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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Firestarter’

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Sinopsis

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En una nueva adaptación del clásico thriller de Stephen King de los productores de ‘El hombre invisible’, una niña con extraordinarios poderes piroquinéticos lucha por proteger a su familia y a sí misma de unas fuerzas siniestras que pretenden capturarla y controlarla.

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Crítica

Mucho fuego y poca chispa

Hoy vamos a hablar de ‘Firestarter’, quizá no os suene el nombre. Si digo ‘Ojos de fuego’ tal vez si que se os desbloquee un recuerdo. A muchos ese nombre les remontará a 1984, año en el que se adaptó la novela de Stephen King de la mano de Mark L. Lester (‘Comando’). Casi cuarenta años después de ese estreno y solo algún año más tarde del lanzamiento de la novela original tenemos una nueva película, que sin tener muchas razones para existir, ha realizado Keith Thomas (‘The Vigil’).

Precisamente por el director me he animado a ir al cine a ver este largometraje. Me gustó mucho ‘The Vigil’ pero este cambio de tercio ha aplastado mis expectativas por el cineasta norteamericano. Sin duda se le da mejor el terror tenebroso y pausado que el espectacular y fantasioso. Con ‘Firestarter’ pasa de un velatorio a un crematorio. Nos cuenta la historia de una niña que posee poderes mentales, poderes que no controla y que casi siempre acaban con un incendio. Ese poder está cotizado por ciertas organizaciones secretas y tanto ella como sus padres llevan una vida de huidas y marginación social.

Drew Barrymore fue la que encarnó a la poderosa niña en un segundo papel infantil y fantástico que cuajó mucho menos que el que había hecho solo dos años, ‘E.T.’. Ryan Kiera Armstrong no supera a Barrymore y tampoco los pequeños papeles en los que ya le (‘La guerra del mañana’, ‘Viuda negra’ o ‘American Horror Story’). Del mismo modo, aún más irrisorias, son las actuaciones de Zac Efron y Sydney Lemmon, si se quieren quitar el estigma de “la cara bonita” se lo van a tener que currar más.

Ni he leído la obra ni he visto la adaptación del ochenta y cuatro. Como adaptación no lo sé, pero como película no tiene ninguna relevancia más allá de lo bien maquilladas que están las quemaduras y lo bien que está controlado el fuego, ya sea con CGI, ya sea con efectos prácticos. Es decir, la técnica de hoy en día está a la altura, pero el guión y las interpretaciones se han quedado atrás. Si definimos chispa a aquello que tiene el carisma o la originalidad suficientes como para sorprender o grabarse en el espectador, ‘Firestarter’ carece completamente de ella.

Aparecen elementos muy de King como ‘The Shop’, los niños traumatizados o con poderes y esas capacidades enigmáticas tipo “resplandor” que tanto han atemorizado a la región de Maine. Pero la película está muy lejos de acercarse a lo mejor del maestro del terror. De hecho se mete casi de lleno en lo peor de lo que produce Blumhouse. Mucho mejor habría estado orientada si hubiese cogido lecciones de ‘El hijo’ o si no hubiese parecido un episodio largo de ‘Héroes’. Si no nos hubiesen mostrado de dónde vienen los poderes por lo menos habría un halo de misterio. Pero lo hacen. Nos explican por qué la niña tiene esas capacidades incendiarias y queda totalmente fuera de juego el toque romántico o enigmático que tenían otras adaptaciones de Stephen King. Me queda claro que a la hora de digerir las historias del mítico escritor es mejor quedarnos con la semilla de la duda que intentar esclarecer todo. No queda bien en pantalla cuando se desenredan sus enigmas o terrores.

Antes decía que el título podría remontaros a los ochenta, a los títulos originales de esta película. A mi ‘Firestarter’ me lleva al noventa y seis. Por entonces sonaba la canción homónima de Prodigy. Ojalá ese espíritu destructivo, psicópata e incendiario se hubiese empleado en esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: Firestarter. Duración: 94 min. País: EE. UU. Dirección: Keith Thomas. Guion: Scott Teems. Música: John Carpenter, Cody Carpenter, Daniel A. Davies. Fotografía: Karim Hussain. Reparto principal: Ryan Kiera Armstrong, Zac Efron, Sydney Lemmon, Gloria Reuben, Michael Greyeyes, Tina Jung, Lanette Ware, Neven Pajkic, Danny Waugh. Producción: Blumhouse Productions, Universal Pictures, Angry Adam Productions, BoulderLight Pictures, Weed Road Pictures, Night Platform. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.firestartermovie.com/

Crítica: ‘Cinco lobitos’

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Sinopsis

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Amaia (Laia Costa) acaba de ser madre y se da cuenta de que no sabe muy bien cómo serlo. Al ausentarse su pareja por trabajo unas semanas, decide volver a casa de sus padres, en un bonito pueblo costero del País Vasco y así compartir la responsabilidad de cuidar a su bebé. Lo que no sabe Amaia es que, aunque ahora sea madre, no dejará de ser hija.

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Crítica

Este naturalismo me lo guardo para los documentales

Estoy por hacer una película sobre cualquier tipo de cotidianidad porque parece que solo con eso uno ya tiene un alto porcentaje de ganar un premio en el Festival de Málaga. ‘Cinco libitos’ es la máxima ganadora del certamen de cine español y se ha sumado a otros títulos como ‘Las niñas’, ‘Los días que vendrán’, ‘Verano 1993’ o ‘Las distancias’ que nos vienen a decir que el gafapastismo español prefiere que le hablen de lo mundano sin ningún tipo de filigrana narrativa o visual antes que de cualquier otra cosa, ahí está como ejemplo también ‘Alcarrás’.

Todos esos filmes vienen cortados por el mismo patrón y la verdad es que más que aburrir la historia que transmiten aburre la manera de contarlo. Seguimos a protagonistas de a pie, personas normales y corrientes enfrentándose a problemas de la vida, es decir, lo que vemos en nuestro día a día y yo al cine voy a ver historias que me sorprendan, me descubran facetas desconocidas o estén narradas con un ritmo diferente al de la pura realidad. Valoro la dirección de Alauda Ruiz de Azúa en esta su primera película en formato largometraje pues no es sencillo mover a un elenco que gira en torno a un bebé recién nacido que no atiende a órdenes o a marcas. Pero este tipo de naturalismo me lo guardo para los documentales.

De ‘Cinco lobitos’ aprecio sobre todo la actuación de Susi Sánchez que tras sus trabajazos en la ‘trilogía del Baztán’ se hace con el protagonismo cuando a priori se supone que está centrado en el personaje de Laia Costa. Esta mujer Almodóvar realiza una drástica transición con su protagonista pero manteniendo el carácter de esta inalterable, cosa nada fácil.

En resumidas cuentas ‘Cinco lobitos’ habla sobre que quien es madre lo es para siempre y quien es hija lo es desde que nació. La maternidad de antes y de ahora se entremezclan en una transferencia de conocimientos de lo más normal. De algo estoy seguro con este filme y es que muchos padres y madres se van a sentir identificados, mayormente si son de esos que pensaron que tener hijos era seguir el camino natural de las cosas, que no absorbe las energías de los progenitores y que todo sería un camino de rosas. También se verán reflejados aquellos que delegan en los abuelos las labores de canguro, intuyo que es un inmenso porcentaje de los que han tenido descendencia en la última década.

Otro foco de ‘Cinco lobitos’, que no se si es intencionado o no, es el de mostrar a los hombres de ahora como completos inútiles en las labores del hogar. Seres ausentes en la vida cotidiana pero sumisos ante las reprimendas de sus parejas. Me parece una visión nada acorde a la realidad e injustamente generalizada. En el cuarenta y cinco Ladislao Vajda estrenó otra película que también se titulaba ‘Cinco lobitos’ y en ella se mostraba una visión mucho mejor orientada a demostrar la capacidad de la mujer poniéndola al mismo nivel que la del hombre.

