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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘El intercambio’

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Sinopsis

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Como regalo por su quince aniversario Jaime y Eva se dirigen a una noche de intercambio de parejas para “oxigenar su relación matrimonial”. Lo que se postulaba como una noche de juego, desinhibición y revitalización para este matrimonio, se convierte en un enredo entre cuatro paredes cuando Jaime descubre que los compañeros de juego no son quienes decían ser…

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Crítica

Picarona y surrealista comedia.

Las tecnologías de hoy en día facilitan el acceso a oportunidades antaño tan inaccesibles o tabúes como el intercambio de parejas. Pero también hacen que esa promiscuidad esté abierta a sorpresas engañosas. El anonimato de la red es un arma de doble filo, en este caso nunca mejor dicho ya que la sorpresa que tienen Jaime y Eva, Pepón Nieto y Natalia Roig respectivamente les llega a los dos a la vez. Esa pareja busca romper su rutina, dar un golpe en la mesa en su relación durante su quince aniversario con algo tan rompedor como un intercambio de parejas. Una demostración de amor y confianza a través de una cita con unos desconocidos por internet que cuando pasan a ser conocidos en el plano físico resultan ser muy distintos a como esperaban, lo cual trastoca sus planes.

Esta es la premisa de la película de Ignacio Nacho. ‘El intercambio’ es una comedia que se va enredando más y más. Parece que según se acerca el final va a terminar como esas películas clásicas de Álex de la Iglesia, desembocando en locura. Pero en lugar de ello se va oxigenando y encauzando para que todo desemboque en un correcto mutis por el foro. Salta de un tema a otro de un modo bastante ágil. La falsedad, los prejuicios, el pudor, los celos, la envidia, la generosidad, la hipocresía, la pasión… Son asuntos que a veces se plantan concisos y otras veces pasan fugazmente, pero que a través del humor se analizan.

Por supuesto y como cabía esperar, al ser una película sobre un intercambio de parejas el sexo está siempre presente pero la película no es soez. No va a incomodar excesivamente a nadie, no es un largometraje que vuelva a los años del destape. En ese sentido Ignacio Nacho también acierta con su guión. Tiene buen gusto y sabe elegir a las conversaciones y las escenas.

En realidad juega con 4 localizaciones. El coche en el que transcurre el prólogo. El salón donde se desarrolla el grueso de la película y las dos habitaciones de la casa, una que vemos y la otra que permanece oculta y que es la que nos aporta un ligero toque de thriller cómico. Todo esto para desarrollar un filme teatral. Es indudable que la puesta en escena y el libreto beben mucho de las artes escénicas y de la obra de teatro de la que surge esta película. El hecho de que casi nunca veamos una de las cuatro paredes de la casa nos da la impresión de encontrarnos ante un escenario. Y seguramente ‘El intercambio’ se disfrutaría mucho si se ve interpretada en directo con la continuidad que eso supondría. Pero los cuatro protagonistas de la cinta de Ignacio Nacho, creador también de esta historia, se han creído tanto sus personajes que en ningún momento sentimos interrupciones en el tiempo fílmico.

Quizá si los personajes de Hugo Silva y Rossy de Palma no hubiesen sido tan extremadamente surrealistas, más aún que la situación planteada, la película habría resultado más creíblemente cómica. Pero con la escena final si se consigue introducir un adagio extrapolable a la realidad. En contrapunto, los personajes de Pepón Nieto y Natalia Roig son más terrenales y creíbles. Lleva el peso de casi toda la película el de Pepón Nieto pero sin Roig no sería nada ya que ambos se complementan. Los dos pasan por muchas etapas, sin embargo, es el de Nieto el que permanece más tiempo en pantalla y el que aborda la mayoría de las materias que quiere exponer el director.

‘El intercambio’ es un episodio divertido, anecdótico, como acierta a decir al principio Pepón Nieto. Trascendental para la pareja que forman Nieto y Roig. Puede plantear picaronas y comprometidas preguntas a las personas que acudan en pareja a verla al cine. Pero sobre todo la intención del filme es clara, hacer reír al espectador aportando algo más que simples escenas de situación.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: El intercambio. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Ignacio Nacho. Guion: Ignacio Nacho. Música: Antonio Meliveo, Pablo Cervantes. Fotografía: Antonio Sanz Luque. Reparto principal: Pepón Nieto, Hugo Silva, Rossy de Palma, Natalia Roig, Paco Tous, Mara Guil, Salva Reina. Producción: Marila Films. Distribución: Marila Films. Género: comedia.

Crítica: ‘Algo celosa’

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Sinopsis

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Nathalie es una agradable profesora divorciada que, en plena crisis de la mediana edad, comienza a sentir unos exagerados celos de las personas de su entorno. El drástico cambio de personalidad de Nathalie pronto tendrá inesperadas consecuencias para sus vecinos, colegas y amigos.

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Crítica

A pesar de su inicio y buena construcción del personaje le falta constancia con su comedia.

Nathalie, el personaje interpretado por Karin Viard, es una respetada profesora y amante madre que de repente comienza a ser una persona celosa de la nueva novia de su ex-marido, de la juventud y el triunfo artístico de su hija, de su nueva compañera de profesión, de la feliz vida de sus amigos… Empieza a dinamitar con comentarios inoportunos la vida de todos, ridiculiza a los que la rodean y se convierte en alguien insoportable y negativa. Con un personaje así entre manos David Foenkinos y Stéphane Foenkinos ,directores de ‘La delicadeza’, tienen una bomba cómica entre manos, pero que no saben detonar.

Sí que es cierto que en los primeros compases hay muchas escenas tan chocantes que nos hacen reír. La actriz interpreta muy bien a su personaje, se nota que no le ha juzgado moralmente y se lo ha creído en su totalidad, de tal modo que le llegas a coger manía. El pasmo que sufren todos sus conocidos con cada desplante es muy gracioso. Ella no se corta a la hora de demostrar que tiene envidia de otros, aunque no sea consciente realmente de ello y eso es hasta cierto punto chistoso. Pero hay dos cosas que hacen que la película no tenga siempre el gancho inicial y que pierda fuerza.

En primer lugar, aunque la comicidad sobria de Karin Viard tenga su punto no se ve respaldada por nadie más. Ningún secundario le sigue el juego y eso es mucho peso a soportar. Sobre todo si tenemos en cuenta el otro aspecto a tener en cuenta. La película se carga mucho de drama a partir del segundo acto, no de uno especialmente trágico pero si del suficiente como para olvidarnos de toda la comedia cosechada y recogida anteriormente. En el tercer y final acto de la película, cuando el personaje supuestamente debe librarse de ese drama y redimirse no retornamos a ese punto tan cómico y ‘Algo celosa’ nos deja un sabor demasiado amargo, nos hemos aburrido demasiado de un personaje con el que no empatizamos.

Pese a que ‘Algo celosa’ va bastante rápido de un estadio a otro se echa en falta que regrese a sus inicios, se hace monótona. Esgrime además algún que otro argumento que no es muy considerado para con la mujer o sabe a rancio, lo cual me extraña teniendo tantas actrices femeninas en el reparto. Lo bueno de esta película, a parte de su inicio, es el hallazgo de Dara Tombroff. Lo suyo es realmente vivir paralelamente su vida real con su personaje pues es bailarina y a partir de ahora puede que se dedique a interpretar. En ‘Algo celosa’ tiene un buen punto de partida.

