Crítica: ‘The Punisher: One Last Kill’

En qué plataforma ver The Punisher: One Last Kill

Un capítulo puente intentando domesticar lo indomable

Resulta complicado abordar ‘The Punisher: One Last Kill’ como si fuese un largometraje autónomo. Su propia estructura se resiste a ello y en ese sentido creo que han sido bastante honestos a la hora de publicitarlo. Más que una película al uso es un capítulo que funciona como una pieza intermedia, colocado entre acontecimientos mayores del universo televisivo de Marvel. El problema es que tampoco termina de sentirse indispensable. Está ahí para para empujar ligeramente a Frank Castle hacia un nuevo estado emocional y narrativo, y poco más.

La obra se sitúa evidentemente después de la segunda temporada de ‘The Punisher’ y, según todo apunta, transcurre de manera paralela a los sucesos de ‘Daredevil: Born Again’ temporada 2. La ciudad aparece sumida en un caos extraño, una especie de vacío moral donde apenas quedan vigilantes capaces de imponer cierto orden. Sobre el papel, la conexión tiene sentido. En la práctica, el especial parece desligado del resto de la continuidad, como un fanmade con escena digital de poca monta incluida. Incluso cuando menciona o respeta acontecimientos previos, transmite la sensación de ser un relato encapsulado, aislado del resto del MCU callejero.

Quizá ahí radique precisamente su verdadera función. Más que contar algo imprescindible, ‘The Punisher: One Last Kill’ parece existir para cerrar heridas concretas y recolocar psicológicamente al personaje antes de su futura aparición en ‘Spider-Man: Brand New Day’. Y visto desde esa perspectiva, muchas decisiones empiezan a cobrar sentido. Frank Castle necesitaba ser reducido de nuevo a sus elementos básicos para después reconstruirse parcialmente. El especial no pretende evolucionar ni revolucionar al personaje, sino estabilizarlo.

Jon Bernthal vuelve a demostrar por qué su versión de Punisher sigue siendo la definitiva para buena parte del público contemporáneo. El actor entiende que Frank Castle ya no puede ser simplemente una máquina de matar con frases lapidarias. Aquí es un hombre agotado, deteriorado mentalmente, acosado por recuerdos y atrapado dentro de una espiral de culpa interminable. Su mayor enemigo no son los mafiosos ni los matones de turno. Es él mismo.

Y eso explica también el retorno constante al trauma familiar. Sí, otra vez la pérdida de su esposa e hijos. Otra vez las pesadillas. Otra vez el estrés postraumático dominando cada rincón de la narración. Nadie había pedido realmente regresar a ese punto, especialmente después de tantas iteraciones previas del personaje, pero el especial insiste en ello con una terquedad casi obsesiva. Frank vive como un cadáver funcional. Apenas duerme. Apenas habla. Apenas distingue entre castigo y rutina.

Violencia seca, brutal y sin heroicidades

Afortunadamente, ‘The Punisher: One Last Kill’ comprende que el personaje no puede sostenerse únicamente sobre introspección y sufrimiento psicológico. Hay violencia. Mucha violencia. Y cuando aparece, el especial encuentra sus mejores momentos.

Algunas secuencias recuerdan claramente a ‘Dredd’ por esa sensación de brutalidad urbana encerrada en espacios opresivos y balconadas. Otras evocan el salvajismo físico de ‘Oldboy’, especialmente en enfrentamientos donde la cámara privilegia el agotamiento corporal antes que la espectacularidad superheroica tradicional. Aquí los cuchillos salpican sangre. Los disparos rompen huesos. La violencia no aparece como estética cool, sino como consecuencia inevitable.

Y conviene recordarlo porque Marvel parece olvidarlo a menudo: Punisher mata. No tiene el código moral de Daredevil. No existe espacio para discursos sobre redención cuando Frank entra en acción. El especial entiende eso mejor que muchas adaptaciones anteriores del personaje. Este Punisher está completamente sonado. No transmite miedo porque sea invencible, sino porque parece alguien que ya no distingue entre sobrevivir y autodestruirse.

También hay una decisión particularmente significativa desde el inicio. La historia comienza mal. Muy mal. Hay un perro. Y quien conozca mínimamente el lenguaje emocional del thriller contemporáneo ya sabe lo que eso significa.

Una despedida parcial antes de una nueva etapa

El principal problema de ‘The Punisher: One Last Kill’ es que nunca termina de justificar plenamente su existencia como obra independiente. Tiene sentido industrialmente. Tiene sentido dentro de la maquinaria narrativa de Marvel. Incluso tiene sentido como puente psicológico. Pero dramáticamente se queda a medio camino entre episodio piloto, epílogo y terapia emocional para su protagonista.

Eso provoca una sensación extraña. El especial parece querer cerrar asuntos pendientes mientras simultáneamente prepara algo distinto. No funciona como conclusión definitiva ni como verdadero renacimiento. Simplemente mueve piezas sobre el tablero.

Aun así, ‘The Punisher: One Last Kill’ posee suficiente personalidad sombría y suficiente brutalidad física como para resultar disfrutable. Es simplemente una última parada en el descenso emocional de un hombre incapaz de dejar de castigarse a sí mismo. Y quizá eso sea lo más honesto que podía ofrecer esta etapa del personaje, pero ya lo sabíamos.

Ficha de ‘The Punisher: One Last Kill’

Estreno en España: 12 de mayo de 2026. Título original: The Punisher: One Last Kill. Duración: 60 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Jon Bernthal, Reinaldo Marcus Green. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Jon Bernthal, Judith Light, Deborah Ann Woll, Jason R. Moore, Kelli Barrett, Andre Royo, John Douglas Thompson, Eduardo Campirano. Producción: Marvel Studios. Distribución: Disney+. Género: acción. Web oficial.

Clip en exclusiva de ‘Angelo en el bosque misterioso’

Una película muy presente en festivales como Cannes, Annevy o Seminci

El próximo 19 de septiembre aterriza en salas españolas ‘Angelo en el bosque misterioso’, una sorprendente y divertida película de animación dirigida por Vincent Paronnaud (más conocido como Winshluss) y Alexis Ducord. La distribuidora Vercine nos ha cedido en exclusiva un vídeo promocional que acompaña este estreno, aportando un valor añadido para los amantes del cine de animación.

Un éxito en festivales internacionales

La cinta comenzó su recorrido en el Festival de Cannes 2024, donde despertó la atención de la crítica internacional. Desde entonces ha acumulado importantes nominaciones: Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Sección Seminci Joven en Valladolid y Mejor Película de Animación en el Festival Lumières de Lyon. Estos reconocimientos refuerzan su papel como una de las producciones europeas más destacadas del año en el terreno de la animación.

