Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle.
Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.
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Crítica
Aunque muy bien ejecutado ‘El aviso’ es un thriller dentro de lo corriente.
Raúl Arévalo sigue enganchado al suspense y en ‘El aviso’ nos atrapa también a los espectadores pero solo en buena parte de la película. Aunque no es lo único a lo que se dedica si es lo que parece que más eficientemente consigue interpretar, pero en esta ocasión la historia tiene un algo que no juega del todo a favor del aplauso unánime del público. La nueva película de Daniel Calparsoro trata de un juego de casualidades matemáticas y de casuísticas criminalísticas entre varias épocas diferentes que causan una intriga inicial en el espectador. Porque lo que sucede es que el protagonista interpretado por Arévalo investiga el tiroteo en el cual está inmerso un amigo suyo. En dicho tiroteo había implicadas cinco personas. Lo que descubre es que durante un período constante de años en el mismo lugar y el mismo día siempre muere alguien. Pero aparte de ese dato las coincidencias van más allá y la secuencia numérica se hace aún mayor. Para más inri Jon (el personaje de Arévalo) es un hacha de las matemáticas y esto alimenta su obsesión con los números además de acentuar otros aspectos negativos de su vida. De manera intercalada conocemos la historia de Nico quien frecuenta en el futuro el mismo lugar del tiroteo y que recibe un aviso que le insta a no acudir allí determinado día o morirá.
Si, se crea una expectativa inicial muy buena, el largometraje está muy bien realizado y nos va causando curiosidad. Pero según vamos descubriendo como se está resolviendo la historia nos va fastidiando que se haga de una manera tan convencional, implicando siempre al protagonista del mismo modo que en otras tantas películas y estando en una posición tan obvia. La cinta se desarrolla con dos líneas argumentales paralelas que se llegan a cruzar en el clímax del filme, como era de esperar, justo cuando obtenemos la explicación de todo, pero esa solución está solo sugerida y tampoco es matemáticamente precisa.
Es muy probable que la novela de Paul Pen en la que se ha basado la película de Daniel Calparsoro se arme con los mismos argumentos. Estoy casi seguro que el estilo de escritura es tan ágil como el ritmo del filme. Los personajes están bien relacionados entre sí y además nos dan una pequeña subtrama de acoso escolar, bastante bien traída al plano de la actualidad. Pero en líneas generales, aun cuando la película está muy bien interpretada y rodada, nos deja un sabor de boca excesivamente común. El ritmo y los buenos planos que tenemos en la pantalla están culminados con un cierre de su propio círculo igual que el que hemos experimentado en otras muchas narraciones. Si no has visto mucho cine o no las leído gran cantidad historias ambientadas en diferentes épocas ‘El aviso’ te sorprenderá. Si no es el caso te puede servir como ejemplo de buenas maneras, pues es un gran ejercicio de cómo se hace una película de intriga.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: El aviso. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Daniel Calparsoro. Guion: Chris Sparling, Patxi Amezcua, Jorge Guernicaechevarria. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Sergi Vilanova Claudin. Reparto principal: Aura Garrido, Belén Cuesta, Raúl Arévalo, Aitor Luna, Sergio Mur, Antonio Dechent, Luis Callejo, Julieta Serrano, Hugo Arbués. Producción: Morena Films, Tormenta Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller. Web oficial:http://www.elavisolapelicula.com/
Harold es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.
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Crítica
Una serie de desgracias desvelan una faceta muy graciosa de David Oyelowo.
Joel Edgerton ya trabajó con su hermano Nash Edgerton en películas como ‘El regalo’ o ‘La venganza de Jane’. Ahora en ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ se pone a las órdenes del también doble de acción para formar parte de un elenco protagonizado además por David Oyelowo y Charlize Theron. Aunque junto a ellos yo destacaría otros dos nombres como son Thandie Newton y el siempre alocado Sharlto Copley. Pero el reparto tiene más caras conocidas, como las de Amanda Seyfried o Harry Treadaway aunque ambos están en un segundo plano de un filme que sin duda merece el calificativo de coral.
En mi caso, al ver ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ no he podido evitar acordarme de la trilogía de Guy Ritchie compuesta por ‘Lock & Stock’, ‘Snatch’ y ‘RocknRolla’. La corrupción de sus personajes, el constante y cómico declive que experimentan, la caricaturización tan satírica de la cultura popular, los diálogos… No vamos a hablar de la película de Edgerton en términos trascendentales o cinematográficamente antológicos, pero desde luego si logra superar las expectativas que tenía puestas en ella y me ha sorprendido con muchos de sus argumentos.
Quizá no sea tan alocado ligar una película como esta a Hemingway dado que en ella se vive una aventura basada en la pérdida. Edgerton (actor) ya alude al novelista saliendo fotografiado en los San Fermines y Harold (David Oyelowo) acaba haciendo referencia al bar en el que el escritor pasaba horas en Venecia. Vemos varias referencias a ‘Fiesta’, la novela del autor ganador del Nobel, Oyelowo la mete en su maleta y además esta es una historia de un ciudadano de USA con problemas en el extranjero, en México, que no es España pero también se habla español. Además la conocida teoría del iceberg de Hemingway se podría aplicar aquí, a modo de parodia. Para el protagonista lo que pasa está muy claro, pero por debajo de todo eso están pasando cosas muy distintas, es decir, lo que también se conoce como «teoría de la omisión». Y ahí está el punto más cómico de la película, en ver como se desquicia con cada hallazgo David Oyelowo, cuya actuación me ha hecho reír bastante y me ha sorprendido por contraste tras verle en películas como ‘Un reino unido’, ‘The Cloverfield paradox’ o despuntar con ‘Selma’.
Aunque otros gocen de muchos minutos y tengan momentos verdaderamente buenos el auténtico protagonista es Harold, el personaje nigeriano al que encarna David Oyelowo. Un ejecutivo de una farmacéutica estadounidense con fábrica en México al que se la juegan. Alrededor de él están su mujer, sus jefes, unos supuestos turistas americanos, los recepcionistas de su hotel, su chófer y contacto habitual en México, un cártel de la droga, un místico misionero… Entre toda esta matriz de individuos se va moviendo sin quererlo ni beberlo cuando él pensaba que tenía su vida bien montada. Yo ya me he hecho fan del cártel mexicano a raíz del filtro que aplica a sus visitas y del personaje de Sharlto Copley, que nunca nos falla. Al gozar de todo este abanico de personajes el filme tiene que saltar de un modo vivaz de unos a otros. Y si bien se descuida algún tiempo de algunos individuos que tienen menor importancia lo hace a favor de ofrecernos una cadencia de historia más ágil.
Aunque hay que remarcar que se acaban las sorpresas en ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ en cuanto vemos un giro que sucede a la media hora. Pero no importa mucho porque tampoco esperábamos quedar estupefactos ni ver cambios de argumento meditados al detalle ni frases dignas de una película de Tarantino. Pero gracias al humor sarcástico que tiene si nos brinda secuencias que podremos ver muchas veces repetidas.
La película cae a posta en los tópicos sobre México como la música mariachi, las canciones de Molotov o el Día de Muertos. Pero al igual que ocurre con su previsibilidad está a merced de su tono disparatado, en el que si no estamos dispuestos a entrar no merece la pena ni que compremos la entrada del cine. ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ es un largometraje norteamericano que se llama así mismo Gringo y hace pantomima de su propia cultura desde fuera de sus fronteras y a mi esa autocrítica me convence.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Gringo. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Nash Edgerton. Guion: Anthony Tambakis, Mathew Stone. Música: Christophe Beck. Fotografía: Eduard Grau. Reparto principal: David Oyelowo, Charlize Theron, Joel Edgerton, Harry Treadaway, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley, Diego Cataño, Yul Vazquez, Rodrigo Corea, Carlos Corona, Melonie Diaz. Producción: Amazon Studios, Blue-Tongue Films, Denver and Delilah Productions, Double Barrel VFX, Pictures in a Row. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, acción. Web oficial:https://www.gringo-movie.com
Lara Croft es la hija ferozmente independiente de un excéntrico aventurero que desapareció cuando ella era apenas una adolescente. Ahora, Lara se ha convertido en una joven de 21 años sin ningún propósito en la vida. Se abre paso por las caóticas calles del East London, el barrio de moda, como mensajera en bicicleta, un trabajo que apenas le da para pagar el alquiler. Decidida a forjar su propio camino, se niega a tomar las riendas del imperio empresarial de su padre y con la misma firmeza se niega a reconocer que él se ha ido para siempre. Pero después de siete años sin él, deberá enfrentarse a los hechos y seguir adelante aunque Lara no logra entender lo que la impulsa a resolver el enigma de su misteriosa muerte.
