Boi es un joven que se inicia como conductor privado. Mientras espera con nervios la decisión que ha tomado su novia sobre un asunto que puede cambiarles la vida, deberá acompañar a sus primeros clientes: Michael y Gordon, dos empresarios de origen asiático que han venido a Barcelona con el objetivo de cerrar en menos de 48 horas un acuerdo de vital importancia.
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Crítica
Muy sencilla pero excesiva e íntimamente compleja a la vez
‘Boi’ es el primer trabajo cinematográfico de Jorge M. Fontana en lo que se refiere al formato en largometraje. Se intuye en esta primera obra una intencionalidad muy poética, que busca desde la naturalidad y la ingenuidad encontrar la sensibilidad y lo excepcional. Si acierto en esas pretensiones puedo decir que si alcanza por lo menos el cincuenta por ciento de sus objetivos, pero aún le falta a este neo-poeta encontrar un camino algo más directo para trasladar lo que quiere a través de la imagen.
Primer trabajo sobre un primer trabajo. Boi lo tenía todo para que su primer día fuese sobre ruedas, su empleo era de chofer. Le consiguieron empleo en una empresa de primera clase y tenía que recoger a unos clientes orientales en el aeropuerto. Hasta ahí parece todo muy sencillo. La cosa se vuelve mucho más complejo cuando intuimos que la visita de los pasajeros no se debe a motivos nada buenos, cuando poco a poco vemos que Boi tiene problemas personales, cuando se esconde en él una profesión de escritor frustrada… Poco a poco el tono y las tramas se van tornando más profundas, enigmáticas e incluso existencialistas, según en qué punto nos fijemos. Porque ‘Boi’ nos da un buen viaje por la Ciudad Condal en solo tres días, dándonos espacio de sobra para la reflexión. Siempre que hablamos de una primera vez se produce un cambio trascendental en la vida y de eso habla un poco esta cinta.
El gran problema de ‘Boi’ es que pese a conseguir ser intrigante no es emocionante ni clara. No consigue conmovernos por lo que le pasa al protagonista ni que veamos que vive momentos memorables con aquellos con los que está recorriendo Barcelona. No ayuda tampoco esa mezcla en un guión que se encuentra entre métodos afines a lo bizarro de Lynch y a lo mundano del ‘Taxi’ de Besson. A veces se encuentra sin rumbo, no sabemos dónde nos quiere llevar, a pesar de tener un personaje llamado albatros, una criatura que tan bien se orienta por el vasto mar.
El filme respira una intriga de carácter neo noir que tal vez hubiese ganado si hubiese sido rodada o montada finalmente en blanco y negro. Visualmente emana de fuentes independientes o afrancesadas que le aportan un carácter particular. Tanto en fotografía como en diseño de producción la película tiene aspectos que atesorar.
Bernat Quintana es Boi y para él es también su primer largometraje. Con su rostro y su interpretación le da a su personaje la clase de Kyle MacLachlan o la inocencia de Tobey Maguire. Sus secundarios son los que tienen mucho menos carisma y son los que no consiguen que alcancemos esa empatía cuando hablaba de la notoriedad necesaria para sus escenas. Y eso que a parte de los secundarios, ‘Boi’ cuenta con famosos cameos como los de MacarenaGómez o el de José Sacristán (con su voz).
Quizá ‘Boi’ peca de excesivamente excéntrica. Jorge M. Fontana se concede unos cuantos placeres culpables, se da gustazos de esos que suelen darse directores más consagrados o se toma esas libertades propias de aquellos que quieren dejar un sello muy propio o claramente referenciado en su obra. Me quito el sombrero por supuesto por tan arriesgada y personal jugada.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: Boi. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Jorge M. Fontana. Guion: Jorge M. Fontana. Música: El Guincho, Mark Cunningham. Fotografía: Adrià Cañameras. Reparto principal: Bernat Quintana, Miranda Gas, Man Mourentan, Adrian Pang, Andrew Lua, Macarena Gómez, José Sacristán. Producción: Aquí y allí films. Distribución: Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/boi.110
Pierre-Paul, de 36 años, un intelectual y doctor en filosofía se ve obligado a trabajar como repartidor para tener un salario decente. Un día, mientras entrega un paquete, se topa con la escena de un robo a mano armada que ha salido mal con un resultado de dos muertos. Se encuentra con dos bolsas de deporte repletas de billetes. Pierre-Paul se enfrenta a un dilema: largarse con las manos vacías o coger el dinero y huir.
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Crítica
Impudoroso caballero es don dinero
Elige la vida, elige un empleo, elige una carrera, elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Perdón, ese es el principio de ‘Trainspotting’… ¡pero caray! me vale igualmente. Porque la nueva película de Denys Arcand no habla de la droga como tal pero casi, habla de varias adicciones. Habla del dinero, de la felicidad y por ende de otras cosas que van relacionadas con esos dos conceptos. Porque ambas cuestiones son al fin y al cabo un concepto que el ser humano se han impuesto. Así de filosóficos nos podemos poner porque así de escolástico nos ha salido esta vez el director canadiense.
El protagonista de ‘La caída del imperio americano’ es un repartidor de paquetes (Pierre-Paul Daoust ) que se topa con un atraco y se ve con la posibilidad de quedarse con el dinero del botín. Él es un hombre de principios, un doctorado en filosofía que no puede desempeñar su profesión porque su actual trabajo está mejor remunerado y ese dinero puede ser una salida que por otro lado pondrá en tela de juicio todos los pilares de su vida. En la aventura que supone agarrar ese dinero conocerá a una escort con entrenador personal, al jefe de una banda de moteros licenciado en administración de empresas, a dos agentes de la ley muy persistentes… La película se mueve de un modo muy parecido al de ‘Trainspotting’ de Boyle pero quizá sería más apropiado decir que es como un ‘Snatch’ canadiense e inteligente.
Inicialmente el filme nos deleita con una conversación la mar de vivaz, muy perspicaz y metafísica. Casi llego tarde al pase de prensa y si me pierdo sus primeros minutos aparte de haberme arrepentido de perderme esos instantes no habría estado bien predispuesto para el resto del largometraje. De ahí que haya dicho que Arcand se ha puesto bastante filosófico en esta ocasión. ‘La caída del imperio americano’ no es una película verborréica, no os va a adormecer con una tunda de frases seguidas, no os va a atacar con miles de sentencias incomprensibles. Se entiende muy bien y os aporta muchas citas a las que podéis recurrir fácilmente ya que son universales e históricas. Su discurso es fácil de captar y además está dirigido a un público general.
Al espectador además le van a herir los personajes modelo ya que va a notar que él o bien se siente identificado en ellos o bien que tenía esas ideas preconcebidas. Ojalá viajásemos al pasado y descubriésemos que los filósofos que cita el protagonista interpretado por Pierre-Paul Daoust originalmente fueron albañiles que parloteaban y divagaban, cuyos pensamientos a posteriori quedaron inmortalizaron para nuestro beneficio.
De nuevo Denys Arcand vuelve a demostrar que con un guión totalmente ficticio se puede hacer una dura crítica de la realidad y de la actualidad, sobre todo si nos referimos a la norteamericana. Nos deja un sabor de boca igual que el que suele dejar Michael Moore pero su estilo es mucho más afilado, más sesudo. Es decir, estamos jodidos, hablando en plata. El mundo en el que nos encontramos está muy mal concebido, nos lo venden bien pero para que lo disfruten solo unos pocos, el concepto de felicidad está totalmente errado y las metas a alcanzar se han desfigurado con el transcurso de la historia humana.
El director es crítico, no destructivo pero tampoco constructivo. Presenta males pero no curas. Además se despista durante un buen rato con las historias que se desarrollan entre los protagonistas. Me hace gracia ver cómo transcurre todo bajo el buenismo del carácter de los canadienses y eso impide que ciertos «villanos» impongan. Esas son algunas pegas que tiene el filme.