Una aventura iniciática con mucho humor

La historia sigue a Angelo, un niño de 10 años que sueña con ser explorador y zoólogo. Durante un viaje familiar, sus padres lo olvidan por accidente en un área de servicio. Decidido a reunirse con ellos, se adentra en un bosque lleno de criaturas extrañas, donde aprenderá a valerse por sí mismo y a enfrentarse a lo desconocido.

Lejos de ser una narración únicamente infantil, la película despliega un humor universal que arranca sonrisas también entre los adultos. Los directores exploran, con ironía, temas contemporáneos como el cambio climático, el ego desmedido de los poderosos o la convivencia con un mundo en constante transformación.

De la viñeta al cine con estilo propio

Basada en el cómic homónimo de Winshluss (galardonado con la Pepita de Oro en el Salón del Libro Joven de Montreuil en 2016), la adaptación mantiene el espíritu grotesco y caricaturesco del autor. Como explican sus creadores: “¡Todos los botones en 11!”, en referencia a su voluntad de llevar cada idea al límite.

Para lograr este estilo visual, la animación se apoyó en Unreal Engine, motor gráfico conocido en el mundo de los videojuegos 3D. El resultado es un filme cargado de referencias tanto al cine de animación como al de acción real, con guiños que van desde Miyazaki y Pixar hasta Belmondo, Chuck Norris o Joe Pesci. También a ‘Los Soprano’ como podemos ver en el clip en exclusiva que podéis ver en nuestro canal.

Una obra de resistencia e ironía

Entre criaturas misteriosas, bromas irreverentes y la entrañable figura de una abuela que combina dulzura con picardía, ‘Angelo en el bosque misterioso’ se alza como una oda a la ironía y la imaginación. Con su mezcla de aventura iniciática, sátira y técnica innovadora, promete conquistar tanto a los más pequeños como a los adultos que se atrevan a adentrarse en este peculiar bosque.

Escena de Los Súper Elfkins en exclusiva

Los Elfkins regresan con una secuela que promete aventuras

La animación europea vuelve a brillar en la gran pantalla gracias a ‘Los Súper Elfkins’, la esperada secuela de la exitosa película ‘Los Elfkins’ (2019). La cineasta alemana Ute Von Münchow-Pohl, referente del cine infantil contemporáneo, nos trae una nueva aventura protagonizada por los encantadores duendecillos inspirados en el folklore alemán. En colaboración con Vercine, ya podemos disfrutar de una escena exclusiva antes del estreno en cines previsto para el 14 de agosto de 2025.

Una directora que sabe cómo conectar con el público infantil

Con más de tres décadas de experiencia en el mundo de la animación, Von Münchow-Pohl ha conquistado festivales como Zúrich y Chicago, y ha sido reconocida en certámenes especializados como el Schlingel y la Berlinale. Su talento para crear personajes entrañables y tramas que apelan tanto a niños como adultos queda patente en títulos como ‘Rabbit School’ y ‘Los Elfkins’, obras que combinan humor, ternura y un fuerte componente educativo.

¿Quiénes son los Elfkins?

Inspirados en los legendarios Heinzelmännchens, los Elfkins son pequeños duendes del imaginario popular alemán que viven en secreto entre los humanos. Mientras algunos se dedican a hacer buenas acciones en la sombra, otros son expertos en travesuras, desapareciendo objetos o alterando la rutina cotidiana sin que nadie sepa cómo. En ‘Los Súper Elfkins’, esta dualidad se convierte en el eje central de una historia que amplía el universo iniciado en la primera película.

Elfie y Bo: dos mundos, una misma misión

La protagonista, Elfie, sueña con algo más que ayudar en secreto. Anhela aventuras, emoción y un propósito más grande. Su vida cambia cuando conoce a Bo, un duendecillo rebelde que pertenece a un clan más moderno y tecnológico, amante del riesgo y de los gadgets. Sin embargo, su estilo de vida no pasa desapercibido para la agente Lanski ni para su astuta gata policía, Polipette.

Ambos personajes arrastran un conflicto de más de dos siglos entre clanes Elfkin, y solo la valentía, la empatía y la amistad podrán resolverlo. Los Súper Elfkins propone así una historia repleta de acción, valores y sentido del humor, ideal para disfrutar en familia este verano.

Una apuesta segura para las vacaciones

Con una animación vibrante, personajes adorables y un mensaje positivo sobre la importancia del cambio, la diversidad y el trabajo en equipo, ‘Los Súper Elfkins’ promete convertirse en uno de los títulos destacados de la cartelera infantil de 2025.

Estreno en cines el 14 de agosto de 2025

Para descubrir más sobre la película, no te pierdas la escena exclusiva cedida por Vercine, ya disponible en nuestras plataformas. ¡Prepárate para una aventura mágica con Elfie y sus nuevos amigos!

Vamos con nuestros amigos a The Friends Experience

The Friends Experience nos hace formar parte de la mítica serie

Madrid se convierte en el epicentro de la nostalgia televisiva con la llegada de The FRIENDS Experience: The One in Madrid. A partir del 17 de marzo, los seguidores de la icónica serie podrán sumergirse en una recreación detallada de los escenarios que marcaron a toda una generación. Nosotros ya hemos podido hacerlo en el día en que la exposición ha abierto sus puertas a la prensa y no podemos más que recomendárosla.

Un recorrido por los escenarios más emblemáticos

Ubicada en el Pabellón 14.1 de IFEMA MADRID, esta experiencia ofrece a los visitantes la oportunidad de adentrarse en espacios meticulosamente recreados. Desde la famosa puerta morada del apartamento de Rachel y Mónica hasta el acogedor sofá del Central Perk, cada rincón ha sido diseñado para transportar a los fans al universo de ‘Friends’ hasta el punto de que se podrían rodar nuevos episodios en ellos. Además, los asistentes pueden relajarse en los sillones reclinables de Chandler y Joey, o intentar girar el sofá de Ross en la icónica escena del «Pivot».

Detalles que enamoran a los fans

The Friends Experience no se limita a los escenarios. Los visitantes pueden explorar una selección de accesorios y disfraces originales de la serie, incluyendo el disfraz de Armadillo Navideño y una réplica de Hugsy (Abracín), el entrañable pingüino de Joey. Estos elementos permiten a los asistentes conectar aún más con los momentos memorables de la serie. Se puede desde posar en la fuente de la cabecera hasta explorar los detalles detrás de las cámaras. Además los paneles informativos desvelan secretos que seguro que hasta el más fan de la serie tendrá que reconocer que le coge de nuevas.