Lara deja atrás todo lo que conoce y va en busca del último paradero conocido de su padre: una legendaria tumba en una isla mítica que podría estar en algún lugar de la costa de Japón. Pero su misión no será fácil; de hecho, llegar a la isla entrañará de por sí enormes peligros. De repente, Lara tendrá que enfrentarse a retos aún mayores y, contra viento y marea y gracias a su inteligencia, su fe ciega y su espíritu inquebrantable, debe aprender a superar sus límites mientras se adentra en lo desconocido. Si sobrevive a esta peligrosa aventura, podría ser su bautismo de fuego para ganarse el nombre de Tomb Raider.
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Crítica
Una contundente Lara Croft con muy buena acción.
Quince años después de las dos películas de ‘Tomb Raider’ de Angelina Jolie vivimos un regreso de la heroína Lara Croft a la gran pantalla cuando en los videojuegos también hace años que tuvo lugar un lavado de cara de la saga y del personaje. Aunque para gustos están los colores y el juego original marcó un antes y un después esta nueva protagonista me parece más acorde a un tipo de heroína que responde a la demanda actual, a unos códigos más correctos.
Con la película de Vikander experimentamos el mismo cambio generacional que en los juegos. Cambia la estética del personaje y la dinámica de este. ¿Qué queréis leer? ¿Si me ha gustado más esta Lara Croft que la de Angelina Jolie? La respuesta es sí. Esta heroína es más creíble, es una aventurera que pasando por lo que pasa se despelleja la piel y es físicamente más verosímil. No cabe duda que Vikander se ha machacado para estar a tono para la película, por tierra y mar salta a la vista. Otra cosa es que tenga escenas que dentro del género fantástico encajen dentro de un videojuego, pero al ser más terrenal resulta más fácil entrar en su juego. A parte está la aptitud que tiene el personaje nuevo. Quizá se deba a la etapa que han rodado de este, pero aún no vemos a la tozuda, suspicaz y aguda mujer que si encarnaba Jolie y que si vemos en todos los juegos. Esto lo compro como película que nos muestra el momento en el que madura la heredera el imperio Croft.
Con lo de etapa me refiero a que esta es una película iniciática. Estamos en una época tierna de la protagonista, cuando aún no ha pisado su primera tumba. Vive al margen de su familia, a causa de la desaparición de su padre. Esta nueva Lara empieza como repartidora en bicicleta, pasa de trabajar en una especie Glovo a ser toda una Indiana Jones modo crosfit. Su senda nos puede recordar a la de muchos héroes que como El Zorro cogen el testigo para continuar un legado. Y esto nos lleva a lo que para mí son los dos problemas de la película, relacionados entre sí: la duración y el personaje de Dominic West. El actor británico interpreta al padre de la saqueadora de tumbas y sus interacciones con ella hacen que el drama aparezca de un modo reiterativo e innecesario. De este modo se alarga una película que no necesita cargarse tanto en ese sentido. Además la relación y frases que cruzan ambos en ocasiones recuerdan demasiado a ciertas películas clásicas de aventuras que siempre se mencionan cuando se habla de este género, no haré referencia al título por no destripar nada de la trama.
A mí me ha parecido buena adaptación de un videojuego, por supuesto mucho mejor que la mayoría que las que vimos en los noventa y principios de siglo. Por todo lo que acabo de decir sobre el personaje y por que como filme de aventuras está bastante bien armado. Conserva los clásicos acertijos, aunque se habría agradecido que hubiesen sido también un reto para el espectador, no solo para la heroína, cambia constantemente de escenario, combina tiroteos y huídas con arqueología… Y todo esto de manera que se puedan reconocer secuencias herederas directas de la mecánica del videojuego. El conjunto está bastante próximo a lo que fue el reboot del 2013, incluyendo a un villano que aunque no es del todo igual cumple bien su cometido.
En cuanto al diseño de producción y vestuario estaba claro que el look aventurero de Lara se iba a mantener, así como las localizaciones naturales. La estética es tan de videojuego que hasta se notan las imágenes generadas por ordenador en más de una ocasión. A algunas escenas se le ve un poco el cartón, pero como he dicho antes esto no es de lo peor de la película. Por el contrario la recreación de la tumba, siempre hay una que visitar en ‘Tomb Raider’, es estupenda. Los detalles japoneses que acompañan al recinto y a la leyenda de este episodio tienen la belleza tanto cautivadora como mortal que hacía falta.
Desde luego es un acierto haber contado con Roar Uthaug para esta película. El director de ‘La ola’ (película noruega multipremiada) se estrena en Norteamérica con esta película y su sobriedad y rudeza le vienen como anillo al dedo al tono del filme. Una de las guionistas es Geneva Robertson-Dworet y en sus manos por lo visto van a quedar otras películas como ‘Dragones y Mazmorras’ o ‘Sherlock Holmes 3’ y es la responsable de ‘Capitana Marvel’. Yo me quedo bastante tranquilo pues parece que sabe lo que es llevar a cabo una buena adaptación, lo que es traducir los códigos de un arte a otro y lo que es más importante, cuales son las corrientes actuales que se demandan.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: Tomb Raider. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Roar Uthaug. Guion: Geneva Robertson-Dworet, Alastair Siddons. Música: Junkie XL. Fotografía: George Richmond. Reparto principal: Alicia Vikander, Dominic West, Walton Goggins, Daniel Wu, Kristin Scott Thomas, Derek Jacobi, Nick Frost. Producción: GK Films, MGM, Square Enix, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, acción, adaptación. Web oficial:http://www.tombraidermovie.com/
Seis años después de haber atormentado a una compañera de clase sorda, Shoya busca la forma de comunicarse con ella para disculparse. Shoya es un estudiante de primaria problemático cuya principal misión en la vida es encontrar las formas menos apropiadas de combatir el aburrimiento. Es por eso que cuando Shoko, una niña sorda, es trasladada a su clase se convierte inmediatamente en blanco de sus burlas. Su acoso llega hasta tal punto que el resto de la clase acaba dándole la espalda por su falta de compasión. Seis años después, convertido en un estudiante de instituto solitario y atormentado por lo que hizo en el pasado, Shoya busca la forma de comunicarse con Shoko para disculparse. De esta forma, comienza su particular camino hacia la redención, pero, ¿es posible que ya sea demasiado tarde?
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Crítica
Con una voz silenciosa se transmiten infinidad de mensajes.
De la mano de la directora y animadora japonesa Naoko Yamada podemos ver por fin ‘A silent voice’. Y digo por fin ya que la película lleva circulando por todo el mundo desde 2016, ganando premios en el Tokyo Anime Award y estando nominada en varios festivales internacionales. Una espera que ha merecido la pena y que no ha hecho que la película haya perdido su actualidad ya que su tema o mejor dicho, sus temas, están vigentes y sirven de ejemplo para toda la comunidad internacional.
El título original, ‘La forma de la voz’ no ha sido cambiado por similitudes con ‘La forma del agua’. El manga publicado en 2015 en nuestro país ya recibió este título por parte de la editorial responsable de ponerlo en librerías. Pero lo que sí que es casualidad es que este filme también posee una protagonista con discapacidad sensorial, que depende del lenguaje de signos y que tiene a su alrededor lo que son monstruos que hacen de su vida un calvario. También nos habla de aquellos que pueden llegar a odiarse a sí mismos hasta el límite de buscar matarse. En un país donde las tasas de suicidio son de las más altas del planeta y en el que quitarse la vida puede considerarse honorable es lógico que surjan películas así.
Pero obviamente ‘A silent voice’ de lo que trata sobre todo es del acoso escolar. Partiendo del compañerismo y la inclusión y manejando conceptos como el respeto, la tolerancia, el arrepentimiento, la conciencia o la reflexión se da toda una lección sobre la buena educación. Como he dicho previamente el mensaje es universal y sabemos que en muchos casos y países es más que urgente, sin necesidad de que haya un ejemplo tan peculiar como el de la protagonista sorda de la película, que se emplea aquí para sacar a relucir los defectos de los demás.