Arcand vuelve a dar con la tecla que le llevó al éxito de ‘Las invasiones bárbaras’ y vuelve a hacernos reflexionar. Nos demuestra que el dinero da poder pero no da la felicidad, que el mismo dinero ha sido el que ha acabado con la nación. Exhibe que aunque un sueldo no de la lealtad sí que da la fidelidad, aunque sea durante cierto tiempo. Nos obliga a rascar nuestro bolsillo y sacar esa calderilla, a hacernos sentir pudor por no dar una limosna que apenas significa nada para nosotros . Nos obliga a mirar el suelo de la entrada de la cafetería donde desayunamos todas las mañanas, un vestíbulo que a primera hora ha de ser despejado de mendigos que han pernoctado allí y se han marchado con el estómago rugiendo, cuando nosotros vamos a llenar nuestros estómagos ávidos de consumir promesas vacías y sueños plastificados.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: La chute de l’empire américai. Duración: 128 min. País: Canadá. Dirección: Denys Arcand. Guion: Denys Arcand. Música: Louis Dufont, Mathieu Lussier. Fotografía: Van Royko. Reparto principal: Alexandre Landry, Maripier Morin, Rémy Girard, Louis Morissette, Maxim Roy, Pierre Curzi, Vincent Leclerc, Patrick Émmanuel Abellard, Florence Longpré, Eddy King, Geneviève Schmidt, Paul Doucet, Denis Bouchard, Yan England, David Savard, Rose-Marie Perreault, Alain Goulem, Catherine Paquin-Béchard,Ayana O’Shun, Dominique Bertrand, Sophie Thibault, Juliette Gosselin, Mathieu Lorain Dignard, Claude Legault, Éric Bruneau, James Hyndman, Benoit Brière, Gaston Lepage, Laurent Paquin, François Dompierre. Producción: Cinémaginaire Inc. Distribución: Wanda Visión. Género: comedia. Web oficial:http://lachutedelempireamericain.com
Salem ya no es el de los juicios por brujería. De hecho, el Salem de los smartphones es mucho peor. El hackeo y la publicación de buena parte de la información íntima de sus ciudadanos hará que la gente de Salem pierda los papeles, desencadenando una ola de violencia que termina arrastrando a cuatro chicas, acusadas de estar detrás de este hurto internáutico y perseguidas como si fuesen brujas de nuestros tiempos.
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Crítica
¡Toma bofetada a la hipocresía y a los estereotipos rancios!
Sam Levinson consigue lo que parecía imposible a estas alturas del siglo XXI, contarnos una historia de adolescentes en instituto norteamericano que resulte diferente. En ‘Nación salvaje’ cuatro jóvenes estudiantes ponen en tela de juicio multitud de mitos y estereotipos pasados de moda. El machismo, el acoso escolar, las limitaciones sexuales o la transfobia para ellas se han acabado y marcan un punto de inflexión ejerciendo como ejemplo para los demás yendo con la cabeza alta estando orgullosas siendo como quieren ser. Me parece muy bien que estas chicas estén constantemente rompiendo las reglas que les han impuesto toda la vida y me parece aún mejor que esta película funcione sin la necesidad de que este no sea el eje central. Porque como he dicho otras veces esto ayuda a empujar a una normalización de estos temas.
El filme va de otra cosa. La vida de las cuatro protagonistas transcurre en la famosa Salem. Allí ya no hay brujas pero alguien ha realizado para lo que muchos hoy en día es un tipo de magia, un hackeo. Alguien se está colando en las cuentas de los smartphones de personas relevantes de la comunidad y está publicando contenido comprometido con lo se arma un buen escándalo y comienza a organizarse un revuelo. Se inicia entonces lo que tradicionalmente se ha llamado una caza de brujas.
Ahí comienza todo un debate sobre el límite de la privacidad, sobre la moralidad, sobre la rapidez con la que juzga la sociedad, sobre la hipocresía de unos y otros… Incluso las propias protagonistas llegan a ser bastante hipócritas llegado su debido momento. Puede parecer una película muy banal o vulgar pero no hace falta ser un lince para descubrir la sátira que hay en ella.
El título original de ‘Nación salvaje (Assassination nation)’ puede hacer referencia a que es una nación que asesina a todo aquel que se muestra débil o vulnerable, o cuanto menos diferente a todo aquello que es considerado tradicional o estándar. También a que estamos en un mundo que asesina nuestra vida privada en un santiamén sin prueba alguna y sin contrastar siquiera.
En su reparto principal encontramos a Odessa Young (‘High Life’), Abra, Suki Waterhouse (‘Amor carnal’) y Hari Nef (‘You’). Cuatro jóvenes actrices de las que solo había visto el trabajo de Waterhouse y a las que realmente aún pido más, aunque me hayan gustado en ‘Nación salvaje’. Me ha sorprendido ver que un actor tan bueno como Bill Skarsgård (‘Castle Rock’) interprete un personaje tan absolutamente vacuo en esta película, pero eso creo que juega a favor de inclinar la balanza hacia los argumentos femeninos del filme.
Lo más penalizable que tiene ‘Nación salvaje’ es que su boom violento tarda demasiado en llegar. También que podría haber ido más allá. Con 110 minutos de duración y para lo que tarda en llegar su violencia podría haber abarcado una mayor amalgama de temas, no solo haberse centrado en cuestiones sexuales o más bien en escándalos sexuales cuando se trata de invadir la información de los teléfonos ajenos.
Impacta el discurso final rompiendo la cuarta pared, de lo mejor del filme. Pero el finalísimo final es todo un giro sarcástico que me ha parecido una genialidad. A la vez que me ha arrancado una carcajada me ha producido un escalofrío relacionado con el miedo a que las nuevas generaciones puedan estar desprovistas de cualquier sentimiento de responsabilidad o de sensatez.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: Assassination nation. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Levinson. Guion: Sam Levinson. Música: Ian Hultquist. Fotografía: Marcel Rév. Reparto principal: Odessa Young, Abra, Suki Waterhouse, Hari Nef, Colman Domingo, Bill Skarsgård, Cody Christian, Maude Apatow, Joel McHale, Danny Ramirez, Kelvin Harison Jr. Producción: Foxtail Entertainment, Phantom Four, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance. Distribución: Versus Entertainment. Género: thriller. Web oficial:https://www.anationmovie.com/
Cuando Astrid Lindgren era muy joven, sucedió algo que la afectó profundamente, y esa combinación de milagro y desgracia acabaron moldeando su vida. Ese acontecimiento la convirtió en una de las mujeres más inspiradoras de nuestra época y en una narradora popular en todo el mundo. Esta es la historia de una joven Astrid que, a pesar de los condicionamientos de su época y de una educación religiosa, decidió romper con las normas de la sociedad y obedecer sólo a su corazón.
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Crítica
Un drama amoroso que juega vagamente con la curiosa conexión con nuestra infancia
Una de las muchas series con las que crecí de pequeño fue ‘Pippi Långstrump’ o Pippi Calzaslargas como la conocíamos más popularmente. Y no lo voy a negar, de chico disfruté con las correrías de esta brabucona, anarquista e independiente aventurera pero nunca me había planteado que hubiese surgido de ninguna novela. He de reconocer que me pilló por sorpresa descubrir que había libros tras las historias de sus episodios, que estaba la figura de Astrid Lindgren y obviamente debo asumir que fue verdad todo lo que me cuentan la directora Pernille Fischer Christensen y el guionista y cuentacuentos Kim Fupz Aakeson.
Lo que nos muestra el filme es que Astrid Lindgren (interpretada por Alba August) era una joven muy talentosa con la palabra que se crió en el seno de una familia de la campiña sueca en la cual se fijó el editor del periódico de su ciudad. Avatares del destino hicieron que ambos se enamorasen o tuviesen un affaire y se quedase embarazada.
El filme nos pinta al comienzo a la creadora de Pippi como una joven sobradísima de energía, como alguien que no encaja en el lugar en el que vive. Alguien que si hubiese vivido en nuestra época en su Suecia natal seguro que estaría en conexión con Heavy Metal y con eso seguro que se hubiese desinhibido de sobra. Pero por un lado es víctima de un tiempo que le impide dar rienda suelta a su vitalidad y por otro se queda embarazada de un hombre casado, con lo que se desata el drama. Ha de ocultar su embarazo y tener tanto al niño como su romance en clandestinidad.
Ese es el gran problema de ‘Conociendo a Astrid’. Astrid podría ser cualquier persona del mundo, prácticamente no la relacionamos con Pippi Calzaslargas. Este es el relato desgarrador de alguien que tiene que tener a su hijo a escondidas y criarlo a distancia. A parte es la pugna por conseguir poder desarrollar su relación amorosa en público. Sí que es cierto que de manera constante tenemos testimonios de niños que escriben a Astrid Lindgren ya anciana dándole las gracias por sus novelas y por su influencia, pero el filme no trata la gestación de estas de manera concreta y muestra muy pocos referentes que nos demuestren porque sus personajes eran como los creó. No se establecen de manera correcta las conexiones entre su vida y sus ficciones.
