Crítica: ‘Le llamaban Jeeg Robot’

Sinopsis

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¿Qué ocurre cuando un delincuente de poca monta entra en contacto con una sustancia radiactiva y recibe poderes sobrehumanos? Pues que se convierte en un delincuente de poca monta capaz de arrancar cajeros automáticos con sus propias manos y convertirse en un fenómeno de las redes sociales. Este es el caso de Enzo Ceccotti, un solitario encerrado en sí mismo, que recibe sus nuevos poderes como una bendición para su carrera delictiva. Pero todo cambia cuando conoce a Alessia, una joven trastornada convencida de que él es el héroe de Jeeg Robot, la famosa serie de animación japonesa creada por Go Nagai. Ambos tendrán que hacer frente al Zingaro, un mafioso exconcursante de reality show dispuesto a cualquier cosa para alcanzar la fama y la notoriedad.

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Crítica

Combinación de lo italiano, lo japonés y lo gamberro.

Si alguien dirige, escribe, produce e incluso pone música a su propio proyecto ya podemos prepararnos que va a ser algo muy personal y probablemente arriesgado. Gabriele Mainetti realizó ‘Le llamaban Jeeg Robot’ tras mucho tiempo de preparación y búsqueda de fondos. Finalmente hemos podido verla, como si del Deadpool o el Kick-Ass italiano se tratase pues su tono es muy desvergonzado y la sangre corre a raudales. Ahora es fácil decir que una película así puede funcionar, pero hace unos años mucha gente no se atrevía a poner la mano en el fuego por ellas o ni se acercaba a ese tipo de largometrajes.

Pero no es del todo una película que imite a esos personajes, que va. El héroe que aquí se nos plantea es más bien un antihéroe, aunque se asemeje en eso de ser un delincuente con una clara obsesión por el porno. El enfoque de la película sigue por la vía de los antiguos animes de mechas como ‘Mazinger Z’ o ‘Steel Jeeg’ (‘El Vengador’ como se le conoce en castellano). Un ser de carácter inocente y débil se topa con un tipo más poderoso, el cual, le ayuda pero a su vez necesita de su ayuda. Todo muy en la línea de los dibujos de la Toei Animation pero de tal modo que se pervierte, o dicho de un modo más suave, se traduce al público adulto. Además se le aplican adecuadamente las costumbres italianas de hacer cine.

Curiosamente el superhéroe de este filme está interpretado por alguien que no es la primera vez que se enfunda ese rol. Claudio Santamaría anteriormente puso voz al Batman de Nolan y al de ‘La LEGO película’. Como buena película de superhéroes eso se incluye a modo de huevo de pascua que seguramente identifiquéis tras leer esto.

Hablando de actores hay que decir que el trabajo que aquí vemos está más cerca de lo bizarro o de la serie B. Principalmente en el histriónico villano de Luca Marinelli vemos un carácter burlesco y caricaturesco del género. Pero aunque no haya visualizado ninguna actuación brillante el cariño de los actores y del director por la producción se nos transmite y podemos sentirnos cerca de la historia.

Técnicamente, sobre todo en efectos visuales, no tiene nada que envidiar a muchas producciones de mayor presupuesto. Tampoco son de extrañar los premios que cosechó en los David di Donatello. Quizá tenga momentos demasiado pesados o su ritmo sea demasiado desigual pero el ser una película que no va acorde precisamente con lo políticamente correcto la hace más apetecible. Alabo a la Academia Italiana de Cine por atreverse a darle tantos galardones.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Lo chiamavano Jeeg Robot. Duración: 112 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Mainetti. Guión: Nicola Guaglianone, Menotti. Música: Michele Braga, Gabrielle Mainetti. Fotografía: Michele D’Attanasio. Reparto principal: Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei,Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo,Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro. Producción: Goon Films, Rai Cinema, Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC). Distribución: Selecta Visión. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: http://www.selecta-vision.com/Television/Le-llamaban-Jeeg-Robot

Crítica: ‘Maravillosa familia de Tokio’

Sinopsis

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El día de su cumpleaños, la mujer del pater familias de una tradicional familia de Tokio, le pide a su cascarrabias marido como regalo, el divorcio. Esta revelación no sólo chocará a su incrédulo marido, sino a toda la familia, quienes intentarán por todos los medios evitar la catástrofe familiar.

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Crítica

De maravillosa poco, de entrañable mucho.

Yôji Yamada continúa contando las peripecias de esta familia con ‘Maravillosa familia de Tokio’, película que es secuela de su obra ‘Una familia de Tokio’ que a su vez era un remake de ‘Cuentos de Tokio’, de Yasujiro Ozu. Ya os dejo ahí un hilo de películas del que tirar por si queréis documentarios antes. Pero aunque esta nueva cinta continúe la anterior y conserve el reparto original no es necesario conocer a las predecesoras. Yo personalmente no he visto ninguno de los dos filmes anteriores, no voy a ir de listo, y puedo decir que sin tener en mente esa precuela he disfrutado de esta nueva entrega. Simplemente con documentarse un poco se pueden reconocer los guiños visuales que ha usado Yamada.

El director y guionista nos reúne en torno a una familia tragicómica y frágilmente funcional con tintes muy disparatados. El argumento de ‘Maravillosa familia de Tokio’ es tan sencillo como gracioso, pero a la vez aleccionador. La esposa de la cinta no es la protagonista principal pero da origen y pie a la melodramática historia del que si es el protagonista, el padre. Aunque a veces parece estar sacada de un dorama (serie o telenovela japonesa) se desarrolla una trama realista y cargada de provincianismos. Lo dicho, no es un dramón, para nada. Es una comedia que aunque no resulta hilarante si alcanza cotas surrealistas dentro de la cotidianidad en la que está enmarcada. También da muestras de un carácter infantil con numerosos gags de humor físico.

Como he mencionado el personaje protagonista es el del padre. Un hombre gruñón y vividor que cree tener siempre la razón. Aunque cada miembro de la familia tiene su peculiaridad, explotada en pro de la comedia, él se lleva la palma. Su intérprete es Isao Hashizume, un perspicaz y veterano actor con más de cien películas a sus espaldas. Sin duda una apuesta segura para hacerse cargo del timón de esta familia.

Varios de los personajes hacen gala de comportamientos machistas, pero no se les representa así para convertir la película en un discurso feminista. Son muestra de que en Japón aún se siguen las tradiciones hasta en cosas tan básicas como el papel del hombre y la mujer en el hogar. De hecho, como muestra de la pluralidad y cambio que va adquiriendo el país del sol naciente también hay alguna pareja de la película en la que la mujer lleva la voz cantante.

Tal vez haya que estar algo acostumbrado al estilo de cine y humor japoneses para disfrutarla al máximo. Pero ‘Maravillosa familia de Tokio’ respira la suficiente visión de conjunto como para que podamos extender su concepto al resto de países del mundo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Kazoku wa tsuraiyo. Duración: 108 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guión: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Shinji Chikamori. Reparto principal: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki,Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya. Producción: Shochiku Company. Distribución: Sherlock Films, A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/529/maravillosa-familia-de-tokio/

Crítica: ‘Nunca digas su nombre (Bye Bye Man)’

Sinopsis

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La gente comete actos inimaginables. Una y otra vez, intentamos entender qué les lleva a realizar tales atrocidades. Pero la cuestión no es “qué”, si no “quién”. Cuando tres estudiantes universitarios se mudan a una vieja casa fuera del campus, sin querer, liberan a “Bye Bye Man”, un ente sobrenatural que persigue a quien descubre su nombre. Intentarán mantener su existencia en secreto para alejar al resto de una muerte segura.

