Archivo de la categoría: Críticas

Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Blood Father’

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 Sinopsis

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Después de que su novio traficante de drogas le tienda una trampa tras robar una fortuna a un cártel, Lydia (Erin Moriarty), una joven de 18 años, se ve obligada a escapar. En su huida, solo encontrará un aliado: su desastroso padre, John Link (Mel Gibson), un borracho, ex convicto que desea ejercer de buen progenitor. Ahora tiene la oportunidad de hacer lo correcto y salvar la vida de su hija, aunque ello ponga en peligro la suya.

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Crítica

Mel Gibson lo lleva en la sangre.

En 2008 se publicó ‘Gran Torino’, una película en la que se decía que Eastwood interpretaba, bajo su propia dirección, a una versión de su famoso Harry el Sucio entrado en años, jubilado. Ocho años después Mel Gibson hace algo semejante volviendo a un registro muy semejante al de su Martin Riggs de ‘Arma Letal’ y con algunas pinceladas de su famoso ‘Mad Max’. ¿No suena mal verdad? Esta combinación resulta ser lo mejor, y casi lo único brillante, de ‘Blood Father’.

Esta es una película con elementos clásicos del cine negro, con una representación violenta y corrupta del sistema y de los ciudadanos estadounidenses. También distinguimos a un padre agresivo y protector, algo que lleva unos cuantos años explotando Liam Neeson. Lo que quiero manifestar con estos argumentos es que ‘Blood Father’ pone barreños en una mina donde hay poco oro que sacar. Pertenece a un género harto explotado, en el que para triunfar debes ser original o reunir un guión e intérpretes excelentes.

Por el texto no encuentro problemas, pero tampoco genialidades. Ha sido escrito por Peter Craig (autor de la novela en la que se basa la película) junto a Andrea Berloff (‘Straight Outta Compton’). Una pareja que ha dejado constancia de un gran amor por esta historia. Es en las interpretaciones donde cojea más el film de Richet. Erin Moriarty (‘Jessica Jones’) actúa sin naturalidad y de un modo bastante pueril. Algo mejor está el mexicano Diego Luna, actor que tiene muchos focos fijados en él por ‘Rogue One’. Gibson es la columna vertebral del filme y con quien mejor conecta es precisamente con el actor (secundario) que menos aparece, con el siempre conmovedor William H. Macy. El estupendo diseño de producción llevado a cabo por el equipo de Jean-François Richet ha quedado ensombrecido por todos estos aspectos, haciendo de la cinta algo meramente decente.

La película también juega y da más de un rapapolvo sobre la religión o la inmigración, temas que a Gibson le han ocasionado problemas. Este tipo de ideas que se arrojan en ‘Blood Father’ podrían ser las causantes del inusitado pequeño goteo de películas en las que ha aparecido este siglo. Por fortuna en este trabajo hemos podido disfrutar del Mel Gibson actor y próximamente esperemos hacerlo con el Gibson director en el drama histórico ‘Hacksaw Ridge’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: Blood Father. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: Jean-François Richet. Guión: Peter Craig, Andrea Berloff. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Robert Gantz. Reparto principal: Mel Gibson, Erin Moriarty, Diego Luna, Elisabeth Röhm, William H. Macy, Michael Parks, Dale Dickey, Raoul Trujillo. Producción: Why Not Productions, Icon Film Distribution. Distribución: Vértigo Films. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/blood-father.html

Crítica: ‘Cell’

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Sinopsis

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Clay Riddel, un artista de Nueva Inglaterra, es testigo de un fenómeno muy feo: una misteriosa emisión de una señal por la red mundial de celulares convierte a la mayoría de los humanos en animales feroces y sin sentido. Ahora, él y unos pocos supervivientes deben encontrar y detener “El Pulso”, y a la persona que lo controla, y reunirse con su hijo antes de que sea demasiado tarde.

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Crítica

Mejor no cojas la llamada.

John Cusack y Samuel L. Jackson han vuelto a coincidir casi diez años después en una adaptación de una novela de Stephen King. En ‘1408’ el director Mikael Håfström obtuvo con ellos una película bastante potable. En esta ocasión Tod Williams ha logrado un filme de inferior calidad que mancha la buena impresión que nos dejo con ‘Paranormal Activity 2’.

Tras ver ‘Cell’ entiendo por qué Cuatro decidió emitirla sin promoción alguna y a horas intempestivas, por desgracia sintonicé su canal. También entiendo el retraso de varios años que lleva para estrenarse. El texto de la película no llega a la altura de la novela, la cual conseguía crear suspense e incluso algo de terror. Diría que Stephen King se disgustaría al ver esta versión, pero más bien tendré que decir que se habrá muerto de vergüenza pues ha estado involucrado en el guión. Él escribe muy rápido y a veces sus novelas defraudan, pues ocurre lo mismo con sus guiones, tal vez debería tomarse sus escritos con más calma.

No es que la película sea desastrosamente mala, tiene un presupuesto bajo y por eso hay que disculpar la mala calidad de los efectos especiales, por ejemplo. La cuestión es que el resultado es un producto más apto para el mercado televisivo o de video bajo demanda, tal y como se va a distribuir. La historia está mal presentada e incluso tiene fallos ridículos de montaje. Los personajes llegan a conclusiones que tan solo el espectador podría poseer. Introduce en ellos la idea de El Pulso sin ton ni son, por ciencia infusa. Por si necesitáis más pistas de las cotas que alcanza ‘Cell’ os indico que en determinado punto aparece la canción de Eduard Khil, el ‘Trololo’, esa que se hizo viral hace años. Y por si fuese poco tiene el atrevimiento bufonesco de finalizar con el ‘You’ll never walk alone’, el adoptado himno del Liverpool.

No merece la pena hacer más sangre de la película, tal vez sea mejor hablar de las más de una peculiaridades que tiene. Una de ellas es el caso de Stacy Keack que también estuvo en una película salida de la imaginación de Stephen King, ‘Los chicos del maíz 666 – El regreso de Isaac’. La novela está dedicada al fallecido Richard Matheson y aquí se le hace justo homenaje. También lo está a George A. Romero pero si hay homenaje, al margen de los zombies, no lo he visto. Por otro lado tenemos un cameo de Lloyd Kaufman, director de ‘El Vengador Tóxico’, ese es el nivel…

Samuel L. Jackson y otras estrellas se prestan a películas de bajo presupuesto como esta, o como hizo con ‘Big Game’, y eso es algo que les honra. Pero también deberían cuidar de la calidad final de sus trabajos pues puede disminuir mucho su reputación. ‘Cell’ es una buena novela que ahora tiene un largometraje bastante errado, merece tener una adaptación mejor e incluso una serie televisiva de mayor calidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016 (en Cuatro). Título original: Cell. Duración: 98 min. País: EE.UU. Director: Tod Williams. Guión: Adam Alleca, Stephen King. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: John Cusack, Samuel L. Jackson, Isabelle Fuhrman, Ethan Andrew Casto, Joshua Mikel, Owen Teague, Stacy Keach, Anthony Reynolds, Erin Elizabeth Burns. Producción: The Genre Co., Benaroya Pictures, Cargo Entertainment. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.facebook.com/CellMovie/

Crítica: ‘El espejo de los otros’

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 Sinopsis

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Existe en Buenos Aires un lugar que pocos conocen, pero del que casi todo el mundo habla. Es Cenáculo, un restaurante único que se encuentra en las ruinas de una catedral gótica. Tiene únicamente una mesa y todas las noches ofrece una “última cena”. Nadie viene sólo a disfrutar de la comida, los vinos y la música, los comensales que se sientan a cenar, transforman sus vidas. Por Cenáculo pasa el amor, la vida, la muerte, la codicia y la soledad.

