Crítica: ‘Tres’

En qué plataforma ver Tres

Sinopsis

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Una diseñadora de sonido disfruta con su trabajo. Pasa muchas horas sola, grabando efectos sala, wild-tracks, editando, mezclando. El estudio es su último refugio: un lugar donde postergar las averiadas relaciones que mantiene con su expareja, con su anciana madre y con sus compañeros de trabajo. Aunque ella aún no lo sabe, C. está comenzando a desincronizarse. Como si fuera una película mal sonorizada, su cerebro ha comenzado a procesar el sonido más tarde que las imágenes.

De repente está curada, pero ya no es la misma. Su odisea sensorial la ha hecho madurar. Ahora dispone de una segunda oportunidad. Está en sus manos no dejarla escapar.

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Crítica

Educa indirectamente al espectador

‘Tres’ es de esas propuestas que te sorprenden pues te esperas un sencillo drama y te encuentras con algo más. Un filme fantástico dentro de lo que me gusta llamar “ciencia ficción sentimental”. Su toque ficticio se utiliza para desarrollar el plano psicológico de la protagonista. Y aunque no tenemos espectacularidad si efectos especiales, aunque estos no se vean están ahí, porque son de sonido.

El director Juanjo Giménez acierta desde el principio arrancando la película con los retoques de una escena que va incorporando poco a poco el sonido, mostrando la consola de trabajo de la protagonista… De ese modo consigue que el espectador ponga su atención en lo que oye, algo que va a ser importante durante todo el visionado. Además así se hace un poco de justicia pues aquellos que se dedican a mezclar o editar lo que oímos en las películas permanecen siempre en el olvido, educa indirectamente al espectador.

Marta Nieto interpreta a una técnica de sonido que lleva tiempo acumulando errores, que no se encuentra bien por alguna razón. Su problema se acrecienta por una aberración sonora en la realidad. Comienza a recibir los sonidos más tarde, un tiempo después de ser emitidos, como nos sucede al escuchar el trueno fruto del rayo que acabamos de ver. Esto además afecta a su vida profesional pues se dedica a retocar el sonido de anuncios o películas. Ahora que está tan de moda hablar del bienestar emocional podemos decir que ‘Tres’ no puede llegar en mejor momento. El filme plantea un reto a Marta Nieto que tiene que actuar con desfase, como si fuese alguien lento de entendederas, pero muy consciente de lo que le está pasando. Nieto como siempre y en su película más fantasiosa cumple con creces.

‘Tres’ es una película que nos deja también escenas para el recuerdo. No se me va a olvidar el ingenio y la emotividad de la escena que arranca en la cafetería siguiendo los pasos de la voz de Miki Esparbé. Son momentos que refuerzan más mi apelativo de “ciencia ficción sentimental” pues la herramienta para esbozar el plano emotivo de la protagonista proviene de un evento fuera de toda lógica.

Bien es cierto que la película se queda estancada en algún momento y que me ha dado la sensación de haber visto algo similar, me pasa desde que la vi en Sitges y aún no he conseguido recordarlo. Pero no ensucia mi impresión de la película pues el guión además de ofrecer varios momentos que podrían clausurar el filme tiene el tino de ofrecernos una explicación.

A continuación y para terminar, escribo lo que considero que no es un spoiler, simplemente mi interpretación de lo que sucede en la película. Otro acierto del director es el vínculo que crea. Cuando creemos que estamos en paz es cuando sentimos cierta armonía en nuestra vida. Eso es lo que le pasa a la protagonista, que cuando no está en paz con su pasado o no ve claro su futuro se desincroniza con la realidad. El desfase de sonido es una manifestación de la incomodidad que siente la protagonista con su vida. Eso y que, como salimos diciendo muchos tras uno de los pases en Sitges, un buen polvo lo cura todo.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de noviembre de 2021. Título original: Tres. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Juanjo Giménez. Guion: Juanjo Giménez, Pere Altimira. Música: Domas Strupinskas. Fotografía: Javi Arrontes. Reparto principal: Marta Nieto, Miki Esparbé, Fran Lareu, Luisa Merelas, Cris Iglesias, Julius Cotter, Iria Paranda. Producción: Axencia Galega das Industrias Culturais, Canal+, Crea SGR, Frida Nadir, Manny Films. Distribución: Filmax. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/tres.233

Crítica: ‘El Caballero Verde’

Sinopsis

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El Caballero Verde es una aventura de fantasía épica basada en la eterna leyenda artúrica, que relata la historia de Sir Gawain (Dev Patel), el temerario y testarudo sobrino del Rey Arturo, que se embarca en una valiente búsqueda para enfrentarse al Caballero Verde, un desconocido gigante de piel esmeralda que pone a prueba a los hombres. Gawain se enfrenta a fantasmas, gigantes, ladrones e intrigas, en lo que se convierte en un profundo viaje para definir su carácter y demostrar su valía a los ojos de su familia y su reino, enfrentándose así al desafío definitivo.

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Crítica

Majestuosa y preciosista, una aventura medieval muy estimulante

Este jueves 28 de octubre llega a nuestras pantallas ‘El Caballero Verde‘ a través de Amazon Prime. La cinta dirigida por David Lowery (‘A Ghost Story’) y protagonizada por Dev Patel, nos lleva a esa Edad Media de cuento, en la que la niebla se adentra en los bosques y los verdes son muy verdes. Esa atmósfera perfectamente reflejada en una cinta que avanza despacito pero que tiene una historia muy entretenida.

Sir Gawain, el temerario y testarudo sobrino del Rey Arturo, se embarca en una valiente búsqueda para enfrentase al Caballero Verde, un desconocido gigante de piel esmeralda que pone a prueba a los hombres.

Como digo, es una aventura de caballeros en la que vemos como nuestro protagonista se encontrará con gigantes, para mí una de las escenas más bonitas, fantasmas, ladrones y por supuesto intrigas.

Es una historia de aprendizaje, en el que Gawain se conocerá a sí mismo, conocerá el miedo, pero también la valentía.

Sinceramente a mí la película me encantó, entré en ella desde el principio y es una película paisajística. Teniendo en cuenta quien es el director de la cinta, un hombre que hizo que viésemos durante 15 minutos comerse una tarta a Rooney Mara, pues la película trepidante no es. Pero lo dicho, sus más de dos horas a mi no me pesaron para nada.

Admito que podría haber quitado metraje, si, pero es verdad que tiene unas imágenes tan bellas que al final te adentran en esta leyenda tan cuidada. El director de fotografía Andrew Droz Palermo, realiza un trabajo preciosista. Impregnando la pantalla de grandes paisajes. Como he comentado, con una especie de neblina en muchos de ellos, dándole ese toque de cuento. Los colores de la película son apagados, pero si que destacan los amarillos y los verdes.

El CGI me ha parecido muy bueno, vemos animales hablar, como he dicho, gigantes caminando por grandes montañas, fantasmas y criaturas con un gran trabajo de diseño y además muy bien realizadas, dando mucha veracidad a esta historia.

