Dana.  Producción: Curiosa Films. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: http://filmax.com/peliculas/el-doctor-de-la-felicidad.86

Crítica: ‘Mi familia del norte’

Sinopsis

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Valentin y Constance Brandt, la pareja de moda en el mundo de la arquitectura y el diseño, se preparan para la inauguración de su retrospectiva en el prestigioso Palacio de Tokyo en París. Lo que nadie sabe es que, para hacerse un hueco en el exclusivo mundo del lujo, Valentin ha mentido sobre sus modestos orígenes norteños. Cuando su madre, su hermano y su cuñada aparecen en la gala, los dos mundos entran en colapso. Por si fuera poco, a causa de un accidente, Valentin pierde la memoria y vuelve de nuevo a sus 20 años, más norteño que nunca.

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Crítica

Las armas de Boon han perdido efectividad.

Aún recuerdo con mucho agrado y como sin tener ninguna familiaridad con los provincianismos franceses, que la película ‘Bienvenidos al norte’ me hizo reír a carcajadas. En mi caso fue hace unos pocos años, pero en realidad hace ya diez que Dany Boon estrenó ese filme que sin inventar nada nuevo pero si haciendo gala de un humor muy cercano, respetuoso y sacando el máximo partido a pequeños detalles que suelen quedar perdidos o acotados dentro de una cultura o país logró colocarse en los primeros puestos de la taquilla batiendo récords. Una fórmula que años después veíamos casi calcada en ‘8 apellidos vascos’ y que como todos sabemos traducida a nuestras costumbres funcionó igual de bien.

¿Qué ha cambiado de entonces para ahora? A esa película le siguió una secuela y Boon ha realizado algunas comedias posteriores, pero tal y como asegura él allá por 2011 ya barruntaba un croquis de este nuevo largometraje. Por lo tanto volvemos a encontrarnos con los usuarios del dialecto chiti o picardo que en esta ocasión a lo ‘Rústicos en Dinerolandia’ se sumergen en el Paris más snob para retomar el contacto con uno de los suyos que ha perdido sus raíces. Ese personaje desarraigado está interpretado por Dany Boon y como exitoso diseñador de muebles ve su vida zarandeada, no solo por la llegada de sus familiares a la capital, si no porque un golpe en la cabeza le hace volver a su juventud norteña, ocasionando que olvide no solo su pasado reciente, si no que retome su peculiar manera de hablar. Vamos, que si soléis ir al cine vais a tener de nuevo el clásico giro telenovelesco de la amnesia, bastante similar al que hemos experimentado hace poco en ‘La tribu’.

Volviendo a Boon. Era de esperar poca evolución en estos años, no en sus propósitos pero por lo menos si en las formas. Sabíamos que el objeto de los gags iba a ser el mismo de otras veces ya que retomaba una idea pasada.  En el guión en vez de toparnos con Alexandre Charlot y Franck Magnier (‘Astérix en los Juegos Olímpicos’) solo acompaña a Boon Sarah Kaminsky (‘Gauguin – Voyage de Tahiti’), que pese a estrenar recientemente con él ‘Una policía en apuros’ no ha sabido aportar la frescura que necesita en su carrera, sino más bien contagiarse de sus maneras y ejercer de aprendiz de un comediante muy querido ya en su país.

El problema de ‘Mi familia en el norte’, si uno ya va a verla conociendo la carrera de Boon, es que vemos a un guionista y director estancado en hacer lo mismo, que parece bloqueado y sin capacidad de innovar. El eje de sus historias gira en torno a sacar a determinados personajes de su zona de confort para generar así situaciones cómicas y para más inri en esta ocasión retoma algunas armas ya empleadas. Aún así tiene sus momentos de gracia desde la consabida monotonía, ya que su rostro se presenta como aquel grato comediante que nunca deja de agradar pues sabe parodiar sin pasarse de la raya.

