Crítica: ‘Un mal día lo tiene cualquiera’

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Sinopsis

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Sonia se acaba de mudar con su gato a un nuevo estudio en el centro. Es interior, con gotelé, sin calefacción, y bastante ruidoso porque se halla junto a los contenedores de basura; pero por lo demás se trata del pisito ideal. Por fin se ha independizado del todo antes de los cuarenta, qué suerte.

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Crítica

La falta de chispa o mordacidad nos deja sin tono ni género definido

‘Un mal día lo tiene cualquiera’ llega con varios nombres destacados como gancho para el espectador. Para empezar está producida por Álex de la Iglesia y Carolina Bang (Pokeepsie Films). Protagoniza una actriz siempre relacionada con estos dos productores y en muchas ocasiones con sorprendentes personajes como es Ana Polvorosa. Y por último supone la primera película que ha dirigido Eva Hache. El proyecto habría tenido aún más impulso o personalidades destacadas si se hubiese realizado como se anunció allá por 2020. Y es que a priori esta película iba a haber sido una adaptación de las viñetas de Moderna de pueblo. Finalmente Raquel Córcoles y su personaje no forman parte del proyecto pero si la guionista Jalen Morales que ha colocado ciertas similitudes. Desconozco la razón por la que no ha habido adaptación al final, quizá es precisamente el guión pues a mi personalmente no me ha parecido gracioso y supuestamente esto es una comedia.

La trama se podría haber amoldado más a un drama o thriller de esos que siguen la estela de películas como ‘Un día de furia’. La protagonista se queda fuera de casa y sin llaves la noche antes de presentar su tesis doctoral y a partir de ahí comienza una noche infernal, cada vez más surrealista y llena de desquicie. Entiendo porqué a los de Pokeepsie les puede haber gustado este proyecto pues se amolda mucho a sus historias, a esas narraciones cada vez más locas, asimilándose en algunas escenas a películas recientes como ‘El cuarto pasajero’. Pero los chistes no están nada bien trabajados y la excentricidad de algunas escenas no está bien justificada.

Más que en su comedia, si en algo atina ‘Un mal día lo tiene cualquiera’ es en retratar a una juventud que tiene que alegrarse por encontrar pisos sin ventanas pagando tres meses de fianza o amoldar su vocabulario a los nuevos lenguajes inclusivos. En eso y en mostrar a un Madrid insolidario y a una sociedad que prefiere acotarse a las normas de las empresas antes que a un sentido de humanidad. Nos lleva el barrio de La Latina al de Villaverde haciéndonos cruzar con muchos personajes miserables, variopintos o desfasados que nos recuerdan a la Malasaña presentada en ‘Por H o por B’. Eso podría haber sido gracioso si la película intentase retratar la noche madrileña interactuando con estos ingredientes. Pero al final se conforma como un viaje personal que habría funcionado mejor planteado de un modo serio. Las manías controladoras de la protagonista ceden ante el caos esperpéntico y urbano sin chispa ni mordacidad en el guión.

La directora introduce guiños a su Segovia natal acercándose así al espíritu provinciano del cómic que a priori se iba a adaptar. Pero los atolladeros y la resiliencia a la que se enfrentan los migrantes a la capital están completamente ausentes, salvo por el hecho de que el personaje de Ana Polvorosa se topa con personas que se alejan de la cercanía de las genes de pueblo. Tampoco encontramos atisbos de la comedia a la que la presentadora y cómica nos tiene acostumbrados. Hay que reconocer, eso sí, que la película está bien dirigida, con más de una toma curiosa o secuencia con la cámara bien colocada. Incluso se podría decir que la película tiene un estilo propio constante durante todo el metraje. Ojalá eso hubiese sido suficiente pero no acaba de encontrar su tono o género.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2024. Título original: Un mal día lo tiene cualquiera. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Eva Hache. Guion: Jalen Morales. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Alberto Morago. Reparto principal: Ana Polvorosa, Agustín Jiménez, Barbara Mestanza, Juriji Der Klee, Aníbal Gómez, Goize Blanco, Ariana Martínez. Producción: Pokeepsie Films, Atresmedia Cine, Chicas del barroco, ICAA, Movistar Plus+. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/un-mal-dia-lo-tiene-cualquiera

Crítica: ‘Lluvia ácida’

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Sinopsis

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En medio de una ola de calor, una nube de letal lluvia ácida azota Francia. Ante el inevitable avance de la lluvia, el pánico se extiende por todo el país. Selma, una chica de 15 años, y sus padres deberán atravesar la peligrosa y ácida tormenta para buscar refugio y protegerse de la corrosiva lluvia. Mientras tanto, la situación en el país se vuelve cada vez más desesperada, con la sociedad colapsando bajo el peso de la crítica situación. La familia de Selma debe unir fuerzas para escapar, enfrentando una catástrofe climática sin precedentes que amenaza con sumir al mundo en la oscuridad.

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Crítica

Just Philippot inventa otra pesadilla de cielo encapotado a la que le falta poder argumentativo

La campiña francesa suele ser sinónimo de historias bucólicas, de escenas preciosas entre enormes viñedos, de momentos costumbristas y tonalidades cálidas. Pero en el caso de la película de Just Philippot el cambio climático rompe con el romanticismo de esa idea preconcebida para rodearnos de calor y precipitaciones corrosivas.

Tener hijos para esto. Eso parece decir ‘Lluvia ácidda’ pues nos pinta un panorama climáticamente desolador para nuestros herederos y una hija la mar de desquiciante capaz de ser desagradecida reiteradamente a pesar de ver cómo su padre se juega la vida por ella. El fenómeno de la lluvia ácida cobra escala mundial y un nivel de deterioro cataclísmico llegando hasta Francia. Allí le toca poner pies en polvorosa a una familia dirigiéndose hacia el norte de Europa. Como es costumbre en el cine francés hay mucho regodeo en los amoríos y en el drama de los personajes. Un factor importante para esbozar la motivación de estos, pero que le quita demasiado protagonismo al evento apocalíptico.