En cuanto al reparto, Dev Patel nos muestra esa arrogancia que necesita su personaje. Pero también con una sola mirada, el miedo y la cobardía. Admito que me gusta mucho su trabajo y aquí no hace más que demostrar lo buen actor que es.

Otro de los actores que mas me han llamado ha sido Joel Edgerton, su personaje, un caballero misterioso y amistoso, nos da una de las mejores aventuras de Sir Gawain.

En el resto del reparto tenemos a Alicia Vikander, Barry Keoghan, Ralph Ineson, Kate Dickie entre muchos otros. Pues al final en la película salen un sin fin de personajes con los que nuestro caballero va encontrándose en sus distintas aventuras.

‘El Caballero Verde’, es una aventura tremenda por lugares escarpados, bosques y castillos que pese a su ritmo, muchos la disfrutaréis. Además es una demostración de como la historia se puede deformar al gusto de todos y convertirse en una gran leyenda.

Me parece una pena que no se haya estrenado en salas de cine, pues con las imágenes que tiene, lo merecía. Así que ya sabéis, a partir del 28 de octubre la podréis encontrar en Amazon Prime Video.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre 2021 Título original: The Green Knight. Duración: 130 min. País: Estados Unidos. Dirección: David Lowery. Guión: David Lowery. Música: Daniel Hart. Fotografía: Andrew Droz Palermo. Reparto principal: Dev Patel, Barry Keoghan, Alicia Vikander, Ralph Ineson, Kate Dickie, Erin Kellyman, Joel Edgerton, Sarita Choudhury, Sean Harris, Helena Browne, Emilie Hetland, Anthony Morris, Megan Tiernan, Noelle Brown. Producción: Sailor Bear, A24, Ley Line Entertainment, Creative Wealth Media Finance, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: Fantástico, Drama. Web oficial: https://a24films.com/films/the-green-knight

Crítica: ‘Cazador contra cazador’

Sinopsis

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Con una atmósfera en todo momento inquietante, la película sigue a la familia Mersault, que vive en el bosque y sobrevive vendiendo pieles de los animales que cazan. Cuando lo que parece ser un lobo salvaje amenaza su medio de vida, el padre decide salir a investigar.

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Crítica

Una cinta de supervivencia y locura

Uno de las películas que más me sorprendieron en el Festival de Sitges de 2021 fue ‘Hunter Hunter’. En castellano la han llamado ‘Cazador contra cazador’ que supongo que es como la encontraréis en el catálogo de Movistar +.

La cinta nos lleva a un bosque interminables, en el que sobrevive una familia a duras penas de lo que les da la Tierra y de la caza. Un día aparece un temible lobo que les va a poner su vida patas arriba.

Dirigida por Shawn Linden, la película aunque pausada, nos adentra de una manera espectacular en ese paraje lleno de vida y a la vez tan yermo. Un lugar que por mucho que nuestro protagonista vea que es un buen sitio para tener una familia, es triste y deprimente.

Supongo que el ritmo de la ‘Cazador contra cazador’ es así, para introducirnos de lleno en la película. La familia se compone del padre, la madre y la hija, los tres se dedican a cuidar la casa y a sobrevivir en aquel lugar. Mola mucho como vas viendo el día a día de esta familia. Y cuando llega el lobo, como deben protegerse de cualquier manera.

Davon Sawa, al que hemos visto por doble en el regreso de Chucky, logra un trabajo estupendo. Hacía muchísimo tiempo que no veía a este actor y la verdad que su regreso me ha parecido genial. Su papel de padre y marido protector llega a ser un poco irritante.

Camille Sullivan, da vida a esta madre harta de todo, y sin duda ha sido la encargada de darme, si no el mejor, uno de los mejores finales del Festival de Sitges. No os lo perdáis, Os va a dejar alucinados.

Summer H. Howell y Nick Stahl son parte también de esta historia que se va complicando por segundos y engancha desde el principio.

Como he dicho la atmosfera de la película me parece increíble, te adentra de lleno y eso es gracias a la gran fotografía que tiene la película. Greg Nicod hace un trabajo muy bonito con todo lo que tiene a mano.

La dirección está muy bien, llega un momento que la locura se mete en nuestros protagonistas y esos planos que no saben ni donde miran y te confunden todo el rato.

Gracias a Movistar +, la podéis ver en casa y disfrutarla, como os digo, el final os va a dar una patada en el estómago. 

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de octubre de 2021. Título original: Hunter hunter. Duración: 93 min. País: Canadá. Dirección: Shawn Linden. Guión: Shawn Linden. Música: Kevon Cronin. Fotografía: Greg Nicod. Reparto principal: Camille Sullivan, Summer H. Howell, Devon Sawa, Nick Stahl. Producción: Julijette, MarVista Entertainment, Particular Crowd. Distribución: Movistar +.  Género: Terror, thriller. Web oficial: https://ver.movistarplus.es/ficha/cazador-contra-cazador/?id=53524379&mediaType=FOTOV&profile=anonimo&mode=VODRU7D&version=7.1&tlsStream=true&mdrm=true&catalog=events&network=yomvi

Crítica: ‘Halloween Kills’

Sinopsis

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Minutos después de que Laurie Strode, su hija Karen y su nieta Allyson dejaran a Michael Myers ardiendo en el sótano de la casa de Laurie, esta última es trasladada al hospital con heridas graves. La familia Strode piensa que Myers ha muerto, pero el asesino más famoso de Haddonfield escapa de la trampa y vuelve a las calles para matar. Jamie Lee Curtis se vuelve a enfrentar al asesino de la máscara.

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Crítica

Divertida, burra y sin pretensiones.

Estamos cerquita de Halloween y no podríamos celebrarlo de una mejor manera que con la nueva cinta de Michael Myers.

‘Halloween Kills’ es una mamarrachada, pero de las buenas. ‘La noche de Halloween’ no me terminó de gustar, me pareció un mensaje feminista demasiado forzado cuando era una película que no necesitaba este tipo de mensajes. No la recuerdo muy bien, que conste, pero recuerdo esa sensación y ese último pensamiento.

‘Halloween Kills’ en cambio, es como he dicho, una mamarrachada, pero que tampoco quiere aleccionar a nadie. Simplemente mostrarnos un montón de muertes salvajes y poco más.

Secuela directa de ‘La noche de Halloween’, seguimos a nuestras heroínas hacia el hospital para curar sus heridas. Mientras tanto, y esto no lo considero spoiler, pues sin él no habría película. Michael logra escapar y danzar a sus anchas por todo el pueblo.

Si, su objetivo es Laurie pero si se puede llevar a gente del pueblo mientras tanto mejor, que mejor.

Entre toda esta historia, el camino de Michael en la búsqueda de su enemiga y las vivencias en el hospital, nos van pasando al pasado, donde vemos como comenzó todo.

‘Halloween Kills’ rescata personajes pasados, que si sois fans de la saga os encantará y si no, es momento que os de la curiosidad y revisad las antiguas cintas para conocer a estos personajes.

