Una niña con mucha imaginación deja caer accidentalmente su cuaderno en un misterioso estanque y sus dibujos cobran vida. Criaturas disparatadas y un poco peligrosas se escapan por la ciudad, sembrando el caos. Junto a su hermano y con la ayuda de su despistado padre, deberán atrapar a sus propias creaciones antes de que el desastre sea total.
Crítica
Eficiente aventura con el trazo como catarsis terapéutica
En un momento en que el cine fantástico a menudo parece haber perdido el asombro en favor del espectáculo vacío, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ emerge como una propuesta original y fresca. Dirigida por Seth Worley, esta cinta mezcla acción real con animación dibujada a mano para ofrecernos una historia inquietante sobre los sentimientos reprimidos y los peligros de proyectar nuestros deseos sin control.
Lejos de ser una simple película juvenil o una fantasía complaciente, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ se adentra en terrenos oscuros y profundamente emocionales. La premisa podría recordar a estrenos cercanos como ‘Harold y el lápiz mágico’, pero Worley imprime un tono completamente distinto, más introspectivo y adulto, donde el acto de crear deja de ser un juego para convertirse tanto en un bálsamo terapéutico como en una amenaza. Aquí, el cuaderno de dibujos no es un portal a la maravilla, sino un espejo del subconsciente de su protagonista. Para sorpresa esta es una película de Angel Studios (la productora cristiana de ‘Sound of freedom’) y por ninguna parte aparecen argumentos religiosos, al contrario, es un filme que funciona de manera universal y tiene un carácter inesperadamente indie e incluso con tintes de comedia negra.
La historia sigue a Amber (Bianca Belle), una joven retraída que descubre en un cuaderno de bocetos el bálsamo para sus penas, rabias e inquietudes. Todos hemos visto en películas de terror sobrenatural o de criaturas esas escenas escalofriantes en las que el profesor de turno enseña a los padres los espeluznantes dibujos que ha hecho su hijo/a. Con este filme sucede lo mismo e incluso estamos ante una obra que podría estar dentro del survival horror o el monster movie. Pero el carácter de las criaturas rompe esa sensación ya que estamos ante seres garabateados que aparecen por el bosque cual pokémon que te asalta.
La cinta funciona muy bien como aventura, como comedia e incluso a veces como título que puede dar miedo. Sobre todo es un filme que funciona como terapia. En la actualidad se habla mucho de la salud mental pero poco se toca tanto el tema infantil. Worley juega con el espectador y con los enfoques familiares para desarrollar bien su idea y sus giros. Cada trazo dibujado es una pincelada emocional, un símbolo que conecta con la psique de Amber y con sus conflictos internos. No es casualidad que muchas de las criaturas creadas reflejen sus miedos, deseos reprimidos y culpa, convirtiendo el filme en un estudio sobre el poder de la creatividad y el tratamiento del trauma.
A nivel visual, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ es una delicia muy divertida. La transición entre el mundo tangible y los dibujos no busca el hiperrealismo, sino que apuesta por el contraste expresivo. Esto refuerza la fragilidad de lo imaginado frente a lo real, y también la idea de que todo poder creativo conlleva un enorme riesgo. Uno de los mayores logros de ‘Sketch’ es la forma en que integran los garabatos animados en la narrativa visual. Lejos de ser un mero recurso estético, estos dibujos cobran vida con una lógica propia, caótica y a veces inquietante. Su estilo visual (intencionadamente rudimentario, como si hubieran sido esbozados deprisa por una mente agitada y evidentemente infantil) contrasta con la fotografía realista y sobria del mundo tangible. La animación no pretende fundirse con la imagen real, sino invadirla, como si la imaginación estuviera filtrándose por las grietas de la realidad. Este choque estilístico refuerza la sensación de descontrol, ya que los trazos parecen expandirse más allá de lo que el protagonista desea, actuando con voluntad propia. Los dibujos interactúan físicamente con los personajes y el entorno, rompiendo las leyes naturales y desafiando cualquier lógica, lo que añade tensión y amenaza constante a cada escena. Evidentemente esto último forma parte de otra de las capas psicológicas del filme.
En cuanto al reparto, hay un gran equilibrio entre todo el elenco. Credibilidad en la relación de los hermanos protagonistas y un Tony Hale que podría ser un claro ejemplo para aquellos padres que se piensan que lo están haciendo todo bien (pero no). Si acaso habría que reprochar que el elenco infantil tiene momentos menos naturales, sobre todo en el caso de Kalon Cox, quien hace las veces del típico bromista cargante del instituto. Aun así todo el casting infantil funciona en los momentos en los que entra en juego la comedia.
‘Sketch’ no es solo una fantasía oscura, sino también una meditación sobre el arte como refugio y como amenaza. En una época donde la inteligencia artificial y la generación automática de contenido están en auge, la película plantea preguntas inquietantes: ¿Qué ocurre cuando no encontramos canales a través de los cuales transmitir lo qué sentimos? ¿Qué sucede cuando nuestras creaciones dejan de obedecernos? ¿Dónde acaba la inspiración y empieza la locura? Seth Worley ha firmado una obra valiente, emocionalmente compleja y visualmente particular. Una cinta que, aunque bebe de referentes clásicos, traza su propio camino con rotundidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Sketch. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Worley. Guion: Seth Worley. Música: Cody Fry. Fotografía: Megan Stacey. Reparto principal: Bianca Belle, Tony Halle, D’Arcy Carden, Kue Lawrence, Kalon Cox. Producción: Morphan Time Productions. Distribución: a Contracorriente Fillms. Género: aventuras, fantasía. Web oficial:https://www.angel.com/movies/sketch
Rumbo a ‘The Boys’ con más casquería y un adiós sincero a Perdomo
Superpoderes que salen mal, experimentos con personas y cabras, todo tipo de cosas entrando y saliendo por diferentes anos… ‘Gen V’ temporada 2 llega este 17 de septiembre a Prime Video para confirmar que el universo televisivo nacido de los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson todavía tiene mucho que ofrecer. Tras el éxito de la primera entrega, este spin-off se lanza de lleno en una propuesta que lleva más allá los límites del género, combinando sátira, violencia explícita, humor escatológico y un trasfondo social que sigue incomodando al espectador. La serie, respaldada por la visión de Eric Kripke, Seth Rogen y Evan Goldberg, ‘Gen V’ no se guarda nada: quiere chocar, provocar, y al mismo tiempo, reflejar un mundo demasiado parecido al nuestro.
La nueva temporada comienza con un repaso a los orígenes del Instituto Godolkin, la ficticia universidad para superhéroes que ya cuenta con su propia página oficial promocional. Este arranque marca el tono desde el principio: habrá desmadre, pero también un interés por profundizar en los cimientos de este lugar, convertido en una lanzadera para los héroes (y villanos) que terminan integrándose en el mundo de ‘The Boys’. La conexión con la primera temporada es directa, ya que tanto sus consecuencias como los secretos del centro educativo alimentan la trama. El espíritu recuerda inevitablemente a ‘The Faculty’, aquella película de estudiantes enfrentados a una conspiración sobrenatural, pero aquí el resultado es mucho más gore, político y ácido.
Uno de los elementos más delicados de esta temporada es la ausencia de Chance Perdomo, fallecido en la vida real entre temporadas. Lejos de ignorarlo, la serie decide afrontar su pérdida de manera frontal. Se muestran imágenes del actor, se le menciona con frecuencia, y algunos personajes encuentran en su ausencia la motivación de sus acciones. Este gesto convierte a la serie en un homenaje sincero y, al mismo tiempo, doloroso, reforzando el vínculo emocional con el público.
Aunque en la primera temporada de ‘Gen V’ contamos con el magnífico Clancy Brown, la mejor adición al reparto es, sin duda, Hamish Linklater como el nuevo decano del Instituto Godolkin. Tal y como lo hizo en ‘Misa de medianoche’, vuelve a brillar con largos discursos cargados de ambigüedad moral y un halo mesiánico que lo convierte en un personaje fascinante. Su figura retorcida y maquiavélica da un nuevo aire a la trama, funcionando como catalizador de los dilemas entre la juventud superpoderosa.
Mientras tanto, los protagonistas siguen moviéndose en un terreno que marca la diferencia con ‘The Boys’: todavía conservan cierta moral, aún no están corruptos del todo y no han llegado a asesinar a sangre fría como los ídolos que observan desde lejos. Esa inocencia relativa cargada de salvajismo juvenil le da la vida a la serie pero es inevitable sentir que ambas series han de confluir ya.
Por supuesto continúa siendo, no solo una burla del mundo de los superhéroes, también de la actualidad estadounidense. Vought sigue siendo un espejo oxidado y deforme del corporativismo, el patriotismo estadounidense permanece con su visión desquiciada, las redes sociales son campo sembrado de mentiras, Godolkin es una de tantas parodias exageradas de los campus de USA, se pone en tela de juicio todo lo woke… Hay más de una alusión paródica al MAGA de Trump, por ejemplo.