Hay que puntualizar, por si la introducción con el argumento no era clara, que esta no es una secuela de ‘Bienvenidos al norte’, la trama y los personajes son diferentes, aunque buena parte del reparto si está presente. Por lo tanto película muy cómoda para Boon, con personas y herramientas con los que ha trabajado antes pero eso no le garantizaba el éxito. Cumple las expectativas de alguien que necesite una comedia burlesca o que nunca haya visto una de las películas a las que me he referido con anterioridad. Pero como continuación de los largometrajes socarrones de Dany Boon y compañía defrauda.

Como curiosidad. Aparte de que al final del largometraje tengamos unas tomas falsas del rodaje acompañando los créditos, aparece una dedicatoria al fallecido actor, compositor y cantante Johnny Hallyday (‘El desafío (The walk)’) en forma de escena en la que se interpreta una de sus canciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de mayo de 2018. Título original: La ch’tite famille. Duración: 106. País: Francia. Dirección: Dany Boon. Guion: Dany Boon, Sarah Kaminsky. Música: Michaël Tordjman, Maxime Desprez. Fotografía: Denis Rouden. Reparto principal: Dany Boon, Laurence Arné, Line Renaud, Guy Lecluyse, Valérie Benneton, François Berléand, Pierre Richard. Producción: Les Productions du Ch’Timi,  Pathé. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: http://www.pathefilms.com/film/lachtitefamille

Crítica: ‘Amante por un día’

Sinopsis

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Después de una ruptura sentimental, una chica de 23 años regresa a casa de su padre. Allí descubre que este tiene una relación con una joven de su misma edad.

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Crítica

Ensayo sobre el deseo y la fidelidad.

Francia y su idioma siempre han sido un estandarte, una referencia o un tópico muy recurrente cuando nos queremos dirigir a eso del amor. A los galos les viene esa fama por algo y películas como ‘Amante por un día’ no hacen más que acrecentar ese mito que se tiene de ellos como labradores de historias y relaciones amorosas. Con la película de Phillipe Garrel os esperan 76 minutos de tragicomedia romántica intensa. Se cae la cinta de la duración media de las películas que nos presentan habitualmente en los cines pero en casos como este yo lo agradezco pues su intensidad es alta. No es un agradecimiento por que sufra de empatía con los personajes, sino más bien porque me suele costar entrar en la dinámica de películas que pretenden darle una profundidad tan melodramática a los romances. No me parecen realistas.

Una relación padre e hija, el amor traspasando barreras y edades. La premisa de la película es la confrontación de una joven que se encuentra con un padre que tiene una novia de su misma edad. Es decir ellas tienen veinte y él unos cincuenta. Pero más que los vínculos paterno filiales, que en parte se tocan de manera muy madura, lo que trata la película son diferentes estadios de una relación: el deseo, la seducción, el idilio, la obsesión, el despecho… Y con todo esto los temas generales del film la lealtad y el respeto.

La película está presentada en riguroso blanco y negro o más bien en escala de grises. Con un nivel de contraste muy alto además para que las sombras y los claroscuros estén muy recalcados. Así pues los ropajes siempre oscuros de algunos personajes y su lechosa piel nos presagian su estado de ánimo o sus desventuradas intenciones. Esto le da a la película también un algo de elegancia y un sabor a cine de la época de la Nouvelle Vague, salvando las diferencias con una película tan lineal como esta, por supuesto. Es más, al contrario de la corriente en la que se movió el famoso Godard, ‘Amante por un día’ es muy estática, no solo en sus escenarios, sino también en sus movimientos de cámara. Película claustrofóbica además no solo por encerrarnos en una casa en buena parte de su metraje si no también por asfixiarnos dentro de dos amoríos bastante destructivos.

Philippe Garrel no solo ha hecho familiar esta película dirigiendo a su propia hija Esther Garrel (‘Call me by your name’), también le dedicada a otro Garrel, François, compositor de la música de su ‘Marie for memory’ (1967) todo el largometraje. Ese título que he citado era un drama en el que las parejas llegan a amar hasta límites extremos. Aunque reduciendo todo a algo muy esencial, ambas cintas tratan de personajes que por pura angustia, por puro querer terminan cerca de hacer alguna locura o sucumben a actos irracionales. Por otro lado si nos rememoramos visualmente a ese filme comprobamos que Garrel continúa con un tratamiento, más estático y menos experimental, pero si bastante similar de planos, luces y encuadres.