Los hermanos Foenkinos han concebido una película que parece más apta para la sobremesa que para una sala de cine pues ni la fotografía de Guillaume Deffontaines nos la hace más notable en pantalla grande. Regresan de nuevo a un filme en el que lo importante es retratar a la mujer tras su trabajo en ‘La delicadeza’, con un personaje al que le falta precisamente eso, delicadeza.  Y el retrato está muy bien construido y ejecutado, pero su marco e historia no son lo suficientemente notables.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Jalouse. Duración: 102. País: Francia. Dirección: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos. Guion: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos. Música: Paul-Marie Barbier, Julien Grunberg. Fotografía: Guillaume Deffontaines. Reparto principal: Karin Viard, Dara Tombroff, Anne Dorval, Thibault De Montalembert, Bruno Todeschini, Marie-Julie Baup, Corentin Fila, Anaïs Demoustier. Producción: Mandarin Cinéman. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/852/algo-celosa/

Crítica: ‘El hombre que mató a Don Quijote’

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Sinopsis

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Toby, un director de anuncios muy cínico, se ve envuelto en los estrafalarios delirios de un viejo zapatero español que se cree el mismo Don Quijote. A lo largo de sus aventuras cómicas, y cada vez más surrealistas, Toby se ve abocado a enfrentarse con las trágicas repercusiones de la película que rodó cuando era un joven idealista – una película que cambió los sueños y esperanzas de un pequeño pueblo español para siempre. ¿Podrá Toby reparar los daños y recuperar su propia humanidad? ¿Podrá Don Quijote sobrevivir a su propia locura y muerte inminente? ¿El amor lo conquistará todo?

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Crítica

Me encantan las chifladuras de Gilliam con un Pryce de locura perturbando a Driver.

Han sido diecisiete años de preproducción y rodajes. Nada más empezar la película el propio Gilliam da carpetazo a ese tema con buen sentido del humor. Todos estos años han pasado para que consiga narrar su versión de la obra cumbre de nuestra literatura, la cual habla mucho sobre la locura. Por supuesto demencia hay a raudales en el filme de Gilliam un director que nos tiene acostumbrados a excentricidades y argumentos muy poco cuerdos y al que le venía que ni pintada la obra de Cervantes.

En una historia con mucho metacine, en la que tenemos una película dentro de otra película, acompañamos a un Adam Driver convertido en director de cine desapegado de sus orígenes y con bastantes paralelismos con la trayectoria que ha llevado ‘El hombre que mató a Don Quijote’. En su periplo por España se topa con un anciano zapatero al que conoció en su época de estudiante y al cual le hizo interpretar al Quijote, pero este ha permanecido en ese rol desde entonces. Zapatero a tus zapatos parece querer decir el filme de Guilliam a algunos de sus personajes ya que al igual que el hidalgo de Cervantes acaban locos por embarcarse en una aventura que no es la suya.

Ese Quijote tras años de rodajes fallidos y actores que se nos han ido es Jonathan Pryce. No solo su semblante y figura son quijotescos si no que su aptitud es asombrosa. De principio a fin ves al personaje que lees en la novela o que tanto hemos imaginado en nuestra cabeza desde que nos enseñaron de pequeños quien era este caballero. Pero si Pryce es la locura andante Driver nos hace vivir una aventura hacia la locura. Todo ese proceso que sufre el personaje del escritor español tras años de lectura de novelas de caballería lo ejemplifica el actor con su paulatina interpretación.

Entre rupturas con la cuarta pared y fragmentos que tienen esa plasticidad insana de los Monty Python hay tomas que recuerdan al clásico de animación del 79 que todos mamamos en nuestra infancia con las voces de Fernando Fernán Gómez y Antonio Ferrandis. Porque otra cosa no pero la película sabe mucho a España, casi tanto como el Coloso de Goya, presente también en ‘El hombre que mató a Don Quijote’. Esta es sin duda la película más afín con nuestro país de este director, como era de esperar. En el reparto a parte de actores como Stellan Skarsgard, Joana Ribero u Olga Kurylenko aparecen Oscar Jaenada, Jordi Molla, Hovik Keuchkerian, Sergi Lopez, Rossy de Palma, Rodrigo Poisón, Bruno Sevilla… Todos al servicio de las extravagancias del director que al igual que en ‘El imaginario del Doctor Parnassus’ no son pocas y al igual que en esa película nos transportan a veces a momentos de lo más descabellados.

Pero aunque ‘El hombre que mató a Don Quijote’ se desboque en varias ocasiones están presentes los ideales de caballería, amor y justicia de la novela. Gilliam coge parte de las temáticas de Cervantes y las aplica en una película que trata acerca del reencuentro con la humanidad y los sueños perdidos. Y porque no, también una obra como esta puede servir como afrenta al pesimismo y como lucha ante las gigantescas contrariedades pues ha salido para delante ante todo lo que le ha sucedido de igual modo que un caballero andante se abre paso ante cualquier adversidad.

Por mucho que me haya agradado y la música de Roque Baños nos la magnifique no es una obra maestra y después de haberla hecho tras varias intentonas me sorprendería un resultado como ese. El montaje es algo descuidado y al menos un tercio de la película pierde conexión con sus propios argumentos. No es tan hilarante como otras películas del director de Minneapolis, tiene un tono diferente a otras de sus comedias, pero aún así se las ha arreglado para introducir guiños a estas como las mujeres barbudas o el guardia tartamudo de ‘La vida de Brian’.

Jamás sabremos cómo habría sido la película de haber sido terminada hace casi veinte años o de haber contado con John Hurt o Jean Rochefort, a los cuales está dedicado este filme. Pero desde luego está claro que Gilliam ha tenido tiempo para analizar la obra de Cervantes y por lo menos saber colocar algunas de sus intenciones en este largometraje final que si tiene visos de convertirse en algo más que en una obra supuestamente maldita.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: The man who killed Don Quixote. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Terry Gilliam. Guion: Terry Gilliam, Tony Grisoni. Música: Roque Baños. Fotografía: Nicola Pecorini. Reparto principal: Adam Driver, Jonathan Pryce, Stellan Skarsgard, Joana Ribero, Olga Kurylenko, Oscar Jaenada, Jordi Molla, Hovik Keuchkerian, Sergi Lopez, Jason Watkins, Mario Tardón, Lidia Franco, Paloma Bloyd, Rossy de Palma, Rodrigo Poisón, Bruno Sevilla, Jimmy Castro, Juan López-Tagle, William Miller, Jose Luis Ferrer, Bruno Schiappa. Producción: Tornasol Films, Entre Chien et Loup, Ukbar Filmes, Proximus, Recorded Picture Company (RPC). Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventura, fantasía, adaptación. Web oficial: http://www.warnerbros.es/el-hombre-que-mato-don-quijote

Crítica: ‘Los extraños. Cacería nocturna’

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Sinopsis

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Cindy (Christina Hendricks) y Mike (Martin Henderson) se embarcan en un viaje por carretera y planean pasar una temporada en un campamento de caravanas antes de dejar a su problemática hija Kinsey (Bailee Madison) en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido por la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y matan sin piedad.

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Crítica

Johannes Roberts sigue demostrando haber aprendido de los maestros.

El director Johannes Roberts coge el testigo de Bryan Bertino que en esta ocasión solo escribe la película que supone la secuela del filme que estrenó allá por 2008. Roberts me era familiar por haber estrenado en nuestro país el año pasado ‘A 47 metros’. Un filme que pese a su previsibilidad presentaba buenas maneras de hacer cine y una historia bastante plausible y creíble. Con ‘Los extraños. Cacería nocturna’ mantiene esa línea de acierto a la hora de crear momentos de terror o inquietud y además ubicando todo en un marco terrenal, tanto que en esta ocasión la historia se inspira en hechos reales.

Más que el hecho de que esté escrita a partir de algo que ha pasado realmente lo que nos aporta más terror o es más eficiente son las escenas que han rodado siguiendo los arquetipos del género. Ese tipo de planos o tomas en las que crees que va a pasar algo y se alarga el zoom o el corte a la siguiente secuencia, esos instantes de desconcierto en los que los protagonistas van descubriendo cosas raras.

Al margen de lo que sucede tras las cámaras. Esta es una película hecha con solo siete actores: los cuatro familiares y los tres asesinos. Uno de los desatinos de la película proviene del casting más joven precisamente. Bailee Madison pasa de sobreactuar a olvidarse de las taras de su personaje. Además, como pasó hace poco en ‘Amityville: el despertar’ volvemos a tener personaje principal con tintes de deprimida y destroyer, que poco típico… También tiene algo que mejorar Lewis Pullman, hijo de Bill Pullman, pero al menos a él le debemos la mejor escena de la película, la cual es una toma muy bien elaborada en muchos sentidos. Una secuencia en una piscina con un diseño singular, una coreografía muy bien estudiada y la música de Bonnie Tyler que culmina toda la serie de instantes perturbadores del filme. De nuevo gracias a la técnica.