El problema de este anime es que quiere tratar tantas temáticas a través de tantos personajes, lo hace con tal sutileza y con un estilo tan mimado que la cosa se dilata en tiempo y ritmo. Y eso que el filme da un salto brusco de la niñez a seis años posteriores. Se pretende mostrar lo arduo que es arreglar temas como estos y conseguir afianzar una amistad a partir de un conflicto tan delicado. Los guionistas han querido remarcar al detalle cada etapa y eso nos brinda una película extensa, de las que podrían eliminarse algunas escenas.
Haz cosas buenas y te pasaran cosas buenas, no tengas prejuicios. ‘A silent voice’ Juega mucho con el concepto del Karma y relacionado con él está el significado que adquieren las carpas Koi en Japón, es decir, lo importante que es la persistencia. El protagonista hace un esfuerzo para limpiar su karma. Llámese karma o llámese conciencia lo que se puede decir es que el largometraje sirve como buena herramienta didáctica. Emplea el humor y algunos trucos visuales muy adecuados para evitarse tabúes y conseguir inmortalizar de manera gráfica lo que los guionistas quieren comunicar. De ese modo el filme adquiere un lenguaje muy fácil de asimilar y llega a un espectro de la audiencia mayor. Además introduce de manera natural muchos elementos relacionados con la discapacidad, como las siempre presentes baldosas podotáctiles para ciegos.
Quizá una miniserie de dos episodios habría sido más adecuada para poder asimilar y digerir mejor todo lo que transmite y de la manera en cómo se emite. Algo que está inspirado en un manga que se divide en siete tomos necesita más tregua para el espectador, no por su capacidad de discernir o comprender, si no por su disponibilidad a la hora de atender a un estilo tan flemático. Pero el valor y belleza de ‘A silent voice’ es indiscutible.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: Koe no Katachi (The shape of voice). Duración: 129. País: Japón. Dirección: Naoko Yamada. Guion: Reiko Yoshida. Música: Kensuke Ushio. Fotografía: Kazuya Takao. Reparto principal (doblaje original): Miyu Irino, Saori Hayami, Aoi Yūki, Kenshō Ono, Yūki Kaneko, Yui Ishikawa, Megumi Han, Toshiyuki Toyonaga Mayu Matsuoka. Producción: Eiga Koe no Katachi Production Committee (Tōkyō Animation, Pony Canyon, ABC Animation, Quaras, Shōchiku y Kodansha). Distribución: Selecta Visión. Género: romántico, animación, drama. Web oficial:http://koenokatachi-movie.com/
Lena, una bióloga retirada del Ejército, se une a una misión para averiguar qué sucedió con su esposo dentro del Área X. Un fenómeno siniestro y misterioso que se está expandiendo por la costa de Estados Unidos ha mutado el terreno y todo lo que lo habita, hasta que la expedición descubre que su vida y su cordura están en peligro.
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Crítica
Estimular la mente a la vez que maravillar la vista siempre fue una meta de la ciencia ficción.
El guionista Alex Garland es sinónimo de racha de aciertos. Películas como ’28 días después’, ‘Dredd’, ‘Ex Machina’… salen de su puño y letra y tienen legiones de seguidores. Hasta los entendidos de videojuegos sabrán a que me refiero cuando menciono el ‘DMC: Devil may cry’. Como director no hay quien le chiste pues hasta ahora solo había dirigido ‘Ex Machina’ y el resultado fue inmejorable. Llegado este momento se ha lanzado por segunda vez a esa tarea en un largometraje y vuelve a hacerlo bajo uno de sus guiones, pero usando como base la primera parte de una trilogía de Jeff VanderMeer.
En esta entrega inicial, ojalá que de una trilogía de películas, nos adentramos en los misterios del Área X. En dicha zona se adentra el personaje de Natalie Portman, una bióloga que junto a su equipo intentará desvelar los secretos del nuevo ecosistema de esa zona, además de resolver grandes enigmas, tales como: por qué se expande, por qué ningún equipo ha regresado y cómo se ha originado.
Era importante que se consiguiese una buena complicidad narrativa y en pantalla entre el matrimonio de la protagonista. Este aspecto tenía mucho peso en el libro y así ha sido en la película de Alex Garland que ha sabido mimarlo con dos actores que nos brindan momentos de complicidad actoral a la que no le podemos quitar ni un ápice de atención. Estoy hablando por supuesto de Natalie Portman y Oscar Isaac. Su trabajo juntos no se debe a un capricho de casting, considero que más bien se corresponde a una afinidad interpretativa y a amistades profesionales que le han venido muy bien a esta película. Mucho mérito tiene Oscar Isaac que rodó a la vez que Star Wars, en platós casi adyacentes, este filme pero muchísimo más derecho a elogio tiene Portman pues es la que nos hace de guía por este territorio de lo desconocido de un modo magnífico.
Hay que tener muy claro si uno es lector de la trilogía Southern Reach, que así se llama la saga de estos libros, que el director se basó solo en el primero sin leerse el resto. De ahí que haya cambios sustanciales y que pierda parte de su encanto. Por ejemplo en la película los personajes se dicen abiertamente sus nombres y en el libro se dirigen entre ellos por sus profesiones. Eso le habría sumado a la cinta una sensación más de desasosiego y de desconocimiento. Aún así, por otro lado, los colores y las luces empleados han dado en el blanco pues no hacen sino introducirnos en todo un conjunto de extrañezas. Las criaturas y el entorno recreado por ordenador también son de lo más singular. El espectáculo visual lo tenéis garantizado.
Valientemente nada más empezar la película se arranca con una secuencia enigmática que da muchas pistas y que los conocedores de la obra escrita identificarán. Seguidamente las casi dos horas de película tienen muy buen ritmo y superan a la novela en cuanto a que está mejor estructurada y maneja más hábilmente los flashbacks. Determinados elementos que se han suprimido impiden llegar a alcanzar un conocimiento más profundo de lo que se quiere transmitir con esta obra. No obstante es capaz de abstraernos lo suficiente como para poder considerarla meramente anecdótica y además posee un final trepidante lleno de momentos caóticamente bellos.
Aunque a mi juicio resultaba más enigmática y fascinante la novela, no es de extrañar pues ganó el Premio Nébula 2015, Garland ha sabido mutarla para que sigamos viviendo una auténtica historia de ciencia ficción de esas que son capaces de transportarnos a otro mundo ubicado en nuestro propio terreno y aún así cautivar a los que ya descubrieron los enigmas del Área X. No os perdáis los detalles y las trampas visuales.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de marzo de 2018. Título original: Annihilation. Duración: 115 min. País: Reino Unido. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Natalie Portman, Jennifer Jason Leigh, Gina Rodiguez, Oscar Isaac, Tessa Thomson, Tuva Novotny, Benedict Wong, David Gyasi. Producción: DNA Films / Paramount Pictures / Scott Rudin Productions.Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, adaptación, thriller. Web oficial:https://www.facebook.com/AnnihilationMovie/
Virginia (Carmen Machi), limpiadora de profesión y “streetdancer” vocacional, recupera al hijo que dio en adopción: Fidel (Paco León), un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluida la memoria. Junto a “Las Mamis”, el extravagante grupo de baile que forman las compañeras de Virginia, madre e hijo descubrirán que a pesar de venir de mundos muy diferentes, ambos llevan el ritmo en la sangre.
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Crítica
Mucho talento para una historia imaginable.
En ‘La tribu’ se junta un amnésico y odiado encargado de recursos humanos responsable de cientos de despidos con unas cañeras y bailarinas madres, una de las cuales es su auténtica y reencontrada madre biológica. Así de disparatado e increíble es el comienzo de la nueva película de Fernando Colomo protagonizada por Carmen Machi y Paco León. Pero no tan increíble resulta al saber que la historia de las madres está basada en un grupo auténtico de baile. De hecho la coreógrafa de la película, Maribel del Pino, es la fundadora de la escuela en la vida real y tiene un papel en la película.
Pero anécdotas de producción al margen. El gran atractivo de la película es el volver a ver a Paco León y a Carmen Machi juntos de nuevo. Reaparecen en la misma pantalla para tener también un parentesco en la ficción, aunque adquieren nuevos roles familiares. La química entre ellos no ha desaparecido y es lo que hace que nos riamos más de una vez durante la cinta. Porque ‘La tribu’ por sí sola no habría sido capaz de sorprendernos al saber que es lo que va a venir a continuación. Durante toda la película nos sentimos cohibidos de reírnos a causa de eso, solo en algunos momentos puntuales en los que brilla la pareja junta o de manera individual es cuando nos arrancan alguna risotada.