En definitiva, ‘Gen V’ temporada 2 mantiene intacta su irreverencia, multiplica las dosis de violencia y sátira, y al mismo tiempo se atreve a profundizar en los personajes y en su propio mundo. Un spin-off que no es accesorio, sino imprescindible para los seguidores de ‘The Boys’.
Sólo un hombre tiene las habilidades necesarias… ¡para dirigir la Brigada Policial y salvar el mundo! El teniente Frank Drebin Jr. (Liam Neeson) sigue los pasos de su padre en ‘Agárralo como puedas’, dirigida por Akiva Schaffer (Saturday Night Live, Popstar: Never Stop Never Stopping) y del productor Seth MacFarlane (Ted, Padre de familia).
Crítica
Hilarante. Por fin vuelve la correcta incorrección política
Había dudas, muchas, sobre si era buena idea resucitar una de las sagas más queridas de la comedia absurda ‘The Naked Gun’. ‘Agárralo como puedas’ (en su título español), nacida en los ochenta de la mano de los ZAZ (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker), tenía como bandera la incorrección política, el chiste visual milimétrico, el humor físico y la ridiculización del cine policíaco. Décadas después, parecía impensable que alguien se atreviera a devolver a la gran pantalla esa fórmula tan difícil de recrear. Y, sin embargo, Seth MacFarlane, creador de ‘Padre de familia’ y experto en empujar los límites del humor negro y sobrado, ha encontrado la manera de actualizarla sin perder su esencia.
Para muchos Liam Neeson será la gran sorpresa, sin duda, verle en un papel cómico era el gran reclamo. Durante años, el actor irlandés había coqueteado con la idea de hacer comedia. Quedó como anécdota televisiva aquella escena de ‘Life’s Too Short’ en la que se reía de sí mismo y del sida en un sketch ya mítico. Ahora, por fin, se lanza de lleno y lo hace con un personaje a la altura: el hijo de Frank Drebin, aquel policía torpe e irrepetible encarnado por el inolvidable Leslie Nielsen. Neeson demuestra aquí que su vis cómica estaba agazapada en la retaguardia tras años de acción y thrillers. Su físico imponente y su seriedad natural juegan a favor del gag: cuanto más rígido está, más divertido resulta el despropósito que le rodea. De hecho, sales de la sala con la convicción de que te lo has pasado bien por ver a un duro del cine de acción haciendo bufonadas más que por las payasadas en sí mismas.
¿Un guion plagado de gags? Eso es lo que nos ofrecían las películas de los ZAZ. Aunque este nuevo filme no es un torrente de chistes si supera con creces a la mayoría de comedias actuales hasta el punto de llegar a ser hilarante. Y lo que es más importante, es honesto consigo mismo. Como ocurría con Ibáñez en sus cómics, los gags estaban en todas partes e iban desde lo tontorrón hasta lo ingenioso: en el diálogo, en los objetos del fondo, en un simple plano de reacción. Este nuevo ‘Agárralo como puedas’ no llega a esos niveles de locura, pero si exige la complicidad de un espectador rendido a cualquier tipo de mofa, sino ya me diréis a cuento de qué se ha contado de nuevo con una aparición de ‘Weird Al’ Yankovic. Y Seth MacFarlane añade su toque: diálogos afilados, humor autorreferencial y un plus de incorrección política que recuerda que la comedia también puede (y debe) incomodar. Ahí queda la secuencia que finaliza con O. J. Simpson.
Había también un factor nostalgia y se cumple con algunas de las gracias, incluyendo los títulos de crédito. Una breve aparición de Priscilla Presley y el ya visto homenaje en el tráiler rinde tributo a los actores protagonistas que tantas risas nos dieron. Pero este no es un filme que viva solo de las rentas y como hicieron también con la saga ‘Scary Movie’ se intenta captar al público más joven. Igualmente se encargan incluso de verbalizar en las primeras escenas cuál es la declaración de intenciones del filme: rendir culto al original sin perder de vista lo actual. Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer entienden que la clave del éxito está en respetar el estilo visual y narrativo original, es decir, cine policíaco con voz en off y agentes chapados a la antigua rodeados de parodia constante. Pero había que adaptarse a la audiencia que se comunica a través de memes, anglicismos y el absurdo en formato digital. De algún modo, la película funciona como una celebración del chiste universal, capaz de unir generaciones.
Seamos honestos, ‘Agárralo como puedas’ (‘Dónde está el policía’ en otros países hispanohablantes) no es para todos los públicos, nunca lo ha sido. Servidor ha visto las películas originales hasta sabérselas de memoria, ponérselas a sus amigos y cuestionar su amistad con estos dado que no todos se divertían con ellas. Son filmes para quienes toleran todo tipo de humor y a ello ahora hay que sumarle en cinismo y el sarcasmo de MacFarlane. Para los que crecieron con Frank Drebin y para quienes aún creen que la comedia debe tener un punto salvaje, esta secuela espiritual es un regreso triunfal. Para los que aún no saben reconocer que forman parte de la generación de cristal, haced “next”.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de agosto de 2025. Título original: The Naked Gun. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Akiva Schaffer. Guion: Dan Gregor, Doug Mand, Akiva Schaffer. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Eddie Yu. Producción: Paramount Pictures, Domain Entertainment, Fuzzy Door Productions, Quebec Film And Television Tax Credit. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/nakedgunmovie/
Con el vibrante telón de fondo de un mundo retrofuturista inspirado en los años 60, ‘Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos’ presenta a la Primera Familia de Marvel: Reed Richards/Mister Fantástico, Sue Storm/Mujer Invisible, Johnny Storm/Antorcha Humana y Ben Grimm/La Cosa, que se enfrentan a su mayor desafío hasta la fecha.
Crítica
Entiende tan bien el concepto original que solo con eso es lo mejor que ha hecho Marvel en años
Desde aquella oculta, rescatada por la piratería y casi mítica película de 1994 producida por Roger Corman, realizada únicamente para que no se perdieran los derechos, hasta las más recientes reimaginaciones, los Cuatro Fantásticos han tenido un recorrido accidentado en la gran pantalla. Chris Evans, antes de convertirse en el Capitán América, dio vida a un carismático Antorcha Humana en las películas de los 2000. Años más tarde llegó la inefable y fallida versión de 2015, dirigida por Josh Trank, que prometía renovación pero acabó en desastre. Incluso tuvimos un guiño ilusionante con la aparición fugaz de John Krasinski como Reed Richards en el multiverso de Marvel y una bufonada con el personaje de Evans en ‘Deadpool & Wolverine’. A lo largo de las décadas, muchas han sido las versiones (algunas queridas, otras olvidadas) de esta primera familia de superhéroes.
Matt Shakman, director de series adultas e incluso irreverentes como ‘Juego de Tronos’ o ‘The Great’ es quien ha cogido el encargo sometido a mucha presión por las expectativas y exigencias de los fans que además vienen cansados de fracasos marvelitas. Previamente ya ha estado relacionado con Marvel pues fue el principal director de ‘Bruja Escarlata y Visión’. Al igual que James Gunn ha empezado en el universo comiquero con series y aunque parezca que esta película sigue la estela de ‘Superman’ (2025) llevándonos a una base cuidada por robots, este personaje surge de los cómics e iba a estar en ‘Los 4 Fantásticos’ (2005), pero sus escenas fueron cortadas. El referente más probable a este personaje artificial tan adorable es el del robot B9 de ‘Perdidos en el espacio’, una serie que nació años antes de la primera aparición de los 4F en los cómics. Todo esto lo pongo sobre la mesa simplemente para remarcar que a esa época, a los sesenta, nos hace retroceder este filme. Uno de los mejores ganchos, tanto nostálgicos, como conceptuales o como estéticos, es ese estilo retro que marca la diferencia con respecto al saturado mercado de películas superheróicas. Es una de las mejores decisiones de esta producción que dota al filme de personalidad propia, dimensión narrativa y respeto por el material original.
Pero para muchos la mejor decisión es la que por proximidad y temática coincide también con el ‘Superman’ de James Gunn. El filme trata por momentos sobre la bondad de unos personajes que pese a todo se mantienen en su determinación de ayudar a la humanidad, sometiéndose con ello al juicio público y a dilemas éticos. Vivimos en una época donde la tendencia es la crispación y el odio, ser bueno es casi un acto de rebeldía. Los protagonistas encarnan la ingeniosidad, la esperanza y la compasión humanas. En ese sentido el filme acierta a retratar a la familia de superhéroes. Sin duda es momento de películas luminosas para luchar contra las fuerzas destructivas del odio. Congratulará a los lectores la apología por el concepto de unidad y el carácter familiar del filme, en varias dimensiones de esta palabra. ‘Los 4 Fantásticos: primeros pasos’ funciona muy bien como aventura e incluso como posible inicio del reinicio marvelita ya confirmado por Kevin Feige.