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Crítica

El teatro de la vida rotando entorno a una mesa.

Lo feo es parte de lo bello. En las historias que nos ha rodado en esta ocasión Marcos Carnevale encontramos mucha fealdad humana, muchas faltas hacia el prójimo y hacia uno mismo, pero a la vez belleza, surgida principalmente de las diferentes visiones del amor. Esta es una película muy teatral, al igual que lo era el ‘Luces de Bohemia’ de Ramón del Valle Inclán. Como ocurre esa esperpéntica obra, ‘El espejo de los otros’ nos devuelve una realidad deformada que puede resultar divertida y dramática al mismo tiempo. Es más, el humor negro está muy presente, pero a la vez se le impone un drama profundo y humano.

Se nos representan cuatro historias que suponen ser una última cena en uno u otro sentido. No son todas de amor, aunque el amor juega su papel en todas. El restaurante donde sucede toda la acción recibe el nombre de El Cenáculo y como en todas las obras que representan la Ultima Cena (estampada en las vidrieras de la catedral donde se encuentra este negocio) está presente la sinceridad, la muerte, la traición, la lealtad… Jugando con diferentes argumentos, el guión de Carnevale se balancea entre el surrealismo y el realismo, haciéndonos caer en esos dos movimientos con cada secuencia.

En dichos relatos aparecen muchos rostros talentosos con los que la audiencia española puede que no esté muy familiarizada. Es una buena ocasión para conocer a un elenco de estrellas latinas entre las que podemos destacar la labor de Alfredo Casero, Graciela Borges, Norma Aleandro, Pepe Cibrián u Oscar Martínez. Quizá el número de historias y la manera de dilatarlas sea el punto débil de esta película pues esto hace que nos pueda parecer un tanto larga y pesada. Incluso su epílogo podría quedarse fuera del montaje, está descolgado del resto de historias, sirve únicamente como herramienta de conclusión.

En el film se menciona al autor argentino y así es, ‘El espejo de los otros’ rezuma sabor borgiano, de tal modo que resulta poética y paradójica.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: El espejo de los otros. Duración: 119 min. País: Argentina. Director: Marcos Carnevale. Guión: Marcos Carnevale. Música: Gipsy Bonafina. Fotografía: Horacio Maira. Reparto principal: Norma Aleandro, Graciela Borges, Leticia Brédice, Alfredo Casero, Pepe Cibrián, Mauricio Dayub, Julieta Díaz, Luis Machín, Oscar Martínez, Javier de Nevares, Ana María Picchio, Favio Posca, Carola Reyna, Marilina Ross. Producción: Varsovia Films, Millecento, Miracine, TELEFÉ, AZ Films, HD Argentina. Distribución: Sherlock Films, A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/514/el-espejo-de-los-otros/

Crítica: ‘Tarde para la ira’

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 Sinopsis

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Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco de una joyería. Ocho años después sale de prisión con ganas de emprender una nueva vida junto a su familia, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido: José, que le llevará a emprender un extraño viaje donde juntos se enfrentarán a fantasmas del pasado y se hundirán en el abismo de la venganza.

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Crítica

Una película llena de estoicismo, profundidad y arraigo.

‘Tarde para la ira’ puede engañarnos con su título y presagiarnos una película encolerizada y rabiosa, pero no es así. Nuestro protagonista no es un héroe de acción, no es un John McClane ni un Martin Riggs, pero si un ciudadano de a pie con la suficiente motivación como para llevar a cabo una venganza con todo lo que esto supone. Antonio de la Torre (‘Felices 140’) lleva a cabo la recreación de un personaje creíble, estoico. Ha logrado encarnar a alguien introvertido pero expresivo a la vez. La paciencia, el dolor, la contención de la ira, la tensión, la indignación son patentes en cada plano y en cada momento en el que está presente el actor malagueño que continúa exhibiendo su más que demostrada gran calidad interpretativa.

La película de Raúl Arévalo (‘La isla mínima’) consigue sumergirnos en un ambiente marginal y lleno de cobardes. Parte de la cotidianidad para llegar a lo inusitado. El guión de Arévalo y Pulido está bien construido y todo encaja. Puede resultar veraz, engaño que forma parte de todo buen thriller, hasta el punto de instalar el desasosiego en la sala. El lenguaje cinematográfico empleado no podría ser más correcto. Arévalo controla con pericia el ritmo, el tiempo, los ángulos o el movimiento.

Pero si antes mencionaba a Antonio de la Torre, estrella indiscutible de este film junto a su director, no he de olvidarme del reparto deleitable que tiene ‘Tarde para la ira’. Ruth Díaz (El Caso. Crónica de sucesos’) y Luis Callejo (‘Kiki, el amor se hace’) son dos buenos pilares sobre los que se apoya De la Torre. Se mantienen dentro de su rol de secundarios, pero se desmarcan en más de una ocasión. Manolo Solo (‘B’) merece más que estas simples líneas. Su conversión es muy creíble y pese a que aparece solo en una secuencia su recuerdo permanece constante para el resto de la película.

Es una obra casi inmejorable, no redonda, pero si digna de grandes alabanzas y más que meritoria para tratarse de una opera prima. En los créditos de esta gran historia de venganza Arévalo expresa su agradecimiento hacia los directores que le han enseñado durante todo este tiempo. Regalarles esta primera película a ellos y a los espectadores me parece una mayúscula muestra de gratitud. Podría llegar a ser la mejor producción española de esta temporada.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: Tarde para la ira. Duración: 92 min. País: España. Director: Raúl Arévalo. Guión: Raúl Arévalo, David Pulido. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Arnau Valls. Reparto principal: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Raúl Jiménez, Manolo Solo, Font García. Producción: La Canica Films, Televisión Española. Distribución: eOne Films. Género: Thriller. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/tarde-para-la-ira

Crítica: ‘Ben-Hur’

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 Sinopsis

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BEN-HUR es la épica historia de Judah Ben-Hur (Jack Huston), un príncipe falsamente acusado de traición por su hermano adoptivo Messala (Toby Kebbell), tribuno del ejército romano. Despojado de su título, separado de su familia y de la mujer a la que ama (Nazanin Boniadi), Judah tiene que vivir como un esclavo.  Después de varios años en el mar, Judah regresa a su tierra en busca de venganza, pero encuentra la redención. Basada en la intemporal novela de Lew Wallace, Ben-Hur: A Tale of the Christ. También la protagonizan Morgan Freeman y Rodrigo Santoro.

