Gabriel es un ex boxeador que vive en un pueblo alejado de la ciudad con su padre y su perro. Todos le conocen por el apodo de Tarado, que se ganó en su época de púgil y, aunque podría seguir boxeando, prefiere llevar una vida discreta.
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Crítica
Sencilla, sincera, entregada, con buen humor… una propuesta que debería ser más frecuente
Comencemos haciendo alusión a Will Smith. No me refiero a su capacidad de dar bofetadas, que también podría ser. Más bien quiero retroceder a lo que decía en ‘Cocussion (La verdad duele)’, “que tantos golpes en la cabeza no son buenos”. Y es que el protagonista de esta película es un exboxeador que se ha ganado a pulso el nombre de “Tarado”. Es de esos personajes que por mucho que quieren llevar una vida más tranquila acaba abriéndose paso a base de romper huesos. Un patrón que hemos visto muchísimo en el cine norteamericano con personajes de Bud Spencer, Jason Statham o Bruce Willis y que con ‘Os reviento’ encuentra una traslación estupenda.
Kike Narcea nos brinda una película llena de acción y comedia en la que esboza a un antihéroe, de esos que están resignados a un destino vinculado a la delincuencia. Una propuesta sencilla que viene edulcorada con nombres clásicos del fantástico español como son Antonio Mayans, Lone Fleming o Javier Botet, el cual marca la pauta cómica desde la primera escena y para el resto del filme.
La de ‘Os reviento’ es una acción cruda que está rodeada de enredos y lances fortuitos. Evidentemente se puede asociar a películas para fans de la acción pura y dura, sin descanso, pues quizá también habría que decir que se percibe la influencia de directores como Guy Ritchie por sus continuas situaciones desconcertantes y esos personajes que filosofan mientras vomitan jerga callejera. Mario Mayo está estupendo como protagonista de ‘Os reviento’ siguiendo los pasos de actores acostumbrados a hacer papeles duros de pelar como Vinnie Jones, Frank Grillo o Scott Akins.
Una de las productoras de la película se llama A Man From Murcia, si eso no os habla del carácter rural, casero y cómico de la cinta… Es una cinta tan volcada en los mamporros que en su reparto figura aquel quien hizo de Jesús en ‘Fist of Jesus’, MarcVelasco. Si antes decía que los golpes no son buenos para el cerebro, yo ruego que me den más bofetadas como esta. Lo de ‘Os reviento’ se agradece, su sinceridad, su entrega, su sentido del humor, su sencillez, su españolización de un género monopolizado por el mercado anglosajón… una propuesta que debería ser más frecuente.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Os reviento. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Kike Narcea. Guion: Kike Narcea. Música: Daniel Maldonado. Fotografía: Alberto Pareja. Reparto principal: Mario Mayo, Diego París, Fabia Castro, Fernando Gil, Antonio Mayans, Raúl Jiménez, Lone Fleming, Ana Marquez, Javier Botet. Producción: JAR Producciones, The Other Side Films, Loniego Films, Gamera Studios, A Man From Murcia. Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial:https://www.youtube.com/c/amanfrommurcia
Un grupo de compañeros de trabajo de una agencia de publicidad empiezan a descubrir poco a poco que todos están atrapados en un bucle temporal de una semana de duración.
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Crítica
Curioso que desde el país nipón nos llegue un alegato contra las rutinas laborales
El director debutante (Ryo Takebayashi) firma ‘Mondays’ como Take C. No sé si es un guiño a Takeshi Kitano por sonar parecido pronunciado en inglés o si simplemente hace alusión a la inexperiencia que tiene en el campo del largometraje indicando que no es alguien capaz de sacar el trabajo en una sola toma. Quizá para compensar esa falta de experiencia la película se reduce a algo sencillo escenográficamente. Se ambienta en un solo lugar, una oficina, y aunque hace referencia otras muchas películas del mismo subgénero intenta romper la rutina de este tipo de films. Hablamos de los bucles temporales y normalmente estos en el cine se muestran primero como un día normal y luego empieza la esperada repetitividad. Con ‘Mondays’ las víctimas de este día de la marmota arrancan conscientes y hartos de estar enfrascados en la repetitividad, es decir, no vivimos ese proceso de desconcierto y reiteración que ya henos visto en tropecientos largometrajes. Aquí directamente tenemos a un grupo de protagonistas, conscientes de estar viviendo una inexplicable rutina e intentando convencer al resto del fenómeno que sufren. Es una metáfora obvia sobre la monotonía semanal, la sensación de bucle que podemos tener al acudir todas las semanas al mismo lugar de trabajo, con la misma gente y ejerciendo la misma tarea. Está claro que lo de Take C también puede hacer alusión a la cantidad de intentos que necesitan los protagonistas para romper esa reiteración.
Rompiendo estereotipos llega ‘Mondays’ que nos muestra que hasta para los japoneses la rutina y la frialdad del trabajo puede ser deprimente. Insospechadamente desde el país nipón nos llega esta obra que aboga por romper la rutina que nos pone un grillete en la oficina y nos anima a mirar más allá de nuestro puesto de trabajo. ‘Mondays’ también nos empuja a no tener miedo a volar hacia otros proyectos a través de una paloma que se estrella constantemente junto a la trama de la protagonista que duda en abandonar su puesto. Dotada de muchas pequeñas historias consigue ser un entretenimiento simpático. Te gustará si disfrutaste de ‘Más allá de los dos minutos infinitos’.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: Mondays: See You ‘This’ Week! Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Ryo Takebayashi. Guion: Ryo Takebayashi, Saeri Natsuo. Música: Takao Ogi. Fotografía: Tatsuyuki Kozen. Reparto principal: Ryô Ikeda, Wan Marui, Yûgo Mikawa, Koki Osamura, Momoi Shimada, Harumi Shuhama, Makita Sports, Haruki Takano, Kotaro Yagi. Producción: CHOCOLATE Inc. Distribución: Filmin. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial:https://mondays-cinema.com/
‘Bob Marley: one love’ es una celebración de la vida y la música de un icono que inspiró a generaciones a través de su mensaje de amor y unidad. Por primera vez en la gran pantalla, descubrimos la impactante historia de superación de la adversidad de Bob y la travesía que subyace a su música revolucionaria. Producida en colaboración con la familia Marley y protagonizada por Kingsley Ben-Adir en el papel del legendario músico y Lashana Lynch en el de su esposa Rita, ‘Bob Marley: one love’ llegará a los cines este San Valentín, 14 de febrero de 2024.