‘Conociendo a Astrid’, para más inri, es un retrato lento que además vuelve repetidas veces a los mismos argumentos, de esos en los que a la hora y media de película dices «las relaciones entre los personajes están en el mismo punto». El drama entre los protagonistas es constante e inmutable por lo que el foco de la película no cambia y la sensación es plomiza.
Al final suena una preciosa canción cantada por Ane Brun que habla de no perder el tiempo y de lanzarse a vivir la vida. De eso trataba en gran parte la serie de Pippi y me imagino que también sus novelas. De eso intuyo que habrá querido Pernille Fischer Christensen que tratase su película, alguien cuyos largometrajes siempre han sido dramáticos, pero no ha conseguido un objetivo que otros largometrajes biográficos si lograron en mucho menos tiempo y de manera indirecta.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: Unga Astrid. Duración: 123 min. País: Suecia. Dirección: Pernille Fischer Christensen. Guion: Kim Fupz Aakeson, Pernille Fischer Christensen. Música: Nicklas Schmidt. Fotografía: Erik Molberg Hansen. Reparto principal: Alba August, Maria Bonnevie, Trine Dyrholm, Björn Gustafsson, Magnus Krepper, Henrik Rafelsen, Mads Korsgaard. Producción: Nordisk Film Production Sverige AB, Avanti Film, DCM Productions, Det Danske Filminstitut, Film I Väst, Nordisk Film Production. Distribución: Caramel Films. Género: biográfico, drama. Web oficial:http://www.caramelfilms.es/site/pelicula/conociendo_a_astrid
Retrata la historia nunca antes contada de los legendarios detectives que pusieron fin a la historia de Bonnie y Clyde. Cuando todos los esfuerzos de FBI y la última tecnología forense no son suficientes para atrapar a los criminales más famosos de la nación, dos antiguos Rangers de Texas (Kevin Costner y Woody Harrelson) deberán confiar en su instinto y en sus habilidades de la vieja escuela para cumplir con el objetivo.
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Crítica
Una cara B nunca vista de la persecución a Bonnie y Clyde
Bonnie y Clyde regresan al cine. Pero lo hacen de manera muy furtiva pues sus rostros apenas pasan por la pantalla. Son sus armas, sus pies y sus vehículos los que vemos con más asiduidad ya que como siempre a causa de sus fechorías son perseguidos y es a sus captores a quienes si tenemos más presentes.
‘Emboscada final’ hace referencia a esa trampa que desembocó en el tiroteo mortal que todos conocemos y que tanto se ha representado en el cine. ‘The highwaymen (los bandoleros)’ es el título original de la película de John Lee Hancock pues en el fondo esta es más la historia de los hombres que atraparon a Bonnie y Clyde.
El filme no es un nuevo biopic de la pareja de asesinos y ladrones. Nos acerca a una época en la que los delincuentes ya llevaban dos años haciendo de las suyas y la gobernadora de Texas (interpretada por Kathy Bates) no puede hacerles frente. Es entonces cuando tiene que recurrir desesperadamente a los desacreditados Ranger de Texas, un cuerpo de agentes que ella misma hizo desaparecer del servicio público. Dos de ellos, Frank Hamer (Kevin Costner) y Maney Gault (Woody Harrelson) son los que estrecharían el cerco y tenderían la trampa definitiva a los famosos criminales.
El largometraje trata dos aspectos importantes pero sin gran trascendencia. Uno de ellos es la popularidad de los delincuentes. En la película se habla mucho de cómo influenció en la persecución el que Bonnie y Clyde fuesen más famosos y mejor considerados que algunos políticos y deportistas de la época. Ese es un lado largamente explorado por parte de Lee Hancock y por el guionista John Fusco.
«Te dije que iba a venir un tornado». Eso le dicen al personaje de Kevin Costner en determinado momento. Y por supuesto que nos lo podemos tomar como un gracioso guiño a su muerte en ‘El hombre de acero’, pero por otro lado la acción transcurre en Texas y va a tener por delante una misión muy difícil. Y es que la otra parte importante a tener en cuenta es que los dos agentes de la ley puestos en la carretera están muy mayores y prácticamente obsoletos. Intelectualmente están muy por delante de sus colegas investigadores pero sus métodos se ven superados por los de la época. En este sentido le ha faltado ahondar más tanto al director como al escritor, se han quedado lejos de la sensibilidad de otros biopics en los que han trabajado ambos (no juntos) como ‘El fundador’, ‘Al encuentro de Mr. Banks’ u ‘Oceanos de fuego’.
No culpo al casting de la película. El reparto me parece francamente acertado, tanto en su elección como en su interpretación. Costner y Harrelson me parecen dos hombres de época que como Rangres en el ocaso de sus días encajan como un revólver en su funda de cuero. Me enteré de que esta película la iban a hacer Robert Redford y Paul Newman y me imaginé el halo que habría exhalado el filme, pero quizá demasiado noble para una película con un final tan sanguinolento como el que se ha rodado. La relación entre ambos actores finales es de lo mejor de ‘Emboscada final’, aunque de manera independiente no tengan mucho que ofrecer.
Se hace un vago intento de crítica a la frialdad y sensacionalismo por parte de la prensa en los tiempos modernos, a la frivolidad con que se tratan las noticias. También muy de pasada hacia la hipocresía de los mandatarios. Pero son más balas rebotadas en el capó de un coche que se aleja llevándose consigo la oportunidad de conseguir una cinta diferente.
Es una película en la que vemos efectivamente un choque generacional muy sufrido para los agentes Hamer y Gault. Con Bonnie y Clyde intuimos el Romeo y Julieta de siempre y contemplamos como se les consideraba unos Robin Hood modernos. Pero quizá lo único que de verdad nos maraville sea como de costumbre la fotografía de John Schwartzman, cuyo ojo siempre nos agrada a vista de pájaro extrayendo lo mejor de las planicies texanas y conociendo el ritmo polvoriento de los coches.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: The highwaymen. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: John Lee Hancock. Guion: John Fusco. Música: Thomas Newman. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Kevin Costner, Woody Harrelson, Kathy Bates, Kim Dickens, John Carroll Lynch, Jane McNeill, David Furr. Producción: Media Rights Capital (MRC), Universal International Pictures (UI), Casey Silver Productions. Distribución: Netflix. Género: crimen, suspense, hechos reales. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80200571
‘Dolor y Gloria’ narra una serie de reencuentros de Salvador Mallo, un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, otros recordados: su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia en busca de prosperidad, el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. ‘Dolor y Gloria’ habla de la creación, de la dificultad de separarla de la propia vida y de las pasiones que le dan sentido y esperanza. En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de narrarlo, y en esa necesidad, encuentra también su salvación.
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Crítica
‘Dolor y Gloria’ es una genialidad surgida en un momento crepuscular
He querido ver y escribir ‘Dolor y Gloria’ alejado de cualquier imagen idólatra o por el contrario detractora sobre Pedro Almodóvar. Ni soy seguidor ni he sido nunca vituperador del director manchego, pero en principio ante tanta publicación previa a esta sobre su última película me había planteado intentar hablar sobre ella como un título nuevo, como si no hubiese una carrera previa para Almodóvar. Es decir, quería poder ofrecer una visión que hablase de si funciona como una película independiente, como si fuésemos alguien que se acerca a un director nuevo, sin conocer su figura o filmografía.
Ignorante de mí, no sabía lo que me esperaba. Es imposible no acordarse de la persona real de Almodóvar mientras uno ve ‘Dolor y Gloria’. Todo el mundo que realmente sabe del arte de hacer cine con verdadero sentimiento de un modo u otro acaba dejando algún retal de su personalidad, nos guste o no esa personalidad. Almodóvar sería incapaz de hacer un producto Disney por ejemplo, ya que el no hace productos, hace obras. Obviamente el cine es un medio con el que se gana la vida pero también se ve que aún es un medio con el que busca expresar un arte, un sentimiento o unas ideas. Podemos diferenciar en él al artesano del fabricante, podemos distinguir un contraste de igual modo que distinguimos el dolor y la gloria en su personaje de Salvador Crespo aquí interpretado por Antonio Banderas. Esa es mi humilde lectura.