No hay suficientes kleenex ni Almax para sobrevivir a este chaparrón dramático y corrosivo. Con todo esto no quiero decir que la película sea mala pero has de saber que no es precisamente un espectáculo a lo Roland Emmerich. Dicho esto no me da tanta pena que no se pueda ver en cines. No es de esos títulos que os recomiende ver en pantalla grande. YouPlanet distribuirá ‘Lluvia ácida’ por las plataformas de streaming establecidas en España y en formato físico.

Just Philippot, también director de ‘La nube’, parece tenerle miedo a los cumulonimbos y nos mete en otra pesadilla de cielo encapotado. A destacar la interpretación de Guillaume Canet, algunos momentos de drama hardcore y el manejo de la cámara en las escenas de huida más trepidantes. Te gustará si te gustan las películas paternofiliales apocalípticas como ‘The road’ o ‘Cargo’. También tiene alguna que otra similitud con la magnífica serie también francesa, ‘El colapso’, pero le falta entrar más en barrena con el cambio climático y las consecuencias de que el planeta nos ponga en jaque mate cambiando por completo nuestro modo de vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2024. Título original: Acide. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Just Philippot. Guion: Yacine Badday, Just Philippot. Música: Robin Coudert. Fotografía: Pierre Dejon. Reparto principal: Guillaume Canet, Laetitia Dosch, Patience Munchenbach. Producción: Bonne Pioche, Pathé Films, France 3 Cinéma, Caneo Films, Umedia, Logical Content Ventures, Canal+. Distribución: Movistar Plus+/Youplanet. Género: ciencia ficción, terror. Web oficial: https://www.youplanetpictures.com/lluvia-acida/

Crítica: ‘Vive dentro’

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Sinopsis

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Sam es una joven india-estadounidense desesperada por encajar en el instituto. Ella prefiere rechazar su cultura y su familia para ser como el resto de sus compañeros. Cuando un espíritu demoníaco mitológico se aferra a su antigua mejor amiga, deberá aceptar su herencia para derrotarlo.

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Crítica

Desperdicia la oportunidad de aterrarnos con las particularidades hinduistas

Los productores de ‘Déjame salir’ nos traen ahora ‘Vive dentro’. Parece que ambos títulos podrían estar relacionados pues aluden a la situación de un personaje encerrado en alguna parte pero esta es una película que se diferencia mucho de aquel exitoso largometraje de Jordan Peele. Bishal Dutta es el autor de este filme que se distancia tanto de la originalidad de ‘Déjame salir’ y se aproxima demasiado a tantas y tantas películas de demonios y posesiones que se estrenan últimamente.

Terror adolescente, acoso escolar, incomprensiones y dogmas de fe… La historia es una más de instituto en la que la protagonista intenta encajar y buscar su lugar en el estatus social. Tenemos a un personaje que se avergüenza en parte de sus raíces y que reniega de la que hasta entonces era la amiga de su infancia. Esta última va por el instituto perturbada y portando un bote. Dentro de este tarro está el germen de la historia de terror.

Lo único que esboza bien la película es ese rechazo que a veces tienen los hijos de inmigrantes hacia la cultura de sus antepasados. ‘Vive dentro’ no aprovecha bien el choque cultural, tampoco todo lo que podría haber aportado la religión hinduista. Nos genera una curiosidad mínima pues lo habitual en el cine de posesiones es movernos por los términos del catolicismo y durante toda la película vivimos escenas de terror pero no se profundiza en la demonología de la india. Eso nos hace pensar durante el relato que es porque al final se establecerá una metáfora, pero no esta no llega, es más, el final es de lo más convencional.

Si acaso se puede rescatar de ‘Vive dentro’ la actuación de Megan Suri y algunas muertes. Los efectos digitales están bien trabajados, lástima que al final el filme se pierda queriendo ser más explícita y acabe con unos efectos prácticos tan evidentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2024. Título original: It lives inside. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Bishal Dutta. Guion: Bishal Dutta. Música: Wesley Hughes. Fotografía: Matthew Lynn. Reparto principal: Megan Suri, Neeru Bajwa, Mohana Krishnan, Betty Gabriel, Vik Sahay, Gage Marsh, Beatrice Kistos. Producción: Brightlight Pictures, Neon, QC Entertainment. Distribución: A Contracorriente films. Género: terror. Web oficial: https://neonrated.com/films/it-lives-inside

Crítica: ‘UFO Sweden’

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Sinopsis

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UFO Sweden es una organización que investiga fenómenos sobrenaturales. Un día, la rebelde adolescente Denise aparece con un caso distinto a todo lo que han visto antes. Juntos se embarcan en una arriesgada aventura que los lleva más allá de la ley y a un mundo de fenómenos inexplicables.

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Crítica

Correcta en su planteamiento dramático pero excesivamente áspera y sin carisma

Suecia, años 80. Un hombre roba papeles sensibles de un centro que bien podría ser el Area 51 sueca pero realmente es un instituto meteorológico. Se entiende que esos documentos son los causantes de la muerte de ese amante de la ufología pues ya en el 96 su hija vive en adopción en un ambiente de delincuencia juvenil. Para ella su padre no la abandonó y recientes sucesos desconcertantes empiezan a apoyar su teoría de fue abducido o por lo menos que tenía razón cuando afirmaba que existen los extraterrestres. Para ello intenta aliarse con una asociación de ufología, UFO Sweden, en la que encuentra amigos y enemigos. Como podréis imagina con tal premisa lo que nos espera es una aventura de traiciones y locuras, pero también un drama paternofilial.

El de ‘UFO Sweden’ es un caso ideal para ser investigado por Mulder y Scully. Solo que aunque estemos en tiempos del Windows 95, la música, la Game Boy, la ropa y todo el regodeo en la cultura pop de los ochenta la hacen parecer el Stranger Things sueco. UFO Sweden es el nombre de la asociación de desacreditados amigos a la que pertenecía el padre de la protagonista. Contra la desinformación de los poderes fácticos secretos han de luchar para conseguir que sus conciudadanos crean que hay algo más de lo que vemos o sabemos. Muy de fondo está el tema de la luz de gas o de los conspiranoicos, la película de Victor Danell se encarga sobre todo de intentar reflejar la desesperación de una hija que quiere que la crean.