Un fallo en el que cae también es aquel en el que pecan muchas películas y el que hace que nos planeemos todos si nos hemos equivocado de oficio. Porque seguramente ser adiestrador de víctimas en Estados Unidos debe ser muy rentable ya que los asesinados en las películas siempre toman las decisiones más inapropiadas y obvias posibles.

Hay un algo del ‘Christine’ de Carpenter, del ‘Scream’ de Craven o de ‘La Purga’ de DeMonaco. De hecho el parque de caravanas se llama Gatlin Lake y Galin es la ciudad de ‘Los niños del maíz’ de Stephen King, autor de ‘Christine’. Las buenas referencias están muy presentes para Johannes Roberts. Coge un poco de esto y un poco de aquello, no solo para sus planos, si no también para el funcionamiento de sus implacables y trastocados villanos.

La atmósfera está muy trabajada. El camping de casetas o caravanas rodeado de una luz tenue y una oportuna niebla aportan una ubicación bastante acertada. Se ha perdido lo único bueno que tenía la primera parte, que era el sentimiento de inseguridad que había al introducirse en una casa el conjunto de los antagonistas, pero en el resto de los aspectos la película mejora a su predecesora. El  filme inquieta, a pesar de que se eche en falta un móvil más poderoso para los criminales que le dote de más alma.

Sin olvidar mencionar que como en casi todas las películas de este tipo el final está innecesariamente alargado para poder introducir una ridícula metáfora. Mucho mejor que en el guión o que en el trato con actores está Johannes Roberts en el plano técnico ya que algunos de sus intérpretes o bien no daban más de sí o bien no ha sabido extraer el suficiente jugo de ellos. Me quedo con el recurrente ardid de la música ochentera de «El hombre de la máscara» y los trucos de los maestros de la nostalgia rescatados aquí que son los que realmente siguen funcionando y salvando películas como esta.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: The Strangers: Prey at night. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Bryan Bertino, Ben Ketai. Música: Adrian Johnston. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy, Lea Ensil, Damian Maffei. Producción: Intrepid Pictures,  Mandate Pictures, Relativity Studios, thefyzz. Distribución: Diamond Films. Género: terror, hechos reales. Web oficial: https://thestrangers2018.com/

Crítica: ‘El Doctor de la felicidad’

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Sinopsis

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Knock, un estafador arrepentido y reconvertido a médico, llega al pequeño pueblo de Saint-Maurice para aplicar un «método» destinado a hacerle rico: va a convencer a la gente de que un paciente sano es un enfermo que ignora serlo. Y para ello debe encontrar a cada uno la enfermedad real (o imaginaria) que sufre. Como maestro en el arte de la seducción y de la manipulación, Knock está a punto de alcanzar sus fines. Todo esto cambiará cuando en su camino se cruce una joven que le hará plantearse sus decisiones y una persona de su turbulento pasado que llegará para desenmascararle.

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Crítica

Omar Sy vuelve a darnos lecciones de moral con este ‘El Doctor de la felicidad’

Lorraine Lévy nos trae la historia de Knock, un canalla estafador convertido en médico que piensa llevar un nuevo método de negocio a una pequeña villa francesa en los años 50.

Basada en el libro ‘Knock’ de Jules Romains, la historia está bastante cambiada, pues el libro es una dura crítica hacia la tiranía nazi. Aquí puedes ver como el doctor logra convencer a todo el mundo para poder sacarles el dinero gracias a su forma de ser, pero no llega a ser un villano, todo lo contrario.

La directora ha conseguido hacer una película positiva y llena de moralejas, de una historia oscura y muy real, con un Doctor bien distinto al de la novela. Divertida y sencilla y con ninguna pretensión más que la de entretener al espectador.

Para el papel del Doctor Knock ha escogido a Omar Sy (‘Intocable’) que como acostumbra nos muestra como un don nadie arrepentido de su pasado puede llegar a lo más alto si se lo propone. Cuando la medicina se tropezó en su camino, su vida cambió por completo.

A Omar Sy también le acompañan Ana Girardot (‘Nuestra vida en la Borgoña‘), Alex Lutz (‘Los visitantes la lían: ¡En la Revolución Francesa!‘) o Sabien Azéma (‘Una policía en apuros’) entre otros. Todos y cada uno de los personajes del pueblo son importantes, cada uno más peculiar y enfermos a su manera, consiguen encontrar consuelo en las manos de este médico que trae una curiosa felicidad a un lugar en el que estaban completamente aburridos.

En la fotografía encontramos a Emmanuel Soyer, simple y luminosa, como la historia de la película. En cuanto a la banda sonora, es bastante sosa y no da emoción ninguna.

La cinta dura 113 minutos y hacia la mitad ha comenzado a ser algo aburrida, pues introducen una historia de amor que no dice mucho y es bastante insípida, no tiene fuerza y lo que hace es alargar bastante el metraje. Pero sí que es cierto que esta historia, por insulsa que sea, es importante para el final de la película.

Así que ya sabéis, el 25 tenéis cita con el cine francés en las salas de cines españolas. Una comedia que nos dará un soplo de aire fresco, para disfrutar sentado con unas palomitas y no pensar en nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Knock. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Lorraine Lévy. Guión: Lorraine Lévy, adaptación de la novela de Jules Romains. Música: Cyrille Aufort. Fotografía: Emmanuel Soyer. Reparto principal: Omar Sy, Ana Girardot, Alex Lutz, Hélène Vincent, Pascal Elbé, Audrey Dana.  Producción: Curiosa Films. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: http://filmax.com/peliculas/el-doctor-de-la-felicidad.86

Crítica: ‘Sweet country’

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Sinopsis

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Sam, un hombre aborigen de mediana edad, trabaja para un predicador en el interior del Territorio Norte de Australia. Cuando Harry, un amargado veterano de guerra, se muda a un rancho vecino, el predicador envía a Sam y a su familia para ayudar a Harry a rehabilitar sus corrales para el ganado. Pero la relación de Sam con el cruel e irritable Harry se deteriora rápidamente y termina con un violento tiroteo en el que Sam mata a Harry en defensa propia.

Así es como Sam se convierte en un criminal buscado por el asesinato de un hombre blanco. Se ve obligado a huir con su esposa por el peligroso interior del país, recorriendo un espléndido pero durísimo desierto. Para encontrar a Sam se forma una cuadrilla de búsqueda encabezada por el Sargento de la policía local Fletcher. Pero cuando empiezan a conocerse los verdaderos detalles del asesinato, la comunidad se pregunta si se está haciendo justicia.

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Crítica

Irónico y metafórico western desde las antípodas.

El director Warwick Thornton nos narra una historia de racismo y odio en forma de western que se desarrolla en Australia en los años 20. Sigue el esquema de “en un pueblo tranquilo donde todo iba más o menos bien, irrumpe un forastero y acaba en tragedia. Todo lo demás viene a consecuencia de eso…”.  Y aunque no sea la típica peli del oeste de “indios y vaqueros” sí que tiene claros paralelismos.

Quiero empezar por la escena inicial del filme. Creo que resume TODO lo que es la esencia de lo que se quiere contar. No pienso destriparos ni un detalle así que lo dejo ahí para que juzguéis por vosotros mismos. Ojo, de igual manera, el valor visual de la última escena de la película es igual de importante.

Esta es una historia inspirada en hechos reales. Como siempre digo, para mí es un valor añadido importante, porque al fin y al cabo te están contando un trocito de la historia del hombre sobre la tierra. Algo que nos concierne a todos conocer.

Y de hombres va la cosa. Hombres profundamente marcados por la guerra, el odio, la educación recibida o la falta de ella, la violencia, la religión, el miedo y la codicia. Y toda esa amalgama de sentimientos y pensamientos se mezclan en un drama que destaca por el uso inteligente de las palabras y unas imágenes que nos sugieren más cosas de lo que parece a simple vista.

Una película que nos habla del colonialismo (británico en este caso) y el poso de racismo que dejó con los aborígenes australianos. La situación o situaciones de injusticia que se relatan te dejan un trasfondo amargo, lleno de ironía, que te muestra la naturaleza más salvaje del ser humano y que te hace reflexionar.