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Crítica
Sorprenderá porque trata más el mensaje que el personaje
Vivimos una época en la que proliferan las producciones de carácter biográfico sobre cantantes o grupos musicales. Desde el éxito de ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘Blonde’, ‘Elvis’ hasta películas fracasadas como ‘Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody’ o ‘Judy’. En España este “fenómeno” sucede también con ‘Bosé’, ‘Camilo superstar’, ‘Luis Miguel’, ‘Dispararon al pianista’ y ahora acaba de anunciar Netflix que contará la vida de Julio Iglesias. Todas esas películas o series tienen algo en común, intentan ensalzar e incluso endiosar la figura de la persona que abordan. En el caso de ‘Bob Marley: One Love’, tenemos que agradecer que hay un enfoque diferente. En España tuvimos un caso parecido con el documental sobre Berri Txarrak, ‘Dardara’, el cual se centraba más en las sensaciones de los fans que la trayectoria del propio grupo.
Con ‘Bob Marley: One love’, el mensaje, la revolución que en parte llevaron a cabo Bob Marley & The Wailers son el centro de atención y el eje del guion. No es una película que santifique al cantante jamaicano, aunque algunos aspectos, como las drogas o su carácter menos pacifista, los trata poco. Tampoco es un filme centrado en cómo este artista popularizó el reggae, más bien desarrolla los argumentos del movimiento rastafari y sus vínculos bíblicos. Sin ser evidentemente una película religiosa hace uso de todas esas características que siempre han rodeado a la figura de Jesucristo y Bob Marley aparece como una figura reverenciada pero tremendamente falible.
Una de esas debilidades que tenía el cantante es la ausencia de la figura paternal. Su no relación con un padre tiene un paralelismo poético y metafórico con la conexión entre Jamaica y el Reino Unido, entre la búsqueda real de una madre patria y la figura de unos orígenes a los que sentirse vinculado. Al fin, y al cabo, la historia de Bob Marley, siempre ha sido una peregrinación o un llamamiento a volver a las raíces y vivir en unidad e igualdad. Esta faceta pacifista y unificadora nos la están recordando toda la película y nos la remarcan desde el mismísimo principio ya que el filme parte desde el momento más conflictivo de la historia de Jamaica, cuando la disputa entre dos partidos políticos puso al país en una escalada de violencia al borde de una guerra civil. Es por eso que esta historia, que transcurre principalmente en los setenta, encuentra alarmantes similitudes con la actualidad de cincuenta años después. Se convierte en una lección o voz de alerta necesaria en estos tiempos de malestar, desencuentro y división.
Quizá este enfoque nada artificioso y alejado de florituras visuales venga propiciado por el hecho de que la familia Marley (tuvo esposa, amantes y trece hijos) y Brad Pitt están tras la producción. También el hecho de que el director sea el mismo de ‘El método Williams’. Bien es cierto que se ha escogido a un actor más agraciado y menos consumido que Bob Marley como es Kingsley Ben-Adir y a pesar de las reticencias de aquellos que el cogieron tirria tras su trabajo en ‘Invasión secreta’ hay que decir que se mueve bien como este mítico músico, tanto en conciertos, como en las escenas dramáticas, como recreando entrevistas o momentos de archivo.
Desde el disparo a la cabeza de su esposa, pasando por su exilio a Londres, hasta sus conciertos por la paz o por África ‘Bob Marley: one love’ hace un recorrido que está muy bien traído el día de San Valentín, para intentar hacer que no olvidemos que “aquellos que intentan hacer de este mundo un lugar peor no se toman ningún día libre” y que tenemos que querernos más los unos a los otros.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Título original: Bob Marley: one love. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Terence Winter, Reinaldo Marcus Green, Frank E. Flowers, Zach Baylin. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Umi Myers, Anthony Welsh, Nia Ashi, Aston Barrett Jr., Anna-Sharé Blake, Gawaine “J-Summa” Campbell, Naomi Cowan, Alexx A-Game, Michael Gandolfini. Producción: Paramount Pictures, Plan B. Entertainment, Tuff Gong Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: biográfico, drama. Web oficial:https://www.bobmarleyonelove.es/
Basada en el aclamado corto de 2014 de Rod Blackhurst y Bryce McGuire, la película cuenta con un reparto encabezado por Wyatt Russell en el papel de Ray Waller, una estrella del béisbol obligada a retirarse prematuramente a causa de una enfermedad degenerativa que se muda a una nueva casa con su esposa Eve, su hija adolescente Izzy y su hijo pequeño Elliot.
Con la esperanza secreta de recuperarse y volver al deporte profesional, Ray convence a Eve de que la fabulosa piscina del jardín de su nuevo hogar será divertida para los niños y le servirá a él como terapia física. Pero su oscuro secreto del pasado de la casa desatará una fuerza malévola que arrastrará a toda la familia a las insondables profundidades del terror más asfixiante.
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Crítica
Aunque tiene ciertos elementos originales no se sale de los patrones habituales
Si eres de a los que le incomoda meterse en una piscina pública por el bullicio o por la mera idea de que casi todo el mundo se orina en ellas no te acerques a la nueva película gestada por el binomio, recientemente asociado, formado por James Wan y la Blumhouse. Los creadores de películas como ‘Insidious’ o uno de sus últimos éxitos, ‘M3gan’, nos proponen una nueva historia sobre objetos malditos, en este caso uno bastante grande, ‘La piscina’.
Se trata de una nueva historia de terror sobrenatural que pronto tendrá muchas asimilaciones con obras de Stephen King como ‘El resplandor’ o ‘Cementerio de animales’. Pero esta película, que tiene su germen de un cortometraje homónimo también dirigido por Bryce McGuire, para mi se ha parecido más a un episodio de ‘The Twilight Zone’. Evidentemente, dado quien produce la cinta, el terror es el género con el que más comulga ‘La piscina’ pero hay elementos que nos transportan a historias desconcertantes como las de la mítica serie e incluso a películas como ‘Cocoon’.
El punto fuerte de ‘La piscina’ reside en que durante más de la mitad del metraje desarrolla o parece que va a desarrollar una historia sobre el miedo a los cambios de vida, a los sacrificios o a dejar paso a prioridades de aquellos a los que amamos. Desafortunadamente poco antes del tercer acto nos damos cuenta de que lo que estamos viendo se ciñe al terror estándar y ya podemos ir prediciendo paso por paso lo que va a pasar. A los que espectadores que les guste el terror y sean más otakus se van a acordar de ‘Fullmetal Alchemist’ y su intercambio equivalente.
Le beneficia también al filme que tiene algunos recursos interesantes para intentar asustarnos o para darle explicación el fenómeno que aterroriza a la familia protagonista. Con los giros de cámara o las criaturas pútridas, usadas también por el director en ‘Baghead’ es donde percibimos la influencia de Wan y el valor artístico de la cinta. Pero también tiene algunas escenas que suenan a trillado como la que nos recuerda el juego Marco Polo o el hecho de que una vez más parezca que los estadounidenses son campeones de apnea.