El equipo de la película es el mismo que el de ‘Noche de Halloween’ y eso es bueno, porque la continuidad se nota. Sé que en este tipo de películas tampoco importa demasiado, pero oye, es un punto a su favor. David Gordon Green vuelve  ponerse tras las cámaras, mientras que seguimos teniendo a la gran Jamie Lee Curtis en el papel de Laurie Strode. Judy Greer y Andy Matichak vuelven a repetir en sus respectivos papeles.

Como he dicho, los asesinatos son bastante burros y si os gusta ver muertes originales, ‘Halloween Kills’ no os va a defraudar.

Cosas que no me han entusiasmado, la escena del hospital, creo que se les va de las manos demasiado para el desenlace que dan. Sí, nos quieren enseñar qeu somos borregos cuando el miedo y la ira entra en nuestras vidas, pero no sé, no me ha terminado de convencer.

La película llega a nuestros cines este 22 de octubre y la tendréis para poder verla en Halloween. Michael Myers os acompañará en esa noche de terror que tanto nos gusta.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Título original: Halloween Kills. Duración:. 105 min. País: Estados Unidos. Dirección: David Gordon Green Guión: David Gordon Green, Danny McBride, Scott Teems. Música: Cody Carpenter, John Carpenter, Daniel A. Davies. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak, Will Patton, Anthony Michael Hall, Thomas Mann, Nick Castle, James Jude Courtney, Kyle Richards, Robert Longstreet, Dylan Arnold, Stephanie McIntyre, Omar Dorsey. Producción: Blumhouse Productions, Trancas International Films, Miramax, Rough House Pictures, Universal Pictures Distribución: Universal Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://www.universalpictures.com/movies/halloween-kills

Crítica: ‘Titane’

Sinopsis

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Después de una serie de crímenes que han quedado inexplicados, un padre reencuentra a su hijo desaparecido hace 10 años.

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Crítica

Peculiar o particular, pero no plantea nada en especial

Empezar una película con el ‘Wayfaring stranger’ de Johnny Cash es mucho decir, sobretodo cuando hace poco ha sido excelentemente rememorado en ‘1917’. Decir en una entrevista que odias la provocación cuando tu filme arranca con unas bailarinas sobre coches espaturrando las tetas mojadas contra el cristal mientras unos pokeros miran babeando también es negarse lo evidente a uno mismo. Bien es cierto que ‘Titane’ tiene algunos argumentos valiosos, pero también es verdad que los desarrolla poco, se distrae o no los explora correctamente.

Leo en la cartelería de la película en España: “La revolución del cine fantástico”, ni de lejos. También se lee en esa creatividad que “Todo en ‘Titane’ es una fiesta”, confundiendo fiesta con ida de olla. ‘Titane’ tiene momentos muy locos, alguna que otra fiesta, pero no se percibe en ella ninguna celebración y durante algunos compases adormece sin ofrecer nada nuevo, nada que no hayamos visto en películas que emulen el juego del cuco o la suplantación. Debe ser que Ducournau alucinó con el trío de ‘All about Yves’ y decidió marcarse su propio ménage à trois malsano y automovilístico.

Quizá yo no la haya entendido o no estoy en sintonía con las hechuras del filme, cosa que me extrañaría pues le doy a todo tipo de cine, pero todo es posible y estaría dispuesto a ver la película con alguna otra perspectiva. Lo que más me extraña de ‘Titane’ es no encontrarle a la protagonista una motivación, quizá si un conflicto, que empieza con su padre pero que pronto se olvida de argumentar. Y lo peor es que el componente desconcertante del filme está como mero atrezo, no tiene un simbolismo justificable. No hay un claro disparador en el personaje de Agathe Rousselle. Para aludir a un elemento tan resistente como el titanio me sorprende lo poco que se sostiene el filme, aún más cuando la directora viene de dirigir episodios tan bien apuntalados como los de ‘The Servant’.

Muchas veces se alude a la composición fotográfica de un largometraje para hablar por lo menos bien de algo de una película. Pero es que eso si que está logrado en ‘Titane’. No solo la foto fija, si no también el movimiento de cámara que nos lleva por un ambiente enrarecido y lleno de testosterona. Al igual que está bien claro cómo la directora habla sobre la explotación, degradación y el culto al cuerpo, de lo poco que deja bien retratado de principio a fin. Ahí percibimos también que se quiere hablar de una protagonista aparentemente tan sólida como el titanio pero a la vez maleable y cambiante.

No basta con que un filme sea una cosa de locos para que cale, no comparto esa Palma de Oro. Cuando un filme te pregunta cosas o por lo menos demuestra inquietudes por parte de su director/a es cuando cobra valor. Es todo un chasco ver como ‘Titane’ siembra cosas pero no recoge frutos. Doucournau ha emprendido la senda de Gaspar Noe, Von Trier o Verhoeven, cuanto antes asuma la controversia que es capaz de generar antes logrará penetrar en nuestras mentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Titane. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs Salame. Producción: Kazak Productions, Frakas Productions, Arte France Cinéma, VOO, BeTV, Canal+. Distribución: Caramel Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://neonrated.com/films/titane

Crítica: ‘Madres paralelas’

Sinopsis

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Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas.

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Crítica

Dos historias demasiado potentes para contar en una sola película

Que difícil me ha sido escribir esta crítica, pensar bien lo que vi el otro día en el pase de prensa y sopesar mis primeras impresiones.

Admito que salí bastante decepcionada con el nuevo trabajo de Pedro Almodóvar. Si, puedo ser exagerada, ni que Almodóvar me deba nada a mí. Pero he utilizado esa expresión porque en sus ‘Madres paralelas’ nos cuenta dos historias que me atraen mucho, interesantes y que ojalá no las hubiese juntado. Porque creo que ambas historias hubiesen funcionado mucho mejor por separado.

En la película conocemos a Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smith), dos mujeres a punto de dar a luz solas y que se hacen amigas después de toda esta experiencia. Por distintos avatares de la vida, tardan un tiempo en volver a reencontrarse.

Dentro de esta historia de amistad, amor y maternidad encontramos también la lucha por la memoria histórica, tan actual y necesaria. Es una película bastante política. No he visto demasiado cine de Almodóvar y esto me ha chocado bastante.

Pero como os he comentado no me ha terminado de funcionar la manera en la que han introducido las dos historias, ojalá las hubiese separado y hubiésemos tenido dos cintas memorables. El tema de la memoria histórica termina dejando de ser interesante ya que tampoco se le termina dando la importancia que, creo, el director quería darle.

Toda la parte de esas dos madres me ha fascinado. Una historia un tanto loca, triste y con un humor bastante sarcástico, logra mantener en pie esta película. Nos muestra lo duro y bonito de la maternidad y el amor en todas sus fases.

Penélope Cruz está inmensa, le da tanta naturalidad a su Janis que no tienes ningún tipo de problema a la hora de creerte su historia y a su personaje. Sus decisiones, malas o buenas, las entiendes siempre, ya que desde el minuto uno, logras conocer perfectamente a esta mujer fuerte y decidida.