En esta película Almodóvar vuelca todo su ser, todo su arraigo. Es todo devoción a su madre, a las mujeres de su infancia y a la gente llana. Poco a poco nos arrastra por su niñez, su juventud y por su carrera y eso sin necesidad de hacer uso de datos concretos. Incluso se critica a sí mismo con momentos en los que oímos: «son tus ojos los que han cambiado, la película es la misma», le apunta una de sus actrices cuando echa la vista atrás sobre una de sus obras. Nos rodea visualmente con colores y muebles que nos transportan otras épocas y películas. ‘Dolor y Gloria’ trata de un director (Salvador Mallo, Antonio Banderas) que tiene que reencontrarse con su pasado y con un compañero de rodaje (Alberto Crespo, Asier Etxeandia) con el que está enemistado para presentar una película estrenada hace más de treinta años. Un director que además ha dejado de rodar por problemas personales y de salud. Con esa confluencia de dilemas las imágenes de su niñez comienzan a aparecer y son el detonante de cosas que aún están por generarse cuando todo parecía ser destrucción.
¿Qué voy a poner yo de esta película que no se haya escrito ya? ¿Qué voy a escribir yo sobre Almodóvar que no se haya escrito ya? Quizá eso mismo se pregunta el director cuando hace cada nueva película, quizá este filme sea una búsqueda de inspiración, de hecho es una de las carencias de su personaje, no la inspiración como tal pero si la motivación para seguir rodando. Nadie tiene que decir a un director consumado como este cómo tiene que realizar él sus vueltas de tuerca, él tiene que demostrarnos a nosotros que aún conserva su ingenio y agudeza, que no ha perdido solvencia. ‘Dolor y Gloria’ es una genialidad surgida en un momento crepuscular. Almodóvar nos brinda un guión natural y a su vez materialmente concienzudo.
Los dos actores más a tener en cuenta son Antonio Banderas y Asier Flores, ambos son Salvador, de adulto y de niño. Banderas aguanta impertérritamente el peso de un discurso prácticamente autobiográfico por parte de su director. Tanto él como Asier Flores hacen trabajos muy auténticos. Muy presentes y moviéndose entre la espléndida música de AlbertoIglesias están los personajes de Penélope Cruz, Asier Etxeandia, Nora Navas o Julieta Serrano. Y luego tenemos un goteo actores que van y vienen como Leonardo Sbaraglia, Julián López, Raúl Arévalo, César Vicente… Que nadie se gaste la entrada por ver solo a Rosalía pues lo único que aparece es el adelanto que se publicó en las redes sociales, esa escena muy bien cantada en el río y nada más. Sobre todo me da la sensación de que esta es la película en la que el director ha logrado más que nunca la afabilidad entre sus personajes.
‘Dolor y Gloria’ tiene argumentos muy contenidos, que si tienen las temáticas punk que siempre ha esgrimido el director y guionista pero nos sus provocadores métodos. Ante mi primer planteamiento he de decir que si, la película funciona como un filme autónomo que narra los devenires de un director al que Almodóvar te presenta sin que realmente tengas que conocer al verdadero Almodóvar. Pero ‘Dolor y Gloria’ es mucho más comprensible y disfrutable si se conoce su legado, si uno se ha acercado a sus cuentos, a sus vicios y virtudes.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2019. Título original: ‘Dolor y Gloria’. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Reparto principal: Antonio Banderas, Asier Etxeandía, Penélope Cruz, Asier Flores, Leonardo Sbaraglia, Nora Navas, Julieta Serrano, Susi Sánchez, Julián López, César Vicente, Raúl Arévalo, Pedro Casablanc, Rosalía. Producción: El Deseo. Distribución: Sony Pictures. Género: drama. Web oficial:https://www.eldeseo.es/dolor-y-gloria/
El brutal asesinato de la política española Isabel Carrasco conmocionó al país. Tres mujeres fueron arrestadas rápidamente por lo que parecía una venganza personal, pero la investigación sacó a la luz una historia de poder, mentira y traición.
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Crítica
Una gran labor periodística concentrada en 80 minutos
El 12 de mayo de 2014 Isabel Carrasco, una concejala de León, fue asesinada a tiros por la mañana en la ciudad. Montserrat González y Triana Martínez, madre e hija y la amiga de Triana, Raquel Gago, policía, fueron detenidas y declaradas culpables de asesinato.
Creo que muchos recordaréis este caso y toda la investigación. Todas las mañanas nos despertábamos con un detalle nuevo donde se veía cada vez más claro quiénes eran las asesinas.
Hace dos años, Justin Webster hizo una serie dedicada a este suceso y ha decidido compactarlo en una película de 80 minutos resumiendo todo el caso, mostrándonos lo importante y dejándonos una teoría que al menos a mí me ha dado mucho que pensar.
En el documental tenemos mucho material audiovisual, vemos gran parte del juicio, que hace que veamos las reacciones de las acusadas, sus caras, lágrimas, medias sonrisas, suspiros… Todo esto intercalado con la historia a partir de telediarios, entrevistas con periodistas, miembros del PP, amigos y familiares.
Creo que ha realizado un gran trabajo, si no conoces nada acerca de este día, en un momento te enteras de todo y también mucha información nueva, al menos yo, como espectadora de los telediarios en aquellos momentos, no conocía y hace bastante interesante el documental desde que empieza hasta que termina.
Me ha gustado mucho la manera de contar la historia, todo de una manera muy ordenada, presentándonos a los protagonistas de forma sencilla y el verles comparecer en el juicio pone los pelos de punta, en el momento en el que Montserrat González dice claramente que fue ella la que apretó el gatillo y que no se arrepiente de nada es bastante terrorífico.
También nos presenta a la víctima, la pone tal cual la describen sus amigos, conocidos y familiares. Autoritaria y muy trabajadora, ese es el resumen general de cómo era Isabel. Una supuesta discusión por un puesto de trabajo es lo que hizo que acabase asesinada por Montserrat, que se declaró culpable.
El documental plantea dudas, no sobre la asesina principal, se sabe de sobra quien apretó el gatillo, pero si sobre quien movía los hilos de verdad, quien estaba detrás de estas tres mujeres condenadas a prisión.
Si queréis conocer un poco la historia de este caso y ver una verdadera investigación periodística os recomiendo este documental.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2019. Título original: Muerte en León. Caso Cerrado. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Justin Webster. Guion: Erin Bach, Justin Webster. Música: Laro Basterrechea. Fotografía: Cosmo Campbell. Reparto principal: Raquel Gago, Montserrat González, Triana Martínez, Justin Webster. Producción: HBO España. Distribución: HBO España. Género: documental, investigación, crimen. Web oficial:www.hboespana.com
Escape Room es un thriller psicológico sobre seis extraños que se encuentran en una situación que escapa de su propio control y deberán usar su ingenio para encontrar las pistas o morir.
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Crítica
Gran diseño, poca originalidad
Bueno, ya os comenté un poco mis primeras impresiones de ‘Escape room‘ después de salir de la sala durante la Muestra SYFY y está claro que no fueron muy buenas y sinceramente después de sopesarla no he cambiado demasiado de opinión, evidentemente tiene cosas buenas de las que os hablaré pero en general es una película bastante flojita para lo que podría haber sido.
Dirigida por AdamRobitel director de ‘Insidious. La última llave‘ nos trae a seis desconocidos que son invitados a uno de los escape room más complicados del mundo. Con una puesta en escena muy trabajada y con unos actores bien dirigidos la película falla por su poca originalidad.
Actualmente una de las grandes opciones de ocio que tenemos son este tipo de salas donde somos encerrados con un montón de objetos, candados, llaves, acertijos que son los con los que tenemos que usar todo nuestro ingenio y lograr salir antes de una hora. En esta película es igual, nada más que las salas son bastante más reales de lo que podría pensarse y morir es una de las opciones que tienen.
Una de las cosas chulas de la película son sin duda las salas, tengo que admitir que la ambientación es tremenda y sin duda están muy bien montadas e imaginadas, el problema llega a la hora de las pruebas. Son sencillas y realmente mientras ves la película estás todo el rato pensando «Pero con lo fácil que hubiese sido hacer esto…», está claro que el trabajo en equipo y el pensamiento lógico no es el fuerte de nuestros personajes.
EdwardThomas, diseñador de producción y MarcSpicer director de fotografía, han trabajado mano a mano con el director de la película para conseguir que estas salas cobren vida y se conviertan en un personaje más.
En cuanto al reparto, los actores convencen sus papeles son sencillos pero tampoco se pide nada más. Tenemos a NikDodani que nos trae al gamer del grupo y muy flipado con las escapes rooms, DeborahAnnWoll (‘Daredevil’) que nos presenta a una ex-militar, JayEllis un adinerado ejecutivo, TylerLabine un hombre sencillo, LoganMiller un chaval bastante perdido que es más listo de lo que parece y a TaylorRussell que nos trae al genio del grupo. Todos tienen un rol bastante definido y esto hace que te veas venir muchas de las situaciones que ocurren en la cinta.