Sin duda ‘Los 4 fantásticos: primeros pasos’ es lo mejor que ha hecho Marvel en muchos años, estará en el top 3 de muchos seguidores. Pero yo esperaba un paso más adelante. Dados los años y la edad media del fan del Marvel cinematográfico cabía esperar la nunca llegada madurez narrativa. Tenían entre manos una película con un potente dilema filosófico, planteado evidentemente por Galactus y Silver Surfer. Bien es cierto que con Thanos surgieron ciertos debates relacionados con lo kantiano y lo genocida. Y que Silver Surfer puede plantear un dilema como el que tenían Gamora y Nébula, pero en mayores proporciones. Aquí con Silver Surfer sucede todo de un modo casi repentino, sin desarrollo, excesivamente arbitrario para un ser que lleva años al servicio de Galactus. Pero la mayor decepción llega con el personaje del devorador de mundos. Galactus representa la inevitabilidad de la muerte o la entropía, el equilibrio universal. Es algo más allá que un antagonista físico, no es alguien con el que se pueda batallar o que elige hacer el mal en nombre del bien, Galactus no elige: simplemente es. Vive y consume planetas o por el contrario muere. Ergo hay que preguntarse… ¿Tiene más derecho a existir un ser cósmico que puede mantener el equilibrio universal que una civilización? Los héroes quieren salvar un planeta, pero Galactus representa el mensaje de que el universo no gira en torno a nosotros. Todo esto está en ‘Los 4 Fantásticos’ de Matt Shakman, para regocijo de la parte de mi cerebro que se encarga del pensamiento abstracto y de la corteza cingulada anterior, la cual, detecta contradicciones y tensiones morales. Pero se apoca excesivamente al personaje reduciendo la contienda con él a algo físico (tanto por el tipo de batalla como por la ciencia) y no de un modo intelectual o filosófico. Al menos, lo que que si resulta apabullante es la voz de Ralph Ineson que te aporta esa sensación de estar ante un ser antiguo y fatalista.
Por resumir. El espectador y lector notarán lo bien entendidos que están los personajes, tanto en el papel como por parte de absolutamente todo el elenco. La acción transcurre con una fluidez casi orgánica y aparecen imágenes ante nuestros ojos que parecen viñetas en movimiento. Incluso está bien interpretado que esta es una película con mucha ciencia e innovación. Hasta tal punto es una gozada verla con mente de fan de la ciencia ficción que cuando los héroes dan un salto por el espacio (en su nave cariñosamente llamada Excelsior) el equipo de efectos especiales ha tenido a bien interpretar cómo sería un pliegue en el espacio/tiempo y un puente de Einstein-Rosen. Sin duda una de las mejores secuencias del filme.
Como siempre, toca comentar las escenas post-créditos y se vienen spoilers. La última escena es un gag devolviéndonos la versión animada de Los 4 Fantásticos. En la primera escena ha habido algo de decepción. Marvel anunció a bombo y platillo en la Comic-Con el tema de Robert Downey Jr. como Doctor Doom. Ahora bien, en este epílogo aparece dándonos la espalda, sin dar la acara y con la máscara en la mano. ¿Habrá nuevo giro para el aspecto del archienemigo de los Cuatro Fantásticos? ¿O solo es una manera de interpretar el carácter dramático y casi teatral del personaje? En cualquier caso es otra manera de hacer que corran ríos de tinta.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2025. Título original: Fantastic Four: first steps. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Shakman. Guion: Jeff Kaplan, Ian Springer, Josh Friedman, Peter Cameron, Eric Pearson. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Jess Hall. Reparto principal: Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn, Ebon Moss-Bachrach, Ralph Ineson, Julia Garner, Paul Walter Hauser, Natasha Lyonne, Sarah Niles. Producción: Marvel Studios, 20th Century Studios. Distribución: Disney. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.marvel.com/movies/the-fantastic-four-first-steps
Con su estilo característico, James Gunn aborda al superhéroe original en el recién imaginado universo DC con una singular mezcla de acción épica, humor y emoción, presentando a un Superman al que guían la compasión y una confianza inquebrantable en la bondad de la humanidad.
Crítica
Vuelve el héroe de otro mundo que encarna lo mejor del nuestro
‘Superman’, la esperadísima película de James Gunn, ha aterrizado con la fuerza de un meteorito kriptoniano entre la crítica y en los corazones de los fans que ya la han visto. Esta nueva encarnación del Hombre de Acero será para muchos el reinicio que necesitaba el universo DC. Seguro que así lo percibirán aquellos que querían una versión más luminosa o marvelizada. Con un tono que mezcla el respeto absoluto al legado del personaje, pero con una visión moderna y coral, Gunn entrega un filme que honra al superhéroe más clásico y va más allá.
David Corenswet se cuelga la capa roja para interpretar al Superman más «boy scout» que hayamos visto desde Christopher Reeve. Aunque también veréis que tiene algo más de carácter. Ya desde los títulos de crédito nos adelantan que la intención es la de volver a la sintonía de 1978 pero aplicando las nuevas tecnologías. Y se hace con convicción, carisma y humanidad. Este Clark Kent recupera su esencia: el periodista torpe, el hijo de Kansas, el hombre de principios férreos que brilla tanto en los cielos como entre la gente común. Y ahí está una de las claves de la película, pues toda gira en torno a la dedicación de alguien que piensa que está en la Tierra para ser un faro de ejemplaridad y para recordarnos qué significa ser humano.
Aunque nada más empezar ya hay una referencia mayúscula como ‘Dioses y monstruos’, Gunn se inspira claramente en cómics fundamentales como ‘Superman All Star’, ‘Las cuatro estaciones’ y ‘Lex Luthor: Man of Steel’. Todo ello para devolvernos al Superman altruista, compasivo y cercano que habíamos perdido en la versión más sombría del Snyderverso. También para desarrollar a personajes como Luthor. Finalmente el logotipo escogido, el del ‘Kingdom Come’ de Alex Ross, no tiene más significado que el estético, pero si hay una parte de la película que parece dispuesta para llevar a Superman hacía el hartazgo de quien recibe la desagradecida respuesta de las masas, aun cuando te dedicas en cuerpo y alma a su servicio. Esto ya nos lo adelantaban los tráilers.
Y si el Superman de Corenswet es luz, el Lex Luthor de Nicholas Hoult es sombra… y qué sombra. Su interpretación es poderosa y absolutamente magnética. Hoult se coloca sin duda entre los mejores Luthor de la historia del cine, dotando al personaje de ese egocentrismo mesiánico tan bien desarrollado en los cómics citados. No solo quiere destruir a Superman, sino que quiere ocupar su lugar como salvador de la humanidad. Esa complejidad moral y su visión retorcida de la justicia hacen de él un antagonista tan memorable como temible. Sin embargo, para muchos su visión tan juvenil será una de las trabas del filme.
Por su parte, Rachel Brosnahan es una auténtica revelación como Lois Lane. Dinámica, incisiva, inteligente y con una química palpable con Corenswet, es la pieza perfecta para completar este trío protagonista. Brosnahan mantiene el espíritu clásico del personaje, pero lo actualiza con una energía contemporánea que se agradece. Gunn tiene claro que los tres protagonistas han de ser estos y el fan percibirá que se recupera el peso en dichos personajes.
La película está plagada de personajes secundarios y tramas paralelas que al borde de la saturación enriquecen enormemente el conjunto. Si queréis descubrirlos a todos leed este artículo. Gunn imprime su ya característico estilo coral para introducirnos en un universo en expansión: héroes, villanos, guiños para los fans más acérrimos y pequeños detalles que forman o formarán parte de algo mayor. Esto puede resultar confuso para el espectador no iniciado, pero para los lectores de cómics es como zambullirse en una grapa de 48 páginas donde cada viñeta tiene valor y sentido de conjunto. La Justice Gang, Linterna Verde, El Ingeniero, Mr. Terrific, Ultraman…Hasta los carteles corporativos vistos en Metrópolis tienen su sentido de saga cinematográfica. Cada personaje añade una capa, una etapa, una versión de este universo nuevo que quiere abarcarlo todo pero que en su ansia no se atraganta.
A nivel narrativo, ‘Superman’ no solo emociona y entretiene, también prepara el terreno para lo que viene. Personalmente disfruto mucho de las películas que funcionan como One Shot, usando lenguaje comiquero. Pero si este es el inicio de un plan, de una gran historia con continuidad entre películas o de una serie de fases, como bien conocen los marvelitas, bienvenido sea. Gunn ha labrado la tierra y diseminado un montón de semillas que podrían germinar, dejando de camino un par de detalles gamberretes propios de quien en su día dio sus primeros pasos con la Troma. Y arriesga, con un plan que podría ser tildado de demasiados proyectos no llevados a cabo y también con cierta crítica social haciendo una especie de metáfora con todo lo sucedido entre Trump, Musk, Israel y Gaza.
Es importante remarcar que el diseño de producción no es aleatorio. Estas películas de superhéroes están atiborradas de personajes tecnológicos, naves espaciales o smartphones retratando la sociedad tecnófila en la que vivimos. ‘Superman’ no es ajena a ello. Pero tanto su diseño de personajes, vestuario, escenarios, localizaciones… tienen un toque ciertamente retro que casi subliminalmente intenta que nuestra mente retroceda unos años y sintamos cierta nostalgia.