Desde una de las primeras frases de la película en boca de Sam Neill “todos somos iguales aquí. Todos somos iguales ante los ojos del Señor” hasta la última escena, se hace un viaje a través de las áridas tierras australianas dónde se nos muestra desde el punto de vista de los nativos del continente la influencia del hombre blanco. Esta perspectiva me parece muy interesante y lo corrobora un guión cuidado en este sentido.

El trabajo de los actores está a la altura y destaco si la veis en versión original los acentos y ese idioma propio que hablan los aborígenes que es realmente curioso.

‘Sweet Country’ es una película algo lenta, que nos relata de forma inteligente lo que nos quiere contar, y se ampara en un guión competente para ello, en una fotografía muy buena de la que también es parte responsable Warwick Thornton y en unas imágenes a modo de metáfora que hacen que el conjunto sea de una calidad notable.

Una amarga ironía, hasta el título de la película va en consonancia con el resto.

Lo bueno: El trabajo de Warwick Thornton en la dirección y la fotografía. Compone una película inteligente del primer al último plano, destacando por si no ha quedado claro, el contenido de ambos planos que invita a pensar.

Lo menos bueno: El desarrollo de algún personaje como el del sheriff, que no acabo de entender del todo y que se pueda hacer lenta a más de uno. En mi caso el ritmo es el que tiene que ser.

La reflexión: No es más salvaje el que menos conocimiento tiene, si no quien no sabe usarlo para hacer el bien o quien piense que está por encima de otro ser humano.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Sweet Country. Duración: 110 min. País: Australia. Dirección: Warwick Thorton. Guion: David Tranter, Steven McGregor. Fotografía: Warwick Thorton, Dylan River. Reparto principal: Bryan Brown, Hamilton Morris, Sam Neil, Thomas M. Wrigth, Ewen Leslie, Gibson John, Natassia Gorey-Furber, Matt Day, Anni Finsterer, Termayne Doolan, Trevon Doolan. Producción: Bunya Production. Distribución: Wanda Vision. Género: western, drama. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/sweet_country

Crítica: ‘Blanco perfecto’

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Sinopsis

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Un grupo de jóvenes viajan en coche por una carretera solitaria. El reventón de un neumático les obliga a detenerse. Lo que debería haber sido un viaje de placer entre amigos se convierte en un auténtico horror: un francotirador oculto comienza a disparar sobre ellos. Los jóvenes quedan atrapados en medio de la carretera con el coche como única e inútil protección. El enigmático francotirador los tiene a su merced y va eliminándolos uno a uno.

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Crítica

Absurda y sin lógica así es ‘Blanco perfecto’

Esta semana se estrena la que quizás es la peor película que he visto en lo que lleva de año, pero he de admitir que al verla en la Muestra SYFY de Madrid, se ha convertido en una de las cintas que más me ha divertido en una sala de cine.

Con una premisa sencilla, la cinta nos lleva con un grupo de jóvenes atrapados en medio de una carretera desierta y asediados por un francotirador que va hacerles la vida imposible.

En esta película fallan muchas cosas, los actores y el guión sobretodo. La fotografía y ese toque gore de cine japonés es quizás lo mejor de la cinta, las muertes exageradas son un punto fuerte para una cinta que empieza muy rápido y luego aburre a cualquiera.

Si veis en serio la película es realmente mala, hay que verla en un ambiente distendido y con amigos para poder superar todas las situaciones absurdas que Ryûhei Kitamura nos planta en pantalla.

Hay escenas míticas, como todas las sufridas por el personaje de Todd Costa, (uno de los lemas principales de la Muestra SYFY fue gracias a él ‘A Toda Costa’) pues aunque no lo parezca, realmente es el héroe de la película. O también cualquier escena en la que aparezca Eric (Anthony Kirlew), todas ellas sin lógica ninguna.

Quiero pensar que Ryûhei Kitamura haya realizado esta cinta para que nos lo pasemos bien y no como una película de terror de verdad, porque lo único que ha conseguido es que salgan risas  y más risas o bostezos, según se tomaran la película los espectadores.

Eso sí, lo mejor sin duda es el final, completamente inesperado y muy bien ejecutado. Te deja sin palabras y con una ganas terribles de aplaudir.

Lo dicho, ‘Blanco perfecto (Downrange)’ tenéis que verla con la mente abierta, no vais a ver una película de terror, vais a divertiros, porque si vais en serio con ella a mitad de la película solo querréis salir del cine por puro aburrimiento. 

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Downrange. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ryûhei Kitamura. Guión: Ryûhei Kitamura y Joey O’Bryan. Música: Aldo Shllaku. Fotografía: Matthias Schubert. Reparto principal: Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez, Anthony Kirlew, Alexa Yeames, Jafon Tobias, Aion Boyd. Producción: Genco, Eleven Arts, Distribución: a Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/851/blanco-perfecto-downrange/

Crítica: ‘Deadpool 2’

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Sinopsis

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Tras sobrevivir a un ataque bovino casi mortal, un desfigurado cocinero (Wade Wilson) lucha por cumplir su sueño de convertirse en el camarero buenorro de First Dates mientras aprende a arreglárselas después de perder el sentido del gusto. Buscando algo picante en su vida (y también un condensador de fluzo), Wade deberá luchar contra ninjas, yakuzas y una manada de canes sexualmente agresivos mientras viaja alrededor del mundo para descubrir la importancia de la familia, la amistad y el sabor, encontrando un nuevo gusto por la aventura y ganándose la codiciada taza de ‘Mejor Amante del Mundo’.

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Crítica

Vuelve el superhéroe que hace que al respetable no le de rubor reconocer que le gusta el gore.

El mercenario antihéroe fanático de la chimichanga regresa a la gran pantalla con una película que ha sido capitaneada por un director diferente y eso se ha notado. Pero no os preocupéis, porque si al igual que a mi os gustó la anterior entrega de Deadpool esta secuela no os defraudará, si no que os gustará también ya que lleva más allá al personaje y le incluye más en la franquicia X-Men, pero lo hace conservando su estilo.

Pasamos de Tim Miller al doble de acción y ya director de culto David Leitch. Con el cambio de director y con los nuevos personajes (principalmente con Cable) tenemos la inclusión de escenas más serias aunque sin un descenso del número de gags, por eso no se pierde el tono burlesco, negro y macabro de Deadpool, de hecho los litros de sangre han aumentado.

Si hay un mérito, bastante satírico, relacionado con estas películas es que cada vez se acercan más a lo gore y consiguen llegar aún así al gran público. Se trivializa lo sangriento, se hace de hecho chanza de ello y es algo con lo que muchos nos hemos divertido durante años. El hecho de tener este gusto macabro siempre ha sido motivo de reprobación pero ahora ese mismo público censor disfruta de este género gracias a ‘Deadpool’.

Decir que esta película tiene huevos de pascua sería como afirmar que en el mar hay olas, algo obvio. Al igual que la primera parte está plagada de guiños y chistes referentes a la cultura popular, al mundo de los cómics o universos cinematográficos de estos (independientemente de que línea temporal, franquicia, productora o editorial nos refiramos). Hay un buen número de cameos o sorpresas más o menos importantes o influyentes en la historia que superan en ese aspecto a su predecesora. Se ha rodado una muerte de un personaje de lo más sarcástica y mordaz. No puedo decir ni que actor ni que personaje es pero esa escena simboliza la esencia de todo lo meta que puede llegar a ser un film. Esta consecución de chistes y apariciones ya es marca de la casa para Deadpool. Pero eso sí, uno de los sellos del personaje, sus rupturas con la cuarta pared, están menos presentes. También ha decaído algo la espectacularidad de las escenas. En ese sentido nos embriaga menos que la anterior. Pero aún con todo yo tengo ganas de verla un par de veces más.