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Crítica

Muchos más pecados que virtudes.

No me gustaría poner a ‘Ben-Hur’ tan mal que después, tras verla, penséis que me he pasado de largo. Pero tan poco quiero suavizar esta crítica tanto que luego perdáis la credibilidad en un servidor. El film arranca con el título ‘Ben-Hur 2016’, en vez de con ‘Ben-Hur’ a secas, un modo deslucido que no augura nada bueno.

La cuestión es que el diseño de producción y la puesta en escena no están nada mal. Se hace algo de uso de decorados pero mucho más de imagen generada por ordenador y el resultado no es malo. El reparto no es moco de pavo, aunque se haya desperdiciado la presencia de un poderoso James Cosmo (‘Juego de Tronos’). Toby Kebbell (‘RocknRolla’), Morgan Freeman (‘Millon Dollar Baby’), Ayelet Zurer (‘El hombre de acero’) o Rodrigo Santoro (‘300’) conforman un equipo competente que ha estado atado a un libreto más que fallido.

Y es que no hay malas interpretaciones si no mal guión. Si has visto versiones anteriores, excluyendo la novela original de William Wyler, comprobarás que en líneas generales la historia de Ben-Hur está ahí. Es por eso que no se comprende la gran cantidad de sucesos que no sabes porqué ocurren como ocurren, lo que vienen a llamarse desatinos o incoherencias. La película está plagada de ellos. Por ejemplo, está mal ubicada en el tiempo la guerra entre Grecia y Roma, además, en la novela simplemente luchaban contra unos piratas griegos. Por poner un desacierto técnico, de repente hay tomas inexplicables que parecen grabadas con una GoPro, no vienen a cuento. Aun así, salvo momentos como la última frase, lapidaria, del Poncio Pilato de Pilou Asbæk (el Euron Greyjoy de ‘Juego de Tronos’) dirigida al personaje de Freeman.

El climax, porque lo tiene, llega con la carrera de cuadrigas. La competición de carros tiene intensidad, esplendor y espectacularidad. Se nota que al director le van más las escenas de acción, se recrea en ellas como ya hizo en ‘Abraham Lincoln: cazador de vampiros’, en ‘Wanted – Se busca’ o en ‘Guardianes de la noche’.

Esta es una historia con tintes bíblicos y la Iglesia estará contenta con la película en general y con el Jesús de Rodrigo Santoro en particular. El actor brasileño lleva bien la piel de profeta y ha asumido del todo la imagen de esta figura imprescindible para esta historia. Además esta versión de ‘Ben-Hur’ tiene un final más bíblico que el de las otras versiones, tratando seguramente de aproximarse a la novela.

Pero ese final nos viene edulcorado, en formato cuento de hadas, con fallo de raccord garrafal incluido y una canción para los créditos que no pega ni con cola. En resumen, no llega al nivel de la conocidísima película protagonizada por Charlton Heston y no me gustaría entrar en comparaciones con la ideada por Steve Shill (‘Dexter’) y Alan Sharp (‘La noche se mueve’) en 2010.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: Ben-Hur. Duración: 124 min. País: EE.UU. Director: Timur Bekmambetov. Guión: Keith Clarke, John Ridley. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Jack Huston, Toby Kebbell, Morgan Freeman, Rodrigo Santoro, Nazanin Boniadi, Ayelet Zurer, Sofia Black D’Elia. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Sean Daniel Company. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama, aventuras. Web oficial: http://www.benhurmovie.com/

Crítica: «El Principito»

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 Sinopsis

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Una de las historias más entrañables de todos los tiempos. De la mano de Mark Osborne, el director nominado al Oscar por Kung Fu Panda, llega la primera adaptación animada de El Principito, la obra maestra de .

La amistad entre una Niña a la que su exigente madre está preparando para vivir en el mundo de los adultos y su vecino, un anciano Aviador, bondadoso y excéntrico que revela a su nueva amiga un mundo extraordinario donde todo es posible. Un mundo que él conoció hace mucho tiempo gracias al Principito. Ahí es donde empieza el viaje mágico y emocional de la Niña al universo del Principito que le lleva a reencontrarse con su infancia y acaba comprendiendo que lo más importante son las relaciones humanas, y que sólo se ve bien con el corazón porque lo esencial es invisible a los ojos.

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Crítica

Una obra maestra que nos hará volver a la infancia.

«El Principito» es de esos libros que siempre te dicen qeu tienes que leer, pero que cuando eres un niño, no lo entiendes. Al menos eso me ocurrió a mí, mi madre me dio el libro, me dijo que lo leyera y apenas entendía el mensaje que Antoine de Saint-Exupéry me quería dar. Años después, ya más mayor, con más ocupaciones y con más preocupaciones, volvió a caer en mis manos y admito que me encantó, el mensaje quedó claro y caló hasta el fondo.

Mark Osborne, no solo nos cuenta la historia de El Aviador y El Principito a la perfección, sino que aparte, introduce dos personajes nuevos, pero imprescindibles para que los niños que vayan a ver la película se sientan identificados y además entiendan bien el trasfondo de la historia. Aquí conocemos a una Niña y su Madre, ambas atareadas siempre, la Niña va a entrar en la mejor escuela porque ese es el plan de su Madre para que tenga la mejor vida posible, y sea la mejor adulta. Pero entonces un vecino se les cruza en su camino, El Aviador, dispuesto a torcer todos sus planes para devolver a la infancia a la Niña.

Sin lugar a dudas, el director de «Kung Fu Panda» ha logrado llevar toda la magia del libro de Antoine de Saint-Exupéry a la pantalla, haciéndonos disfrutar de una historia impresionante que hará que volvamos a pensar en si no nos preocupamos demasiado por las cosas y cada vez vivimos menos.

Como he dicho esta cinta me ha parecido una verdadera obra maestra, sus 106 minutos no aburren en absoluto, artísticamente solo puedo decir de ella que me parece una maravilla. La música de Hans Zimmer hace que te pierdas en las arenas del desierto con el Aviador y que disfrutes de todas las aventuras que vivieron el Principito y él. Y la animación, un total acierto, la historia de la niña está rodada con una animación digital impecable, pero sin duda alguna la parte que más me ha gustado y que sin duda más van a disfrutar los pequeños es la animación con stop-motion (una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas) y es que está animación, los personajes están creados con papel maché y sin duda alguna os devolverá a la infancia de inmediato, con una estética muy cuidada y todo en tonos pasteles hará las delicias a más de uno.