Personajes perdidos y ciegos de amor haciendo cosas impensables para ellos mismos. ‘Amante por un día’ hará las delicias de aquellos que disfruten de estas historias de pareja en ocasiones llevadas al límite y sin personajes secundarios que alivien tanta presión sentimental. Por eso, aunque rodada con muy buen criterio considero que su problema puede estar en que está dirigida a un público muy específico.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de mayo de 2018. Título original: L’amant d’un jour (Lover for a Day). Duración: 76 min. País: Francia. Dirección: Phillipe Garrel. Guion: Arlette Langmann, Jean-Claude Carriere, Caroline Deruas, Phillipe Garrel. Música: Jean-Louis Aubert. Fotografía: Renato Berta. Reparto principal: Eric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte, Laëtitia Spigarelli. Producción: ARTE France Cinéma, SBS Productions. Distribución: La Aventura. Género: romance, drama. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/amante-por-un-dia/

Crítica: ‘Custodia compartida’

Sinopsis

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Myriam y Antoine se han divorciado. Para proteger a su hijo pequeño de su violento marido, Myriam pide la custodia, pero la juez decide concederla compartida entre ambos cónyuges. Víctima de un padre celoso, y en el afán de proteger a su madre acosada, Julien  hará todo lo que esté en su mano para que no ocurra lo peor.

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Crítica

Psicológicamente violenta y angustiante.

El suceso que nos narra Xavier Legrand y su elenco de actores por desgracia está día a día en los telediarios y periódicos, por desgracia también no está en boca y mente de todos. Películas como esta llegan por que hacen ver que estos lances pasan desapercibidos hasta que suceden en nuestra puerta de al lado. Léa Drucker y Denis Ménochet se encargan con una autenticidad escalofriante de interpretar una maniobra del gato y el ratón perfecta para ilustrar el retrato del maltratador moderno que no es capaz de pasar página ante una separación.

La película de Legrand es de las mejores que he visto relacionadas con un tema de divorcio, violencia doméstica y amor obsesivo. Sobretodo inquieta por cómo se centra en el impacto en los niños. La vida de los hijos se ve alterada por situaciones bruscas pero que no contienen violencia explicita, no al menos en el grueso de la película. Principalmente son las secuencias interpretadas por Denis Ménochet las que ejemplifican el estilo empleado por el director. Esos zarandeos en la furgoneta cuando el voluminoso actor se sienta de manera tosca en ella, ese incómodo sonido del chivato del cinturón, esos interrogatorios acerca del móvil de la madre… El sonido es importante en este sentido. Los portazos, los mensajes de texto, la respiración nerviosa… No hace falta mostrar moratones para contar que ha habido maltrato. Un gran logro del guión de Legrand es que con la perspectiva de los hijos, con sus rostros en los momentos incómodos e incluso peligrosos nos mete en una película no solo dramática sino también de terror cotidiano.

Todo se basa en la tensión y el acercamiento a la verdad. Y para ello contribuye en gran medida la interpretación de Drucker y Ménochet pero también del joven Thomas Gioria. Las situaciones extremas que vive su personaje son del todo cruciales para situarnos en una película que es casi de género. Este niño que se estrena en el cine con ‘Custodia Compartida’ distingue bien los matices y las intensidades de cada momento, al igual que a su director habrá que hacerle un buen seguimiento. Su personaje tiene un gran peso en la historia, no tanto como el de la otra hija encarnada por Mathilde Auneveux, que si bien tiene una escena esencial en una fiesta posee otra trama que se nos queda descolgada.

La ya mítica cara de póquer de Denis Ménochet le sirvió en ‘Malditos Bastardos’ y aquí le viene también muy bien pero para otros menesteres. Junto con su físico de jugador de rugby podemos empezar sintiéndonos mal con nosotros mismos al ser prejuiciosos con su personaje. Pero Legrand ya en el inicio de la película siembra la duda y pronto vemos como poco a poco va de menos a más. Controla las fases perfectamente, los tiempos de un caso de este tipo y hace comprender una situación como esta ejemplificándola hasta límites angustiosos para el espectador. El personaje de Ménochet impone físicamente, acorrala y genera una situación ominosa que puede estallar en cualquier momento, algo totalmente factible en la realidad.