Parece que Carmen Machi me paga para hablar bien de ella pues siempre la alabo cuando comento películas suyas como ‘La puerta abierta’ o ‘El bar’ y digo que ejecuta bien cualquier faceta de sus personajes. Pero es que aquí hasta menea las caderas, nunca la había visto bailar y menos danza urbana. Si que conocía este lado de León que ha sido visto en espectáculos como ‘The Hole’. Su personaje atolondrado y a la vez elitista tiene su gracia pero le sucede lo mismo que al resto de la película, que está sujeto a un guion bastante típico. El guionista Joaquín Oristrell, habitual de Colomo, y Yolanda García Serrano no han estado acertados con el libreto que es lo que hace que falle ‘La tribu’. Su historia arranca disparatada, moderna, con cameo del director incluido. Pero de manera atropellada los convencionalismos de las comedias de finales de los noventa y principios del 2000 van apareciendo.
A la película le pasa esto y que no tiene unos personajes secundarios con chispa, pero esto es culpa de los personajes, no de sus actores. Es cosa de sus frases y de su concepción, no de la interpretación. El grueso de esos secundarios son el grupo de las Mamis. Un conjunto de bailarinas que se ha querido recrear de un modo muy realista pero al hacerlo se ha caído en el tópico de lo grosero u ordinario, sin llegar a lo chabacano. Esto nos lleva a que acabemos teniendo muchos momentos de humor desfasado u obsoleto en muchas ocasiones.
A parte de que pueda o no hacer gracia, ‘La tribu’ vuelve a repetir la clásica historia de catarsis en la que sabemos cuáles va a ser cada uno de los pasos a seguir. Y aunque en esta ocasión esos pasos sean de baile y la canción de la película ya se baile en discotecas, el filme de Colomo no deja de ser una excesivamente modesta comedia, sobre todo para los dos pedazo de talentos para los que contaba.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: La tribu. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Fernando Colomo. Guion: Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano, Fernando Colomo. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Ángel Iguácel. Reparto principal: Paco León, Carmen Machi, Luis Bermejo, Maite Sandoval, Arlette Torres, Marisol Aznar, Mª Jose Sarrate, Artur Busquetes, Manuel Huedo, Maribel del Pino, Juilán López, Alfonzo Lara, Manel Fuentes. Producción: MOD PICTURES, ATRESMEDIA CINE, MOD PRODUCCIONES, MOVISTAR+. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia. Web oficial: http://www.fox.es/la-tribu
Relata como un pequeño incidente entre un palestino musulmán y un libanés cristiano escala hasta convertirse en un conflicto nacional que pone de relieve los conflictos históricos entre ambas comunidades.
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Crítica
Tendrían que haber hablado más los personajes que el director.
El director Ziad Doueiri acumula premios en su carrera, como los ganados con ‘West Beirut’ y ‘El atentado’, en Toronto y San Sebastián respectivamente. Ahora con ‘El insulto’ parte con el aval de haber estado entre las nominadas al Oscar en la categoría de Habla No Inglesa. Puede que el carácter de su película haya favorecido a esa nominación, por eso de darle un tirón de orejas a Trump tras el jaleo de la pasada edición con Farhadi y ‘El viajante’. Desde luego la película también toca un tema delicado pero su tratamiento es menos sutil y efectivo que la película que pudimos ver la temporada pasada.
Parte de una afrenta surgida de un lance cotidiano entre un palestino musulmán y un libanés cristiano. Desde ese punto se llega hasta una crisis entre dos comunidades cuya convivencia está en frágil equilibrio en la zona en la que habitan, a la espera de una reconciliación que no acaba de llegar. Ni que decir tiene que la película sirve como proyector de los enfrentamientos históricos vividos en esa región desde hace años y años. A partir de unas palabras la bola comienza a crecer, el problema empieza a escalar niveles hasta las cotas más elevadas, extremas y desbocadas. Está claro que una de las intenciones del director, además de reflejar los problemas de su tierra como hace en toda su filmografía, es remarcar que cuando un problema está candente, cuando además hay un sistema adulterado, es mucho más fácil que la cosa se vaya de las manos.
‘El insulto’, mirándola a través de un prisma más universal, trata sobre tragarse el orgullo, la convivencia, el rencor, la libertad de expresión y el poner los problemas personales por encima de los de todo un pueblo. Para ello dos actores Adel Karam (Tony) Kamel El Basha (Yasser) se han sumergido en un duelo interpretativo que debería haber sido más intenso aunque ambos encarnan a sus personajes por separado de un modo irreprochable y cabal. Si su guion no hubiese estado tan atado al corazón del director y guionistas, más a la verdad de la situación planteada, hablaríamos de un retrato más penetrante. Mientras que uno de ellos puede parecer más extremista, panfletista y cargado de odio el otro es la personificación de la terquedad que mantiene viva los conflictos religiosos en nuestro planeta. Y es que como decían unos que iban arrasando cepas… «la razón no se reparte» o como dice el personaje interpretado por Rita Hayek «arrasarías todo y aún así no pasarías página».
Si en algún momento os chocan los movimientos de cámara que tiene esta película o los ángulos tan perpendiculares de algunas tomas solo tenéis que bucear en la filmografía del director. Este fue ayudante de cámara de Tarantino en películas como ‘Pulp Fiction’, ‘Four Rooms’ o ‘Jackie Brown’. En algunas escenas emplea algunos giros y encuadres que ciertamente no vienen muy a cuento con el carácter del filme, pero que van retratando cual es el sello que quiere dejar el cineasta en su filmografía. Igualmente la música no acompaña para nada a un drama que habría pedido unos temas diferentes, no tan fogosos, incluso vitalistas.
‘El insulto’ intenta ser imparcial, sobre todo en su excesivamente complaciente y suplicante final, o por lo menos procura parecer más ecuánime que los jueces que aparecen en su película. Pero rápidamente se ve de qué pie cojea el director. Es patente que la película intenta poner paños calientes constantemente incluso echado mano de la comedia en más de una ocasión. Es lógico que para ello Ziad Doueiri tenga que emplear algunos recursos como estos sobre todo cuando el arco de la película comienza con la frase «capullo de mierda», alcanza su curva máxima cuando se pronuncia el «ojalá Ariel Sharon os hubiera aniquilado» y llega a su extremo final cuando oímos «nadie tiene el monopolio del sufrimiento». Tiene bastantes expresiones lapidarias que en cierto sentido le dan a la película un sentido global, pero en todo momento no dejamos de recordar que el conflicto que trata el largometraje es tremendamente local.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: L’insulte. Duración: 110 min. País: Líbano. Dirección: Ziad Doueiri. Guión: Ziad Doueiri, Joelle Touma. Música: Éric Neveux. Fotografía: Tommaso Fiorilli. Reparto principal: Adel Karam, Rita Hayek, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salamé, Diamand Bou Abboud. Producción: Ezekiel Films, Scope Pictures, Tessalit Productions, Rouge International, Cohen Media Group, Ciné+, Douri Films, CNC, L’Aide aux Cinémas du Monde, Canal+. Distribución: Sherlock FIlms. Género: drama. Web oficial: http://www.en.rouge-international.com/movie/450/
Meg Murry (Storm Reid) es la típica estudiante de secundaria con problemas de autoestima que desea encajar en el mundo que le rodea. Meg es hija de dos físicos de prestigio mundial. Es inteligente y tiene un talento extraordinario, al igual que su hermano pequeño, Charles Wallace. Pero lo cierto es que Meg todavía no es consciente del poder de su don. La situación se complica con la misteriosa desaparición de su padre, que ha dejado a Meg destrozada y a su madre con el corazón roto. Charles Wallace presenta a Meg y a su compañero de clase Calvin a tres guías celestiales (la Sra. Which, la Sra. Whatsit y la Sra. Who) que han viajado a la Tierra para ayudarle a encontrar a su padre. Juntos se embarcarán en una búsqueda extraordinaria. Viajan a través de una arruga en el tiempo y el espacio llamada teseracto, que les transporta a mundos que están más allá de su imaginación y donde se enfrentarán a una poderosa fuerza del mal. Para volver a su casa en la Tierra, Meg debe enfrentarse a la oscuridad que hay dentro de ella y reunir la fuerza necesaria para vencer la oscuridad que se está apoderando del Universo a gran velocidad.
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Crítica
Un desatino de más de 100 millones de dólares.