No os podéis perder esta película, llena de esperanzas y que os va a enseñar a no olvidar, os va a ayudar a seguir creyendo en los sueños y si tenéis hijos, os va a ayudar a que ellos no pierdan su infancia. Un mensaje muy actual y una película que podréis disfrutar toda la familia, eso sí, os aviso que hay dos momentos que la lagrimilla puede aflorar.

A partir del 9 de septiembre, se podrá disfrutar en las salas de cine españolas, la podréis ver doblada al castellano, en versión original inglesa y francesa.

Nunca olvidéis «que solo se ve con el corazón, lo esencial es invisible a los ojos» entrad en la sala, olvidaos de todo y disfrutad.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre. Título original: Le petit Prince. Duración: 106 min. País: Francia. Director: Mark Osborne. Guión: Irena Brignull (Novela: Antoine de Saint-Exupéry). Música: Hans Zimmer y Richard Harvey. Fotografía CG: Kris Kapp y Adel Abada. Reparto principal: André Dussollier, Florence Foresti, Vicent Cassel, Marion Cotillard, Guillaume Galliene, Laurent Lafitte, Vincent Lindon. Producción: Onyx Films/ Orange Studio / M6 Films. Distribución: Wanda Vision. Género: Animación. Web oficial: http://www.lepetitprince-lefilm.com/

Crítica: ‘Criminal’

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Sinopsis

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Criminal es la historia del hombre adecuado en el cuerpo equivocado. En un último esfuerzo para detener una conspiración diabólica, implantan los recuerdos, secretos y habilidades de un agente de la CIA, que ha fallecido en medio de una misión, en un impredecible y peligroso convicto con la esperanza de que complete el trabajo.

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Crítica

Un thriller interesante con un reparto espectacular.

Criminal nos ofrece un thriller de acción con toques de ciencia ficción, bastante curiosa. Jericho (Kevin Costner), un criminal sin sentimientos por un problema cerebral, se ve envuelto en una operación de la CIA. Es operado por el Dr. Franks y se le introduce los recuerdos de un agente muerto (Ryan Reynols), para que pueda recordar y salvar al mundo.

Si, puede parecer muy típico, quizá leyéndolo así, hasta puede parecer rebuscado, pero la película tiene gancho y además cuando la operación para rescatar los recuerdos de el agente de la CIA te la explica Tommy Lee Jones, os puedo asegurar que todo toma sentido.

La película es muy entretenida, desde el principio no se andan parando en explicarte las cosas tranquilidad, es rápida y directa, pero no significa que se te queden las cosas a medias. Quizá en lo que pecan bastante es en mostrar demasiado los recuerdos de la familia del agente de la CIA y hacer que Jericho comience a tener demasiadas emociones con la familia del fallecido. En mi opinión, cortan el ritmo de la cinta y muchas de ellas no son necesarias para la trama.

En cuanto al elenco de actores, sin duda han apostado fuerte por ella, como claro protagonista tenemos a Kevin Costner, haciendo un papel muy diferente al que solemos verle y en el que se desenvuelve bastante bien, sin duda lo mejor de la película. Admito que Jordi Mollà también me ha sorprendido bastante, no suele ser un actor que me entusiasme porque a mi parecer sobreactúa demasiado, pero aquí le vemos bastante comedido y metido en su papel de antagonista. Mientras que el que más me ha decepcionado sin duda alguna ha sido Gary Oldman, que parece que no ha soltado al James Gordon de Batman y continúa haciendo el mismo papel que en la saga de películas de Cristopher Nolan.

Gal Gadot y Ryan Reynols, están muy bien en sus papeles, pero si que es cierto que no tienen demasiado protagonismo. Gal Gadot, hace de la viuda y Ryan Reynols es un personaje introductorio para la película, no significa que sea innecesario, todo lo contrario, al fin y al cabo la película gira en torno a su personaje.

La película lo que os ofrece es acción, persecuciones y diversión. Un gran elenco de actores y muy entretenida. Espero que la disfrutéis.

Ficha técnica

Estreno en España: 2 de septiembre. Título original: Criminal Duración: 113 min. País: Reino Unido. Director: Ariel Women. Guión: Dougla Cook, David Weisberg. Música: Keith Power, Brian Tyler. Fotografía: Dana Gonzales. Reparto principal: Kevin Costner, Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Alice Eve, Gal Gadot, Ryan Reynolds. Producción: BenderSpink/ Campbell Grobman Films/ Lionsgate. Distribución: TriPictures. Género: Fantástico. Web oficial: www.tripictures.com/web/criminal/

Crítica: ‘La puerta abierta’

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Sinopsis

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Rosa (Carmen Machi) es prostituta, heredó el oficio de Antonia (Terele Pávez), su madre, quien ahora se cree Sara Montiel y convierte su vida cotidiana en un infierno.
Rosa no sabe ser feliz. No puede. Pero la llegada inesperada de un nuevo integrante a su particular (y absurda) familia le dará una oportunidad única para lograrlo.

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Crítica

Marina Seresesky logra una tragicomedia equilibrada en su opera prima.

La buena combinación entre comedia y drama es el logro de Marina Seresesky en una película para la que ha ido a lo seguro y ha escogido a dos actrices muy familiarizadas con estos géneros: Carmen Machi y Terele Pávez. Gran elección la de estas dos intérpretes pues son capaces de reírse de las desgracias de la vida y de llorar las alegrías de esta, muy humanas. Todo ello sin llegar a la burla o a lo lacrimógeno.

Es la tercera película de este año en la que Carmen Machi se adentra en el mundo de la prostitución. Más allá de querer reflejar la anécdota quiero manifestar lo capaz que es de hacer un papel semejante en diferentes películas, de modo que resulten distintos. Ella es capaz de atreverse a mostrar exitosamente la profesión más antigua del mundo desde la comedia, el drama y el romance, como ya hizo en ‘Rumbos’ y como sin duda la veremos hacer en ‘Villaviciosa de al lado’.

Terele hace el papel que en principio estaba destinado a Amparo Baró y que esta le cedió a causa de su enfermedad. No ha sido necesario guiño alguno (o al menos yo no lo he percibido) hacia la gran actriz que se nos fue, pues Pávez hace una actuación soberbia, a la altura de la huella que nos dejó su amiga. Personifica a una madre, que parece tener demencia senil y que la única herencia que le ha dado a su hija es la de la profesión de prostituta.

Pero hay otra gran mujer en el film, Asier Etxeandia. Vivimos en el siglo XXI y esta película también puede servir para normalizar la imagen de los travestis junto a otras películas como ‘Viva’. Totalmente transformado el actor realiza una interpretación nada sorprendente pues ya sabemos cuál es su calidad, excelente.

