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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Blair Witch’

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 Sinopsis

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Han pasado veinte años desde que la hermana de James (James Allen McCune) y dos amigos suyos desaparecieran sin dejar rastro en los bosques de las Colinas Negras, en Maryland, mientras investigaban la leyenda de la bruja de Blair. Ahora, el propio James y sus amigos Peter (Brandon Scott), Ashley (Corbin Reid) y la estudiante de cine Lisa (Callie Hernandez) se adentran en esos mismos bosques cámara en mano con intención de desentrañar el misterio de su desaparición.

Al principio, el grupo se muestra esperanzado, sobre todo tras conocer a un par de lugareños, Lane (Wes Robinson) y Talia (Valorie Curry), que se ofrecen para hacer de guías por los oscuros y sinuosos bosques. Pero, a medida que avanza la interminable noche, sienten el acecho de una amenazadora presencia..

Poco a poco, los jóvenes se van dando cuenta de que la leyenda es mucho más real y siniestra de lo que podrían haber imaginado.

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Crítica

Si la original es de tu gusto y no la hubieses visto te gustaría esta.

Os acordáis de aquella película de terror en la que los protagonistas se separan, en las que hay sonidos estridentes, linternas que se apagan, una eterna noche, distorsión en las cámaras… pues si no la recordáis no os preocupéis que para eso está ‘Blair Witch’. La cinta que retoma el bosque en el que desaparecieron unos jóvenes, en el falso documental que fue ‘El proyecto de la Bruja de Blair’ claro está, ha estado dirigida por Adam Wingard (serie ‘Outcast’, ‘V/H/S’) y escrita por Simon Barrett (‘Tu eres el siguiente’, ‘V/H/S’). Una buena pareja que ha dado resultados satisfactorios y que ha asumido la tarea de continuar con una película que en su época marcó tendencia y puso de moda el metraje encontrado. Lo que sencillamente han hecho en ‘Blair Witch’ es no tomársela en serio ni tener el mínimo interés en innovar o considerar las nuevas corrientes del género. Actualiza la original pero no mantiene su espíritu rompedor que la llevó a ser uno de los títulos más rentables del terror.

Las referencias y homenajes a la película del 99 eran inevitables. Pero lo que sí que se podrían haber ahorrado son los sustos que no vienen a cuento, las paradojas temporales a lo ‘Paranormal activity’, las tomas a lo REC… De hecho, aunque lo parezca, la bruja no está recreada por Javier Botet, ser parece a la niña de Medeiros pero nada más. Incorpora las nuevas tecnologías para ponerlas a disposición de los jóvenes e incautos protagonistas, eso es lo único novedoso. Un dron, videocámaras de oreja, GPS… todo lo posible para dejar patente que cualquier recurso es inútil contra esta singular bruja.

El filme se pone intenso a la hora casi justa de duración. Es cuando aparecen las escenas trepidantes. La mejor parte de ‘Blair Witch’ llega cuando los personajes se adentran en una casa que resulta tener una atmósfera envolvente y unas secuencias agobiantes. Es como un túnel del terror en medio de un bosque. A aquellos a los que les pille de nuevas este tipo de películas, que no habrá muchos, si tendrán unas dosis de sustos y miedo.

Si se salva de ser quemada en la hoguera es porque no está mal rodada ni interpretada. Tiene más de un sobresalto y sensación fuerte. Podría resultar maravillosa y sorprendente si la trasladamos a finales del siglo XX, pero ahora no nos aporta nada nuevo. ¿Hemos de suponer que este es el punto de partida de una serie de películas en las que se investigará o combatirá aún más a esta escurridiza bruja? Miedo me da.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: Blair Witch. Duración: 89 min. País: EE.UU. Director: Adam Wingard. Guión: Simon Barret. Música:  Adam Wingard. Fotografía: Robby Baumgartner. Reparto principal: James Allen McCune, Callie Hernandez, Corbin Reid, Brandon Scott, Wes Robinson, Valorie Curry. Producción: Lionsgate, Vertigo Entertainment, Room 101, Snoot Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial: http://www.blairwitch.com/

Crítica: ‘Maggie’s plan’

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 Sinopsis

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En la ingeniosa comedia romántica moderna de Rebecca Miller MAGGIE’S PLAN, Greta Gerwig interpreta a Maggie Hardin, una neoyorquina de treinta y tantos años, dinámica y práctica, que trabaja en la New School y que, en vista de que no consigue encontrar el amor, decide que ha llegado el momento de tener un hijo por su cuenta. Pero, cuando conoce a John Harding (Ethan Hawke), un “antropólogo fictocrítico” que lucha por triunfar como novelista, Maggie se enamora por primera vez y se ve obligada a modificar sus planes de maternidad. Para complicar aún más la situación, John está casado, aunque no felizmente, con Georgette Nørgaard (Julianne Moore), una brillante académica danesa. Con un coro griego compuesto por los excéntricos y desternillantes amigos de Maggie, Tony y Felicia (interpretados por Bill Hader y Maya Rudolph), observando irónicamente desde el margen, Maggie pone en marcha un nuevo plan que la sume en un tenso triángulo amoroso con John y Georgette, entrecruzando sus vidas y conectándolos de formas sorprendentes y divertidas. Maggie descubre que a veces convendría dejar en paz al destino. MAGGIE’S PLAN es una exploración dulce, sofisticada y divertida de las inesperadas complejidades del romance moderno, que mezcla corazón y humor en una historia sobre la encantadora variabilidad de las relaciones a lo largo del tiempo.

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Crítica

Imprevisiblemente graciosa.

La directora Rebecca Miller firma también el guión de esta cinta que tanto en libreto como en dirección es muy recomendable. No se recrea en modas ni en corrientes actuales de cine, si no que se regocija en su propio universo y deja fluir a unos actores que se muestran con total naturalidad. Esta es una sencilla pero ingeniosa historia de personajes urbanitas que nos puede llegar a deleitar con un sentido del humor cuidado y perspicaz.

Como decía los actores que trabajan en ‘Maggie’s Plan’ lo hacen de un modo muy natural y abierto. Greta Gerwig y Julianne Moore representan dos ejemplos claros, realistas y creíbles de lo que es una personalidad femenina fuerte.  Aunque en sus personajes se denota un carácter manipulador, ambas demuestran ser maternales, luchadoras y comprensivas, pero cada una de un modo diferente. Ethan Hawke huye en este filme de los personajes peculiares para adentrarse de nuevo en los complejos. La vis cómica más descarada la aportan los comediantes Maya Rudolph y Bill Hader. Destaca, claro está por su protagonismo, el trabajo de Gerwig ante el del resto de sus compañeros. Con mucha sencillez todos logran agradar.

El ritmo de la película es constante, en ningún momento se dispara ni cae en los códigos de la sitcom. El esperado plan de Maggie tarda como una hora en llegar y eso podría haber hecho que la espera sea aburrida pero se emplean buenas dosis de humor cuya frecuencia decae conforme nos acercamos al final. Miller se toma su tiempo para ponernos en situación y fraguar su película.