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Crítica

Se recomienda hacer uso del olvido.

Parece que en toda carrera de actor, hablando sobre todo de aquellos que se quieren abrir paso en Hollywood, tiene que haber dos cosas imprescindibles: haber trabajado de camarero y hacer una película repleta de tópicos. Desconozco cuántos platos del día han servido los protagonistas de ‘Nunca digas su nombre’ pero estoy seguro de que en sus currículos ya han cumplido el segundo requisito.  Tras aparecer en el filme de Stacy Title ya pueden decir que arrancan como otras estrellas que de muy jóvenes tuvieron que pasar por producciones tan poco trascendentes como esta. De hecho en esta película aparece Faye Dunaway, que tiene en su haber algunos títulos relacionados con el género fantástico, sin querer desmerecer su trabajo en grandes obras como ‘El coloso en llamas’, ‘Bonnie & Clyde’ o ‘Chinatown’.

Si echamos la vista atrás y miramos películas como ‘Se lo que hicisteis el último verano’, ‘Scream’, ‘The Ring’, ‘Llamada perdida’… y otros títulos slasher o de carácter paranormal, encontraremos multitud de pautas e incluso errores que aquí se siguen. De inicio la película establece una norma que no se sigue y que de haberse respetado no podría haber arrancado del modo en que se arranca o al menos habría que haber empleado otro tipo de eventos más fáciles y creíbles para el espectador. Pero si obviamos ese fallo de guión tampoco nos encontramos ante una trama interesante. Desconozco si el texto de Robert Damon Schneck en el que se basa está más trabajado, pero desde luego Jonathan Penner, escritor de otras películas de su cónyuge, Title (‘El diablo viste de negro’), no se ha devanado los sesos a la hora de adaptarlo o de preocuparse en ofrecer un entretenimiento mínimamente potable o sorprendente.

Nos podemos quedar, por salvar algo, con su ritmo y con la criatura recreada por uno de los «grandes monstruos tras la máscara» de hoy en día. No me refiero al español Javier Botet, por suerte no cuenta con esta película en su haber, si no de Doug Jones. El estadounidense aparece muy bien maquillado pero le resta calidad su acompañante, un perro torpemente recreado con CGI. Torpemente para las posibilidades que ofrecen las tecnologías de la época y para una película que ronda los 7 millones de dólares de presupuesto. Si la comparamos con cintas que contaron con menor inversión y mejores resultados tenemos que ponerla muy por detrás de títulos como ‘Insidious’ o ‘The Witch’.

Para colmo nos deja con la sensación de pretender crear saga y no nos ofrece ningún detalle sobre los orígenes o motivaciones de este nuevo ente asesino. Puede enfadar mucho pues me parece pretencioso que crean que los espectadores se vayan a implicar con entusiasmo en una segunda parte.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: The Bye Bye Man. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Stacy Title. Guión: Jonathan Penner. Música: The Newton Brothers. Fotografía: James Kniest. Reparto principal: Douglas Smith, Lucien Laviscount, Cressida Bonas, Michael Trucco, Doug Jones, Carrie Anne Moss, Faye Dunaway, Jenna Kanell, Erica Tremblay y Cleo King. Producción: Intrepid Pictures, Los Angeles Media Fund (LAMF). Distribución: Diamond Films. Género: terror, thriller. Web oficial: http://diamondfilms.es/project/nunca-digas-su-nombre-bye-bye-man/

Crítica: ‘Casi leyendas’

Sinopsis

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Diego Peretti (‘No sos vos, soy yo’), Santiago Segura (saga ‘Torrente’) y Diego Torres (‘Papeles en el viento’) encabezan el reparto de esta coproducción hispano-argentina dirigida por el responsable de ‘Días de vinilo’. Una comedia de trasfondo musical y nostalgia generacional.

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Crítica

Divertida, emotiva y sobre todo llena de música.

Gabriel Nesci tira de la nostalgia en esta divertida comedia, donde tres viejos compañeros deciden volver a reunir a su banda de música para intentar salir un poco de sus vidas.

‘Casi leyendas’ es una comedia sin pretensiones, sin complicaciones, solo divertirnos y hacernos reír y si, lo consigue. Tampoco es que sea la comedia del año, pero si logra sacar bastante de la realidad al espectador.

Gabriel Nesci hace de la música una protagonista más y esta música está realizada por él, que además de dirigir, también es el guionista.

Sus tres actores están estupendos, Diego Peretti acaba de quedarse viudo y tienen que lidiar con su depresión y con su hijo. Diego Torres, nos presenta a un abogado que está teniendo problemas y es despedido de su buffet y el verdadero protagonista Santiago Segura, que da vida a Axel, un hombre con síndrome de Asperger que solo intenta encajar en un mundo bastante complicado para él.

Le da el toque de humor gracias a sus ocurrencias, que son muy inocentes pero que llevan a situaciones que complican un poco la vida de sus compañeros. Además que es él quien lía todo el jaleo de la reunión del grupo.

Nos encontramos ante una bonita historia sobre la amistad, la familia y cómo dejar de ser egoístas y ver un poco más allá de nosotros mismos.

Quizá la única pega para mi es el tramo final, un poco alargado innecesariamente. Bueno y que me hubiera encantado es que hubieran sacado un videoclip que el personaje de Santiago Segura se imagina, hubiera sido genial.

Por más deciros que ‘Casi leyendas’ es una gran opción para verla en pantalla grande, disfrutarla y degustarla, no lo dudéis, las canciones se os pegarán y además podréis ver a un gran Santiago Segura.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo. Título original: Casi leyendas.  Duración: 116 min. País: Argentina. Director: Gabriel Nesci. Guión: Gabriel Nesci. Música: Gabriel Nesci. Fotografía: Sol Lopatin. Reparto principal: Diego Peretti, Santiago Segura,Diego Torres, Claudia Fontán, Florencia Bertotti, Uma Salduende, Julieta Cardinalli, Rafael Spregelburd, Arturo Bonín, Bebe Sanzo.  Producción: Está por venir, Bowfinger, Telefé, Dk Group, Benteveo Producciones Audiovisuales. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/712/casi-leyendas/

Crítica: ‘El Círculo’

Sinopsis

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Cuando contratan a Mae (Emma Watson) para formar parte de la empresa tecnológica y social más grande y poderosa del mundo, ella lo ve como la oportunidad de su vida. Mientras va subiendo puestos, el fundador de la compañía, Eamon Bailey (Tom Hanks), la anima a formar parte de un experimento innovador que va más allá de los límites de la privacidad, de la ética y, en última instancia, de su libertad personal. Su participación en el experimento, y cada decisión que tome, afectará a las vidas y al futuro de sus amigos, su familia y de la humanidad.