La aspereza sueca impide que esta sea una aventura más divertida y se amolda sobre todo a posibilidades terrenales, plausibles y falibles. La película tiene altibajos y le cuesta retomar el ritmo. Tiene demasiados giros para lo poco que progresa la trama. Por si fuese poco le falta carácter a este equipo de conspiranoicos, algo más de chispa. El acierto de este filme que habla de la búsqueda de extraterrestres es el enfocarse en aquellos que se mueven fuera de la órbita de lo normal, quienes reciben el nombre de freaks solo por tener una afición o un comportamiento que parece de otro mundo. Eso y su final, al más puro estilo Nolan/Zimmer, que recibió aplausos en el Festival de Sitges.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2023. Título original: UFO Sweden. Duración: 115 min. País: Suecia. Dirección: Victor Danell. Guion: Victor Danell, Jimmy Nivrén Olsson. Música: Gustaf Spetz. Fotografía: Hannes Krantz. Reparto principal: Inez Dahl Torhaug, Jesper Barkselius, Eva Melander, Sara Shirpey, Oscar Töringe, Håkan Ehn, Isabelle Kyed, Niklas Kvarnbo Jönsson, Mathias Lithner, Joakim Sällquist, Lilly Lexfors. Producción: Crazy Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, ciencia ficción. Web oficial: http://www.crazypictures.se/fiction#

Crítica: ‘Griselda’

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Una historia de madre desesperada, de empoderamiento y también de enloquecimiento

Los creadores de ‘Narcos’, Eric Newman y Andrés Baiz, junto con Doug Miro, Ingrid Escajeda y Carlo Bernard, vuelven con una historia real sobre el tráfico de drogas. ‘Griselda’ podría considerarse una precuela de ‘Narcos’ pues se ambienta en los años setenta y ochenta. Y no solo por el espacio temporal que abarca, sino porque trata sobre Griselda Blanco, la que en muchas ocasiones se ha considerado como una de las personas que contribuyó al imperio de Pablo Escobar en sus primeros años.

Sofía Vergara es quien interpreta a la protagonista. Encarna a una mujer que se abrió paso en un mundo de hombres jugándose lo poco que tenía y la vida misma. Curioso que en la entrevista con Pablo Motos el presentador hiciese unas preguntas tan inapropiadas que parecían dignas de uno de los personajes que pugnan por arrebatarle su poder. Vergara plantó cara al capitán de El Hormiguero y su personaje hace lo mismo. Esta es una serie que ha hecho que la actriz se enfrente a un reto interpretativo. Se ha sumergido en el drama intentando huir de dos corsés en los que estaba metida desde hace años. Por un lado se aleja significativamente de la comedia que era ‘Modern family’ y por otro se escabulle de los personajes que explotan su cuerpo. Interpretativamente esta miniserie es sin duda para ella un impulso que le puede abrir otras muchas puertas. Lástima que el maquillaje solo consiga afear su aspecto y no asemejarla al personaje original, como nos dijeron en la rueda de prensa que podéis ver aquí, se ha rodado tan rápido y durante tanto tiempo que no había tiempo para conseguir un resultado más fidedigno.

La propia actriz declaró en el encuentro que tuvimos con ella que no le agradaría someterse a más sesiones de prostéticos. Es esa quizá una de las razones por las que ‘Griselda’ concluye solo con seis episodios. Eso y que se han intentado alejar del formato de ‘Narcos’. No tenemos múltiples temporadas y tampoco una voz en off. Todo ello en favor de buscar una visión más personal del personaje, lo cual recordará a muchos a series como ‘Breaking Bad’ o ‘Los Soprano’. También se ha querido mostrar una etapa y faceta concreta del personaje que impide ver porqué se la apodó “La viuda negra” o cómo creó el cartel de Medellín junto a los Ochoa, Escobar y Lehder, aunque esto último se deja intuir. ‘Griselda’ es una historia de madre desesperada, de empoderamiento y también de enloquecimiento. Los creadores de la serie parecen encasillados o ensimismados con el mundo de las drogas, pero se agradece este cambio con una perspectiva más íntima y menos política de la historia.

Para Vergara, Colombiana de nacimiento, también ha supuesto quitarse una espina clavada y poder rodar con un reparto latino. Además de ella están en el elenco Alberto Guerra, Christian Tappan, Martín Rodríguez, Juliana Aidén Martinez, Vanessa Ferlito y haciendo su debut en la pantalla, Carolina Giraldo (a.k.a Karol G). Y el reparto de la serie incluye otras colaboraciones especiales entre los que se encuentran Alberto Ammann y Ernesto Alterio, los cuales hacen de hermanos y en el caso del segundo de ellos con un trabajadísimo acento.

Hablo mucho de Sofía Vergara porque efectivamente ella es el centro de la serie y lleva bien el peso del protagonismo. Pero siendo justos hay que destacar el trabajo muy logrado de secundarios como Juliana Aidén Martinez en el papel de la agente June que también se enfrenta al machismo y racismo de los ochenta. O el hipnótico personaje de Martín Rodriguez como Rivi.

Quizá hay que reprocharle a la serie que en su búsqueda de abordar una dimensión diferente de “La madrina” no siga la pauta que nos marcan en los títulos de inicio. La serie abre con una frase de Pablo Escobar en la que reconoce que la única persona que le ha dado miedo en la vida ha sido ella pero durante todos los episodios solo vemos a una mujer falible, temerosa y errática, aunque despiadada en momentos puntuales y desesperados. Eso y que para ir de principio a fin en su vida en tan pocos episodios se dan varios saltos temporales que nos dejan con la sensación de que nos hemos perdido algo.

Crítica: ‘La zona de interés’

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Sinopsis

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El comandante de Auschwitz Rudolf Höss y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca del campo de prisioneros.