La película mama mucho de cintas como ‘Hostel’, ‘Saw’ o incluso a ‘Cube’, pero como he dicho le falta esa imaginativa perversa que éstas si tienen y quizás por eso ‘Escape room’ se convierta en una película más de asesinatos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo 2019. Título original: Escape Room. Duración: 99min. País: Estados Unidos. Dirección: Adam Robitel. Guión: Maria Melnik y Bragi F. Schut. Música: John Carey, Brian Tyler. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: Taylor Russell, Debora Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Jay Ellis, Nick Dodani. Producción: Original Film, Columbia Pictures. Distribución: Sony Picures. Género: Thriller. Web oficial:https://www.escaperoom.movie/
El pequeño Kun, de cuatro años, deja de ser el centro de atención de sus padres cuando nace su hermana Mirai. Frustrado y algo molesto, empieza a experimentar situaciones en casa que nunca había vivido. Pero las cosas cambian de forma mágica cuando la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
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Crítica
Una animación preciosa con una historia demasiado pesada
Este fin de semana llega ‘Mirai, mi hermana pequeña’, película de la que ya os hablamos durante el Festival Nocturna de Madrid, donde la vimos mucho antes de su estreno.
MamoruHosoda se vuelve a posar en la familia y nos presenta a Kun, un niño bastante mimado de cuatro años al que de repente le cambia la vida con la entrada de su hermana recién nacida Mirai.
Sin darle oportunidad, el observa como Mirai le quita toda la atención de sus padres y la odia desde el minuto uno que entra por casa. Pero cuando ella llega del futuro para tener aventuras con él, la cosa va cambiando poco a poco.
La película tiene cosas buenas y cosas malas, una de las malas es que es aburrida por eso la hora y media que dura se hace bastante tediosa desde el principio. De las cosas buenas, me ha encantado como ha tratado la historia y los temas sobre la sociedad japonesa.
La trama principal de la película es la importancia de la familia, Kun va descubriendo su álbum familiar visitando diferentes momentos en el tiempo y a personalidades de su propia historia. Aprendiendo poco a poco a comportarse y a querer a sus más allegados. Pero no solo esto es lo que vemos, también nos introduce los cambios en la sociedad japonesa, machista de por si, poco a poco va cambiando y en Mirai vemos este tema perfectamente reflejado. El padre es el que trabaja desde casa para encargarse de todo y la mujer marcha a trabajar. Aun así vemos como el hombre sufre pero al igual que Kun, consigue hacerse con todo el control.
Como de costumbre en el cine japonés, bien lustrados en la animación, nos encontramos unas imágenes preciosas llenas de colores pasteles y flores. Poco más, no puedo decir que sea la mejor película anime que he visto en los últimos tiempos, más bien sencilla y con poco con lo que sorprendernos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Mirai. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Mamoru Hosoda. Guión: Mamoru Hosoda. Música: Takagi Masakatsu. Reparto principal: Moka Kamishiraishi, Haru Koroki, Gen Hoshino, Kumiko Aso, Mitsuo Yoshihara, Yoshiko Miyazaki Koji Yakusho. Producción: Studio Chizu. Distribución: Sherlock Films, AContracorriente Films. Género:Web oficial:http://mirai-no-mirai.jp/
Laurel (Steve Coogan) y Hardy (John C. Reilly), el dúo de comedia más famoso del mundo, intentan reavivar sus carreras cinematográficas mientras se embarcan en una maratoniana gira teatral por la Gran Bretaña de postguerra.
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Crítica
Una de las demostraciones más sensibles del manejo del humor como mecanismo de defensa
¿Se puede devolver a los muertos a la vida? ¿Podemos hacer que caminen otra vez para nosotros seres que dejaron este mundo? Obviamente ‘El Gordo y el Flaco’ no es una película de zombies, pero si es un encomiable trabajo de caracterización y mimetismo. Steve Coogan y John C. Reilly hacen dos interpretaciones fantásticas. ¿Cómo puede ser que dos actores que acaban de estrenar en España la desastrosa versión de los personajes de Arthur Conan Doyle (‘Holmes & Watson’) saquen ahora una película tan diametralmente diferente? De Reilly me sorprende un trabajo tan honesto y tierno, de Coogan si tenía expectativas a la altura de lo que vais a ver.
Me he permitido esa frivolidad con el mundo de los zombies porque no sabría estar con mis palabras a la altura de la emotividad de la película de Jon S. Baird. Un director capaz de hacer una comedia tan hedionda como ‘Filth, el sucio’ ha logrado tocar la fibra de aquellos que como yo nos hemos criado viendo multitud de humoristas que con su ingenio y picaresca han robado carcajadas. Artistas que solo con su mímica, con las argucias del género slapstick, nos hacían pasar ratos muy amenos. Este ‘El Gordo y el Flaco’ de Baird va más allá de los gestos y los protagonistas llegan a las palabras. Textos que han salido de la pluma de Jeff Pope, quien ya trabajó en su día con Coogan en ‘Philomena’ y quien ha conseguido enternecernos a través de las disputas y de la relación de amistad y compañerismo de dos artistas que están grabados a fuego en la conciencia colectiva de todo el planeta.
Por supuesto que esta es una crítica muy blanca, ‘El Gordo y el Flaco’ también lo es. No soy de esos que siempre que ven una película biográfica espera ver como se desangra a sus personajes o se destapan todos los trapos sucios. El filme salta los años en los que la pareja estuvo separada y bromea o trata casi como si fuese tabú con el tema del alcoholismo. Aborda la época en la que se fueron de gira por el Reino Unido donde a base de funciones y bromas intentaron recuperar su antigua gloria. Y es que este dúo acomodaba todo con comedia: situaciones desagradables, conversaciones difíciles, momentos delicados… Nos los muestran como dos trabajadores infatigables que siempre estaban haciendo bufonadas, ya sea para quedar bien ante el público o ya sea para suavizar la tensión en el ambiente. Su humor universal les ayudaba en cualquier coyuntura.
También descubriréis que a pesar de que en los shows Oliver Hardy llevaba la voz cantante era realmente Stan Laurel quién escribía los guiones, quien ideaba las gracias y quien apostaba por ambos en estudios que les proyectarían en cotas más altas. Es decir, quien hacía de tonto parece ser que era el más listo y emprendedor. Aún así este no es un pulso entre uno y otro, es más bien una lucha por mantener viva una amistad y a flote una carrera que se tuvo que enfrentar también a las nuevas corrientes y a rivales como ‘Abbot y Costello’.
Se os puede caer una lagrimilla nostálgica cuando volváis a ver el rostro tristón y de buenazo de Stan y el semblante socarrón y a su vez de ceño fruncido de Ollie. Estos reyes de la comedia clásica os van a hacer reír de nuevo pues repiten idénticamente muchos de sus tradicionales sketches pero sobre todo la película se ha concebido para conmover, y lo consigue. En relación a esto último, está dedicada a la memoria de Lois Laurel, la hija de Stan Laurel, la cual falleció en 2017.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Stan & Ollie. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Jon S. Baird. Guion: Jeff Pope. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Steve Coogan, John C. Reilly, Shirley Henderson, Danny Huston, Nina Arianda. Producción: BBC, eOne Films, Sonesta Films, Fable Pictures. Distribución: eOne Films. Género: biográfica, comedia, drama. Web oficial:https://stanandollie.co.uk/
Un grupo de antiguos operativos de las Fuerzas Especiales (Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Garret Hedlund, y Pedro Pascal) se reúnen para planificar un asalto a una zona fronteriza poco habitada en Sudamérica. Por primera vez en sus prestigiosas carreras, estos olvidados héroes asumen una peligrosa misión en su nombre y no en el de su país. Cuando la situación sufre un giro inesperado y amenaza con salirse de control, sus habilidades, su lealtad y sus principios llegarán al límite en una batalla épica por la supervivencia.
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Crítica
Acción y aventuras en un título disfrutable
Netflix ya goza de la suficiente popularidad como para necesitar de grandes nombres con el fin de atraer público a sus producciones. Aún así, igual que cualquiera de las majors actuales, emplea actores de enorme popularidad en sus películas. ‘Triple frontera’ puede ser el caso en el que la plataforma online reúna a más superestrellas en una sola película.