He de avisaros que hay dos escenas post-créditos estas no tienen nada que ver con lo que se viene y son meramente anecdóticas. Tampoco son necesarias tras todo lo visto en el filme. Hay acción, emoción, ternura, humor de todo tipo y, sobre todo haciendo honor al significado de la “S” que luce Superman en el pecho, hay esperanza. Esa palabra tan manoseada y tantas veces mal entendida, aquí cobra sentido con cada nota de la banda sonora (la cual esperaba mejor), con cada vuelo sobre Metrópolis y con cada acción heroica del protagonista. James Gunn lo ha logrado: ha reinventado sin traicionar. Atreviéndose con personajes como Krypto y otras bizarradas. Ha mirado al pasado para construir el futuro. Y nosotros, como espectadores objetivos e incluso como fans del Superman de Henry Cavill, solo podemos agradecerle que nos haya devuelto al Superman más simbólico, como inspiración y como entretenimiento cinéfilo.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de julio de 2025. Título original: Superman. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guion: James Gunn. Música: John Murphy, Dave Fleming. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, María Gabriela de Faría, Frank Grillo, Skyler Gisondo, Wendell Pierce, Beck Bennett, Mikaela Hoover, Sara Sampaio, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell, Christopher McDonald, Terence Rosemore, Sean Gunn, Milly Alcock, Alan Tudyk, Will Reeve. Producción: DC Studios, Troll Court Entertainment, The Safran Company, Warner Bros. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: ciencia ficción, acción, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.dc.com/movies/superman-2025
Han pasado casi tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas, y ahora, todavía bajo una cuarentena brutalmente impuesta, algunos han encontrado formas de existir en medio de los infectados. Uno de estos grupos de supervivientes vive en una pequeña isla conectada al continente por una única carretera fuertemente defendida. Cuando uno de los miembros del grupo abandona la isla para adentrarse en el oscuro corazón del continente, descubre secretos, maravillas y horrores que han mutado no sólo a los infectados, sino también a otros supervivientes.
Crítica
Danny Boyle convierte el apocalipsis en arte lisérgico
Recuerdo que cuando vi ‘28 días después’ quedé en shock por su planteamiento inicial, por su crudeza y por innovar con el concepto de infectados y de zombies que corren. Quizá precisamente sea la novedad y la conmoción lo que buscan Danny Boyle y Alex Garland con este regreso a su saga. ’28 años después’ supone un retorno muy diferente al que todo el mundo espera. Desde luego no es una película para todo el mundo. Lejos de repetir la fórmula que tantos imitadores generó, esta entrega es la mayor macedonia que han creado ambos cineastas, con extra de riesgo comercial, una mezcla de géneros, narrativas y estilos que sorprende tanto como desconcierta. Y, aun así, la he disfrutado.
Conste que aunque es un filme fácil de entender y difícil de describir voy sin spoilers. Aunque os dé algunas claves, no acertaríais ni de lejos lo que pasa en esta película. Ni en un millón de intentos. Y eso, en los tiempos que corren, ya es un logro.
La premisa nos lleva a una Europa que, motivada por el miedo al virus, ha decidido cerrar sus fronteras e ignorar al Reino Unido. Se condena así a las islas británicas a un regreso a la Edad Media donde la humanidad debe encarar y abrazar sus facetas más primitivas. ¿COVID? ¿Crisis de refugiados? ¿Paralelismos con la actualidad? Lo pensé y puede haber alguna lectura similar. Pero si acaso está más presente el tema del Brexit y una especie de condena a esa Inglaterra que se independiza de todo. Y por supuesto está el amor maternofilial como en ’28 semanas después’ y el filme se atreve también con temas como la eutanasia y el ritualismo, pero todo envuelto en una narrativa que a ratos roza el delirio.
Danny Boyle recupera su espíritu más experimental. Si en ‘28 días después’ jugó con cámaras domésticas, ahora rueda buena parte con móviles, dándole un aire más casero y cercano para el espectador. Aunque esta tecnología también le permite grabar efectos “tipo Matrix” que les dan a las muertes un toque diferente y distintivo. Fotogénicamente la película no tiene pero alguno, logrando imágenes que muchas horas después de ver el filme aún tengo grabadas. Hay fotogramas memorables, secuencias que sacan lo mejor de este artista. Igual sucede con la música, que aporta un toque tremendamente british al filme y en cuya banda sonora no está el tema de John Murphy. Este marcado acento de las islas está justificado por cómo se azota al país natal de los autores de la obra. Me explico en el siguiente párrafo.
Podemos asumir que los injertos de películas como ‘Enrique V’ mostrando a ingleses victoriosos matándose por Europa en diferentes épocas, están para trasladarnos a una situación que se repite en el tiempo y retratan una soberbia caída ahora en desgracia. Conducir por el otro lado, tener enchufes diferentes, pagar en libras… Los británicos han tenido siempre una especie de necesidad de desmarcarse del resto y esa autosuficiencia identitaria está en el filme a base de referencias fatales. Al fin y al cabo esta película nos viene a decir que el virus de la rabia es algo de los ingleses y el mundo ha dicho, «quédate ahí con lo tuyo». Y si entramos en el campo de las alusiones nos damos cuenta del batiburrillo y lo loco que ha sido este nuevo viaje. Teletubbies, ritos iniciáticos espartanos, enfrentamientos tipo ‘El guerrero número 13’, huidas a lo ‘Ataque a los titanes’, momentos que rememoran a Braindead… Todo eso ha pasado por mi cabeza en diferentes momentos, así de caótica es la cosa. Si la película te parece una locura con estas conexiones espera a ver a los cazadores ataviados con chándal del Humana.
Y, sin embargo, por alguna extraña razón, ’28 años después’ funciona. Hay secuencias antológicas, como una tensa escena con una voz en off radiofónica in crescendo, una persecución vibrante por un corredor marino o un momento de recorte en silueta que a escalofríos de lo goyesco que es. La película se entiende y se sigue, incluso cuando se va por derroteros más propios del cine lisérgico o de autor. Lo que cuesta entender es cómo han decidido tomar un rumbo tan comercialmente arriesgado. Todo esto nos habla de un Danny Boyle desmelenado. Pero ¿y Alex Garland? Difícil decir dónde está su huella exacta. Hay momentos poéticos, otros excesivos, algunos profundamente inquietantes, quizá ahí está su marca. Por supuesto hay un poco del tema militar, leitmotiv de sus últimas películas (‘Civil War’, ‘Warfare’). Desde luego en este reencuentro de ambos no tenemos un resultado igual. ‘28 años después’ no tiene la energía caótica de la primera ni el tono bélico de la segunda. Es más calmada, más enigmática y por momentos bellísima en su rareza.
Los zombis están, sí. Y corren. Pero ahora también evolucionan, y eso abre preguntas que ni me esperaba o son propias de la serie B o Z. Si esto es lo que nos espera para las próximas dos entregas ya anunciadas, no sé cómo me voy a preparar.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de junio de 2025. Título original: 28 days later. Duración: 115 min. País: Reino Unido. Dirección: Danny Boyle. Guion: Danny Boyle, Alex Garland. Música: Young Fathers. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson. Jack O’Connell, Alfie Williams, Ralph Fiennes. Producción: Columbia Pictures, British Film Institute, Decibel Films, DNA Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial:https://28yearslater.movie/
En la escarpada Isla Mema, donde vikingos y dragones han mantenido una amarga enemistad durante generaciones, Hipo (Mason Thames; Black Phone, Para toda la humanidad) es un muchacho diferente a los demás. El ingenioso y subestimado hijo del jefe Estoico el Inmenso (Gerard Butler, que también puso voz al personaje en VO en la saga de animación) desafía siglos de tradición haciéndose amigo de Desdentao, un temido dragón Furia Nocturna. Su insospechado vínculo desvelará la verdadera naturaleza de los dragones, poniendo a prueba los cimientos de la sociedad vikinga.
En compañía de la feroz y ambiciosa Astrid (la nominada a los BAFTA Nico Parker; Dumbo, The Last of Us) y Bocón, el estrafalario herrero del pueblo (Nick Frost; Blancanieves y la leyenda del cazador, Zombies Party), Hipo planta cara a un mundo dividido por el miedo y la incomprensión.
Pero cuando surge una ancestral amenaza que pone en peligro tanto a vikingos como a dragones, la amistad de Hipo con Desdentao se convertirá en la clave para forjar un nuevo futuro. Juntos, deberán recorrer la delicada senda hacia la paz, volando más allá de los límites de sus mundos y redefiniendo para siempre el significado de ser un héroe y un líder.
Crítica
Increíble y perfecta
Estamos ante el primer live-action de Dreamworks y sin duda lo han clavado. Qué maravilla es ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Si, es calcada a la película de animación, pero aun así podían perder esa magia, esos valores que nos enseñan que las apariencias engañan y no siempre los malos son las bestias enormes que echan fuego por la boca. Y no, no pierden ni una pizca de su esencia.