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Crítica

Una pérdida de humanidad mostrada tan trivialmente que da escalofríos

Jonathan Glazer vuelve con su estilo enigmático y se pone más histórico que nunca basándose en una novela de Martin Amis, quien falleció justo el día que se estrenó el filme en Cannes. En ‘La zona de interés’ nos traslada a un escenario tristemente conocido como es Auschwitz pero nos da un paseo de lo más recreativo y bucólico entre bastidores. Como si nos emplazase a visitar un jardín del Edén separado del infierno por un solo muro alambrado, nos presenta a la familia del dirigente del campo de concentración, la cual vive en una casa ajardinada idílica. Es una idea que puede parecer tan retorcida como el cine de Lars Von Trier pues se fundamenta en una visión frívola y casi preciosista de los acontecimientos, pero utiliza más sutilezas que el director danés para conseguir hablar de lo flemáticos que pudieron llegar a ser los nazis.

Lo que nos plantea Glazer es una cotidianidad y un costumbrismo atroz y cruel que sin duda tiene mucho de improvisación para el reparto. Acompañamos a Rodolf Hoss y a su familia (todos magníficos en su papel) en su día a día. El director se imagina su rutina sin tener en cuanta que hablamos de uno de los artífices de la solución final. Este podría ser perfectamente el relato de un funcionario de hacienda o un fontanero y su familia. Lo que nos llena de terror es el cómo esta casa está llena de personas que trabajan en ella como si fuesen fantasmas, rodeados de lamentos y ceniza surgidos de lo que antes eran considerados seres humanos.

El planteamiento es hacernos ver que hay dos bandos que han perdido su humanidad. Unos por la degradación sufrida y otros por lo despiadado de sus métodos. Sin ser explícito no se aleja mucho del contraste trabajado en películas como ‘La vida es bella’ o ‘El niño del pijama de rayas’. La idea es estupenda y nos hipnotiza durante más de la mitad del metraje. Pero llega un momento en el que se agotan los recursos hasta tal punto de terminar con un tercer acto que se aleja demasiado de su gancho para intentar arrojar algo de sensibilidad o remordimiento sobre los verdugos. Solo así llego a entender la arcada final.

La película está llena de travellings, de planos a lo Kubrick y de tomas que respetan al máximo la regla de os tres tercios reservando el superior de ellos casi siempre para el horror… Es una película sobre un campo de concentración que puede sentirse como algo terrorífica pero aún así no hay que advertir de la dureza de sus imágenes porque no es explícita. Sin embargo si que hay que recomendar encarecidamente que su visionado sea en pantalla grande pues está dotada de detalles tan sutiles que se pueden escapar o confundir con la acción de la escena y sobre todo hay que verla con un sonido que permita alcanzar a percibir hasta el vuelo de una mosca. Toda la película está repleta de humo de chimenea y locomotora, de guardias gritando o disparando, de lamentos, de explosiones flamígeras… Todo está tan de fondo que la sensación de trivialidad da escalofríos.

Pero no olvidemos quién es el director de ‘La zona de interés’ y cuál es su productora. Es un trabajo de Glazer con A24 a si es que era de esperar que habría detalles fuera de la norma. El director no ha podido evitar introducir elementos experimentales que hacen del todo algo enigmático. Desde el mismísimo título introductorio hasta diversas secuencias rodadas con visión nocturna se hace un intento en vano de formar parte de una corriente postmoderna. El auténtico valor de ‘La zona de interés’ reside en lo que transcurre de fondo, no en cómo de “rara” es capaz de ser. Aún así para mi es una obra mejor armada que ‘Under the skin’. 

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero 2024. Título original: The zone of interest. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Jonathan Glazer. Guion: Jonathan Glazer, Martin Amis (novela). Música: Mica Levi. Fotografía: Lukasz Zal. Reparto principal: Sandra Hüller, Christian Friedel, Freya Kreutzkam, Ralph Herforth, Max Beck, Ralf Zillmann, Imogen Kogge, Stephanie Petrowitz, Nele Ahrensmeier, Johann Karthaus, Daniel Hozberg. Producción: A24, Film4 Productions, Jw Films, Extreme Emotions. Distribución: Wanda Vision. Género: Drama. Web oficial: https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/la_zona_de_interes

Regalamos un Blu-ray de ‘Mi soledad tiene alas’

Llega a Netflix y nosotros la regalamos en formato doméstico

Mario Casas se lanzó a la dirección con una idea nacida durante la época de los confinamientos del COVID-19. Elaboró un guión junto a su pareja Déborah François y se puso manos a la obra. El resultado es ‘Mi soledad tiene alas’, una película que protagoniza su hermano Oscar junto a Candela González. Un largometraje debut al que merece la pena que le deis una oportunidad y si os gusta tanto como a nosotros quizá también lo queráis tener en formato físico.

Podéis leer nuestra crítica en este enlace y ver un análisis de la edición que ha lanzado Arvi Licensing en este otro link.

Ahora que Netflix ha puesto en su catálogo el filme os damos la oportunidad de tener una copia. Al fin y al cabo los catálogos de las plataformas cambian constantemente y un Blu-ray está siempre ahí para cuando lo quieras ver.

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¡Mucha suerte a tod@s y felices fiestas!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos antes del 24 de enero de 2024 a las 23:59h. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, X, Threads o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

Ganador:
@Mariquilladel86 (red social: X).

Crítica: ‘¡Felices 50!’

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Sinopsis

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Para celebrar el 50 cumpleaños de Yves, sus amigos planean llevarlo a Grecia. Pero debido a la cancelación de un vuelo, las vacaciones tendrán lugar en un destino mucho más lluvioso: la casa familiar de Yves en Bretaña. Durante estos días juntos, sus lazos se pondrán a prueba por las constantes quejas de Antoine, el orgullo de Yves, la superstición de Baptiste y los celos de Laurent.