Xavier Legrand, director que como quien dice está comenzando a fraguarse un nombre en el campo de los largometrajes. No olvidemos su nombre, pues si todo lo que va a hacer tiene tanta veracidad como ‘Custodia compartida’ podríamos encontrarnos ante un cineasta de esos de los que hacen cine para sentir tanto como cuando rememoramos nuestra propia vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de abril de 2018. Título original: Jusqu’à la garde. Duración: 90 min. País: Francia. Dirección: Xavier Legrand. Guion: Xavier Legrand. Fotografía: Nathalie Durand. Reparto principal: Denis Ménochet, Léa Drucker, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Mathieu Saikaly, Florence Janas, Saadia Bentaieb, Sphie Pincemaille, Émilie Incerti-Formentini. Producción: K.G. Productions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: https://www.kgproductions.fr/copie-de-a-mon-age

Dany Boon vuelve al provincianismo francés con ‘Mi familia del norte’

Estreno el 11 de mayo.

A partir del 11 de mayo podremos acudir a los cines a continuar con el humor de Dany Boon y los localismos franceses. Con ‘Mi familia del norte’ volverá a jugar la misma baza que su gran éxito ‘Bienvenidos al Norte’, película que arrasó en el país galo con más de 5 millones de espectadores. DeAPlaneta distribuirá esta cinta y es la misma distribuidora quien nos ha transmitido su tráiler y primer poster.

 

El actor también vuelve a dirigir su película que estará llena de situaciones disparatadas y estereotipos culturales, algo que rememoramos en nuestro país con ‘Ocho apellidos vascos’. Acompaña a Boon Laurence Arné (‘Manual de un tacaño’), que interpreta a su superficial esposa. La estrafalaria familia del norte está compuesta por Line Renaud (‘Bienvenidos al Norte’), como madre de Valentin, Guy Lecluyse (‘Bienvenidos al Norte’), en el papel de su hermano pequeño, Valérie Bonneton (‘Pequeñas mentiras sin importancia’), en el papel de su cuñada, François Berléand (‘Los chicos del coro’), como su suegro, y Pierre Richard (‘La cabra’), como su padre.

Sinopsis oficial:

Valentin y Constance Brandt, la pareja de moda en el mundo de la arquitectura y el diseño, se preparan para la inauguración de su retrospectiva en el prestigioso Palacio de Tokyo en París. Lo que nadie sabe es que, para hacerse un hueco en el exclusivo mundo del lujo, Valentin ha mentido sobre sus modestos orígenes norteños. Cuando su madre, su hermano y su cuñada aparecen en la gala, los dos mundos entran en colapso. Por si fuera poco, a causa de un accidente, Valentin pierde la memoria y vuelve de nuevo a sus 20 años, más norteño que nunca.

Crítica: ‘La forma del agua’

Sinopsis

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De manos del maestro de la narración Guillermo del Toro llega la película ‘La forma del agua’, un sobrenatural cuento fantástico que transcurre en Norteamérica alrededor del año 1963, con la trasfondo de la Guerra Fría. En el laboratorio donde trabaja, oculto en unas instalaciones de alta seguridad del gobierno, la solitaria Elisa (Sally Hawkins) se encuentra atrapada en una vida llena de silencio y aislamiento. La vida de Elisa cambia por completo cuando, junto con su compañera Zelda (Octavia Spencer), descubre un experimento clasificado como secreto. Completando el reparto se hallan los actores Michael Shannon, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg y Doug Jones.

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Crítica

El monstruo más grande de esta película es sin duda su director.

Desde la incomprendida ‘La cumbre escarlata’Guillermo del Toro no había vuelto a dirigir una película, pero como de costumbre, la espera ha merecido la pena y Del Toro nos regala con ‘La forma del agua’ su trabajo más personal.

Con un comienzo similar al de ‘El laberinto del fauno’, Guillermo del Toro nos comienza a contar la historia de una princesa sin voz, con unas imágenes impresionantes bajo el agua que hace que poco a poco no adentremos en esa atmósfera de cuento que tan bien se le da al director.