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Crítica

Aunque cierres un círculo no quiere decir que este te haya quedado redondo.

De nuevo llega a nuestras carteleras una adaptación de una novela, en este caso de Dave Eggers. Un libro que tiene tan solo 4 años y que está muy acorde con muchas realizaciones audiovisuales de hoy en día, con el rápido avance de las tecnologías y con la filosofía de muchas de las grandes empresas que producen los productos que consumimos.

El director James Ponsoldt ha reunido a Tom Hanks, Emma Watson y John Boyega en una película llena de extras de bajo talento. Aún así vemos a un equilibrado reparto en cuanto a calidad se refiere, que nos da además el añadido y el gusto de ver una buena interpretación de Bill Paxton. Siempre llama la atención o el interés ver la que fue la última película de un actor tristemente fallecido a los 61 años.

A parte de su reparto, del cual he de decir sentirme decepcionado en lo que se refiere a la interpretación de Watson, tiene varias virtudes más. Esto se debe principalmente a la hora de plantear cuestiones morales, tecnológicas y sociales. Pero no basta con quedarnos con las ideas o el talento de sus actores, el de Hancks algo desaprovechado dicho sea también. Su desarrollo y los caminos que toman algunos personajes se salen de lo planteado o cambian tan drásticamente que ‘El Circulo’ no termina de ser creíble. Su guión no está bien estructurado y  no resulta convincente. Ni siquiera la música de Danny Elfman ayuda a mejorar este aspecto.

A parte de hablar en segundo plano de la hipocresía de la gente en la red o en espacios donde se supone que hay que comportarse de cierto modo, ‘El Círculo’ toca cuestiones más importantes y de tremenda actualidad. Podríamos considerar a esta película como un episodio largo de ‘Black Mirror’ por el tratamiento del que hace uso y el diseño de producción que emplea, pero no por su resultado final. Aún así nos puede hacer pensar y yo destaco tres cosas muy importantes en las que se hace hincapié.

La primera de ellas es lo bastante bien caladas que se tienen a las grandes multinacionales de ahora. Estas tienen procesos y metodologías muy absorbentes y se aproximan a las corporaciones que vemos en muchos films, de las cuales, podemos decir que son prácticamente sistémicas. Otra cuestión, relacionada con la anterior, es el lavado de cerebro al que se somete la gente idealizando a ciertas personas o a algunos avances de la tecnología. Y por último nos propone que pensemos dónde tenemos que poner la línea para no perder la privacidad. Solo hay que buscar en la red y toparnos con el innumerable número de youtubers que cuentan su vida a todo el mundo, mostrándose casi como si se tratase de un reality show.

En definitiva. Gran puesta en escena, poderoso mensaje y mucho talento a disposición de una historia que se desarrolla sin las pautas y la organización adecuada.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: The Circle. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Ponsoldt. Guión: James Ponsoldt. Música: Danny Elfman. Fotografía: Mathew Libatique. Reparto principal: Tom Hanks, Emma Watson, Karen Gillian, John Boyega, Bill Paxton. Producción: Image Nation, Likely Story, Playtone. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/el-circulo

Crítica: ‘El jugador de ajedrez’

Sinopsis

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Diego Padilla, campeón de ajedrez de España, huye de la Guerra Civil española a Francia junto a su mujer, la periodista francesa Marianne Laotur y la hija de ambos. Allí será acusado de espía por los nazis y encerrado en una prisión de las SS,  donde conocerá al coronel Maier, aficionado al ajedrez. Entre ambos se desarrolla una estrecha y dura relación en torno al tablero…

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Crítica

La relevancia de un juego de tablero por encima de las tablas.

Con la Guerra Civil Española como punto de partida y la II Guerra Mundial como marco nos llega ‘El jugador de ajedrez’. Un filme en el que disfrutamos del antiquísimo juego de tablero siendo este utilizado como medio de vida, como cautiverio y como tabla de salvación. La película de Luis Oliveros adapta la novela de Julio Castedo, autor que ejerce en el filme como guionista.

Pero esta no es una película sobre partidas de ajedrez, como pudo serlo en mayor medida ‘El caso Fischer’. En esta ocasión el ajedrez, estando muy presente, deja paso a una historia de amor de corte muy clásico. El drama está compuesto por una narración cargada de tragedia, desesperanza y desolación. Los giros de la película son extremadamente telenovelescos, haciendo esto imposible que veamos una trama más profunda o personal.

A pesar de su tono melodramático su argumento y su historia en líneas generales podría formar parte de alguna de esas aventuras y crónicas que tanto nos han narrado nuestros abuelos sobre el sufrimiento de familiares o amigos durante la guerra. Su realismo es palpable y su credibilidad está apoyada por una buena ambientación. En ese sentido nos ganan desde el principio. Con la recreación de la Gran Vía (o Avenida de la CNT como llegó a llamarse por entonces) y el resto del diseño de producción o puesta en escena. Desde luego la época en la que transcurre todo está bien recreada.

Marc Colet se halla bajo la responsabilidad de encabezar una película muy llena de nombres extranjeros, aunque no por eso quiero decir que sean actores desconocidos en nuestro país. Véase por ejemplo a Christian Stamm (‘Vampyres’). Colet no realiza una interpretación fuera de lo normal aunque tiene algunos momentos deslumbrantes. Alejo Sauras por el contrario está casi de paso por la película. En el caso de la protagonista femenina, Melina Matthews, me ha faltado algo más de credibilidad pese a su trabajado acento. Actores como Mike Hoffman o Stefan Weinert harán que cojáis aún más tirria a los nazis, por lo tanto, buen trabajo.

No me ha quedado claro, por guión o por interpretación, si el personaje de Colet emplea a propósito o intenta manipular su destino a través del ajedrez o esto le sucede por algo fortuito. Tal vez un segundo visionado me ayudase a discernir esto. Aunque sea por ver su última secuencia lo haría. Pese a que me resulte algo sensiblera y esté precedida de un considerable fallo de guión me quedo con la escena final, de la cual no querría compartir de momento por quién está interpretada pero si os puedo adelantar que puede hacer saltar alguna lagrimilla.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2016. Título original: El jugador de ajedrez. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Luis Oliveros. Guión: Julio Castedo. Música: Alejandro Vivas. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Marc Colet, Melina Matthews, Alejo Sauras, Lionel Auguste, Stefan Weinart, Pau Durà, Mike Hoffman, Maarten Dannenberg, Christian Stamm, Andrés Gertrudix, Blanca Zurdo. Producción: Ishtar Films, Tornasol Films, Hernández y Fernández P.C., Gomera Producciones AIE. Distribución: Tornasol Films, Syldavia Cinema. Género: drama.

Crítica: ‘Un reino unido’

Sinopsis

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La historia real del Príncipe de Botswana, Seretse Khama, quien generó un conflicto internacional cuando se casó por amor con una mujer blanca de Londres a finales de los años 40.

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Crítica

Más romance, más racismo y añadimos componente político.