Walt Disney Pictures adapta un nuevo una novela de fantasía y la traslada a la imagen real. En esta ocasión rescata una obra publicada en 1962 que fue escrita por Madeleine L’Engle. La aventura narra el descubrimiento de dos físicos (Chris Pine y Gugu Mbatha-Raw) que desemboca en la desaparición de uno de ellos. Años después la problemática y talentosa hija ambos y su peculiar hijo adoptivo reciben una visita «celestial» que les ayudará a encontrarle. Dicho así suena incluso entrañable pero la película está presentada como un galimatías que no es indescifrable, que se entiende, pero que resulta infundada en sí misma y que se contradice en más de una ocasión.
El largometraje tiene bastantes tópicos de Disney. A pesar de que la protagonista no es huérfana se han asegurado de introducir a un hermano adoptado, para que si que haya uno sin padres. El colorido y la moraleja están por supuesto más que presentes. Y como siempre tenemos una frase que nos dicen al principio y sabemos que la protagonista tendrá que recordar al final para poder salvar el día. La guionista Jennifer Lee, que ganó el Oscar con ‘Frozen’, estuvo infinitamente más acertada en la adaptación de ‘La reina de las nieves’. Parece que al ir avanzando por la película nos faltan detalles, que se ha comido información, no importantes pero que si nos hacen de ‘Un pliegue en el tiempo’ una historia inconexa. A parte que su montaje tampoco le hace ningún favor.
Por un momento parece que vamos tener crossover con ‘Vengadores’, en otra ocasión con ‘Star Wars’… esta película dirigida por Ava DuVernay (‘Selma’) es un gran pastiche. A lo que más me ha recordado es a ‘La historia interminable’, con esa huída de un mal que consume todo y que se parece a la Nada. Y así de larga, casi interminable, se me ha hecho pues su personajes mojigatos, planos y bastante trillados nos transportan por un mundo en el que hasta el CGI, cosa bastante raro en una película de Disney, es mediocre. Mucho más eficientes y entrañables eran las marionetas de Colin Arthur.
Para más inri los personajes, fatalmente mal vestidos y maquillados repiten el nombre del niño pequeño con nombre y apellidos de magnicida hasta perder la cuenta. Charles Wallace, no se os olvidarán estas dos palabras si hacéis oídos sordos a esta crítica y optáis por ver ‘Un pliegue en el tiempo’.
No sé si el término teseractuarse es lo peor que he visto desde los witwickianos de ‘Transformers 5’. Pero si se que este nuevo intento de adaptar la novela de Madeleine L’Engle, que no es el primero pues ya hubo una intentona en 2003, es arrítmico, con frases totalmente sin carisma ni conexión. Para colmo intenta relacionar toda su historia fallida y torpemente con la ciencia y resulta incoherente. La peor de Disney en muchísimo tiempo y eso que hace poco vimos ‘Thor: Ragnarok’.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de marzo de 2018. Título original: A Wrinkle in Time. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Ava DuVernay. Guion: Jennifer Lee. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Storm Reid, Oprah Winfrey, Reese Witherspoon, Mindy Kaling, Levi Miller, Deric McCabe, Chris Pine, Gugu Mbatha-Raw, Zach Galifianakis, Michael Peña, Rowan Blanchard, David Oyelowo. Producción: Walt Disney Pictures, Whitaker Entertainment. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: aventuras, fantástico, adaptación. Web oficial:http://disney.es/peliculas/un-pliegue-en-el-tiempo
A finales del siglo XIX, después de la trágica muerte de su marido y su hijo, Sarah construye una casa-fortaleza (la Mansión Winchester, conocida como la mansión más misteriosa del mundo) con un objetivo: mantener a raya a los espíritus de las personas fallecidas por un rifle Winchester, que, según dice, la visitan con demasiada frecuencia. Eric Price (Jason Clarke) llega allí con el objetivo de psicoanalizar a la señora Winchester, descubriendo que los fantasmas que la atormentan pueden no ser producto de su locura…
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Crítica
Los hermanos Spierig han fantaseado demasiado con resolver el laberinto de Winchester.
La esposa del presidente de la Winchester Repeating Arms Company, Sarah Winchester (Helen Mirren), se hizo con el 50% de las acciones de la compañía tras la muerte de este en 1881. Fue entonces, y así sucedió hasta el día de su muerte, que esta mujer vivió de luto y su casa estuvo en constante construcción o reforma. Esto es debido a que Sarah creyó que así contendría a los fantasmas de aquellos que murieron a manos de un rifle Winchester. Esa es la parte verídica. Se añade que los otros miembros propietarios de la empresa fabricante de armas no estaban muy cómodos con esa situación y enviaron a un doctor (Jason Clarke) para que dictase un diagnóstico psiquiátrico y ya tenemos el punto de partida para una película en la que un visitante se introduce en una casa ajena bastante peculiar.
Esta es la premisa del largometraje rodado por Michael y Peter Spierig, los autores de la recientemente estrenada ‘Saw VIII’. Hasta aquí todo bien. El planteamiento es algo loco y bastante cautivador, sobre todo si buceamos en la historia que transcurrió verdaderamente en el estado de San Francisco, lugar donde se encuentra aún la casa que podemos visitar tanto por Internet como en persona. Incluso el principio de la película es atractivo con una lograda ambientación de los Estados Unidos de finales del siglo XIX y con el personaje interpretado por Clarke como protagonista en una espiral autodestructiva y como pilar escéptico del filme.
Pero en cuanto empiezan a llegar los sustos predecibles, sus fallos de raccord, las secuencias desatinadas, los argumentos manidos… es entonces cuando se echa por tierra la exposición que parecía que nos iba a hacer jugar con nuestra mente o nuestra superstición. Todo se convierte en una suerte de ’13 fantasmas’ en modo victoriano, pero sin llegar a esos extremos sangrientos o diabólicos, incluso irónicamente el número 13 tiene su importancia en la película. Son varias las escenas ilógicas acompañadas de malas interpretaciones, no solo por el joven Finn Scicluna-O’Prey, sino también por Helen Mirren que llega a sobreactuar.
Una de las peculiaridades de esta historia es la propia casa que da título a la película. Por eso el diseño de producción era importante. Su concepción no dista mucho de la realidad. Si mirarnos las fotos reales podemos comprobar que efectivamente tenemos esa casa que habría hecho las delicias de Escher. Es un laberinto sin orden ni sentido común, un galimatías de hogar llamado a ser mansión del terror. Por lo menos visualmente la cinta es disfrutable, como poco para aquellos que gusten de la narrativa gótica.
Otras películas que nos llegaron desde las antípodas como ‘The dead room’, que también mezclaban el escepticismo con lo paranormal, me resultaron más efectivas en su sencillez, tanto de producción como de número de habitaciones. De igual modo que ‘Winchester. La casa que construyeron los espíritus’ nos alude al hecho de que la Winchester comercializó patines, este filme supone un severo patinazo para los hermanos Spierig, pero no tanto como para pegarse un tiro con uno de los famosos rifles.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de marzo de 2018. Título original: Winchester. Duración: 94 min. País: Australia. Dirección: Michael Spierig, Peter Spierig. Guion: Michael Spierig, Peter Spierig, Tom Vaughan. Música: Peter Spierig. Fotografía: Ben Nott. Reparto principal: Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Eamon Farren, Finn Scicluna-O’Prey, Jemaine Clement, Mike White. Producción: Blacklab Entertainment, Imagination Design Works. Distribución: Vértice 360. Género: terror.
Cuando Bradley un ex boxeador, pierde su trabajo y se enfrenta al fracaso de su matrimonio, decide aceptar un empleo como traficante de drogas para cambiar su suerte y brindarle una vida cómoda a su esposa Lauren. Pero justo cuando su situación comienza a mejorar, Bradley se ve inmerso en un enorme tiroteo que acaba llevándole a la cárcel. Durante su reclusión tiene que tomar una serie de decisiones imposibles para proteger a quienes aprecia, e inmerso en una espiral de violencia, se verá obligado a cometer actos cada vez más violentos para mantener a salvo a su familia.
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Crítica
Hay escenas que duele verlas, pero meterse en el bloque 99 con Vaughn es todo un show.
En ‘Brawl in Cell Block 99′ observamos el momento de decadencia de un ex boxeador que busca lo mejor para progresar en su vida y hacer feliz a su esposa. Ante una situación de fracaso toma una mala decisión, lo cual le lleva a una ruta de escape a priori confortable pero acaba siendo encerrado en la cárcel. Es decir, haga lo que haga, aunque intente ser cerebral y sus intenciones sean buenas, va de mal en peor.