La cantidad de personajes a aumentado exponencialmente. Ahora es mucho más reconocible como película de un universo X-Men. Y aún así no ha perdido el toque que la hizo cambiar el paradigma de los largometrajes de superhéroes. ‘Deadpool 2’, no es la panacea, las sensaciones tras la primera parte fueron superiores ya que causó una gran impresión pero esta es muy buena continuación. Lo que sucede es que simplemente se ha tornado algo más madura en el relación a la profundidad de su historia y trasfondo de sus personajes al abordarles de un modo más sentimental, por mucho que el propio Deadpool se tome esto a guasa. Pero está todo igual, de hecho incluso su estructura juega un poco al o mismo: secuencia inicial, retroceso para narrarnos lo sucedido y continuación de la historia a partir de ese punto. Tiene momentos de acción que evocan al ‘Terminator’ de James Cameron y de comedia que podrían estar escritos por uno de los Monty Python.

Cable tarda en llegar pero no veo inconveniente en ello porque si no ‘Deadpool 2’ se habría tornado en una cinta muy oscura dada la consistente interpretación de Josh Brolin. Su historia se ha cambiado con respecto a los cómics pero su esencia es la misma. Eso se agradece pues toda su vida es muy enrevesada para narrarla en una película de estas características y bastantes cambios espacio-temporales hemos tenido ya tras la nueva generación de los X-Men de McAvoy y Fassbender. El X-Force entra también con la historia bastante avanzada ¡y vaya manera de entrar…!

Al igual que la original se ve que ‘Deadpool 2’ también está hecha económicamente con lo justo y exprime sus recursos al máximo. Ese era otro requisito buscado, además de la soltura con las escenas de acción, a la hora de elegir al director y David Leitch es de los que cumplen, véase ‘John Wick’. Y eso es lo bueno, cuando hay que aprovechar lo poco que hay es cuando más se agudiza el ingenio y cuando surgen películas tan solventes.

Muchas sorpresas y cambios con respecto a las viñetas, os aguardan en esta nueva película de 20th Century Fox en la que la música vuelve a ser importante. No solo los temas actuales, si no también los temas clásicos estan presentes. Te puede hacer sentir viejo con algunas alusiones, porque sí, señor Reynolds y compañeros guionistas Rhett Reese y Paul Wernick, algunos si nos acordamos de lo que es el dubstep.

En su visita a Madrid el año pasado Fabian Nicieza (creador del personaje) nos comentó que lo que se hizo con Deadpool en ‘X-Men orígenes: Lobezno’ no tenía nada que ver con él, que no habían contado con su criterio, que cuando la vio en el cine con los amigos su cara de perplejidad era la misma que la del resto del público. Con ‘Deadpool’ su satisfacción como padre del mercenario bocazas fue mucho mayor y con ‘Deadpool 2’ seguro que disfrutará junto a los demás viendo como hacen prosperar a su criatura.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de mayo de 2018. Título original: Deadpool 2. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guion: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds. Música: Tyler Bates. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Ryan Reynolds, Josh Brolin, Morena Baccarin, Zazie Beetz, Brianna Hildebrand, T.J. Miller, Bill Skarsgard, Terry Crews, Rob Delaney, Lewis Tan, Eddie Marsan, Julian Dennison, Stephan Kapicic, Shioli Katsuna, Karan Soni. Producción: Marvel Entertainment, 20th Century Fox, Donners’ Company, Kinberg Genre. Distribución: 20th Century Fox. Género: ciencia ficción, cómic, adaptación, comedia, acción. Web oficial: https://www.deadpool2.es/

Crítica: ‘Borg McEnroe. La película’

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Sinopsis

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Wimbledon 1980, el sueco imperturbable Björn Borg (Sverrir Gudnason) y el temperamental  norteamericano John McEnroe (Shia LaBeouf) se enfrentan en una final legendaria que marca la historia del tenis. Dos iconos de este deporte completamente opuestos que se convirtieron en leyenda. Fuego y hielo en la pista. La película que recrea una de las mayores rivalidades deportivas de todos los tiempos.

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Crítica

El trabajo de LaBeouf os hará querer ir al tie break.

Nadal – Federer, Doohan – Criville, Karpov – Kasparov, Ali – Frazier, Lauda – Hunt… Muchas son las rivalidades que nos ha brindado el deporte y no siempre amistosas, tanto dentro como fuera del marco deportivo, pero por suerte siempre hemos tenido ejemplos de camaradería y de porque los deportes pueden tomarse como inspiración o motivación para generaciones enteras. Por supuesto de gran parte de ellas se han hecho adaptaciones cinematográficas y le ha llegado el momento al duelo que vivieron los tenistas Björn Borg y John McEnroe. Dos personas con temperamentos completamente opuestos, con bagajes distintos y con estilos de juego dispares, pero que eran capaces aún así de comprenderse el uno al otro.

Noble quizá no es la palabra más adecuada para McEnroe que como jugador, o más bien como personaje se cargaba mucho con el ambiente que le rodeaba en salas de prensa y estadios. Un individuo que daba espectáculos como los que vemos hoy en día con José Mourinho, para que nos entendamos. Pero si es un adjetivo acertado para la relación que finalmente tuvo con su máximo rival a batir. La película de hecho se centra sobre todo en la vida de Björn Borg (encarnado por Sverrir Gudnason) pero es Shia LaBeouf en el papel de McEnroe quien hace la mejor interpretación. No es sorprendente para todos aquellos que creemos en las capacidades de un actor que pese a ser muy controvertido tiene un gran talento por explotar. Un actor tan incendiario como LaBeouf es perfecto para encarnar a alguien tan irascible y temperamental como John McEnroe. El carácter del actor de California entronca muy bien con la personalidad del jugador que ha tenido que trasladar a la pantalla. Aún así creo que no ha bastado con que el intérprete haya tenido que ser del todo como él mismo, si no que ha estudiado muy bien los movimientos del tenista y todos sus demonios internos, así como su aspecto físico.

La película avanza linealmente pero se alterna con diferentes flashbacks. Me gustaría poder haber hecho el símil y decir que como en un partido de tenis va de un jugador a otro, pero lo cierto es que se pasa más tiempo en la mitad de Borg. Esta película refleja la dicotomía de una rivalidad deportiva. Como he dicho dedica más tiempo a Borg y no sería llevadera si el trabajo de Sverrir Gudnason como el protagonista no fuese mínimamente solvente ni estuviese bien respaldado por el crédito que aporta Stellan Skarsgård (quien interpreta al entrenador de Borg). El estilo de juego de ese deportista era firme, con un pulso decidido y sin titubeos. Así es la dirección de Janus Metz en esta obra. Acomete con fuerza sus argumentos, de manera decidida y va directamente a por lo que quiere contar, sin rodeos. Además, imitando la famosa actitud fría de Björn Borg no ha rodado escenas cargadas de emotividad facilona, este no es un filme sentimentaloide.

Muy bien nos transporta Niels Thastum  con su fotografía a finales de los setenta y principios de los ochenta. No es solo su paleta de colores alejadas de las sensaciones superficiales y el vestuario muy verídico lo que nos introduce en la historia, también los ángulos escogidos para contarnos los partidos de tenis desde diferentes perspectivas, que por otro lado no son nada largos ni repetitivos. En concreto me quedo con los planos cenitales de la pista de tenis empleados sobre todo en la final.

Teniendo en cuenta que el director ya dirigió un documental sobre estos dos contendientes en el noventa y seis era de esperar que se conociese bien sus particularidades. Estando dirigida con tan buen pulso y criterio no hace falta ser un entendido del tenis para disfrutarla. Tanto la elección de casting como la buena recreación de los acontecimientos nos hace vivir realmente lo que sucedió hace ya casi cuarenta años.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de mayo de 2018. Título original: Borg McEnroe. Duración: 103 min. País: Suecia. Dirección: Janus Metz. Guion: Ronnie Sandahl. Música: Vladislav Delay, Jonas Struck. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Sverrir Gudnason, Shia LaBeouf, Stellan Skarsgård, Tuva Novotny, Marcus Mossberg, Leo Borg, Robert Emms, Ian Blackman, James Sobol Kelly, Jackson Gann. Producción: SF Studios Production AB, Danish Film Institute, Film I Väst, Nordisk Film, Nordisk Film, Finnish Film Foundation. Distribución: A Contracorriente Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/820/borg-mcenroe-la-pelicula/

Estuvimos con Keir Dullea el protagonista de ‘2001: Una odisea en el espacio’

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Junto a él vimos el documental ‘2001 destellos en la oscuridad’

El canal de televisión TCM nos ha presentado en la Academia de Cine Español el documental que estrena el sábado 12 de mayo a las 22h titulado ‘2001 destellos en la oscuridad’. Un trabajo de 20 minutos en el cual se escenifica la entrevista que le realizó Eric Norden de Playboy a Stanley Kubrick. Para doblar al talentoso e irrepetible director se ha contado con el protagonista de su mítica película ‘2001: Una odisea en el espacio’, Keir Dullea, el cual ha estado presente en Madrid para presentar la cinta.