Estoy casi seguro de que las grandes dificultades a salvar a la hora de desarrollar ‘Cinco lobitos’ han residido en poder improvisar con el bebé o en equilibrar el guión para que no termine siendo un melodrama. Pero habría sido una película más rica o crítica si el foco hubiese estado puesto con más hincapié en ese retrato de una generación actual que se ve forzada más que nunca a vivir para trabajar.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Título original: Cinco lobitos. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Alauda Ruiz de Azúa. Guion: Alauda Ruiz de Azúa. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, Amber Williams, Lorena López. Producción: Encanta Films, Sayaka Producciones Audiovisuales, Buena Pinta Media, RTVE. Distribución: Bteam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/cinco-lobitos/

Crítica: ‘JFK: caso revisado’

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Sinopsis

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Treinta años después del primer examen del asesinato de JFK por parte del director Oliver Stone, este vuelve a acercarse al horrible evento que moldeó a una generación. Usando nuevo metraje desclasificado y reexaminado, Stone pone sobre la mesa el hecho de que las teorías de la conspiración sobre la muerte del presidente son, en realidad, “hechos de la conspiración”.

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Crítica

Leña para el fuego de los conspiranoicos

Todos hemos visto la cruda película del estadounidense de origen ruso Abraham Zapruder en la que la cabeza de John F. Kennedy vuela por los aires y Jackie gatea desesperada por el maletero del coche. Ese pequeño pero eternamente reproducido instante se convirtió en la obsesión de muchos norteamericanos, sean amantes de las conspiraciones o no. Para Oliver Stone parece que también pues hizo la película de 1991 (‘JFK: caso abierto’). En ella ya nos hablaba de muchos encubrimientos y secretos que hoy en día han pasado a formar parte de uno de los mayores misterios contemporáneos, que seguro seguirá dando que hablar durante generaciones y que probablemente quedará para la historia junto con la muerte de Marilyn Monroe, la de Bruce Lee u otras desapariciones inexplicables o nubladas por la incredulidad de los seguidores de dichas figuras o las leyendas negras que les rodeaban.

Se han estudiado los tiempos entre disparos, el recorrido de Oswald, los ángulos, las balas encontradas, las heridas, las autopsias… Se le ha dado tantas vueltas que la verdad ya está nublada. El documental intenta hacer un juicio objetivo y minucioso de los hechos, pero sin dejar de lado todos los factores humanos que se vieron involucrados. Cortinas de humo, intereses, encubrimientos… casi que siembra más dudas de las que despeja. Treinta años después de la película de Stone y casi sesenta de la muerte de Kennedy, ‘JFK: caso revisado’ es leña para el fuego de los conspiranoicos.

‘JFK: caso revisado’ pone en tela de juicio todo lo que tiene que ver con la comisión Warren. Expone mucho material desclasificado y con lo que ya se conocía hace un ejercicio de revisión, teniendo en cuenta la perspectiva del tiempo y el contexto que aportan los nuevos datos. También aprovecha para entrevistar a muchos de los relacionados con el caso que aún viven o están cerca de las pruebas o documentos. El testimonio más relevante me parece el del sobrino de JFK. Pero con todo y con eso este parece un cuento de nunca acabar. Es de esos casos que solo se pueden resolver o bien cuando estaban en caliente o bien sin la intervención de intereses ocultos.

Basándose en el libro de James DiEugenio ‘JFK: caso revisado’ es una radiografía de los hechos anteriores y posteriores al magnicidio con todo lujo de detalles y documentos. Errores, encubrimientos, huecos en la historia… Con numerosas infografías se reconstruye el crimen y todo lo sucedido al rededor en los siguientes instantes. Una historia que se vio rápidamente enturbiada, ya sea por todos los factores previos o por la presión e histeria a la que se sometió a todos sus intervinientes.

JFK era muy progresista, tenía tantos proyectos y prometía tantos cambios radicales y fundamentales que se le tiene casi santificado. Aunque de familia adinerada era tan transgresor que parecía destinado a ser derrocado de un modo u otro, al fin y al cabo, es lo que les pasa a los que llegan para incomodar a las élites o a los beneficiados del régimen establecido en el que vivimos. No sé de qué me suena esto. Teniendo en cuenta todo lo dicho no me extraña tanta controversia y misterio con el tema de la “bala mágica”.

Castro, el telón de acero, la ultraderecha norteamericana, la CIA, mafiosos, colonialistas… a esta historia solo le faltan los Illuminati. Os animo a buscar información sobre algunos de los componentes de la historia como la Operación Northwoods, pero os advierto de que quizá os convirtáis en unos partidarios más de la teoría del complot.

Por supuesto ‘JFK: caso revisado’ termina sin dejar claro quién le mató o los motivos de este magnicidio, lo cual es lo único que hoy en día podría tener algo de utilidad o relevancia. Pero sí da teorías de por qué se culpó a unos u a otros o por qué Oswald fue asesinado de una manera tan a la desesperada o apresurada. No voy a desvelaros aquí las conclusiones a las que llega ‘JKF: caso revisado’, si queréis saberlo solo tenéis que pagar una entrada de cine. Este documental no son pesquisas para saber quién asesinó a Kennedy, sino para dejar claro que con todas las incongruencias halladas hay realmente una conspiración. Lo que dice Stone aquí es como lo que dice Enrique de Vicente “no digo que sea una conspiración… pero es una conspiración”.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Título original: JFK Revisited: Through the Looking Glass. Duración: 115 min. País: EE. UU. Dirección: Oliver Stone. Guion: James DiEugenio. Música: Jeff Beal. Fotografía: Robert Richardson. Producción: Ingenious Media, Ixtlan Productions, Pantagruel Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: https://www.sho.com/titles/3507963/jfk-revisited-through-the-looking-glass

Crítica: ‘The deer king (El rey ciervo)’

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Sinopsis

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Van (Shinichi Tsutsumi), el jefe del cuerpo de guerreros «Dokukaku», que una vez fue temido por el Imperio Toru, perdió todo y se convirtió en prisionero.

Un día, a pesar de ser atacado por un perro de montaña, logra escapar debido a la confusión, pero durante ese tiempo, conoce a Yuna, una niña que perdió a su familia como ella, y al pasar tiempo con ella, Van recupera gradualmente el propósito de vivir. ir.

Por otro lado, mientras la misteriosa enfermedad está desenfrenada en el Imperio Tuol, en el Reino de Akafa bajo el control de Tuol, una rebelión está bajo el agua utilizando los perros de montaña que llevan el virus en sus cuerpos. Fue planeado.

Van y Yuna están involucrados en un complot porque tienen anticuerpos, pero finalmente los perros de montaña se llevan a Yuna. Mientras persigue a Yuna, Van conoce a Hossar (Ryoma Takeuchi), un médico genio que busca una cura para Mitzal, y a Sae (Kyou), un cazador de rastros enviado por el Reino de Akafa que quiere evitarlo. Embárcate en un viaje para ayudar a Yuna juntos mientras se sostienen.

¿Van realmente puede rescatar a Yuna?

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Crítica

Re-conectamos con la escuela de Ghibli y los argumentos familiares

A partir de la serie de novelas de fantasía de la escritora japonesa Nahoko Uehashi se ha desarrollado la película de animación ‘The deer king (El rey ciervo)’. Y quien la ha llevado a cabo es el director Masayuki Miyaji, el cual se formó y trabajó en Studio Ghibli. Esa escuela se nota en el guión, el estilo de dibujo y la magia de cuento, la cual, está omnipresente.

