Han es un boxeador de padre coreano y madre filipina que participa en combates ilegales en Filipinas con la intención de reunir dinero para pagar una costosa operación a su madre enferma. Paralelamente a esto, Han trata de encontrar a su padre y, cuando un día recibe una llamada desde Corea de alguien que afirma serlo, se embarca en un viaje infernal al país en el que tendrá que luchar por su propia vida.
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Crítica
Un thriller con varias válvulas de escape, entre ellas, un final con un par de giros sorprendentes
Park Hoon-jung, guionista de un recomendadísimo título como ‘Encontré al diablo’, asume de nuevo el rol de director en un nuevo thriller lleno de violencia. Nos presenta a un luchador callejero y con ello a todo un mundo de delincuencia, siguiendo la estela de muchas de sus películas anteriores. La motivación del protagonista es el ganar dinero para tratar la enfermedad de su madre mientras, de paso, busca a su padre, pero acepta una propuesta demasiado arriesgada.
Aunque el enfrentamiento de este boxeador ilegal contra todo un sistema mafioso que le sobrepasa en tierra extranjera puede sonar a Ong-Bak realmente predomina el suspense sobre la acción, aunque no faltan escenas de persecuciones o peleas con artes marciales. Hay varios giros que hacen interesante esta trama que no es una película más de mafiosos o de virtuosos usando sus puños. A falta de media hora llega lo más desconcertante del filme y de ahí hasta el final es un no parar, es cuando realmente hay más acción. El resto de la película vemos al protagonista huyendo o intentando sobrevivir dentro de un entramado que le es totalmente ajeno y ahí, en esa búsqueda de la verdad y la salvación, está el suspense.
El personaje principal está modestamente interpretado por Kang Tae-Ju pero destaca sobre él Kim Seon-Ho que es prácticamente el co-protagonista. Se lleva el gato al agua gracias a que también su personaje es pintoresco, tan simpático como letal. Quizá a veces nos saca del tono de la película, rompiendo la seriedad del relato, pero hay quien agradecerá estas válvulas de escape.
A modo de sarcasmo ‘The Childe (El bastardo)’ nos viene a decir que los lazos de sangre no siempre son convenientes. Y con todo y con eso nos reserva un par de últimos giros que retuercen con ironía toda la historia, incluido durante la escena post créditos. Es una apuesta arriesgada con sus giros tan locos, pero esconde entrelíneas un trasfondo de realismo.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de febrero de 2024. Título original: Gwigongja. Duración: 118 min. País: Corea del Sur. Dirección: Park Hoon-jung. Guion: Park Hoon-jung. Música: Mowg. Fotografía: Shin Tae-ho. Reparto principal: Kang Tae-Ju, Kim Seon-Ho, Go Ara, Kang-woo Kim, Justin John Harvey, Caroline Magbojos, Hyuk-Hyun Kwon. Producción: Goldmoon Film, Studio & New. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense. Web oficial:https://wellgousa.com/films/childe
Sitges llega bien armado a pesar de las huelgas de Hollywood
Ayer arrancó el Festival de Sitges. Una edición que tendrá lugar del 5 al 15 de octubre y que como siempre, a pesar de la huelga de actores y guionistas, contará con nombres relevantes dentro del fantástico. Nos aguardan invitados como Brad Anderson, Takashi Miike, Daniel Benmayor, Hideo Nakata, J.A. Bayona, Carlota Pereda, Lamberto Bava, Paco Plaza, Álex de la Iglesia, Aritz Moreno, Berto Romero, Pablo Berger, Buenafuente, Lee Unkrich o Phil Tippett entre muchos otros. La cifra de este año asciende a unos 350 invitados.
Esta edición 56 del festival catalán parte con un récord de pre-venta de entradas, superando a anteriores por varios miles. Durante el primer día de venta al público, se llegaron a facturar un total de 14.804 entradas. Son más de 10.000 entradas respecto al año pasado. Una buena noticia para la proyección del Festival de Sitges, no tanto para la prensa e industria que ha visto reducidas sus capacidades de reserva para poder cubrir enteramente el evento.
Durante este Sitges se proyectarán más de 182 largometrajes (13 de ellos como premiere internacional) y 67 cortometrajes. La película inaugural de este año ha sido ‘Hermana muerte’. Paco Plaza vuelve a Sitges con la precuela de ‘Verónica’ llenando el Auditori del hotel Meliá. Nosotros ya hemos hecho nuestra selección y empezado a ver nuevas propuestas. Seguid nuestro diario que seguro que descubrimos juntos muchos títulos.
‘Halfway Home (Átjáróház)’
Un joven bastante torpón empieza como empleado de una morgue y de camino en su primer día se encuentra accidentalmente con una joven con la que parece que está abocado a pasar el resto de sus días. Al menos así nos lo pinta una tierna y literalmente demoledora escena inicial. Se nos anticipa también que aquí va a haber algo de magia y un tono de lo más pintoresco. Trata a cerca del destino y las almas gemelas de un modo ligeramente cómico pero también con bastante tragedia.
Una película nada corta en efectos especiales y elementos fantásticos. Nos muestra una Hungría con estética vintage pero repleta de color. Visual y cómicamente bien podría ser una película de Javier Fesser. También me ha recordado a un título del mismo país, ‘Liza the Fox-Fairy’. Su magia y el carácter del protagonista son contagiosos, dan buena vibra. Una manera diferente y disparatada de ver el mundo de los fantasmas y sus asuntos pendientes.
Una bruja, un cuervo que te lleva el aperitivo, una cabra que usa gafas, unos muertos que juegan al póker… Si no te va lo extravagante y lo románticamente fantástico esta no es tu casa. La película, que en el fondo se acota a los esquemas de las fábulas más antiguas, gira entorno a una profecía. Ojalá no ser profeta en el desierto y poder decir que cuando llegue a España (cine o plataformas) sorprenderá a un buen número de espectadores.
Divertida cinta con un punto en común, los fantasmas. Tres historias paranormales dirigidas por HoyWong, que debuta con este largometraje tan divertido y lleno de fantasmas.
La primera historia nos cuenta como el actor protagonista de ‘Detective encarcelado’ es acosado por un fantasma en un rodaje. Todo el equipo del rodaje se verá metidos en la difícil situación de ayudar al espíritu a llevar su última voluntad. Por supuesto hay sorpresa final.
Después veremos cómo los espectros pueden tener la lívido bastante subida. Nos adentramos en una habitación encantada en la que está todo permitido, menos tener relaciones sexuales. Muy divertida.
Y, por último, conoceremos la historia del espíritu de una niña que vive en un centro comercial que está a punto de ser gentrificado.
La verdad que como he dicho, son bastante divertidas y muy bien realizadas. Las tres historias se pasan volando y admito que después de ver sobre todo la primera historia, me encantaría que existiera en la realidad ‘Detective encarcelado’. El maquillaje está muy cuidado y las actuaciones también. Muchos son youtubers poco conocidos, pero que dan todo para que el trabajo sea perfecto.
Park Hoon-jung, guionista de un recomendadísimo título como ‘Encontré al diablo’, asume de nuevo el rol de director en un nuevo thriller lleno de violencia. Nos presenta a un luchador callejero y con ello a todo un mundo de delincuencia, siguiendo la estela de muchas de sus películas. La motivación del protagonista es el ganar dinero para tratar la enfermedad de su madre mientras de paso busca a su padre, pero acepta una propuesta demasiado arriesgada.
Aunque el enfrentamiento de este boxeador ilegal contra todo un sistema mafioso que le sobrepasa en tierra extranjera puede sonar a Ong-Bak realmente predomina el suspense sobre la acción, aunque no faltan escenas de persecuciones o peleas con artes marciales. Hay varios giros que hacen interesante esta trama que no es una película más de mafiosos o de virtuosos usando sus puños. A falta de media hora llega lo más desconcertante del filme y de ahí hasta el final es un no parar.
El personaje principal está modestamente interpretado por Kang Tae-Ju pero destaca sobre él Kim Seon-Ho que es prácticamente el co-protagonista. Se lleva el gato al agua gracias a que también su personaje es pintoresco, tan simpático como letal.