Milena Smith nos da a cambio a una mujer que está aprendiendo a serlo por fuerza y a la que le queda mucho por aprender. Un personaje muy dulce y tierno que borda.

En el resto del reparto encontramos a Aitana SánchezGijón, Rossy de Palma, Daniela Santiago, Julieta Serrano, Israel Elejalde, Adelfa Calvo, Julio Manrique o Inma Ochoa entre otros.

El rojo y el verde son los colores destacados de esta película. Una de las cosas que más representa el cine de Pedro Almodóvar, son sus colores y aquí hace realmente ahínco en estos dos.

El 5 de octubre conoceremos si es la elegida para el camino hacia los Oscar y el 8 de octubre tendremos su estreno en todas las salas españolas.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Madres paralelas. Duración: 123 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Jose Luis Alcaine. Reparto principal: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Daniela Santiago, Adelfa Calvo. Producción: El Deseo, Remotamente Films, RTVE. Distribución: Sony Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/madres-paralelas

Crítica de ‘La Fortuna’, la serie de Alejandro Amenábar

Sabor a novela gráfica, pinceladas de realidad y acabado de calidad

Hemos visto 3 de los 6 capítulos de ‘La Fortuna’, primera incursión de Alejandro Amenábar para la televisión de la mano de Movistar+ y contándonos una historia basada en la novela gráfica ‘El tesoro de Cisne Negro’ a su vez basado en hechos reales.

El relato no es otro que la historia del mayor expolio de un tesoro de un barco español que fue hundido por la armada inglesa y descubierto por una empresa cazatesoros estadounidense.

Amenabar se ha implicado no solo en la dirección del proyecto, sino también en el guión y el resultado visto lo visto es un thriller político con un toque de aventura, humor, una ración de acidez, un poquito de romance y en definitiva, un producto de calidad que mantiene el interés en todo momento.

Aunque la acción se desarrolla a principios de este siglo, también se ven flashbacks que nos trasladan al año 1804 y se nos muestra cómo se produjo el infame ataque y el hundimiento de la fragata de guerra que causó posteriormente la batalla de Trafalgar y más tarde la invasión de Napoleón a España. Buen diseño de producción y se nota la buena mano en la dirección para que la narrativa fluya y la serie adopte un estilo de clásico de aventuras a lo “Tintín”.

Pero lo que realmente se cuenta es como una pareja singular de protagonistas, un joven diplomático inexperto pero muy voluntarioso (Alvaro Mel) y una funcionaria con mucho carácter que no tiene pelos en la lengua (Ana Polvorosa) se encuentran en medio de esta singular aventura investigando el descubrimiento del pecio español en medio de las presiones políticas, económicas y sociales que implican tal hallazgo.

No veo ningún personaje plano, sino que todos tienen un desarrollo a lo largo de los capítulos y vamos viendo las verdaderas motivaciones de cada uno.

La trama nos va mostrando poco a poco nuevos elementos que incrementan el misterio que rodea a ‘La Fortuna’ y nuestros intrépidos protagonistas van descubriendo junto con el espectador todos los intereses que hay puestos en el pecio descubierto.

Amenabar no deja títere con cabeza y hasta lo visto tiene para todos: caricaturiza de aquella manera la política española y su gestión. Nos reímos con el personaje del ministro encarnado por un genial Karra Elejalde y luego uno piensa que se parece todo demasiado a la realidad.

También es una crítica al capitalismo, a todo lo que pervierte el dinero y ahí pone a los americanos como punta de lanza. Hasta tiene tiempo de meterse con la flema imperialista inglesa en su narración del hundimiento de ‘La Fortuna’.

Mal aliado “Don dinero”, causante de muerte, engaños, robos y corrupción. Esta historia también va de eso.

Decir que el reparto internacional también brilla y tiene también a caras tan conocidas como Stanley Tucci, al que he visto en infinidad de producciones de Hollywood y que aquí es el antagonista principal. El resto del elenco está también a la altura de la calidad de la serie.

En definitiva, ‘La Fortuna’ cumple con la calidad que uno espera de un fenómeno como Alejandro Amenábar, a la que impregna con un estilo a clásico de aventuras. Las localizaciones nos llevan desde España a Estados Unidos dónde viviremos un interesante thriller judicial y estoy seguro de que querréis saber cómo acaba todo. Yo al menos, después de 3 capítulos sí.

Amenábar confirma la tendencia que desde hace un tiempo estamos viendo. Los grandes actores y actrices, directores y guionistas se embarcan cada vez más en proyectos para la televisión. Una industria que con la aparición de las plataformas de contenido streaming ha cambiado el concepto de ver la propia televisión e incluso de ir al cine (o no ir). Son los tiempos que corren, saturados de oferta televisiva, donde surgen producciones como ‘La Fortuna’ que elevan el nivel entre la mediocridad de muchos títulos y me alegra en grado sumo que en España la industria audiovisual alcance esas cotas de buena calidad en muchas de sus series y películas. Que siga así.

‘La Fortuna’ se estrena el 30 de septiembre en Movistar+.

Crítica: ‘Benedetta’

Sinopsis

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A finales del siglo XV, con una plaga asolando la tierra, Benedetta Carlini se une como novicia al convento de Pescia en la Toscana. Benedetta, que desde muy joven ha tenido la capacidad de realizar milagros, llega a la comunidad y su impacto será inmediato y trascendental.

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Crítica

Me río yo (y Verhoeven) de los éxtasis de Santa Teresa

La provocación es un acto de rebeldía o de búsqueda de reacción que está muy bien cuando esta tiene algún objeto concreto o por lo menos cuando se utiliza de manera diferente o novedosa. Que Paul Verhoeven es un provocador lo sabemos y lo disfrutamos la mayoría de las veces. Cual antítesis de Instagram nunca se ha cortado a la hora de mostrar un pezón e incluso más, como los tripechos de ‘Desafío total’. El director holandés se regodea en sus más oscuras ideas y nos lleva a una lasciva Italia del siglo XV.

¿Recordáis aquellas películas o ministeries de sábado por la tarde en Telecinco que venían anunciadas como “grandes relatos”? Ese es el sabor que me deja a mi ‘Benedetta’. Un drama histórico con romance y giros melodramáticos. Con el añadido de tener de manera gratuita y por reiteración algunas escenas de cama que van a escandalizar a más de un puritano.

La historia nos habla de una joven que es internada en un convento. O más que internada casi habría que decir vendida y cambiada cual tocomocho a la avariciosa y usurera iglesia de la época. Esa joven comienza a destacar entre sus “hermanas” por la devoción que siente y que ve recompensada. No hay nada de especial en esta historia que se basa en un libro de Judith C. Brown que a su vez se inspiró en el mito de Benedetta Carlini.