Finalmente, lo que tenemos son muchas idas y venidas amorosas. En ese sentido sí que parece una comedia de situación o de enredos. Podríamos decir incluso que, aunque con menos cachondeo, es como una serie que recientemente finalizó y cuya conclusión ni agradó, ni quiero ni nombrar, ni recordar cómo conocí… Este es un filme que trata sobre las casualidades e imprevisibilidades de la vida, tanto las que provocamos como las que llegan por sí solas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: Maggie’s plan. Duración: 92 min. País: EE.UU. Director: Rebeca Miller. Guión: Rebeca Miller. Música: Michael Rohatyn. Fotografía: Sam Levy. Reparto principal: Greta Gerwig, Julianne Moore, Ethan Hawke, Travis Fimmel, Bill Hader, Maya Rudolph, Alex Morf, Jackson Frazer, Mina Sundwall, Leetopher Scott, Tommy Buck, Monte Greene. Producción: Round Film, Specialty Films. Distribución: Sony Pictures. Género: romance, comedia, drama. Web oficial: http://sonyclassics.com/maggiesplan/

Crítica: ‘Yo, Daniel Blake’

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Sinopsis

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Por primera vez en su vida, y víctima de problemas cardiacos, DANIEL BLAKE, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción.

En el transcurso de sus citas al «JOB CENTER», Daniel se cruza con KATIE, una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 km de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida.

Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

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Crítica

Tan insultante y monótona como nuestro sistema actual.

‘Yo, Daniel Blake’ llega para recordarnos, no para mostrarnos, algo que ya sabíamos. Es ofensivo el modo en cómo nos trata nuestro sistema, convirtiendo a las personas en simples nudos de una red que las envuelve y aturulla con trámites cíclicos. Esta película protesta, insulta, a los responsables de esta situación, clamando por funcionarios más humanos y menos sistemáticos. Pero a la hora de plantear este asunto peca de ser excesivamente fiel a la realidad, causando una verdadera sensación de pesadez y rutina.

El filme tiene la virtud de hacérnoslo pasar mal, de reflejar que hay gente buena pasándolas canutas y que, además casi siempre, los buenos son los que lo pasan peor. Aquellos que conocemos la situación que plantea, que tenemos a alguien cercano que la sufre o que simplemente nos molestamos en informarnos en cómo está realmente la sociedad; podemos sentirnos identificados con los protagonistas. Empatizamos con el modo en el que crece poco a poco su desprotección, crispación y desesperación.

Que Ken Loach y Paul Laverty trabajen juntos no es ninguna novedad, son una pareja casi inseparable. Nos narran otro drama actual, un drama que es necesario denunciar, que ocurre también en nuestro país, pero que quizá hubiese necesitado otra técnica para ser contado. Loach ha optado por ir directamente a la raíz del problema, sin andarse con metáforas o excesivas pinceladas de humor. Casi cada escena es un acto de disconformidad en el que no hay opción al debate. Con este guión Laverty nos encandila menos que con trabajos recientes como ‘El olivo’. A ‘Yo, Daniel Blake’ le falta fuerza e intensidad.

El reparto contribuye con su modesto trabajo a retratar a la comunidad del Reino Unido. Los que mejor han entendido estas intenciones son principalmente Dave Johns, que encarna al protagonista, u otros actores como Hayley Squires o Sharon Percy que representan otros eslabones de esa cadena oxidada que lucha por amarrar los disputados benefits.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: I, Daniel Blake. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Director: Ken Loach. Guión: Paul Laverty. Música: George Fenton. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Hayley Squires, Dave Johns, Dylan McKiernan, Briana Shann, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe. Producción: BBC, BFI, Sixteen Films. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial: https://www.facebook.com/IDanielBlake/

Crítica: ‘La Madre’

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Sinopsis

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Miguel es un crío de 14 años perseguido por los Servicios Sociales. Su madre, sin trabajo y con una vida personal inestable, es incapaz de ocuparse de él. Por eso le obliga a buscar refugio en casa de Bogdan, un rumano ex amante de ella que vive en una localidad cercana. Todo se precipita cuando la madre desaparece súbitamente.

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Critica

Una historia muy real, que muchos chavales sufren.

Un chaval, un menor se tiene que ganar la vida para que no le aparten del lado de su madre.

Esta es la premisa, sencilla, si, pero muy dura, cuando ves que Miguel, hace todo lo posible para no pasar hambre, para tapar que su madre no le trae de comer y no se preocupa del bienestar del chaval, da mucha pena.

Realmente salí de esta película pensando eso, que era una historia muy triste y lo peor de todo que son muchos los casos, que como Miguel, están desatendidos y ellos mismos se llegan a plantear si es mejor una vida así o acabar en un centro para menores, porque realmente la película trata de esto.  Miguel tiene que llegar a sopesar realmente si le conviene seguir viviendo como hasta ahora o abandonar la vida con su madre e intentar tener una suya propia.

Técnicamente la película no es una gran maravilla, es sencilla, sin grandes planos, con una trama demasiado lenta, si, te cuenta todo lo que quiere contarte, pero es demasiado lenta. El papel de Nieve de Medina me ha gustado bastante, un personaje con mucha alegría, que le intenta dar una oportunidad al chaval, pero durante el poco tiempo que le conoce, se da cuenta de que el chaval tiene demasiados problemas como para poder cambiar.

Miguel en sus andanzas huyendo de los servicios sociales, se encuentra de bruces con la realidad, trabajar duro para sacar dinero y de cómo viejos conocidos le cuentan como es su madre y como él va a terminar igual si no decide cambiar su futuro.

Una historia social donde el abandono está muy presente, pero ya no es que la madre abandone a su hijo, o deje de preocuparse si va a comer o no, la película también habla del abandono de ella misma, pues el personaje de Laia Marull se abandona totalmente, llega a su casa a la mañana, se tumba en la cama y se olvida totalmente de todo. Quizá también la película lleve ese ritmo tan pausado, para darnos una visión de las pocas ganas de vivir de esa mujer, de como ha decidido abandonarse a ella y todo lo que hay a su alrededor.

Ficha técnica

Estreno en España: 28 de noviembre de 2016 Título original: La Madre. Duración: 89 min. País: España. Director: Alberto Morais. Guión:  Alberto Morais, Verónica García, Ignacio Gutiérrez-Solana. Música: Xema Fuertes. Fotografía: Diego Dussuel. Reparto principal: Laia Marull, Nieve de Medina, María Abiñana, Sergio Caballero, Javier Mendo. Producción: Coproducción España-Rumanía; Olivo Films / Fundatia Teatru Contemporan / Alfama Films / IVAC / ICAA. Distribución: Syldavia Cinema Género: drama. Web oficial:  http://www.lamadrepelicula.com/

 

Crítica: ‘Trolls’

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Sinopsis

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De los creadores de Shrek llega la más divertida, inteligente e irreverente comedia animada, Trolls de Dreamworks. Descubre un sorprendente y colorido mundo poblado por personajes divertidísimos e inolvidables y conoce la historia de los excesivamente optimistas Trolls, con una canción constante en sus labios y a los cómicamente pesimistas Bergens, que solo son felices con un Troll en su estómago. Con la música original de Justin Timberlake, y una mezcla de un montón de canciones, ya casi clásicas, de artistas populares y las voces originales de Anna Kendrick, Justin Timberlake, Russell Brand, James Corden, Kunal Nayyar, Ron Funches, Icona Pop, Gwen Stefani, y muchos más. TROLLS de DreamWorks es una comedia fresca y divertida llena de música, corazón e impresionantes aventuras.  Nadie está preparado para el mundo TROLL.