A modo de sarcasmo ‘The Childe’ nos viene a decir que los lazos de sangre no siempre son convenientes. Y con todo y con eso nos reserva un par de últimos giros que retuercen con ironía toda la historia, incluido durante la escena post créditos.
Hace exactamente cincuenta años que la película más aterradora jamás vista llegó a la gran pantalla, impactando al mundo entero. Y ahora, el 13 de octubre de 2023 empezará un nuevo capítulo. De la mano de Blumhouse. Dirigida por David Gordon Green, el cineasta que hizo pedazos el statu quo con la franquicia Halloween, llega ‘El exorcista: creyente’.
Desde que falleció su esposa embarazada en el terremoto de Haití hace doce años, Victor Fielding (interpretado por Leslie Odom, Jr., ganador de un Tony y nominado a un Oscar; Una noche en Miami, Hamilton) se ha encargado de cuidar de Angela (Lidya Jewett, la serie “Chicas buenas”), la hija de ambos.
Pero cuando Angela y su amiga Katherine (la recién llegada Olivia O’Neill) desaparecen en un bosque durante tres días y a su regreso no recuerdan nada de lo que les pasó, se desata una serie de acontecimientos que obligarán a Victor a enfrentarse a la cúspide del mal. Desesperado y aterrado, decide pedir ayuda a Chris MacNeil, la única persona que ha sido testigo de algo parecido.
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Crítica
A quien hay que exorcizar es a Gordon Green de los remakes de clásicos
David Gordon Green, es un director capaz de hacer una nueva trilogía para una franquicia tan mítica como Halloween y propiciar que la productora acabe vendiendo los derechos. Él es el autor de la secuela de ‘El exorcista’. Creyente es el título que acompaña a esta supuesta segunda parte que al igual que la saga de Michael Myers recupera un personaje femenino vital para la historia, Chris MacNeil, interpretada nuevamente por Ellen Burstyn. Y aunque se le rescata de un modo bastante desconsiderado para con el material original, eso es lo único curioso de la cinta. Efectivamente creyente había que ser, había que tener mucha fe para pensar que esta película iba a salir bien.
¿Pensabais que los tráilers auguraban una película mala? Pues os diría que tranquilos porque hay escenas del tráiler que no están. Pero igualmente la cosa se malogra. Y eso que arranca de un modo que da esperanzas, trasladándonos al terremoto de Haití, donde aún hay tradiciones ancestrales, como hacía la original. Pero pronto empieza a calcar pasos como la niña orinándose, los ataques de ira, el estudio por parte de los médicos, las cicatrices que escriben la palabra “help”… Eso nos demuestra tanto falta de originalidad como ausencia de brújula.
La película va sin rumbo mezclando distintas fes cristianas con ritos de Haití, donde el vudú y el cristianismo conviven muy estrechamente. Desperdicia detalles religiosos que habrían estado muy bien traídos si se hubiesen desarrollado, como el supuesto tiempo de Cristo en el infierno tras morir. Pero en lugar de ello nos brinda frases como, “la niña está a punto de erupcionar” o “no me dejaron participar en el exorcismo porque no soy del patriarcado”. Es un intento ridículo de traer a la actualidad un clásico que hoy en día sigue funcionando. Parecía que se reían de nosotros cuando pasamos del barrio de Georgetown en la original a Georgia en esta nueva, un juego de palabras de lo más pueril. Al principio ‘El exorcista: creyente’ ilusiona enmarcando el origen de la historia en un ambiente de culturas aún arraigadas a la tierra. También con un buen trabajo con ambas niñas o sentando muy bien el pasado de uno de los padres. Pero si quería ser una buena secuela debía generar un enfrentamiento con el mal puro y duro, enfrentarse a una figura arquetípica como la del diablo. En lugar de ello es una confrontación contra los fantasmas del pasado que hemos visto ya en cuantiosas ocasiones. Intenta aportar con el mix de culturas y ritos, pero las entremezcla torpe e incluso ridículamente. Por favor, que alguien impida que este director destroce otro clásico de terror, porque con todo y con esto prepara otra más de ‘El exorcista’ (titulada Deceiver) y desde hace tiempo planea adentrarse aún más en mundos infernales enfrentándose a una nueva versión de ‘Hellraiser’. David Gordon Green empieza a ser el Santiago Calatrava del cine, cobra millones por proyectos que parecen que van a modernizar el paisaje clásico, pero ya se sabe de antemano que van a ser desastres.
Si querían hacer un homenaje se podrían haber ahorrado el popurrí y haber ido a la esencia. Si querían poner en códigos actuales el clásico deberían mirar ejemplos como las últimas entregas de ‘Evil Dead’. Pero si lo que querían de verdad era llegar a una audiencia más actual y aún así ser innovadores pero a la vez ganándose a quienes aman las películas de terror más tradicionales, tendrían que haberse mirado en el espejo de ‘Verónica’ o de ‘Háblame’. De hecho la película, que no tiene ninguna potencia visual ni mística, usa más trucos de ‘Insidious’ que de ‘El exorcista’.
En ‘El Exorcista: creyente’ hay un exorcismo y dos posesiones, ¡pero no hay ningún exorcista! Y si vamos a lo más básico confunde el ser creyente con el tener ética. La película acaba siendo una encrucijada pero no en la que uno ha de convertirse o someterse ante las evidencias mostradas por el diablo. Los personajes se convierten en una dicotomía en la que tienen que elegir quien vive o quien muere. Al menos en eso si ha acertado Gordon Green pues como todos sabemos es lo que tuvo que hacer el Padre Karras.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: The exorcist: believer. Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: David Gordon Green. Guion: David Gordon Green, Peter Sattler. Música: Amman Abbasi, David Wingo. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: Ellen Burstyn, Leslie Odom, Jr., Ann Dowd, Jennifer Nettles, Norbert Leo Butz, Raphael Sbarge, Olivia O’Neill, Lidya Jewett. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Morgan Creek Entertainment, Rough House Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/theexorcistbeliever/
‘Golpe a Wall Street’ nos descubre el disparatado caso real de gente corriente que consiguió jugársela a Wall Street y se hizo rica convirtiendo GameStop (una popular tienda de videojuegos y electrónica) en la empresa más candente del mundo. La historia definitiva de David contra Goliat.
En medio de todo este embrollo se encuentra Keith Gill (Paul Dano), un tipo cualquiera que invirtió los ahorros de su vida en acciones y empezó a publicar sobre ello en redes sociales. Gracias a sus consejos bursátiles, su popularidad estalló, al igual que lo hizo su vida y la de todos sus seguidores, que empezaron a enriquecerse de la noche a la mañana. No obstante, los multimillonarios no tardaron en contratacar, desencadenando una de las batallas financieras más feroces vividas en Wall Street.
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Crítica
Una película que clama por no olvidar un hecho que con el tiempo se verá que es histórico
Corrían los años 2020 y 2021. Por entonces un analista financiero (Keith Gill a.k.a. Roaring Kitty a.k.a. DeepFuckingValue) tenía como hobby grabar vídeos de Youtube. Con sus análisis pretendía acercar el mundo de las acciones al ciudadano de a pie, como hacen tantos traders hoy en día. Y con sus recomendaciones y persistencia causó una alteración en el tejido financiero y social que nunca había imaginado. Reddit, TikTok, Robinhood, Twitter… son sitios web y apps protagonistas en esta historia. La nueva película de Craig Gillespie se convierte indirectamente en un retrato de la pandemia y en la inmortalización de un hecho que marcó un antes y un después, hasta tal punto de cambiar la mentalidad en el parqué virtual de la bolsa. Y yo hago una reflexión. ¿Todo esto habría sucedido de no ser por la pandemia y el cómo estuvimos enganchados a nuestros dispositivos móviles o abiertos a alternativas para ganar dinero? Creo que uno de los puntos que quiere remarcar ‘Golpe a Wall Street’ es ese.