No veo epifanía u obra maestra en este filme. Lo único que saca a esta historia de otras narraciones católicas es el hecho de que la monja era lesbiana. Y en esas interpretaciones lésbicas obviamente la atención se centra en una más que exagerada Virginie Efira. Quizá nadie se ha atrevido a hacer antes esta adaptación por el choque se podría suponer para la sociedad cristiana, pero precisamente eso es lo que pide este filme, haberse estrenado hace treinta años o más.

El único logro de ‘Benedetta’ es el mantenernos en vilo entre tres posibilidades, dejando además cualquiera de las tres abiertas en el cierre y a la libre interpretación del espectador. Deambulamos entre escenas que nos indican que la protagonista es una timadora o aprovechada, entre momentos que nos hablan de puro evento místico y también de instantes en los que parece que de lo que habla el filme es de que algunos locos se creen sus propias mentiras.

No se si Verhoeven es religioso o no pero forma parte de un seminario que estudia los hechos reales de Jesús. Si demuestran que Cristo iba por ahí partiendo cabezas a mandoblazos como en el filme yo me hago monaguillo. La verdad es que parece que el director se ríe de la construcción de los Santos hasta tal punto que deja los éxtasis de Santa Teresa en un mal colocón.

Que si, que mete una vez más su violencia explícita. Pero si ‘Benedetta’ hubiese tenido un conflicto tan bien trabajado como el que tenía ‘El tercer milagro’ de Agnieszka Holland o suscitase un debate como ‘Amarás al prójimo’ de Malgorzata Szumowska quizá hubiese alcanzado el tono correcto.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de octubre de 2021. Título original: Benedetta. Duración: 127 min. País: Francia. Dirección: Paul Verhoeven. Guion: David Birke, Paul Verhoeven. Música: Anne Dudley. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Reparto principal: Virginie Efira, Charlotte Rampling,  Lambert Wilson, Daphne Patakia, Olivier Rabourdin. Producción: SBS Productions, Pathé, Belga Films Found, Canal+, France 2 Cinema, Indéfilms7, Topaki Films. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: http://www.sbs-distribution.fr/distribution-france-benedetta

Crítica de ‘Misa de medianoche’

Confundir el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas de la fe

El nombre de Mike Flanagan se popularizó tras la impactante y exitosa ‘La maldición de Hill House’. El director nacido en Salem está dejando su impronta en la historia del cine de terror norteamericano y no hace mucho dividió opiniones con su adaptación de ‘Doctor Sueño’. Ahora vuelve a retomar su estilo, ese pausado y bien construido con ‘Misa de medianoche’, una obra original que se estrena en Netflix el próximo 24 de septiembre.

Esta serie de siete episodios nos lleva hasta Crockett Island, en donde tan solo 127 habitantes viven a la espera de la vuelta de su anciano párroco. Un lugar muy católico que recibe la visita de un sustituto para sus misas. También regresa un joven hijo pródigo que llevaba fuera años tras estar encarcelado. A partir de entonces y de menos a más las cosas raras van sucediendo. Lo que al principio me ha recordado un poco a ‘El tercer día’ después se ha convertido en una especie de ‘Cocoon’ malvado. Se acaba inclinando más y más hacia el terror, como era de esperar siendo una serie de Flanagan y también, como cabía imaginar, se divide entre las batallas personales de cada uno y lo fantástico o misterioso.

La mezcla de drama, religión y fantástico terrorífico recuerda un poco a Stephen King, a quien ya versionó Flanagan en 2019 como he mencionado antes. La serie nos deja intuir ya en su segundo capítulo de qué trata y en el tercero lo desvela abiertamente, aunque con constantes tabúes. Entonces diréis, si se descubren las cartas en el tercero, ¿luego qué? Posteriormente la serie mantiene nuestro interés porque ‘Misa de medianoche’ reescribe uno de los mitos del terror más clásicos y lo hace de un modo creativo e interesante. Empuña una idea que usa el poder aterrador de Dios, un discurso aplastante y nuevo que se agradece, hace que merezca la pena todo lo que tarda en arrancar. Algunas charlas y momentos como el final del episodio cinco son prueba de ello. De hecho ese quinto capítulo podría funcionar como una película por si sola que nos asalta con un final desolador. A partir de ese momento ya se desata la cosa.

Como es de imaginar la nota religiosa domina la serie. Partamos del hecho de que se llama ‘Misa de medianoche’ y sus episodios llevan nombres de libros de la Biblia tales como Génesis, Salmos, Proverbios, Evangelio… Todo el discurso de esta inteligente producción se fundamenta y adorna con la parafernalia católica. Estos argumentos no solo se desarrollan con una relación fantástica, también cogen fuerza con dos grandes interpretaciones, la de Hamish Linklater en la piel de un joven cura que resulta tan reconfortante como eufórico y la de Samantha Sloyan que lleva a cabo un papel que recuerda al de Marcia Gay Harden en ‘La niebla’ de Frank Darabont, una católica remilgada y soberbia a la que le coges manía desde su primera escena.

Fe y culpa. El magnetismo de la palabra y obra de Dios frente al raciocinio que ve que Dios permite sufrimiento y horrores en su misterioso e inescrutable plan. Abundan los discursos que mutan muy convenientemente según se suceden los hechos. ‘Misa de medianoche’ lleva hasta el extremo el que muchos confundan el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas y las vendas que la fe pone a aquellos que son fundamentalistas.

Además de esos dos protagonistas aparecen otros habituales de Flanagan como su esposa Kate Siegel o Henry Thomas. Algunos de ellos aparecen muy maquillados, envejecidos. Esto también hace que te veas venir que más adelante conoceremos una versión más jóvenes de ellos, pues de lo contrario el casting incluiría a actores más mayores que se les pareciesen. Y cuando descubres que eso tiene su utilidad y sentido te vuelve a pasar lo mismo que cuando descubres el pastel en el segundo episodio, que se mantiene el interés. El trabajo de maquillaje es muy importante, está bien ejecutado, como no lo estuvo en ‘Tiempo’ y eso que ahí era igual de necesario.

‘Misa de medianoche’ tiene tomas que ya reconocemos como propias de Flanagan. Vemos secuencias aéreas como las que usó en ‘Doctor Sueño’ o planos americanos muy al estilo de aquellos que nos inquietaban en ‘La maldición de Hill House’. Esta serie se aleja de esa propuesta pues el argumento es muy diferente, no obstante también nos pide una paciencia que acaba siendo recompensada.

Crítica: ‘No respires 2’

Sinopsis

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La secuela tiene lugar años después del mortal allanamiento de morada inicial, en los que Norman Nordstrom (Stephen Lang) vive en una discreta calma hasta que sus pecados del pasado le alcanzan.

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Crítica

Violencia visceral y mucha acción es lo que nos da ‘No respires 2’

Este viernes 24 de septiembre llega a nuestras salas de cine ‘No respires 2‘. Tras el éxito de su primera entrega, nos volvemos a encontrar con El Hombre Ciego, este militar ciego al que le encanta repartir pana. Pero esta vez no está solo, sino que tiene a su hija Phoenix de 11 años. Esta vez, tiene que proteger su casa y a su hija de un grupo de militares que tienen una extraña obsesión por ella.