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Crítica

Unos trolls que no se dejan trolear.

Colorines, purpurina, canciones, abrazos, fiestas… no, no estoy hablando del Día del Orgullo Gay en Madrid, estamos ante la última propuesta de Dreamworks, ‘Trolls’. Aquellos que vivimos los finales de los 80 o principios de los 90 recordamos haber jugado o incluso coleccionado unos simpáticos muñecos de aspecto canalla y colorido conocidos como trolls. También podemos recordar incluso haber usado riñonera para guardarlos y esto es lo que sucede precisamente en esta nueva película infantil.

Ya vivos desde los años 60 estos personajillos se ganaron la simpatía del mundo gracias a la alegría que transmitían y a su colorido y suave pelo. Incluso algunos tenían una piedra en la tripa para pedir deseos o favorecernos en algún aspecto de la vida. Precisamente esa alegría y esos colores son lo que buscan los malvados Bergens, criaturas enemigas de los Trolls que por supuesto, se los quieren comer para absorber así su felicidad.

La animación empleada nos recrea a unos trolls que están hechos como de peluche y visten trajes de fieltro. Aunque viven entre luces, felicidad y abrazos la historia de los trolls tiene peligros, aventura y música, sobre todo mucha música. Estos trolls son más risueños que otros diminutos personajes boscosos como pueden ser los pitufos o los gnomos. Pueden llegar hasta límites mojigatos o empalagosos con su forma de vida y sus canciones. La banda sonora del filme es muy amplia y de estilos poco variados dadas sus adaptaciones. Son múltiples los flashmobs que se producen y que harán bailar a los niños/as de las salas de cine. Gorilaz, Simon and Garfunkel, Lionel Richie, Kool and the Gang, Donna Summer, Justin Timberlake… son algunos de los nombres que suenan a lo largo del filme, además de alguna canción original en la que se luce Anna Kendrick.

Para tratarse de los directores de ‘Shrek, felices para siempre’ o ‘Bob Esponja’ (Mike Mitchell y Walt Dohrn) o de los escritores de ‘Kung fu panda’ o ‘Monstruos contra alienígenas’ (Jonathan Aibel y Glenn Berger) la historia no resultará muy novedosa e incluso se hace una copia descarada de ‘Cenicienta’. Personajes como el Rey Peppy o la nube están desaprovechados para el partido que se les podría haber sacado. Aunque en determinado momento se envía el equívoco mensaje de que el aspecto exterior es lo que da la confianza en uno mismo, ‘Trolls’ es sin duda un entretenimiento más que simpático para nuestros pequeños. Este éxito del merchandising y el coleccionismo ha vuelto para quedarse en muchas estanterías.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: Trolls. Duración: 92 min. País: EE.UU. Director: Mike Mitchell. Guión: Erica Rivinoja. Música: Christophe Beck. Fotografía: Young Duk Jhun. Reparto principal (doblaje original): Anna Kendrick, Zooey Deschamel, Gewn Stefani, Justin Timberlake, Christopher Mintz-Plasse, Christine Baranski, Jeffrey Tambor, James Corden, Kunal Nayyar, John Cleese, Russel Brand, Quvenzhané Wallis. Producción: DreamWorks Animation, 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: animación, infantil, fantasía. Web oficial: http://www.trollslapelicula.es/

Crítica: ‘Hardcore Henry’

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Sinopsis

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Minuto 1. No recuerdas nada. Tu esposa (Haley Bennett) te acaba de resucitar. Te dice que te llamas Henry. Cinco minutos más tarde, te han disparado, la han secuestrado y debes rescatarla. ¿Quién la tiene? Su nombre es Akan (Danila Kozlovsky), un poderoso señor de la guerra que cuenta con un ejército de mercenarios y un plan para dominar el mundo. Estás en la, para ti, desconocida Moscú y todos te quieren muerto. Todos, menos un misterioso británico llamado Jimmy (Sharlto Copley). Parece que está de tu lado, pero no estás seguro. Si puedes sobrevivir a la locura y desvelar el misterio, tal vez puedas descubrir la verdad acerca de tu identidad.

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Crítica

Especial FPS (Filme en Plano Subjetivo).

De la mano de un desconocido y primerizo en esto de los largometrajes, Ilya Naishuller, nos llega un filme que tiene todos los visos de pasar a engrosar las filas de ese cine que se llama “de culto”, sobre todo para aquellos que son considerados gamers. Partiendo de un planteamiento muy de videojuego, un protagonista en un lugar desconocido y con un pasado desconocido, se nos plantea una historia poco profunda pero muy trepidante.

La cinta está rodada al completo con cámara subjetiva, como si de un juego de tiros en primera persona se tratase, FPS (First Person Shooter) como se conoce en el mundo de los videojuegos. El protagonista de la cinta ha sido reconstruido con partes robóticas y esto nos puede referenciar, cinematográficamente hablando, al ‘RoboCop’ de Verhoeven. Pero si recurrimos al mundo de las consolas tenemos ejemplos más recientes como el ‘Deus ex: human revolution’, al menos en lo que se refiere al cuerpo de Henry. Pero el filme, como es obvio, nos hace retroceder en nuestra memoria de jugones hasta títulos como ‘Half-life’, ‘Counter Strike’, ‘Call of Duty’… pero con el que sin duda tiene más semejanzas es con ‘Mirror’s Edge’, por eso de que hace un uso continuo del Parkour.

Sin embargo, se aleja mucho del tono del último videojuego que he nombrado en el anterior párrafo pues es tremendamente agresiva. En ese sentido está más cerca de producciones como ‘Blood’, ‘Duke Nukem’ o ‘Postal’, sin ofrecer claras referencias a ninguno de estos juegos en concreto. ‘Hardcore Henry’ arranca con unos títulos de crédito que podrían ser obra del propio Tarantino y hace gala durante su más de hora y media de una violencia extrema y explícita. Este aspecto es otra razón más para pensar que los videojugadores serán los que más disfruten el largometraje. Pero también hay hueco para otros elementos famosos en la cultura popular como el Joker, Darth Vader o el tema de ‘Los 7 magníficos’.

Si nos centramos en el funcionamiento de la película nos encontramos con una trama cyberpunk basada en la acción pura y dura. Si tenemos este tipo de historias en un videojuego las disfrutamos pues tenemos el control del protagonista, pero esta fórmula llevada a las claves del cine se puede hacer monótona. Aunque también hay que indicar que están bien contemporizadas las escenas de acción con las “tranquilas”, lo que serían las cinemáticas de los juegos de hoy en día.