Del director S. Craig Zahler no he visto su ópera prima. Pero no me perdí la famosa ‘Bone Tomahawk’. Tanto ese título como ‘Brawl in Cell Block 99’ poseen un marcadísimo uso de la violencia, aunque en esta ocasión Zahler emplea ese recurso más bien como una herramienta para el protagonista, como una manera de exteriorizar y arreglar errores del pasado, más que como un medio de acción y espectáculo. Lo que sí que está claro es que en estos dos filmes que he podido ver del director y guionista es que cuida mucho el ritmo de sus largometrajes, hasta ahora de un modo bastante similar. Si bien no podrá hacer esto durante toda su carrera pues pecará de repetitivo, en ‘Brawl’ y en ‘Tomahawk’ ha conseguido dos buenos estallidos finales.
Craig Zahler va a su bola y no tiene prisa para llegar al apogeo de la película. Esta será la pega que le pondréis casi todos vosotros, que probablemente la tacharéis de lenta. Pero aguardar momentos puntuales que tiene y gozaréis su final, disfrutad de la interpretación de Vince Vaughn también. Esta es una película para los que les gusta saborear muy poco a poco las escaladas de violencia, para los que adoran ver como la olla va cogiendo presión. De hecho está tan dirigida a ese tipo de público que realmente no vemos materializarse el título hasta bien entrada la película, no quiero entrar en muchos más detalles al respecto…
La película tiene buena ambientación y cuenta con un curioso y solvente reparto. Una entregada Jennifer Carpenter (‘El exorcismo de Emily Rose’), Don Johnson (‘Django’) como vil alcaide y un más que perverso Udo Kier (‘Blade’). Porque sin duda una de las razones por las que os puedo decir que esta película es elogiable es por el papelazo de Vince Vaughn. Desde que nos sorprende al principio con la escena del coche ya vemos que esto no tiene nada que ver con películas como ‘Los becarios’ o ‘De boda en boda’ ya que no es una comedia, ni siquiera está próxima a ‘True Detective’. Mientras hace descender a su personaje a lo más bajo de la sociedad la violencia sube a lo más alto de lo de lo cruento. Las peleas, o más bien los golpes que asesta son lo más atractivo de ‘Brawl in Cell Block 99’ ¡Una verdadera burrada! Solo con decir que vi la película en Sitges, allá por octubre, que estoy escribiendo estas líneas en marzo y que aún tengo las imágenes bien frescas… no son para mentes sensibles. A parte del recorrido que hace junto a Bradley (el protagonista) para convertirse en él Vaughn ha tenido que cambiar en cuerpo y mente. Le vais a ver muy cambiado y por eso también os va a compensar, por que consigue convertirse en un tipo duro pero a la vez en alguien frágil como pocas veces habréis visto.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de abril de 2018. Título original: Brawl in Cell Block 99. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: S. Craig Zahler. Guion: S. Craig Zahler. Música: Jeff Herriott, S. Craig Zahler. Fotografía: Benji Bakshi. Reparto principal: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Marc Blucas, Udo Kier, Don Johnson. Producción: Assemble Media, Cinestate, Caliber Media Company, XYZ Films. Distribución: Sony Pictures Home Entertaiment. Género: drama, thriller. Web oficial:http://xyzfilms.com/films/brawl-in-cell-block-99/
Cuando una lesión pone fin a su carrera, Dominika y su madre se enfrentan a un futuro oscuro e incierto. Por este motivo es manipulada para convertirse en la nueva recluta de una academia de espías, donde las agentes son llamadas “gorriones”. Es una agencia secreta de inteligencia que entrena a jóvenes excepcionales como ella para usar sus cuerpos y mentes como armas. Tras un entrenamiento sádico y perverso, se convierte en la espía “Gorrión” más peligrosa que el programa jamás haya producido. Dominika debe reconciliar la persona que una vez fue con el poder que ahora domina, poniendo su propia vida y la de todos a los que ama en peligro, incluyendo a un agente de la CIA que intenta convencerla de que él es la única persona en quien puede confiar.
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Crítica
El gorrión se va tanto tiempo por las ramas que acaba fatigando al espectador.
Lawrence con Lawrence. El director Francis Lawrence vuelve a contar con Jennifer Lawrence tras haberla dirigido en la saga de ‘Los juegos del hambre’ y no es la única persona de esas películas que ha participado en ‘Gorrión rojo’, como leeréis más adelante. Han pasado los años y tanto la relación entre ellos como el carácter artístico de la actriz es más maduro y así se refleja en la película que adapta la novela de Jason Matthews.
Las películas de espías tradicionales con femme fatale no tienen nada que ver con ‘Gorrión rojo’ que intenta darle una vuelta de tuerca a la supuestamente muerta Guerra Fría. Aquí no tenemos a un agente misógino que coleccione mujeres, es más bien todo un sistema o una agencia la que ejerce ese papel y el personaje de Lawrence está a su merced y usa lo que aprende para salir de la situación en la que se ve inmersa. Porque la película trata de una talentosa bailarina que no tiene otra salida que ingresar en un programa de agentes llamadas «gorriones», las cuales son «conocidas» por sus artes de seducción y sus argucias para extraer información.
Partiendo de esa premisa lo que más llama la atención es la grandísima carga sexual del largometraje. Pero no es una película que busque provocar o ser transgresora con esos argumentos. No es gratuita por que sí, tiene su razón de ser, aunque esté llena de escenas explicitas e imágenes sin prácticamente nada de tapujos. Por eso en cuanto se corra la voz atraerá a todos aquellos morbosos y voyeurs que tengan poco interés en la trama.
Su argumento no llega a seducir ni a intrigar enérgicamente, pero hay algo en la película que si causa expectación. Pese a ello se toma mucho tiempo para preparar los giros que nos ofrece en su final y no necesitaban tantos preámbulos. Estos prolegómenos consisten en remarcar las sensaciones de la protagonista o en intentar desconcertarnos tanto como a ella.
Con el estreno de ‘madre!’ a aún en nuestra memoria la interpretación de Jennifer Lawrence en esta película me parece menor. En ‘Gorrión rojo’ la actriz de Kentucky se presenta con un personaje menos verosímil a pesar de ser más terrenal. No obstante encaja en la dinámica de la película e hila la historia. Una narración que está acompañada de un grandísimo reparto compuesto de nombres como Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Jeremy Irons, Charlote Rampling o Ciaran Hinds.
En general es una película muy irregular, tanto interpretativa como técnicamente. El ritmo del filme también tiene marcados altibajos. Visualmente si es más lineal, tiene una estética, un diseño de producción más cuidado y constante que el desarrollo de su trama. El director de fotografía Jo Willems ya ha trabajado no solo en películas largas si no en sagas enteras con Jennifer Lawrence y parece saber sacarle su lado bueno. Podemos comprobarlo en trabajos suyos como las películas de ‘Los Juegos del Hambre’ en las que ha intervenido. Pero también hay que señalar otras obras de este artista como ‘Hard Candy’ o los recientes episodios de ‘American Gods’ que tienen tomas muy parecidas a las que vemos aquí. ‘Gorrión rojo’ intenta que uno de sus argumentos más poderosos sea todo aquello que entra por nuestra retina, lo cual no es de extrañar ya que el director del filme está también acostumbrado a hacer videoclips y todos sabemos que el impacto visual de estos siempre ha de ser potente.
‘Gorrión rojo’ hace bien en huir de los argumentos tecnológicos de los últimos tiempos y centrarse más en los juegos mentales y físicos. Pero debería haber condensado su historia en una película más ágil y corta para sacar partido al talento del que dispone y hacer que las sorpresas arrollen al espectador sin darle tiempo a cansarse.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Red sparrow. Duración: 139 min. País: EE.UU. Dirección: Francis Lawrence. Guión: Justin Haythe. Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Jeremy Irons, Mary-Louise Parker, Charlote Rampling, Ciaran Hinds. Producción: Chernin Entertainment, Film Rites, Soundtrack New York. Distribución: 20th Century Fox. Género: thriller. Web oficial:https://www.foxmovies.com/movies/red-sparrow
Paz tiene una vida aparentemente perfecta. Tiene trabajo, pareja, amigas… pero algo falla. En realidad, hay cosas en su entorno que no le gustan. Se siente angustiada y agobiada pero no se atreve a expresar sus sentimientos. Hasta que un día recurre a una extraña terapia que le hará decir absolutamente todo lo que piensa, sin rodeos, poniendo a todos en su sitio y diciendo a la cara la verdad. ¿Cómo sería tu vida si sólo dijeras lo que piensas?