Esta propuesta anime empieza siguiendo los pasos de ‘Ben-hur’ o ‘Gladiator’, con un héroe de capa caída, desterrado o condenado e incluso una escena que recuerda un momento memorable de la película protagonizada por Charlton Heston. Pero este rey ciervo acaba recordando más a la ‘Princesa Mononoke’, particularmente si nos fijamos en la manera en cómo conecta con la naturaleza. Se palpa en la obra que hay un profundo amor por el medioambiente pero sobre todo por la tradición japonesa y el género fantástico.

La historia, de carácter juvenil, tiene épica y aventura, misterio e investigación. ‘The deer king’ nos plantea un mundo medieval y fantasioso en el que los humanos han de superar una enfermedad llamada mittsual, un ataque en forma de pandemia, una Fiebre del Lobo que arrasa con todo. En medio de esa crisis se busca a un caballero que antaño combatía a lomos de un ciervo y ahora es un prófugo acompañado de una niña al estilo ‘El lobo solitario y su cachorro’. En el está la clave de la cura y también en que permanezcamos enganchados a la película pues la dupla que forma el guerrero y la niña está muy bien gestionada.

‘The deer king’ es una película muy alineada con la actualidad con frases como “las enfermedades no conocen fronteras” y la búsqueda de una cura o personas inmunes. A parte de eso tiene un mensaje claro sobre la familia y la ecología que no tiene por qué estar relacionado con el COVID-19 aunque este se diluye durante un buen rato ya que presenta un parón de la trama a la hora de película.

Se agradece que, como en Ghibli, la historia se apta para todos los públicos e introduzca elementos para adultos, que por otro lado hacen que el público infantil vaya madurando a través del cine. Se nota el sello lo pone Production I.G., los mismos de las escenas animadas de ‘Kill Bill’ o las nuevas películas de ‘Ghost in the shell’ o ‘Ultraman’. Aunque se serpara de Ghibli cuando percibimos que no tiene poesía. También es cierto que aquellos que se hayan leído la saga de ‘El rey ciervo’ captarán mejor el trasfondo de todo lo acontecido en esta primera adaptación.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: Shika no Ō: Yuna to Yakusoku no Tabi. Duración: 113 min. País: Japón. Dirección: Ando Masahi, Masayuki Miyaji. Guion: Taku Kishimoto. Música: Harumi Fuuki. Reparto principal (doblaje original): Shinichi Tsutsumi, Ryoma Takeuchi, Nahoko Uehashi. Producción: Production I.G. Distribución: SelectaVisión. Género: fantasía, aventuras, adaptación. Web oficial:  https://shikanoou-movie.jp/index.html

Crítica: ‘El arma del engaño’

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Sinopsis

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Estamos en 1943. Los aliados están decididos a acabar con el control de Hitler en la Europa ocupada y planean un asalto total a Sicilia; pero se enfrentan a un desafío imposible: cómo proteger a sus tropas de una posible masacre durante una invasión de enormes proporciones. La operación depende de dos brillantes oficiales de inteligencia, Ewen Montagu (Colin Firth) y Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen) que diseñan la estrategia de desinformación más inteligente descabellada de la guerra, centrada en el agente secreto más improbable: un hombre muerto.

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Crítica

Interesante aunque adormecida historia de un Cid moderno

Hubo tantos bandos, tantos territorios y por lo tanto tal cantidad de personas implicadas en la II Guerra Mundial que es normal que haya dado para generar centenares de películas. ‘El arma del engaño’ llega para arrojar luz e incluso para dar a conocer a los espectadores uno de los episodios más importantes de esa desmesurada contienda, sin duda eclipsado por la importancia del desembarco de Normandía. Hablo del ataque aliado en la isla de Sicilia, el cual, dio inicio a la campaña italiana en contra de la invasión nazi.

No sabía que ‘El arma del engaño’ trataba acerca de esta operación pero lo veo la mar de oportuno pues nos habla de las estrategias de desinformación y mentiras que siempre se mueven en la sombra durante las guerras, sobre todo desde que el ser humano maneja correspondencia, ya sea por papel o por cable. Es algo que tenemos la mar de presente ahora qué occidente cuenta unos hechos sobre la guerra en Ucrania y Rusia suele contraatacar emitiendo información diametralmente diferente. Básicamente lo que cuenta esta película es como se urdió un plan para que la Alemania nazi trasladarse sus tropas a Grecia pensando que el bloque aliado iba a desembarcar allí cuando realmente la intención era la que se llevó acabo, ejecutar el mayor desembarco anfibio en Sicilia.

¿Por qué me parece interesante? Arroja información sobre dos aspectos poco tratados en el cine ambientado en la II Guerra Mundial. Uno de ellos es el complot que había contra Hitler dentro de su propio ejército o país, obviamente tenía sus detractores, no había solo fanáticos con el cerebro lavado. El otro punto con el que el espectador va a sentirse intrigado, sobre todo si es español, es el plan que se llevó acabo. Sacada de la realidad, del libro que escribió el propio Ewen Montagu (Colin Firth), del que redactó Ben Macintyre y tratada alguna que otra vez en Cuarto Milenio o ‘El Ministerio del Tiempo’ la operación Mincemeat (carne picada) consistió en arrojar el cuerpo de un desconocido vestido de soldado a las aguas de las costas de Andalucía para que el gobierno de Franco o los espías alemanes le trasmitiesen la información falsa que llevaba a Hitler. Esto es históricamente cierto e incluso podéis visitar el sepulcro del vagabundo disfrazado de soldado que cual Cid sirvió con su cadáver a un engaño bélico histórico. Todo lo que hay que tejer y todos los factores que hay que tener en cuenta para que un engaño a priori tan “inocente” funcione están en la película. En ese sentido el filme funciona como lección de historia o de estrategia política y militar.

¿Por qué me parece adormecida? Por las tramas que se han incluido para aderezar todo el entramado militar. Queda colgado el arco del hermano del personaje de Colin Firth y la historia de amor platónico me sobra. ‘El arma del engaño’ habría funcionado mejor como thriller meramente político. La película se va hilando a través de la escritura de un joven Ian Fleming (se llegó a decir que esta operación fue idea suya), pero ni ese aire de novela de espías es capaz de mantener alto el interés, pues baja cuando nos adentramos en los intríngulis personales de cada miembro del reparto.

La última vez que vi a Colin Firth enfundado en el traje de un militar fue en ‘1917’. Otra de las conexiones de esta película viene en lo referente a lo musical. La banda sonora también está compuesta por Thomas Newman y son reconocibles sus acordes de piano y sus redobles de tambor. John Madden utiliza sus melodías mucho mejor cuando quiere sembrar intriga que cuando se busca pasión y emoción. El director consiguió mejor equilibrio en películas como ‘El caso Sloane’ o ‘La verdad oculta’, pero el valor histórico del filme le salva de lo meramente anecdótico.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Título original: Operation Mincemeat. Duración: 128 min. País: Reino Unido. Dirección: John Madden. Guion: Michelle Ashford. Música: Thomas Newman. Fotografía: Sebastian Blenkov. Reparto principal: Colin Firth, Matthew Macfadyen, Mark Gatiss, Kelly MacDonald, Johnny Flynn, Penelope Wilton, Hattie Morahan, Simon Russell Beale, Paul Ritter, Lorne MacFadyen, Pedro Casablanc. Producción: See-Saw Films, Cohen Media Group, Archery Pictures, FilmNation Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://gaga.ne.jp/mincemeat/

Hemos visto ‘Ellos’

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Un corto de Óscar Romero y Néstor López

El cortometraje ‘Ellos’ se gana por méritos propios el nombre de “corto”. Siete minutos y medio bastan para contar una historia, incomodar al espectador (especialmente al que lo ve en pareja) y tener algún que otro truco bien empleado. Con este tipo de trabajos se demuestra que se puede contar mucho en poco tiempo y además generar debate o algo en lo que pensar.