En Estados Unidos ha conseguido una recaudación considerable, propiciada sin duda por la originalidad de su planteamiento, aunque ya existían películas como ‘FPS’ realizada en 2014. Sin duda el buen arranque y la buena acogida de este filme también se debe a la presencia de Tim Roth y Sharlto Copley. Aunque es el segundo el que lleva el peso de la cinta y no solo por su talento sino también por la cantidad de papeles que realiza, al más puro estilo del Cylo de los cómics de ‘Darth Vader’. Tienen también algo más de relevancia en la trama la chica del filme, Haley Bennett (‘Los 7 magníficos’, ‘La chica del tren’) y al gran villano o jefe final, Danila Kozlovsky (‘Vampire Academy’), pero no realizan grandes interpretaciones.

A pesar de no tener el presupuesto de una gran superproducción ‘Hardcore Henry’ saca pecho y presenta buena factura, sobre todo buen CGI. Y no debo adular solo a los efectos generados por ordenador, también a los FX tradicionales pues tiene unos cuantos bien realizados.

Pero no todo son laureles, esta película tiene todas las virtudes de un juego en primera persona pero todos sus defectos. A muchas personas les marea ese tipo de juegos y con este largometraje no va a pasar algo diferente. Puede a aturdir tanto movimiento de cámara e incluso molestar con la aberración de distorsión que presenta, como ocurre con muchas filmaciones realizadas con action cameras. Además si nos fijamos bien la altura del protagonista varía en algunas escenas. Hay que mencionar también el montaje pues se notan algunos cortes en los que se delatan bruscos cambios de localización para recrear un mismo espacio.

Es curioso que por lo general (salvo excepciones como ‘Silent Hill’ o ‘Tomb Raider’) el cine que adapta videojuegos suela ser un fracaso y la formula de un buen largometraje haya radicado solo en copiar el estilo, no la historia ni la estética. Así deberían haber sido películas como ‘Doom’. Dicho sea de paso este filme ya ha influido en el mundo de los videojuegos pues hay un DLC surgido a partir de él para PayDay 2. No es de extrañar pues el director de esta cinta fue escritor de ese juego.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: Hardcore Henry. Duración: 96 min. País: Rusia, EE.UU. Director: Ilya Naishuller. Guión: Ilya Naishuller, Will Stewart. Música: Darya Charusha. Fotografía: Pasha Kapinos, Vsevolod Kaptur, Fedor Lyass. Reparto principal: Sharlto Copley, Haley Bennett, Danila Kozlovsky, Tim Roth. Producción: Versus Pictures, Huayi Brothers, Bazelevs Production. Distribución: Diamond Films. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: http://stxmovies.com/hardcorehenry/

Crítica: ‘El contable’

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Sinopsis

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Christian Wolff (Affleck) es un erudito de las matemáticas que siente mayor afinidad por los números que por las personas. Bajo la tapadera de una gestoría de un pequeño pueblo trabaja como contable autónomo para varias de las organizaciones delictivas más peligrosas del mundo. Con el Departamento Jurídico del Ministerio de Hacienda dirigido por Ray King (J.K. Simmons) pisándole los talones, se hace cargo de un cliente legal: una vanguardista sociedad de robótica en la que una secretaria de contabilidad (Anna Kendrick) ha descubierto una discrepancia por importe de millones de dólares. A medida que Christian va examinando los libros de contabilidad y aproximándose a la verdad, el número de muertos empieza a aumentar.

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Crítica

Prometedora propuesta con perezoso final.

Ben Affleck es alguien capaz de tenerme siempre en un limbo y de mantener una relación de amor odio con los espectadores. Ha convencido tras trabajos interpretativos como el realizado en ‘Batman v Superman’, ‘Argo’ o incluso ‘Dogma’ pero también ha horrorizado con actuaciones como la de ‘Runner, runner’ o ‘Daredevil’. En este caso, su protagonismo en ‘El contable’ pertenece al primer grupo de películas puestas como ejemplo.

Este actor de irregular carrera se enfunda el papel de asesino en la sombra. Nos ofrece un protagonista, escrito por Bill Dubuque (‘El juez’), que resulta ser diferente e incluso tiene carisma, pese a pecar de Robin Hood. Sentimentalmente no habrá tenido dificultades a la hora de interpretarlo pues es alguien taimado, introvertido y casi frío. Tiene el síndrome de Asperger, es autista y posee multitud de manías, rarezas y trucos para mantener su concentración, además de un gran trastorno obsesivo-compulsivo, es decir, un TOC. Esto último permite lucirse algo a Seamus McGarvey (‘Los Vengadores’) con la fotografía incidiendo aún más en la personalidad del personaje de Affleck. Existe a parte algún fotograma notable y muy estudiado, pero por lo general se pierde una oportunidad muy buena de crear un filme más rico, visualmente hablando.

La historia que vive este peculiar contable se desarrolla a la par que se nos van ofreciendo fragmentos de su pasado. Y también paralelamente va sucediendo la trama de otro asesino y de otros personajes que siguen su pista. La película juega mucho con el concepto de rompecabezas y todos ellos son parte de uno que no se resuelve hasta el mismo final. El problema es que esa resolución es demasiado casual. En un esmero de ligar a todos los personajes y de cerrar un círculo han forzado el desenlace de un modo que desafía cualquier tipo de probabilidad.

Como curiosidad, Affleck deja su impronta friki. En un mismo espacio aparecen grapas de Action Comics o un sable laser de Star Wars firmado. Incluso su personaje repite desde pequeño una canción infantil sobre Solomon Grundy, nombre que los lectores de cómics conocerán por ser también un villano de Batman, Green Lantern… del universo DC Comics en general. “Aquí está todo lo que quiero en la vida” dice en una ocasión el contable. Incluso podemos decir que J.K. Simmons ejerce en esta cinta de Comisario Gordon antes de lo previsto y tal vez, para que no resulte ser tan obvio, aparece sin bigote.

En resumen ‘El contable’ sugiere ofrecer una película diferente a las clásicas de asesinos y acción, pero acaba brindando lo mismo. Finalmente queda casi a la misma altura o categoría de películas como ‘Mechanic: Resurection’.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: The Accountant. Duración: 128 min. País: EE.UU. Director: Gavin O’Connor. Guión: Bill Dubuque. Música: Mark Isham. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Ben Affleck, Anna Kendrick, J.K. Simmons, Jon Bernthal, John Lithgow, Jeffrey Tambor, Cynthia Addai-Robinson, Fernando Chien, Seth Lee, Michael Beasley,David Anthony Buglione, Jason MacDonald, Ron Prather, Alex Collins, Johnny Giacalone, Nick Arapoglou. Producción: WB, Electric City Entertainment, Zero Gravity Management. Distribución: Warner Bros. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.accountantmovie.com/

Crítica: ‘El destierro’

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 Sinopsis

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Durante la Guerra Civil Española, Teo está destinado a un fuerte pequeño de vigilancia, que se encuentra en un frío e inhóspito lugar en las montañas. Allí conoce a Silverio, su nuevo compañero, con el que tendrá que convivir durante seis largos meses. Las diferentes personalidades de estos dos hombres, provocarán muchas tensiones, también acentuadas por el espacio limitado. La coexistencia frágil se rompe con la llegada de Zoska, un joven militante que encuentran herida en los alrededores.