Últimamente estamos recibiendo mucho material cinematográfico relacionado con temas de racismo. Dentro de poco podremos ver ‘Déjame salir’ y si volvemos la vista atrás nos desbordamos con la cantidad de películas que hemos visto a cerca de este problema a lo largo del año pasado y lo que llevamos de este: ‘The Inmortal life of Henrietta Lacs’, ‘Imperium’, ‘El nacimiento de una nación’, ‘Figuras Ocultas’, ‘Loving’… Precisamente a esta última es a la que más se parece el argumento de ‘Un reino unido’. Pero no voy a comparar ambos filmes pues no he visto ‘Loving’ y por lo que tengo entendido el carácter político de la cinta que nos ocupa marca una gran diferencia.

Porque esta no es una historia únicamente de amor o que se centre en exclusiva en los derechos raciales. Está todo muy relacionado pero entra en juego el carácter diplomático. Uno de sus protagonistas, el masculino, interpretado por David Oyelowo, es el heredero de un reino de África que retorna a su tierra casado con una inglesa de raza blanca tras pasar un tiempo educándose en Londres. Ni la gente del Imperio Británico lo vio con buenos ojos ni la gente de la actual Botswana lo aprobó. Contra viento y marea, la decisión de convertir a una blanca en reina levantó asperezas y desafió el sistema de apartheid de los británicos, rompiendo moldes y uniéndose a la revolución social y cultural que tanto conocemos de los Estados Unidos. Poco a poco la sociedad se separó y se abrió el debate sobre si debía consentirse ese enlace y esa regencia, y es ahí donde veo interés en la película. En eso y en cómo las diferentes facciones del parlamento inglés llevaron el asunto.

Por lo tanto nos encontramos con esa división en un título que redunda y hace sarcasmo. Transcurre en un país cuyo imperio nunca estuvo unido y que actualmente siempre va acompañado de la palabra separación. No llega a ser una película romántica del todo pero tampoco un intenso thriller político. Se queda a caballo entre ambos géneros transmitiéndonos varios mensajes.

Mensajes que encuentran su mejor transmisor en las interpretaciones de David Oyelowo y Jack Davenport. Ambos contemporizan muy bien la intensidad y el carácter de sus personajes, sabiendo captar lo importante de su papel en la historia. ‘Un reino unido’ posee un potente e intenso discurso como hacía mucho que no veía. La voz de ese discurso es Oyelowo y te puede poner los pelos de punta. Sin duda sin el apoyo y la presencia de Rosamund Pike no habría equilibrio, pero a ella la he encontrado contenida en demasía. Os llamará también la atención el papel que hace aquí Tom Felton, al cual recordaréis de la saga ‘Harry Potter’ y que aquí vuelve a trabajar a las órdenes de Amma Asante.

Esta historia real marcó el inicio de la Botswana independiente, país que se muestra muy democrático y pacífico en la película y que en la realidad figura como el único de África que no ha sufrido golpes de estado. Por lo tanto podemos recibir más de una lección de esta gente que lleva una vida más sencilla y transmite otro tipo de valores. En concreto podemos destacar el de priorizar el amor y la familia por encima de todo un reino y del desafío a un imperio.

Personalmente el género romántico no entra dentro de mis gustos habituales. Y estoy algo cargado de tanta película sobre el racismo, por benignas y necesarias que sean. Ya va siendo hora de darles un enfoque diferente para de verdad conseguir calar en el espectador. ¿Entonces por qué me ha gustado ‘Un reino unido’? Porque aporta la variable de la política, lo cual, la hace más interesante, principalmente por qué está bien y suficientemente incluida.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: A United Kingdom. Duración: 105 min. País: Reino Unido. Dirección: Amma Asante. Guión: Guy Hibbert. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Sam McCurdy. Reparto principal: David Oyelowo, Rosamund Pike, Jack Davenport, Terry Pheto, Tom Felton. Producción: Pathé. Distribución: Tripictures. Género: romatico, drama, biopic. Web oficial: http://www.aunitedkingdomfilm.com/

Crítica: ‘Guardianes de la galaxia Vol.2’

Sinopsis

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Awesome Mix Vol. 2 es el nuevo telón de fondo sonoro de «Guardianes de la Galaxia Vol. 2» de Marvel que narra las aventuras del equipo mientras atraviesan los confines del cosmos. Los Guardianes deben luchar para mantener unida a su nueva familia mientras desentrañan el misterio de la verdadera filiación de Peter Quill. Los viejos enemigos se convierten en nuevos aliados y los personajes favoritos de los fans provenientes de los cómics clásicos acudirán en ayuda de nuestros héroes mientras el Universo Cinematográfico Marvel sigue expandiéndose.

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Crítica

Más de lo mismo ¿bien?

Antes de que los marvelitas me empiecen a tirar piedras, tranquilos. Me ha gustado esta segunda entrega de los héroes que salieron de la mente de Arnold Drake y Gene Colan, o más bien de Dan Abnett y Andy Lanning porque esta es la nueva generación de personajes. Pero hay un problema que he visto en algunas películas de Marvel Studios y que en este nuevo filme he visto incrementado. Y es que se ha progresado en las historias personales, pero no en la universal, refiriéndome no a la galaxia si no al conjunto de películas Marvel/Disney. Pienso que se ha desaprovechado una oportunidad teniendo en cuenta que estos personajes son los más relacionados con Thanos, villano de la gran película que esperamos, ‘Vengadores: La Guerra del Infinito’.

Dicho esto. El éxito de las adaptaciones comiqueras de Marvel por parte de la Disney nos llevó a ver en acción real a los Guardianes de la Galaxia. Y el éxito de esta nos ha llamado de nuevo a los cines para ver una secuela que repite paso a paso las pautas que hicieron que casi la totalidad de los espectadores le diesen como mínimo un aprobado. Uno de sus trucos es tener un elenco de personajes con el que todos puedan sentirse identificados o que siembren la conversación sobre cuál es el favorito de unos u otros. Valoro positivamente el que haya más roles femeninos que en otras películas de superhéroes, aunque aún les falte más protagonismo. Además se tira de nostalgia y espectacularidad, que es algo que en novelas como ‘Ready Player One’ o en series como ‘Stranger Things’ está funcionando a la mil maravillas.

Por otro lado de esta nueva entrega esperaba un tono aún más grave. Derrocha tanta comedia cínica que más que acercarse a las cintas de Iron Man, Capitán América y compañía se parece más a un capítulo de ‘Futurama’. Como he dicho al principio, esto me ha divertido mucho pero no me parece nada novedoso. Gran responsable de restarle épica y seriedad es la música del Awesome Mix Vol. 2, no por tener malos temas si no por estar introducidos en momentos inadecuados y en demasía.

Todo en este «volumen dos» es más familiar. Por eso digo que se progresa en tramas individuales. En el conjunto se ha ido a lo de siempre, en salvar al universo, en vez de ir un paso más allá e intentar innovar o sorprender. Relacionado con todo esto aparece Ego. Un nuevo personaje que no voy a indicar que rol cumple pero está muy bien introducido e interpretado. Y con esto llegamos a los villanos, uno de los problemas o errores más frecuentes que muchos encuentran en las películas basadas en cómics. Los he encontrado mejor que en la anterior, incluso todos estos que parecen un conjunto de premios Oscar.