Este es de ese tipo de anécdotas o sucesos que están marcando nuestra actualidad de un modo que no sospechamos, de manera que con el tiempo se demostrará que son elementos que han escrito nuestra historia relevantemente. Una simple inversión, casi hecha por los loles como se dice ahora, causó toda una catástrofe empresarial. Esto demuestra que la tecnología ha democratizado tanto nuestro mundo que, desde la silla de tu casa puedes liarla parda. Así lo refleja también la película española ‘Bull run’. Ben Mezrich se hizo eco de este precedente en un libro y ahora esa obra sirve de base para esta película.
Todos sabemos que los bancos y las empresas juegan con nuestro dinero. Especulan, ganan fluidez con él, lo aumentan sin que nosotros participemos de ello… Pero, ¿qué pasa cuando tú inviertes directamente en una empresa y ves nítidamente lo que está sucediendo con su valor? Eso es lo que sucede hoy en día al tener acceso a esta información. Lo que pone en relevancia ‘Golpe a Wall Street’ es que el ciudadano de a pie ha ganado visión a cerca de lo que pasa en el mundo empresarial de las grandes ligas. Pero si antes hablaba de democratización toca en parte desmentir este hecho. El acceso se ha vuelto más universal, pero el libre mercado que predica el neoliberalismo de nuestra civilización capitalista no es nada libre. Constantemente vemos como los ricos y los poderosos hacen trampas o tiran de influencia para que no se altere el establishment. En España tenemos un ejemplo claro con el nunca devuelto rescate a los bancos. Con lo que llegamos a la intencionalidad de ‘Golpe a Wall Street’. Puede que remarque que este suceso no habría sucedido sino fuese por nuestro cambio de hábitos durante la pandemia. Pero sobre todo resalta que se ha producido una revolución social equiparable a la irrupción de WikiLeaks. De manera digital y casi silenciada, pero el cambio está ahí. Las clases más bajas de la sociedad pueden invertir, pueden arriesgar como nunca y pueden abrir la puerta del éxito en la bolsa como nunca antes. Y con lo sucedido en este caso se ha mandado una advertencia a las corporaciones o los grupos de inversión, la red de redes une y pone en relevancia los tejemanejes del sistema.
Craig Gillespie nos tiene acostumbrados a películas con base real o con mucho sabor ácido, ahí están títulos recomendables como ‘Yo, Tonya’, ‘Cruella’ o ‘Pam & Tommy’. En esta ocasión el director de ‘Cuestión de pelotas’ rebaja su tono cómico y se centra en esbozar una lucha de clases que protagoniza magníficamente Paul Dano (os recomiendo comprar con los vídeos del youtuber original). Podría haber sido tan explicativo como ‘La gran apuesta’ pero logra mostrar lo sucedido desde diferentes puntos de vista y con la ventaja de estar temporalmente muy cercano a lo acaecido. Todo esto parece que también está hecho para que el tiempo no enturbie la verdad. Esta podría haber sido una película más hilarante e incluso haberse resumido en menos tiempo, pero de ser así no se habría constituido como la evidencia de un gran síntoma de transformación social que es.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: Dumb Money. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Gillespi. Guion: Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum, Ben Mezrich. Música: Will Bates. Fotografía: Nicolas Karakatsanis. Reparto principal: Paul Dano, Seth Rogen, Shailene Woodley, Sebastian Stan, Anthony Ramos, Nick Offerman, Vincent D’Onofrio, America Ferrera, Pete Davidson, Myha’la Herrold, Talia Ryder, Dane DeHaan. Producción: Black Bear Pictures, Ryder Picture Company, Columbia Pictures, Sony Pictures, Stage 6 Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, hechos reales. Web oficial:https://www.sonypictures.com/movies/dumbmoney
En la década de los 60’s y 70’s, repleta de libertad creativa y donde se inició el movimiento musical latinoamericano de éxito planetario: la Bossa Nova, un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.
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Crítica
Nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica
Fernando Trueba vuelve a aliarse con Javier Mariscal, el mismo que diseñó a Cobi, la mascota de las olimpiadas de Barcelona 92, para hacer otra película de animación, ‘Dispararon al pianista’. De nuevo el aroma a club de jazz underground y el misterio embadurnan un proyecto realizado con mucha clase y estilo.
El hilo de la película lo marca un periodista musical (con la voz de Jeff Goldblum) que acaba de rebote indagando sobre la sospechosa o misteriosa desaparición del pianista brasileño Francisco Tenório Júnior, un personaje nada ficticio que resultó relevante y muy querido en la escena del jazz y la samba del Brasil de los 70. De hecho, es considerado por muchos el “eslabón perdido de la modernidad artística” ya que la última vez que se supo de él tenía 34 años y un solo álbum. ‘Dispararon al pianista’ nos traslada a un mundo marcadamente latino y agradecidamente musical, de hecho no es escasa la presencia de músicos reseñables con lo que la película se alza como una masterclass. Pero también hay un carácter político en el filme pues todo lo sucedido en los últimos días de este músico acaeció en el marco de las dictaduras de Sudamérica, lo cual nos lleva a la Operación Cóndor.
La historia es interesante y está bien narrada. Pero evidentemente llama mucho la atención su animación. Está hecha como por capas con todos los personajes como vectorizados y parcos en detalles. Estéticamente nos consigue llevar al Brasil de los setenta o a nuestros años recientes ya que en los planos generales sí que se recrean. Pero el movimiento es lo que le juega una mala pasada. Faltan frames, no hay fluidez y todo va a trabones. La sensación es de una animación torpe pero cabe señalar que se le da más importancia a los parecidos y al detalle de cada fotograma. Creo que este proyecto se ha hecho con consciencia de cómo se iban a mover los personajes de Mariscal, entre los que se mueve algún que otro perro con forma de Cobi. Con todo y con esto es como estar viendo un cómic en movimiento, de hecho, quizá sea más disfrutable el tomo con sus fotogramas plasmados en viñetas.
La película aporta mucha información sobre esta curiosa aunque trágica historia. Está repleta de detalles reales como las últimas palabras de Tenorio, «Voy a salir a comer un sándwich y a comprar un remedio. Ya vuelvo». Con ello quiero decir que ‘Dispararon al pianista’ funciona mejor como documental que como novela negra. Es nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica. Cuenta con nombres como Vinicius de Moraes, João Gilberto o Caetano Veloso a si es que es un regalo para los melómanos en el sentido que he remarcado en la anterior frase.
‘Dispararon al pianosta’ te puede gustar si te gustó ‘Chico y Rita’ o ‘Black is Beltza’. Desde la animación bucea por la historia del otro lado del charco buscando perspectivas nuevas y descubriendo aquellas crónicas más olvidadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: Dispararon al pianista. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Guion: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Música: Joao Gilberto, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Paulo Moura. Reparto principal: Jeff Goldblum. Producción: Fernando Trueba Producciones Cinematográficas, Constellation Productions, Gao Shan Pictures, Les Films d’lci Méditerranée, Prima Linea Productions, Submarine. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://bteampictures.es/they-shot-the-piano-player/
El infame John Kramer (Tobin Bell) regresa por todo lo alto con la entrega más salvaje de la franquicia y el juego más personal de Jigsaw hasta la fecha.
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Crítica
Tarda excesivamente en reencontrarse con su esencia
Comencemos con señalar que no hay que confundir este ‘Saw X’ con ‘Saw VI’, la entrega que se llevó la categoría X a la hora de definir para qué rango de edades iba dirigida y cuyo estreno se malogró en España. ‘Saw X’ tiene calificación R, no podría ser menos siendo un filme que sigue las andanzas de uno de los asesinos más macabros y calculadores del cine. Está dirigida por Kevin Greutert, quien se encargó de montar las tres primeras entregas de ‘Saw’ y que también dirigió la sexta y séptima entrega de la franquicia. Además cuenta con otros habituales de la saga para el guión como Josh Stolberg y Pete Goldfinger (‘Saw VIII’, ‘Spiral. Saw’). Incluso continúa James Wan como productor y propietario de la franquicia, pero también estaba en el fiasco de ‘Spiral’. Con este elenco está cubierta casi toda la saga a si es que malo sería que hubiese incongruencias o que no se siga la dinámica que engancha de verdad. No obstante difícil sería pifiarla en cuanto a coherencia con el resto de películas pues ‘Saw X’ transcurre sencillamente entre lo sucedido entre la primera y segunda parte. Y efectivamente esta nueva entrega no tiene errores con respecto a la continuidad de la franquicia, pero si tiene fallos dentro de sí misma.