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Crítica

Conflicto íntimo de intereses, personales y sociales.

Dentro de la Guerra Civil, dentro de cualquier guerra, al margen del drama de las muertes y las rencillas entre hermanos, se vivieron multitud de historias, se produjeron muchos dramas. La historia de Arturo Ruiz Serrano podría haber sido perfectamente uno de ellos pues resulta verosímil y está creada de un modo muy juicioso. Tal y como nos contó en una entrevista durante el pasado Nocturna su productor, Marcos Cabotá, ciertamente la película no trata sobre la Guerra Civil Española, sino que únicamente transcurre durante esa contienda. Se habla de ella obviamente, es un factor a tener en cuenta, pero no es una película bélica.

Transcurre en un pequeño refugio, un minúsculo puesto de guardia rodeado tan solo de ventisqueros y la posibilidad de una muerte indeseable. Un lugar en el que el miedo, el frío y el aburrimiento pueden ser los peores enemigos para un hombre. El guión está cimentado en el enfrentamiento entre aspectos como la lealtad, las creencias, las necesidades humanas o la supervivencia. Su texto, temática y localización convierten a ‘El destierro’ en una película idiosincrásica y en ocasiones muy teatral.

Cuenta para todo esto con un pequeño reparto sobradamente capacitado. Joan Carles Suau ha retratado muy bien a los jóvenes soldados chapados a la antigua del bando nacional. Como contrapunto, aunque perteneciendo a la misma facción, el personaje de Eric Francés representa a aquellos campesinos obligados a enrolarse. La tercera en discordia es Monika Kowalska que tiene más relevancia aquí que en otros trabajos donde la hemos visto, como ‘La puerta abierta’, y lleva perfectamente esa responsabilidad. Todos estos personajes están bien fundamentados e interpretados.

A parte de los actores y actriz que conforman el reparto y de la elaborada dirección, la película tiene muy buen acabado y parte de este resultado proviene de la buena fotografía de Nicolás Pinzón. El mismo director de fotografía de ‘I am your father’ ha aprovechado tanto los inmensos exteriores de la montaña como el claustrofóbico interior del minúsculo fortín.

‘El destierro’ ha sido nominada en festivales e incluso ha ganado algún galardón como el destinado a Nuevo Director en Toulouse y el de Mejor Película de Ficción en Austin. No es de extrañar pues su director, aunque se encuentra ante su primer largometraje, tiene ya un gran bagaje y colección de premios en festivales logrados gracias a sus cortos y a su halagüeño talento.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: El Destierro. Duración: 87 min. País: España. Director: Arturo Ruiz Serrano. Guión:  Arturo Ruiz Serrano. Música: Iván Ruiz. Fotografía: Nicolás Pinzón. Reparto principal: Joan Carles Suau,  Eric Francés, Monika Kowalska. Producción: Arturo Ruiz, Javier Martín, Esteban Crespo, Toni Bestard, Marcos Cabotá. Distribución: Márgenes. Género: drama. Web oficial: http://www.eldestierro.com/

 Crítica: ‘Cuando tienes 17 años’

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Sinopsis

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Damien, un joven de 17 años, hijo de un militar y de una médico, vive con su madre mientras su padre está de misión en el extranjero. Él es acosado por Tom, un conflictivo niño que tiene a su madre adoptiva enferma. Esta relación se pondrá a prueba cuando la madre de Damien decide invitar a Tom a vivir con ellos…

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Crítica

Contando mucho sin revelar nada.

Solo con bucear en la filmografía de Téchiné, o con ver el cartel de la película, nos encontramos con dos títulos como ‘Los ladrones’ y ‘Los juncos salvajes’. Ya sea por casualidades del destino o por coincidencias literarias lo que podemos ver en ‘Cuando tienes 17 años’ es una mezcla de esto, dos juncos salvajes ejerciendo de ladrones, robándose el corazón. De hecho, este último trabajo tiene más de una confluencia con ‘Los juncos salvajes’ y así ya comenzamos con poca originalidad.

La historia posee dos personajes principales. Lo que ha intentado el cineasta es mostrarnos una búsqueda del yo interior, de la comprensión de los sentimientos propios y ajenos. Dos jóvenes se encuentran comenzando el crepúsculo de su adolescencia y tal y como le ocurre a muchos en la realidad se dedican a pelearse como dos venados que chocan su cornamenta. Están pasando una etapa en la que se sienten violentos con sus sentimientos y lo exteriorizan con violencia. Este es un buen punto por parte de Sciamara y Téchiné. Además ambos están bien interpretados por el suizo Kacey Mottet Klein y el francés Corentin Fila, pero poco más se puede extraer de la cinta.

Se nos presenta más de un aspecto y subtramas verdaderamente irrelevantes para el mensaje y la historia central que nos plantea el filme. Se supone que dichos eventos supondrían un soporte para el desarrollo de la historia pero los personajes se mueven de igual forma fuera de ellos. Son suplementos que lo único que hacen es alargar la película. Igualmente se muestra una confrontación entre los dos protagonistas debido a su estatus social y a su posición familiar. Estas dos condiciones tampoco parecen influir en el resultado de la relación entre ambos pues no se ofrece una razón clara para salvar esta barrera. A pesar de todo el pasteleo, las idas y venidas, las desavenencias de la juventud y al casi costumbrismo mostrado, la historia resulta ser insípida.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: Quand on a 17 ans. Duración: 116 min. País: Francia. Director: André Téchiné. Guión: Céline Sciamara., André Techiné. Música: Alexis Rault. Reparto principal: Kacey Mottet Klein, Corentin Fila, Sandrine Kiberlain, Alexis Loret, Jean Fornerod,Mama Prassinos, Jean Corso. Producción: Fidélité Films, Wild Bunch, France 2 Cinéma. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/cuando-tienes-17-anos.html

Crítica: ‘Snowden’

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Sinopsis

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Cuando Edward J. Snowden desveló los documentos del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA, abrió los ojos del mundo y cerró las puertas de su propio futuro – renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida, y a su patria.

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Crítica

Tan escabrosa como necesaria.

Oliver Stone vuelve a poner dedo en la llaga y no se anda ni con rodeos ni con tabúes. Vivimos en una época en la que la gente publica constantemente sus vidas en las redes sociales, en la que estamos rodeados de cámaras, en la que nuestros perfiles de nuestras videoconsolas son hackeados o las personas son suplantadas en Internet, por poner algunos ejemplos. La película del director de ‘Platoon’, ‘JFK’ o ‘World Trace Center’ pone de manifiesto la necesidad de gente como Snowden, como los integrantes de WikiLeaks o Anonymous que velan, no por nuestra seguridad, si no por nuestra privacidad y derecho a conocer la verdad.