En resumen ‘La piscina’ es una película de terror nada mediocre pero tampoco excesivamente fuera e la norma. Probablemente servirá para que los espectadores disfruten con determinadas escenas, para que el director engrose su currículum frente a proyectos mayores y para que la estrella WyattRussell consolide su carrera y comience a quitarse la etiqueta de “hijo de Kurt Russell”.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de febrero de 2024. Título original: Night Swim. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bryce McGuire. Guion: Bryce McGuire y Rod Blackhurst. Música: Mark Korven. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Wyatt Russell, Kerry Condon, Amélie Hoeferle, Gavin Warren, Jodi Long, Nancy Lenehan, Eddie Martínez, Elijah J. Roberts, Rahnuma Panthaky. Producción: Blumhouse Productions, Atomic Monster, Witchcraft Motion Picture Company, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/la-piscina
Estará presente en la gala que tendrá lugar en Valladolid
La 38 edición de los Premios Goya, cuya gala se celebra el 10 de febrero en Valladolid, tendrá como invitada y premiada internacional a Sigourney Weaver. La actriz estadounidense es un icono del cine fantástico y un referente para las actrices que quieren romper la figura de las mujeres en las películas de acción o terror. No es habitual además que una persona tan dedicada al género reciba un reconocimiento a si es que es toda una celebración para los amantes de la ciencia ficción y el terror.
Tres veces ha sido nominada al Oscar y ha recibido premios como el BAFTA y del Globo de Oro. Los personajes de Sigourney Weaver son inconfundibles e inolvidables. Desde la Teniente Ripley en ‘Alien’ pasando por Dian Fossey en ‘Gorilas en la niebla’ o su imprescindible papel junto a los ‘Cazafantasmas’ hasta recientes trabajos como el de ‘Avatar’ la han aupado hasta lo más alto de Hollywood.
En 2016 esta actriz neoyorkina que todo espectador conoce fue reconocida en el Festival de San Sebastián. Ahora será la Academia de Cine quien la traiga de vuelta para rendirle homenaje.
Verano de 1957. Detrás del espectáculo y el peligro de la Fórmula 1, el ex piloto Enzo Ferrari (Adam Driver) está en crisis. La quiebra acecha a la empresa que él y su esposa, Laura (Penélope Cruz), construyeron de la nada hace diez años. Su inestable matrimonio se ve aún más fracturado por el dolor de la muerte de su único hijo. Ferrari lucha contra el reconocimiento de su otro hijo con Lina Lardi. La pasión de sus pilotos por ganar les lleva al límite. Todos sus destinos convergen en una carrera, la que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la icónica Mille Miglia.
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Crítica
Sensación tan agridulce como el vinagre de Módena
Módena es la región donde se establece la sede de Ferrari y también la zona del norte de Italia que da nombre al agridulce vinagre. No es avinagrado el sabor que nos deja la nueva película de Michael Mann pero si es agridulce pues nos brinda momentos estupendos y nos desvela facetas poco conocidas para los ajenos al mundo automovilístico, pero el guión marea la perdiz hasta tal punto que cuesta vislumbrar cuál ha sido la intención de rodar este fillme.
El principal problema que se atisba es que el foco no está nada definido o demasiado repartido. ‘Ferrari’ no es un biopic como tal. Siendo exactos habría que indicar que aunque siga constantemente a Enzo Ferrari (Adam Driver) es la narración de un momento concreto y crucial en la historia de Ferrari, con todo lo que le rodea. En esa locación el director nos plantea un escenario con un imperio empresarial, un matrimonio marcado por la tragedia y líos de faldas. El esquema es bastante reiterativo y redundante y aun así cuesta discernir el auténtico sino de la película. Quizá se comprenda mejor si se entiende como un drama palaciego. Haciendo similitudes con las grandes familias medievales descubrimos que hay un feudo comercial, dos socios reinando sobre él, batallas que ganar a base de carreras, amantes que surgen de la clase baja del reino y hasta un hijo bastardo.
Al comienzo pensaba que la película tenía un problema de enfoque, pero luego fui comprobando que se busca un realismo que nos hace cambiar de punto de vista constantemente, quizá eso está relacionado con la diversidad de focos que mencionaba. Mann nos somete a un exceso de split diopter, esa técnica óptica tan usada en el cine para lograr acercarse estrechamente al espectador pero conservando distintos puntos de foco. Cuando deja de abusar tanto de ese efecto nos mete en carreras que están muy bien rodadas. ‘Ferrari’ transmite el riesgo de manipular y conducir un coche de la época con planos cerrados, cortos y vibrantes. Está fuera de toda duda que Michael Mann sabe mover la cámara y lo que es decir más, sabe qué tipo de lente o técnica le viene bien a la historia. El problema de ’Ferrari’, como decía, no es la técnica sino el enfoque que se le da al proyecto. Es como si todo aquello de lo que adolece la película fuese una extensión de lo que le viene pasando en los últimos años al equipo de Formula 1.
Parece que el tema del parecido físico ha caído en el olvido. Recientemente hablábamos de ‘Griselda’ y lo poco que se parecía Sofía Vergara e incluso con Adam Driver estudiamos lo mismo cuando se estrenó ‘La casa Gucci’. Quizá habría sido mejor escoger al futbolista Mesut Özil para dar vida al creador de la marca de coches, quien sabe, a lo mejor habríamos descubierto un talento oculto. Pero nos habrían privado del buen hacer de Driver, quien además de parecer predestinado a hacer un papel automovilístico dado su apellido, es capaz de calcar ciertos momentos, gestos o carácter del magnate. Ni que decir tiene que Penélope Cruz y el resto del reparto de actores famosos tampoco guardan similitudes, ni siquiera lejanas, con las personas reales a las que devuelven a la vida. Al menos la actriz española puede decir que solo cuando ella le da la réplica al protagonista ‘Ferrari’ sube de nivel dramático e interpretativo.
Siendo un filme de 2021, con el que comparte protagonista y tocando un personaje clave para Italia la comparativa con ‘La casa Gucci’ va a ser inevitable. Yo me decanto más por esta película ya que al menos no da risa de comedia involuntaria ni es tan culebrón. Simplemente con el bofetón y la crudeza con la que nos sacude en una de las escenas finales ya merece más la pena.
Con lo entusiasmados que nos había dejado Mann tras su participación en la serie ‘Tokyo Vice’ hemos recibido un jarro de agua fría. Por momentos la película es aburrida y solo cuando tenemos carreras o se tocan momentos contrastables de la historia crece el interés. Intenta acercarse a ‘Le Mans ‘66’ pero está lejos de clásicos históricos como ‘Heat’, ‘El último mohicano’ o ‘Ali’.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de febrero de 2024. Título original: Ferrari. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Mann. Guion: Troy Kennedy-Martin, Michael Mann. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Daniel Pemberton. Reparto principal: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Patrick Dempsey, Jack O’Connell. Producción: Forward Pass, Storyteller Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.ferrari-film.com/
Los cazadores de vampiros no impiden que las criaturas de CutreCon resistan hasta la sesión golfa
El fin de semana, los dos últimos días de CutreCon 13, tienen como sede el Mk2 Palacio de Hielo. La sala 10, con más de 500 butacas se ha llenado para iniciar maratonianas sesiones de películas sobre vampiros. Hemos ido desde Hong Kong hasta las aulas los Estados Unidos. Recorriendo películas de los ochenta y noventa remasterizadas, con argumentos de lo más loco y calidades muy dispares e incluso cuestionables, lo cual, como siempre ha puesto en bandeja los chistes del público.