Nos vamos a Isla Mema, una isla en la que viven un gran pueblo vikingo cazadores de dragones. Estos están en guerra con estos grandes animales desde hace siglos. Hipo, el hijo de Estoico, el jefe de este gran pueblo, va a cambiar por completo todo esto.
Se que no iba a ser complicado que me gustase, pero iba con miedo. Muchas veces, por muy bien que se vean los tráilers, la película puede perder el alma y ‘Cómo entrenar a tu dragón’ no es una de esas. El director DeanDeBlois, director de las cintas animadas también, se ha encargado de que todo funcione a la perfección, con un gran casting y sin duda un gran equipo de efectos especiales. Se nota sin duda el gran cariño a la historia de CressidaCowell y por supuesto a su película original.
MasonThames (‘The Black Phone’) es un perfecto Hipo, con sus debilidades y fortalezas. Con esa inseguridad y bondad que le caracteriza. Junto a él, GerardButler, vuelve a ponerse en la piel de Estoico, esta vez no solo dándole la voz, sino también su cuerpo. Y vuelve a estar perfecto. NickFrost consigue frenar el carácter de este jefe que no comprende a su hijo, dando vida al herrero del pueblo.
NicoParker, GabrielHowell, JulianDennison, BronwynJames y HarryTrevaldwyn son los encargados de dar vida a los peculiares amigos de Hipo.
Por supuesto mención especial a los dragones. El increíble trabajo de efectos visuales que hay en esta película, es asombroso. Los dragones, pese a su aspecto animado, parecen reales. Están perfectamente integrados en la imagen y es un gustazo y a su vez terrorífico verlos volar. El dragón final es apoteósico, en la película animada impacta, pero aquí os puedo asegurar que es increíble. Además, aquí vemos a esos vikingos, luchadores natos, dispuestos a morir por el honor y por intentar acabar con sus enemigos.
Todo esto acompañado de la gran banda sonora de JohnPowell. Y la preciosa fotografía de BillPope, que nos hará ver los grandes paisajes irlandeses e islandesas de una manera increíble a lomos de un gran furia nocturna.
Es cierto que este live-action no trae nada nuevo, estamos acostumbrados en otros a que veamos escenas alargadas o incluso nuevas, pero aquí no, y creo que es un acierto. Y aun haciendo esto, logra que no apartes la vista de la pantalla, aun conociendo el desenlace muchos hemos tenido la mano en el pecho sufriendo por nuestros protagonistas. Sin duda una de las mejores películas del año.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de junio de 2025. Título original: How to train your dragon. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Dean DeBlois. Guion: Dean DeBlois. Música: John Powell. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Mason Thames, Gerard Butler, Nico Parker, Nick Frost, Julian Dennison, Gabriel Howell, Browyn James, Harry Trevaldwyn, Ruth Codd. Producción: DreamWorks Animation, Marc Platt Productions, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: aventura, comedia, drama. Web oficial:https://www.instagram.com/httydragon/
El universo de ‘John Wick’ se expande con ‘Ballerina’. Eve Macarro (Ana de Armas) es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick (Keanu Reeves). En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.
Crítica
Ana de Armas se gradúa en Wickología con un Benois de la Venganza
‘Ballerina’, el esperado spin-off del universo ‘John Wick’ (el tercero tras los cómics de orígenes y la serie ‘El Continental’), se posiciona como una pieza clave en la expansión de esta saga de acción y si todos la recomiendan igual que yo, será el último gran taquillazo antes de la traca superheróica y jurásica de julio. De nuevo el protagonista no es el personaje de Keanu Reeves y coge el testigo Ana de Armas en el papel de Eve Macarro. Aun así el asesino conocido como Baba Yaga está presente pues esta historia se ubica entre ‘John Wick: Chapter 3 – Parabellum’ y ‘John Wick: Chapter 4’ (os explicamos esto en este artículo también sin spoilers).
¿Qué es lo que ha convertido a la franquicia ‘John Wick’ en una saga exitosa y eso mismo está presente en ‘Ballerina’? El carisma de Keanu Reeves (check), las coreografías que desarrolló Chad Stahelski (check), dichos bailes mortales en forma de plano secuencia (check), la estética de neón y elegancia (check), el mundo subterráneo de asesinos y gentlemens (check), una motivación vengativa (check), pocos efectos digitales y muchos prácticos (check), desarrollo de una mitología completamente nueva (check), una banda sonora electrizante (check), los trajes diseñados por Paco Delgado (check)… Y podríamos seguir así constantemente y acabar diciendo que esta entrega dispone más danza que nunca y más armas que nunca. Len Wiseman, quién ya se ha encargado en el pasado de dar pie a otra heroína de acción memorable como la Selene de ‘Underworld’ pero de cargarse clásicos como ‘Desafío total’, es el responsable airear esta saga que parecía haber tocado techo tras cuatro entregas gloriosas. ‘Ballerina’ es una digna sucesora que se mantiene a la altura de las secuelas, se atreve a ir puntualmente más allá con la violencia y a innovar rompiendo con algunos tópicos como la clásica escena de rearme o el recorrer una matanza una vez acabada, no durante (ya entenderéis esto).
Vuelven las normas marcadas por la Alta Mesa, los lujosos refugios que ofrece la cadena de El Continental y las teleoperadoras pin-up. Ana de Armas incorpora la figura de las kikimora y le acompañan los mismos actores que a Keanu Reeves (IanMcShane, AnjelicaHuston y LanceReddick en su última aparición). Pero llegan muchos nuevos personajes interpretados por Norman Reedus, Gabriel Byrne, David Castañeda o Catalina Sandino Moreno. A ellos se les suma un cameo que sirve de tributo a una grande y precursora de las mujeres en esto de la acción, Anne Parillaud (Nikita).
La franquicia John Wick sigue ampliando su universo a ritmo de tiros, monedas doradas y elegancia coreografiada. Llega más tarde de lo esperado pero tras pasar por las manos de Stahelski, el cual, obligó al equipo a rodar más escenas de combate. ‘Ballerina’ se suma con la misma sutileza con la que John Wick le da cariño a un martillo. Eso sí, la película empieza con media hora de orígenes que parece escrita por alguien que no vio que en este universo se prefiere contar las cosas a base de cuchilladas y silencios intensos. Esta introducción, aunque necesaria para contextualizar a Eve Macarro, rompe un poco el estilo críptico y minimalista que tanto amamos en la saga. Empezamos el filme con miedo, pensando que en ‘Ballerina’ se va a hablar demasiado. Eso y que esta nueva asesina parece tan implacable y resistente como el mismísimo John Wick, son los detalles que podrían haber jugado en contra de mantener la mitología de la saga. Si todo el mundo en este universo puede ser un tanque emocional y físico con puntería de francotirador borracho que nunca falla… ¿Qué hacía tan especial a Baba Yaga? Menos mal que el propio filme responde bien a eso.
‘Ballerina’ es una película estupenda, pura dinamita visual con la acción elegante y brutal que se ha convertido en marca de la casa. Ana de Armas no solo demuestra que puede repartir a la altura de los grandes, sino que también le da a Eve una dimensión emocional interesante y contenida. Tiene carisma, presencia, y cuando le rompen algo (como a todos en esta saga) uno siente que se avecina tormenta. El reencuentro entre Ana de Armas y Keanu Reeves, que ya compartieron protagonismo (y algo más) en ‘Toc Toc’ (2015) y suspense en ‘Exposed’ (2016), añade un divertido subtexto para los cinéfilos con memoria. De «revolcón» hemos pasado a rapapolvo y la química sigue intacta.
‘Ballerina’ sigue afinando el universo John Wick y rindiendo culto al género de acción añadiendo además alguna nota de homenaje al humor físico encendiendo el televisor y devolviéndonos a Los Tres Chiflados, ‘Aterriza como puedas’ o Buster Keaton. Mantiene ese carácter de película explosiva y adrenalínica que nos recuerda a tantos videojuegos tipo shooter e incorpora un tiroteo a base de lanzallamas que está casi a la altura del plano cenital de la cuarta con el aliento de dragón. Diciendo más, al margen de su carácter de entretenida danza letal, puede que también trascienda la pantalla convirtiendo a la pequeña localidad austriaca de Hallstatt en nuevo destino turístico que de moda. En resumen, esto es un suma y sigue, una manera elegante de pasar el testigo en la que Keanu Reeves vuelve a demostrar saber tener clase y Ana de Armas continúa con su carrera como heroína de acción haciendo honor al título de ‘Sin tiempo para morir’, la película que demostró que ella valía para apretar el gatillo y dar patadas voladoras.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de junio de 2025. Título original: Ballerina. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Len Wiseman. Guion: Shay Hatten. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Romain Lacourbas. Reparto principal: Ana de Armas, Keanu Reeves, Ian McShane, Norman Reedus, Anjelica Huston, Catalina Sandino Moreno, Gabriel Byrne, David Castañeda. Producción: Thunder Road Pictures, 87Eleven Entertainment, Lionsgate, Summit Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial:https://ballerinamovie.net/
Un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Nuñez) llegan a una rave perdida en medio de las áridas y fantasmagóricas montañas del sur de Marruecos. Buscan allí a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de estas fiestas sin amanecer. Reparten una y otra vez su foto rodeados de música electrónica y de un tipo de libertad que desconocen. Empujados por el destino, y con la esperanza de encontrar ahí a Mar, deciden seguir a un grupo de raveros hacia la última fiesta que se celebrará en el desierto.