Por supuesto, hay muchos huevos de pascua, escenas post-créditos (hasta cinco), guiños, cameos… Tengo que revisionar todos los que ha realizado Stan Lee por que este me parece a priori el mejor que ha realizado hasta la fecha. Y también por supuesto se ha dispuesto un CGI y un maquillaje excelentes. Si no le dieron el Oscar a maquillaje a ‘Star Trek: Más Allá’, cometiendo la atrocidad de dárselo a ‘Escuadrón Suicida’, pongo el grito en el cielo si no le cae a esta tampoco, aunque aún quedan muchos trabajos por ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2017. Título original: Guardians of the Galaxy Vol. 2. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guión: James Gunn. Música: Tyler Bates. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Michael Rooker, Karen Gillan, Kurt Russell, Sylvester Stallone, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn, Pom Klementieff, Chris Sullivan. Producción: Marvel Enterprises / Marvel Studios / Moving Picture Company (MPC). Distribución: Walt Disney Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adapración. Web oficial: https://marvel.com/guardians

Crítica: ‘La excepción a la regla’

 Sinopsis

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Una aspirante y joven actriz (Lily Collins) y su ambicioso y joven chófer (Alden Ehrenreich) luchan con esperanza bajo las absurdas excentricidades del feroz e impredecible millonario Howard Hughes (Warren Beatty), el hombre para el que trabajan. Hollywood, 1958. Marla Mabrey (Collins), una compositora, devota baptista y reina de la belleza de su pequeña ciudad, llega a Los Ángeles para trabajar para el infame Howard Hughes (Beatty). En el aeropuerto, conoce a su chófer, Frank Forbes (Ehrenreich), un metodista de profundas creencias religiosas, que está comprometido con su amor del instituto.

Su atracción instantánea no sólo pone a prueba sus creencias religiosas, sino que desafía la regla número 1 de Hughes: está prohibido que sus empleados mantengan cualquier tipo de relación con las actrices que trabajan para él. El comportamiento de Hughes se cruza con Marla y Frank de modos muy distintos e inesperados. A medida que van entrando en ese mundo extraño, sus valores se ven cuestionados y sus vidas cambian por completo.

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Crítica

Película romántica que esconde un biopic melodramático y decadente.

Esta no es la primera vez que el mítico, y ahora más conocido por los jóvenes tras los últimos Oscar, Warren Beatty dirige. Su carrera como máximo responsable de películas no es muy copiosa y en mi opinión es bastante irregular. En el caso de ‘La excepción a la regla’ nos topamos con su término medio, y dado el nivel que nos ofrece dirigiendo e interpretando visionamos un filme muy regulero.

Dirección, guión, producción y protagonismo corren a cargo de Warren Beatty que se ha apoyado en Bo Goldman (‘Alguien voló sobre el nido del cuco’) para elaborar la historia. ‘La excepción a la regla’ es una cinta con momentos verídicos pero que tiene en su gran mayoría nombres y fechas cambiadas, aunque en realidad no se aportan muchos datos. De ahí su montaje errado. La narración tiene varios saltos en el tiempo que no están nada bien ejecutados y que no percibimos hasta bien entradas las secuencias. Este y otros detalles nos dejan a las puertas de intentar hacer una película del estilo a las que se hacían en los tiempos mozos de Beatty.

Todo comienza como un romance en el mítico Hollywood y acaba como una biografía cada vez más destructiva. Esto es lógico pues las manías de Hughes no permitirían otro tipo de biopic. Con el personaje de Howard Hughes se hace coincidir a dos jóvenes que desarrollan una historia de amor prohibido. Es decir, podríamos entender que el marco es el mundillo del multimillonario y el objetivo es hablar de un romance. Pero la cosa se queda a caballo entre lo amoroso y lo biográfico.

El empresario e ingeniero que interpreta Warren Beatty es más histriónico todavía que el que interpretó DiCaprio en el filme de Martin Scorsese. Más que sus logros cinematográficos, que se dejan intuir o tienen varios guiños, se muestra su afán por la aviación y los dolores de cabeza que esta le trajo. Aquí lo que se ha buscado es remarcar que era un genio condenado a estar sentimentalmente solo, de carácter cambiante y costumbres excéntricas, nada lejos de la idea que teníamos de él, dicho sea de paso. Un personaje obsesionado por la fidelidad matrimonial, la religión y su creciente manía de que nadie le viese. Me gustaría señalar que llega en un momento muy  oportuno ahora que está en todas las portadas un hombre igual de polémico, conocido y poderoso, aunque con objetivos y rarezas bien diferentes.

Los protagonistas que acompañan a Beatty son Lily Collins y Aldren Ehrenreich pero poco a poco el director les roba el protagonismo. Cuando más se pueden lucir ambos es en la primera mitad del filme y no lo hacen. Y eso que la inclusión de Beatty se hace desear, nos meten casi tantas ganas de verle como las que tienen los personajes ficticios del filme. No esperéis grandes interpretaciones salvo algunos picos en el trabajo de Beatty, que está lleno de altibajos. Forman parte del reparto también, en mayor o menor medida, Matthew Broderick o Alec Baldwin. Y encontraréis cameos de amigos como Martin Sheen, Candice Bergen o Ed Harris.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2017. Título original: Rules Don’t Apply. Duracivón: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Warren Beatty. Guión: Warren Beatty. Fotografía: Caleb Deschanel. Reparto principal: Warren Beatty, Lily Collins, Alden Ehrenreich. Producción: Fox, New Regency Pictures, RatPac Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.fox.es/excepcion-a-la-regla

Crítica: ‘Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier’

Sinopsis

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El gran Bertrand Tavernier nos adentra en el mundo del cine hablando de las películas que le marcaron su vida y convirtieron en el cineasta que es hoy. Responsable de grandes títulos como ‘Alrededor de la medianoche’, ‘La vida y nada más’, ‘Hoy empieza todo’ o las más recientes ‘Salvoconducto’ y ‘Crónicas Diplomáticas’, Tavernier nos muestra y recuerda aquellas obras del séptimo arte que no deberíamos olvidar.

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Crítica

Como cuando estudias una materia que te encanta pero te topas con un libro gigantesco.

Poder escuchar el testimonio de un cineasta laureado que habla sobre cine suele ser todo un lujo. En esta ocasión ese regalo nos lo hace Bertrand Tavernier y lo hace entrevistándose a sí mismo. Esta filmación nos llega bajo el título de ‘Las películas de mi vida’ transformando la versión original que traducida literalmente sería algo así como ‘viaje a través del cine francés’. Por primera vez en mucho tiempo ,y no sé si por primera vez en mi vida, me parece más acertado el título en castellano que en versión original.

Me explico. Esta película dura más de tres horas y aún así hay que decir que no es un recorrido a través de la totalidad del cine galo. Solo se repasa la época del séptimo arte que ha influido al director, de un modo extremadamente personal. Esta es una retrospectiva que nos trae las películas que a Tavernier le han influenciado o impactado más, no es una revisión objetiva, neutral o rigurosa del cine de nuestro país vecino. Por lo tanto tenemos una larga opinión personal sobre un tramo de la cinematografía francesa. Pese a ser tan extensa se hace mucho menos pesada de lo que cabe imaginar, aunque su pauta o esquema sea excesivamente monótono. Rompen un poco la homogeneidad del documental varias comparativas con el cine estadounidense y algunos testimonios.