Bárbara Santa-Cruz y Cristóbal Suárez protagonizan este trabajo de Óscar Romero y Néstor López. En él una pareja llega discutiendo a casa. Pero esa discusión se interrumpe cuando sucede algo que les es completamente ajeno, insólito. En lugar de enfrentarse a ese brete tan desconcertante ambos personajes deciden poner pies en polvorosa de manera simultánea. Con solo el recurso del audio ‘Ellos’ nos dice que no se puede huir del pasado, ni del lejano ni del inmediato. Se emplea un truco auditivo y fantástico para hablar de cómo se rehúyen los problemas y las discusiones. Lo hecho o dicho, hecho o dicho está, no podemos eludirlo ni cambiarlo, solo afrontarlo o superarlo.

El cartel del cortometraje está dominado por colores amarillentos y marronáceos. Son los mismos tonos que dominan el interior de la casa de los protagonistas. Un ambiente acogedor, cálido y hogareño que choca con el tono de la discusión y el trastorno que experimenta de repente la pareja. Comprometida situación que consigue trasladar su engorro a quien está viéndola desde la realidad.

‘Ellos’ se alzó con el premio en el pasado DAMA Cortos. También ha tenido una proyección especial recientemente en Cortogenia. Uno de los directores triunfó en los últimos Goya con el corto documental ‘Mama’.

Crítica: ‘El universo de Óliver’

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Sinopsis

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Año 1985. Óliver, un niño con una imaginación desbordante, se muda con su familia al rincón más al sur de Europa, justo cuando está a punto de pasar el Cometa Halley.

Estos acontecimientos marcarán un antes y un después en la vida emocional de Óliver, que buscará en las estrellas la solución a sus problemas en el nuevo colegio, en el barrio y en casa. Para colmo, su abuelo, apodado “el majara” se anima a ayudarle a interpretar el mensaje del cometa y dar un paso al frente en su nuevo Universo.

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Crítica

Emotiva, metafórica, llena de remembranza

¿Qué tendrán los ochenta que cuesta tan poco conectar con ellos sin ni siquiera haberlos vivido? En el caso de ‘El universo de Óliver’ las bicis bmx, los chandals, el Un, dos, tres… responda otra vez, el Halley, las diapositivas, Mágico González… En mi caso, mi infancia junto a mi hermano. En el caso generalizado de todos los que la vean, las vivencias con los abuelos, los días de jugar en un descampado o un solar, las correrías con los matones del barrio o los primeros amores.

En ‘El universo de Óliver’ conocemos a Óliver (Rubén Fulgencio) que tiene una familia, un barrio y unos nuevos amigos que pasan a formar parte crucial de su vida. Gentes humildes que viven en su propio universo, con sus particulares atracciones, choques de cometas y estrellas fugaces. Gente de escaso poder adquisitivo e incluso perseguidos por el Cobrador del Frac, personaje que también vimos en ‘Canallas’ ¿se habrá convertido esa figura en una especie de hombre del saco de nuestra generación tras la sucesión de crisis de las últimas décadas? A través de una historia de superación donde las barreras son tales como el dolor, los traumas o los prejuicios llegamos a una madurez con un clímax la mar de emotivo.

El filme está dedicado a los abuelos pero también puede ir dirigida a los soñadores o a aquellos que parece que viven bajo una escalera, que han roto un espejo o a los que se les ha cruzado un gato negro. Los llamados gafados que no tienen más que creer en sí mismos, encontrar su lugar en el cosmos y luchar contra toda una fuerza gravitacional para cambiar su sino. En ese sentido, sumando además la relación del niño con su abuelo, ‘El universo de Óliver’ me ha recordado a ‘En las estrellas’ de Zoe Berriatúa.

Fácil es que la película conecte con la clase media/baja de la audiencia ya que es un filme de barriadas y marginación. Además de las lecciones vitales que transmite implícitamente el abuelo, estupendamente interpretado por Pedro Casablanc, están las que aportan aquellos que se meten en la piel de grupos sociales tradicionalmente apartados al agujero negro de la sociedad. ‘El universo de Óliver’ nos invita a la concordia a través de los ojos de un niño. Además con ellos nos señalan que podemos mirar arriba a las estrellas y soñar lo que queramos, pero las barreras que salvamos están enfrente y el suelo que pisamos es de todos. En ese sentido, además de lo bien dirigidos que están los niños de la película, importa la interpretación dramática de Salva Reina pues aporta el mayor nivel de tristeza ilusa y desconsolada de todo el filme.

Sacada de la novela de Miguel Ángel González la metáfora que utiliza Alexis Morante funciona mejor que el tema que ha compuesto Bunbury, sin duda fruto del documental ‘Héroes. Silencio y Rock & Roll’ o de los videoclips que ha realizado para el cantante. No suena pero podría sonar perfectamente Camarón, como probablemente sabréis Morante es el director del magnífico largometraje ‘Camarón: flamenco y revolución’. ‘El universo de Óliver’ de nuevo demuestra que los directores de documentales y de videoclips también son capaces de deslumbrarnos con la ficción.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: El universo de Óliver. Duración: 112 min. País: España. Dirección: Alexis Morante. Guion: Miguel Ángel González, Ignacio del Moral, Alexis Morante. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Carlos Garcia de Dios. Reparto principal: María León, Pedro Casablanc, Mara Guil, Salva Reina, Moreno Borja, Rubén Fulgencio, Iván Renedo, Josu Eguskiza, Ignacio Mateos, Luna Berroa. Producción: Pecado Films, La Claqueta PC, Sinehan Capital AIE. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/el-universo-de-oliver.248

Crítica: ‘La maniobra de la tortuga’

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En qué plataforma ver La maniobra de la tortuga

Sinopsis

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El inspector Manuel Bianquetti se ve forzado a aceptar un traslado a la comisaría de Cádiz. Su tranquilidad inicial se verá rota por el hallazgo del cadáver de una joven que le recordará un pasado que le atormenta. Pese a la oposición de sus superiores, Bianquetti emprenderá una cruzada solitaria para atrapar al culpable, siguiendo unas evidencias que podrían ser fruto de su imaginación. Su vecina, una frágil enfermera acosada por su expareja, parece ser la única persona que está de su lado.

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Crítica

Clama por una mejora de la sociedad y el sistema a la hora de proteger y de prevenir

La de ‘La maniobra de la tortuga’ es una historia criminal y policíaca que explora muy bien a sus dos protagonistas principales, interpretados por Natalia de Molina y Fred Tatien. Salida de la novela de Benito Olmo nos narra la vida de una enfermera que vive y trabaja en Cádiz. Poco a poco vemos como ella tiene un temor arraigado en su interior y cómo va creciendo y apoderándose de su vida. Por otro lado está el arco argumental de su vecino. Un policía francés trasladado obligadamente a la ciudad andaluza tras un error y una serie de comportamientos que también se van desgranando correcta y paulatinamente.

En ‘La maniobra de la tortuga’ sale el justiciero que muchos deberíamos llevar dentro. Se ha producido un crimen atroz, de esos que ocupan dos o tres minutos en los telediarios, y un policía de esos que hace y deshace como le viene en gana, se pone a indagar. Pronto descubrimos una trama de encubrimientos, mafias y corruptelas, pero lo que importa es lo que hay de fondo y lo que acaba saliendo a relucir.