Crítica
Oliver Laxe nos sumerge en lo sensorial y nos deja sin palabras
Películas como esta han hecho de la etapa de Domingo Corral una de las mejores en cuanto a contenido original de Movistar Plus+. Aún quedan algunos títulos por llegar tras su despedida como director de contenidos pero ya os adelanto que con ‘Sirât’ van a tener el listón alto. Con este filme Oliver Laxe consolida su posición como una de las voces más singulares y emergentes del cine europeo contemporáneo. Tras su paso por Cannes, donde la película fue galardonada con el Premio del Jurado ex aequo junto a ‘Sound of Falling’ de Mascha Schilinski, Laxe regresa con una obra que, sin renunciar a su poética habitual, se adentra en terrenos más políticos e impactantes.
Con una crisis de recursos y un estado de emergencia de fondo, la trama sigue a un padre (Sergi López) y su hijo (BrunoNúñez), los cuales buscan a un familiar en una rave en Marruecos. Este viaje físico se convierte en una odisea espiritual, donde el desierto y la música electrónica se entrelazan para reflejar las convulsiones de nuestro tiempo. Laxe, fiel a su estilo, combina actores profesionales con no profesionales, lo cual, a veces se delata con frases en exceso preparadas o pautadas, pero logra en general una autenticidad que potencia la carga emocional del relato.
Visualmente, ‘Sirât’ es una experiencia sensorial. Rodada en Super 16 mm, la película ofrece imágenes granuladas que capturan la aridez del paisaje y la intensidad de las emociones. Las ondas del sonido electrónico recorren el aire y casi se ven reflejadas en los estratos geológicos de los acantilados marroquíes. La dirección de fotografía y el diseño sonoro trabajan en armonía para sumergir al espectador en un estado casi hipnótico, donde cada grano de arena se mezcla con las notas musicales que flotan en el aire. El largometraje tiene un halo mágico a pesar de tratarse de un drama familiar y realista en resumidas cuentas. Pero eso es sobre todo en su primera hora. Tras eso llega un giro que convierte el filme en algo más propio de una obra de terror y supervivencia, dejándonos prácticamente sin habla.
El título, ‘Sirât’, hace referencia al puente que, según la tradición islámica, se cruza durante el Juicio Final, estando al borde del infierno. Es el camino que sigue el creyente hacia el paraíso mientras se evalúa su fe y su pasado. Esta metáfora atraviesa toda la película, planteando preguntas sobre la búsqueda o el sentido de la vida. Laxe no ofrece respuestas fáciles, pero invita a una reflexión profunda y necesaria. Sobre todo hace un esbozo del camino que sigue el héroe, el cual, se puede precipitar al infierno en cualquier momento. Este recorrido en ocasiones está plasmado casi a modo contemplativo y paisajístico, hasta tal punto que podría ser una de tantas series documentales de La2. Pero no deja de lado la evolución y progreso de sus protagonistas, de hecho, gracias a eso consigue su efecto final.
De nuevo la colaboración con Santiago Fillol (‘Matadero’) en el guion aporta una estructura sólida que sostiene la narrativa de lo que es en resumidas cuentas un road trip místico y conmocionante. Mientras que la producción de El Deseo, la compañía de los hermanos Almodóvar, garantiza una factura técnica impecable. Este respaldo puede haber empujado a Laxe explorar nuevas dimensiones de su cine sin perder su esencia o quizá es su visión como cineasta lo que ha hecho que los hermanos manchegos apuesten por él. Sea como fuere, esta comunión artística funciona, se percibe con alma y una frescura que contrasta con el árido desierto en que transcurre.
‘Sirât’ es una obra salvaje, indómita, que desafía y conmueve. Es un testimonio del compromiso de Oliver Laxe con un cine que no solo entretiene, sino que también interpela y transforma. Su reciente reconocimiento en Cannes no solo es merecido, sino que confirma que su mirada podría acabar siendo imprescindible en el panorama cinematográfico actual.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de junio de 2025. Título original: Sirât. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Oliver Laxe. Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol. Música: Kangdding Ray. Fotografía: Mauro Herce. Reparto principal: Sergi López, Bruno Núñez, Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Tonin Javier, Jade Ouki, Richard Bellamyun. Producción: Movistar Plus+, Filmes da Ermida, El Deseo, Uri Films, 4A4 Productions. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://bteampictures.es/sirat/
La historia de una familia y de un negocio familiar.
Crítica
Un cuento de millonarios con sabor a sátira vintage y cartoon
Wes Anderson regresa con ‘La trama fenicia (The Phoenician Scheme)’, una comedia negra que, sin abandonar su estilo característico, se aventura en terrenos menos explorados por el cineasta. Ambientada en la ficticia nación de Fenicia durante la década de 1950, la película sigue a Zsa-zsa Korda (Benicio del Toro), un magnate europeo de moral ambigua, que busca convertir a su hija, la monja Liesl (Mia Threapleton), en su heredera. A medida que se enfrentan a amenazas de rivales industriales y asesinos, su relación se convierte en el eje emocional de la narrativa.
Es curioso, pues a Anderson siempre le gusta usar ambientes, escenarios y personajes lujosos, pero este filme se alinea, queriendo o no, con opiniones actuales que van en contra del control que ejercen los magnates y ricachones sobre regiones o países enteros. Ahora que más que nunca los multimillonarios están presentes en nuestras vidas y en el devenir de los acontecimientos es fácil encontrar argumentos que relacionen este filme con la realidad. El ejemplo más claro es la escena que comparten los protagonistas con Tom Hanks y Bryan Cranston Coca-Cola y chocolatina en mano respectivamente. Sin embargo, la carrera mercantil que supone ‘La trama fenicia, es para Anderson un salto al vacío por la comedia más disparatada desde la primera escena. Se ha prestado tanto al humor negro y a las chifladuras que eso se impone a cualquier tipo de lectura política o social. Esta nueva propuesta bien podría haber sido proyectada a modo de cartoons y ser un episodio de los Looney Tunes.
Una frase resuena casi desde el principio prevaleciendo en todo lo que le pasa a los protagonistas: “la desgracia es la mejor escuela”. Los personajes de ‘La trama fenicia’ tienen clase y actúan casi como autómatas, moviéndose con precisión y cálculo. Esto responde mucho al estilo de Anderson pero en esta ocasión atiende a una estoicidad asombrosa ante cualquier desafío a la razón o incluso a la integridad. Con ello Anderson y su ejército de amigos nos retan a superar los obstáculos de la vida sea como sea, lo cual, se antoja también como una lección a aplicarse a sí mismo tras el descalabro de ‘Asteroid City’.
Visualmente, la película mantiene las señas de identidad de Anderson: paletas cromáticas pastel cuidadosamente seleccionadas, composiciones simétricas, paneos, travelings y zooms más una meticulosa organización de los elementos en pantalla que siempre satisfacen a los que tenemos TOC. Y eso que no ha contado con su cinematógrafo habitual, Robert D. Yeoman. Aunque es la primera vez que colabora con el director de fotografía Bruno Delbonnel, conocido por su trabajo en ‘Amélie’ y ‘El instante más oscuro’, mantiene esa estética tan icónica que ha hecho imagen de marca, supongo que también tiene mucho que ver el etalonaje en post-producción.
El guion, coescrito por Anderson y Roman Coppola, marca su sexta colaboración y materializa una especie de vaticinio hecho por la mujer de Anderson cuando estos tuvieron a su hija. A través de ese hecho, se adentran en una sátira del capitalismo y la geopolítica, con toques de humor absurdo y referencias a figuras como Zsa Zsa Gabor, que inspiran el nombre del protagonista.
El reparto es coral y potente, con habituales del director como Scarlett Johansson o Tom Hanks, y nuevas incorporaciones como Mia Threapleton y Michael Cera, quien aporta un toque de ingenuidad como un tutor noruego. La química entre los actores y la dirección precisa de Anderson logran equilibrar la excentricidad con momentos de auténtica emoción. Y por fin llega el papel con el que creo que Bill Murray se habrá sentido más identificado que nunca, el de Dios.
‘La trama fenicia’ es una adición sólida al canon de Anderson, que, aunque no revoluciona su estilo, ofrece una experiencia cinematográfica rica en detalles visuales y narrativos. Es una película que, si bien puede no ser la más accesible para todos los públicos, recompensa a aquellos dispuestos a sumergirse en su mundo meticulosamente construido y recupera la mejor versión del director texano.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: The Phoenician Scheme. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Wes Anderson. Guion: Wes Anderson, Roman Coppola. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Bruno Belbonnel. Reparto principal: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Richard Ayoade, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend, Hope Davis. Producción: American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Focus Features, Studio Babelsberg. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, suspense. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/the-phoenician-scheme/
Nuestras vidas son la suma de nuestras decisiones. Tom Cruise es Ethan Hunt en ‘Misión: Imposible- Sentencia Final’.