La vida de Elisa, una vida sencilla, en la que todos sus tiempos son medidos, en la que disfruta de la compañía de su vecino y de su trabajo como limpiadora en un laboratorio va a cambiar tras la llegada de un monstruo a su lugar de trabajo.

El comienzo de la película me ha recordado muchísimo a la francesa ‘Amélie’, la inocencia y sencillez de la protagonista, los colores de la película con tonos verdes, su vecino artista y por supuesto la música, podría decirse que es la película francesa de Del Toro y aunque no ha dicho en ningún momento que haya homenajeado esta cinta, pienso que algo de homenaje tiene.

Una de las películas que si que ha nombrado como homenajeada es clara, ‘La mujer y el monstruo’ de Jack Arnold, la cual le encandiló de pequeño y sin duda no le gustó para nada su final y ha decidido dar su propia versión.

Esta historia de amor es pura, un ser venido del Amazonas, donde le consideran un Dios, que come huevos cocidos, es trasladado a un laboratorio de Estados Unidos en plena Guerra Fría para ser estudiado y se encuentra con esta mujer curiosa y llena de compasión.

Pero la película no solo trata el amor, sino también el miedo a lo desconocido, a lo distinto, a como intentamos acabar con lo diferente antes de intentar entenderlo. El mexicano ha hecho una película valiente, muy actual, pues estando las cosas como están últimamente en Estados Unidos, el tema de la tolerancia es algo bastante complicado.

Sin duda esta cinta no sería nada sin Sally Hawkins, su papel de Elisa es un regalazo que Del Toro le ha hecho y que la actriz ha sabido aprovechar y dar todo para mostrarnos a una mujer independiente, valiente y soñadora, que no se corta de ninguna manera para salirse con la suya.

En cuanto a sus compañeros mencionar por supuesto al monstruo, ese ser anfibio al que da vida Doug Jones, muy parecido al que ya interpretó en ‘Hellboy’, quitando que aquí el monstruo no habla, pero quien sabe, puede ser alguien cercano al querido Abe. Y el otro monstruo de la cinta, Michael Shannon, que como siempre está perfecto. Como curiosidad, el personaje de Shannon nos deja un pequeño guiño hacia Santiago Segura y su personaje Torrente.

Cuesta mucho hablar de ‘La forma del agua’ si no mencionamos a Alexandre Desplat, creador de su banda sonora, sin su música esta historia hubiese sido muy distinta. Nos hace disfrutar y adentrarnos en la historia de una manera tan perfecta que hace que la película sea un verdadero cuento de hadas en plena Guerra Fría.

Y qué decir del arte de la cinta, no suelo mencionar los carteles, pero el creado por James Jean es tan bonito y sin duda supo captar la esencia de la película. El autor hizo esta ilustración como petición de Guillermo del Toro, sin apenas conocer bien como iba a ser el monstruo y para esta imagen se basó en el famoso cuadro de Gustav Klimt ‘El beso’. Sin duda debió de encantar al director pues es una de las escenas más bonitas de toda la película. Como curiosidad mencionar que este artista es el creador de los primeros carteles de la película mother!‘.

Está claro que esta cinta tiene lo que más le gusta a Guillermo del Toro, monstruos y tiene al monstruo más grande, él mismo, tras las cámaras, consiguiendo una película encantadora, la cual está haciendo mucho por el cine fantástico y que tiene ya en su haber un montón de premios y 13 nominaciones a los Oscar. No os puedo decir más, el 16 de febrero id todos al cine no lo dudéis, entrad y disfrutad de la nueva creación del director mexicano.

 Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero 2018. Título original: The Shape of Water. Duración: 119 min. País: Estados Unidos. Dirección: Guillermo del Toro. Guión: Guillermo del Toro y Vanessa Taylor. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Dan LaustsenReparto principal: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever. Producción: Bull Productions, Fox Searchlight. Distribución: 20th Century Fox. Género: Fantástico. Web oficial: http://www.fox.es/la-forma-del-agua