Ben Affleck, Charlie Hunnam, Oscar Isaac, Pedro Pascal y Garret Hedlund. Todos ellos han aparecido en películas de gran calibre y todos ellos se han visto inmersos en alguna ocasión en escenas de acción. No hay necesidad de hacer destacar a ninguno de ellos, ni por virtudes ni por defectos, no es un filme en el que veamos grandes interpretaciones ni en el que se produzcan desatinos. Affleck, Hunnam e Issaac son los tres que tienen más peso en esta cinta pues ejercen a modo de líderes pero más o menos todos son parte de un equipo en el que van a partes iguales. Y eso es porque siendo miembros retirados del ejército se embarcan en una misión personal de la que obtendrán beneficio solo para ellos mismos. Es decir, tras una vida entera trabajando para el Tío Sam ahora deciden ser ellos quienes se aprovechen de los recursos aprendidos de manera furtiva. Hacen uso de información privilegiada y van a por el dinero de un narcotraficante.
Al reparto actoral hay que sumarle un gran elenco tras las cámaras. Todo surge de una historia de Mark Boal. De todas las que ha escrito hay que decir que esta quizá sea la película que menos profundiza en sus planteamientos. Tanto en ‘En tierra hostil’ como en ‘La noche más oscura’ como en ‘Detroit’ conseguía adentrase mejor en la mente de los agentes del gobierno. En este caso raspa solo la superficie y se queda más en el género de aventuras y de acción. En el caso del director J. C. Chandor también nos encontramos con su película más belicosa. No es lo que sucede con Roman Vasyanov, director de fotografía que ha empleado recursos parecidos a los que le vimos en ‘Corazones de acero’.
Pero no os engañéis, ‘Triple frontera’ no es una película de guerra y tampoco de narcotraficantes. Esta es una aventura con tintes de suspense que puede tener alguna similitud con otras películas de ladrones, yo me atrevería a decir que es una versión aguerrida y poco sofisticada de ‘The italian job’. Empieza con bastantes cosas de manual como sus tiroteos, sus persecuciones… pero después el guión nos lleva por derroteros algo distintos a los habituales y no nos topamos con la monotonía de las caras conocidas y de las historias repetitivas. Eso hace que la película sea disfrutable.
En la ficha de esta crítica no encontraréis un apartado para la banda sonora. Y es porque la música de ‘Triple frontera’ se compone de temas que parecen sacados también de un libro de instrucciones, en concreto uno del perfecto nativo norteamericano que indica que tiene que sonar Metallica, Creedence, Bob Dylan… Y es que la película de Chandor no transcurre prácticamente nada en su país pero desde luego tiene mucho sabor yankee (aunque esté lleno de hispanohablantes). A esto hay que añadirle que el filme también suda mucha testosterona pero los tiros no van ni por los gritos del ¡USA, USA! ni por excesivos tópicos machistas. Si acaso son más condenables algunos fallos de raccord. Yo me quedo con que nos narran una emocionante empresa de esas que en el siglo XVII darían origen a tesoros piratas.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de marzo de 2019. Título original: Triple Frontier. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: J. C. Chandor. Guion: J. C. Chandor, Mark Boal. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Ben Affleck, Charlie Hunnam, Oscar Isaac, Pedro Pascal, Adria Arjona, Garret Hedlund, Sheila Vand, Reynaldo Gallegos. Producción: Atlas Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80192187
Diciembre de 2012. Al cabo de cuatro meses de cautiverio en Siria, dos periodistas franceses son liberados. Gabriel, el más joven, tiene algo más de 30 años. Después de pasar chequeos médicos y contestar a muchas preguntas, puede estar con su familia y su novia. Transcurren unas semanas, e incapaz de encontrar un rumbo, decide ir a Goa, donde creció. Allí conocerá a Maya.
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Crítica
Da el espacio necesario al drama y al romance
Un joven consigue escapar de su secuestro por parte del ISIS y regresa a París, ciudad donde reside. Otros podrían haber realizado un dramón con esta película, otros podrían haberse centrado en los traumas que sufren las personas retenidas contra su voluntad o amenazadas de muerte y otros podrían haber generado un thriller político a partir de esta premisa. En lugar de ello lo que nos propone la parisina Mia Hansen- Løve en su sexta película es un tratamiento más valiente y menos desalentador. Se agradece este enfoque diferente que tiene ‘Maya’ sobre un tema actual y que en el cine siempre se ha ajustado a los términos de la tragedia o la desdicha.
El protagonista está interpretado por Roman Kolinka, quién ya trabajó con la directora y con Isabelle Huppert en ‘El porvenir’. Me ha encantado la manera en como el guión hace que este reportero afronte poco a poco la situación de la que se acaba de salvar. También me ha gustado cómo lo ejecuta el actor. Hay una frase que lo define: «el psicoanálisis lo necesitan mis captores», recuerdo que dice grosso modo. Rehuye el trato de víctima e intenta pasar página volviendo a sus raíces. Ese es el punto fuerte de ‘Maya’, la manera en cómo se diferencia de otros títulos con similar sinopsis.
En ese regreso al lugar donde se crió es donde el francés conoce a Maya, la hija de su padrino. A la India es donde se trasladó su madre en su infancia y allí es donde nos topamos con un choque de culturas. La debutante Aarshi Banerjee es quien interpreta a Maya. Tengo que reconocer que no me ha parecido una interpretación buena. Me ha resultado muy forzada, demasiado pausada. Su personaje cambia de tema con cada pestañeo y me ha costado creérmelo. Pero si me ha quedado claro que está tratada con una sensibilidad cuidada. Más que la interpretación del personaje tenemos que observar lo que representa para el protagonista.
El filme tiene virtudes, como una acertada música que funciona en cada momento en el que se introduce. También posee buenas tomas y buenas secuencias. Se me ha quedado grabada la transición que se realiza para pasar de París a la India con solo un plano contraplano en un coche.
Como en casi todas las películas podemos extraer varias lecturas de ella. Una de ellas es que alojarse en grandes urbes no tiene porque ser el sueño de toda persona inteligente o civilizada. Pero sobre todo me gustaría señalar que hay un momento en el que el protagonista consulta una web llamada Zero Censorship. Lo hace por motivos que no quiero desvelar pero me viene muy bien para deciros que esta es una película que nos dice que no pongamos censura ni a nuestros sentimientos ni a nuestros sueños.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Maya. Duración: 107 min. País: Francia, Alemania. Dirección: Mia Hansen-Løve. Guion: Mia Hansen- Løve. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Roman Kolinka, Aarshi Banerjee, Alex Descas, Pathy Aiyar, Suzan Anbeh, Judith Chemla, Johanna Ter Steege. Producción: Les Films Pelléas, Razor Films. Distribución: Golem. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.lesfilmspelleas.com/film.php?id=173
Ya sea por el carácter de las películas, por el ambiente, por la predisposición del público o por el bagaje de 16 años que lleva este evento que le hace tener sus tradiciones esta ha sido una edición que deja la impresión de haber sido una de las más animadas de los últimos años. Las sesiones además han estado bastante llenas y no ha sido difícil crear esa atmósfera de fiesta que tanto le caracteriza.
Presentaciones como la del último día además ayudan a elevar la sensación de jolgorio. Tras lanzar sus huesitos y dejar la sala repleta de cereales LionLeticiaDolera dio paso a Itziar Castro, productora del cortometaje ‘Flotando’, que precedió a la decepcionante película de cierre ‘Escape Room’. La actriz nos contó con su habitual desparpajo algunas anécdotas del rodaje y dio caña al público mientras lo transmitía en su cuenta de Instagram. Estuvieron con ella el director Juan Francisco De Leonardis y su actor protagonista Daniel Horvath. Ambos alucinaron con la respuesta del público.
‘Quiero comerme tu páncreas’
De la técnica de animación del filme no hay nada que reprochar, raro sería en un anime de esta envergadura. Del argumento ya es otra cosa. Un libro sirve para que dos jóvenes se conozcan y se forje así una cruel historia de amor. Cruel porque la joven que lo escribe fuerza el romance insinuándose y buscando al chico que se lo encuentra sabiendo que le queda poco tiempo de vida y se va a morir dejándole solo.
Para más inri el joven protagonista es alguien al que le gusta vivir sin amigos, aislado en sus lecturas novelescas. Que la joven le saque de su zona de confort para que en un futuro se lleve ese gran palo me parece de lo más retorcido. El drama durante la historia se masca, es reiterativo y agotador. Es por eso que al final tenemos un guiño extenuantemente largo a ‘El principito’ que viene precedido de un giro absurdamente dramático, cogidísimo por los pelos, consistente en un texto escrito por la protagonista en el que inexplicablemente el chico responde.