El justiciero que otrora ayudaba a rehabilitarse a la gente se pasó a un lado más gore del término catarsis y empezó a torturar a aquellos a los que antes ayudaba a base de café y terapias de grupo. El detonante ya se desveló, uno de los pacientes o usuarios a los que trataba causó la muerte de su hijo nonato. Emprendió así una cruzada sin nada que perder, pues como bien sabemos también tenía los días contados a causa de un cáncer que intentó curarse en ‘Saw III’. Esta persona que parecía que tenía menos suerte que la ardilla Scrat se convirtió en todo un antihéroe o psicópata, según como se mire. En ese recorrido hacia el panteón de los asesinos más famosos nos quieren desvelar ahora que Jigsaw viajó a México, lugar donde buscó cura desesperadamente. ¿Le ha venido bien el cambio de escenario a la saga? La cultura latina está presente solo en un par de ocasiones y a nivel visual. Si en algo cambia, innova y entusiasma esta entrega es en la introspección que se hace en el personaje. De lejos esta es la película en la que Kramer tiene más tiempo de pantalla. Pero precisamente esa idea, valiente en cierto sentido, le juega una mala pasada a ‘Saw X’ ya que precisamente tiempo es lo que le sobra. Sí, la película arranca como las demás, con una trampa mortal en marcha. Pero es una hora de reloj lo que se recrea para mostrar todo el viaje que realiza el protagonista. De camino tenemos algunos guiños, algo de humor negro y una trampa imaginaria, pero la saga ‘Saw’ es algo diferente y este nuevo capítulo tarda una larga hora en alcanzar su esencia.
‘Spiral’ me gustó menos que esta última entrega pero al menos acertó en el toque detectivesco. Lo único que se conserva realmente de la saga es la mente retorcida de aquellos que idean los “juegos”. Volvemos a tener muertes bestias a la par que ingeniosas. El sentido retorcido de la justicia de este personaje vuelve a aliarse con el sentido macabro de divertirse de los espectadores que gozan de ‘Saw’. Y para estos últimos solo hay tres o cuatro pruebas y una escena post-créditos que por supuesto enlaza con las otras películas. Poco aliciente para aquellos que buscaban reencontrarse con los personajes de Tobin Bell y Shawnee Smith, a quienes tampoco se han esforzado mucho en maquillar para rejuvenecerles.
‘Saw X’ introduce demasiados Ex Machina e incluso se olvida de algún que otro personaje. La prueba final para la última superviviente es el reflejo más fiel de que no hay un rumbo desde hace tiempo para esta franquicia ya que está totalmente carente de sentido y además demuestra que más que inteligente Jigsaw ha de tener el don de la precognición. Y por muy inteligente que es este personaje ‘Saw X’ deja al genio de Kramer a la altura de un pardillo de esos que caen en los timos de las multipropiedades o la homeopatía. Mucho se ha desfigurado la saga y el concepto.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2023. Título original: Saw X. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Kevin Greutert. Guion: Josh Stolberg, Pete Goldfinger. Fotografía: Nick Matthews. Reparto principal: Tobin Bell, Shawnee Smith, Costas Mandylord, Synnove Macody Lund, Renata Vaca, Octavio Hinojosa, Steven Brand, Paulette Hernández. Producción: Aldea M. Studios, Corazón Films, Lionsgate Productions, Twisted Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, terror. Web oficial:https://www.saw.movie/
Mía (Anna Castillo) es una mujer embarazada que, junto a su marido, huye de un país totalitario escondida en un contenedor marítimo. Tras ser forzosamente separados, deberá luchar por su supervivencia cuando una violenta tormenta la arroja al mar. Sola y a la deriva en mitad del océano, Mía se enfrentará a todo para salvar la vida de su hija y reencontrarse con su pareja.
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Crítica
Un filme que contiene varias derivas inesperadas
Sigo la carrera de Albert Pintó desde que hace unos años me sorprendiese con un grandioso humor negro a través del corto ‘RIP’ y la película ‘Matar a Dios’, que deberíais buscar ya mismo. Tras pasar por el cine de terror puro y duro con ‘Malasaña 32’ y dejar su huella en series como ‘La casa de papel’ o ‘Sky Rojo’ vuelve al largometraje pero esta vez se sumerge en el género del suspense. Y nunca mejor dicho eso de sumergirse ya que la trama sigue a una embarazada que se queda flotando en el mar con un container como único soporte.
A la deriva se queda la protagonista interpretada por Anna Castillo y sobre derivas me pregunto yo precisamente ya que me parece que la película tiene un excesivo número de guionistas (Ernest Riera, Indiana Lista, Miguel Ruz, Seanne Winslow, Teresa de Rosendo) para tratar sobre algo tan sencillo. Y aunque todo está basado en una historia de Indiana Lista, el primero de los autores de citados nos lleva a un subgénero, el de las películas marinas acotadas en un corto espacio ya que escribió ‘A 47 metros’. Esa franquicia intenta desarrollar su acción con un escasísimo número de intérpretes y disponiendo de poquísimos elementos. Aquí sucede exactamente igual a si es que este guionista parece querer ser el abanderado de esta especialidad cinematográfica, de hecho, su próximo título se llamará ‘The pool (la piscina)’, podemos imaginar la sinopsis. También hay que hacer justicia y señalar que no toda la acción transcurre en el mar.
Impotencia, aislamiento, agobio, miedo… Esas son las sensaciones que busca transmitir ‘Nowhere’. Las películas que dejan al abandono a un personaje en un lugar donde está totalmente desprotegido y desamparado suelen funcionar, más aún si se acompañan de elementos suficientes como para que se sucedan los giros y la trama no se adormezca. En esta ocasión sumamos el hándicap de que la protagonista está embarazada. A ‘Nowhere’ no le faltan ingredientes y el espectador va teniendo nuevos factores a los que engancharse. Además, al tener un espacio tan reducido y parco en detalles juega un papel muy importante la labor del director de fotografía y la capacidad del director de mover la cámara y generar diferentes planos, que no nos transmitan monotonía y que además contribuyan a trasladar el estado de ánimo de la protagonista. Pintó hace una labor estupenda en ese sentido, como demostraría también hace poco Alexandre Aja en ‘Oxígeno’.
“No hay para todos”, así se llama el plan puesto en marcha en esta distópica España de la que quieren huir los protagonistas. Con ello, además de toda la trama de suspense, de toda la solitaria aventura que expone a una embarazada ante las inclemencias del mar, está un drama colectivo que tiene que ver con nuestro presente, el de la inmigración, las medidas drásticas impuestas por los gobiernos o la escasez de algunas materias primas (un fantasma cada vez más presente con eso de la crisis de los chips o las recientes sequías). Salvo por unos patitos de goma el humor negro no está presente y el thriller y la denuncia social son los protagonistas de ‘Nowhere’.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2023. Título original: Nowhere. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Albert Pintó. Guion: Ernest Riera, Miguel Ruz, Indiana Lista, Seanne Winslow, Teresa de Rosendo. Música: Frank Montasell, Lucas Peire. Fotografía: Unax Mendía. Reparto principal: Anna Castillo. Tamar Navas, Said el Mouden, Kaabil Sekali, Saorla Wright, Andrew McGurk, Tony Corvillo, Mariam Torres, Irina Bravo, Victoria Teijeiro. Producción: Netflix Studios, Rock & Ruz. Distribución: Netflix. Género: suspense, drama. Web oficial:https://www.netflix.com/us-es/title/81449034
Los Mercenarios tienen una nueva misión. La acción los llevará a Libia, a la antigua planta de armas químicas de Qadhafi donde tendrán que interceptar a Rahmat, antiguo traficante de armas británico que cuenta con su propio ejército privado, para evitar que robe detonadores de misiles nucleares para el malvado Ocelot. Si eso llega a ocurrir, supondría el fin del mundo.