Planificación de la visita

  • Fechas: Del 17 de marzo al 29 de junio de 2025.
  • Horarios:
    • Lunes a jueves: de 16:00 a 20:30 horas (cierre a las 21:30).
    • Viernes a domingo: de 10:00 a 20:30 horas (cierre a las 21:30).
  • Ubicación: Recinto Ferial de IFEMA MADRID, Pabellón 14.1.
  • Duración de la visita: Aproximadamente una hora por sesión.
  • Accesibilidad: La experiencia es accesible para personas con movilidad reducida.

Entradas y reservas

Las entradas están disponibles desde el 11 de febrero y pueden adquirirse a través de la página oficial. Los precios rondan los 16 euros, ofreciendo una oportunidad de entradas reducidas para que todos los fans puedan disfrutar de esta inmersión en el mundo de ‘Friends’.

Cómo llegar a The Friends Experience

  • Metro: Línea 8 hasta la estación Feria de Madrid, con una caminata de aproximadamente 5 minutos hasta el pabellón.
  • Autobús: Líneas 73, 112, 122 y 828 con parada en IFEMA – Feria de Madrid.
  • Coche: Acceso directo desde la M-11, salidas 5 o 7, con opciones de aparcamiento en el recinto.

Crítica: ‘The Monkey’

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Sinopsis

Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.

Crítica

Si ‘Destino Final’ y ‘Annabelle’ tuvieran un hijo diabólico, sería ‘The Monkey’

De vez en cuando, el cine nos regala un alineamiento estelar de talentos que dan como resultado una experiencia que se siente clásica y fresca a la vez. En el caso de ‘The Monkey’, cual alineamiento de planetas, la alineación nos deja eclipsados. Se han juntado aquí Osgood Perkins, con su estilo hipnótico y su ya característica paleta de colores apagados (casi calcada a la de ‘Longlegs’), con los traumas infantiles más truculentos de Stephen King y con la vena más gamberra de James Wan, la que vimos desatada en ‘Maligno’.

Basada en el relato corto de King, ‘The Monkey’ encaja dentro del subgénero de objetos inanimados malditos, con reminiscencias de ‘Annabelle’ o ‘La zarpa del mono. Pero el hijo de quien empuñó el cuchillo en ‘Psicosis’ lo lleva un paso más allá con una estructura que recuerda a ‘Destino Final’: una vez que el macaco de juguete empieza a chocar sus platillos, la muerte se desata en una serie de carambolas macabras, persiguiendo a sus víctimas con una precisión aterradora e ineludible. Los protagonistas, desesperados, intentan burlar este mecanismo como si tuviesen en sus manos una death note, pero la película deja claro que el destino siempre encuentra la manera y cual mafioso consigue hacer que parezca un accidente.

Lo que distingue a ‘The Monkey’ sobre otras películas estándar del mismo género es su tono: Perkins juega de nuevo magistralmente con la tensión y un humor negro que podría estar directamente influenciado por unos ZAZ pasados de rosca. Este tono forma parte intrínseca de esta comunión de artistas pues el relato originalmente no lo tenía. Así consigue llevarnos de lo inquietante a lo grotescamente sangriento en cuestión de segundos. Aquí no solo hay sustos bien orquestados, sino una celebración del terror con estallidos de violencia absurda que recuerdan por momentos al ‘Evil Dead’ de Sam Raimi.

En ‘The Monkey’, Perkins transforma la historia de Stephen King en una reflexión sobre la inevitabilidad de la muerte. La película nos muestra cómo el destino, representado en el siniestro juguete de cuerda, es ineludible. No importa cuántas veces los personajes intenten huir, deshacerse del mono o ignorar su influencia, la muerte sigue su curso. Esta visión podría parecer deprimente a primera vista: una resignación ante lo inevitable, un recordatorio de nuestra impotencia frente al tiempo. Pero hay algo profundamente liberador en aceptar esta verdad. Si todo es efímero y la muerte es una certeza, entonces la vida cobra un nuevo sentido. No hay nada que perder aferrándonos a miedos innecesarios o a preocupaciones vanas. Al final, The Monkey nos empuja a bailar en medio de la tormenta. Nos dice: “Si la muerte es segura, entonces esperémosla sin perder el tiempo”. En lugar de ver la fatalidad como algo paralizante, la película nos invita a abrazar el presente con pasión, con movimiento, con entrega total. Así, lo que parecía una historia oscura se convierte en un llamado a la vida, a la danza de lo inevitable.

En el apartado actoral, destaca el doble trabajo de Theo James, quien logra diferenciar de manera clarísima a los dos personajes gemelos. Quizá lo ha tenido algo más fácil que Christian Convery pues representa a dos personalidades bastante opuestas, pero ambos lo han logrado de manera efectiva. Junto ellos también hay que señalar, los jóvenes y Colin O’Brien quien aporta un matiz inesperado al filme a través de la inocencia, la frustración y la angustia de su personaje. Su interpretación aquí, ejerciendo el papel más fácil de empatizar para el espectador por el desconcierto que vive, demuestra que es un talento emergente. Para mi este actor es quien debería hacer de villano en una hipotética versión live action de ‘Toy Story’.

El microcosmos de Oz Perkins crece. Quizá algún día se marque un Shyamalan y se marque un crossover uniendo todos los demonios y maldades de sus películas. Desde luego sería interesante volver a ver al jinete pálido que cierra ‘The Monkey’. De momento, solo unos agraciados, han podido ver un avance de su próximo trabajo, ‘Keeper’, en forma de teaser y escena post-créditos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: The Monkey. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Osgood Perkins. Guion: Osgood Perkins. Música: Edo Van Breemen. Fotografía: Nico Aguilar. Reparto principal: Theo James, Tatiana Maslany, Elijah Wood, Adam Scott, Rohan Campbell. Producción: Atomic Monster, Black Bear International, British Columbia Film Comission, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group, The Safran Company. Distribución: Beta Fiction Spain, YouPlanet Pictures. Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.themonkeyfilm.com/

Crítica: ‘Sonic 3: la película’

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Sinopsis

Sonic vuelve a la gran pantalla por Navidad, con la aventura más emocionante hasta la fecha. Sonic, Knuckles y Tails se reúnen para enfrentarse a un nuevo y poderoso adversario, Shadow, un misterioso villano cuyos poderes no se parecen a nada de lo que nuestros héroes han conocido hasta ahora. Con sus facultades superadas en todos los sentidos, el Equipo Sonic tendrá que establecer una insólita alianza con la esperanza de detener a Shadow y proteger el planeta.