Podemos pensar que la línea entre ficción y realidad esté poco definida al tratarse de una película tan larga como esta, pero debemos considerar que es un tema extremadamente contemporáneo como para jugársela con eso. Por otro lado está basada en varios trabajos escritos como la novela del abogado de Snowden, Anatoly Kucherna, titulada ‘The time of the octopus’ o el reportaje ‘The Snowden Files’ de Luke Harding, reportero de The Guardian. Quizá por eso sea también demasiado aventurada, es muy actual y el caso de Snowden está por resolverse. Puede que también esto ayude mejorar el desenlace de los acontecimientos y tal vez por ello el propio Snowden se ha prestado a aparecer en los compases finales de la cinta.

Existe una película documental muy premiada y reciente, ‘Citizenfour’, que muestra la entrevista realizada a Snowden en China por la documentalista Laura Poitras junto al columnista Glenn Greenwald y el periodista Ewen MacAskill. Esta entrevista sirve de flashforward y de hilo conductor para este nuevo filme que culmina con la publicación de los documentos que han convertido a Edward Snowden en un refugiado en Rusia.

Joseph Gordon-Levitt interpreta a un joven conservador que quiere servir a su país. No es alguien que quiera perjudicar a Estados Unidos o que sea un antisistema, una idea que seguro que muchos tienen preconcebida en su cabeza y que resulta otro atractivo de esta película. Además, el actor de Los Ángeles ha empleado una modificación de su voz bastante fiel a la del exanalista de la CIA. Su interpretación es el centro del filme, pero viene acompañado de buenos nombres como Melissa Leo, Zachary Quinto, Shailene Woodley, Rhys Ifans, Tom Wilkinson, Timothy Olyphant o Nicolas Cage, este último con un papel muy limitado, tranquilos.

Como muchas veces sucede, los rostros famosos y la puesta en escena de una película puede restar importancia al guión, al mensaje que se lanza. No olvidemos que este es un hecho real, que podemos buscar miles de titulares relacionados y publicados por todo el mundo. No salgáis con miedo de la sala de cine ni corráis a tapar la webcam de vuestro portátil. Observad la denuncia de esta película, informaos y reflexionad, pues hay gente que está haciendo temblar a aquellos que pensamos que velan por nuestra seguridad cuando lo que buscan es tener constantemente el control.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2016. Título original: Snowden. Duración: 134 min. País: EE.UU., Alemania, Francia. Director: Oliver Stone. Guión: Oliver Stone, Kieran Fitzgerald. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Timothy Olyphant, Scott Eastwood, Joely Richardson, Jaymes Butler, Ben Schnetzer. Producción: Open Road Films, Onda Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: basada en hechos reales, thriller. Web oficial: https://snowdenfilm.com/

Crítica: ‘Inferno’

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Sinopsis

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El ganador del Oscar® Ron Howard vuelve para dirigir la última entrega de la multimillonaria serie de bestsellers de Dan Brown (El Código Da Vinci) protagonizada por Robert Langdon, Inferno, en la cual el famoso profesor de simbología (nuevamente interpretado por Tom Hanks) se encuentra tras el rastro de una serie de pistas conectadas con el mismísimo Dante. Cuando Langdon despierta con amnesia en un hospital italiano, hará equipo con Sienna Brooks (Felicity Jones), una doctora de la que él espera le ayude a recuperar sus recuerdos. Juntos recorrerán Europa en una carrera a contrarreloj para desbaratar una letal conspiración global.

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Crítica

Manteniendo el tipo con un carismático pero desgastado protagonista.

Dante ya lo dijo en ‘La divina comedia’, “a quien mucho se le da, mucho se espera de él”. Tanto a Dan Brown como a Ron Howard se les ha dado mucho bombo y reconocimiento por las dos obras que han llevado juntos al cine y por eso son grandes las expectativas depositadas en un filme como ‘Inferno’. Al igual que en ‘Ángeles y Demonios’ serán muchos los que rechacen la nueva adaptación, pero también surgirán espectadores que disfrutarán de ella pues como película independiente es una buena producción. Sin embargo en esta ocasión estamos ante una película menos elaborada y reveladora que ‘El código Da Vinci’ pero más seductora e interesante que ‘Ángeles y demonios’. Por lo tanto, podemos ir adelantando que es peor que la primera entrega y ligeramente mejor que la segunda, aunque no presente grandes interpretaciones.

Robert Langdon sigue con sus gymkanas y en esta ocasión el asunto se torna más personal, algo que a resumidas cuentas resulta ser una virtud del filme. Si en el primer capítulo de sus aventuras cinematográficas trataba de descubrir un secreto ancestral y en el segundo corría para salvar al Vaticano, en esta entrega hemos ido a más y lo que intenta es librar a millones de personas de la muerte. Ya se ha perdido el encanto que tenía este profesor pues la gracia residía en que se empleaban elementos reales e históricos para generar una búsqueda, y dicho sea de paso, se tenía más respeto por el arte. ‘Inferno’ no es una carrera por resolver un misterio, no es la busca y captura de unos villanos conspiradores, es la huida del protagonista mientras intenta salvar a la humanidad y descifra por el camino algún que otro acertijo.

Otro valor añadido es que la historia comienza de un modo muy diferente al de las otras dos películas, introduciendo a nuestro protagonista en un entramado en el que no quiere ni recuerda entrar. Gracias a este cambio en la mecánica de las aventuras de Robert Langdon tenemos una visión de un personaje más madurada y en cuya vida personal se indaga algo más. Pero en su desarrollo, ‘Inferno’ presenta conversaciones forzadas o con incoherencias, aunque por supuesto no tiene despropósitos como el pretender encerrar una partícula de antimateria en un minúsculo contenedor portátil.

David Koepp ha escrito este filme en solitario tras colaborar con Akiva Goldsman (‘El código Da Vinci’) en ‘Ángeles y demonios’. En esta nueva adaptación de una obra Dan Brown Ron Howard ha sabido sacar más partido a las novelas con su espectáculo visual (fotografía, puesta en escena, localizaciones…) que Koepp con su guión. Las visiones de Langdon recreando en la actualidad el infierno de Dante pintado por Botticelli son chocantes. Hans Zimmer también recicla sus fuentes empleando el famoso tema ‘Chevaliers de Sangreal’ y por desgracia lo transfigura. Ha denigrado el gran trabajo que hizo en ‘El código Da Vinci’ creando a partir de él una banda sonora notablemente peor.

No he leído la novela homónima, pero me he molestado en conocer el final de ella. El filme no se moja con la conclusión del libro, no se atreve, cayendo así en uno de tantos tópicos que arrastra esta ‘saga’, literalmente inmolando la originalidad de la obra escrita. Puede ser por eso de pretender resultar más familiar, aunque tiene imágenes más cruentas que sus predecesoras, no entiendo el ratio de edad al que se le ha asignado (PG-13).

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2016. Título original: Inferno. Duración: 122 min. País: EE.UU. Director: Ron Howard. Guión: David Koepp. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Tom Hanks, Felicity Jones, Ben Foster, Sidse Babet Knudsen, Omar Sy, Irrfan Khan, Ana Ularu. Producción: Imagine Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller. Web oficial: http://www.infernomovie.net/

Crítica: ‘Fuego en el mar’

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Sinopsis

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La isla de Lampedusa es el punto más meridional de Italia, que desde 1990 se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas.