Y es que esta obra está realizada en animación. En ella vemos como cineasta y entrevistador intercambian preguntas y respuestas en una magistral conversación sobre cine y existencialismo. El director Pedro González Bermúdez (‘Nostromo: El sueño imposible de David Lean’, ‘Regreso a Vidriana’), que también estaba en acto de presentación, ha tenido a bien elegir la animación como lenguaje fílmico para este documental. Mezcla animación 3D, con ilustración y stop motion a partir de figuras impresas con impresoras 3D. A esto le sumamos imágenes de la mítica película de ciencia ficción o secuencias de archivo y recuerdos. Todo un despliegue de medios e ideas que seguro que habrían estimulado la imaginación del propio Kubrick. Los temas abordados en las más de 50.000 palabras arrojadas por Kubrick en esa entrevista necesitaban medios muy gráficos para ser expresados y la exposición realizada por González Bermúdez es, a parte de bella, muy ilustrativa y divulgativa. En esta película descubrimos a un Kubrick preocupado por la humanidad, sus creencias o su posición en el universo. No solo eso, sino también con lo indiferente, no hostil, que es la galaxia para con nosotros o las supuestas capacidades que puedan tener las posibles formas de vida extraterrestres.

Desde luego que si recordamos como mítica la banda sonora de ‘2001: Una odisea en el espacio’ este documental no podía quedarse atrás con su música. Esa responsabilidad ha recaído en los músicos independientes Remate y Wild Honey. Sin claras alusiones a la película del director neoyorkino nos introducen en la atmósfera de una entrevista histórica y ejemplar en ambos sentidos. Las notas y el ritmo que oímos son un recurso narrativo más que no nos distraen de las palabras del director, más bien nos ayudan a entender y a sumergirnos en su mente.

Ahora que la mítica película de Kubrick cumple 50 años Keir nos recordó que «cuando se estrenó la primera respuesta fue muy negativa. En el estreno en Nueva York, al 50% de los críticos les encantó y el otro 50% la odiaban a muerte. Kubrick creó un nuevo tipo de película. Cuando le preguntaban qué significa esta película el te preguntaba a ti: «¿cómo explicas como es sinfonía de Beethoven?» Porque cuando estás escuchando una sinfonía de Beethoven cada una de las personas la siente de una forma diferente y tiene que ver con la experiencia vital que tienes. Él quería ese tipo de experiencia con la película».

A cerca de doblar al que fue su jefe de rodaje… «Intenté que no se notase que leía un guión, quería darle vida. Pero no quería jugar a imitar al voz de Stanley. Tenía una voz muy particular».

«Desde el principio teníamos claro que, para recrear la entrevista, el recurso de la animación era perfecto ya que nos iba a permitir alcanzar un tono mucho más evocador que la acción real» afirma Pedro González Bermúdez. «Recomiendo mucho leer la entrevista, está editada, esto es un extracto en realidad. Un extracto cinematográfico para que tenga cierto ritmo. Hay más partes más complejas. Él sí que tenía un miedo bastante claro o advertía de que la inteligencia artificial tenía riesgos y decía que el ser humano podía convertirse en un yonki enganchado al placer y las máquinas podían ir ganando terreno» añadió ante la pregunta de uno de los presentes.

Hubo palabras para la relación entre Kubrick y Arthur C. Clarke (escritor del cuento en que se basó la película y posterior guionista de la misma): «la colaboración fue muy profunda y a muchos niveles. Cuando se habla de esta película y de la obra hay que darle mucho mérito a los dos porque ambos son los creadores de la misma. Cada uno contribuyó en distintas áreas y de distitna manera. Yo sé que cuando empezó el trabajo con actores ellos ya llevaban trabajando conjuntamente dos años. Aún así hubo muchas reuniones con él pero no estaba diariamente en el plató, aunque se le enseñaba lo rodado» dijo Keir Dullea.

Estas han sido algunas de las palabras de los protagonistas. Pero tuvimos la suerte de gozar de un encuentro con ellos bastante largo en el cual nos hablaron del documental y del rodaje de ‘2001: Una odisea en el espacio’. Podéis escuchar a continuación de manera íntegra toda la rueda de prensa.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘The Wall’

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Sinopsis

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En el desierto de Irak dos soldados americanos se encuentran aislados y amenazados por un francotirador, un frágil muro es lo único que los separa de la letal amenaza. Herido, sin radio ni agua, el sargento Allen Locke tendrá que buscar una vía de escape antes de que el francotirador cumpla su objetivo.

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Crítica

Tensión y realismo es lo que nos trae ‘The Wall’.

Del director de ‘Al filo del mañana’ nos llega este thriller psicológico que os va a tener durante sus 88 minutos pendientes de la pantalla. La película fue presentada en el Festival de Sitges, donde tuvimos la oportunidad de disfrutarla.

Dos soldados (John Cena y Aaron Taylor–Johnson) son acorralados por un francotirador en medio del desierto, sin agua ni radio, solo con un muro para poder salvarse. Dwain Worrell, el guionista de la cinta, logra que con esta premisa tan sencilla, salga una historia muy interesante y capaz de enganchar hasta el final.

Pero sin duda, la película no tiraría para adelante si no fuera por Aaron Taylor-Johnson (‘Animales nocturnos’), que está fantástico, nos muestra el terror, la angustia y agobio que siente en ese «encierro», con un carcelero al que nunca ve y con el que no puede luchar. Este chico sin duda se está labrando una carrera muy curiosa y se que pronto le veremos recogiendo grandes premios.

Doug Liman logra que dos personajes escondidos detrás de un muro nos tengan en vilo, también es verdad que el francotirador, sus palabras y acciones sean un punto clave en esta atmósfera de tensión que nos da la cinta. La dirección de la película es muy buena, los giros de cámara, los primeros planos de los soldados con la piel completamente seca por la falta de agua y por la luz solar o como en las caras de estos tienen la arena clavada hasta en el último poro, os puedo asegurar que duele mucho verlo.

Esto último que he mencionado es también gracias a la fotografía llevada por Roman Vasyanov, es detallista, mostrándonos el calor, la luminosidad cegadora a la que se tienen que enfrentar nuestros protagonistas. El desierto solitario y caluroso. Ya he visto varias veces su trabajo y he de admitir que me gusta mucho, el detallismo que lleva a las imágenes de sus películas.

Un gran acierto ha sido la duración de la película, admito que últimamente me canso de ver películas de más de dos horas y no porque sean malas, sino porque las alargan sin necesidad, ‘The Wall’ tiene la virtud de no cometer ese error y quedarse con 88 minutos que bastan y sobran para darnos una buena película.

Antes de terminar debo añadir que esta cinta es la primera producción propia de Amazon Studios, por lo que podemos ver que la plataforma comienza fuerte con sus propuestas, pues esta cinta va a dar que hablar.

Así que no os perdáis esta cinta que nos trae A Contracorriente Films a las salas, seguro que os sorprende gratamente.

 Ficha de la película

Estreno en España: 11 de mayo 2018. Título original: The Wall. Duración: 88 min. País: Estados Unidos. Dirección: Doug Liman. Guión: Dwain Worrell. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Aaron Taylor-Johnson, John Cena, Spencer Thomas, Laith Nakli. Producción: Amazon Studios. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Bélico. Web oficial: https://www.thewallthemovie.com/home/

Crítica: ‘Mi familia del norte’

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Sinopsis

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Valentin y Constance Brandt, la pareja de moda en el mundo de la arquitectura y el diseño, se preparan para la inauguración de su retrospectiva en el prestigioso Palacio de Tokyo en París. Lo que nadie sabe es que, para hacerse un hueco en el exclusivo mundo del lujo, Valentin ha mentido sobre sus modestos orígenes norteños. Cuando su madre, su hermano y su cuñada aparecen en la gala, los dos mundos entran en colapso. Por si fuera poco, a causa de un accidente, Valentin pierde la memoria y vuelve de nuevo a sus 20 años, más norteño que nunca.