Por otro lado, para digerir mejor este holgado documento, se puede enfocar como un vistazo o una lección también de las técnicas, novedades y claves del éxito de muchos largometrajes. Este trabajo funciona tanto como entrevista como documental, aunque cueste discernir si su intención busca alimentar el ansia informativa de unos o el ego de otros. Aunque por otro lado ya admitió el director que lo que buscaba con esta cinta era agradecer a todos los cineastas su trabajo al pasar por su vida.

Con la sapiencia que demuestra aquí Tavernier a uno no le extraña que él sea un director ganador de muchos premios y con una larga carrera cinematográfica. Además queda muy claro que es un cineasta de corazón y no de bolsillo. Con este trabajo suyo vislumbramos el cine bajo la lente de un director como pocas veces se puede ver, y eso es de agradecer viniendo de una persona fundadora del Nickelodéon, no del canal televisivo de carácter infantil, si no de un cine club pionero en su época.

Como añadido y presente para los más amantes o estudiosos del cine y su historia puedo decir con regocijo que este es un filme con muchos retazos de películas que debemos agradecer a la Pathé y Gaumont, productoras vivas desde la mismísima época de los hermanos Lumière. ‘Las películas de mi vida’ está concebida para verse con papel y bolígrafo a mano ya que muchos anotaríais gran cantidad de películas, directores y actores que se citan. Casi constantemente lo que oímos son las palabras de Tavernier, en algunas ocasiones, muy pocas, el testimonio de otros cineastas y se llega a tocar a Jacques Becker, Jean Renoir, Melville, Claude Sauset… Lástima que sea un documento tan cargante y largo.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2017. Título original: Voyage à travers le cinéma français. Duración: 190 min. País: Francia. Dirección: Bertrand Tavernier. Guión: Bertrand Tavernier. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Reparto principal (documental): Bertrand Tavernier, Jean Gabin, François Truffaut, Marcel Carné, Jacques Prévert, Jean Luc Godard, Jean Pierre Melville, Eddie Constantine, etc. Producción: Little Bear, Canal Plus, Gaumont, Pathé. Distribución: Sherlock Films. Género: documental. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/527/las-peliculas-de-mi-vida-por-bertrand-tavernier/

Crítica: ‘Stefan Zweig, adiós a Europa’

Sinopsis

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Stefan Zweig  fue uno de los personajes más irrepetibles del siglo XX. Escritor, biógrafo y activista social, este intelectual austríaco y  judío  se vio obligado a huir de su país debido al régimen nazi.

En su huída hacia adelante,  se refugió en París primero y, más tarde, en Londres, pero Zweig acabó huyendo de Europa junto a su esposa a Sudamérica, instalándose finalmente en Brasil, donde acabará suicidándose en 1942 debido a su miedo a que el nazismo se extendiera por todo el mundo.

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Crítica

Una viva representación del fruto de la guerra sin imágenes de esta.

Con todo lo que se ha explotado en el cine la II Guerra Mundial se están buscando nuevas historias y si están basadas en hechos reales como esta pues son aún mejor recibidas. Por casi todos es compartida la aversión por las atrocidades del gobierno de Hitler y por eso es más sencillo empatizar con personajes como el de Stefan Zweig. La directora Maria Schrader nos le presenta como un hombre intelectual, prudente, políticamente importante y ante todo, amante de Europa. Así, además de mostrarnos una de las muchas tragedias que generan los enfrentamientos armados nos acerca la figura de este notable escritor.

Un judío y austriaco que se codeaba y era nombrado junto a las personalidades más doctas de su época. Un erudito que buscaba un mundo en paz, una Europa unida que no llegó a ver y que muchos de nosotros puede que tampoco veamos nunca, no al menos tal y como soñaba él. El de Josef Hader es un Stefan Zweig con el que comparte un parecido físico bastante aproximado y que  sufre en su carne y espíritu la situación tan convulsa y dramática que vivía el viejo continente. Por lo tanto en el filme vemos bastantes pinceladas de esa angustia pero tal vez no las suficientes como para llevarnos correctamente al desenlace. Ignoro si Schrader ha dispuesto de mucho material verídico o documental, pero me ha parecido excesivamente áspero el cambio a la última escena. Pese a ello sí que hay elementos conocidos y reales como su conocida frase «Si el paraíso existe en algún lado del planeta, ¡no podría estar muy lejos de aquí!» que dijo sobre Brasil.

Realmente lo que se ha querido remarcarse más es la situación del viejo continente durante esos años a través del modo en como afectaba al escritor. Para ello la directora ha rodado cuatro largas secuencias, algo sobradas de duración, concluidas con un epilogo que goza de un magistral plano perpetuo y estático. Durante estos episodios comprobamos el exilio de Zweig y su esposa. Un exilio cargado de melancolía por el hogar, de incertidumbre por los seres queridos y de temor por el futuro. Pero también está nivelado con una cínica esperanza, con multitud agasajos y con el cariño de la familia en tierra ajena. Todos estos elementos son los que nos transportan a una guerra sin guerra. Gracias a esta obra de Maria Schrader podemos ver reflejado el daño de la espeluznante contienda sin que pase ante nosotros un soldado u oigamos un solo disparo. Es un buen ejercicio mental e introspectivo.

La propuesta es firme y no cae en el sensacionalismo o la espectacularidad. Juega dentro de un ámbito intelectual y existencialista que la convierte en una cinta lejos de lo baladí. Si os gusta que se exploren dramas como la II Guerra Mundial pero estáis hastiados del cine bélico o efectista podéis tirar de narraciones como esta. Así además comprobaréis que no solo los nazis se exiliaron a Sudamérica, antes lo hicieron muchos judíos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: Stefan Zweig: Farewell to Europe. Duración: 106 min. País: Austria. Dirección: Maria Schrader. Guión: Maria Schrader, Jan Schomburg. Música: Tobias Wagner. Fotografía: Wolfgang Thaler. Reparto principal: Josef Hader, Barbara Sukowa, Tomas Lemarquis, Lenn Kudrjawizki, Harvey Friedman, Matthias Brandt, Charly Hübner. Producción: X-Filme Creative Pool, Idéale Audience, Maha Productions. Distribución: Caramel Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/stefan_zweig_adios_a_europa

 

Crítica: ‘The immortal life of Henrietta Lacks’

Sinopsis

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La película relata la historia de Henrietta Lacks, una mujer afro americana cuyas células sirvieron para cultivar la primera cadena celular inmortal. Narrada a través de los ojos de su hija, Deborah Lacks (Winfrey), el largometraje es la crónica de su investigación, con la ayuda de la periodista Rebecca Skloot (Byrne), con el objetivo de conocer a una madre que nunca conoció y entender cómo la utilización sin consentimiento de las células cancerígenas de Henrietta en 1951 llevó a la consecución de innovadores descubrimientos médicos, que salvaron un sin número de vidas y marcaron la investigación médica para siempre.

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Crítica

Significativa historia con monótona ejecución.