Crítica

Tan divertida que podría ser el broche perfecto para la carrera de un maestro del humor clown como Jim Carrey

La tercera entrega de la saga cinematográfica de Sonic the Hedgehog es, en todos los sentidos, un proyecto que tiene derecho a ser cada vez más ambicioso con su fusión entre el frenesí del videojuego clásico con una narrativa que crece en escala y emoción. De nuevo bajo la dirección de Jeff Fowler, esta secuela no solo mantiene la chispa lúdica de sus predecesoras, sino que la amplifica en una sinfonía de efectos visuales, humor gamberrete, juegos de palabras fáciles y nuevos personajes.

Mientras que la primera película de Sonic (2020) se dedicaba a recuperar el vínculo entre el erizo azul y la audiencia general con una historia más convencional de «pez fuera del agua» y la segunda entrega (2022) encontraba su punto fuerte en la acción caótica y el despliegue de nuevos personajes como Knuckles (Idris Elba), ‘Sonic 3’ se atreve a romper las reglas de su propio universo volviéndose ligeramente más dramática y viajando por todo el mundo. La incorporación de Keanu Reeves como la voz del misterioso y enigmático personaje Shadow añade un matiz inesperado de gravedad y carisma al elenco, complementando el ya encantador dinamismo entre Ben Schwartz (Sonic) y Colleen O’Shaughnessey (Tails).

Pero no nos engañemos, aquí el genio lo pone Jim Carrey y bien lo saben los guionistas que le reservan los mejores chistes. Dicen que la nostalgia vende y con ‘Sonic 3’ tenemos ración doble. Aunque el actor había anunciado su retiro de la actuación, su participación en esta franquicia de live actions basados en un juego de principios de los 90 es un verdadero regalo para los fans y un testimonio de su compromiso con el personaje. En esta ocasión, Carrey interpreta a dos Robotniks, desdoblándose en una dualidad brillantemente concebida que permite al actor desplegar todo su arsenal cómico. La interpretación de Carrey es una clase magistral de actuación clown que combina el slapstick exagerado con momentos de pura locura. Verle aplicar sus gags al son de Prodigy o The Chemical Brothers nos brinda momentos desternillantes.

La película brilla visualmente, con secuencias de acción que capturan la velocidad vertiginosa y el caos colorido que los fanáticos de los juegos han llegado a amar. Desde carreras imposibles hasta enfrentamientos titánicos que parecen sacados directamente de los niveles finales más épicos del videojuego o de otras franquicias como Dragon Ball. ,’Sonic 3’ no escatima en recursos. Ni presupuesto con un CGI que añade texturas y detalles con respecto a la anterior, ni referencias convirtiéndose en la que dispone más detalles extraídos de los videojuegos. Muchos retrocederán a su infancia cuando vean la escena de «soplar la ranura» para que funcione la conexión. Incluso desde la productora tendrán que reconocer que esta nueva entrega se atreve a ser algo más irreverente con un desfile de citas a la cultura popular fuera de las fronteras de Paramount Pictures como ‘Green Lantern’, ‘Pokémon’, ‘Akira’, ‘Godzilla’, ‘El hombre de acero’…

Con su humor afilado, actuaciones carismáticas y una narrativa que combina perfectamente lo nostálgico con lo innovador, ‘Sonic 3’ cierra un arco argumental que Paramount Pictures podría mantener sin miedo a flaquear (sus dos escenas durante los créditos son una declaración de continuidad). Las películas tienen espectáculo, corazón y compromiso por parte de su elenco. Evidentemente no estamos ante una película de autor, pero tras tres películas el nivel no baja (muchos considerarán incluso que ha subido) y el amor por el personaje se transmite al espectador. Por otro lado, está el tema de Jim Carrey. Actores de su talla merecen una despedida de Oscar. Pero si dice adiós a la interpretación con el papel del Doctor Eggman yo no podré objeciones pues, supondría una despedida con un personaje demencial y fiel al estilo que ha marcado su carrera hasta el punto de convertirse en un maestro.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Sonic the Hedgehog 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Fowler. Guion: Patrick Casey, Josh Miller, John Whittington. Música: Tom Holkenborg. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Jim Carrey, Ben Schwartz, James Marsden, Tika Sumpter, Idris Elba, Keanu Reeves, Krysten Ritter, Lee Majdoub, Natasha Rothwell, Adam Pally, Shemar Moore, Colleen O’Shaughnessey, Alyla Browne, James Wolk. Producción: Paramount Pictures, Sega Sammy Group, Original Film, Marza Animation Planet, Blur Stuio. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.sonicthehedgehogmovie.com/

Exclusiva. Clip de Cuando cae el otoño

Podéis ver sin spoilers una escena que es una sinopsis en sí misma

Gracias a sus distribuidoras en España (LAZONA Pictures y Caramel Films) podemos compartir con vosotros un clip en exclusiva de ‘Cuando cae el otoño’, lo nuevo de François Ozon. El autor de grandes éxitos y películas siempre comprometidas y peliagudas como ‘En la casa’, ‘Gracias a Dios’ o ‘Frantz’ nos brinda ahora una película repleta de sospechas. Podréis verla en cines a partir de este viernes 13 de diciembre de 2024.

‘Cuando cae el otoño’ es un filme que ha conquistado a crítica y público allá por donde ha pasado. Tal es así que en el último Festival Internacional de Cine de San Sebastián se alzó con dos de los máximos galardones como lo son la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (Pierre Lottin) y el Premio del Jurado al mejor guion.

Un plato de setas es el detonante de esta historia que prácticamente arranca con el clip que tenéis a continuación. Como siempre Ozon trabaja mucho sus personajes, por lo tanto, de esto que podéis ver hasta el cierre pueden cambiar muchas cosas. Protagonistas que repiten con el director tras ‘Gracias a Dios’ y que están interpretadas por dos actrices consideradas grandes en el cine francés: Hélène Vincent (‘El Conde de Montecristo’) y Josiane Balasko (‘El erizo’). Además podemos ver en la película a Ludivine Sagnier (‘Lupin’, ‘Napoleón’), Pierre Lottin (‘Lupin’, ‘Arde Notre-Dame’) y el joven debutante Garlan Erlos.

Sinopsis oficial:

Michelle vive una jubilación apacible en un pueblecito de Borgoña, cerca de su amiga de toda la vida, Marie-Claude. Durante las vacaciones otoñales espera con ilusión la visita de su hija y su nieto, pero un plato de setas silvestres tóxicas cambia sus planes. ¿Ha sido un accidente? La sombra de la duda crece y todo se complica aún más cuando Pierre, el hijo de Marie-Claude, sale de prisión.