Parece que la relación entre los dos protagonistas es solo la de ser vecinos y se ayudan mutuamente de un modo que me han recordado al del ‘Punisher’ de Jonathan Hensleigh. Pero más allá de la acción, las heridas o los cruces en el rellano está un discurso que convierte a la película en un arma protesta. ‘La maniobra de la tortuga’ clama por una mejora de la sociedad y del sistema a la hora de proteger y de prevenir. Explora las distintas dimensiones de la violencia de género de un modo que sobra decir que es necesario, aunque en pleno siglo XXI debería ser innecesario.

Esta es la segunda película del director Juan Miguel del Castillo que repite de nuevo con Natalia de Molina. Demuestra que lo de ‘Techo y comida’ no fue casual. Y lo hace ambientando la historia en su tierra. ‘La maniobra de la tortuga’ es cine negro, novelesco. Nos indica que un lugar tan blanco y brillante como Cádiz puede servir de escenario para la historia más funesta. No voy a decir que el emplazamiento es un personaje más pues no me lo parece y es una expresión de lo más manida. La idea, pienso yo, de usar Cádiz como marco para esta historia, es mostrar que en el lugar más alejado, arrinconado y luminoso también puede suceder la tragedia, también te pueden atrapar tus miedos. Quizá por eso experimentamos ese chocante final que nos deja en vilo. Un final que se produce sin sonido, sin música, haciendo una llamada para acabar con esas situaciones que casi siempre se producen por los silencios cómplices.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: La maniobra de la tortuga. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Juan Miguel del Castillo. Guion: Juan Miguel del Castillo, José Rodríguez. Música: Xavier Font. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Natalia de Molina, Fred Tatien, Mona Martínez, Ignacio Mateos, Gerardo de Pablos, Luisa Vides, Miguel Diosdado, Dariam Coco, Carlos Manuel Díaz, Joaquín Perles, Pablo Béjar, Nicolás Montoya. Producción: Áralan Films, A Contracorriente Films, Aleph Media, Movistar+, RTVE, Canal Sur. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, adaptación. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/la-maniobra-de-la-tortuga/in-cinemas

Crítica: ‘Esperando a Mister Bojangles’

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El pequeño Gary, vive con, Camille (Virginie Efira) y Georges (Romain Duris), sus excéntricos padres y un pájaro exótico en un apartamento parisino. Cada noche, Camille y Georges bailan con amor Mr. Bojangles, su canción favorita.

En casa de los Fouquet solo hay sitio para la diversión, la fantasía y los amigos. Pero a medida que su fascinante e impredecible madre se adentra más profundamente en su propia mente, su seguridad quedará en manos de Gary y su padre. De ellos dependerá que Camille esté a salvo.

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Crítica

Parece una comedia naif y se convierte en una tragicomedia que te desmonta

No tenía ni idea de la existencia de ‘Esperando a Mister Bojangles’, de hecho, no tengo controlada la carrera del director francés Régis Roinsard, pero al ver quién protagonizaba ese filme me entusiasmé súbitamente. Dos son las caras conocidas en esta adaptación de la novela de Olivier Bourdeaut. Por un lado, Romain Duris que me encantó en ‘Vernon Subutex’ y a quien hace poco habéis visto interpretando a Gustave Eiffel. Por otro Virginie Efira, a quien vengo conociendo desde sus trabajos en ‘Elle’, ‘El gran baño’ y la controvertida ‘Benedetta’.

Pero seamos justos. Hay un tercer protagonista en la historia. Es el peculiar niño interpretado por el joven Solan Machado Graner. ‘Esperando a Mister Bojangles’ es una comedia agridulce, una tragicomedia, en la que importa mucho la visión de los niños. La trama nos cuenta el enamoramiento loco de dos balas perdidas. Fruto de esa apasionada relación y vida de derrochismo nace una criatura que pronto sigue los pasos de sus padres. Es fácil, ambos protagonistas adultos llevan una vida de castillos en el aire y despreocupación pueril. Si conocéis a Julita Salmerón (como personaje) sabréis a qué límites de extravagancia y esnobismo puede llegar esta pareja.

La Francia de los años 60 es el escenario por el que se mueve la pareja de tortolitos. Los disparates y majaderías que cometen nos pueden hablar de una comedia naif, con muchos tintes inocentes, infantiles e incluso poéticos. Pero cuando nos muestra la locura y el daño colateral que se produce descubrimos una desgarradora historia que hará a más de uno salir del cine con congoja. Régis Roinsard nos da una de cal y una de arena llevándonos por una historia muy bien narrada. Con música y baile se va tejiendo una tierna historia de excentricidades tipo Warhol y locuras a lo estrella del rock que me ha fascinado.

Una fascinación que en mi caso se produce por la capacidad de transmitir de Romain Duris, quien gestiona los sentimientos del caradura de su personaje de un modo pasmoso y demoledor. No tanto por Virginie Efira quien me sigue pareciendo que sobreactúa, pero también es cierto que lo último que le he visto interpretar ha sido a dos mujeres totalmente fuera de sus cabales que a la vez relaman mucha atención. Al fin y al cabo el idilio que se desarrolla entre ambos protagonistas recuerda mucho a lo destructiva y malsana que es la relación entre el Joker y Harley Quinn, quienes se lo pasan pipa juntos pero son conocedores de su locura y saben que no va a terminar bien.

‘Esperando a Mister Bojangles’ es un filme elegante, divertido y con doble filo. No os dejará indiferente. Su título puede parecer estrambótico o difícil de pronunciar pero que eso no os engañe, no es baladí, tiene mucho que contar. Brad Pitt dijo cuando se metió en la piel de Tyler Durden “nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock. Pero no lo seremos y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados”. Sobre ese tipo de depresiones y de rabia nos hace pensar la película. Sobre eso y sobre el daño que sufren muchos pequeños. Hace poco os hablaba de otro título francés, ‘A tiempo completo’, en el que una madre no pasaba tiempo con sus hijos por estar todo el día trabajando y eso acababa repercutiendo en la vida de los pequeños. Aquí sucede lo contrario, los padres desatienden sus obligaciones para estar con su familia y el pequeño lo paga igualmente. Amigos de Francia, un poco de término medio por favor, que nos vais a machacar sentimentalmente.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: En attendant Bojangle. Duración: 126 min. País: Francia. Dirección: Régis Roinsard. Guion: Romain Compingt, Régis Roinsard. Música: Clare Manchon, Olivier Manchon. Fotografía: Guillaume Schiffman. Reparto principal: Romain Duris, Virginie Efira, Solan Machado Graner, Grégory Gadebois. Producción: Curiosa Films, JPG Films, StudioCanal, Sofinergie Capac, France 2 Cinèma, Umedia, France Télévisions. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, comedia, adaptación. Web oficial: https://vertice360.com/ficha/1682/0/esperando-a-mister-bojangles

Crítica: ‘Ennio. El maestro’

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Sinopsis

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‘Ennio, el maestro’ es el retrato del músico más popular y prolífico del siglo XX, el más querido por el público internacional, dos veces ganador del Premio de la Academia® y autor de más de 500 bandas sonoras inolvidables, Ennio Morricone.

Un hermoso homenaje en forma de documental conformado por una entrañable entrevista de Tornatore con el Maestro, por testimonios de artistas y directores, como Bertolucci, Oliver Stone, Quentin Tarantino, Bruce Springsteen, y también por escenas de ficción, fragmentos de su música e imágenes de archivo. El documental desvela facetas poco conocidas de su vida privada, como su pasión por el ajedrez y también el origen de algunas de sus brillantes intuiciones musicales, como sucede con el grito del coyote que sugiere el tema de ‘El bueno, el feo, y el malo’.