Desde Portugal nos llega la historia de un futbolista que tiene a todo el país embelesado con su estilo de juego pero que tras rescatar en el mar a unos refugiados (fugados los llama él) queda impactado y falla el penalti decisivo en la final del mundial. Su apariencia y su nacionalidad hace que sea imposible el no compararle con CR7 y las risas están aseguradas. Más aún cuando se le interpreta con la personalidad de un niño y el guión tiene multitud de sinsentidos.
Perros sobre gases rosas, espías infiltrados, clones, gemelas malvadas, inteligencias artificiales… Por mucho que quieras darle un significado explícito en contra de la globalización y el neoliberalismo es imposible tomársela en serio. Aún me duelen los ojos de la estética hortera que tiene el filme.
La tarde sigue con ‘Hell is where the home is’ una cinta aburrida y absurda donde cuatro amigos están encerrados en una casa de lujo cuando alguien extraño llama a la puerta.
Tiene un comienzo rápido, en un momento te presentan a los protagonistas, su pasado y presente y no se andan con líos ni nada. Eso sí, tienen bastantes problemas entre ellos, que vamos, si llegáis a ver la película pronto os daréis cuenta que no hace falta que unos asesinos anden sueltos para que todo hubiese terminado mal entre ellos.
Dirigida por OrsonOblowitz, en la película vemos a JonathanHoward, al cual hemos visto en ‘Thor: El mundo oscuro’, también aparece JanelParrish, de ‘Pequeñas mentirosas’ o la conocida FairuzaBalk que sin duda no está en su mejor momento.
Poco más que decir de esta típica cinta donde sí que podéis ver muertes notables pero que se olvida nada más terminar su visionado.
Muy buena factura en una historia en la que ha pasado algo grave y el protagonista está constantemente en gravedad cero. Hecho el chiste fácil. Dos actores aparecen en pantalla para contar muy poquito con algo de humor absurdo. En pleno espacio uno sufre por mantenerse con vida y el otro se presenta con una tarta y sin escafandra a dar la bienvenida.
Daniel Horvath (‘Proyecto Lázaro’) y Secun de la Rosa (‘Arde Madrid’) comparten habitáculo en el vacío pero de un modo que tal vez no sospecheis.
Admito que iba con demasiado hype por esta película, la clausura de la Muestra SYFY no ha sido para nada lo mejor.
El argumento es sencillo, seis desconocidos son invitados al mejor escape room de todo el mundo, donde no solo se juegan 10.000 dólares, sino que también su vida corre peligro.
Una película que podría ser muy original, viendo la cantidad de acertijos que se podrían haber inventado, ha terminado siendo un refrito de un montón de películas que ya hemos visto, entre ellas ‘Hostel’ o ‘Saw’. Eso sí, sin muertes violentas.
El guionista Bragi F. Schut (‘En tiempo de brujas’) no se ha devanado los sesos en esta cinta y nos ha dado una historia que aunque nos deja para una segunda parte, no creo que nunca se lleve a cabo.
Colofón en el instituto de Salem y rodando con zombies japoneses sin cortes
La Muestra SYFY es un evento que año tras año va acumulando tradiciones. Cuando sale la luna los espectadores aúllan, cuando alguien manda callar todo el mundo hace shhhhh… Se van acumulando leitmotivs y este año hay varios que pueden calar. Como el vestido rojo de ‘In fabric’, gritar ¡la puerta! cuando alguien no cierra una a su paso, pedir zoom a gritos, por supuesto vociferar ¡no se oye! aunque el volumen esté a tope… Lo que también se suele acumular en el evento es público que abarrota la sala y tiempo entre una sesión y otra. Y eso ocasiona que las películas empiecen más tarde y siempre terminemos la última película a altas horas de la noche. Sea como fuere el espectador mandanguer aguanta y se lo pasa bien.
Se unieron ayer a la familia SYFY para presentar su cortometraje ‘El escarabajo al final de la calle’, premiado por SYFY en la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Alexandra Lacaita Figueras (actriz), Joan Vives Lozano (director) y Artur Cruz Jardí (director de Fotografía).
‘La familia Adams’
Un clásico que parodia los clásicos de terror. Pocas versiones de los monstruos del cine por excelencia han conseguido tantos aciertos. Raro es el amante del género de terror o de las comedias que no disfrute con Miércoles, Gómez, Fétido, Cosa, Morticia, Pugsley… Un reparto de personajes peculiares interpretado por actores únicos: Anjelica Huston, RaulJulia, Christopher Lloyd, Christina Ricci…
Muchas risas y nada de terror con esta terrorífica familia de inadaptados sociales en un mundo moderno. Pese a lo que la estética sugiera y lo que muchos piensen este no es un título de Tim Burton, sino de Barry Sonnenfeld, director de ‘Wild Wild West’ o ‘Men In Black’.
Cortita, eficiente y al grano. Tuvimos ocasión de ver ‘Compulsión’ en la edición 2017 de Sitges y salimos bastante satisfechos. Es el primer largometraje de ficción de Ángel González y resulta ser bastante eficaz con pocos recursos escénicos y un reparto muy acotado.
Marina Esteve, Paco Manzanedo y Susana Abaitua son los protagonistas. Abaitua (‘4 Latas’) es la más destacable aunque Manzanedo resulta muy convincente.
Una película sobre el control de nuestra vida y sobre la influencia de las pulsiones de los demás.
Sophie Tatcher y Pedro Pascal se embarcan en un relato de mercenarios, recolectores, ladrones y lugareños. Ofertas y contraofertas, tratos con el enemigo y negocios turbios en una tierra por explorar. No es una película del oeste pero cumple todos sus requisitos. En vez de sombrero de cowboy los protagonistas portan escafandra y en vez de revólveres lanzaderas láser.
La extracción de unas piedras preciosas y la necesidad de escapar de una luna verde obliga a dos enemigos a aliarse en una tierra en la que el polvo que flota en el ambiente es tóxico.
Se carga tanto de historias con sabor a ciencia ficción que genera una atmósfera que nos remonta a relatos de Arthur C.Clarke o Isaac Asimov. Por el contrario no alcanza la magnitud de esos maestros ya que el carácter de este filme es básicamente aventurero, no busca hacernos pensar, no anida en nuestras cavilaciones.
La tercera película de S. Craig Zahler vuelve a reunir un reparto de excepción en el que algunos repiten con el director y guionista: Mel Gibson, Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, LaurieHolden, Tory Kittles, Michael Jai White, Thomas Kretschmann, Udo Kier…
Para mí ha sido el peor trabajo de Zahler a pesar de que supera el aprobado. Normalmente alarga sus largometrajes y se toma con calma las historias para construir una buena base. Pero en esta ocasión no está tan justificada la duración y nos sobran infinidad de escenas o haría falta acortar secuencias.
Con una composición fotográfica muy elegante, bastante víscera y musicalidad se acerca al estilo de Tarantino. Incluye muchas más dosis de humor de lo habitual, comedia basada en sus personajes racistas por lo general, pero eso tampoco ayuda a llevar mejor tantos minutos de filme. Ni el talento de sus actores ni las capacidades narrativas del cineasta de Miami alcanzan para convertir ‘Dragged across concret’ en una obra maestra.
Al igual que el cortometraje RIP de Albert Pintó y Cayé Casas aborda bien la hipocresía y la falsedad de la gente. Y también al igual que lo hicieron esos dos autores lo hace desde un punto extremo y sarcástico, desde una visión humorística de la cercanía de la muerte.
Una pescadera tiene de vez en cuando visiones sobre el futuro y cuando van a suceder el pueblo se prepara. La cosa es que la premonición que hace sobre Amadeo (el protagonista) es de muerte y los favores o atenciones hacia el futuro fallecido comienzan a ser tan desmedidos que la cosa se va de las manos. Muy cómico y muy satírico.
Aunque la llamada a la autodeterminación del género femenino rompiendo la cuarta pared llegue al final durante toda la película se sueltan perlas con claros alegatos feministas. Pero ‘Nación salvaje’ no tiene un argumento que gire solo en torno a la lucha de los derechos de la mujer. Es un filme que habla tambien sobre la desaparición de la vida privada, la hipocresía de la sociedad o los juicios que se llevan a cabo en la red de redes donde condena sin contrastar y sin pruebas.
Una nueva caza de brujas se lleva a cabo en Salem cuando un hacker comienza a hacer público poco a poco el contenido de los teléfonos inteligentes de sus ciudadanos y estos empiezan a señalar con el dedo a raíz de todo aquello que ha sido publicado.