Hemos podido saber que la ganadora de la primera sección oficial de CutreCon, ‘Jostissi de Carreró’, tendrá edición en Blu-ray editado por ediciones El Setanta Nou. Una edición cargada de extras y carátula reversible. Sus autores han estado presentes y han brindado autógrafos a los asistentes.
Como sorpresa nos hemos podido reencontrarnos con Cacaman. Su risa y su presencia se echaban de menos, sin duda es la alma mater del festival. También nos sorprendieron con un saludo del director de ‘Vampire girl VS Frankenstein girl’. Yoshihiro Nishimura nos deseó un feliz San Valentín repleto de bombones rellenos de sangre antes de su película que se proyectó en una apoteósica sesión golfa.
Y como cada año hemos podido poner nuestro granito de arena. Repitiendo la mecánica del año pasado hemos invitado a jugar a los asistentes durante uno de los visionados. La película que hemos escogido en esta edición ha sido Buffy: la cazavampiros’. Todo un sold out para ver la película que tantos fans de la serie desconocían.
Uno de los fun fact del día fue la irrupción del CDS en la sala. Las siglas han sido aprovechadas por unos fans de Andalucía para reivindicar una CutreCon en alguna de las ciudades del sur de España. Ojalá la CutreCon División Sur tenga su evento más pronto que tarde.
‘Wizard’s curse: uncensored cut’
Comenzamos el sábado con una película de vampiros hongkonesa. De Categoría III sin censura. Sexo, violencia y sangre en esta película de los años 90.
Dos magos son derrotados por un chamán. Al ser resucitados se convierten en unos vampiros que necesitan cerebros para alimentarse. O lograr la sangre de una joven nacida en un día especial. Recordando a Maligno, nos hemos reído sin parar con las situaciones que se les han ocurrido.
Con efectos especiales que son tremendos. Y la banda sonora ya ni os cuento. De vez en cuando aparece una musiquilla súper graciosa como si de una SitCom estadounidense de los 90 se tratase. Ha sido una gran manera de comenzar la mañana.
Doblaje en inglés desfasado para esta película indonesia. Leák es su título original y es una especie de vampiro de la cultura de la región, tipo yokai. Una criatura con romanticismo nulo ya que es una horripilante cabeza flotante con casquería colgando de ella. Si la buscáis en internet veréis dibujos muy chulos, pero ni que decir tiene que la procedencia del filme y su año de rodaje (1981) nos proporcionan unos efectos prácticos y artesanales chuchurríos.
Una joven desea conocer los secretos de la magia negra y para ello visita a Leák, que le va pidiendo cada vez cosas más estrafalarias presentándose con variopintos aspectos y maquillajes que no queremos saber con qué materiales están hechos. La trama es lenta, de música insoportable y la risa del demonio te taladra los oídos. El trivia más gracioso de este largometraje es que la protagonista está interpretada por una turista alemana que ni siquiera es actriz, pasaba por allí. Imaginad la calidad interpretativa y eso que ella es la que mejor actúa.
Marco Antonio Andolfi, dirige, protagoniza esta horrorosa película en la que nos presenta a un hombre que se convierte en hombre lobo, si es que se le puede llamar así. Con una careta de las 100 pesetas de antaño el “artista” se pasea desnudo con 0 carisma por esta cinta lenta. Y es que hablan lento.
En la película vemos sectas satánicas con una mazmorra sexual, personas random que aparecen y desaparecen. Y como he dicho, un maquillaje terrible. Por no hablar de los efectos. Pero bueno, son películas de su época. Y al menos nos hemos reído un rato. Aunque eso sí, podemos decir que ‘La Croce dalle sette Pietre’ es sin duda la peor película que hemos visto este año.
Secuela de la mítica ‘Aullidos’ de Joe Dante pero no le llega ni a la suela de los zapatos. Bien lo supo el mítico Christopher Lee que realizó aquí su interpretación más desganada y eso que él rodó mucho fantástico a todos los niveles. Su profesionalidad y talento choca con el poco nivel del resto del elenco. Y eso que hizo el filme por hacer el check de salir en una película de hombres lobo.
Vale que sea terror de serie B pero es clamoroso el descuido por los diálogos y la historia. Está llena de momentos ridículos, de relleno e ineficientes escenas para la trama. Intenta retomar la primera ampliando alguna escena, pero no cuenta con Dee Wallace por lo que son intentos en vano. Más que ser cutre es hija de su época y culpable de haber intentado estirar el chicle. Para colmo abusa de la variedad de cortinillas en el montaje, de la repetición de tomas y hay una escena post-créditos de lo más gratuita y desesperada, que no le gustó nada a la actriz que interpreta la villana.
Los visionados de esta película tendrían que llevar un disclaimer que advierta a los fans de la mítica serie de Joss Whedon. Muchos años antes del show televisivo Kristy Swanson interpretó a la joven cazadora de vampiros. Ni el desfile de caras famosas, por entonces menos conocidas, hizo que esta película saliese potable. Donald Sutherland, Paul Reubens, Rutger Hauer, Luke Perry, Hilary Swank, David Arquette, Randall Batinkoff, Stephen Root, Ben Affleck, Thomas Jane… la lista es larga. 1992 fue un gran año para España pero para a los Vampiros de los Estados Unidos se les quedó una astilla clavada.
Cine adolescente y fantástico que sirve de anteasala para lo que tenemos hoy en día. Proyecto fallido del que Whedon reniega al afirmar que su guión no era como el que se terminó rodando. Texto modificado o no la película no hay por donde cogerla por sus escenas de chiste involuntario, entre los que destacan algunos momentos de instituto púber y una de las muertes vampíricas más ridículas de la historia.
Empieza potentísimo, macabramente y con mucha sangre. Después de convierte en una comedia de instituto de lo más estrafalaria con gothic lolitas, emos y lo más llamativo, mujeres ganguro. Durante buena parte de la película es una burla de las tribus urbanas. En otros segmentos son escenas bobaliconas y payasiles, pero siempre con sangre. Las jovenes protagonistas son del tipo manga shōjo pero parecen como sacadas de una mezcla entre Dokuro Chan e Ichi the killer, la película es una continua parodia de los monstruos clásicos. Es de esas películas que parecen hechas de coña pero tiene cierto criterio, mala leche y una cantidad decente de medios. Aunque la lógica brilla por su ausencia. Lo mejor, los momentos musicales y las peleas salvajes a lo fatalities de Mortal Kombat. Apoteósica.