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Crítica

Sentido homenaje a un arquitecto del sonido cinematográfico incrustado en nuestro ADN

Que 2020 fue un año nefasto es algo en lo que todos coincidimos. Si nos ponemos a pensar en el mundo del cine nos topamos con grandes disgustos. Uno de ellos, seguramente el mayor de todos, fue la pérdida de Ennio Morricone a sus 91 años. Poco más de un año antes de tan gran pérdida, el ilustre director y compositor italiano pasaba por Madrid en la que era su gira final de despedida. Un momento que muchos atesoraremos como irrepetible.

Si solo has visto una película en tu vida y esta está acompañada de la música de Ennio Morricone podrás decir que has visto cine de verdad. Su nombre está a la altura de Williams, Goldsmith, Vangelis, Elfman, Zimmer, Bernstein… Todos hemos tarareado alguna canción suya y eso es porque o bien conseguía un sonido diferente o bien porque eran pegadizas. Los temas de ‘La misión’, ‘Los intocables de Eliot Ness’, ‘Por un puñado de dólares’ o ‘Érase una vez en América’ tienen acordes o escenas incrustadas en la cultura popular. Emocionantes, carismáticas, sensibles… así eran las melodías de este arquitecto del sonido cinematográfico. Un hombre que tocaba y componía desde sus seis años.

Toda esa ristra de adulaciones o análisis sobre la figura del director que acabo de hacer de manera escueta, siempre será poco lo que podamos decir de él, es la misma que se hace en ‘Ennio. El maestro’. Un documental que reúne nombres como, Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Oliver Stone, Hans Zimmer, John Williams, Wong Kar-Wai, Dario Argento, Quincy Jones… La lista es larguísima, sobre todo en lo que se refiere a la escena italiana. Y por supuesto nos brinda muchas grabaciones de archivo con Ennio Morricone.

Sus dos Oscar (el honorífico y el recibido en 2016 por ‘Los Odiosos Ocho’) saben a poco. Un documental, aunque sea como este que dura casi dos horas y media y reúne a todo tipo de artistas relacionados, también se puede quedar corto. Aunque la película de Giuseppe Tornatore hace un amplio repaso cronológico y facultativo de las bandas sonoras y logros de Morricone, nos queda claro que lo que realmente hace falta crear es un museo completo. Eso sí, ‘Ennio. El maestro’ es una pieza digna de un museo. Tornatore, como director que ha trabajado con el desaparecido mito (‘Cinema Paradiso’, ‘La desconocida’, ‘La leyenda del pianista en el océano’, ‘Una pura formalità’…), se muestra indirectamente consciente de este hecho y este homenaje sirve bien como lección histórica pero no es del todo el tributo definitivo, casi casi.

¿En lo anecdótico? Se comentan muchos detalles de su personalidad, de sus orígenes y de sus momentos cruciales. Por supuesto hay un amplísimo segmento dedicado a su relación con el Spaghetti Western del que fue máximo exponente junto a Sergio Leone. Lo más valioso es que este documental se realizó con Morricone aún vivo por lo que la información que él mismo aporta sobre su trayectoria o de dónde vinieron sus ideas es un tesoro.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: Ennio: The Maestro. Duración: 156 min. País: Italia. Dirección: Giuseppe Tornatore. Guion: Giuseppe Tornatore. Música: Ennio Morricone. Fotografía: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarion. Reparto principal: Ennio Morricone, Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Oliver Stone, Hans Zimmer, John Williams, Wong Kar-Wai, Dario Argento, Quincy Jones. Producción: Piano b Produzioni, Potemkino, Fu Works, Terras, Gaga, Blossoms Island Pictures, Fonds Eurimages Du Conseil de l’Europe. Distribución: Karma Films. Género: documental. Web oficial: http://www.potemkino.com/ennio-the-maestro

Crítica: ‘Burbuja’

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Sinopsis

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Esta historia transcurre en Tokio después de una lluvia mundial de burbujas que desafían la gravedad. Aislada del mundo exterior, la ciudad es ahora el patio de recreo de unos jóvenes que han perdido a sus familias y que libran batallas de parkour por equipos mientras saltan de un edificio a otro. Hibiki, un joven prodigio conocido por su peligroso estilo de competición, hace un movimiento imprudente y se precipita al mar gravitatorio. De repente, aparece una chica (Uta) y le salva la vida con unos poderes muy misteriosos. Los dos escuchan entonces un sonido peculiar que nadie más oye. ¿Por qué se apareció Uta ante Hibiki? Su encuentro abre las puertas a una revelación que cambiará el mundo.

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Crítica

Intento fallido de reescritura, tan vacío como una burbuja

Warner Bros. Japón y Wit Studio se han unido para generar ‘Burbuja’, la película que ya puede verse en Netflix. De Warner es de sobra conocida su tradición animada. Si no conocéis Wit Studio puedo simplemente ubicároslo mencionando que son el estudio de la interminable ‘Ataque a los titanes’. Y aquí nos vuelven a traer una historia con un grupo de jóvenes danzando entre edificios a lo Spider-Man y aún menos originalidad.

No cabe duda del espectáculo visual que es ‘Burbuja’. Se une a ese tipo de animes que vengo calificando como “ciencia ficción preciosista y emotiva”. En ese saco cabe meter títulos como ‘Your name’, ‘El tiempo contigo’ o ‘Fireworks’. Pero hay dos películas con las que cabe más comparar ‘Burbuja’. La cinta de Tetsuro Araki es abiertamente una versión de ‘La sirenita’. Con un escenario moderno se ha intentado reinterpretar el cuento de Hans Christian Andersen. Por lo tanto con el otro largometraje con el que cabe comprarlo es ‘Belle’. Pero este intento de innovar al final se queda vacuo de mensaje e incluso parece que no capta la esencia del cuento original.

Los protagonistas conviven con un misterio que consiste en unas burbujas con poderes que cayeron por todo el mundo. Un fenómeno que se concentró en Tokio quedando la ciudad encerrada en una cúpula. Ahí somos testigos de batallas de parkour a lo largo de un escenario postapocalíptico inundado en el que hay una espiral rosácea y burbujas sobre las que saltar. Para más misterio en la Torre de Radio de Japón hay una singularidad que altera la gravedad y un chico oye una canción, el sonido de las burbujas. Suena a… a qué huelen las cosas que no huelen ¿verdad? Igual que con esa pregunta, nos quedamos sin respuestas. Pero la cosa se enreda más con la aparición de una niña a la que si que entenderéis por qué la llaman Uta (canción).

El gran problema es que la película gira en torno a un misterio que nunca es resuelto de todo, la metáfora no funciona. Ese es uno de los pilares, junto a una canción que no tiene ni melodía ni gancho, que es un tarareo de lo más vago. El director vuelve con la misma acción que ya dirigió en ‘Ataque a los titanes’, pero repetir esa fórmula solo ha servido para hacernos soltar algún que otro miligramo de adrenalina. Se impone la moñada de la historia y una visión poética de lo más pillada por los pelos.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2022. Título original: Bubble. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Tetsuro Araki. Guion: Gen Urobuchi. Música: Hiroyuki Sawano. Reparto principal (doblaje original): Tasuku Hatanaka, Alice Hirose, Marina Inouse, Yûki Kaji, Shin’ichirô Miki, Mamoru Miyano, Sayaka Senbongi, Jun Shison. Producción: Wit Studio. Distribución: Netflix. Género: animación, romance, ciencia ficción. Web oficial: https://wwws.warnerbros.co.jp/bubble-moviejp/

Crítica: ‘X’

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Sinopsis

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En 1979, un grupo de jóvenes cineastas se reúnen en una remota granja en una zona rural de Texas, para rodar una película para adultos. Cuando los dueños del lugar, una solitaria pareja de ancianos, descubren sus intenciones, el rodaje se convierte en una lucha desesperada por sus vidas.