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Crítica

Las armas de Boon han perdido efectividad.

Aún recuerdo con mucho agrado y como sin tener ninguna familiaridad con los provincianismos franceses, que la película ‘Bienvenidos al norte’ me hizo reír a carcajadas. En mi caso fue hace unos pocos años, pero en realidad hace ya diez que Dany Boon estrenó ese filme que sin inventar nada nuevo pero si haciendo gala de un humor muy cercano, respetuoso y sacando el máximo partido a pequeños detalles que suelen quedar perdidos o acotados dentro de una cultura o país logró colocarse en los primeros puestos de la taquilla batiendo récords. Una fórmula que años después veíamos casi calcada en ‘8 apellidos vascos’ y que como todos sabemos traducida a nuestras costumbres funcionó igual de bien.

¿Qué ha cambiado de entonces para ahora? A esa película le siguió una secuela y Boon ha realizado algunas comedias posteriores, pero tal y como asegura él allá por 2011 ya barruntaba un croquis de este nuevo largometraje. Por lo tanto volvemos a encontrarnos con los usuarios del dialecto chiti o picardo que en esta ocasión a lo ‘Rústicos en Dinerolandia’ se sumergen en el Paris más snob para retomar el contacto con uno de los suyos que ha perdido sus raíces. Ese personaje desarraigado está interpretado por Dany Boon y como exitoso diseñador de muebles ve su vida zarandeada, no solo por la llegada de sus familiares a la capital, si no porque un golpe en la cabeza le hace volver a su juventud norteña, ocasionando que olvide no solo su pasado reciente, si no que retome su peculiar manera de hablar. Vamos, que si soléis ir al cine vais a tener de nuevo el clásico giro telenovelesco de la amnesia, bastante similar al que hemos experimentado hace poco en ‘La tribu’.

Volviendo a Boon. Era de esperar poca evolución en estos años, no en sus propósitos pero por lo menos si en las formas. Sabíamos que el objeto de los gags iba a ser el mismo de otras veces ya que retomaba una idea pasada.  En el guión en vez de toparnos con Alexandre Charlot y Franck Magnier (‘Astérix en los Juegos Olímpicos’) solo acompaña a Boon Sarah Kaminsky (‘Gauguin – Voyage de Tahiti’), que pese a estrenar recientemente con él ‘Una policía en apuros’ no ha sabido aportar la frescura que necesita en su carrera, sino más bien contagiarse de sus maneras y ejercer de aprendiz de un comediante muy querido ya en su país.

El problema de ‘Mi familia en el norte’, si uno ya va a verla conociendo la carrera de Boon, es que vemos a un guionista y director estancado en hacer lo mismo, que parece bloqueado y sin capacidad de innovar. El eje de sus historias gira en torno a sacar a determinados personajes de su zona de confort para generar así situaciones cómicas y para más inri en esta ocasión retoma algunas armas ya empleadas. Aún así tiene sus momentos de gracia desde la consabida monotonía, ya que su rostro se presenta como aquel grato comediante que nunca deja de agradar pues sabe parodiar sin pasarse de la raya.

Hay que puntualizar, por si la introducción con el argumento no era clara, que esta no es una secuela de ‘Bienvenidos al norte’, la trama y los personajes son diferentes, aunque buena parte del reparto si está presente. Por lo tanto película muy cómoda para Boon, con personas y herramientas con los que ha trabajado antes pero eso no le garantizaba el éxito. Cumple las expectativas de alguien que necesite una comedia burlesca o que nunca haya visto una de las películas a las que me he referido con anterioridad. Pero como continuación de los largometrajes socarrones de Dany Boon y compañía defrauda.

Como curiosidad. Aparte de que al final del largometraje tengamos unas tomas falsas del rodaje acompañando los créditos, aparece una dedicatoria al fallecido actor, compositor y cantante Johnny Hallyday (‘El desafío (The walk)’) en forma de escena en la que se interpreta una de sus canciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de mayo de 2018. Título original: La ch’tite famille. Duración: 106. País: Francia. Dirección: Dany Boon. Guion: Dany Boon, Sarah Kaminsky. Música: Michaël Tordjman, Maxime Desprez. Fotografía: Denis Rouden. Reparto principal: Dany Boon, Laurence Arné, Line Renaud, Guy Lecluyse, Valérie Benneton, François Berléand, Pierre Richard. Producción: Les Productions du Ch’Timi,  Pathé. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: http://www.pathefilms.com/film/lachtitefamille

Crítica: ‘Operación huracán’

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Sinopsis

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Es 1992, un giro cruel del destino se cobra la vida del caza tormentas y padre devoto Bruce Rutledge, dejando a sus dos hijos, Will y Breeze, a merced de la naturaleza. 25 años más tarde, Will es un meteorólogo del gobierno que sigue al Huracán Tammy, la tormenta más feroz de la historia de Estados Unidos, que se dirige a Gulfport (Alabama). Durante la evacuación de la población local, el Departamento del Tesoro estadounidense corre a contrarreloj para destruir 600 millones de dólares en billetes antiguos antes de que llegue Tammy, pero no son los únicos que tienen planes para ese dinero…

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Crítica

Un vendaval de acción desatinado.

‘Operación huracán’ está emplazada en el famoso corredor de los tornados, en concreto en Alabama, el que es hoy en día el estado de USA número 9 en el ranking de territorios con más fenómenos meteorológicos de este tipo. Nos transportamos a Gulfport una localidad real y en la cual, según la película y no sé si también en la realidad, en ella se trituran millones de dólares usados en un centro federal. Este dinero es transportado por un convoy y algunos intentarán aprovechar la presencia de un huracán y la ausencia de los evacuados ciudadanos de la villa para echar mano a esos billetes antes de que pasen a mejor vida.

Rob Cohen dirige esta arrolladora cinta. Arrolladora en cuanto a la fuerza y severidad de su ciclón pero no a la calidad de la película. El autor de ‘Dragonheart, ‘xXx’, ‘Dragón, la vida de Bruce Lee’ o ‘A todo gas’ se queda muy lejos de estos títulos. Queda patente que ‘Operación Huracán’ está realizada para pertenecer al género de películas de acción que explotan los desastres naturales y que deja la duda de si pretende o no entrar en la serie B a propósito, porque tiene un presupuesto de unos 35 millones de dólares ni más ni menos. Aquí hay pasta y no solo la que quieren triturar.

‘Operación Huracán’ no es una película cutre o con fallos garrafales. Pero tiene disparates o desaciertos que nos acercan a títulos de género de poca monta y que hace que miremos el reloj bastante a menudo. Se puede hacer amena solo si se ve en compañía con el fin de disfrutar de algunas de sus escenas de catastrofistas y su guión errático. No es tan disparatada y absurda como ‘Sharknado’, como muchos me preguntan al saber que la he visto, no tiene ni de lejos ese toque de ciencia ficción. Se acerca más a la versión moderna de ‘Asalto al distrito 13’ pero con un enfoque mucho menos serio, buscando un carisma más desenfadado para sus personajes. Está repleta de frases que pretenden ser serias o que entran a destiempo pero que quedan graciosas, de personajes que repiten obviedades, de tópicos como los móviles que no tienen cobertura… Y tiene ocurrencias como las de introducir una nube con la forma de una calavera, nombres de personajes desacertados, lanzamiento de tapacubos a lo estrellas ninja, un vehículo meteorólogo que casi es un Batmóvil….

En el berenjenal que he explicado, entre la tempestad y los delincuentes se ven atrapados los protagonistas interpretados por Toby Kebbell,  Ryan Kwanten y Maggie Grace. Interpretan a un meteorólogo, un mecánico y una de los custodios del dinero respectivamente. Lo cierto es que los tres han lidiado en mejores plazas y seguro que no se lo han pasado nada mal en el rodaje, pero hay que pagar facturas.