El de Henrietta Lacks es uno de los casos que sentaron las bases de las regulaciones no solo médicas y científicas si no también éticas en lo que se refiere a la investigación con seres humanos. La suya y la de su familia puede resultar una historia desgarradora, sobre todo si nos quedamos con su idea y argumento, más que con el modo en que se ha rodado.  Pero aunque esté protagonizada por dos buenas actrices (Oprah Winfrey y Rose Byrne) que realizan dos grandes interpretaciones y ofrezca bellos momentos (como el que viven los hijos de Enrietta en el laboratorio) resulta bastante tediosa. Este es un descubrimiento revelador y de ardua investigación, como también lo fue ‘Spotlight’ pero sin el ritmo, la agilidad y el mordiente de esta. Las películas de este género son por lo general cintas con guiones espesos, con mucho más diálogo que acción. Para que un filme tan conversacional como este se haga entretenido el ritmo de inclusión de novedades o de situaciones dramáticas ha de ser dinámico. ‘The immortal life of Henrietta Lacks’ carece de esa cualidad y puede llegar a entumecer.

Por supuesto nos encontramos ante otro episodio de racismo y discriminación social, otro destapado por el cine, y no son pocos los que vemos últimamente. Esta es una historia de reconocimiento, de respeto y de indignación. Muestra como no solo se marginaba a las personas negras por su color de piel limitando cosas tan importantes como el número de hospitales al que podían acudir, si no que se les utilizaba para investigaciones médicas, que por muy fructíferas que pudiesen ser, se hacían sin su consentimiento y conocimiento. Por lo tanto nos ofrece una nueva visión del racismo que se vivió hasta hace no tanto en el «país más poderoso de la Tierra».

Al menos podemos decir que el filme tiene bastante rigor. Está basado en el libro de Rebecca Skloot, la periodista que encarna Rose Byrne. Sale de una obra de no ficción, y a su vez muestra la elaboración de ese Best-Seller. Además tiene hasta su propio asesor científico, Winston E. Thompson, una práctica cada vez más habitual en Hollywood.

Esta no es solo una película de labor periodística y humana, también tiene la virtud de poner un tema científico en términos y contextos más sencillos. Pero es un trabajo técnicamente un poco descuidado, principalmente en su montaje. Incluso tiene algún que otro fallo de raccord.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de abril de 2017. Título original: The Immortal Life of Henrietta Lacks Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: George C. Wolfe. Guión: Peter Landesman, George C. Wolfe, Alexander Woo. Música: Branford Marsalis. Fotografía: Sofian El Fani. Reparto principal: Oprah Winfrey, Rose Byrne, Courtney B. Vance, Renée Elise Goldsberry, Lisa Arrindell, Reed Birney, Ninja N. Devoe, L. Warren Young, Kate Bond, Earl Poitier, Kyanna Simone, Alpha Trivette, Patrick R. Walker, David Shae, Jock McKissic, Sylvia Grace Crim. Producción: Cine Mosaic, HBO Films, Harpo Films. Distribución: HBO. Género: drama. Web oficial: http://www.hbo.com/movies/the-immortal-life-of-henrietta-lacks

Crítica: ‘Garantía personal’

Sinopsis

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En un contexto de provincias, con una crisis económica y social devastadora y una banca inoperante, cada personaje de “Garantía Personal” llevará hasta el límite la defensa de sus intereses particulares.

Mara (Belén López) es una mujer madura que empujada por la quiebra y hospitalización de su marido, tendrá que defenderse “a cara de perro” de sus acreedores, y salvaguardar aquello por lo que ha luchado toda la vida.

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Crítica

Cine negro ambientado en esta nuestra gran depresión.

Garantía personal es esa expresión de la que habría que hacer uso como eufemismo para indicar que alguien está «haciendo un favor» a otra persona «desinteresadamente». Es algo que hemos visto en muchas películas, lo clásico: te doy algo pero a cambio quiero un favor, o te meto intereses, o no te retrases en el pago… Algo a lo que muchos españoles habrán recurrido en estos últimos años echando mano de, o echando una mano a amigos. La crisis económica actual es el telón de fondo, el punto de partida y el detonante de ‘Garantía personal’.

Con un planteamiento muy neo-noir o de novela negra moderna se nos plantea una historia tensa e incierta. Pero esto no quiere decir que nos guarde grandes sorpresas ya que las cartas están en todo momento sobre la mesa y podemos imaginar con facilidad lo que va a suceder. No obstante, aunque esta sea una película pequeña no se la puede etiquetar del todo como sencilla. En varios momentos maneja diferentes variables derivadas del carácter de algunos de sus personajes. Muchos guionistas caen en errores al querer introducir elementos atractivos y acaban presentando incoherencias en sus historia. Pero en el caso de Rodrigo y Julio Rivas esto no sucede. Aunque no nos encontremos ante giros magistrales de guión la trama al menos es lógica y realista.

En el campo interpretativo tenemos un poco de todo. Me ha gustado mucho la naturalidad y el arraigo del que ha hecho gala Carlos Tristancho. También la intensidad de la protagonista Belén López. Pero hay varias actuaciones, como la de Pablo Bigeriego, que me sacan de la película dejando un sabor amateur. En general se ha reunido un reparto muy acostumbrado a trabajar en series para una película con mucho sabor a estas. Salvo por su final shakesperiano, el cual me parece un buen desenlace, todo podría dividirse en varios episodios y emitirse en formato serie. De este modo se podrían haber incluido varios cliffhanger que habría hecho de esta producción algo más intrigante.

Pero no penséis que su rodaje es de poca monta. Los planos de gran calidad visual dejan al descubierto un escenario que, por ejemplo, saca disimuladamente lo mejor de la ciudad de Plasencia, que por ser tierra de vetones, como lo es también mi tierra, ha sido rebautizada como Vetonia.

Una lástima que la película cojee algo en el reparto y que le sobren algunas escenas reiterativas o demasiado alargadas que impiden que el ritmo sea más vivo y cautivador. Sin embargo puede acaparar la atención de todo aquel aficionado al cine policíaco.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: Garantía Personal. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Rodrigo Rivas. Guión: Rodrigo Rivas, Julio Rivas. Música: Óscar López Plaza. Fotografía: César Pérez. Reparto principal: Belén López, Roberto Enríquez, Valentín Paredes, Carlos Tristancho, Raquel Infante, Pablo Bigeriego, Juan Carlos Tirado, Darko Peric, Diego Ramos. Producción: Derivas Films, Estudios Auriga. Distribución: Derivas Films. Género: drama, thriller. Web oficial: http://derivasfilms.com/garantiapersonal/

Crítica: ‘Smoking Club (129 normas)’

Sinopsis

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Óscar, cerca de los cuarenta, tras una “crisis vital”, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar un club de fumadores de cannabis junto a un amigo de la universidad, Danny.
Para Óscar, su “Smoking Club” es “un espacio de libertad”, aunque para ello deba imponer 129 normas que aseguren el buen funcionamiento del local.

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Crítica

Soliloquios insustanciales de un fumeta.

Con una sensación de que lo que se quiere transmitir es el buen rollo llega ‘Smoking Club (129 normas)’. Una película independiente, cargada de ideas liberadas y neutrales dominadas, eso se supone, por 129 normas. Y digo se supone por que las normas están ahí, se traen a colación de algunos sucesos durante la película pero en realidad no influyen en el devenir de la historia. A mi parecer sirven solo como tagline y como relleno narrativo.