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Crítica

‘X’ es una obra de esas que encumbran

La cinta, en lo que se refiere a ‘X’ es mucho más correcto usar el término cinta que cualquier otro que aluda a un soporte físico, empieza con un falso plano en 4:3 que se deshace tras un zoom in. Ya nos adelanta con eso Ti West el homenaje que va a ser ‘X’.

Solo con el attrezzo, los decorados, el color, el vestuario…. El filme te ubica de manera automática en los 70, sin necesidad de letrero alguno. La primera escena en la que vemos a todos los protagonistas juntos consiste en ver al grupo de jóvenes en un furgón, al estilo de ‘La matanza de Texas’ o como tantas otras, me vienen a la cabeza imitaciones más chuscas como ‘Nudist colony of the dead’ o ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’. Tanto visual como argumentalmente ‘X’ es pura reminiscencia. La música en parte es de Tyler Bates, como si fuese un guiño al protagonista de ‘Psicosis’, película que por cierto se cita en ‘X’. Es un homenaje con multitud de alusiones a títulos de terror setentero y de comienzos de los ochenta, con escena a lo ‘El resplandor’ incluida.

En lo que respecta al tiempo fílmico todo transcurre en 24h. Unos jóvenes libertinos, entre los que hay una chica más que impresionable, viajan a una granja donde han alquilado una choza en la que pretenden grabar una película porno. ‘X’ es muy gráfica en todos los sentidos. Adulta por la sangre, el vicio y el terror. Aunque también es cierto que las he visto bastante más extremas. Nombrar ‘X’ a esta película aparte de atender a razones que tienen que ver con el argumento, es un truco comercial como aquel que hizo que una de las entregas de ‘Saw’ fuese clasificada como X en vez de llevar la categoría +18 o R. Luego fue como tantas otras.

Los ancianos como los villanos de la película, algo visto antes y no muy lejos en el tiempo pues acabamos de ver ‘La abuela’ y hace no mucho ‘La visita’. Inquieta al principio al no mostrar bien el rostro de los lugareños. Quizá sea para inquietar o quizá porque el anciano es Stephen Ure, actor que casi siempre oculta su rostro, como cuando hizo de orco en las adaptaciones de ‘El Señor de los Anillos’. Hay una pugna para el espectador. ¿Estamos hablando de ultraconservacionismo o de senectud? Cuando percibimos que la anciana es una actriz maquillada se nos da una pista grande de por dónde pueden ir los tiros.

En los slashers siempre hay un o una protagonista clara. ‘X’ sabe jugar al despiste en ese sentido. No obstante, pensaba que iba a ver algo un poco más revolucionario. Es un slasher distinto con una idea que esgrimir, pero muchos se quedarán solo con las escenas subidas de tono. Es básico y predecible como cualquier otro survival horror. Pero aun pareciéndome un título menos sorprendente de lo que esperaba creo que esta llamado convertirse en un clásico instantáneo de la serie B. Me quedo con la interesante conexión y paralelismos entre una de las protagonistas y la anciana que habita la granja. Una conexión que termina de aclararse al final, cuando se recupera el discurso del predicador.

No está reñido el ver muy buenos planos con el que nos metamos en un mundo de drogas y porno. El director, el ficticio, quiere innovar en el porno. “Es posible hacer una buena peli sucia”, dice. Sin duda alude al espíritu joven y rompedor de los 70 que vino de las aperturas de los 60 y desembocó en la creatividad de los 80. En esas corrientes innovadoras se mueve Ti West, presente en series como ‘The ABCs of death’, ‘V/H/’S, ‘Scream’ y ‘Them’. ‘X’ es una obra de esas que encumbran. Por sencilla que parezca consigue desarrollar su propio lenguaje y se aleja de lo que sería una parodia e incluso una copia. Ha contado con Mia Goth, actriz de ‘Suspiria’, ‘El secreto de Marrowbone’ y ‘La cura del bienestar’ (viene de desastres). También aparece Martin Henderson, cara conocida en el terror pues salió en la versión yankee de ‘The ring’ o ‘Los extraños’. Y, entre otros, protagoniza también Jenna Ortega, de la nueva versión de ‘Scream’. Como fue hace poco la trilogía ‘Fear Street’ esto es por y para los admiradores del género, pero para los que ya peinan canas.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de abril de 2022. Título original: X. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Ti West. Guion: Ti West. Música: Tyler Bates, Chelsea Wolfe. Fotografía: Eliot Rockett. Reparto principal: Jenna Ortega, Brittany Snow, Mia Goth, Kid Cudi, Martin Henderson, Owen Campbell, Stephen Ure, Geoff Dolan, James Gaylyn, Simon Prast. Producción: A24, BRON Studios, MAD SOLAR. Distribución: eOne Films. Género: terror, gore. Web oficial: https://a24films.com/films/x

Crítica: ‘La jefa’

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Sinopsis

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Sofía, una joven ambiciosa que trabaja en una multinacional de moda se queda embarazada sin haberlo planeado. Sin familia en España y con dudas sobre el futuro de su maternidad, Sofía parece abocada a volver a su país y abandonar la prometedora carrera profesional por la que tanto ha luchado. Sin embargo, su jefa, una mujer hecha a sí misma a la que Sofía admira por encima de todo le hace una inusual proposición: Darle el hijo en adopción a ella y a cambio poder continuar con su promoción dentro de la empresa. Sofía acepta la oferta sin saber que no todo es como su jefa le ha contado…

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Crítica

Un pulso interpretativo pero también entre la maternidad y la ambición

Una joven con carrera (Cumelén Sanz) comienza a trabajar con una jefa (Aitana Sánchez-Gijón) bastante exigente, una mujer fuera de lo normal. Fuera de lo normal por su carácter y su rigidez, pero también por su éxito. Pero realmente ella coge le trabajo y aguanta las largas jornadas por no volver a al mercado laboral del que viene, el siempre desagradecido y poco enriquecedor comercio. También porque supone tener de mentora a una persona cuya notoriedad admira. Pensaba que esta iba a ser una película cargante ya que tiene algo de exceso de escenas de cama, dos en los primeros seis minutos, pero uno encuentra razón a ello ya que el auténtico dilema del filme llega cuando la protagonista se queda embarazada. Una perspectiva de maternidad que hace que se tambalee su incipiente carrera y se le abran inesperadas posibilidades.

Fran Torres comienza su relación con Netflix al dirigir esta película en la que participa   la plataforma, pero dentro de poco podréis verle en su faceta de actor pues ha trabajado en ‘El universo de Oliver’. En esta, su primera obra en largometraje tras las cámaras, toca temas como el éxito, las prioridades de la vida o la moral. ‘La jefa’ es un drama con mucho suspense y mucho juego psicológico. Es una historia de intenciones maquiavélicas y malsanas. Es un enfrentamiento entre mujeres fuertes que va enclaustrando cada vez más al espectador y a sus personajes.

Aitana Sánchez-Gijón funciona como empresaria en la cúspide. Tanto ella como Sanz llevan un pulso que nos habla de ambición y maternidad gracias a unos personajes bien dibujados. ¿Es posible que estés en lo más alto económica o socialmente y no tengas aquello que deseas? Sabemos que eso es más que probable y este es uno de los casos. Cada personaje tiene algo que anhela del otro, se admiran pero a la vez se extorsionan emocionalmente. Esta obra me ha hecho recordar a ‘La hija’ pues el propósito de las protagonistas es el mismo. Las comparativas son odiosas, pero hay que reconocer que ‘La jefa’ establece mucho mejor las bases de su historia, está desarrollada de un modo más interesante y aunque el desenlace es tremendamente parecido, está mejor controlado.