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Crítica
Mucha acción y poco más
Hace poco os hablé de ‘Megalodón 2’ y en aquella ocasión os comenté lo bien que me lo pasé y qué bien me pareció que se pasase al cine de serie B sin esconderse. Pero diréis, ¿por qué me pongo hablar ahora de ‘Megalodón 2’? Pues porque lo que se hizo bien en ese caso consistió en no tomárselo en serio y hacer una película divertida y en esta cuarta entrega de los Mercenarios, quiero pensar que han intentado hacer algo por el estilo, pero les ha salido el tiro por la culata.
Llega después de 3 películas la mar de entretenidas, donde lo más importante de la trama es ver a todos estos grandes actores de acción repartiendo tortas como panes y haciendo chistes malos entre ellos. Pero en esta cuarta entrega, vemos a los mismos actores, pero con mucho menos ímpetu que en sus entregas anteriores. Ya sea por el guion o por la dirección, pero para nada tiene la misma chispa que sus antecesoras.
La película comienza con una muerte inesperada para el equipo y con la entrada de varias caras nuevas, entre ellas la de Megan Fox, que viene a poner el mundo de Christmas un poco patas arriba. En el tráiler te lo ponen como un poco Sr y Sra Smith, pero ni se acerca.
La acción al menos sigue siendo buena, al final ‘Los Mercen4rios’ está dirigida por Scott Waugh, un especialista de cine de acción que ya tiene experiencia en estos menesteres y eso se nota. Además de que cuenta con Tony Jaa e Iko Uwais, que demuestran una vez mas su destreza en las artes marciales.
Realmente lo que para mí han llevado mal la película es que parece que quieren irse a una película de serie B cuando realmente se toma en serio. Cree que hacen gracia y no llega a nada. Es una pena porque son 3 guionistas los que han hecho esta película y no logran sacarnos ni una mera sonrisa.
Es una pena la verdad, porque la película ha costado un dineral y supongo que todo el dinero se ha ido en pagar a los actores, porque si no, no lo entiendo. El CGI es de vergüenza, el desenlace, que dura bastante, nos traslada a un barco carguero y vemos que no está ni en el agua. Los cromas son tremendamente malos.
Y ya si nos metemos en el tema de las actuaciones no se ni qué decir. No necesito actuaciones de Oscar, pero creo que nos merecíamos al menos una mínima calidad en la actuación. Poco más que añadir la verdad, este viernes 29 de septiembre llega a nuestras pantallas.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre. Título original: Expend4bles. Duración: 103 min. País: Estados Unidos. Dirección: Scott Waugh. Guion: Spencer Cohen, John Joseph Connolly, Max Adams. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: Sylvester Stallone, Jason Statham, Dolph Lundgren, Randy Couture, 50 Cent, Megan Fox, Tony Jaa, Iko Uwais, Andy García, Jacob Scipio. Producción: Millennium Films, Campbell Grobman Films, Nu Boyana Film Studios. Distribución: vertice360. Género: Acción. Web oficial: https://expendables.movie/
Fanny (Lou de Laâge) y Jean (Melvil Poupaud) parecen el matrimonio ideal: ambos tienen éxito en su trabajo, viven en un piso precioso en un exclusivo barrio de París y parecen estar tan enamorados como cuando se conocieron. Pero cuando Fanny se topa accidentalmente con Alain (Niels Schneider), un antiguo compañero de instituto, se vuelve loca de amor. No tardan en volver a verse y cada vez intiman más…
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Crítica
Woody Allen demuestra que aún tiene retos
Las películas de Woody Allen siempre llaman la atención y reúnen multitudes. No es de los que, como reza su último título, necesiten un golpe de suerte para hacer taquilla. Su demostrado talento se ha sobrepuesto a polémicas, pandemias y problemas personales y casi continúa con su tendencia de sacar una película al año.
No soy fan acérrimo de Woody Allen pero reconozco que cuando hace películas sencillas como esta es cuando mejor reluce su sentido de la comedia y el drama. Con ‘Golpe de suerte’ demuestra que más que tener talento aún le quedan retos por aceptar, a pesar de que llegada su película 50 haya decidido dejar de dirigir para tan solo escribir. El reto en esta ocasión ha sido rodar en francés y aún con todo y con eso el largometraje no está exento de las incesantes conversaciones y charlatanerías del director. Y como reto también está tocar una temática que con todo lo que ha llovido en su vida podría considerarse atrevida o arriesgada.
Lou de Laâge, Valérie Lemercier y Niels Schneider son aquellos que tienen que poner en práctica en francés toda la maraña que ha tejido el neoyorquino en su guión. Estamos ante una película que funciona a medio camino entre los géneros del suspense, el romance y la comedia. Es una historia criminal en resumidas cuentas con algo de absurdo y de tragicomedia. Es capaz de sorprendernos con sus negras ocurrencias y con más de uno de sus gags.
Allen demuestra que aún tiene historias con las que hacernos disfrutar, pero también de estar lejos su mejor talento. Este filme podría haber sido una comedia cualquiera hecho por encargo o contrato para una productora, no se percibe como fruto de una genial ocurrencia.
Las comparativas con ‘Match Point’ o con ‘Delitos y faltas’ están servidas, de hecho el director ya dijo que quería hacer algo por el estilo. Tenemos de nuevo un triángulo amoroso en el que las casualidades juegan un importante papel y todo sabe a jazz, a improvisación y a algo de Nueva York. Pero el guión se estanca y no tiene el mismo carisma. Remarca correctamente el carácter de sus personajes mostrando al marido celoso y a la mujer que se siente atrapada en un matrimonio que se mueve por las clases más elitistas de la sociedad, pero es incapaz de ir más allá y solo la influencia de alguno de los secundarios es capaz de romper ese anquilosamiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2023. Título original: Coup of chance. Duración: 96 min. País: Francia, Estados Unidos. Dirección: Woody Allen. Guion: Woody Allen. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Lou de Laâge, Melvil Poupaud, Valérie Lemercier, Niels Schneider. Producción: Gravier Productions, Dippermouth, Perdido Productions, Petite Fleur Productions. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/golpe_de_suerte
Dicen que el perro es el mejor amigo del hombre, pero ¿qué pasa cuando el humano en cuestión es un malnacido? En tal caso, puede que se merezca sufrir una dulce y perruna venganza.
En ‘Vida Perra’, Reggie (con voz en VO de Will Ferrell), un border terrier ingenuo y optimista hasta la médula, acaba abandonado en las despiadadas calles de la ciudad por su despreciable dueño, Doug (Will Forte; El último hombre en la Tierra, Nebraska), aunque totalmente convencido de que todo ha sido un malentendido y que su adorado compañero de vida nunca se desentendería así de él.
Pero cuando se topa un locuaz y malhablado Boston terrier llamado Bug (con voz en VO del ganador de un Oscar® Jamie Foxx), un perro vagabundo que adora su libertad y que cree que lo de tener dueño es de perdedores, Reggie por fin se da cuenta de que vivía inmerso en una relación tóxica y empieza a ver a Doug como lo que de verdad es: un tiparraco despreciable y desalmado.
Decidido a vengarse, Reggie, Bug y los colegas de este —Maggie (Isla Fisher en VO; Ahora me ves…, De boda en boda), una espabilada pastora australiana que se ha visto relegada por el nuevo cachorrito de su ama; y Hunter (Randall Park en VO; Quizás para siempre, Aquaman), un angustiado gran danés que vive estresado por su trabajo como animal de terapia emocional— urden un plan y se embarcan en una épica aventura para ayudar a Reggie a encontrar el camino de vuelta a casa… y hacer que Doug pague por sus actos arrancándole de un mordisco su apéndice más preciado (y no hablamos de un pie).
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Crítica
En muchos sentidos, es la película más animal del año
Quizá leyendo el titular penséis que estoy haciendo un chiste fácil de los míos. Pero cabe señalar, quizá por el bien de muchos espectadores, que ‘Vida perra’ es muy sobrada, que está realizada por los productores de ‘Ted’ y aquí se han superado en niveles de brutalidad, chabacanería y rudeza hasta tal punto que decir políticamente incorrecto se queda corto. Se ha ganado a pulso la categoría R a la hora de definir para qué rangos de edad va dirigida y se ha convertido con ello en la primera película rodada con animales a la cual cualquier menor de 17 años debería acudir acompañado de un adulto.