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Crítica

Nada nuevo en esta secuela llena de clichés

‘¡Felices 50!’ (‘Plancha’ es el original) es el título con el que se ha quedado en España esta película de un grupo de amigos que se reúnen para celebrar el 50 cumpleaños de uno de ellos. La producción francesa es la secuela de ‘Barbacoa de amigos’ (2014) la cual ya nos presentaba a los mismos protagonistas en otra reunión.

Cinco parejas de amigos deciden viajar al sol del mediterraneo pero se ven obligados a cambiar de planes y terminan yendo a la bonita Bretaña francesa para pasar los días en la gran casa familiar de Yves, precisamente el que cumple años. Aquí es cuando la caprichosa meteorología de la región hace que tengan que pasar más tiempo en el caserón dónde empiezan a verse situaciones típicas que no salen de los típicos clichés que hemos visto muchas veces ya antes: envidias, traumas, anhelos, y en definitiva, matices en varios personajes que crean situaciones con un tono de comedía ligera haciendo que el conjunto sea una película entretenida de ver.

Lo dicho, no aporta nada original, y de hecho es una secuela de una primera peli que tampoco aportaba nada más que clichés. No ha mejorado. De tan ligera que es, sonríes de vez en cuando y emites alguna risilla sonora en algún momento. La duración de 100 minutos ayuda también.

Entre los actores y actrices que componen estas 5 parejas, sin ser un gran aficionado al cine francés, solo reconozco a Lambert Wilson. Todos los aficionados a la ciencia ficción también lo harán por su papel de Merovingio al lado de la siempre espectacular Mónica Bellucci en la saga ‘Matrix’. El trabajo de todos es correcto pero el guión como os comentaba, tampoco está para muchas complejidades y adolece de ingenio y originalidad.

‘¡Felices 50!’ Es la típica peli de maduritos reunidos en una casa con toques de comedia y con sus historias entre ellos. De esas que te da la sensación de que has visto ya más veces. Se deja ver, entretiene pero tampoco te llega a emocionar… o en todo caso lo hace con su final como no podría ser de otra manera.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero de 2024. Título original: Plancha. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Eric Lavaine. Guion: Eric Lavaine, Héctor Cabello Reyes. Música: Lucas Lavaine, Grégory Louis. Fotografía: Antoine Roch. Reparto principal: Lambert Wilson, Franck Dubosc, Guillaume De Tonquédec, Caroline Anglade, Lionel Abelanski, Lysiane Meism. Producción: Same Player, StudioCanal, TF1 Films Production, Canal+, Ciné+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.barbecue-lefilm.fr/plancha-film

Crítica: ‘Chicas malas’

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Sinopsis

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Tina Fey emplea su ingenio para la comedia para dar un nuevo giro al clásico moderno Chicas Malas. La novata Cady Heron (Angourie Rice) es bienvenida a la cima de la escala social del instituto, al ser acogida por el elitista grupo de chicas populares denominado “Las Divinas”, regido por la intrigante abeja reina Regina George (Reneé Rapp) y sus secuaces Gretchen (Bebe Wood) y Karen (Avantika). Sin embargo, Cady comete el grave error de enamorarse del antiguo novio de Regina, Aaron Samuels (Christopher Briney), y acaba poniéndose en el punto de mira de esta. Cady, con la ayuda de sus amigos marginados Janis (Auli’i Cravalho) y Damian (Jaquel Spivey), se propone acabar con la principal depredadora del grupo, pero para lograrlo deberá aprender a ser fiel a sí misma mientras navega por la jungla más despiadada de todas: el instituto de secundaria.

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Crítica

Con el mismo espíritu pero adaptada a nuestra actualidad

En 2004 llegó a nuestras vidas ‘Chicas malas’ protagonizada por Lindsay Lohan, Rachel McAdams, Lacey Chabert y Amanda Seyfried entre muchos otros. Una joven llegada de África entra en la jungla de un instituto norteamericano, donde las tribus no se mezclan y como en todos lados están también los reyes, en este caso, las reinas son las Divinas, crueles seres que tienen a todo el instituto a sus pies.

Veinte años después llega ‘Chicas Malas’ de nuevo a nuestras salas de cine. Eso sí, en una versión musical que ha triunfado ya en Broadway.

Clavada a la primera versión, pues, al fin y al cabo, sigue estando Tina Fey dentro del equipo de la cinta, encargándose de nuevo del guion y de uno de los papeles importantes en la historia.

‘Chicas malas’, aunque es completamente igual, no me ha terminado de entusiasmar. Supongo que no es una película para mí. Llena de música pop y grandes coreografías, la cinta nos muestra un mundo lleno de traiciones, falsedades, hormonas y locuras. Además de una gran reflexión y que al final, las apariencias engañan, pero para todos lados. Ni todo el mundo es tan bueno ni tampoco tan malo.

Tiene buenos momentos, buenos números musicales y también buenas actuaciones. Pero es cierto que he vuelto a revisionar la original y me parecen a la vez tan distintas. Supongo que me hago mayor y muchas de las coñas que aparecen en la cinta nueva no las he terminado de entender. Son películas cada una de su época y se nota.

La encargada de dar vida a Cady Heron, es Angourie Rice, esta joven que se dará cuenta de lo complicado que es este nuevo mundo en el que se adentra. Y de como las mentiras y envidias, harán mella en su personalidad.

Reneé Rapp, interpreta a Regina George, la cual ya interpretó en la obra teatral de Broadway. Está maravillosa, tiene una voz tremenda y uno de los números musicales que ella interpreta es de los mejores que podremos ver en la película sin duda.

Avantika y Bebe Wood, dan vida a las otras dos reinas del instituto. Mientras que Auli’i Cravalho y Jaquel Spivey son los encargados de interpretar a las dos primeras personas que intentan acercarse a Cady y hacerse con su amistad.

En el resto de reparto encontramos nuevas promesas y caras conocidas, Busy Philipps, Christopher Briney, Tim Meadows, Jon Hamm, Jenna Fischer, Tina Fey, Ashley Park o Grabriella Cila entre muchos otros. Por supuesto tendremos alguna que otra sorpresa en la película.