Kaleb está a punto de cumplir 30 años y nunca ha estado más solo. Está peleado con su hermana por un asunto de herencia y ha cortado los lazos con su mejor amigo. Apasionado por los animales exóticos, un día llega a casa con una araña muy venenosa que accidentalmente escapa. Estas rápidamente se reproducen y los habitantes del edificio intentarán sobrevivir a una plaga que se sale de control.
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Crítica
Terrorífica. No apta si tienes miedo a las arañas
Este 2 de febrero llega a nuestras pantallas la ópera prima de Sébastien Vaniček, ‘Vermin: la plaga’. Lo sé, me dan miedo los bichos y me meto a ver una película sobre una plaga de arañas. ¿Qué os puedo decir?, pues que he pasado un miedo tremendo.
Pero no solo depende de que me den o no miedo los bichos, no, sino que ‘Vermin: la plaga’ está muy bien hecha, y tiene una dirección que logra que te mantengas en tensión desde el primer momento en el que conocemos a la araña.
La sinopsis es sencilla, un chaval, en un edificio de viviendas decide meter una araña exótica a su colección, esta se escapa y la lía.
Una de las cosas que me encantó viendo la película, es que estuvimos toda la sala de cine incómoda. Se escuchaban moverse todo el rato las butacas, mientras nos rascábamos sin parar. Me parece tremendo lo que logra Sébastien Vaniček con ‘Vermin: la plaga’. Agobia un montón, utiliza cada rincón del edificio para crear la sensación de claustrofobia y de trampa. Este punto me ha recordado mucho a ‘REC’, en la que el edificio es un personaje más.
La mayoría de las arañas, sobre todo, de la primera parte, son reales. Luego ya, se va metiendo un CGI perfecto, que logra crear unos bichos tan reales que te crees la historia que te están contando.
El reparto está compuesto por chavales bastante jóvenes y que se están abriendo paso en el mundo del cine. ThéoChristine, al que vimos en ‘Gran Turismo’, es el protagonista de esta cinta. Le acompañan, SofíaLesaffre, LisaNyarko, FinneganOldfield, Marie–PhilomèneNga, JerômeNiel o MahamadouSangaré. Entre muchos otros. Un gran acierto, la naturalidad de estos personajes. Gente de calle que te puedes encontrar entre tus amigos y una comunidad de vecinos gigantesca que tienen sus más y sus menos pero que logran crear una sensación de realidad para el espectador que es muy importante a la hora de ver la película.
‘Vermin: la plaga’ tiene un punto también de crítica social, estamos en los suburbios parisinos, abandonados por parte de todos. Pero es cierto que se toca muy bien, sin ser algo demasiado importante, pero lo dejan ahí. Otro punto de realidad para la película.
Así que ya sabéis, id al cine y disfrutar de la experiencia. Porque sin duda, hay que verla en pantalla grande, con un buen sonido para escuchar las patitas y con gente alrededor con la que sufrir juntos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: Vermines. Duración: 106 min. País: Francia. Dirección: Sebastián Vaniček. Guion: Sébastien Vanicek. Música: Douglas Cavanna, Xavier Caux. Fotografía: Alexandre Jamin. Reparto principal: Théo Christine, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel, Lisa Nyarko, Finnegan Oldfield, Marie-Philoméne Nga, Ike Zacksongo-Joseph. Producción: My Box Productions, Tandem. Distribución: Adso Films. Género: Terror. Web oficial: https://adso.tv/ficha/vermin-la-plaga
Una moderna Clarice Starling, Eleanor (Shailene Woodley) es una joven investigadora de la policía que lucha contra los demonios de su pasado cuando es reclutada por el investigador jefe del FBI (Ben Mendelsohn) para ayudar a perfilar y rastrear el trabajo de un individuo perturbado. A medida que la policía y el FBI inician una persecución por todo el país, se ven frustrados a cada paso por el comportamiento sin precedentes del individuo. Dada su torturada psique, Eleanor puede ser la única persona capaz de comprender la mente de su agresor y llevarlo ante la justicia.
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Crítica
Un disfrute intrigante
Misántropo es un término que puede definir a infinidad de héroes y heroínas de películas. Siendo estrictos es todo aquel que destaca por demostrar amor por sus semejantes y por las obras que realiza en favor de la comunidad. En este caso quien se lleva ese apelativo es el personaje de Shailene Woodley, el cual, es una agente que tiene sus propias cicatrices y pesadillas pero no duda en convertirlas en una herramienta para su trabajo.
Damián Szifron, el autor de la aplaudidísima ‘Relatos salvajes’, se sumerge en un relato acotado a menos personajes pero con un carácter internacional. Esta es una aventura para el director argentino que ha rodado en inglés un largometraje de suspense, persecución y psiques perturbadas. Realizar el perfil de un asesino nunca es fácil y siempre es una tarea crucial pues puede ser esencial para adelantarse a sus pasos y detenerle. La idea de ‘Misántropo’ es el emplear a alguien que ha sufrido en sus carnes una confrontación similar para de ese modo comprender al agresor. La misantropía en este caso consiste en un sacrificio por parte de la protagonista que sufre al revivir su propio pasado a cambio de evitarle el mal a otras personas. No es la primera vez que vemos algo similar, pero tanto el guión como la interpretación de la protagonista hacen de este un filme bien armado y con unas pretensiones que van más allá del thriller policíaco estándar.
Las dimensiones de ‘Misántropo’ son las mayores que haya abarcado el director en su carrera. El presupuesto, el elenco actoral, la puesta en escena… todo es un reto que el director maneja con muy buen criterio, con gran sentido del suspense. El arranque con ese francotirador tan calculador y retorcido podría ser perfectamente la persecución de un villano del Batman de Nolan, de hecho, el etalonaje es muy parecido. Planos con drones del skyline, tomas con enfoque profundo, shaky cameras tras los protagonistas… todo ello nos transmite una sensación de desconcierto y peligro que nos marca para todo el metraje. A partir de ahí todo es seguir con atención el esbozo de la protagonista y el asesino y ‘Misántropo’ se convierte en un disfrute intrigante.