Estando ya prevenidos sobra deciros que ‘Vida perra’ se mofa y retuerce las películas del género “peli de animales”. Se mea, se folla o como queráis decirlo en títulos como ‘Beethoven’, ‘Hachikō’, ‘Una pareja de tres’ o ‘Tu mejor amigo’, sobre todo en esta última por varias razones que incluyen un cameo de Dennis Quaid en una nueva colaboración con Josh Gad. No sufráis que no se le hace ninguna perrería a los animales, está todo muy bien montado para que progrese la acción, tienen que haber empleado unos coaching caninos magníficos y una buena dosis de edición digital. Y aún con todo y con eso el filme es altamente explícito.
Hay ficciones muy burras como las que desarrolla la factoría de Adult Swim, la franquicia ‘American Pie’ o las que ha hecho el propio Will Ferrell, que dobla aquí al protagonista. Pero lo que vemos en ‘Vida perra’ sobrepasa lo digerible. Podríamos decir que es la nueva ‘Fiesta de las salchichas’. Es un experimento tipo ‘Chicos buenos’, han cogido criaturas adorables y las han puesto a hablar o a hacer cosas tan chuscas como las que le hemos visto a Torrente o a Eric Cartman. La trama sigue a un perro abandonado que quiere arrancarle el pene de un bocado a su deleznable dueño, no hace falta decir más. Llegamos a ver una escena que recuerda a aquella de ‘Tenacious D’ en la que Jack Black desactiva unos lasers con su miembro viril. Para mí, el momento más delirante es uno que me hace pensar que el director Josh Greenbaum es fan de Quentin Dupieux pues al son del tema más famoso de Mr. Oizo desarrolla un surrealista cuelgue con setas y marionetas.
De manera subyacente hay mensajes como el que revela que los humanos somos más animales o que nosotros necesitamos más a nuestras mascotas que ellas a nosotros. Básicamente los mejores amigos del hombre descubren a lo bestia que el hombre no es su mejor amigo. Te gustará si te gusta ese tipo de películas que parecen hechas de, por y para fumetas. El director la define como una mezcla entre ‘Resacón en las Vegas’ más ‘Cuenta conmigo’ y estoy de acuerdo. De hecho yo añadiría que es una versión maquiavélica de ‘La Dama y el Vagabundo’.
La película la he visto en versión doblada al castellano y sustituyendo a Will Ferrell, Jamie Foxx, Isla Fisher y Randal Park han puesto sus voces Santi Millán, El Monaguillo, Susi Caramelo y Raúl Cimas. De todos ellos he de decir que El Monaguillo es el que adapta mejor su voz o al menos al que le pega más el personaje que le ha tocado.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de septiembre de 2023. Título original: Strays. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Greenbaum. Guion: Dan Perrault. Música: Dara Taylor. Fotografía: Tim Orr. Reparto principal (doblaje original): Will Ferrell, Jamie Foxx, Will Forte, Isla Fisher, Josh Gad, Randal Park, Dennis Quaid, Sofia Vergara, Harvey Guillén. Producción: Universal Pictures, Gloria Sanchez Productions, Lord Miller, Picturestart, Rabbit Hole Productions, Universal Animation Studios. Distribución: Universal Pictures. Género:Web oficial:https://www.instagram.com/straysmovie/
Ara y Edu son amantes desde hace una década, cuando eran una actriz y un guionista novatos. Al margen de sus relaciones oficiales, siempre encuentran un momento para estar juntos, un oasis en sus vidas. Ahora mismo, los dos mantienen relaciones serias (muy serias, en realidad) con sus respectivas parejas. Tras un año sin verse, aprovechan un festival de cine para encontrarse. Pero ni siquiera estas treguas tan deseadas están libres de las mentiras y nostalgias de su vida real.
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Crítica
Para tratar sobre las treguas de la vida, cansa la redundancia y la falta de giros
Una actriz (Bruna Cusí) y un guionista (Salva Reina) tienen un affaire. Mantienen una relación romántica, de índole mayormente sexual, prolongada en el tiempo a la que recurren de vez en cuando mientras cada uno prosigue sus vidas. Suelen verse en festivales de cine y en esta ocasión se ven en Málaga, lugar donde fue estrenada la película dentro de la Sección Oficial.
Favoreciendo a los que se meten con el cine español tildando todas las películas como españolada, ‘Tregua(s)’ arranca con una secuencia de sexo y comedia de más de cinco minutos. Pero la herramienta que más esgrime la película del debutante Mario Hernández es el diálogo. Charlas largas, con personajes a la defensiva, plagadas de discursos contra el patriarcado o la diferencia entre estratos profesionales. El filme toca temas interesantes pero la pena es que cansa la provocación mutua que busca problemas donde no los hay. Este puede ser o bien el reflejo de esas parejas que necesitan generar conflictos como los celos para encontrar un sentido a su relación o bien un intento en balde de derramar un chorreo de inquietudes de los treintañeros y los cuarentones de ahora.
Los protagonistas tienen una relación abierta, pero no solo en la cama, no son simples amantes o folloamigos. Se dicen de todo y esto les sirve tanto de catarsis como de punto de control para evaluar sus vidas. Lo que se percibe como una conexión única se acaba alzando como lo que se dice tanto ahora, una espiral tóxica. Ambos personajes están bien retratados, bien fundamentados. El problema no es que los protagonistas no estén bien trabajados tanto delante como detrás de la cámara. Tampoco es que no nos interese aquello que tratan o cómo se influyen el uno al otro. Lo que sucede es que ‘Tregua(s)’ es como el perro del hortelano, parece la cosa va a progresar y te van a dejar disfrutar de algún tipo de epifanía, pero retorna constantemente sobre el mismo punto. Lo que decía de la relación tóxica, ni evoluciona ni deja evolucionar. Es más, se regodea tanto sobre lo mismo que olvida dar sentido a su título, hasta tal punto que necesita que los protagonistas verbalicen la explicación del filme.
‘Tregua(s)’ es un bucle teatral con solo dos personajes y tres escenarios. Es envidiable como se escudriñan los personajes el uno al otro pero cansa la redundancia y la falta de giros.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de septiembre de 2023. Título original: Tregua(s). Duración: 93 min. País: España. Dirección: Mario Hernández. Guion: Mario Hernández. Fotografía: Alex Bokhari. Reparto principal: Bruna Cusi, Salva Reina, Abril Montilla, José Fernández, Marta Méndez. Producción: Sierra Gador Producciones, Producciones la Cochera. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, comedia, romance. Web oficial:https://www.syldaviacinema.info/treguas/
Tras la muerte de Arturo Viaplana, sus hijos asisten a la lectura del testamento con la esperanza de heredar su gran fortuna. Lo que no saben es que su difunto padre no ha elegido heredero, sino que ha ideado como última voluntad una especie de broma póstuma. Para heredar su patrimonio los hermanos Viaplana tendrán que superar las pruebas de un macabro juego que los enfrentará al secreto mejor guardado de la familia.
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Crítica
Homenaje cómicamente negro a las películas de crímenes y misterios
‘La Fortaleza’, no confundir con una de las últimas películas de Bruce Willis o con la marca de cafés. Es la nueva película cómica de Chiqui Carabante, autor de obras como ‘12+1 una comedia metafísica’ u ‘Honor’, la serie que adapta el original protagonizado por Bryan Cranston.
Un casoplón, una familia numerosa, un muerto, una herencia que cobrar, un misterio que resolver… La película tiene los mismos ingredientes que los títulos de Agatha Christie o que las recientes películas de ‘Puñales por la espalda’, título que le vendría como anillo al dedo a ‘La Fortaleza’. En esa casa se reúnen cinco hermanos convocados por un notario que les ha transmitido la muerte de su padre. Acuden a la casa familiar tras llevar sin ir más de tres años debido a que su padre era bastante desgraciado y cargantemente bromista con ellos. Incluso muerto les gasta una broma pesada pues les obliga a jugar al algo que si no superan desencadenará en la pérdida de la herencia.