Su primera entrega, dirigida por Fede Álvarez, tenía muchas cosas que le daban valor. La genialidad que un hombre ciego, víctima de un robo en su propia casa pasara de ser víctima a villano. Además del buen uso de la oscuridad y como jugaba con los ladrones. Aun así, no me terminó de gustar, pese al giro macabro, la película no me decía nada. La he vuelto a revisionar y me ha dejado completamente igual. En cambio esta, pese a su guion e historia sin sentido, ha logrado divertirme y entretenerme.

‘No respires 2’ logra cambiar las tornas, y es que nuestro villano pasa a ser la víctima. No digo héroe, porque un santo ya os digo yo que no es.

La película, ahora dirigida por Rodo Sayagues, guionista de la primera junto a Fede Álvarez, también tiene un giro bastante turbio al final. Pero aunque como os he dicho, sea un sin sentido, la película engancha porque no se anda con chiquitas y la acción comienza bien pronto.

Una de las cosas que más me ha gustado de ‘No respires 2’ ha sido toda la violencia gratuita que tiene. Es bruta como ella sola, no se cortan ni un cacho en enseñar cráneos destrozados, labios pegados con cola y cuerpos quemados. Las coreografías son tremendas. Al final, estamos hablando de un montón de militares bien entrenados contra un hombre que aunque es bueno, tiene ya cierta edad.

La niña, Madelyn Grace, la verdad que se mueve estupendamente entre tanto musculo y su actuación convence bastante. La película tampoco pide grandes actuaciones, mientras sean convincentes a mi me basta.

Y bueno que decir de Stephen Lang, está estupendo como en la primera. Ya se le nota mas mayor pero aun así no me gustaría encontrármelo ni en la calle.

Añadir que la música la pone Roque Baños y que como acostumbra nos da una banda sonora bastante potente.

Así que ya sabéis, si queréis violencia, buena cantidad de sangre y una historia loca con giro turbio esta es vuestra película. 

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Título original: Don’t Breathe 2. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Rodo Sayagues. Guión: Fede Álvarez, Rodo Sayagues. Música: Roque Baños. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Stephen Lang, Bobby Schofield, Adam Young, Brendan Sexton III, Madelyn Grace, Rocci Williams, Stephanie Arcila, Christian Zagia. Producción: Sony Pictures Entertainment, Ghost House Pictures, Bad Hombre Productions. Distribución: Sony Pictures Entertainment. Género: Thriller. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/no-respires-2

Crítica: ‘Dune’

Sinopsis

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‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.

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Crítica

¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine

Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de Denis Villeneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.

Basada en la novela de Frank Herbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.

Después de una adaptación bastante fallida de David Lynch y un intento por parte de Alejandro Jodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.

Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.

Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde  he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.

Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, Greig Fraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, Hans Zimmer. Demos gracias que dejó tirado a Christopher Nolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.

Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.

Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde Oscar Isaac, pasando por Rebecca Ferguson, Jason Momoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, Dave Bautista, Josh Brolin, Zendaya, Javier Bardem, Stellan Skarsgard, Charlotte Rampling, Chen Chang, entre muchos otros.

Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.

Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en El Escuadrón Suicida, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.

Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.

Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.

Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/dune

Crítica: ‘El club del paro’

Sinopsis

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Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.

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Crítica

Fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Si hay algo que nos caracteriza a los ciudadanos españoles es el tomarnos la vida a guasa y el creernos más listos que nadie. Todos decimos que los taxistas siempre dicen saberlo todo, pero nadie se libra de ejercer de cuñado. Éstos factores son la nota predominante en ‘El club del paro’.

La nueva comedia de David Marqués, que parte de un cortometraje que hizo en 2013 reúne al mismo reparto salvo que incluye a Fernando Tejero en lugar de a Alberto San Juan. Se amplía la historia y vemos mucho más allá de lo que es la reunión diaria que tienen estos cuatro “amigos”. Amigos que hay que entrecomillar porque literalmente se desprecian y se tienen cariño a la vez. Así lo demuestran en las conversaciones que tienen sentados en la mesa de su nuevo Bar Rami (¿Cómo guiño a Sam Raimi?) y en las entrevistas que les hacen al más puro estilo confesionario Gran Hermano de parroquianos.

Cada uno de los protagonistas tiene una personalidad radicalmente distinta y uno solo he atinado a comprender que son amigos por el hecho de encontrarse en situación de desempleo, salvo uno de ellos. Estaría bien saber el origen de su amistad pero viendo la película creo que más bien nos quieren relatar el final, ya que no hacen más que tirarse los trastos a la cabeza. Esas riñas que tienen entre ellos nos traen cómicas situaciones alimentadas sobre todo por malentendidos a la hora de captar la intencionalidad o palabras que se dicen los unos a los otros. Algo muy similar a lo que le pasaba a veces a Javier Gutiérrez y su equipo en ‘Campeones’, película que también escribió David Marqués.

Pero además de la comedia que tiene, ‘El club del paro’ aprovecha para hacer muchísima crítica social tocando un montón de palos. Bien es cierto que algunos gags no llegan a hacer efecto, pero sin embargo si se consigue hacer mofa de la más reciente actualidad. No solo se toca el tema político, muy bien encarrilado para no alinearse con absolutamente ninguna vertiente de pensamiento, sino que también es capaz de reírse bastante de la pandemia que aún hoy en día no hemos superado. Está muy presente el concepto de negacionismo, el papel higiénico, las mascarillas, el 5G, las conspiraciones, el teletrabajo, los chinos que comen murciélagos… Si nunca habéis oído nada acerca de teorías de reptílianos o illuminati David Marqués y su equipo os van a acercar a ellas.

Básicamente en lo que consiste el club del paro es en mostrar cómo somos los españoles, quizá en un punto algo extremo, claramente orientado a la parodia, pero estoy seguro de que va a conseguir alinearse con todos aquellos que están o han estado en situación de desempleo de larga duración. Es el papel de Carlos Areces es el que mejor nos acerca a ese sentimiento de indignación e incluso envidia que se siente cuando uno tiene una vocación o profesión y se ve en la cola del SEPE.

Este no es un filme político, ni mucho menos. Es una película sarcástica y caricaturesca de esos españoles que llevan un parroquiano dentro. Si, se citan episodios conocidos como el de los sobres de Bárcenas pero ya os digo que os vais a quedar más con el concepto de “ensobrar” que tiene Tejero.

Los personajes de la película son de esos que pasan de querer comerse el mundo a que el mundo no se los coma. Salvo el de Adriá Collado que interpreta a alguien más noble que los borricos en contraposición del jeta que encarna Eric Francés. Fijo que todos tenéis en vuestro grupo al buscavidas, el honesto, el paranoico y el que se hace el íntegro, fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Duración: 87 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: David Marqués. Música: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Carmen Ruiz, Javier Botet, Fernando Colomo. Producción: Sunrise Pictures Company, Telespan 2000. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia. Web oficial: https://sunrisepictures.es/el-club-del-paro/ 

Crítica: ‘Worth’

Sinopsis

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Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas?

Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.

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Crítica

Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia

Pudiera ser que ahora que se cumplen 20 años del atentado de las Torres Gemelas en el 11 de septiembre podría parecer frívolo o comercial un estreno que trate precisamente sobre aquella tragedia. Pero ‘Worth’ llega, imagino que también para hacer caja, pero también para hacernos reflexionar sobre cómo algunas personas empezaron una lucha, no contra los talibanes sino contra su propio gobierno, tarando hacer entender lo incalculable de sus pérdidas.

Al igual que con ‘Spotlight’ los productores han procurado conseguir un filme analítico y punzante. Y es que frívolo es el cómo se quiso indemnizar a los familiares de los fallecidos. Personas que no tenían un cuerpo que enterrar y que sufrieron unas ausencias que a todos los niveles les trastocaron la vida.

El filme remarca que esos familiares serán los únicos en recordar realmente como eran los rostros de los que estaban en el World Trade Center el 11-S y lo hace ocultando sus caras en todos los planos. No busca dar pena a través de los muertos, sino a través de unos vivos que están muertos en vida con todo lo que están sufriendo. La burocracia siempre trivializa con sus tablas y números, con sus sistemas impersonales.

La película es sutil y respetuosa, sobretodo con los detalles escabrosos y intentando tener  las torres siempre en el plano más secundario. El atentado generó gran número de pequeñas historias y el abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) las tiene que escuchar para intentar hacer la labor que le han encomendado. “Worth” es “valor” en inglés. Al igual que hacemos en esta web intentamos no dar un valor cuantitativo al cine, si no cualitativo, sin puntuaciones. Lo mismo pasa con las indemnización y seguros de vida, nunca miran el lado humano y se basan en baremos generalizados que no se pueden aplicar a todos los casos, mucho menos a algo tan excepcional como un asesinato masivo. Es por eso que analizar la figura de aquellos que tuvieron que peritar lo sucedido resulta más que interesante.

El guionista, aunque suene a Frankenstein del aburrimiento, ha logrado una película cautivadora. Max Borenstein ha llegado casi siempre hasta nosotros con terror y fantástico a través de películas como ‘Gozilla’, ‘Kong: la isla calavera’ o la serie ‘The Terror’ pero demuestra que con un drama realista también se puede lucir. ‘Worth’ nos lleva por caras no conocidas de lo sucedido.

No se queda en lo superficial y va a los detalles. Complicada y peliaguda esta película y la tarea de quienes eligieron qué y a quién darle algo. Es por eso que tiene más mérito lo que ha conseguido Sara Colangelo con ‘Worth’. Más aún cuando tiene a su cargo a un peso pesado como Michael Keaton, quien a mi parecer actúa de un modo similar en casi todas sus películas y en esta se va a términos más fríos y menos de bufón o charlatán. Y es Stanley Tucci quien de verdad apunta alto con este filme. Su interpretación nos lleva a un personaje muy civilizado, dolido y ofendido, pero aun así sosegado. Tanto este personaje como ese tipo de personas son muy difíciles de encontrar y por eso su trabajo se encuentra dentro de lo raro y lo aplaudible. Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia. Representan dos caras de una misma realidad que dolorosamente tienen parte de razón.

Todos sabemos qué quieren las grandes empresas y no me gustaría verme en la situación de los protagonistas, pero no puedo dejar de pensar cuán hipócrita podemos llegar a ser los seres humanos al tachar de incalculable la vida de alguien y no obstante luchar por una compensación más alta. Mi reflexión es, si pensamos que todas las vidas son igual de incalculables por qué seguimos pidiéndole a alguien que las valorice. ‘Worth’ se mueve entre el dolor y los tiburones. No llega para resolver ningún misterio, simplemente para explicar una vez más cuan injusto o apático es nuestro sistema. Prueba de ello es la web que el personaje de Tucci tuvo que publicar para que modificasen el fondo de compensaciones. La tenéis disponible aquí, pero no entréis si no queréis haceros un gran spoiler.

Quizá leáis en esta crítica más reflexión que comentarios sobre la fotografía, montaje y demás. Pero es que su mérito está realmente en cómo nos hace replantearnos ciertas cosas entre aquello que tenemos asimilado como evidente. En ‘Worth’ vemos como el ser humano está sometido a uno de sus inventos, los números. Es por eso que trata sobre el valor de la verdad, de admitir realmente que lo que importa y lo que se busca son dos cosas distintas. Esto sucedía cuando cayeron aquellos rascacielos y aún se llevaban las torres de compact disc. Que tomen nota aquellos que trabajan en fondos de pensiones, bancos, seguros o similares pues todo lo deshumanizado que puede parecer lo que vemos en la película de Colangelo lo tienen día a día frente a las pantallas de sus ordenadores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Worth. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Música: Nico Muhly. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Reparto principal: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan , Laura Benanti. Producción: Anonymous Content, Higer Ground Productions, MadRiver Pictures, Paradise City Films, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment, West Madison Entertainment, Wiffle Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://madriverpictures.com/movie/what-is-life-worth

Crítica: ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’

Sinopsis

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Sam (Karen Gillan) tenía solo 12 años cuando su madre Scarlet (Lena Headey), una asesina de élite, se vio obligada a abandonarla. Sam fue criada por “La Firma”, el despiadado sindicato del crimen para el que trabajaba su madre. Ahora, 15 años después, Sam ha seguido los pasos de su madre y se ha convertido en una cruel asesina a sueldo, tan eficiente como leal. Ella usa sus «talentos» para limpiar los líos más peligrosos de “La Firma”.

Pero cuando un trabajo de alto riesgo sale mal, Sam debe elegir entre servir a “La Firma” y proteger la vida de una niña inocente de 8 años: Emily (Chloe Coleman). Sam solo tiene una oportunidad para sobrevivir: reunirse con su madre y sus letales socias: “Las bibliotecarias” (Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino).

Estas tres generaciones de mujeres deberán aprender a confiar las unas en las otras, enfrentarse a “La Firma” y a su ejército de secuaces, y hacer frente a todos aquellos que se interpongan en su camino.

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Crítica

Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo

Como seguramente saltará el tema quiero zanjarlo desde las primeras líneas y dejar claro mi enfoque con esta película. ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’ es un filme que ha sido escrito y dirigido por hombres (Navot Papushado y Ehud Lavski) y es una película de acción en la que el protagonismo es exclusivamente femenino y funciona la mar de bien sin necesidad de usar argumentos rancios o de tener a las actrices luciendo el palmito, abstenerse salidorros. Tiene un marcado carácter feminista y no lo disimula con sus frases o sus referencias a Janis Joplin, Virginia Woolf, Charlotte Brontë… E incluso poniendo a todos los hombres en el bando de los malos y tontos hasta el punto de ser capaces de llevar un martillo a un tiroteo, como vemos en una gran escena con traveling a cámara lenta.