Como digo, aunque a mí no me ha gustado demasiado, creo que es una buena adaptación para estos tiempos. Llena de color, de música por todos lados y también de críticas adaptadas a la actualidad, como es el tema de las redes sociales y del mal que se pueden hacer con ellas. La puedo comparar con algo así como un ‘High School Musical’ de esta nueva época.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2024. Título original: Mean Girls. Duración: 112 min. País: Estados Unidos. Dirección: Samantha Jayne, Arturo Perez Jr. Guion: Tina Fey. Música: Jeff Richmond. Fotografía: Bill Kirstein. Reparto principal: Angourie Rice, Reneé Rapp, Jon Hamm, Jenna Fischer, Avantika Vandanapu, Auli’i Cravalho, Jaquel Spivey, Bebe Wood, Tina Fey, Christopher Briney, Tim Meadows. Producción: Broadway Video, Little Stranger, Paramount Pictures, Paramount Players. Distribución: Paramount Pictures. Género: Musical. Web oficial: https://www.paramountpictures.com/movies/mean-girls

Crítica: ‘Beekeeper: el protector’

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Sinopsis

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Un «beekeeper» es un operativo de alto nivel a quien solo se recurre en situaciones extremas de emergencia nacional. Cuando Adam Clay (Jason Statham), agente retirado, se pone en marcha de forma independiente después de descubrir una conspiración en las más altas esferas del gobierno, ningún mecanismo de seguridad puede evitar que utilice todos sus recursos para hacer justicia.

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Crítica

Un desfile de mamporros y horteradas que desvaría en el tercer acto

Acudo a ver ‘Beekeeper: el protector’ buscando al David Ayer de películas como ‘Training Day’ o ‘Corazones de acero’, no al de ‘Escuadrón Suicida’ o ‘The tax collector’. Desafortunadamente para mi está nueva obra está más cerca del director que ama la acción casi disparatada sin cuidar aspectos como el mensaje, la coherencia o la continuidad que de aquel que genera guiones con personajes interesantes. Con el que sí que intuía que me reencontraría es con el Jason Statham de innumerables películas de tiros y patadas. El actor continúa enfrascado en ese tipo de roles que le pintan como héroe solitario, irascible e imbatible. A si es que si vas a ver ‘Beekeeper’ prevenido estás, este no es un thriller de acción con elaborada trama, sino una de esas películas que concatenan escaramuzas y algo de humor físico y negro.

Statham ha tenido ya más profesiones que Homer Simpson. Ahora, en vez de ser un chófer o un sicario o un buzo, es un apicultor. Pero en este caso ese oficio sirve para usar un doble sentido,  como la tapadera o el apodo para referirse a un agente al que se recurre solo en situaciones extremas. ‘Beekeeper’ es una historia que recurre a clichés mejor explotados por películas como la saga ‘Bourne’ o ‘Jack Reacher’, a saber, agente apartado del sistema que tiene que volver a la acción al verse involucrado personalmente en una muerte. En ocasiones recuerda a las cruzadas de John Wick o al carácter justiciero y protector del ‘Punisher’ interpretado en su día por Thomas Jane. Ahí está lo más rescatable del filme. Entre multitud de analogías y juegos básicos de palabras encontramos una filosofía que nos lleva a pensar en nuestro sistema como algo a proteger, con la importancia vital de las abejas en la cadena trófica y miembros capaces de hacer sacrificios a toda costa. 

La película transcurre a toda mecha, con demasiadas casualidades y cercanías geográficas que favorecen a la acción pero destrozan los tiempos fílmicos. De camino nos encontramos con Josh Hutcherson y Jeremy Irons en unos personajes que podrían haber interpretado cualquiera de los actores del reparto de secundarios. Se percibe que el poco cuidado de estos aspectos se deben a que el foco era propiciar una acción que en muchas ocasiones parece surrealista, teniendo un tercer acto al cual se le va la pinza, por supuesto sin llegar a las cotas de ‘Megalodón’. Tanto David Ayer como Jason Statham están acostumbrados a edulcorar sus películas con momentos casi ridículos en cuanto a lo que se refiere la física o las capacidades de una persona, pero al menos en ‘Beekeeper’ han sabido llevarlos con cierto carisma. Además posee una mezcla de estilo de acción clásica con parafernalia moderna que no acaba de cuajar. Es un desfile de mamporros y horteradas que confirman una vez más esa declaración de intenciones por parte del director que parece que no atiende a feedbacks y si a su propio gusto, algo que como poco es respetable.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2024. Título original: The Beekeeper. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: David Ayer. Guion: Kurt Wimmer. Música: Jared Michael Fry. Fotografía: Gabriel Beristain. Reparto principal: Jason Statham, Josh Hutcherson, Jeremy Irons, Punch Palace Productions. Producción: Cedar Park Entertainment, Miramax. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial: https://instagram.com/beekeepermov?igshid=OGQ5ZDc2ODk2ZA%3D%3D

Crítica: ‘Perfect Days’

En qué plataforma ver Perfect Days

Sinopsis

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Hirayama parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de lavabos públicos en Tokio. Fuera de su estructurada rutina diaria, disfruta de su pasión por la música y los libros. Le encantan los árboles y les hace fotos. Una serie de encuentros inesperados revelan poco a poco más de su pasado.

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Crítica

Hay belleza en lo que nos quiere mostrar, tanto con simpleza como con sinceridad

Hoy toca hablar de ‘Perfect Days’. Como primer dato, es la producción escogida para representar a Japón en los Oscar 2024. Una producción con colaboración europea en el guión y en la dirección por parte del veterano Wim Wenders que se nos presenta como uno de los filmes lo más intimistas de sus últimos años.

No os quepa duda que ‘Perfect Days’ es una película anómala, y me explico. Fue filmada en 17 días y su guión, muy escueto por otra parte, fue escrito en 3 semanas. Eso os puede dar una idea de la “sencillez” del conjunto. Trata de una especie de “día de la marmota” en la vida de un hombre de costumbres sencillas que se gana la vida limpiando servicios públicos en Tokio. Con el paso de los días se nos añaden pequeños detalles que enriquecen esta historia tan simple.