Como dato curioso e incluso gracioso. Pedro Casablanc habla de cierta gestión que se va a pagar en B y él fue el protagonista de ‘B, la película’, el filme que recrea el juicio de Luis Bárcenas.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de abril de 2022. Título original: La jefa. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Fran Torres. Guion: Laura Sarmiento. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Aitana Sánchez-Gijón, Cumelén Sanz, Alex Pastrana, Vanessa Rasero, Pedro Casablanc, Rocío Setjo, María Fernández, Lucía Quintero, Damiel Prim. Producción: Feelgood Media, Penúltima Toma AIE, Teoponte Producciones Cinematográficas, Audiovisuales del Monte. Distribución: Filmax. Género: thriller psicológico. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/la-jefa.230

Crítica: ‘Alcarràs’

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Sinopsis

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Después de ochenta años cultivando la misma tierra, la familia Solé se reúne para realizar juntos su última cosecha.

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Crítica

Carla Simón consigue conectar con el espectador

Segundo largometraje de ficción de Carla Simón tras ‘Verano 1993’. Pero para ser más exactos habría que decir que ‘Alcarràs’ es “no ficción”, no está concebida como una historia inventada sino más bien como un relato atado a la realidad. Con este filme la directora sentó un precedente y ganó el Oso de Oro a mejor film en la última edición de la Berlinale. No pienso que ‘Alcarràs’ sea una película digna de tanto reconocimiento, pero bien es cierto que consigue conectar mucho con el espectador.

De nuevo el verano es el idílico periodo en el que se ambienta la historia. Un verano con el que es fácil de conectar con el espectador. Sobre todo es comprensible que se sientan identificados todos aquellos que ha podido jugar en coches destartalados o manchándose de barro sin las paranoias y excesivos cuidados de los padres actuales. También volverán recuerdos a la memoria de aquel público que en su vida se haya visto en un negocio familiar que ya no exista.

Cual anciano de ‘Up’ un hombre ve como el hogar de toda su vida se ve amenazado, se ve rodeado de un paisaje ajeno. Lo de ‘Alcarràs’ es una lucha sin cuartel en la que un labriego ve cómo se va a esfumar la herencia que tiene para sus nietos. Cuando lo material desaparece lo único que le queda es transmitir lo aprendido a sus descendientes. La infancia es uno de los pilares sobre los que se asienta esta obra. Los juegos, las chanzas y las fantasías de cuando éramos pequeños. Pero también la inocencia de aquellos que absorben lo que sus mayores les arrojan o hacen y deshacen sin conocimiento.

Una inocencia que también se percibe en los protagonistas adultos. Personas sencillas que quieren llevar una vida casi aislada del progreso, anclada a un pasado menos complejo en el que valían los acuerdos verbales. La realidad les pasa por encima y trastoca sus costumbres. ‘Alcarràs’ nos habla de cómo una familia puede romperse en cuanto le arrebatas aquel nexo de unión que han tenido durante generaciones. Y lo hace usando como vehículo la depresión de los negocios familiares frutales de Lleida.

Es fácil hablar de cotidianidad cuando estamos contemplando la vida en el campo. Pero no hay que confundir cotidianidad con campechanía y mucho menos con las tradiciones. En este caso es un todo en uno. ‘Alcarràs’ rueda con un estilo contemplativo, excesivamente recreativo, el quehacer de unos agricultores. Y en su día a día sale a relucir la historia que ha dado forma a esa casa, esa tierra, esos árboles. Y entre todo esto lo que sale a la palestra es el amor de la directora por su región.

El realismo, casi crónica, de ‘Alcarràs’ se ha conseguido con un elenco en el que casi todos son actores primerizos que además tienen en común que han intervenido en el programa ‘Preguntes freqüents’. Repite con la directora Berta Pipó, a la que también vimos en ‘Boi’. Entre todos consiguen dibujar la nobleza de la gente de campo pero también sus miedos e inquietudes. Quizá es que uno ha vivido suficientemente en provincias como para no verle virtudes premiables a esta película. Desde luego tiene su reivindicación, como enaltecer la sabiduría que nos legan nuestros mayores, pero también pienso que los espectadores urbanitas van a hinchar sus méritos deslumbrados ante la vida que no conocen.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de abril de 2022. Título original: Alcarràs. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Carla Simón. Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró. Música: Andrea Koch. Fotografía: Daniela Cajías. Reparto principal: Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó. Producción: Elastica Films, Avalon P.C, Vilaüt Films, Kino Produzioni, Movistar+, RTVE, TV3. Distribución: Acalon. Género: drama. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/alcarras

Crítica: ‘Dónde está Anne Frank’

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Sinopsis

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Dónde está Anne Frank comienza con un milagro: Kitty, la amiga imaginaria a la que Anne Frank escribió en su famoso Diario, cobra vida en la Ámsterdam actual. Sin saber que han pasado 75 años, Kitty está convencida de que si ella está viva, entonces Anne también debe estarlo.

La película cuenta la historia de la búsqueda de Kitty por la Europa contemporánea para encontrar a su querida amiga. Armada con el precioso Diario y con la ayuda de su amigo Peter, que dirige un refugio secreto para refugiados indocumentados, Kitty sigue las huellas de Anne, desde el anexo hasta su trágico final en el Holocausto.

Desorientada por nuestro mundo roto y las injusticias que sufren los niños refugiados, Kitty quiere cumplir con la causa de Anne. A través de su honestidad, presenta un mensaje de esperanza y generosidad dirigido a generaciones futuras

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Crítica

Precioso y emotivo discurso en contra de las guerras

Ya os hablamos de ‘Dónde está Anne Frank’ en octubre de 2021 durante el Festival de Sitges. Sin duda una de las mejores cintas que pudimos ver en el festival. ¿Qué pasaría si Kitty, el diario de Anne Frank despertase? ¿Y si no se hubiese enterado de lo que le pasó a su amiga del alma?

Recorremos con Kitty toda la vida de Anne, sus miedos, sus ilusiones y su triste final. Todo ello rodeado de un mensaje en contra de la guerra y de cómo se trata a sus refugiados. Como dejan de ser personas a ser eso, refugiados que malviven por culpa de no ser acogidos como deberían. Cuando al final son víctimas de guerras que comienzan otros.

Dirigida por Ari Folman, ‘Dónde está Anne Frank’ fue presentada y ovacionada en el Festival de Cannes de 2021.

Lena Guberman, ha sido la encargada de las ilustraciones y ha trabajado en la animación de la cinta. Una animación que además de bonita, es muy dinámica, con movimientos imposibles a veces, mostrándonos también el lado de cuento que tiene a veces la historia.

Creo que el Diario de Anne Frank es de lectura obligatoria para los jóvenes de hoy en día, para que no se olvide, para que lean la guerra a través de los ojos de una niña que no tuvo más remedio que vivir escondida y a la que le quitaron tanta infancia y adolescencia.

La película es una manera muy bonita y tierna de presentarnos a Anne y de conocerla a través de los ojos de Ketty, la cual como he comentado emprende un viaje largo para conocer el desenlace de Anne, pero no solo de ella, sino de tantas personas por culpa de la guerra.

Una cinta muy emotiva, con una animación muy bonita que nos hace ver lo absurdo de las guerras, lo innecesario de quitar vidas inocentes y de arrebatarles de una manera u otra una manera digna de vivir.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de mayo de 2022. Título original: Where is Anne Frank? Duración: 99 min. País: Bélgica. Dirección: Ari Folman. Guión: Memorias Anne Frank. Música: Ben Goldwasser, Karen O. Fotografía: Tristan Oliver. Reparto principal: Ruby Stokes, Michael Maloney, Sebastian Croft, Emily Carey. Producción: Samsa Film, Walking The Dog, Bridgit Folman Film Gang, Submarine, Highly Spirited, Le Pacte. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial:  https://www.vertigofilms.es/movie/where-is-anne-frank/