Y el mejor favor que le podemos hacer a esta película es considerar esos argumentos en pro de las mujeres, pero disfrutarla de manera normalizada, como otra más. ¿Cómo otra más? Quizá eso sería introducirla en un saco de películas irrelevantes que no se merece. ‘Gunpowder Milkshake’ es un filme de asesinas que el israelí Navot Papushado ha cargado de tiroteos y de peleas. Pero dota al metraje de un estilo moderno que le permite mezclar violencia explícita con humor, además de muy buen ritmo. Eso nos lleva a equipararla con películas como ‘Kingsman’ en la que nos introducen en organizaciones secretas y quienes las protagonizan van matando con mucho estilo por todo el mundo. La trama nos mete en la vida de una joven sicaria (Karen Gillan) que tropieza en uno de sus trabajos y debe abrirse paso a tiros para sobrevivir.

Este es un mundo de parafernalia elitista y secreta en el que unos son los mandamases, otras las que se manchan las manos, otras quienes surten de armas a los asesinos… Y está el médico que ilegalmente remienda las heridas. En la consulta y en el parking de este doctor suceden unas de las escenas con mejor acción y comedia de todo el filme. ‘Gunpowder Milkshake’ se enreda y complica para la protagonista de un modo francamente típico, pero bien llevado. Es de esas en las que la heroína tiene un delatador talón de Aquiles que le hace encontrarse con diversas encrucijadas morales.

Gillan está bien en ese papel y se luce en las escenas de acción más que en películas como ‘Jumanji’ y se aproxima más a los movimientos que hizo en ‘Guardianes de la Galaxia’, donde en la piel de Nebula se batió el cobre y peleó unas cuantas veces. Al final el camino que recorre su personaje es similar al de la saga ‘John Wick’ y se cruza con el de la trama de ‘Léon, el Profesional’. Se percibe que hay bien de extras y no tenemos el nivel de coreografías que ejecutó Keanu Reeves o el engatusamiento que lograron Jean Reno y Natalie Portman con su química. Pero hay carisma y buenas proezas físicas.

Es uno de esos filmes donde la acción se consigue recreando peleas en las que cualquier objeto del atrezo puede servir del arma. Esto lo hemos visto también en la saga de Chad Stahelski o en ‘Equalizer’ y parece que es una dinámica que sigue funcionando. Más que decir que se tira de ingenio cabe mejor usar la expresión menaje armamentístico del hogar. Y lo que parece funcionar también es rellenar la escenografía de ciertos elementos visuales. Está claro que el siglo XXI ha rescatado los neones de los años 80 y los ha hecho suyos. Pero más allá de eso están los detalles “monos” que llevan tan letales personajes y que al estilo de la mochila de unicornios que lucía lucía por ejemplo Joel Kinnaman en ‘Altered Carbon’ dota al filme de algo de ternura que contrasta con la sangre con la que está todo salpicado. De ahí que veamos bolsas de gatitos, móviles cucos con forma de panda…

Prefiero no destriparos cuáles son los roles o cómo intervienen las otras integrantes del reparto. Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela Bassett son quienes además de Ralph Ineson y Paul Giamatti acaparan el foco de las cámaras. Simplemente basta decir que son actrices de armas tomar y en la película hacen honor a esa fama. Chloe Coleman es la pequeña actriz que apunta maneras y ya figura en repartos de películas como ‘Avatar 2’ o la nueva versión de ‘Dragones y Mazmorras’, anotemos su nombre.

Tiros, fracturas y cuchilladas no le faltan a ‘Gunpowder Milkshake’. Al margen del tema del feminismo me gusta cómo pone en relevancia casi de tapadillo su crítica hacia el ostracismo que le estamos haciendo como sociedad a la literatura. Y es que usa como un lugar perfecto para esconder armas, dinero, documentación falsa… los libros de una biblioteca pues en estos tiempos apenas nadie las pisa. No es que esta sea una película trascendental, pero ahí está el detalle contra el consumismo y el maltrato a las letras.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Gunpowder Milkshake. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Navot Papushado. Guion: Navot Papushado, Ehud Lavski. Música: Haim Frank Ilfman. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh, Angela Bassett, Paul Giamatti, Chloe Coleman, Freya Allan, Ralph Ineson, Adam Nagaitis, Ivan Kaye, Joanna Bobin. Producción: Studio Canal, The Picture Company, Studio Babelsberg. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.studiocanal.com/title/gunpowder-milkshake-2020/ 

Crítica: Primeros episodios ‘La Casa de Papel: Parte 5’

En esta guerra tendrán que sobrevivir luchando hasta el final

Hemos tenido la oportunidad de ver los dos primeros episodios de la primera parte del final de ‘La Casa de Papel: parte 5’. Esta quinta temporada tan esperada llega este viernes 3 de septiembre con los primeros cinco episodios. Para concluir el 3 de diciembre con los siguientes cinco episodios.

¿Qué decir? Seguimos desde el final tan tremendo de la cuarta temporada (no seguir si no habéis visto el desenlace del último episodios), en donde Alicia Sierra ha conseguido encontrar al Profesor y nuestros protagonistas están tras las cuerdas con la llegada del ejército.

Una de las cosas que más me gusta de esta serie, es que ha llegado un momento en el que se les va de madre y aun así sigue siendo muy disfrutable. Como espectador, llega un momento que quizás tengas que dar varios saltos de fe para creerte todo, pero lo dicho, sigue deleitando a sus fans.

Llena de acción y de situaciones que llegan a ser algo absurdas. Como un destacamento de lo que podría llamarse mercenarios, que podemos ver ya en el tráiler, la serie avanza con rapidez. También os digo, ¿si las series estadounidenses logran convencernos de verdaderas locuras, por qué nuestras series no van a ser capaces de lo mismo?

Sí, solo hemos podidos ver los dos primeros episodios y aun así ocurren ciertas cosas que van a ser bastante decisivas para el desenlace de nuestros protagonistas. O al menos esas son las sensaciones que nos han dejado al terminar el segundo episodio.

Vemos dos caras nuevas. Ya os hablamos hace poco de ellos en uno de nuestros artículos de presentación de esta quinta temporada. Conoceremos al hijo de Berlín, interpretado por Patrick Criado (‘Antidisturbios‘). Y veremos un poquito más del pasado de Tokio y del amor de su vida interpretado por Miguel Ángel Silvestre (’30 Monedas’). Supongo que a lo largo de la temporada se les verá más o tendrán más transcendencia. Porque lo que es en estos episodios simplemente han sido una mera presentación de ambos.

En cuanto a los actores, como siempre no decepcionan y podremos ver la cara más terrible de Alicia Sierra (Najwa Nimri) la cual ya ha perdido todo y le da lo mismo arriesgar lo poco que le ha quedado por toda su rabia contenida hacia el Profesor.

Poco más puedo comentaros, han vuelto y con ganas de guerra. Como siempre el trabajo de acción de sus protagonistas es maravillosa y no tienen que envidiar a ninguna otra producción extranjera.