Pero en una película que trata un tema tan duro como la prostitución o el mal de amores también encontramos ternura. Para ello Seresesky ha contado con Hugo Ndiaye y con Lucía Balas, criaturas de las que oiremos hablar años si siguen por este camino. Los personajes de este film mantienen abierta una puerta abierta a la felicidad y Lucía Balas representa precisamente ese sentimiento, ese cambio que ellas esperaban que entrase en su vida.

La cinta está muy limitada en cuanto a localizaciones. Cuenta prácticamente solo con dos: la casa de las protagonistas en una corrala y la calle que todas las noches tienen que recorrer estas. Con esto le basta a la directora para contarnos la historia. Me extrañaría que este film se diese un batacazo, por su calidad y por el buen colchón de laureles con el que llega.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: La puerta abierta. Duración: 86 min. País: España. Director: Marina Seresesky. Guión:  Marina Seresesky. Música: Mariano Marín. Fotografía: Roberto Fernández. Reparto principal: Carmen Machi, Terele Pávez, Asier Etxeandia, Mar Saura, Emilio Palacios, Christian Sánchez, Paco Tous, Yoima Valdés, Monika Kowalska, Sonia Almarcha, Hugo Ndiaye, Lucía Balas. Producción: Meridional Producciones, Chester Media Producciones, Stop&Play Europa, Milciclos & Babilonia, con la participación de Telemadrid. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.meridionalproducciones.com/la-puerta-abierta/

Crítica: ‘No respires’

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 Sinopsis

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Un grupo de amigos asaltan la casa de un hombre rico, y ciego, pensando que lograrán el robo perfecto. Están equivocados.

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Crítica

Slasher del siglo XXI.

Reuniendo prácticamente el mismo equipo que para ‘Posesion Infernal’, Fede Álvarez nos trae una nueva película donde también se intuye que los protagonistas no van a pasar un rato agradable.

Tres jóvenes ladrones se cuelan en la casa de un ciego. El título nos sugiere que va a tratar sobre los silencios, la tensión emocional, los nervios y la rabia de los personajes. Y si, en determinados momentos el director utiliza esos elementos, muy acertadamente, pero no explota su premisa ni juega tanto con el título como parecía que haría. En lugar de aprovechar eso y crear una cinta terror intenso la ha llevado por el camino del slasher. Aunque en algún momento puntual puede inspirar temor en el espectador no es una película de miedo al uso, sino algo más cercano al survival horror, que además se vuelve cada vez más estrambótico y roza la serie B, de hecho, costó hacerla solo 9 millones de dólares. A causa de esas excentricidades es donde pierde fuerza el terror y gana puntos el slasher. Cuando veáis el momento “pipeta con pera” entenderéis a que me refiero. Desde luego ahí la película alcanza un clímax insospechado.

Entre tantas películas de terror que nos llegan, ‘No respires’ podría tomarse como una demostración de que no hace falta recurrir a lo paranormal para crear una curiosa historia de terror, persecución y tensión. Sigue una técnica parecida a la empleada en ‘Green Room’ aunque en este caso se comete el error de comenzar con un flashforward, haciendo previsible su final.

Enmarcar a ‘No respires’ dentro de la categoría del cine de explotación no significa que no tenga coherencia, de hecho, se crea un conflicto de intereses para el espectador. Normalmente en un slasher queda claramente diferenciado el villano, aunque no nos presente sus motivaciones, aquí no. En este caso el “villano” posee sus razones para comportarse como se comporta y llega a tener incluso más legitimidad que los “buenos”. ¿O no? Mejor no entrar en detalles.

Stephen Lang está apoteósico encarnando a un invidente realmente imponente que, aunque se mueve de un modo extremadamente fluido, se convierte en el protagonista por méritos propios. El reparto de actores escogido para hacer de ladronzuelos (Jane Levy, Dylan Minnette y Daniel Zovatto) está experimentado en el género de terror: ‘It Follows’, ‘Posesión Infernal’, ‘Déjame entrar’… Esto se nota pues saben controlar sentimientos como el pánico o el dolor. Fede Álvarez les ha convertido en unos ladrones poco sofisticados, pero si ingeniosos y resueltos.

Si te gusta el género slasher te encantará esta cinta. Si no estás acostumbrado a ver demencia, excentricidad y brutalidad o bien no la disfrutarás o bien descubrirás un nuevo género.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: Don’t Breathe. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: Fede Álvarez. Guión: Fede Álvarez, Rodo Sayagues. Música: Roque Baños. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Stephen Lang, Jane Levy, Dylan Minnette, Daniel Zovatto. Producción: Distribución: Género: Web oficial: http://www.dontbreathe-movie.com/site/

Crítica: ‘Lejos del mar’

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 Sinopsis

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Lejos del Mar narra la historia de Santi, un hombre que sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, su antiguo compañero de celda el cual está enfermo. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará enfrentarse a su pasado.

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Crítica

Un film abierto a todo tipo de debates.

Hablar sobre el terrorismo nunca debió ser una especie de tabú, pero por desgracia lo ha sido años y tiempo después, películas como esta deben ser calificadas como osadas, controvertidas o arriesgadas. Publicar esta película cuando el panorama político está tan convulso con el tema de Arnaldo Otegi me parece una buena manera de intentar abordar el tema. Se podría decir que Imanol Uribe cierra un ciclo de películas sobre este asunto con ‘Lejos del mar’ (junto a ‘La muerte de Mikel’ y ‘Días contados’). La película maneja sensaciones y momentos que pueden llegar a despertar sentimientos encontrados.

Por un lado, agrada el hecho de tener una temática y una propuesta interesante llevada a cabo por un conjunto de actores de primera categoría. Esta es una de esas películas en las que se ve claramente cuando cambia la concavidad de la línea argumental. En esos momentos brilla Elena Anaya con una interpretación potente a la par que profunda. Pero no se queda atrás Eduard Fernández que es un profesional como la copa de un pino y sabe manejar muy bien el ritmo de las escenas.

Pero ‘Lejos del mar’ tiene también una cara mala. Desagrada el giro que toma el film cuando lleva más o menos la mitad de su duración, en el momento en el que la expectación creada encuentra respuesta. Por incoherencia y por caer en lo típico, queda todo demasiado forzado. Los primeros giros que nos ofrece Uribe, junto a Daniel Cebrián en el guión, personalmente me sorprendieron, me dejaron estupefacto a pesar de tener toda mi atención centrada en la historia. Pero posteriormente me chocó ver como se tira todo por la borda, en el momento en el que el devenir de los acontecimientos acaba yendo por derroteros muy clásicos.