El filme trata de dos socios que montan un bar donde se puede fumar marihuana. Trabajan dentro de la alegalidad y admiten en el club personas de todo tipo. De este modo se juntan en ese local, única localización del filme, un grupo heterogéneo y variopinto de personas que promete con su confluencia un resultado humorístico. Y humor hay, pero muy poco eficiente. Con el reparto coral y la diversidad de personajes se podría haber conseguido una interacción más verosímil, singular y chocarrera. Sin embargo se tramita todo con historias aisladas, algunas extremadamente forzadas y casuales entre ellas, resueltas además de un modo un tanto ingenuo.

Sin embargo lo que más abunda es la filosofía barata que nos suelta el personaje de Rodrigo Poisón en sus monólogos. Lo que dice es muy propio de un porrero y realmente está bien recreado, tanto en texto como en interpretación, pues cuando alguien se encuentra colocado con marihuana suelta retahílas pseudoprofundas muy semejantes. Muy del estilo a lo que se hacía en ‘Año Mariano’ pero sin esa gracia y con otro tipo de intención. Está claro que lo que se ha intentado es «molar», buscando además el toque de Guy Ritchie o el modelo de ‘Trainspotting’. Pero no ha salido del todo bien pues le falta carisma, ritmo y gancho.

Un ambiente enrollado, cargado hasta arriba de product placement, alguna que otra buena interpretación y una buena idea original no suplen la falta de interés en el desarrollo de la historia y el uso de sus propias herramientas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Smoking Club (129 normas). Duración: 80 min. País: España. Dirección: Alberto Utrera. Guión: Carlos Soria, Sergio Granda, Albeto Utrera. Fotografía: Miguel Ángel García. Reparto principal: Rodrigo Poisón, Jimmy Castro, Natalia Mateo, Silvia Vacas, Álvaro Lafora, Edu Díaz, Marta Balón, Margarita Lascoiti, Úrsula Gutiérrez, Clara Alvarado, Ángela Chica. Producción: MoA Studio. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia. Web oficial: http://www.smokingclub.org/

Crítica: ‘John Wick. Pacto de sangre’

Sinopsis

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El legendario sicario John Wick (Keanu Reeves) se ve forzado a abandonar su retiro por un antiguo socio que trama hacerse con el control de una siniestra cofradía internacional de asesinos. Obligado a ayudar por un juramento de sangre, John viaja a Roma, donde se enfrentará a algunos de los asesinos más letales del mundo.

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Crítica

‘John Wick’ fue una película que nos contaba allá por el año 2014 una historia de venganza de un asesino letal retirado (Keanu Reeves)  que se veía forzado a volver a la acción al perder lo único que hacía que su vida tuviese sentido. Siguiendo las líneas de un western moderno, no le queda otra que acabar con los que le hicieron eso. Este es el punto de partida de una historia que nos marca el devenir de este segundo capítulo. Una película poco conocida, con poca distribución a nivel internacional y que pasó directamente al DVD en España, pero que recibió críticas favorables y tuvo impacto en la comunidad de internet donde sí triunfó a nivel mundial.

Chad Stahelski, codirector de la primera, dirige esta segunda entrega que no pierde el sello de la original. Doble de Keanu Reeves en ‘The Matrix’ (donde se conocieron), dirige de forma brillante el espectáculo de luchas, tiros y persecuciones con el que nos encontramos. Las coreografías de las escenas de acción son espectaculares, imprimiendo un sello característico y un estilo propio que ya caracteriza a la saga y que se quedará para siempre en la retina del espectador.

Laurence Fishburne y Reeves coinciden en esta producción desde que lo hicieran en 2003 en ‘The Matrix’, y las referencias a la trilogía son evidentes en este filme, y no son las únicas. El elenco cumple con nota, cosa que no hace más que mejorar la calidad del conjunto. En especial Keeanu Reeves, el cual realiza prácticamente todas las escenas de acción sin doble y le da consistencia al personaje, el gran Ian McShane y el mítico Franco Nero entre otros.

En este nuevo capítulo de lo que pretende ser una trilogía, nos ponen en situación rápidamente con unos 10-15 primeros minutos de acción espectacular que viene a ser una continuación del primer capítulo. Es decir, la película empieza fuerte. Luego apenas da tiempo para relajarse ya que la “paz” de John vuelve a ser perturbada por un antiguo pacto de sangre que, según las normas de esa extraña organización de asesinos que ya pudimos conocer en la primera parte, está forzado a cumplir. A partir de ahí la cosa va de mal en peor y el número del contador de muertes asciende como el mercurio un día de verano cualquiera.

‘John Wick: Chapter 2’ nos da más, pero te encuentras con esa sensación de que en realidad quieres más, quieres ver cómo se las apaña nuestro protagonista para dar fin a sus múltiples víctimas, con ese estilo al que yo denomino “combate cuerpo a cuerpo con disparos a quemarropa” aunque también nos reserva alguna escena de asesinato de la que prescinde de las armas convencionales, y no quiero deciros más… Es una versión vitaminada del capítulo uno, salpicada con toques de humor negro, que en líneas de argumento y originalidad no aporta nada nuevo pero es que realmente no te importa. Tienes claro lo que has ido a ver, y de eso te dan de sobra.

Para los más frikis debo comentar que se hace referencia a los videojuegos ‘Payaday 2’ y al mapa de Roma de ‘Counter Strike’ (recordad las escaleras), además de las influencias ya mostradas desde el primer capítulo a Sergio Leone, John Woo y el filme neo noir ‘Point Black’ (con Lee Marvin) entre otras.

Decir que nuestro asesino a sueldo preferido se ha superado. Si en ‘John Wick’ se hablaba de entre 77 y 84 personas muertas por su letal talento, en esta, el contador de muertos asciende a 123 muertes. Supera así a las 118 del personaje de John Preston (Christian Bale) en ‘Equilibrium’, pasando, según la información que he podido recabar, a la tercera posición de más muertes en una película causada por un solo personaje.

En resumen, ‘John Wick: Pacto de sangre’ es una película notable dentro de su género, que hará las delicias de los más cinéfilos por las referencias de las que os hablaba, y que gustará al público que sepa lo que va a ir a ver. Unas escenas de acción de nivel, coreografías de lucha que no son al uso y que resultan espectaculares y un conjunto tanto visual, como de sonido y banda sonora que os hará pasar un buen rato en la sala sin tener que pensar mucho.

Que decir tiene que aunque no es estrictamente imprescindible ver la primera película, si es recomendable hacerlo. Si os gusta, os gustará el capítulo dos y querréis que en un futuro no muy lejano, la supuesta trilogía de la que os hablaba al principio sea una realidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: John Wick: Chapter Two. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Chad Stahelski. Guión: Derek Kolstad. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Dan Laustsen. Reparto principal: Keanu Reeves, Riccardo Scamarcio, Laurence Fishburne, Bridget Moynahan, John Legizamo, Ian McShane. Producción: 87Eleven, Lionsgate, Thunder Road Pictures. Distribución: eOne Films. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.johnwick.movie/