Crítica: ‘Longlegs’

En qué plataforma ver Longlegs

Sinopsis

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Mientras el FBI intenta atrapar a un retorcido asesino en serie, una agente descubre una serie de pistas que podrían llevarla hasta el criminal y poner fin a su terrorífica ola de asesinatos.

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Crítica

La tensión de ‘Longlegs’ me genera mono por el cine de Oz Perkins

Nicolas Cage levanta pasiones hoy en día, prueba de ello es que está viviendo una segunda o tercera juventud artística. Su último estreno, ‘Longlegs’, ha sido todo un taquillazo en USA, superado solo por la última película del universo ‘Gru’. Costó unos 10 millones, dejándose la mitad del coste del rodaje en el caché del actor y gastando casi lo mismo en publicidad. Se rentabilizó solo con la taquilla norteamericana en su primer fin de semana de estreno.

‘Longlegs’ ha llegado a cines anunciando que co-protagoniza Nicolas Cage, pero no se ha querido mostrar ni una sola imagen de él, ni en vídeos, ni en fotos, ni en carteles. ¿Justificado? Resulta que sí. Ese secretismo es parte del marketing que atraerá a sus fans con el dial de curiosidad al máximo y cuando empieza la película se prolonga como herramienta para fomentar el suspense, pero he de decir que a mi se me ha roto el efecto muy tempranamente.

Oz Perkins, hijo de Anthony Perkins (‘Psicosis’) y director de la versión oscura del cuento de Hansel y Gretel, es el director de este nuevo thriller policíaco. Tanto él como Cage han declarado que ‘Longlegs’ es un homenaje a sus madres. Mi impresión es que vista bajo ese prisma esta película es un tributo un tanto cuestionable y retorcido, no quiero saber cómo eran sus madres pues la película llega a ser por momentos turbia, inquietante y oscura, pero como decía antes, hay algo que destroza por completo la atmósfera conseguida.

Con imágenes y un devenir similares a ‘Zodiac’, ‘S7ven’, ‘El silencio de los corderos’ o ‘El coleccionista de huesos’ se consigue una película la mar de eficiente en la mayoría de sus secuencias. La película está compuesta por planos tranquilos rotos a veces por momentos o sonidos impactantes con un rojo setentero que siempre nos imbuye un horror sangriento. Es de admirar el cuidado que ha puesto Perkins en la imagen, llena de grandes y estudiadas composiciones, con zooms y algún paneo, sin travellings o steadicams que alteren el ritmo. En ese modus operandi de contar historias seguimos a una agente especial del FBI que tiene eso, bastante de especial. Se intuye que la protagonista reprime algo gracias a la gran interpretación de Maika Monroe y ello se suma al misterio del asesino al que persigue con una capacidad casi clarividente. Su papel me recuera un poco al Patricia T. Arquette en ‘Medium’. Teniendo en cuenta que dos de las películas más exitosas de Monroe, ‘It follows’ y ‘El extraño’, tratan sobre mujeres que son acosadas, pensaba que este filme iba a tratar una vez más de lo mismo. En parte sigue ese leitmotiv, pero se sale por la tangente. El problema no es ella ni esa especie de cruzada de concienciación que está haciendo con su carrera, sobra decir que argumentos y razones no le faltan.

Tanto el casting como el tratamiento de los personajes de Maika Monroe y Alicia Witt me parecen un acierto. Muchos le tienen estigmatizado pues lo suyo ha hecho para ganarse esa fama, pero Nicolas Cage tiene muy buenas películas sin necesidad de ser comedidas o chifladuras palomiteras. ‘Longlegs’ se suma a ese saco de buenos largometrajes en los que está participando Nicolas Cage últimamente, tales como ‘Pig’ (de la misma productora) o ‘Dream Scenario’. Pero no precisamente gracias a él, que una vez más demuestra que interpretar personajes extremos o lunáticos sacan su lado más histriónico. Hay que reconocer que el maquillaje, casi a lo Eric Stoltz en ‘Mask’ no ayuda y parece más un Celebrities de Joaquín Reyes. Esto y la manera de gritar y reír del descendiente de los Coppola desmontan la peli. Cage ha declarado que debido a su violencia no quiere volver a interpretar un papel como este, yo desde luego se lo agradecería pues no exhibe aquello que le hace divertido, ni en el buen ni en el mal sentido.

Aunque como fan de Cage estoy decepcionado y como amante del terror me esperaba una resolución más aterradora he de decir que ‘Longlegs’ es una gran experiencia. De hecho ahora tengo más ganas de ver ‘El mono’, el próximo proyecto de Oz Perkins que adaptará un relato de Stephen King contando con Theo James y Elijah Wood.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Longlegs. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Oz Perkins. Fotografía: Andrés Arochi. Reparto principal: Nicolas Cage, Maika Monroe, Alicia Witt. Producción: C2 Motion Pictures Group, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners, Saturn Films, Traffic. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, suspense. Web oficial: https://c2motionpictures.com/project/longlegs/

Nuevo vídeo del live action de ‘Borderlands’

En cines el 9 de agosto

¿Un robot cagando casquetes de bala? Si, esas son el tipo de majaderías que vemos cuando jugamos a las diferentes entregas de los videojuegos ‘Borderlands’. Es lo primero que podemos ver en el nuevo vídeo que Diamond Films nos ha enviado sobre el live action que llegará a cines el 9 de agosto. En la escena que nos han permitido ver por adelantado podemos comprobar como los tiroteos y el humor irán e la mano. ¿Dónde intentan entrar? Si sois jugadores de esta franquicia quizá os podéis hacer una idea.

Cate Blanchett (‘Carol’, ‘El callejón de las almas perdidas’) que interpreta a Lilith; junto con Jamie Lee Curtis (‘La noche de Halloween’, ‘Puñales por la espalda’) en el papel de la científica Tannis; Jack Black (‘Jumanji’, ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’) pone la voz al robot Claptrap; Kevin Hart (‘Un espía y medio’, ‘Vaya patrulla’) en el papel de Roland, la pequeña Arianna Greenblatt (‘Vengadores: Infinity War’, ‘En un barrio de Nueva York’), quien da vida a Tina Chiquitina; en el papel de su protector veremos a Florian Munteanu (‘Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos’, ‘Creed II: La leyenda de Rocky’). Completan este reparto estelar Edgar Ramirez (‘Agentes 355’, ‘La red avispa’) como Atlas y Gina Gershon (‘Killer Joe’, ‘Showgirls’) como Moxxi, entre otros.