En poco más de 20 años, más de 20.000 personas se han ahogado durante la travesía para alcanzar lo que para muchos supone una vía de entrada a Europa, y que les debería permitir escapar de la guerra y del hambre.

Samuele vive en la isla, tiene 12 años, va a la escuela y le gusta tirar con la honda e ir de caza. Le gustan los juegos de tierra, pese a que todo a su alrededor habla del mar y de los hombres, mujeres y niños que intentan cruzarlo para llegar hasta allí.

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Crítica

Huyen de la miseria, buscan misericordia.

Llega a nuestras salas la película italiana seleccionada para la 89 edición de los Oscar, al menos a día de hoy (11 de octubre de 2016) ‘Fuego en el mar’ está en condición de preseleccionada, no es aún una de las candidatas finales. He de indicar de antemano que, aunque este es un filme estremecedor, humano y profundo no me parece tan rompedor como para alcanzar el Oscar a Mejor Película en Habla no Inglesa, pero el tiempo dirá y ojalá que me equivoque pues el tema se merece la mayor difusión.

Viendo ‘Fuego en el mar’ podemos llegar a sentir vergüenza al ver como aquellos que son nuestros semejantes alcanzan la costa de nuestro continente y son olvidados por la opinión pública tras los noticieros que nos lo hacen saber. Gracias a este documental somos testigos directos de cómo se les rescata, se les registra y atiende. Sin duda Gianfranco Rosi se ha colocado en una posición difícil pero necesaria para filmar la película. Algunas imágenes rodadas son desgarradoras. El que no salga conmocionado con este documento puede decir que no tiene corazón.

La isla vive una dicotomía horrenda y eso es lo que nos muestra Rosi. Aunque parezca que todo gira en torno al mar y a los inmigrantes que llegan a través de él se nos ofrece la visión de un niño lampedusano que está más apegado a la tierra, estando rodeado de habitantes y tradiciones marineras. Una visión cándida e ingenua que contrasta con un gran drama. Durante sus pillerías con el tirachinas o sus escapadas para jugar con pájaros, decenas de personas cruzan desesperadamente el mar, gran parte muere. Un locutor de radio local, un ama de casa, un pescador… todos ellos siguen con sus quehaceres en una isla asaltada por la tragedia de los que huyen por pura necesidad. Es penoso el sincero testimonio del doctor, Pietro Bartolo, que se encuentra en el lugar y que atiende a los ciudadanos de la isla a la vez que a los recién llegados, estos últimos siempre en pésimas condiciones.

Esto de los refugiados no es un problema nuevo para los humanos del siglo XXI, por mucho que algunos países del norte acaben de descubrirlo en sus propias carnes. Naciones como España e Italia llevan décadas lidiando con esta cuestión. Junto a otros largometrajes recientes como ‘Las lágrimas de África’, ‘Fuego en el mar’ ayudará a denunciar esta situación de un modo masivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2016. Título original: Fuocoammare. Duración: 108 min. País: Italia, Francia. Director: Gianfranco Rosi. Guión: Gianfranco Rosi, Carla Cattani. Fotografía: Gianfranco Rosi. Reparto principal: Samuele Caruana, Pietro Bartolo, Giuseppe Fragapane, Samuele Pucillo, Francesco Paterna. Producción: Stemal Entertainment, 21 Unofilm, Cinecittà Luce, Rai Cinema, Les Films d’Ici, Arte France Cinéma. Distribución: Caramel Films. Género: documental, drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/fichas/fuego_en_el_mar

Crítica: ‘Mechanic: Resurection’

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 Sinopsis

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Arthur Bishop (Jason Statham) pensaba que había dejado atrás su pasado como asesino hasta que su más temible enemigo secuestra al amor de su vida. Ahora se ve forzado a viajar por todo el mundo para hacer lo que mejor sabe: asesinatos imposibles que parezcan accidentes.

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Crítica

La mecánica de hacer churros.

Con menos lógica y sin la gracia de la anterior entrega. Si ‘The Mechanic’ supuso el remake y la buena modernización de la versión protagonizada por Charles Bronson en el 72, esta constituye una continuación que venera mucho menos al filme original. Es un churro más de los que está acostumbrado a hacer en serie Jason Statham. La gracia de su personaje residía en que no era un asesino cualquiera, sino que hacía que todo pareciese un accidente, en esta ocasión hasta pierde ese toque a favor de la espectacularidad.

En realidad ‘Mechanic: Resurection’ posee el mismo patrón de alguna de las películas de la saga Borurne. Un asesino que se retira, posteriormente conoce a chica y surgen motivos para volver a matar, volver al mundillo del que huía. La diferencia es que la ejecución y las ejecuciones son muy diferentes. Aquí nos encontramos con casi todos los tópicos del cine de acción: explosiones, tiroteos, persecuciones, buenas peleas, traiciones… Y croma, mucho croma. Para recrear el fondo de muchas escenas se ha recurrido a lo digital y no hace falta ser un experto para diferenciar lo que es real y lo que está colocado con efectos.

Sin Simon West (‘Los mercenarios 2’) a la cabeza de la película, Denis Gansel (‘Somos la noche’) se ha encargado de afrontar esta secuela. Él es un director más acostumbrado a hacer dramas o thrillers y por eso puede que haya tirado a lo seguro haciendo una cinta muy genérica. Una especie de James Bond a sueldo con muy poca alma y muy poca razón de ser.

Pese a aprovechar el talante de tipo duro y el buen hacer de Statham en las coreografías desaprovecha a dos grandes nombres que figuran en el reparto. Jessica Alba en cuyo personaje se ha hecho un fracasado intento de disimular que es meramente una mujer objeto y Tommy Lee Jones, interpretando a un pintoresco y casi insustancial villano.

Statham debería plantearse protagonizar otro tipo de proyectos porque, aunque este género tiene su público se va a acabar quemando. No obstante el filme cumple lo que promete, una película de acción, sin más.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Mechanic: Resurection. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Denis Gansel. Guión: Philip Shelby, Tony Mosher. Música: Mark Isham. Fotografía: Daniel Gottschalk. Reparto principal: Jason Statham, Jessica Alba, Michelle Yeoh, Tommy Lee Jones. Producción: Chartoff-Winkler Productions, Davis-Films, Millennium Films. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: http://www.mechanic.movie/

Crítica: ‘Oleg y las raras artes’

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 Sinopsis

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¿Quién es este hombre que parece extraído de un cuento de Gogol?

El legendario Oleg Nikolaevitch Karavaychuk es el enigmático y sobrecogedor protagonista de esta película del director Andrés Duque. Movido por la música que el pianista compuso para una película de Kira Muratova, Duque es el primer extranjero en ganarse la confianza del siempre activo y excéntrico ruso de 89 años.

Algunos apuntes biográficos: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), fue un niño prodigio que tocó el piano para Stalin, asistió al Conservatorio de Leningrado y a lo largo de su carrera ha escrito música principalmente para teatro y cine – por ejemplo, para Paradjanov y Muratova. En Rusia, es admirado por su música y su forma de tocar, pero también por su singular y excéntrica personalidad. A los 89 años, Karavaychuk sigue siendo una figura controvertida y desconcertante en la cultura rusa.