‘Misántropo’ es interesante y cautivadora por su ritmo, por las motivaciones de su asesino y por las grandes interpretaciones de Shailene Woodley y Ben Mendelsohn. La actriz retoma la seriedad de papeles como los que interpretó en ‘The mauritanian’ o ‘Snowden’. Por su parte Mendelsohn vuelve a demostrar que interpretaciones mayúsculas como la que tuvo en ‘El visitante’ no son un caso aislado en su carrera. Aunque nos pone la miel en los labios arrancando con una acción trepidante para bajarnos luego a códigos más detectivescos, trabaja muy bien el trasfondo de sus personajes, por lo que es casi imposible perder el interés. Se supone que con ‘Relatos Salvajes’ Szifron ya había demostrado su buen hacer, a la altura de las expectativas hollywoodienses. No me cabe duda de que le seguirán lloviendo proyectos como este más allá de las fronteras de su país.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: To catch a killer. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Damián Szifron. Guion: Damián Szifron, Jonathan Wakeham. Música: Carter Burwell. Fotografía: Javier Juliá. Reparto principal: Shailene Woodley, Ben Mendelsohn, Jovan Adepo, Ralph Inesosn, Richard Zeman, Dusan Dukic, Jason Cavalier. Producción:Distribución: Vértigo Films. Género: suspense. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/misantropo/
‘La tierra prometida’ se sitúa en el Siglo XVIII. El rey danés Frederik V declara que los páramos salvajes de Jutlandia deberían ser colonizados y cultivados para que la civilización pudiera extenderse y generar nuevos impuestos para la Casa Real. Sin embargo, nadie se atreve a seguir el decreto del rey. Esa tierra significa muerte: un lugar lleno de lobos hambrientos y castigado por una naturaleza brutal e implacable. Pero a finales del verano de 1755, un soldado solitario llamado Ludvig Kahlen decide que esos páramos le proporcionarían la riqueza y el honor que había deseado siempre.
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Crítica
Arcel traslada magníficamente los códigos del western al norte danés
Jutlandia, zona del norte de Dinamarca repleta de llanuras y temperaturas frías. Una tierra hostil, estéril, peligrosa e indomable que ha visto acontecimientos como las dos Guerras Mundiales. Pero hace unos trescientos años era aún más indómita pues en ella no había ni rastro de civilización. Este es el panorama que nos brinda ‘La tierra prometida’. Un escenario que nos pinta el norte danés como si fuese el mismísimo western, pero con mucha más humedad en el ambiente y un par de siglos antes del salvaje oeste americano.
Hasta allí se trasladaba gente buscando complacer al rey Frederik V creando nuevos y fructíferos dominios, pero también para hacer fortuna o gloria propia, fundando nuevos asentamientos enfrentándose a la naturaleza y a los maleantes oportunistas. El protagonista, interpretado por Mads Mikkelsen, es un soldado retirado de la guerra que quiere encontrar en esas tierras un futuro. El punto de partida podría recordar a ‘Sisu’ y como ese otro título los códigos son completamente los de las películas ambientadas en el far west, pero el tono y el género son diferentes.
Tenemos a un protagonista recio y combativo, una cabaña en un lugar desierto, fugitivos, bandoleros, terratenientes, un romance a contracorriente… los elementos de las películas de John Ford o Sergio Leone influencian la película de Nikolaj Arcel. Pero evidentemente nos encontramos con detalles daneses como el ambiente frío, los personajes calculadores y la alcurnia europea. También algunos elementos de suspense y de drama criminal. Todo es no es de extrañar pues el director es uno de los creadores de la saga de Los casos del departamento Q. Tenía ganas de ver a este director fuera de esa franquicia, a parte de su versión de ‘La torre oscura’, y no me ha decepcionado para nada. Está claro que al director le gustan los personajes torturados y las historias de llaneros solitarios.
Sobra decir porqué el título en castellano es ‘La tierra prometida’. El original es ‘The bastard’. El personaje de Mikkelsen es un bastardo, fruto de la violación normalizada (en esa época) de un señor a una cortesana. Estamos en el siglo XVIII y este drama de época parece que también sirve de herramienta para rodar una lucha de clases. Tenemos a cortesanos y pobres luchando por un trocito de páramo y por romper el estatus social. Y por debajo de esos colonos se encuentran otras clases aún más apartadas de la sociedad. Aunque ‘La tierra prometida’ es el viaje tortuoso de un personaje cuya evolución está muy bien trabajada, también deja entrever un clamor por la no distanciación entre ricos y pobres, cada vez más evidente hoy en día.
Hay que señalar también a título de curiosidad que la película está basada en la historia real de Ludvig Kahlen. Con mayor o menor rigor histórico está todo maquillado con intrigas palaciegas, refriegas en el bosque y demás. Por ejemplo, la música contribuye mucho a elevar la tensión y hay un par de escenas duras de ver, sobre todo si no soportas los gritos o el sufrimiento animal. Esto me lleva a cerrar con algo que me habría gustado que desarrollase mejor la película. Nos encontramos cerca de un caso casi de caos medieval. Se hace un discurso que enfrenta el concepto de civilización contra los caprichos de los aristócratas de la época. Si el guión se hubiese desarrollado más en ese sentido estaríamos ante una película que además de entretenernos con una curiosidad histórica y calidad cinematográfica nos habría dado que pensar.
Realmente me gustaría concluir la crítica con un elemento de trivia. Amanda Collin coprotagoniza gran parte de la película junto a Mads Mikkelsen. Su personaje plantea similitudes con el que interpretó en ‘Rised By Wolves’. Es una mujer que escapa a una región inhóspita, huyendo del látigo y se ve con la responsabilidad de tener que cuidar a una criatura. Acaba conviviendo sola en una casa por construir rodeada de peligro y con un hombre como único aliado… hasta aquí puedo leer pues hay algún que otro paralelismo más.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: Bastarden. Duración: 127 min. País: Dinamarca. Dirección: Nikolaj Arcel. Guion: Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen. Música: Dan Romer. Fotografía: Rasmus Videbæk. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Gustav Lindh, Kristine Kujath Thorp, Simon Bennebjerg, Melina Hagberg. Producción: Zentropa Entertainment, Film i Väst. Distribución: BTeam Pictures, Divisa. Género: suspense, drama. Web oficial:https://bteampictures.es/the-bastard-la-tierra-prometida/
Amanda Collin es conocida sobre todo por su papel como Madre en la serie tristemente cancelada, ‘Raised by Wolves’, pero ha sido vista también en títulos conocidos como ‘Redención: los casos del Departamento Q’. Ahora participa en ‘La tierra prometida’, una película danesa protagonizada por Mads Mikkelsen basada en hechos reales de la que os hablamos aquí. Si la serie de HBO Max no os es suficiente aliciente para conocer a esta artista deberíais saber que suena muy fuerte para otro título de la misma plataforma, ‘La casa del dragón’.
El estreno está programado para este 2 de febrero de 2024. La actriz tuvo el gesto de acercarse a España para hablarnos del filme y de su participación en él.
Panamá, Uruguay y España localizaciones del rodaje
El pasado 15 de enero comenzó en Panamá el rodaje de‘Papeles’, el nuevo largometraje del director, guionista, actor y productor panameño Arturo Montenegro, conocido por ‘Todos cambiamos’ y ‘Cumpleañero’, películas por las que ha recibido más de 20 premios internacionales además de haber sido las seleccionadas para representar a Panamá a la Mejor Película Internacional en las ediciones 92 y 95 de los Premios Óscar, respectivamente. El rodaje se prolongará durante seis semanas, hasta el 1 de marzo, en localizaciones de Panamá, Uruguay y España.