Sinopsis oficial:

Lilith (Cate Blanchett), una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas (Edgar Ramírez), el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland (Kevin Hart), un veterano mercenario con una misión; Tina Chiquitina (Arianna Greenblatt), una salvaje demoledora preadolescente; Krieg (Florian Munteanu), el musculoso protector de Tina; Tannis (Jamie Lee Curtis), la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap (Jack Black), un robot sabelotodo. Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.

¿Es posible un mundo en blanco y negro como el de Dune: parte 2?

¿Podría la escena en escala de grises responder a una explicación física?

La segunda parte del Dune de Denis Villeneuve está dejando a todos atónitos (crítica aquí). Una de las virtudes de esta película es su capacidad para desarrollar un mundo en el que los mayores extremos de la religión y la tecnología conviven en el mismo ambiente. Por supuesto también está ganándose a los adeptos a las novelas de Frank Herbert por su fidelidad para con el espíritu de la historia. Pero sin duda otra razón por la que nos ha cautivado a los que ya la hemos visto es su poder visual.

Entre desérticas escenas y futuristas escenarios Villeneuve nos ha colado una escena en blanco y negro. Muchos le atribuyen un sentido artístico o poético al más puro estilo Zack Snyder, que es algo que nadie puede negar. Pero otros le encuentran un sentido dentro de la “física de la ciencia ficción”. Y es que en dicha escena que transcurre en el planeta Giedi Prime, propiedad de los Harkonnen y donde el sol es negro, se ve todo en escala de grises. Ahí presenciamos una vibrante escena protagonizada por Austin Butler y Stellan Skarsgård al más puro estilo cine clásico de gladiadores, tan clásico que está en blanco y negro. Pero esto solo sucede cuando los personajes están al aire libre. Por el contrario, cuando en ese planeta se hayan en un interior, bajo la influencia de luz artificial, todo se ve en color. Por lo tanto hay algo en la luz solar, los materiales o la atmósfera que produce este efecto.

Partamos de lo básico. En la Tierra vemos el mundo a todo color gracias a la luz solar. El color real de nuestro astro rey es el blanco. Esa La luz blanca que emite es el resultado de la combinación o superposición de todos los colores, lo que llamamos el espectro visible. Cada color posee un rango de radiación magnética emitida con su característica longitud de onda. Sucede que podemos distinguir colores en los objetos debido a las longitudes de onda que rebotan en ese objeto. En otras palabras, los objetos absorben todas las longitudes (o colores) menos una. Ese color que no atrapan y que rebotan es el color que nuestro ojo capta. Si queréis saber más os lo explica en profundidad CuriosaMente.

Si aceptamos esto como una regla física presente en la saga Dune solo podría existir un mundo en escala de grises si considerásemos algunas remotas posibilidades. Una de ellas es que ese mundo estuviese hecho de materiales que absorban todas las longitudes de onda o ninguna. Habría que asumir que el material biológico, los minerales o los metales de ese planeta están compuestos de sustancias que rebotan toda la luz o que la absorben por completo. Por lo tanto sería un mundo en blanco y negro, no en escala de grises. La segunda hipótesis supondría que los rayos que emite el venerado sol negro de Giedi Prime no portasen el espectro de color dentro de ellos. Por lo tanto los objetos pueden tener propiedades que en otros ambientes emiten color, pero bajo la influencia de esos rayos solo pueden transmitir tonalidades blancas, negras o grisáceas. Podríamos atribuir este triste ambiente a algo más biológico y comprobable. Los encargados de recibir la luz en nuestro ojo son los fotorreceptores, que se dividen entre conos y bastones. Los conos se ocupan de transmitir la información del color, mientras que los bastones registran la intensidad. Si la luz del sol negro fuese capaz de anular nuestros conos solo podríamos distinguir la intensidad de los colores, pero no su tonalidad, veríamos en blanco y negro. Por último, está la opción de la atmósfera. Podría ser que los gases que componen la atmósfera de ese planeta repeliesen todo el espectro de color de nuevo al espacio dejando pasar hasta la superficie solo los tonos más oscuros y claros, hasta tal punto que todo se ve en tonalidades grisáceas. Teniendo en cuenta que en las novelas nos explican que ese planeta es industrial hasta el punto de haber acabado con casi toda la flora y fauna, se antoja como la opción más cercana a los libros. Quizá lo que hemos encontrado oculto en esta escena es un alegato ecologista.

Todo esto es evidentemente es una serie de postulaciones que solo cabe concebir dentro de un mundo de ciencia ficción. A día de hoy no se ha encontrado un mundo, una atmósfera o una luz con similares propiedades, pero no sería la primera vez que una película adelanta un descubrimiento científico ¿verdad?

Crítica: ‘El exorcista: creyente’

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Sinopsis

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Hace exactamente cincuenta años que la película más aterradora jamás vista llegó a la gran pantalla, impactando al mundo entero. Y ahora, el 13 de octubre de 2023 empezará un nuevo capítulo. De la mano de Blumhouse. Dirigida por David Gordon Green, el cineasta que hizo pedazos el statu quo con la franquicia Halloween, llega ‘El exorcista: creyente’.

Desde que falleció su esposa embarazada en el terremoto de Haití hace doce años, Victor Fielding (interpretado por Leslie Odom, Jr., ganador de un Tony y nominado a un Oscar; Una noche en Miami, Hamilton) se ha encargado de cuidar de Angela (Lidya Jewett, la serie “Chicas buenas”), la hija de ambos.

Pero cuando Angela y su amiga Katherine (la recién llegada Olivia O’Neill) desaparecen en un bosque durante tres días y a su regreso no recuerdan nada de lo que les pasó, se desata una serie de acontecimientos que obligarán a Victor a enfrentarse a la cúspide del mal. Desesperado y aterrado, decide pedir ayuda a Chris MacNeil, la única persona que ha sido testigo de algo parecido.

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Crítica

A quien hay que exorcizar es a Gordon Green de los remakes de clásicos

David Gordon Green, es un director capaz de hacer una nueva trilogía para una franquicia tan mítica como Halloween y propiciar que la productora acabe vendiendo los derechos. Él es el autor de la secuela de ‘El exorcista’. Creyente es el título que acompaña a esta supuesta segunda parte que al igual que la saga de Michael Myers recupera un personaje femenino vital para la historia, Chris MacNeil, interpretada nuevamente por Ellen Burstyn. Y aunque se le rescata de un modo bastante desconsiderado para con el material original, eso es lo único curioso de la cinta. Efectivamente creyente había que ser, había que tener mucha fe para pensar que esta película iba a salir bien.