Como otras películas de hecatombes medioambientales no tiene medida. El huracán es desproporcionado pero al menos Rob Cohen sabe cómo manejarlo durante toda la película y le saca partido de diferentes maneras. En ese sentido tiene un buen punto de apoyo en los efectos especiales que no están del todo mal. La película habría estado mejor si Cohen hubiese sacado su lado más adrenalítico y no tuviese tantos momentos ridículos con sus actores desprestigiándose.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de mayo de 2018. Título original: The Hurricane Heist. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Rob Cohen. Guion: Carlos David, Jeff Dixon, Anthony Fingleton, Scott Windhauser. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Shelly Johnson. Reparto principal: Toby Kebbell, Maggie Grace, Ryan Kwanten, Ralph Ineson, Ben Cross, Melisa Bolona, Jaimie Andrew Cutler, Christian Contreras. Producción: Foresight Unlimited, Head Gear Films, Metrol Technology, Parkside Pictures, Tadross Media Group, Windfall Productions. Distribución: Tripictures. Género: acción. Web oficial: http://www.tripictures.com/web/operacion-huracan/

Crítica: ‘Niñato’

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Sinopsis

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David, alias Niñato, es un padre joven y soltero que pasa la mayor parte del día al cuidado de 3 niños pequeños. Aunque no tiene trabajo y vive en casa de sus padres, la pasión y esperanza que despierta en él la música Hip-hop fortalece su dedicación a la educación de los niños. En la intimidad de su vida diaria, a través de pequeños gestos y silencios, la importancia de la unidad familiar se va revelando. Oro, el niño más pequeño, poco motivado en los estudios, reclama cada vez más atención. Niñato, enfrentado a nuevas dificultades, se esforzará por inculcarles la autonomía necesaria para afrontar un nuevo presente.

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Crítica

Un ciudadano de a pie y sin adornos educando a su familia.

La opera prima de Arián Orr amplía su cortometraje documental ‘Buenos días resistencia’. El largometraje ‘Niñato’ es una visita muy cercana, tanto en sus encuadres como en sus argumentos a una familia española en la que un padre soltero se hace cargo de su hija y sus sobrinos. Pero a su vez, desde una situación de desempleo mantiene su afán por sacar adelante su carrera como músico de hip hop. Y en realidad lo que hace Adrián Orr en ‘Niñato’ no difiere mucho del de ese género musical. Mezcla con ritmo género y estilo, es un documental montado, a veces cámara en mano a veces con cámara estática. Se acerca sin temor a la realidad, trayendo a la gran pantalla sin ningún filtro las intimidades del día a día del barrio. Dominan los planos secuencia largos con escenas de situaciones mundanales y costumbristas.

Imagino la dificultad de rodar con tres niños en un espacio tan reducido, sobre todo con un terremoto como Oro. Una criatura con problemas de disciplina o concentración que le da dolores de cabeza a su padre y hermanas, pero que a su vez se hace mucho de querer. En el filme Orr nos expone como desde su postura su padre les intenta educar, imbuir responsabilidades y crear herramientas para valerse por sí mismos. Porque si bien David alias «Niñato» lucha por defender su vocación musical, a la vez ha de inculcar valores de responsabilidad a sus hijos.

Al fin y al cabo la película es una yuxtaposición. Ver juntos a Niñato y a Oro es ver dos caras de la misma moneda, como pasado y presente o presente y futuro. A veces Orr intercala planos entre Oro y Niñato, como si uno fuese reflejo del otro, como si mutuamente se estuviesen enseñando también el uno al otro. Impulsa este argumento el contraste que vemos cuando va por los conciertos y vendiendo sus discos a cuando pasa directamente a hacer camas y recoger a los niños a la hora de comer para no tener que pagar el comedor y a su vez poder disfrutar de momentos en familia. En la película vislumbramos un proceso de crecimiento, de Niñato como padre y de los niños en su vida familiar y escolar.

‘Niñato’ es un relato lineal en el que se aprecian discontinuidades temporales pero que aún así nos narra una historia ininterrumpida y cotidiana. No es una película de cine social en cuanto a crítica política, aunque sí que tenga alguna escena en la que se hable de la precariedad actual o la dificultad para salir adelante en el mercado laboral. Es más bien el reflejo de un modo de vida llevado a cabo por alguien que quiere ser coherente con sus pasiones y con la coyuntura del momento que le ha tocado vivir.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de mayo de 2018. Título original: Niñato. Duración: 72 min. País: España. Dirección: Adrián Orr. Guion: Adrián Orr. Fotografía: Adrián Orr. Reparto principal: David, Oro, Mia, Luna Rasanz, Aurea Reyes, Ester Blanco. Producción: New Folder Studio. Distribución: Márgenes Distribución. Género: documental, drama. Web oficial: www.niñato.com

Crítica: ‘María by Callas’

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 Sinopsis

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Décadas después de que la legendaria diva dejara los escenarios para siempre, el cineasta Tom Volf se enamoró de la figura de María Callas.

Viajó por todo el mundo entrevistando a sus amigos más cercanos, abriendo las puertas de sus colecciones secretas que incluyen más de 400 cartas privadas y revelando un hallado de fotografías nunca vistas.

‘María by Callas’ es la obra definitiva. Fruto de interminables horas de investigación, un álbum profundamente personal que invoca la propia voz de la diva desaparecida.

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Crítica

Tom Volf nos regala una preciosa cinta sobre una gran artista.

Admito que iba muy predispuesta a que me gustara el documental, María Callas siempre ha sido una mujer a la que he admirado, además de parecerme un personaje realmente interesante. Su vida, llena de trabajo, la hacía feliz, pero a la vez desdichada, pues nunca pudo tener la familia que realmente quiso para sí y todo esto lo vemos bien plasmado en este documental gracias a todo el trabajo de investigación y restauración que ha realizado el equipo de esta cinta.

Desde su niñez hasta su muerte, las distintas entrevistas, las cartas y sus actuaciones nos van recorriendo toda la vida de esta artista. Narrada por Fanny Ardant, vamos conociendo la personalidad de esta mujer tan moderna para su época. Fuerte y testadura es como se da a conocer en sus entrevistas y actuaciones, pero frágil e insegura es como realmente la vemos en sus cartas.

Como he dicho, el trabajo de restauración y montaje que se ha realizado para esta cinta me ha parecido increíble. Mencionar en este caso a Janice Jones, que ha sido la encargada de el montaje de la cinta, Isabelle Laclau que ha realizado el etalonaje de la cinta y a Samuel François–Steininge que es el encargado de la colorización de los archivos. Sin este trabajo la cinta hubiese sido bastante más complicada de ver, pues la mayor parte del metraje son sus actuaciones, pues son muy importantes, al fin y al cabo allí era donde nos mostraba a La Callas.

Con esto último me refiero a una de las frases que ella misma comentaba y es que para ella María era, por así decirlo, la mujer fuera de los escenarios, fuera de las entrevistas, mientras que La Callas era ella en su plenitud, trabajando y viviendo de sus actuaciones. Pues una de las cosas que más me ha gustado, es que ella no se dedicó solo a cantar, sino que además estudió arte dramático para que sus actuaciones fueran realistas.

Otra parte de su vida que nos plasman con dureza y de las cosas que más la destrozaron fue su lucha con la prensa, perseguida y muchas veces humillada hicieron mucha mella en la fortaleza de María Callas.

Tom Volf ha realizado un precioso documental y nos da grandes momentos de esta cantante, poderla escuchar con tanta definición es algo que realmente merece la pena, además de poder conocerla un poco mejor. Para ser su primer documental me parece estupendo y seguro que va a llegar lejos con él.

No podéis perderos esta maravilla visual y sonora que nos trae Caramel Films a las salas españolas a partir del día 11 de mayo. Escuchadla, disfrutadla y no apartéis la vista de sus actuaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de mayo de 2018. Título original: María by Callas. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Tom Volf. Música: Jean-Guy Veran. Fotografía: Janice Jones. Producción: Elephan Doc, Petit Dragon, Unbeldi Productions, France 3 Cinéma, Ciné+, France Televisions. Distribución: Caramel Films. Género: Documental. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/fichas/maria_by_callas