La hermosa película que Andrés Duque le ha dedicado es un regalo para el espectador, un regalo de un viejo artista que alejado de toda convención social, quiere reconciliarse con el mundo y nos transporta lejos de la realidad a través de sus palabras, sus gestos y su interpretación al piano, a un mundo donde las perturbadoras disonancias son portadoras de una liberadora belleza.

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Crítica

Singular cascarón que conserva el talento.

Somos muchos en este mundo y personajes peculiares los hay a puñados, pero Oleg Nikolaevitch es uno de los que sobresalen por su excentricidad y talento. Solo con verle, e incluso con oírle hablar, podríamos pensar que estamos ante un Cañita Brava ruso, pero para nada. Es alguien desconcertante, cuesta diferir si lo que hace y dice en cada momento es obra de un genio o de un chiflado, eso puede ser trabajo de expertos. Desde luego sus palabras tienen destellos de brillantez y cuando le oímos (y vemos) tocar el piano las dudas están totalmente injustificadas. Es un artista como pocos los hay y lo demuestra tocando blancas y negras de un modo extraordinario y personal.

El documental no nos narra su vida, nos descubre a este excéntrico personaje a través de sus testimonios. Porque desde luego es difícil decidir qué es más raro, si su arte o su personalidad, tal vez sea porque siente todo tanto que son la misma cosa. Su sensibilidad es lo que le caracteriza. El modo que tiene de ver el arte, el modo de entender la música, es lo que hace de él un músico inigualable.

Por otro lado es alguien que vive casi apartado del ruido del siglo XXI, deambulando entre el Komarovo y el Hermitage. Es por eso que el director, Andrés Duque, puede considerar un lujo haber podido rodar estas imágenes y el espectador puede agradecer este descubrimiento. Este es un documental sobre alguien bastante inaccesible, de gran talento, no un genio, si no alguien con una sensibilidad especial.

El lado malo de este largometraje/entrevista es que si a uno no le gustan las piezas a piano se le puede hacer largo. Pero aún más monótono puede ser escuchar la plática de Oleg sobre su pasado o su concepción del arte y el mundo. Desde la admiración que debe sentir por el artista, Duque ha descuidado estos aspectos. Nos brinda planos simétricos, nos permite escuchar el piano de los zares, nos hace pasear por el Komarovo… pero no ha contemplado la posibilidad de la pesadez que puede ofrecer la homogeneidad de su filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Oleg y las raras artes. Duración: 70 min. País: España. Director: Andrés Duque. Guión: Andrés Duque. Música: Oleg Karavaichuk. Fotografía: Carmen Torres. Reparto principal: Oleg Karavaichuk. Producción: Marta Andreu, Tània Balló, Serrana Torres. Distribución: Márgenes Distribución. Género: Documental. Web oficial: http://www.andresduque.com/olegesp.html

 Crítica: ‘Cigüeñas’

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Sinopsis

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Las cigüeñas envían bebés… o al menos así era antes. Ahora, envían paquetes para la gigante multinacional de Internet Cornerstore.com. Junior (Arturo Valls), la mejor cigüeña mensajera de la empresa, está a punto de ser ascendida cuando la fábrica de bebés se activa accidentalmente en su reloj, produciendo una adorable bebé, aunque totalmente no autorizada.

Desesperado por escurrir el bulto antes de que su jefe se entere, Junior y su amiga Tulip (Belén Cuesta), la única humana en Montaña Cigüeña, se lanzan a realizar su primera entrega de un bebé en un disparatado viaje que podría alterar a más de una familia y devolver a las cigüeñas su verdadera misión en el mundo.

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Crítica

Amazon no usará drones, usará cigüeñas.

Ya está aquí la película que probablemente sumerja a muchos padres en la incómoda y evitada conversación cuyo tema es “¿de dónde salen los niños?”. ‘Cigüeñas’ nos ofrece una historia disparatada que saca provecho de la fábula sobre el origen de los bebés, trayéndola además a la actualidad. Muchos chistes de la cinta carecen de chispa pero hay escenas muy graciosas e incluso ingeniosas. El desvarío que puede suponer el ver a las cigüeñas convertidas en repartidoras de una empresa al más puro estilo Amazon es una premisa bastante cómica. Aunque hay que decir que precisamente los animales que no son cigüeñas, los pingüinos y lobos, son los que más diversión aportan a la cinta, también puede estar propiciado por el doblaje de Juan Ibáñez y Damián Mollá.

Seguro que los guionistas que dan vida a Trancas y Barrancas tienen mucha costumbre prestando su voz pero hay que hacer justicia y decir que en la versión doblada al castellano todas las voces concuerdan con los personajes. El casting de doblaje está muy bien realizado y tanto Arturo Valls (que ya había hecho algún pinito como doblador), como Belén Cuesta, Christian Gálvez o José Corbacho lo hacen perfectamente. No me gustaría olvidarme del experimentadísimo José Luis Gil que ha dado vida a un recio jefe y como siempre lo hace magníficamente.

Muchos doblajes flaquean últimamente y eso que tenemos muy buena tradición. Pero podemos decir que esta película está muy en sintonía precisamente con eso, con lo tradicional. Y es que aboga por la vuelta a lo tradicional y no me estoy refiriendo solo a las fábulas que nos transmitieron nuestros abuelos sobre estas aves cada vez menos migratorias. Nos insta a no obsesionarnos tanto con el trabajo y a jugar más con nuestros hijos y evitar dejarles entretenidos con las tablets o las televisiones. No es que sea un tema excesivamente presente en la película, pero se toca con bastante claridad.

Nicholas Stoller (‘Malditos vecinos 2’) y Doug Sweetland (‘Cars’) han elaborado una narración con mucho ritmo y con un guión con más corazón que vis cómica. Esto es debido a que las escenas se suceden con mucha vivacidad, pero el protagonista, Junior, está falto de carisma, al contrario que Tulip, la locuela chica que convive con las cigüeñas. Puede que a la maquinaria de este filme le falte algo más de potencia o que no tenga el cigüeñal muy bien lubricado pero el resultado nos puede agradar y sorprender en varias de sus piruetas.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de septiembre de 2016. Título original: Storks. Duración: 89 min. País: EE.UU. Director: Doug Sweetland, Nicholas Stoller. Guión: Nicholas Stoller. Música: Jeff Danna, Mychael Danna. Fotografía: Simon Dunsdon. Reparto principal (doblaje español): Arturo Valls, Belén Cuesta, José Luis Gil, José Corbacho, Juan Ibáñez, Damián Mollá, Christian Gálvez, Almudena Cid. Reparto principal (doblaje original): Andy Samberg, Kesley Grammer, Jennyfer Aniston, Ty Burrell, Anton Starkman, Stephen Kramer Glickman, Katie Crown, Keegan-Michael Key, Jordan Peele. Producción: Warner Animation Group, Warner Bros. Animation. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: animación, comedia. Web oficial: http://storksmovie.com/