¿Pensabais que los tráilers auguraban una película mala? Pues os diría que tranquilos porque hay escenas del tráiler que no están. Pero igualmente la cosa se malogra. Y eso que arranca de un modo que da esperanzas, trasladándonos al terremoto de Haití, donde aún hay tradiciones ancestrales, como hacía la original. Pero pronto empieza a calcar pasos como la niña orinándose, los ataques de ira, el estudio por parte de los médicos, las cicatrices que escriben la palabra “help”… Eso nos demuestra tanto falta de originalidad como ausencia de brújula.

La película va sin rumbo mezclando distintas fes cristianas con ritos de Haití, donde el vudú y el cristianismo conviven muy estrechamente. Desperdicia detalles religiosos que habrían estado muy bien traídos si se hubiesen desarrollado, como el supuesto tiempo de Cristo en el infierno tras morir. Pero en lugar de ello nos brinda frases como, “la niña está a punto de erupcionar” o “no me dejaron participar en el exorcismo porque no soy del patriarcado”. Es un intento ridículo de traer a la actualidad un clásico que hoy en día sigue funcionando. Parecía que se reían de nosotros cuando pasamos del barrio de Georgetown en la original a Georgia en esta nueva, un juego de palabras de lo más pueril. Al principio ‘El exorcista: creyente’ ilusiona enmarcando el origen de la historia en un ambiente de culturas aún arraigadas a la tierra. También con un buen trabajo con ambas niñas o sentando muy bien el pasado de uno de los padres. Pero si quería ser una buena secuela debía generar un enfrentamiento con el mal puro y duro, enfrentarse a una figura arquetípica como la del diablo. En lugar de ello es una confrontación contra los fantasmas del pasado que hemos visto ya en cuantiosas ocasiones. Intenta aportar con el mix de culturas y ritos, pero las entremezcla torpe e incluso ridículamente. Por favor, que alguien impida que este director destroce otro clásico de terror, porque con todo y con esto prepara otra más de ‘El exorcista’ (titulada Deceiver) y desde hace tiempo planea adentrarse aún más en mundos infernales enfrentándose a una nueva versión de ‘Hellraiser’. David Gordon Green empieza a ser el Santiago Calatrava del cine, cobra millones por proyectos que parecen que van a modernizar el paisaje clásico, pero ya se sabe de antemano que van a ser desastres.

Si querían hacer un homenaje se podrían haber ahorrado el popurrí y haber ido a la esencia. Si querían poner en códigos actuales el clásico deberían mirar ejemplos como las últimas entregas de ‘Evil Dead’. Pero si lo que querían de verdad era llegar a una audiencia más actual y aún así ser innovadores pero a la vez ganándose a quienes aman las películas de terror más tradicionales, tendrían que haberse mirado en el espejo de ‘Verónica’ o de ‘Háblame’. De hecho la película, que no tiene ninguna potencia visual ni mística, usa más trucos de ‘Insidious’ que de ‘El exorcista’.

En ‘El Exorcista: creyente’ hay un exorcismo y dos posesiones, ¡pero no hay ningún exorcista! Y si vamos a lo más básico confunde el ser creyente con el tener ética. La película acaba siendo una encrucijada pero no en la que uno ha de convertirse o someterse ante las evidencias mostradas por el diablo. Los personajes se convierten en una dicotomía en la que tienen que elegir quien vive o quien muere. Al menos en eso si ha acertado Gordon Green pues como todos sabemos es lo que tuvo que hacer el Padre Karras.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: The exorcist: believer. Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: David Gordon Green. Guion: David Gordon Green, Peter Sattler. Música: Amman Abbasi, David Wingo. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: Ellen Burstyn, Leslie Odom, Jr., Ann Dowd, Jennifer Nettles, Norbert Leo Butz, Raphael Sbarge, Olivia O’Neill, Lidya Jewett. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Morgan Creek Entertainment, Rough House Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/theexorcistbeliever/

Crítica: ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I’

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Sinopsis

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En ‘Misión: Imposible- Sentencia Mortal Parte I’, Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI, se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.

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Crítica

De irrefutable mérito y actualidad

Me divierte mucho el imaginar las caras de los empleados de las aseguradoras de Tom Cruise cuando leen las escenas que este va a hacer por sí mismo. Seguro que añoran los tiempos en los que solo Jackie Chan se trepaba por vertiginosos andamios o saltaba de un edificio a otro. Si encima pensamos que esta séptima entrega de la franquicia ‘Misión: Imposible’ va acompañada del título ‘Sentencia mortal’… tanto sus corredores de seguros, como sus productores o equipos de rodaje tienen que haber estado al borde del infarto.

Tom Cruise sigue haciendo lo posible dentro de lo imposible. Ya no me refiero solo a las meritorias proezas que hace a su edad y que le quitan el hipo hasta a los deportistas más extremos. También al logro de llenar las salas de cine con una película que no sea de superhéroes. Y volverá a hacerlo a pesar de ser una séptima entrega, al menos si nos atenemos a las buenas impresiones que leeréis aquí y estoy seguro que en otros muchos medios.

Se cierne una nueva amenaza sobre el mundo. Como parece que la edad de jubilación se ha alargado también para ellos tanto Ethan Hunt como sus compañeros se ponen de nuevo manos a la obra para intentar evitar que un nuevo arma caiga en malas manos. Aquí viene el elemento de tremenda actualidad. Un concepto, una tecnología tan abierta a debate y que tiene a tantos atemorizados que hace que ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I’ adquiera varios significados incluso más allá de la gran pantalla. La nueva aventura de Cruise es trepidante, graciosa y casi no da respiro, pero más que nunca nos habla de algo que podría pasar de verdad. Bien es cierto que esto ya lo pronosticó cinematográficamente Cameron pero no de un modo tan próximo a nuestra realidad.

Para disfrutar ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal’ habría que conocer algo las entregas previas. Se puede disfrutar de manera independiente pero arranca con muchos conceptos y personajes ya introducidos, por lo que más de uno podría perderse en su arranque. Aún así consigue diferenciarse de las anteriores partes gracias a la incorporación de Hayley Atwell. Nos hace de perfecta guía y con ella el espectador se inmiscuye en el mundo de las intrigas del FMI como si fuese el niño de ‘El último gran héroe’. Con el permiso de Rebecca Ferguson hay que decir que es la que mejor ha congeniado en pantalla con Cruise dentro de esta saga.