Protagonizada por Megan Montaner (‘30 monedas’, ‘La caza’, ‘Sin identidad’), Carlos Bardem (‘30 monedas’, ‘Celda 211’, ‘Alacrán enamorado’, ‘Adiós’), Antonio Dechent (‘Cerrar los ojos’, ‘Lobo feroz’, ‘A puerta fría’, ‘Hombre muerto no sabe vivir’) y Gustavo Bassani (‘Iosi, el espía arrepentido’, ‘Pasaporte a la libertad’, ‘Argentina, tierra de amor y venganza’), el reparto de ‘Papeles’ se completa con Jaime Newbal (‘Tumbadores’, ‘Sound of Freedom’, ‘Perdida’) y Nick Romano (‘Stars at Noon’, ‘Plaza Catedral’, ‘Jacob’s Trouble’). Estahistoria inspirada en sucesos reales recrea el escándalo mundial de los Papeles de Panamá, ocurrido en 2016 y considerado el mayor hackeo de la historia, con el filtrado de casi 12 millones de documentos.
Se hablaba de corrupción, evasión de impuestos, lavado de dinero, drogas, armas y un largo etcétera de gente muy poderosa en el planeta. «Panamá se convirtió de repente en una mala palabra ¿Por qué usar el nombre del país?”, se pregunta Arturo Montenegro, el cineasta istmeño que estuvo nominado a los Premios Forqué en 2022 y a los Globos de Oro con ‘Cumpleañero’. Y reconoce que ahora que Panamá ha sido incluida de nuevo en la lista negra de paraísos fiscales por la Unión Europea, ha llegado la hora de hablar de esta historia desde su lado. Confiesa que, con ‘Papeles’,«me gustaría ayudar a generar una reflexión sobre estos hechos. Algo que es un reto porque estamos hablando de cosas reales, de temas dolorosos que están ahí y aún siguen las heridas abiertas. Deseo hacerlo con el mayor respeto y honestidad posible porque es un caso que persiste y donde hay muchas personas afectadas”.
Y apunta que su propósito es contar la historia desde dentro del lado panameño: «Desde ese lugar que nos ayude a tener ganas de soñar otra vez y recuperarnos. Con verdad y sin parcialidad, de manera responsable. Pasando por aciertos, dudas y errores, como la vida de Ana y la de cada uno de nosotros”. Y, reconoce que Los Panama Papers afectaron a todos los panameños: «Es un tema que nos incumbe a todos porque mancharon nuestro apellido. Por eso, con el deseo profundo de desvincular el nombre de Panamá, quise llamar PAPELES a la película. Así… solo Papeles, como todo panameño hubiese querido que esa poderosa campaña se llamase”, concluye.
Por su parte, Patricia González, CEO y Productora Ejecutiva de El Sueño Eterno Pictures, explica qué le atrajo de esta historia: “Cuando se conoció el escándalo de los Papeles de Panamá, siempre me causó mucha curiosidad el lado B de la historia. La oportunidad de ver lo que se vivía desde dentro de la firma señalada por el mundo como la que ostentaba la exclusividad de la corrupción global siempre fue un factor de atracción. Esto es Papeles una historia de daños colaterales y de reputación».
Hemos sabido que se ha iniciado el rodaje de la película ‘Hotel Bitcoin’. Este nuevo largometraje está orquestado por Manuel Sanabriay Carlos “Pocho” Villaverde. A priori llegará a cines de la mano de la distribuidora DeAPlaneta, quien nos ha mandado la primera fotografía del proyecto.
‘Hotel Bitcoin’ pertenece al género de la comedia. Viene acompañada de un elemento tan actual como son las criptomonedas. Cuenta la historia que cuenta con 4 amigos, 5000 bitcoins y 1 portátil. Pero su reparto es algo más voluminoso, protagonizan Alejo Sauras, Canco Rodríguez, Mauricio Ochmann, Pablo Chiapella, Marta Hazas, Leonor Lavado y Vanesa Romero.
Será una película con fiesta, prestamistas, amor, locura y crimen. En ella los protagonistas tendrán que proteger esa el dinero hasta un lunes que parece no llegar, encerrados todo un fin de semana en un hotel.
Manuel Sanabria y Carlos “Pocho” Villaverde , directores, y co-guionistas junto a Ángela Obón, explican: «Desde siempre hemos amado el cine, y sobre todo, la comedia. Nuestra primera película fue una comedia juvenil llamada “La fiesta”. Con “Sinfín, el retorno del rock”, que estuvo nominada a los Goya, seguimos fieles al género. Ahora nos imaginamos qué pasaría si nos encontramos 2 bitcoins y nos persiguen unos prestamistas, y nos entra la risa floja…, ¡así que imagínate sin son 5000…! en estas estamos, haciendo lo que más nos gusta, guiones originales y películas que hagan al público olvidarse de lo que nos rodea durante hora y media”.
Manuel Sanabria y Carlos “Pocho” Villaverde se conocieron estudiando cine en Madrid, y, desde entonces, son amigos, socios laborales, y amantes de las buenas comedias (como esta). Debutaron en el mundo del cine escribiendo, produciendo y dirigiendo una de las comedias más exitosas (y posiblemente la más rentable) del cine español. La película ‘La Fiesta’. Este film, producido con tan solo 6.000 euros, logró tener un potente estreno comercial de la mano de Buena Vista International y, rápidamente, se convirtió en un gran éxito de crítica y público, recaudando cerca de 2 millones de euros. En ella, descubrieron a intérpretes como Alexandra Jiménez, Canco Rodríguez, Norma Ruiz o Raúl Prieto. Dos años después escribieron y dirigieron Sinfín, el retorno del rock (Lolafilms), protagonizada por Nancho Novo, Dani Martín, Ana Álvarez o Armando del Río, y que compitió en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Montreal.
‘Hotel Bitcoin’, cuya producción rodada en castellano se extenderá a lo largo de siete semanas en Madrid, y Murcia, será un largo de 90 minutos. Es una producción de Ídolo Films, La Canica Films y Golpe de Cripto AIE. Cuenta con el apoyo de la Región de Murcia e ICA (Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia) además del apoyo de la SGR y la participación de Netflix.
Christian, un heredero millonario, conoce a Sigrid, una joven estudiante, a través de una aplicación de citas. Congenian rápidamente, pero solo hay un problema: Christian le habla de su perro y ese “perro” parece ser Frank, un hombre aparentemente secuestrado que se disfraza y actúa constantemente como un perro.
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Crítica
Una cinta turbia que juega bien sus cartas
Sigrid encuentra a Christian a través de una App de citas. Congenian rápidamente, además de ser maravilloso y simpático, Christian es un famoso millonario. Sigrid decide ir a su casa donde conoce a Frank, un perro-hombre que convive con Christian. A partir de ahí su relación idílica comienza a ser algo turbia.