Nada más empezar, asistimos a un día en la vida de Hirayama, bien interpretado por Kôji Yakusho. Un día entero desde que se levanta hasta que se acuesta. No recuerdo cuánto tiempo, pero sí puedo afirmar que hasta que aparecen los primeros diálogos pasa bastante metraje. Es una historia que se centra en seguir con la cámara a este hombre de costumbres, de rutina sencilla y que te enseña más de una reflexión si uno tiene la paciencia para que la peli madure con el paso de los minutos. Es posible que sea lenta para muchos, bellísima para otros y poco comprensible para otros, pero en mi caso me dejó reflexivo por ese mensaje de que no hace falta mucho para llevar una buena vida si aprecias lo que realmente tienes a tu alrededor. La belleza de una fotografía, la relación con tu familia, tus compañeros de trabajo, el camarero que te pone la comida y sobre todo la bondad que haya en tu corazón. Y todo eso lo vas vislumbrando viendo limpiar retretes al protagonista entre otras cosas rutinarias que realiza.

Creo que hay belleza en lo que nos quiere mostrar, con tanta simpleza como sinceridad. Esas pequeñas cosas. Ese almuerzo en el parque, la fotografía de un árbol… una banda sonora de canciones que pretenden acompañar y dar más sentido a lo que está pasando… Todo ello rodado en un formato de 4:3 poco común hoy en día, pero que creo que ayuda a concentrarse más en cada plano para meterse más en la historia.

Sustentada en una buena actuación, un formato diferente, una historia sencilla de un personaje que se nos hace entrañable, ‘Perfect Days’ te puede dar una visión fresca e íntima de la vida. Como conclusión, y no hago spoilers, se nos traduce algo que puede que a muchos de vosotros les dé el sentido final a la película. No es para todos, pero es buen cine en mi opinión.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2024. Título original: Perfect Days. Duración: 124 min. País: Japón. Dirección: Wim Wenders. Guion: Takuma Takasaki, Wim Wenders. Fotografía: Franz Lustig. Reparto principal: Kôji Yakusho, Tokio Emoto, Arisa Nakano, Aoi Yamada. Producción: Master Mind, Wonders Images. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://www.the-match-factory.com/catalogue/films/perfect-days.html

Crítica: ‘Orphan Black: Echoes’

En qué plataforma ver Orphan Black: Echoes

Una serie que arranca con interrogantes de esos que enganchan

Más de cinco años han pasado desde que terminó la temporada cinco de ‘Orphan Black’ y es el momento de que España vea el estreno de la nueva serie derivada de ese universo. El próximo 8 de enero SYFY estrenará el spin off, secuela o continuación, ‘Orphan Black: Echoes’. Una serie que arranca de manera potente y que nos promete diez episodios de pura ciencia ficción, drama, acción y reconexión con el pasado, los fans de la serie entenderán el doble sentido de esto último.

Independientemente de si viste en su día la serie original o no, ‘Orphan Black: Echoes’ se puede seguir sin problema. Nos ubicamos cuarenta años después en la ficción y volvemos a este mundo que habitaron los clones de Sarah Manning (Tatiana Maslany). Tiempo suficiente como para que durante esta temporada tengamos el cameo de alguno de los personajes, como presagia el último plano del primer episodio. De hecho no es spoiler que la serie cuenta en su reparto con una Kira Manning ya adulta (Keeley Hawes sustituye a Skyler Wexler). Aun así, esta nueva etapa arranca con personajes nuevos.

La serie comienza con una situación bastante desconcertante para la protagonista que de inmediato se ve sumergida en una trama de conspiraciones. Con un pasado por desvelar y una vida por fraguar conocemos a Lucy, una joven que quiere hacer borrón y cuenta nueva alejándose de un pasado reciente muy traumático. A los fans de ‘Orphan Black’ no les pillará nada desprevenidos el hecho de que esta mujer tenga un origen tan… artificial, pero si se plantean unos cuantos enigmas que harán que se enganchen a esta nueva historia. Hemos visto el primer episodio y ya plantea un buen número de interrogantes, de esos que te meten ganas de seguir viendo episodios. La nueva etapa de la serie esquiva la repetitividad y pone en marcha más de una idea original que satisfará a los seguidores más acérrimos.

La encargada de encarnar a la protagonista, que probablemente se convierta en protagonistas, es Krysten Ritter. Venimos de una serie en la que Maslany demostró talento interpretativo llevando a cabo diferentes registros. El reto que tuvo fue similar al de Diane Guerrero con Crazy Jane o al de Noomi Rapace en ‘Siete hermanas’. En esta ocasión puede que se gestione el tema de los clones de otra manera, pero igualmente desde el minuto cero Ritter nos demuestra que no hay serie pequeña para ella y vuelve a darlo todo, como ya vimos en ‘Breaking Bad’ o ‘Jessica Jones’.

Anna Fishko (‘Fear The Walking Dead’) coge el testigo de Graeme Manson y John Fawcett. Con ‘Orphan Black: Echoes’ continúa con el mundo de las Manning explorando una vez más el sentido de la humanidad y sobre todo un gran dilema de personalidad y existencia que a muchos puede recordar a lo tratado en ‘Westworld’.

Análisis del Blu-ray de Mi soledad tiene alas

Los hermanos Casas en formato doméstico

La primera película de Mario Casas metido en el rol de director fue ‘Mi soledad tiene alas’ (crítica aquí). Fue una película que partía con la reticencia de buena parte de la audiencia pero que sorprendió a propios y extraños. Para llevarla a cabo contó con su hermano, Oscar Casas, como protagonista pero no era un protagonismo en solitario pues también figuraba en el filme Candela González.

‘Mi soledad tiene alas’ es un historia de amor pero también de juventud y de mucho barrio. El guión está firmado por la actriz belga Déborah François, la cual es pareja del actor y ahora también director. Todo queda en familia en esta película que trata contradictoriamente de una familia rota, de un joven perdido.