A pesar de las contradicciones que tiene la cinta y de desperdiciar algunas de sus virtudes, Uribe demuestra la capacidad de generar intriga en el espectador, de saber concluir una película y de crear debate entre la audiencia. ¿Merece una segunda oportunidad un terrorista? ¿Es posible que encuentre el perdón entre sus víctimas? ¿Puede alguien tan radical como un terrorista arrepentirse de lo que ha hecho? Guardo para el recuerdo la última escena en la que coinciden Elena Anaya y Susi Sánchez, realmente rompedora.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: Lejos del mar. Duración: 105 min. País: España. Director: Imanol Uribe. Guión: Daniel Cebrián, Imanol Uribe. Música: Javier Rubial (canción final). Fotografía: Kaldo Berridi. Reparto principal: Elena Anaya, Eduard Fernández, José Luis García Pérez, Ignacio Mateos, Juan Motilla, Olivia Delcán, Susi Sánchez, Manuel Tallafé. Producción: Suroeste Films, Maestranza Films. Distribución: Suroeste Films. Género: Drama. Web oficial: http://lejosdelmar.com/

Crítica: ‘Las lágrimas de África’

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 Sinopsis

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La actriz y artista valenciana Amparo Climent da voz a los refugiados subsaharianos desde una perspectiva nada dramática y alejada del amarillismo. En una visita al monte Gurugú, punto de encuentro de los inmigrantes que se disponen a cruzar la frontera con Melilla, Climent se encuentra con cientos de personas que huyen de sus países de origen y que intentan cruzar el Mediterráneo. Allí, tras largas conversaciones para comprender sus anhelos y circunstancias le regalan varios dibujos y cartas, en los que ilustraban sus deseos de encontrar un hogar y en los que pedían ayuda «a Europa y al mundo».

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Crítica

¡Boza!

La artista Amparo Climent recoge el testimonio abandonado de miles de inmigrantes que aguardan la oportunidad de vivir dentro de un estado de bienestar. Con ‘Las lágrimas de África’ no solo nos muestra la odisea plagada de injusticias que tiene que superar la gente pobre de África, sino también las miserables condiciones en la que se encuentran antes de iniciarla. Debido a esto hay que advertir que en ocasiones el documental proyecta crudas imágenes de una rigurosa realidad.

Rodada cámara en mano, esta película nos introduce en lugares tan descorazonadores como el monte Gugurú y la zona de Bolingo. Zigzaguea entre los atormentados que intentan cruzar la frontera arrastrando fardos como si se tratasen de escarabajos que hacen rodar su penuria. Da voz a voluntarios que luchan al pie del cañón para evitar esta calamidad. En ocasiones la música parece sacada de una película clásica de terror pues en verdad lo que nos revela es la pesadilla que muchas personas viven. Además, se incluyen canciones protesta de compositoras como Edith Salazar, Macu Sanz e incluso posee un tema escrito por la propia Amparo Climent que está interpretado por Gloria Vega y J. Manuel Conde.

Resulta irritante ver como a un lado de la valla de Melilla unos luchan por sobrevivir y justo al lado otros tienen un campo de golf. Es un sobrecogedor documento cargado de denuncia y experiencias personales que, a pesar de haber sido presentado en el Parlamento Europeo, aún habría que restregar por la cara al gobierno marroquí y a nuestras olvidadizas autoridades.

La obra no tiene ni un brillante montaje ni unos planos maravillosos. El largometraje está narrado con la voz de la propia directora que en ocasiones peca de individualismo restando potencia al efecto buscado. Pero se nos ofrece algo más que imágenes duras y vivencias propias Climent. Ofrece la posibilidad de dar voz a los verdaderos protagonistas y además pretende hermanarse con otro tipo de refugiados como como los sirios, que también encuentran su apoyo en el documental “Los sueños de Idomeni”.

Todas las filmaciones que se hagan sobre este tema son pocas.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2016. Título original: Las lágrimas de África. Duración: 70 min. País: España. Director: Amparo Climent. Guión: Amparo Climent. Música: José Manuel Conde, Sergio Kuhlmann. Reparto principal: Documental. Producción: Amparo Climent. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: Documental. Web oficial: http://www.laslagrimasdeafrica.es/

Crítica: ‘Café Society’

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 Sinopsis

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Nueva York en los años 30. A medida que los problemas crecen con sus pendencieros padres, su hermano gánster y la joyería de la familia, Bobby Dorfman siente que es el momento de cambiar de escenario. Así que decide marcharse y probar fortuna en Hollywood, donde su tío Phil, un poderoso agente, lo contrata como chico de los recados. En Hollywood pronto se enamora, pero la chica en cuestión tiene novio. Comienza así una amistad, hasta que un día la chica llama a su puerta y le cuenta que su novio ha roto con ella. De repente, la vida de Bobby da un giro muy romántico.

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Crítica

Una monótona visión del amor enfrentado a las circunstancias sociales.

Parece que se han puesto de acuerdo algunos cineastas para mostrarnos la época dorada de Hollywood. Hemos tenido recientemente películas sonadas como ‘¡Ave, César!’ o ‘Trumbo. La lista negra de Hollywood’, pero la que más nos sumerge en aquella época de fiestas, glamour, falsedad y sueños es ‘Café Society’.

Si Greg Mottola nos podía hacer sentir morriña por vivir los ochenta con su ‘Adventureland’, Allen puede hacernos pasar por lo mismo solo que con la década de los 30. La excelente ambientación y el vestuario conforman el gran atractivo de este film. Estos dos logrados elementos hacen que el director de fotografía, Vittorio Storaro, pueda lucirse con unos excelentes planos y unas abrumadoras secuencias. Nos introduce de lleno en el Hollywood de los años 30. Una gran muestra de ello es el modo tan despampanante y arrebatador en que se nos muestra a Blake Lively (‘Infierno Azul’).

Rescatando el título de Mottola debo señalar que vuelven a coincidir tras esa comedia Jesse Eisenberg y Kirsten Stewart. Lo cierto es que estas dos películas pueden tener ciertos puntos en común, sobre todo cuando coinciden ambos en pantalla. Jesse Eisenberg continúa con sus muecas y gesticulaciones de siempre, pero alejándose de sus otros personajes histriónicos. Kirsten Stewart con sus caras bobaliconas sigue demostrando las limitaciones que tiene, pero por suerte para ella el personaje que Allen le ha escrito se ajusta bien a sus cualidades. Entre ambos conforman una pareja creíble, no encantadora, pero tan realista que muchos podrán sentirse identificados con sus sentimientos.

Para contarnos esta historia, Woody Allen utiliza un método muy similar a la narrativa clásica de Hollywood. Fragmento a fragmento compone una historia que él mismo va narrando como personaje anónimo. El director ganador del Oscar en cuatro ocasiones no podrá negar ser el padre de esta cinta ya que tiene casi todos los elementos que definen su cine. Por eso están presentes los chistes sobre judíos o su amada Nueva York. La comedia también forma una parte importante en este relato y es Corey Stoll (‘The Strain’) el más gracioso gracias a su caricatura del cine de mafiosos, con aparición de Tony Sirico (‘Los Soprano’) incluida. Steve Carell por el contrario, más acostumbrado a hacernos reír, nos ofrece la cara irónica del amor.