Película de instituto con cuatro protagonistas adolescentes que se enfrentan a los tradicionalismos rancios. En el reparto están actores conocidos comoSuki Waterhouse (‘Amor carnal’),Bill Skarsgård (‘IT’), Hari Ner (‘You’), Colman Domingo (‘Fear The Waliking Dead’)…
Mucho metacine en esta película que clama amor por rodar historias. Con un toque cómico y muy simpaticón que solo suelen conseguir los japoneses disfrutamos del rodaje y emisión de una película de zombies. No es una película con giros inesperados o sorprendentes pero que si da gusto ir descubriendo por uno mismo y de la que conviene no ir perdiendo detalle.
Comienza con un verdadero plano secuencia que para mí es un zasca a ‘Birdman’ y termina con entresijos, humanos y del cine. Se puede dividir en dos mitades pero hay sorpresa entre una y otra así es que es mejor no diferenciarlas. Muy original y muy sencilla a la vez. Merece la pena verla un par de veces para distinguir todos los pormenores. Un hurra por la dirección y guión de la segunda película de Shin’ichirô Ueda. Si no la has visto te la van a recomendar seguro. ¡Actiooooon!
De menos a más. Un chip, un manga y unas marionetas nazis coronaron el día
La jornada estuvo rodeada por los asistentes a la huelga y manifestación del día de la mujer. La cola típica para acceder al cine compartió espacio con la marea morada. Un movimiento que ha ocasionado que la tradicional presentadora de la Muestra SYFY, Leticia Dolera, no estuviese presente. El segundo día transcurrió amenamente y sin retraso, incluso se soplaron unas velas de cumpleaños. Aquellos que responden a la luna y a canino incorporaron nuevos gritos a su repertorio gracias a la hilaridad de alguna película que otra.
Finalmente se proyectó ‘El año de la plaga’ en la sala tres del Palacio de la Prensa y por sorpresa efectivamente se pasó ‘Gintama’ en las salas uno y dos. Con eso y con la proyección anterior que fue ‘Upgrade’ se levantó bastante el espíritu de la muestra que se había visto mermado tras los dos primeros títulos del día.
Una representante de Zentropa presentó la película española ‘El año de la plaga’ y la directora del corto ‘Cerdita’, Carlota Martínez Pereda, acompañó el visionado de su trabajo ganador del Goya pero no subió a hablar de él al secundar la huelga de mujeres. Si que subieron portando el cabezón miembros del elenco técnico o productivo del cortometraje que os comentamos junto al resto de trabajos que pudimos ver ayer.
‘In fabric’
Historia sobre un vestido asesino. Transcurre a caballo entre dos protagonistas siendo más entretenida en su segunda mitad. En los primeros compases te planteas si la cosa va en serio hasta que llegas a conocer a la vendedora de frases elaboradas que trabaja en un centro comercial de empleados victorianos cultistas pasados de rosca.
Todo el filme tiene partes que recuerdan a las obras de Dario Argento, con esos juegos suyos tan reconocibles de colores, luces y sombras totalmente sugerentes. Es como la versión cómica que Guadagnino debería haber hecho de ‘Suspiria’. Escenas oníricas, colores chillones, primeros planos largos, música y sonidos de sintetizador… Muy inquietante y turbadora pero por la vertiente de lo ridículo, causado carcajadas entre el público mandanguero (entiéndase de la sala 1 de la muestra).
En el filme participan rostros conocidos como Gwendoline Christie (‘Juego de Tronos’), Marianne Jean-Baptiste (‘Sin rastro’) o Sidse Babett Knudsen (‘Westworld’).
Serie que se emitirá en Sky a partir del próximo 19 de marzo y que constará de 8 episodios. Nos lleva a una sociedad futura atemorizada por unas criaturas que habitan la noche. Para evitar que los ciudadanos sufran daños todas las noches la megafonía de las ciudades avisa a la población que debe recluirse en sus casas por su seguridad, muy al estilo de ‘La purga’. Se organiza en esas noches y por todo el mundo una carrera a cuyo ganador se le promete la estancia en un lugar donde salir de noche es seguro.
Un punto de partida interesante que transcurre en Londres. El primer episodio no dice mucho de la serie, tan solo nos presenta a los personajes y sus autos locos que parecen casi sacados del Carmageddon. Si que nos ofrece sangre y nos demuestra hasta donde es capaz de llegar con su violencia pero hasta el momento solo nos podemos tomar el capítulo como carta de presentación.
El rostro más conocido de la serie es el de un envejecido y engordado Sean Bean, el cual se embarca también en la carrera. ¿Morirá y engrosará su lista de muertes?
La película no comienza con una luna de miel idílica, donde una jovencísima esposa entra en brazos del hombre de su vida.
Un cuento moderno que podría recordar a la historia de Barba Azul. El problema que no es una película simple y según avanza la historia se enreda demasiado llegando a hacerse excesivamente tediosa.
En el reparto de la cinta tenemos a 4 personajes principales, AbbeyLee que es Elizabeth, CiaránHinds su marido, CarlaGugino una ama de llaves que vive con ellos junto a un joven ciego MatthewBeard, que harán que pasemos una hora y 45 minutos sin entender demasiado lo que ocurre.
SebastiánGutiérrez dirige y firma el guión de esta película futurista. Una pena que se vaya tanto por las ramas con la historia porque creo que tenía mucho potencial.
Es de esas películas que mantienen el amor por el fantástico pintando mal el futuro. La humanidad duerme ya con la cibernética y es totalmente dependiente de ella. Pero algunos, como el personaje de Logan Marshall Green, se resisten a la actualización tecnológica. Ironía, alguien tan dado a lo analógico y lo manual se ve condenado a una silla de ruedas, hasta que de nuevo los avances de la ciencia le permiten evitar ese fatídico destino.
Igual que le sucede a su “gemelo” Tom Hardy en ‘Venom’ algo toma el control del cuerpo de Marshall Green. Se convierte en marioneta pero lo hace a placer. Cuando su implante entra en acción los movimientos de cámara y lo que esta filma es algo… brutal. Se convierte en un Iron Man sin armadura en unas escenas muy bien coreografiadas y culminadas con sangre. La inamovilidad pero también los andares cuadriculados de Marshall Green no resultan tan forzados al lado del arquetípico millonario que aparece en la película.
Asesino más karma más maltrato tanto psicológico como físico. Esos componentes son los que se unen en ‘Cerdita’. Un corto en el que la realidad se ceba con los más débiles y diferentes pero en el que también se contempla una justicia violenta que nos puede parecer realmente justa a todos.
En muy poco espacio de tiempo se observa a aquellos que en casos de acoso pasan fugazmente, aquellos que solo observan y a aquellos que se ceban. Y por supuesto está la mirada impasible e impotente de la agraviada.
No había visto el cortometraje, pero ahora aplaudo más que nunca la decisión de la Academia al darle el Goya tras descubrir su calidad y el género al que pertenece.
Adaptación de un manga y posterior anime creado por Hideaki Sorahi. Un live action que capta a la perfección el espíritu de los animes de los años setenta y ochenta. Golpetazos, escenas tontorronas, personajes estrafalarios, rupturas de la cuarta pared, referencias a otros mangas… Mucha mejor adaptación que el Jojo’s de Takashi Miike.
El Japón feudal se transforma mucho más rápido que con la apertura al mundo que vivió históricamente ya que es ocupado por unos extraterrestres. Esos alienígenas están caracterizados con disfraces de animales dignos de una función de colegio y han impedido que los humanos lleven armas, pero hay unos cuantos samuráis que se niegan a ese edicto. Olvidaos de toda lógica al ver esta película porque de lo contrario no la vais a disfrutar, dejaos llevar por lo absurdo y preparaos para aullar mucho a la luna.
Un colaborador nazi (Udo Kier) mudado a EE.UU. creaba retorcidas marionetas que ahora se van a subastar en una convención. Un divorciado vendedor de cómics (bastante obsesionado con ‘The Goon’) posee una de esas y acude al hotel donde están decenas de esos muñecos que cobran vida y empiezan a masacrar a los huéspedes. Una mezcla entre ‘Pequeños guerreros’ y ‘Muñeco diabólico’ con un argumento bastante sencillo y sanguinolento.
Es el guión más flojo de todos los que he visto de S. Craig Zahler. Pero claro, hay que admitir que es intencionadamente de serie B, tanto es así que cuenta con la famosa actriz del género Barbara Crampton del clásico ‘Re-Animator’. Sabiendo esto el festival de muertes que ofrece es totalmente disfrutable siempre y cuando sepas tomártelo con el debido cachondeo.
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