‘Good boy’ nos llega desde Noruega gracias a ViljarBøe. Me esperaba una película bastante más perturbadora y creepy de la que he visto. Pero no significa que no me haya gustado, todo lo contrario.
El director logra una cosa bastante buena y es que el director logra mantener el mismo tono en la película bastante tiempo. Tranquilidad y curiosidad por parte de Sigrid hacia su nuevo romance. Pese a su extraño perro. Todo es bastante normal hasta que deja de serlo, claro, si no, la película simplemente sería una cinta romántica con un pequeño e insignificante detalle, Frank, el perro-hombre.
‘Good boy’ tiene el acierto de durar 76 minutos, es un acierto, no porque me gusten las películas cortas, sino porque esta pide serlo. Al final, ‘Good boy’ parece un corto alargado, pero muy bien hecho. Sin necesidad de meternos una trama intrincada para alargar la trama, ViljarBøe, logra contarnos una historia sin complicaciones y sin demasiadas explicaciones. Y eso está muy bien.
Gard Løkke está genial en su papel de millonario romántico que no logra conocer al amor de su vida. Su compañera de reparto, Katrine Lovise Øpstad Fredriksen, también logra convencernos dando a Sigrid una inocencia bastante particular.
Técnicamente no resalta en nada, es sencilla y no quiere que te dediques a contemplar una gran fotografía o escuchar una gran banda sonora. El director, simplemente, quiere que contemples la situación que te está dando y pienses en ella.
La película llega este próximo 26 de enero a Filmin y la verdad que os la recomiendo bastante, es entretenida y como digo, tampoco se complica demasiado en torcer la situación, ya bastante turbia de por sí, sino que simplemente la desarrolla de una manera bastante natural.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de enero de 2024. Título original: Good Boy. Duración: 76 min. País: Noruega. Dirección: Viljar Bøe. Guion: Viljar Bøe. Música: Martin Smoge, Isak Wingsternes. Fotografía:Reparto principal: Katrine Lovise Øpstad Fredriksen, Gard Løkke, Amalie Willoch Njaastad. Producción: Saban Films. Distribución: Filmin. Género: Terror. Web oficial:https://www.filmin.es/pelicula/good-boy
Desde el museo del Louvre al Palacio de Buckingham, pasando por las alcantarillas de París al asedio de La Rochelle… En un reino dividido por guerras religiosas y bajo la amenaza constante de la invasión británica, un grupo de hombres y mujeres empuñarán sus espadas y unirán su destino al de Francia.
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Crítica
Por fin se hace justicia a la anti-heroína que es Milady
Hemos tenido que esperar un poco más de lo anunciado, pero por suerte, el último proyecto de adaptación de ‘Los Tres Mosqueteros’ culmina con esta segunda película que fue rodada simultáneamente a la primera. Martin Bourboulon ha superado las expectativas de todo el mundo y conseguido una visión diferente y aun así más o menos fiel de la novela de AlejandroDumas, un logro que se antojaba bastante difícil, pues como decía en la crítica de la primera parte, esta es una obra ampliamente adaptada. En ‘Los Tres Mosqueteros: Milady’ nos encontramos con más cambios que en la entrega anterior pero al menos tenemos los puntos clave de la trama.
Para empezar, como han hecho versiones anteriores, el gancho está en un reparto repleto de nombres que actualmente tienen mucha relevancia y presencia en el panorama cinematográfico francés. Personalmente me gusta destacar siempre a Romain Duris y PioMarmaï ambos muy relacionados recientemente con Quentin Dupieux, pero evidentemente, los dos protagonistas más importantes de la película son D’artagnan y Milady, interpretados por François Civil y Eva Green. La idea en esta secuela era centrarse más que nunca en el personaje femenino que muchas veces es el archienemigo de los Tres Mosqueteros. En la primera película ya vimos como Eva Green poco a poco se hacía con el protagonismo o absorbía la atención de los espectadores y ahora el guión directamente reposa el peso del filme en ella, aunque como es evidente, el personaje de D’Artagnan acumula mucho más tiempo en pantalla. Éste último aspecto podría hacer que algunos espectadores se sientan traicionados por el título de ‘Los Tres Mosqueteros: Milady’ pero una cosa es hacer que un personaje sea el eje de la historia y otra que sea el máximo protagonista.
Por desgracia, el hecho de ser la enésima adaptación de esta novela, ha hecho que llegue con menos ruido del que se merece. Probablemente, cuando las dos entregas estén en una plataforma, este proyecto cobrará más relevancia entre el público general. Sin embargo, yo invito a que los espectadores se acerquen a ver estas películas, pues la calidad de la producción y su visión ligeramente más oscura y aventurera de la historia bien merece un visionado en pantalla grande. Sobre todo porque hay más de un fotograma trabajadísimo y un par de escenas bélicas.
Desde el mismísimo arranque del filme, que retoma el punto del cliffhanger con el que nos dejaron, el director nos brinda una magnífica secuencia en una prisión y a partir de ahí es un no parar, el ritmo rarísima vez decae. Además de tener una nueva versión para regresar para Francia del siglo XVII o brindarnos una adaptación para nuevas generaciones, para mí esta película sirve para que Eva Green salga ligeramente de ese cliché en el que tanto ha caído. Y lo hace desenvolviéndose estupendamente con la evolución de su personaje y con las escenas de acción.
Por no caer en un buenismo caballeresco, y condescendiente digno de los mosqueteros franceses, habrá que decir algún aspecto malo de ‘Los Tres Mosqueteros: Milady’. Tras el dúo protagonista, una magnífica adaptación y vestuario, han caído relegados a un segundo e incluso tercer plano, el trío de actores que interpretan los mosqueteros. Es una pena que no se aproveche más el talento de Vincent Cassel, Romain Duris y Pio Marmaï. Quien sabe, quizá para una tercera entrega pues de nuevo acabamos con cliffhanger y sin llegar al final del arco principal de la novela. La audiencia, los presupuestos y las agendas dirán. Pero ese ha sido el peaje a pagar por tener una película eficiente en su ambientación, acción y en favor de un enfoque que, como pocas veces, hace justicia a la anti-heroína que es Milady.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de enero de 2024. Título original: Les Trois Mousquetaires: Milady. Duración: 115 min. País: Francia. Dirección: Martin Bourboulon. Guion: Martin Bourboulon, Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Nicolas Bolduc. Reparto principal: François Civil, Eva Green, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Marmai, Vicky Krieps, Louis Garrel, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Oliver Jackson-Cohen. Producción: Pathé, Chapter 2, Constantin Film, M6 Films, ZDF, DeAPlaneta. Distribución: DeAPlaneta. Género: aventuras, adaptación. Web oficial:https://www.pathefilms.com/film/lestroismousquetaires-milady
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