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Crítica
Una comedia que nos plantea si no nos miraremos demasiado el ombligo.
‘Sin rodeos’ un remake de ‘Sin filtro’, la película chilena que también escribieron Diego Ayala y Nicolás López. En este caso Santiago Segura y Benigno López junto a esos dos guionistas han adaptado la comedia chilena cuya fórmula algo de gancho debe tener para haber generado ya varios remakes pues no es este el único que podremos ver ya que en México se estrenará otro bajo el título ‘Una mujer sin filtro’ y en Argentina uno más que se titulará ‘Re loca’. Y me aventuraría a decir que podríamos ver más versiones pero no las tengo todas conmigo. No he visto la película original y dudo que vea alguna versión más, me quedara la duda de si lo elocuente no habría sido distribuir como es debido el largometraje inicial.
Pero dejando esas cuestiones a parte sé a ciencia cierta que la película dirigida por Santiago Segura es muy apta para divertir al público Español que busque instantes de hilaridad y personajes caricaturescos, sobre todo momentos cotidianos vistos desde un punto de vista burlón y crítico. El enfoque del filme es distinto al de otras obras de Segura, apartado de los gags casposos de su saga Torrente, aunque tampoco yéndose a extremos excesivamente agudos. Lo que vemos en ‘Sin rodeos’ busca más sacarle punta al día a día, a partir de apreciaciones jocosas llevadas a cabo por individuos que ridiculizan determinados comportamientos sociales.
La aventura de la protagonista interpretada por Maribel Verdú empieza con ella desbordada por sus vecinos, su pareja, sus personas de confianza y su trabajo. Un patente caso de alguien que necesita atención y tiempo para ella misma, por lo menos un claro ejemplo de una persona que pide a gritos un revulsivo. Tras algo que sucede, y que no conviene desvelar, todo se convierte en una especie de mezcla de ‘Mentiroso compulsivo’ más ‘Un día de furia’. La protagonista no puede dejar de decir las verdades a la cara ni negarse aquello que lleva tiempo queriendo sacarse de dentro. Es decir, hace y dice todo sin pelos en la lengua, como se dice ahora, actúa sin filtro. Es un curioso análisis social, pues ¿cuándo dejó de ser oportuna la sinceridad total? El asunto es que en esta película esto desemboca situaciones graciosas y la mayoría de sus actores saben llevarlo a cabo.
‘Sin rodeos’ se sustenta mucho en los cameos y pequeños papeles. Nada más empezar ya vemos que parte de la gracia del filme reside en esperar a ver con qué «amiguete» y en qué situación nos van a sorprender. El Gran Wyoming, Candela Peña, Quique San Francisco, Flo, Cristina Castaño… Como siempre son muchos y algunos no me los esperaba. Lo peor de la película me lo he encontrado en un David Guapo y una debutante Cristina Pedroche que comparándolos ante el talento de Maribel Verdú se nota en exceso que no es que tengan un estilo diferente, sino que tienen mucho que aprender. Uno hace de un jefe excesivamente sobrado e inconcebible y la otra encarna torpemente la tontuna de una influencer de esas que generan contenido insustancial.
Por supuesto que lo que mejor se puede extraer de ‘Sin rodeos’, además del buen ritmo que le ha impreso Segura, es el vigor interpretativo de Maribel Verdú. La madrileña en un abracadabra se planta en todas nuestras carteleras la vemos por todas partes como si lloviesen vacas. Ahora sin rodeos y con una sencilla comedia nos lo hace pasar bien en el cine, además de hacernos pensar si no nos miraremos demasiado el ombligo. Todo esto lo hace con donaire y bastante mala uva, cosa que no pueden combinar muchas personas.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Sin rodeos. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Santiago Segura. Guión: Benigno López, Santiago Segura, Diego Ayala, Nicolás López. Música: Roque Baños, Tessy Díez. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Maribel Verdú, Candela Peña, Diego Martín, Rafael Spregelburd, Cristina Pedroche, Bárbara Santa-Cruz, David Guapo, Toni Acosta, Cristina Castaño, Quique San Francisco, El Gran Wyoming, Florentino Fernández “Flo”, Abigail Frías, Paco Collado, Santiago Segura. Producción: Bowfinger International Pictures S.L., Sin Filtro la película AIE, Atresmedia Cine, Movistar+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, remake. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/799/sin-rodeos/
Año 2003. El ex médico de la Marina Larry “Doc” Shepherd (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos para llevar a cabo una última misión: enterrar al hijo de Doc, fallecido en la Guerra de Irak, cerca de su hogar. Doc se niega a que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, y con la ayuda de Sal (Bryan Cranston) y Mueller (Laurence Fishburne) trasladará el féretro en un viaje donde los tres recordarán, 30 años después de haber servido juntos en Vietnam, cómo la participación en la guerra ha afectado a sus vidas.
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Crítica
Linklaternos lleva de guerra en guerra y tiro porque me toca.
Richard Linklater ha sido siempre un director capaz de imprimir su sello en las películas que ha rodado. De no ser así no habríamos tenido cintas tan peculiares como ‘A Scanner Darkly’, ‘Bernie’ o ‘Fast Food Nation’. Quizás muchos le conoceréis más por ‘Boyhood’ o la terriblemente doblada en España ‘Escuela de rock’. Pero lo importante es que siempre tenéis que buscar en sus largometrajes la inconformidad que casi siempre denuncia, el retrato que hace del país que habita y los temas que explora con una casi inamovible mirada.
En ‘La última bandera’, a pesar de basarse en una novela de Darryl Ponicsan sigue en su línea. El director hace inciso varias veces en el asunto de las mentiras y las guerras. El estado norteamericano sigue intentando legitimar guerras para que sus ciudadanos sigan creyendo que cada generación tiene que tener su conflicto armado en el que participar. Lo dice muy claro uno de los personajes «El hombre hace la guerra y la guerra hace al hombre. Pero en algún momento tendremos que hacer algo distinto». El filme trata de eso. De no enterrar una mentira, sino a un hijo, a una persona que ha sido usada para intereses del gobierno en otra guerra para nada justificada.
Tres veteranos de guerra tienen que lidiar con los problemas acarreados por otra que afecta a sus hijos. Precisamente sus descendientes son los que les presentan una última batalla que afrontar unidos, llena de obstáculos que salvar. Esto es debido a que uno de ellos les reúne tiempo después de su último encuentro juntos para pedirles que le ayuden a enterrar a su hijo, muerto en acto de servicio, en la guerra de Irak.
A la película ya iba con ánimo de encontrarme algo actoralmente grande, por lo menos al ver los tráilers y leer quienes eran los cabezas de cartel. El reparto protagónico es excepcional. Que actores de la categoría de Bryan Cranston, Laurence Fishburne y Steve Carell estén juntos no es algo fácil de conseguir. Solo faltaba ver si el guión estaba a la altura de unos intérpretes que nos han dado personajes ya míticos para la cultura popular moderna. Y aunque no ha sido del todo así por lo menos la película nos sigue derroteros convencionales. Combinando drama y comedia de un modo casi ácido y tragicómico Richard Linklater ha manejado a estos tres ases sacando de ellos su lado más triste pero también su parte chistosa. Inteligente elección de reparto, quien no acudirá a la película por uno acudirá por otro. Son tres personas que tienen seguidores fieles, capaces de abordar sus personajes de manera veraz y que vais a comprobar que pueden conseguir un equilibrio los unos con los otros.