Crítica
Una proeza del cine de acción contemporáneo
En su octava entrega, ‘Misión: Imposible – Sentencia Final’ se erige como una proeza del cine de acción contemporáneo. Bajo la dirección de Christopher McQuarrie y con la siempre inquebrantable dedicación de Tom Cruise, la película ofrece una experiencia cinematográfica que desafía las expectativas y lleva la adrenalina al límite. Vuelven las clásicas máscaras, los saltos de fe y los artilugios tecnológicos que como siempre se sacan de la manga de la manera más forzada. Pero esta nueva es capaz de seguir sorprendiendo y de ir más allá.
La narrativa arranca con un montaje rapidísimo, ágil que repasa momentos clave de la franquicia, llevando al espectador por una montaña rusa de escenarios y personajes. Para algunos puede ser un arranque alborotado y precipitado, pero no se me ocurre mejor manera de plantear el entuerto que deben resolver. Durante casi la primera hora y media, la película salta de un lugar a otro con una energía frenética, estableciendo las bases para una segunda mitad repleta de acción ininterrumpida. Este ritmo vertiginoso mantiene al público al borde de su asiento, sin dar tregua al aburrimiento.
Sin John Connor hubiese conocido a Ethan Hunt la saga ‘Terminator’ habría terminado pronto. Se nos plantea una carrera a contrarreloj por acabar con la IA malvada conocida como La Entidad. La franquicia siempre ha respondido a ciertas inquietudes actuales que actualizaban los episodios creados por Bruce Geller. Pero este argumento resuena más que nunca con preocupaciones contemporáneas sobre la tecnología y su impacto en nuestros destinos. La inteligencia artificial irrumpe como un dictador que unilateralmente y de manera fría y calculadora va a imponer su criterio. Esta alcanza el estatus de problema mundial y lo que nos propone ‘Misión: Imposible – sentencia final’ es un cometido a escala global con una sincronización que como siempre se percibe como imposible. Todo para culminar en un clímax que son realmente cuatro a la vez. Casi tres horas de filme para que suceda todo en un parpadeo (cuatro parpadeos en realidad) y consiguen que funcione. Y como un parpadeo se pasa la película, no da tiempo a aburrirse, ya sea porque requiere nuestra atención a la hora de establecer las conexiones con las anteriores películas, ya sea por seguir el hilo de la enrevesada trama tecnológica que se han inventado o ya sea por mantenernos con la adrenalina al máximo. Y con todo y con esto, para mí, la escena más original ha sido la que transcurre más lenta y bajo el agua con un submarino haciendo la croqueta.
Uno de los aspectos más destacados y que a estas alturas es algo consabido por el espectador, es el compromiso de Cruise con las escenas de riesgo. El actor a sus 62 años es conocido por realizar sus propias acrobacias, lleva su cuerpo al límite en secuencias que desafían la lógica y la física. Desde colgarse de aviones en pleno vuelo hasta sumergirse en profundidades peligrosas. Cruise demuestra una vez más su dedicación al realismo y la autenticidad en cada escena. Su entrega es tal que, durante el rodaje de una escena aérea, llegó a desmayarse debido a la falta de oxígeno, evidenciando el nivel de exigencia física al que se sometió. Es evidente que trucos generados por ordenador hay. Pero se notan mucho las escenas que se han hecho de manera práctica y llega el momento en el que hay que plantearse quién está más loco, si Tom Cruise por jugarse el tipo para hacer estas proezas del entretenimiento o si el personaje que interpreta al arriesgar su vida en lances que son prácticamente un suicidio.
Durante el filme, incorporan elementos de las anteriores entregas, ya sea para darle coherencia a la cinta o para incluir sorpresas, algunas de ellas francamente inesperadas. Es importante en este sentido la interacción de Cruise con el resto del reparto, que tiene más que nunca presencia y peso en la trama, hasta llegar a una conclusión tan elegante como emotiva. Destaca el desarrollo del personaje de Hayley Atwell, cuyo devenir aporta frescura a la dinámica del equipo y rompe con las clásicas relaciones que suele tener Etan Hunt. Sin embargo, el villano interpretado por Esai Morales resulta menos convincente. Su actuación, aunque intensa, cae en la caricatura, recordando a los antagonistas más exagerados de la saga de James Bond.
A pesar de que el título sugiere un cierre definitivo, ni Cruise ni McQuarrie han confirmado que esta sea la última entrega de la franquicia. Ambos han dejado abierta la posibilidad de futuras películas, dependiendo de la recepción del público y el desempeño en taquilla. Y supongo que ahora o próximamente llegará el momento en que den carpetazo, dependerá también de los achaques de la edad. Lo que si que está claro es que no hay en el horizonte un sucesor, como han sugerido recientemente franquicias como ‘007’ o ‘John Wick’.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de mayo de 2025. Título original: Mission: Impossible – The Final Reckoning. Duración: 169 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman and Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss con Rolf Saxon, Lucy Tulugarjuk. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial:https://www.missionimpossible.com/
Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos
En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.
La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.
Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.
CAN’T STOP (6 min.)
Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio DavidFincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.
Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: musical
CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)
Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.
Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: comedia, acción, ciencia ficción
SPIDER ROSE (17 min.)
Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.
Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.
¿Tiene mensaje o reflexión?:
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama, acción
400 BOYS (15 min.)
Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: JohnBoyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y AmarChadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D y 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: acción ciencia ficción
THE OTHER LARGE THING (9 min.)
Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia
GOLGOTHA (10 min.)
Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.
Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: acción real con 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia, ciencia ficción
THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)
Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.
Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena.
Género: acción
HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)
Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.
Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D
Calidad de animación: excelente
Género: terror, acción
SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)
En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?
Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: comedia
FOR HE CAN CREEP (14 min.)
Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JBBlanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.
Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.
Atormentada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie regresa a casa para buscar a la única persona que podría romper el infausto ciclo. Así podría salvar a su familia de la macabra desaparición que les aguarda a todos de manera inexorable.
Crítica
La muerte vuelve a ponerse imaginativa para hacérnoslo pasar bien
Veinticinco años han pasado desde que la muerte nos mostrase como trabaja. Que si no logra su cometido crea mil inventivas para poder conseguir que sus víctimas terminen muertas. Y es que ‘Destino Final’ fue un éxito en todos los sentidos allá en los 2000. Y después de tantos años llegamos a la sexta película con ‘Destino final: Lazos de sangre’.
¿Qué os puedo contar? Me ha encantado, me he divertido muchísimo viendo como se han inventado mil y una maneras de morir nuevas. La nueva película de la saga es bastante gore, no se corta con nada, niños, adolescentes, familias completas… Y es que ‘Destino final: Lazos de Sangre’ nos trae como La Muerte va detrás de la familia de Stefanie, una joven que no para de tener una pesadilla recurrente y debe ir en búsqueda de la única persona que podría romper ese ciclo y salvar a su familia.
No quiero contar mucho más porque la verdad que aunque la trama es fácil y tampoco es que sea tremendamente complicada, es gracioso ir descubriéndola mientras ves morir a diferentes personas de esta familia.
Tiene bastante humor, bastante ácido, pero que sin duda en una película de estas características es necesario y el público que asistimos a este visionado, lo entendemos y disfrutamos.
Zach Lipovsky y Adam B. Stein (‘Freaks’ aquí nuestra crítica), son los directores de esta estupenda sexta parte. Y es que lograron llamar la atención de los productores después de una videollamada por zoom con éstos y recreando una de las muertes que aparecen en la cinta. Sin duda se nota que disfrutan con esta dirección, pues ‘Destino Final: Lazos de Sangre’ es muy canalla y muy visceral.
En el reparto encontramos a Brec Bassinger, April Telek,Rya Kihlstedt, Anna Lore, Gabrielle Rose,Teo Briones, Owen Patrick Joyner, Alex Zahara, Richard Harmon y TinpoLee.
Como gran protagonista encontramos a Kaitlyn Santa Juana, esta joven que comienza con pesadillas y se da cuenta que algo no está bien y decide actuar.
Y por supuesto volvemos a ver a Tony Todd, en su última película. Se nota que ya estaba enfermo pues aparece muy desmejorado. Pero admito que el gran homenaje que le hacen y se hace a si mismo en la película es muy bonito. Un final para su personaje muy digno y lleno de buenos consejos. Por supuesto la película está dedicada a él.