La de ‘Café Society’ es una buena propuesta que está muy bien planteada, pero que se desarrolla de un modo un tanto tedioso. Se refleja a la perfección la lucha del magnetismo del poder social y el glamour contra los sentimientos amorosos. La película posee muchas idas y venidas románticas, pero sin aportar grandes giros narrativos, de hecho, los que hay se ven venir a la legua.

Sin duda a Allen le encanta bucear en este género, se recrea con él, en ocasiones demasiado, y como es costumbre nos deja más de una frase para los anales del cine que merecen ser oídas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Café Society. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Música: Varios. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll. Producción: Amazon Studios, Gravier Productions, Perdido production. Distribución: eOne Films. Género: comedia, romance. Web oficial: http://www.cafesocietymovie.com/

Crítica: “Elvis & Nixon”

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En una mañana de diciembre de 1970, el rey de Rock n Roll se presenta en el patio de la Casa Blanca para solicitar una cita con el hombre más poderoso del mundo, El Presidente Richard Nixon. Protagonizada por el nominado a un Oscar®, Michael Shannon, interpretando a Presley y el ganador de dos premios de la Academia, Kevin Spacey, cómo Nixon, Elvis & Nixon relata la historia nunca contada que hay tras ese revelador momento histórico en el despacho Oval, inmortalizado en la fotografía más solicitada de los archivos nacionales.

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Crítica

Elvis is in the House.

Un Elvis preocupado por el comunismo, la juventud, las drogas, el racismo… decide visitar a Nixon para poner su personaje al servicio del estado. Para ello pide una placa con la que ejercer de agente federal autónomo y así poder trabajar de incógnito. ¿Quién iba a sospechar que Elvis se infiltrase en el mundo de la droga para acabar con los traficantes a golpe de karate? Así de surrealista es el encuentro que sucedió realmente y que se representa en esta película que bien podría haber sido una obra teatral.

No se puede tomar por la vía del drama una historia tan cómica, real sí, pero cómica. Al margen de las situaciones absurdas y burlescas se incluye la historia de Jerry (Alex Pettyfer) que nos muestra cómo puede haber gente a la sombra de artistas tan grandes como el Rey que tienen que renunciar a su vida privada para realizar su trabajo. Han tirado por lo disparatado al no tener la transcripción del encuentro, como se advierte al comienzo. Pero se conocen los detalles de la petición de la placa, algunas palabras o la insistencia del Rey por culpar a los Beatles de muchos de los males de Norteamérica. Es por ello que le ha faltado algo más de hilaridad a la cinta para hacerla más divertida aún ya que el resultado la deja entre lo delirante y lo trágico.

Pese a ser una película menor podría ser la primera de gran calado para su directora, Liza Johnson. Michael Shannon (irreconocible tras su General Zod) interpreta a un Elvis infantil, perturbado y excéntrico que se encuentra afectado por el trato de objeto que recibe de la sociedad. Gesticula y emula bien a Elvis pero no llegamos a ver realmente al cantante. Mucho más acertado esta Kevin Spacey, cuyo parecido físico podría haberse arreglado con más caracterización, detalle que sin duda el actor suple con una soberbia imitación de posturas y voz.

“Elvis & Nixon” supone una anécdota curiosa de la historia de Estados Unidos, merecía la pena ser contada, para ello se ha acertado en el formato y en la puesta en escena, pero no tanto en el libreto.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Elvis & Nixon. Duración: 86 min. País: EE.UU. Director: Liza Johnson. Guión: Joey Sagal, Hanala Sagal, Cary Elwes. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Michael Shannon, Kevin Spacey, Evan Peters, Ashley Benson, Alex Pettyfer, Colin Hanks, Johnny Knoxville, Tate Donovan, Ahna O’Reilly, Justin Lebrun, Candice Harrison, Tracy Letts, Dylan Penn. Producción: Jellyfish Bloom, Autumn Productions, Elevated Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/elvisnixon/

Crítica: “Kubo y las dos cuerdas mágicas”

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 Sinopsis

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El inteligente y bondadoso Kubo se gana la vida como puede contando historias tan maravillosas como fantásticas a los habitantes de un pueblecito costero. Pero su tranquila existencia cambia de golpe cuando, accidentalmente, llama a un espíritu mítico que regresa de los cielos decidido a llevar a cabo una venganza milenaria.

Kubo no tiene más remedio que huir y unirse a Mona y a Escarabajo para salvar a su familia y resolver el misterio que rodea a su deshonrado padre, el más grande de todos los samuráis que jamás ha existido. Con la ayuda de su shamisen, un instrumento mágico, Kubo se enfrenta a dioses y a monstruos como el vengativo Rey Luna y las malévolas gemelas para descubrir el secreto de su herencia, reunirse con su familia y cumplir el heroico destino que le está reservado.

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Crítica

Una leyenda oriental y ancestral ideada en el presente.

El protagonista de hoy cuenta historias, va con su instrumento musical a todas partes y hace magia, no, no es el Kvothe de Patrick Rothfuss, aunque su nombre también empieza por K. Hablamos de Kubo, el niño que da nombre a la película “Kubo y las dos cuerdas mágicas”.

Los responsables de adaptar a la gran pantalla la novela “Los mundos de Coraline”, Laika Entertainment, han contado con uno de sus experimentados animadores de stop motion, Travis Knight, para la dirección de otra de sus producciones. Y en esta ocasión superan a otros trabajos en los que también estuvo involucrado este artista como pueden ser “El alucinante mundo de Norman” o “Los Boxtrolls”. “Kubo y las dos cuerdas mágicas” resulta ser un cuento original, con un gran regusto a las ancestrales historias y cuentos orientales.

La narrativa del film resulta encantadora. Sale a la luz una mitología cargada de simbología y magia oriental. Pero los guionistas Marc Haimes y Chris Butler no nos arrojan la información de todo este nuevo universo en el intrigante epílogo, como suele suceder en cintas de esta índole. En esta película los misterios se van desgranando poco a poco, si bien es verdad que uno de los grandes secretos se ve venir a mitad del film. Esta no es una mera aventura efectista. Es un cuento muy bien pensado y relatado. Es digno de alabar el que hayan creado una fábula interesante y que podría formar parte de los más antiguos apólogos.

En el doblaje original figuran actores como Art Parkinson, Charlize Theron, Ralph Fiennes o Matthew McConaughey. Al doblarlo al castellano han cuidado de emplear a los dobladores de estas estrellas transportando así su carisma con ellos. Entre todos nos presentan a un elenco de novela clásica que nos aportan emoción, humor y heroicidad.