Entre aquello que figura en el legado está la fortaleza emplazada en los campos de Extremadura, que es obviamente donde transcurre la acción. Si queremos una similitud para esta película con algo actual habría que decir que es como un escape room retorcido. Con unas pocas pistas y unas estrictas exigencias los hermanos tienen que conseguir el objetivo marcado, que no voy a desvelaros ya que el factor desconcertante es un punto clave para entretenerse con este filme. ‘La Fortaleza’ se vende como una comedia negra de suspense pero yo creo que se le ajusta más el término de comedia de desconciertos y puñaladas. El suspense está en un seguidísimo plano y deja paso a la confusión y los giros locos. Es una comedia disparatada, de esas cuyos protagonistas sabemos que están en caída libre e irremediable al más estrepitoso fracaso.
Y todo esto es debido a que la familia está rota y formada por cinco hermanos, a cada cual más disfuncional. Un empresario fracasado, una deprimida empastillada, un escritor que no publica, una hermana mayor que vive de postureo y un siervo de la engañifa del mindfulness. Este último está interpretado por Vito Sanz y es de todos el que mejor capta y ejecuta el tono de esta comedia. Pero, al final, el personaje que va a ser más cómico es el que resulta más serio y cabal. Fernando Tejero aparece ante la cámara con unas gafas enormes asimilándose al Rompetechos de Ibáñez, pero recreando a un notario serio, firme y riguroso. Curiosamente, a pesar del carácter de ese personaje, es uno de los más graciosos.
‘La Fortaleza’ esgrime humor negro o macabro pero poco suspense. Es una sucesión de chistes que homenajean el género de crímenes y misterio en estratos altos de la sociedad burlándose de esta. Funciona como comedia de enredos que no busca ningún tipo de preciosismo, al contrario, se muestra burda. Los personajes son ambiciosos a rabiar, pero esta película no peca de querer morder más de lo que se puede masticar y se percibe consciente de sus aspiraciones. Es un entreteniendo que no rivaliza con estrenos recientes como ‘Misterio en Venecia’ pero que como tragicomedia disparatada sabe diferenciarse.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de septiembre de 2023. Título original: La Fortaleza. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Chiqui Carabante. Guion: Chiqui Carabante, Salvador S. Molina, David Orea Arribas. Música: Darío González Valderrama. Fotografía: Juan Hernández. Reparto principal: Fernando Cayo, Goya Toledo, Fernando Tejero, José Manuel Poga, Vito Sanz, Carla Nieto, Lola Casamayor, Manuel Zarzo, Yan Tual, Manolo Solo, Nacho Fresneda. Producción: Canal Extremadura TV, Canal Sur Televisión, Featurent, Glow, ICAA, Lolita Films, Mediaevs, Un Fin De Semana Juntos. Distribución: SkyShowtime. Género: comedia, misterio. Web oficial:https://featurent.com/latest/la-fortaleza/
‘El Conde’ es una comedia de terror y humor negro ambientada en un universo paralelo inspirado en la historia reciente de Chile. La película representa a Augusto Pinochet —símbolo del fascismo mundial— como un vampiro que vive recluido en una mansión abandonada en el gélido extremo sur del continente, saciando su apetito de maldad para subsistir. Pero después de 250 años, Pinochet decide dejar de beber sangre y renunciar al privilegio de la vida eterna. No puede soportar más que el mundo lo recuerde como un ladrón. Pese a que sus familiares son unos arribistas y fuente de decepción para Pinochet, una relación inesperada lo anima a seguir adelante, pero esta vez con una vida de pasión contrarrevolucionaria.
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Crítica
Pocas veces las burlas hacia la sombra siempre acechante del fascismo han sido tan mordaces
‘El Conde’ es una comedia negra que transcurre en un universo paralelo. Augusto Pinochet no murió, o si… tal vez ya estaba muerto en vida. Esta película nos desvela que el tirano es realmente un vampiro de más de 250 años (interpretado por Jaime Vadell, un actor de casi 90) que vive recluido y harto de sentirse decepcionado por sus familiares y ser recordado como el mal encarnado, como un ladrón. Es por ello que alcanza el punto crítico de decidir dejar de beber sangre. Pero un giro de los acontecimientos, que debéis descubrir, cambia esa determinación a dejar este mundo.
La capa que lucían muchos dictadores del siglo pasado es lo que evocó a Pablo Larraín a la figura del Conde Drácula y lo que desató la imaginación que ha sido plasmada en el guión. Un texto que ha hecho que ‘El Conde’ sea la recién ganadora del premio a mejor guión en Venecia, obra que ha escrito junto a Guillermo Calderón. Entre ambos han rescatado esta figura que nos pintan cómicamente como la de un revolucionario de derechas cansado de ser súbdito y con una evidente megalomanía, un ser tan egoísta que es capaz de negarle la inmortalidad a sus propios hijos y esposa.
Llega este estreno tras la decepción con Larraín por ‘Spencer’ ya que yo era de los que disfrutaron ‘Jackie’. Debí ir prevenido ya que tampoco me gustó ‘Neruda’. Hay algo que no se le puede negar a Larraín, sabe buscar un punto de vista diferente para rescatar personajes históricos. En este caso, además de un cambio estético abraza dos géneros distintos, la comedia (negra) y el “terror”. Eso le hace incluso a llegar a tocar no a no uno, sino a varios personajes odiados por su pueblo ya que, por ejemplo, la condición de inmortal del protagonista nos hace volver a la Francia de María Antonieta.
Larraín se lanza al mundo del blanco y negro. Con esta decisión nos transporta a un mundo alternativo, donde hay una uniformidad y ausencia de color, con además tonos muy oscuros. Sobra decir que la época dorada del Conde Drácula fue aquella en la que sus historias se rodaban aún en escala de grises. ‘El Conde’ podría considerarse como una adaptación libre de Drácula. No falta el fiel ayudante familiar, la residencia en tierras inhóspitas, el (en este caso la) Jonathan Harker que visita el feudo para arreglar el papeleo… Si queremos resumir todos los símiles habría que decir que la familia Pinochet ha succionado la sangre a todo un país. Los asesinados, las cuentas en el extranjero, el odio visceral a la izquierda, las torturas que han quedado impunes… Si Chile está convulso actualmente el refrescar todo esto puede ser todo un acto de memoria de la cual aprender pero también hay que reconocer que es un zarandeo arriesgado. Larraín parodia, imagina, pero también clava escenas como la del velatorio, cuando recibió el escupitajo del nieto de una de las víctimas de su golpe de estado.
‘El Conde’ es la revisión de un villano dotado de la vileza de aquellos que siendo claramente culpables se dicen ser la verdadera víctima, describiéndose con el descaro de esos abyectos personajes de la prensa del corazón que son incapaces de ver el freak en el que se han convertido. Y terror no tiene la película, pero imagino el miedo que deben sentir en Chile ante la idea de que este dictador se mantenga con vida y además con poderes sobrenaturales. Aun así hay que decir que hay bastantes escenas horripilantes y violentas que pueden herir sensibilidades. La película es abiertamente cruda en varios sentidos, tanto con sus indirectas como con imágenes explícitas de decapitaciones. Y con todo esto una de las secuencias que destacan es un precioso vuelo que parece un anuncio de colonia, muy a lo ‘Jupiters Moon’.
Ante todo esto es sátira y farsa política (aunque todos sabemos que la política es una farsa por definición). Estamos ante una burla como la que fue en su día ‘El gran dictador’ o hace poco ‘Jojo Rabbit’. Menuda manera ácida y mordaz de rememorar que han pasado 50 años desde el golpe de estado en el país americano. Tras todo un mandato dictatorial Pinochet no respondió ante la justicia, como tantos otros tiranos. Eso conlleva un legado funesto que nunca termina de limpiarse. Prueba de ello es la división que vive hoy en día Chile. Ahí surge la fuerza de esta burla que reclama que hay que cerrar heridas y reconocer errores para que la sombra del pasado no vuelva a acecharnos. Al fin y al cabo lo que se busca, casi de manera literal, es exorcizar los males del pasado.