Poco más que deciros, id a verla al cine y disfrutadla, la verdad que películas así son un gustazo verlas con unas buenas palomitas y con amigos con los que divertirnos. Antes de terminar, comentaros, que tuve la oportunidad de verla en una sala 4DX y es una verdadera gozada.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Final Destination: Bloodlines. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein. Guion: Guy Busick, Lori Evans Taylor. Música: Tim Wynn. Fotografía: Christian Sebaldt. Reparto principal: Kaitlyn Santa Juana, Teo Briones, Richard Harmon, Owen Patrick Joyner, Rya Kihlstedt, Anna Lore, Brec Bassinger. Producción: Inzide Media, New Line Cinema, Practical Pictures, Québec Production Services Tax Credit, The Fusion Media. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.destinofinallazosdesangre.com/
Una vez más El Eternauta trasciende generaciones y contextos
Por fin, uno de los grandes hitos del cómic llega a nuestras pantallas: ‘El Eternauta’. Su camino hacia la adaptación no ha sido sencillo, y al igual que ‘Dune’, durante años pareció una obra «maldita». Hubo intentos fallidos de llevarla al cine, versiones en animación rotoscópica avaladas por el propio autor que nunca se concretaron, y proyectos frustrados por conflictos de derechos, agendas o enfoques creativos. En 2018, incluso Álex de la Iglesia manifestó su intención de adaptar esta obra emblemática, con Ricardo Darín como posible protagonista. Aunque ese proyecto no prosperó, el deseo se ha hecho realidad de otra forma: Darín finalmente encabeza el elenco de la esperada serie dirigida por Bruno Stagnaro, una producción de seis episodios para Netflix en colaboración con K&S Films.
Una nevada letal y un pulso electromagnético bastan para que importe poco si la historia transcurre en 2025 o en los años cincuenta: la humanidad se ve empujada de nuevo a una especie de Edad Media. Confinamiento, caos y una desorientación generalizada tiñen la trama de una inquietante familiaridad, especialmente tras sucesos recientes como el apagón en España. Más que ver esta serie, da la sensación de que la hemos vivido. El cómic original ha influido tanto en el imaginario colectivo que, en muchos aspectos, parece haber anticipado nuestro presente. Como apuntamos en El Simbionte, quienes piensen que esta historia resulta predecible deberían recordar que fue escrita en 1957, con una fuerza política tal que llegó a ser censurada en algunas versiones. Y mencionar esto es apenas rascar la superficie de todo lo que esconden sus viñetas.
¿Merecía la pena adaptarlo con el riesgo que supone exponerlo ante una audiencia que ha visto de todo? A parte de que parece que Darín estaba destinado a hacer homenaje a estas viñetas, se ha aprovechado para enlazar con la actualidad. Igual que hay diversas versiones y secuelas de ‘El Eternauta’ en las viñetas, las cuales modificaron o ampliaron la obra de Héctor Germán Oesterheld y Solano López y se convirtieron en parte de la lucha a raíz de la desaparición del autor y el asesinato de sus hijas por parte de la dictadura, esta adaptación de Netflix retrata la Argentina actual con algunos detalles nuevos y una empatía automática para el espectador que ha vivido eventos similares en 2020. Y es que ‘El Eternauta’ es ciencia ficción, es aventura bélica pero sobre todo trata de las gentes del país americano en el que se creó con capítulos escritos incluso desde la clandestinidad. Funciona a nivel universal pero por supuesto también como retrato de los argentinos. Quizá el estadio del River y toda la parte militar por venir sean los que más entronquen con el país sudamericano pero la serie funciona magníficamente como veneración a este clásico. Es más, traspasando sus fronteras la serie no podía llegar en un momento más oportuno, pues si el cómic original era una consecuencia de los miedos de la Guerra Fría, ahora nos encontramos en una situación política y social, muy similar, en la que la lucha de bloques, la ultraderecha y las guerras comerciales nos tienen en vilo. En cualquiera de sus lecturas sigue funcionando como un relato sobre la resistencia y la amistad.
Hay que tener en cuenta y reconocer que ‘El Eternauta’ es grande en muchos sentidos. Aunque esta producción sea una serie no da para contar la historia original, la cual dispone mucha reflexión sobre la condición humana, estampas propias de hazañas bélicas y muchos saltos en el tiempo. Es por ello que incluso el inicio ha cambiado, eliminando el auténtico impacto misterioso del Eternauta, no rodando la enigmática conversación original. Bien es cierto que el personaje de Ricardo Darín va sufriendo algunos detalles que dan sentido al título y se va retratando muy bien su personalidad y relación con el resto del elenco, pero la magia del arranque del cómic está desaparecida. También es verdad que podría haber sido osado grabar las primeras páginas en la que el propio Oesterheld se retrató en lo que probablemente fue uno de los primeros ejercicios de metalenguaje del noveno arte. Pero ese respeto hacia la figura del autor se respira también en la historia pues aunque los acontecimientos estén cambiados para responder a códigos, ritmos y tiempos televisivos, el mensaje y la intencionalidad original se mantiene.
Como comentaba es imposible condensar todo en una película o serie y al final nos confirman que habrá segunda temporada. Se ha filmado menos de un tercio del cómic, unas 100 páginas de 350. Hay detalles que se quedan en el tintero y sorpresas por aparecer pero esta versión de ‘El Eternauta’ es realmente un enganche. Lo que muchos percibirán, si han ido coleccionando las diferentes versiones del cómic, es que no hay un tono politizado. No al menos hasta que llegamos hasta el final, cuando corresponde con el tema militar. Quizá así se evita caer en populismos o aprovechar gratuitamente la tesitura actual. Es mucho lo que está en juego pues ‘El Eternauta’ es para muchos un clásico argentino que llega incluso a conformar una seña de identidad. Creo que por eso quizá se ha usado un matiz más blanco al respecto.
Ya decía que la presencia de Darín es crucial pues es un estandarte argentino en vida. Pero el director Bruno Stagnaro es clave pues ha demostrado con su filmografía conocer bien a las gentes de su país. ‘El Eternauta’ tiene ritmo, muy buena foto y un respetable desarrollo de personajes. La audiencia actual también se fija mucho en la calidad de los efectos (pues de tanto mirar el móvil no se valora correctamente el ritmo o el guión) y puedo adelantaros también que tanto los efectos prácticos como el CGI que nos muestra a una Argentina cubierta de una mortífera nieve están más que logrados, convirtiendo el trazo de los años cincuenta en lo que será fijo un clásico contemporáneo.
Un comienzo con nuevas intrigas y grandes momentos
Ya está confirmada la tercera temporada de ‘The last of us’ y aún no ha llegado a nuestras pantallas el primer episodio de la segunda temporada. Esto hace que veamos la gran fe que tienen en este gran producto. Y no es en vano, hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio antes de su estreno y podemos asegurar que siguen manteniendo el alto nivel que nos dieron con su comienzo.
Viajamos cinco años después de los acontecimientos de la primera temporada, Joel y Ellie se ven arrastrados a un conflicto entre ellos y a un mundo aún más peligroso e impredecible que el que dejaron atrás.
En este primer episodio, podemos ver las tiranteces que existen entre los dos protagonistas principales. Ellie, ya ha crecido y sin duda tiene ganas de librar batalla contra los infectados. Guardando su secreto, conviven en una paz ayudándose unos a otros como una gran comunidad. Pero como en todas las comunidades, siempre hay riñas.
En este primer episodio veremos nuevos personajes, sacados del videojuego, como son Abby, interpretada por Kaitlyn Dever o Dina, a la que da vida Isabela Merced. Ambos personajes son muy importantes en la trama de esta segunda temporada que se ve bastante intensa y de la que esperamos mucho más drama.
En el reparto de este primer episodio encontramos también a la gran Catherine O’Hara, Finn McCager, Grabriel Luna, Spencer Lord, Noah Lamanna, Tati Grabrielle, Robert John Burke, Ariela Barer, Ben Ahlers y Ezra Benedict Agbonkhese entre otros.
Por supuesto, Pedro Pascal y Bella Ramsey regresan para ponerse en la piel de Joel y Ellie. Un Joel muy machacado psicológicamente, el cual no ha sido capaz de perdonarse y una Ellie adulta bastante rebelde.
La verdad que este primer episodio, es bastante introductorio para conocer a estos nuevos personajes y nuevas situaciones. Además de que veremos un nuevo tipo de infectado que va a ponerles las cosas difíciles a nuestros protagonistas. Además de darle mucha más emoción a toda la trama. La escena en la que sale este nuevo ser, está muy bien rodada. Mas de uno ha pegado un buen salto en la sala de cine mientras lo veíamos. Os recomiendo ver el episodio a oscuras para adentraros bien en todo el ambiente que nos recrean, merece la pena.
Los últimos días, es el primer episodio de esta nueva temporada, la dirige Craig Mazin, showrunner de la serie. Tuvimos la suerte de poder asistir a una masterclass y la verdad que nos contó cosas muy interesantes de sus trabajos (aquí os dejamos el enlace).
Cada lunes tendremos la ocasión de ver un nuevo episodio en MAX. Desde el 14 de abril hasta el próximo 26 de mayo, donde podremos ver el desenlace de la temporada en el séptimo episodio. Por supuesto este último episodio termina dejándonos ganas de más y viendo que lo que se nos viene encima va a ser muy bueno.
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