La animación Stop Motion es una especialidad de Laika y con esta producción lo han demostrado y además han sabido incorporar por primera vez las técnicas de CGI. No solo logran un gran resultado con sus personajes, sino también con sus “localizaciones” y su estética. Desde luego es una película bella y sesudamente diseñada, una obra de arte en movimiento.

Como buena fábula o cuento tiene su moraleja. Personalmente me quedo con la escena final en la que nos demuestran lo importante que es valorar una familia y sobre todo el ser misericordioso con todos, incluso con los que nos desean mal. Es por ello que, pese a tener muchos conceptos dignos de ser reflejados en un haiku, es un buen producto para los niñ@s pero también para los padres que encontrarán un hermoso entretenimiento.

Para colofón, en los créditos, figura una canción compuesta por el Beatle (muy apropiado) George Harrison, pero cantada por Regina Spektor e interpretada con un shamishen. No sé si podría optar al Oscar al ser una versión, desde luego se lo merecería.

Parece que quiero persuadir a todos y cada uno de nuestros lectores a ver “Kubo y las dos cuerdas mágicas” pero es que me ha fascinado y por eso espero que mis palabras os hayan transmitido las buenas vibraciones que a mí me han llegado de las cuerdas de Kubo.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Kubo and the Two Strings. Duración: 101 min. País: EE.UU. Director: Travis Knight. Guión: Marc Haimes, Chris Butler. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Frank Passingham. Reparto principal (doblaje original): Art Parkinson, Charlize Theron, Ralph Fiennes, George Takei, Rooney Mara, Matthew McConaughey, Brenda Vaccaro, Cary-Hiroyuki Tagawa, Minae Noji. Producción: Laika Animation. Distribución: Universal Pictures. Género: animación, aventuras, comedia. Web oficial: www.kuboylasdoscuerdasmagicas.es

Crítica: Pelé, el nacimiento de una leyenda

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Sinopsis

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Rodada íntegramente en Brasil, cuenta la emocionante e inspiradora historia de cómo un muchacho que vive en las Favelas es capaz de superar las dificultades de su precaria forma de vida hasta convertirse en el sueño y la esperanza de todo un país, al dirigir al equipo brasileño a su primera Copa del Mundo en 1958. Escrita y dirigida por los hermanos Michael y Jeff Zimbalist, ha contado con la participación del propio Pelé, que no ha dudado en mostrar al mundo los más profundos recuerdos de su infancia y de un Brasil lleno de problemas raciales y de miseria, en el que su trabajo, espíritu de superación y esa forma tan especial de jugar (la ginga) unió a aquel grupo de jugadores y a todo el país de una forma inquebrantable.

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Crítica

Intentar sacar brillo a una estrella puede quemar.

Edson Arantes do Nascimento, O Rei, La Perla Negra o como más se le conoce, Pelé, fue un deportista y es una personalidad del mundo del fútbol que ha recibido a lo largo de su vida mucho reconocimiento internacional. Pero no siempre tuvo las cosas fáciles ni vivió una buena vida. “Pelé, el nacimiento de una leyenda” pretende mostrar los años de la infancia y juventud del astro brasileño que no solo inspiró a todo un país en su época, sino que también ha dado esperanza a muchos niños de las favelas brasileñas.

El talento o los logros de Pelé son indiscutibles, pero la película peca de sobrarse en el enaltecimiento de su figura desde el mismísimo título. El rodaje de los hermanos Zimbalist (“30 for 30”) se parece, en demasiadas ocasiones, a un episodio de “Capitán Tsubasa” o se sobra empleando una espectacularidad semejante a la de los famosos anuncios de Nike. Tanto es así que prácticamente ningunea a otros jugadores de la quinta de Pelé como Vavá o Garrincha. Ni que decir tiene que los jugadores rivales, los de las selecciones de Suecia o Francia, parecen mancos. Se olvida por ejemplo de que el francés Just Fontaine marcó más del doble de goles que Pelé en el mundial del 58. Se endiosa tanto su juego que llega a parecer poco creíble, aunque esté basado en hechos reales.

Pero la película no solo sirve para mostrar los inicios de Pelé. Es un medio para revindicar la ginga o lo que se conoció más adelante como el jogo bonito. El Rey fue un embajador y maestro de este estilo de fútbol que a tantos maravilla y su historia está ligada a él. Un problema del film es que se recurre tanto a la ginga que a veces parece que se refieran a ella como si fuese la Fuerza, “usa la Fuerza ginga”.

También se puede considerar el film como un vehículo para hacer ver al público que Brasil no siempre ha sido el amo de este deporte (aunque sea cargándole todo el mérito a Pelé). Que tal y como ocurre ahora, los padres forman un papel fundamental en las carreras de las estrellas brasileñas. El padre de Pelé, Dondinho, le instó a jugar al fútbol y tiene uno de los records que él no pudo batir, marcar cinco goles con la cabeza en un solo partido. Además, nos muestra cómo el fútbol influye en todo un país, en la moral y vida de las personas, una triste realidad.

Cabe destacar el papel de Seu Jorge (“Life Aquatic”) como Dondinho, muy afectivo y paternal. Vincent D’Onofrio (“Daredevil”) se desprende solo de parte del malhumorado Fisk que le ha dado tanta fama para ponerse a ritmo de samba en la piel del entrenador Vicente Feola. El mexicano Diego Boneta vuelve a ganar puntos conmigo tras haberle visto también en “Summer Camp”.

Según los directores Pelé ha contribuido con sus recuerdos, pero no se ha inmiscuido en el guión. Sin embargo, figura como productor ejecutivo, habrá que tomarse esta película como un «homenaje que él mismo se ha dado», haciendo un cameo en ella por cierto. De un modo original, el cartel de «Pelé: el nacimiento de una leyenda» no tiene laureles por los premios que ha ganado el film, si no por los que ha ganado el jugador, para muchos son un motivo más que suficiente como para dedicarle una película. No hay duda de que esta cinta ensalza a Pelé. Algunos pueden pensar que ya tenemos multitud de material videográfico con sus partidos como para necesitar ver su juego recreado. Pero sí puede resultar interesante descubrir sus orígenes desde niño y ver que hay algunas cosas que desde hace mucho tiempo no cambian.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Pele birth of a legend. Duración: 107 min. País: EE.UU., Brasil. Director: Michael Zimbalist, Jeff Zimbalist. Guión: Michael Zimbalist, Jeff Zimbalist. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Leonardo Lima Carvalho, Kevin de Paula, Vincent D’Onofrio, Rodrigo Santoro, Seu Jorge, Diego Boneta. Producción: Imagine Entertainment, Seine Pictures, Exclusive Media Group. Distribución: F&P Media. Género: Deportes, Familiar. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=199