El Blu-ray está a la venta desde el pasado mes de diciembre y cuenta solo con audio en castellano. Para espectadores de otras lenguas hay subtítulos en inglés y hay disponible opción de subtitulado para sordos en castellano.

El menú lo encabeza Oscar Casas rodeado de garabatos, imitando el estilo grafitero de su personaje. Todo ello acompañado de la canción ‘Tienes reservado el cielo’ de Sen Senra, la cual aparece también en el filme. Esta edición que Arvi Licensing ha sacado del largometraje producido por Warner Bros. y Netflix no tiene más extras que el tráiler de la película.

Crítica: ‘Match’

Sinopsis

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Rachel no consigue dormir en una calurosa noche de verano. Aburrida, contacta a través de una app de citas con Zalir, una criatura que no aceptará una negativa como respuesta.

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Crítica

Una nueva advertencia sobre ciertos usos tecnológicos

Hoy en día raro es aquel que no ha dicho alguna vez aquello de dependemos demasiado de las tecnologías. Estamos tan apegados a nuestros smartphones, videoconsolas y electrodomésticos que volcamos en ellos nuestros anhelos, alegrías y… también miedos. El cortometraje ‘Match’ utiliza esos dispositivos y aplicaciones que tanto nos ayudan o entretienen en el día a día para causar terror. La idea es infundir miedo en el espectador a través de una popular aplicación y de este modo, las tecnologías se vuelvan en nuestra contra cómo ha pasado antes en películas, como ‘Llamada perdida’, ‘Pulse’ o ‘Countdown. La hora de tu muerte’.

Victor Basallote es el director de ‘Match’, un cortometraje efectivo que va a hacer que te pienses dos veces el abrir tu aplicación de ligoteo. Con una sola habitación y dos intérpretes (Adelaida Polo y Vanesa Orrego) genera la acción. En él una joven sufre un extraño suceso cuando está explorando perfiles de otros usuarios. La puesta en escena están cotidiana que con ello se consigue llegar al espectador, sobre todo a aquellos más crédulos en temas de temas sobrenaturales o también a los que busquen un doble sentido y tiren por la vertiente del acoso o las relaciones tóxicas.

Además ‘Match’ es un cortometraje fácilmente exportable. Ello es debido a que este tipo de apps se usan ya en todo tipo de culturas a lo largo del todo el planeta y a que no tiene diálogos, si acaso habría que traducir las pantallas del móvil de la protagonista. Una interfaz que por cierto está muy bien recreada para simular que navega por una aplicación de conocer gente.

Si no usas una app para ligar igualmente ‘Match’ te puede hacer recapacitar sobre el peligro de que tus aplicaciones te geolocalicen. Esta puede ser una obra de mero terror tecnológico o podemos leer más allá aplicando términos ominosos relacionados con el acoso. Son 8 minutos bien invertidos.

Ficha de la película

Estreno en España: en festivales. Título original: Match. Duración: 8 min. País: España. Dirección: Víctor Basallote. Guion: Víctor Basallote. Música: Willy Sánchez de Cos. Fotografía: Javi Céspedes. Reparto principal: Adelaida Polo, Vanessa Orrego. Producción: Víctor Basallote, Curro Collantes, Julián Candón, Antonio Rosa Lobo. Género: terror. Web oficial: http://tresproduccionesymedia.com/

Crítica: ‘True detective: night country’

En qué plataforma ver True detective: night country

Recupera su potencial diferenciándose con varios cambios relevantes

En 2014 nacía una de las miniseries policiales de más éxito de la televisión, que en España se hizo aún más popular por sus similitudes y coincidencia en el tiempo con ‘La isla mínima’. ‘True Detective’ se ganó al público por su trama, sus interpretaciones, su final e incluso por su opening. Ahora, HBO Max estrena una cuarta temporada que dará el pistoletazo de salida el 15 de enero con seis nuevos episodios de emisión semanal.

Issa López coge el testigo de la saga creada por Nic Pizzolatto, la cual había decaído algo en interés con la segunda temporada y recuperado cierta relevancia con el enfoque de la tercera. Ahora ‘True detective’ se ha vuelto aún más enigmática pues tiene un enorme flirteo con el género fantástico. Lo místico y lo fantasmal está presente en la investigación de la nueva pareja de detectives.

Estamos ante un giro importante en la serie, por varias razones. A parte de prolongar nuestras sensaciones navideñas ‘True detective: night country’ nos hace pensar si hay un trasfondo sobrenatural hasta tal punto de tener escenas de auténtico terror. Y no solo eso, la acción transcurre en una de esas localidades polares donde la noche dura muchísimo más, el escenario está completamente helado con lo que la investigación transcurre de un modo diferente y por primera vez las protagonistas son femeninas. La mítica actriz dos veces ganadora del Oscar Jodie Foster y la actriz y también luchadora Kali Reis forman el curioso duo detectivesco. Curioso por la relación que mantienen ambas y por el hecho de compartir un extenso pasado, lo cual era mucho menos habitual en las anteriores temporadas. Ese punto de diferenciación se agrega a la trama como refuerzo del drama que desarrolla y además como parte de la conclusión de la serie. Ambas intérpretes manejan el carácter de sus personajes, o bien dominándolo con un fuerte acento o bien a través de la contención física. Las dos están inconmensurables.

Como decía la acción transcurre prácticamente toda de noche, usando el mismo artificio de películas como ’30 días de oscuridad’ o ‘La cosa’, es decir, generar acción y terror en un escenario helador que además podría volver loco a cualquiera. Pero aunque hay algo de terror el tono por supuesto es policíaco. Esa mezcla de detectives enfrentándose a algo insólito con posturas casi diametralmente diferentes y en un escenario hostil hace recordar en algunas ocasiones a ‘Expediente X’. No dudéis que os va a descolocar en más de una ocasión, con su crimen, con sus secretos, con sus imágenes… ‘True detective: night country’ supera a sus anteriores temporadas y nos brinda un final completamente impredecible, no solo al terminar la serie, sino tras la conclusión de cada episodio.