Los siguientes títulos de Larraín nos devolverán a María Callas con Angelina Jolie encarnando a la cantante de opera y al 11S con ‘The true american’, curiosamente fecha en la que publico esta crítica. Espero que se atreva con otro volantazo a su carrera pues saliéndose por la tangente es cuando saca lo mejor de él, al menos para mi gusto.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El Conde. Duración: 111 min. País: Chile. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Guillermo Calderón, Pablo Larraín. Música: Juan Pablo Ávalo, Marisol García. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro, Paula Luchsinger, Catalina Guerra, Marcial Tagle, Amparo Noguera, Diego Muñoz, Antonia Zegers, Stella Gonets. Producción: Fabula. Distribución: Netflix. Género: terror, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81590652
Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película.
Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra!
Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.
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Crítica
Desde la ironía y el sometimiento Moretti se ríe de la actualidad cinematográfica
Pocas veces el cartel de una película representa exactamente lo que esta quiere contar. En el caso de ‘El sol del futuro’ el artista gráfico que ha realizado el poster ha dado en el clavo, al menos con aquello que a mi me ha transmitido la última película de Nanni Moretti.
En ‘El sol del futuro’ nos encontramos con un director inmerso en una agonía creativa. Se siente agobiado por tardar demasiado en rodar películas y tener todavía más historias que querer narrar. Por si no fuese suficiente el futuro le ha cogido de lleno y se siente completamente desencajado en una industria cinematográfica que ya no tiende. Él quiere rodar a su manera, con un estilo clásico, limpio y sencillo, con libertad creativa y sin ataduras o exigencias de todo aquello que es meramente comercial o estadístico. La película es obviamente meta y hace referencia a la propia vida del director italiano.
En la película hay un personaje de un productor que le llega a decir al director que su película es subversiva. Volvemos con el tema autoreferencial pues en varios sentidos con ‘El sol del futuro’ se dan coletazos rabiosos contra todo aquella “cultura” que alienta la audiencia general. Moretti se declara abiertamente anti cine industrial y nos invita a pensar y darle mil vueltas a las escenas. Me gusta esa lucha que hay entre el cine como arte con reflexión y sentido frente al producto fugaz y comercial, pero también como claudica ante una irremediable derrota. La reunión con Netflix es tronchante.
No se si Moretti es tan maniático y esclavo de sus propios ritos como Luciano, el director que interpreta en esta ficción. Pero a partir de esas “deficiencias” surge una comedia que tiene tanto de ácida como de inocentona por sencilla que es. Su personaje es un Melvin Udall que al mismo tiempo que se cree precursor de la perfección con sus antojos y minuciosidades está ciego ante las verdades y la realidad que tiene delante.
En esta película, Moretti nos invita a reflexionar con muchísima ironía sobre la industria del cine y su constante evolución. Es una tragicomedia personal pero también industrial. Tanto en lo íntimo como en lo universal manifiesta un amor incondicional, pero también un sometimiento a un destino fatal inevitable.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: Il sol dell’avvenire. Duración: 95 min. País: Italia. Dirección: Nanni Moretti. Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Música: Franco Piersanti. Fotografía: Michele D’Attanasio. Reparto principal: Nanni Moretti, Marguerita Buy, Mathew Amalric, Silvio Orlando. Producción: Sacher Film, Fandango, Rai Cinema, Le Pacte, France 3 Cinema, Canal+, Kinology. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.sacherfilm.eu/portfolio/il-sol-dellavvenire-di-nanni-moretti/
Este año, las vacaciones de Marc y Anna, embarazada de ocho meses, serán distintas. Han decidido intercambiar su casa con Hans y Olga, una pareja de jubilados alemanes que han conocido a través de una web. Pese a la aparente calma del principio, poco a poco, el intercambio de casas se convierte en una auténtica pesadilla para Marc y Anna cuando descubren que Hans y Olga tienen otros planes para ellos.
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Crítica
Un home invasion elevado a varios niveles
Con el título de esta última película de Mar Targarona podemos intuir qué va a suceder en esta trama que mezcla terror, suspense y humor negro. Y aun teniendo una pista tan evidente podríamos decir que la película funciona mejor que ‘La abuela’ de Paco Plaza, filme con el que guarda buenas similitudes. Tras películas como ‘Dos’, ‘Secuestro’ o ‘El fotógrafo de Mauthausen’ creo que puedo decir que esta es la obra dirigida por Targarona que más me ha gustado.
Los humanos hemos inventado el subgénero “home invasión” dentro del cine de terror. Ese ese cine en el que la cotidianidad de un hogar se ve rota por la irrupción de un extraño. Pero los cucos llevan practicando el arte de invadir el espacio ajeno toda su existencia. Hace no mucho Lorcan Finnegan cogió esa idea y la plasmó en ‘Vivarium’ y es ahora Targarona quien le da una vuelta de tuerca y se monta una película de invasión doméstica por partida doble y además elevando el nivel.
La trama nos hace conocer a dos parejas. Una de ellas es una barcelonesa que está a punto de adentrarse en el mundo de la paternidad. Él es un desastre obsesionado con su trabajo, ella está sobrepasada y desquiciada al soportar todo el peso de la relación. “Unas buenas vacaciones lo arreglan todo”, suelen decir las parejas en crisis. Ese tópico es del que tiran y se atreven además con una experiencia de intercambio de hogares. Ahí es cuando conocemos a la otra pareja. Con ellos sentimos la misma extrañeza y desconcierto que los protagonistas. De inmediato comienza ese home invasión que mencionaba, que parte de romper de buenas a primeras el espacio personal. Algo nada infundado y que cobra mucho sentido al final del segundo acto.
Mientras se suceden tomas que emulan abiertamente a ‘El resplandor’ o a ‘Psicosis’ la trama se va retorciendo. El guión está bien armado y como espectadores no acabamos de lograr saber exactamente qué está pasando. Todo se llena de incógnitas que se resuelven y encajan correctamente, algo que no siempre nos encontramos en este tipo de películas que habitualmente dejan todo a la libre interpretación o a designios sobrenaturales. Solo es al final que comentaba en el segundo acto cuando se descubren las cartas a si es que os propongo dejaros llevar por todo el misterio de este viaje a la selva negra más desconcertante.
A partir de ese cierre del segundo tercio que comentaba entramos en un camino hacia el final que prácticamente cambia de género. La película arriesga a alargar su conclusión a costa de desbocarse en un corre que te pillo que alcanza un final que por lo menos es distinto a lo que vemos habitualmente. Quizá esa aceleración en el devenir de los acontecimientos, ese desmadre al que se entrega el largometraje no le guste a todos los espectadores. ‘El cuco’ es la película más de género que ha hecho Targarona y creo que se ha desinhibido por completo.
Aunque es una película narrada en pareja el protagonismo recae irremediablemente en Belén Cuesta. Como si fuese la Rosemary de Polanski o la embarazada de Maury y Bustillo defiende a toda costa a la criatura que lleva en su interior de aquello que la amenaza. Pero en este caso la defiende del futuro que me aguarda. ‘El cuco’ nos habla tanto de manera directa como indirecta de sacrificios. Algunos son evidentes, propios de la trama que sucede ante nosotros en primer plano, pero otras ofrendas, son menos evidentes y nos hablan de aquello a lo que estamos dispuestos a renunciar a la hora de proporcionar una vida mejor a los que queremos. El cuco es un pájaro que vilmente usurpa a el nido de otros, pero nadie ha pensado que también renuncia a un vínculo emocional, a la experiencia de la crianza y todo ello en aras de perpetuar su ADN en el tiempo. Quizá esta es una paja mental que me estoy montando, pero ese sentido frívolo de la supervivencia está en todos nosotros, aunque el remordimiento o los condicionante sociales nos impidan darle alas. ‘El cuco’ hace que reluzca la capacidad humana de sobrevivir, haciendo hincapié en que siempre hay un precio que pagar. Como espectador, después de verla, puedo decir que el precio de una entrada de cine para verla no es ningún sacrificio.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El cuco. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Alfred Pérez Fargas, Roger Danès. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Reparto principal: Belén Cuesta, Jorge Suquet, Hildegard Schroedter, Rainer Reiners, Chacha Huang, David Selvas, Manel Dueso, Marina Gatell. Producción: Barry Films, Rodar y Rodar Cine y Televisión. Distribución: Filmax. Género: terror, suspense. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/el-cuco.255
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