A cada uno de ellos se les ha dado una salvaguardia para sus personajes: la religión, el alcohol, la penitencia. En esos clavos ardiendo se agarran para no volver a ser los que eran cuando estaban en Vietnam. Pero cuando se juntan de nuevo… Lo más curioso es ver como Cranston y Lawrence ejercen de conciencia de Carrell, como si fuesen el ángel o el demonio le que susurran en los oídos. Ver a dos actores como Steve Carell o Bryan Cranston, que han pasado por la comedia y ahora nos ofrecen dramas muy penetrantes, nos ofrece momentos muy graciosos y a la vez sentimentales, diría que incluso sabios. Pero esos instantes no hacen que ‘La última bandera’ esté llamada a ser la película más renombrada de Linklater.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Last flag flying. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guión: Richard Linklater, Darryl Ponicsan. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane Kelly. Reparto principal: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson, Richard Robichaux. Producción: Amazon Studios, Big Indie Pictures, Detour Filmproduction. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia, adaptación. Web oficial:http://www.lastflagflying.com/
Greta Gerwig se revela como una nueva y atrevida voz en el mundo del cine con su debut como directora, ‘Lady Bird’, que explora en profundidad tanto los aspectos cómicos como los patológicos del turbulento vínculo entre una madre y su hija adolescente. Christine McPherson (Saoirse Ronan) es una joven incontrolablemente amorosa, profundamente obstinada y de opiniones férreas. Por mucho que luche contra ello, es exactamente igual que su madre (Laurie Metcalf), una enfermera que trabaja incansablemente para mantener a flote a la familia después de que el padre (Tracy Letts) se quedase sin empleo. Ambientada en el año 2002 en Sacramento, California, en mitad de un panorama económico marcado por cambios vertiginosos, ‘Lady Bird’es una conmovedora visión de las relaciones que nos modelan, las creencias que nos definen y la belleza inigualable de un lugar llamado hogar.
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Crítica
Admirable en su descaro y personajes, desdeñable en sus aportaciones.
Greta Gerwig escribe y dirige. Por primera vez en solitario lidera (ya controló los hilos de una película con Joe Swanberg en ‘Nights and weekends’) tras haberla visto actuar en muchas películas como ‘Maggie’s Plan’, ‘Jackie’ o ‘Mistress America’. En este sentido hay que decir que sorprende ver lo bien que se ha desenvuelto Gerwig. ‘Lady Bird’ destaca por sus sujetos más que por su casi trivial historia y eso se debe tanto al talento de sus actores como a las capacidades de su directora para exprimirles.
Lo que tenemos entre manos es una película sobre el hogar, sobre el momento en el que se da el punto de inflexión que hace que volemos del nido, en este caso, nunca mejor dicho. El nombre de la protagonista, Lady Bird no puede estar cogido al azar pues como un ave Christine, que es como realmente se llama la protagonista, anhela alzarse y alejarse de su Sacramento natal. Aquellos que alguna vez hemos tenido «complejo de Luke Skywalker» y hemos visto como nos quedábamos en un lugar anodino mientras otros se iban en busca de aventuras y fortuna empatizamos con Lady Bird más que el resto.
Pero más que eso lo que reclama la protagonista de ‘Lady Bird’ es una identidad propia creada por ella misma. Por eso se rebautiza a sí misma. Y lo hace además porque no quiere que se le escape la vida entre las manos, al menos así lo manifiesta con cada acto. Para el personaje de Saorise Ronan está claro que la vida es finita y no quiere cuestiones sin resolver. La muchacha tiene inquietudes y usa un pseudónimo, es alguien diferente a los de alrededor. Se sale de lo que debe ser «normal» en su ciudad o en su país y eso ya es destacable, que aparezca alguien distinto entre tanta moda y homogeneidad. Para algunos ya nos parece que esta es una señal de alarma repetida una y mil veces, que no aporta nada nuevo. No es la primera vez que hace falta rodar una película sobre «inadaptados» para poder llegar a algo trascendental, emitir un mensaje o tocar la fibra.
Algunas escenas pasan de lo irreverente a lo pasteloso. Es en sus momentos cómicos, blasfemos y descarados cuando Gerwig más nos fascina. En esas secuencias son donde más brilla Saorise Ronan y donde tiene los mejores duelos interpretativos con Laurie Metcalf. El papel de la madre interpretada por Metcalf representa a una mujer controladora, que saca de quicio, pero con la que Lady Bird siempre tiene puntos en común que alivian sus confrontaciones, al fin y al cabo son familia y se quieren. Tras tanta nominación en certámenes y galas esperaba más de Metcalf, pero sí que es cierto que su papel es destacable.
La película respira bastante aire indie, sobre todo en su tratamiento de imagen, que no os engañe a través de qué distribuidora nos ha llegado. Está inteligentemente dirigida al ciudadano medio, principalmente a un público adolescente. Pero tiene argumentos un tanto sobados, que aunque estén pasados por otro filtro, nos dejan un aroma a más de lo mismo.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de febrero de 2018. Título original: Lady Bird. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Greta Gerwig. Guión: Greta Gerwig. Música: Jon Brion. Fotografía: Sam Levy. Reparto principal: Saorise Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Beanie Feldstein, Lois Smith, Stephen McKinley Henderson, Odeya Rush, Jordan Rodrigues, Marielle Scott, Jake McDorman, John Karna, Bayne Gibby, Laura Marano. Producción: IAC Films, Scott Rudin Productions, Film 360. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:http://ladybird.movie/
La vida de Katja se derrumba cuando su marido y su hijo mueren en un atentado. La policía detiene enseguida a unos sospechosos -dos jóvenes relacionados con el movimiento neonazi y Katja se ve inmersa en un complicado proceso judicial. Danilo, abogado y mejor amigo de su marido, lleva el caso y hará todo lo posible para darle el apoyo necesario a Katja, quien cegada por el dolor, solo tiene un objetivo: por encima de todo, quiere que se haga justicia.
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Crítica
Kruger y Akin forman una buena dupla para tratar un tema contundente.
La alemana Diane Kruger (‘Malditos bastardos’) vuele a rodar cine en su tierra para brindarnos una película tensa, uno de sus trabajos más desgarradores. En ella la actriz nos ha ofrecido más de una escena intensa y por eso por lo general su rol ha consistido en cargarse de ira, desasosiego, desconsuelo y ganas de venganza. Su personaje, Katja vive una tragedia casi idéntica que la que hace poco comentaba cuando hablaba de ‘El extranjero’ pero en el filme de Fatih Akin la actriz no tiene nada de acción.
Esta es una película dividida en tres tramos. A todos nos llegaron las noticias de los ataques xenófobos de Alemania a principios de este siglo. Tal y como sucede en nuestra época pasaron a otro plano de actualidad y quedaron atrás, pero el director Fatih Akin no ha querido que esto quede en el olvido, ya que no hay que ignorar el pasado para aprender de los errores y para evitar que energúmenos como los neonazis del NSU (Clandestinidad Nacionalsocialista) vuelvan a hacer de las suyas o ni si quiera vuelvan a existir. Es por eso que en esas tres fases del largometraje se muestran las consecuencias de los actos de grupos como Amanecer Dorado y las tropelías que han hecho que salgan a la luz conflictos raciales latentes o sin voz en los medios de comunicación. Los sujetos como a los que se enfrenta Katja se han aprovechado de los fallos y lagunas del sistema para salir indemnes hasta ahora. Además ‘En la sombra’ es un reflejo del auge de la ultraderecha de tal manera que sin ser alarmista si denuncia el hecho de que existe un problema profundo en la sociedad europea.
Quizá para algunos sea algo excesivo el que haya ganado el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera. Pero la cuestión es que si suma puntos a favor según la vamos analizando, algunos de ellos que ya he citado, como la xenofobia que evidencia o la interpretación de Kruger. Otro factor muy a tener en cuenta es que da relevancia a una mujer como eje de toda una película. El director y guionista confía plenamente en la actriz para reposar en sus hombros el peso de su obra, para que esta sea el centro de atención de todas las cámaras.
Pero a parte de esas apreciaciones sí que tiene faltas que señalar la obra de Akin, dista de ser redonda. Su duración es adecuada pero sus capítulos no están equilibrados entre sí. El lenguaje visual del filme varía de un modo irregular, de tal modo que desconcierta, quizá de manera voluntaria para hacernos sentir la misma desorientación de la protagonista, pero me da más la impresión de que es por caos en el rodaje o la postproducción, no sé el modus operandi del cineasta en este sentido.
Me gusta que Fatih Akin haya sido atrevido con su final. Puede considerarse controvertido o cuanto menos chocante. Está abierto a debate moral interno, nos parezca justo o no es lo que nos propone Akin y es lo que podría ocurrir perfectamente en la realidad, a muchos se nos podría pasar por la cabeza, otra cosa es llevarlo a cabo, para eso están las películas, para separar realidad de ficción.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de febrero. Título original: Aus dem Nichts. Duración: 106 min. País: Alemania. Dirección: Fatih Akin. Guión: Fatih Akin. Música: Josh Homme. Fotografía: Rainer Klausmann. Reparto principal: Diane Kruger, Numan Acar, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Siir Eloglu, Denis Moschitto, Jessica McIntyre, Ulrich Brandhoff, Samia Muriel Chancrin. Producción: Bombero International, Macassar Productions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial:http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=419
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