Pero además se disfruta porque enarbola un buen guión de espionaje y tiene personajes muy bien trabajados e interpretados que rompen la dinámica de hasta ahora, de ese modo ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal’ no se percibe como otra más. Aunque he de reconocer que si sigo acudiendo a ver estas películas de suspense y acción es por los tiroteos, persecuciones y peleas que nos ofrecen Tom Cruise y todo su equipo. ‘Misión: Imposible’ se ha convertido en una locura adrenalítica, desde que J.J. Abrams y Christopher McQuarrie cogieron la saga. Aunque cada vez están alargando más las persecuciones y eso a mí me cansa o puede hacer que el giuón pierda peso, siempre nos dejan más de una escena para el recuerdo. Que si el mítico momento suspendido por unos cables, que si la escalada por un edificio de cristal, que si la pelea en los baños públicos… En esta ocasión para mi la memorable no es ni la del temerario salto en paracaídas con la moto. Es otra que me ha recordado también a una de ‘Jurassic Park’.

Toca quedarse con cliffhanger pero con uno mucho menos colgado en este verano de películas inconclusas como ‘Flash’, ‘Spider-Man cruzando el multiverso’ o ‘Fast & Furious X’, por cierto que de nuevo la escalinata de Plaza España se ve deteriorada como esta última. El viaje de Hunt va del desierto hasta ciudades italianas como Roma o Venecia, donde cedió su set de iluminación a Álex de la Iglesia. Esta “séptima primera” entrega no está concluida y eso que los personajes se encuentran con una facilidad tremenda, pero al menos su recorrido es tremendamente disfrutable.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2023. Título original: Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One. Duración: 156 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt, Cary Elwes, Mark Gatiss, Indira Varma, Rob Delaney. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, New Republic Pictures, TC Productions, Bad Robot. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Extraña forma de vida’

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Sinopsis

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Un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Creek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes ambos, el sheriff y Silva, el ranchero que cabalga a su encuentro, trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad…

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Crítica

Un flirteo con el western que podría haber ido a mayores

Pedro Almodóvar sigue con su aventura de rodar completamente en inglés y lo hace con un western titulado ‘Extraña forma de vida’. El director manchego de momento no se lanza a una producción de más duración y se mantiene en el formato cortometraje como ya hizo con ‘La voz humana’ protagonizada por Tilda Swinton. En esta ocasión amplía el número de protagonistas y nos trae dos de excepción como son Ethan Hawke y Pedro Pascal. Actores en estado de gracia y con una manera muy diferente de interpretar. Aumenta con ello la complejidad de su rodaje, dentro de una temática que siempre ha trabajado pues siempre ha tocado temas LGTB y con una escenografía que le es completamente nueva.

Probablemente con ‘Extraña forma de vida’ Almodóvar esté quitándose una espinita, el rodar un western en un lugar tan clásico y mítico como Almería, en el tantas veces inmortalizado desierto de Tabernas. Evidentemente, nada más verse esta película ya se está comparando o equiparando a ‘Brokeback mountain’. Pero hay que señalar que ese proyecto casi lo dirigió él en su día y lo rechazó ya que la historia no llevaba la deriva que a él le habría gustado, sobre todo porque no tenía el control artístico total sobre la obra. Él ya ha dicho tras presentarla en Cannes que lo suyo son vaqueros, no pastores, como sucede en la película de Ang Lee, una manera sutil de esquivar a aquellos que establecen esas relaciones en busca de generar polémica.

‘Extraña forma de vida’ es un coitus interruptus en varios sentidos. El cine de Almodóvar nunca se ha cortado un pelo y ha sido siempre capaz de sonrojar a los más recatados e irritar a los más ultraconservadores. Parecía que íbamos a tener algo más explícito y que se sacaría partido de escenas de cama entre Hawke y Pascal pero el director ha optado más por la sutileza y las escenas suavemente interrumpidas. No obstante hay un breve regalo para quienes tengan a Pascal como su crush. Por otro lado el final también supone una invitación para que el espectador construya por si mismo el futuro de los protagonistas pues se queda con una sentencia abierta, con una reflexión sin respuesta. Parece que estamos ante algo episódico, falto de más argumentación y discurso.

Probablemente Almodóvar haya hecho este corto influenciado o animado por ‘First Cow’ de Kelly Reichardt, la cual fue para el director una de las mejores películas según su ranking de 2020. Igualmente trata sobre la relación de dos hombres que están en algún sentido fuera de su época y la narrativa no muestra ninguna prisa. Pero más allá de lo que argumentalmente nos lleva a la temática homosexual, está lo visual. La película está producida por Saint Laurent lo cual, evidentemente se nota en el diseño de vestuario. Predominan los colores vivos, las ropas nuevas en actores que parecen más modelos metrosexuales que los clásicos cowboys aguerridos y polvorientos. Con tal cromatografía e inmaculado vestuario no he podido evitar acordarme del Handsome Stranger de Arnold Schwarzenegger. Es una manera diferente de ver una época de la que no nos han llegado fotografías en color por razones evidentes. Con respecto a esto hay toda una declaración de intenciones desde el mismísimo principio con el plano a Manu Ríos interpretando la canción cantada realmente por Caetano Veloso, si no me equivoco.

La película tiene otras alusiones estéticas. En determinado momento Pascal y el actor que interpreta a su hijo emulan la famosa escena de John Wayne en ‘Centauros del desierto’. Tampoco faltan remembranzas hacia las tierras manchegas con una escena en una bodega que bien podría ser de Mexico, de Andalucía o de algún lugar transitado por Don Quijote. Y además en lo auditivo el filme cierra con un tema que Alberto Iglesias ha compuesto para que volvamos a aquellas grandes películas del Spaghetti Western. Todo esto nos habla de gustazos personales que Pedro Almodóvar se puede haber dado o que yo creo haber detectado. Pero percepciones personales a parte, creo que va a ser más unánime la sensación de que a ‘Extraña forma de vida’ le falta algo más.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Título original: Extraña forma de vida. Duración: 31 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Reparto principal: Ethan Hawke, Pedro Pascal, Jason Fernández, Jose Condessa, George Steane, Manu Ríos, Pedro Casablanc, Sara Sálamo, Erenice Lohan. Producción: El Deseo, Saint Laurent. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, western. Web oficial: https://bteampictures.es/extrana-forma-de-vida/

Clip de ‘Shining Vale (Bienvenidos a Shining Vale)’

Con Courteney Cox, Greg Kinnear y Mira Sorvino

Starzplay ha publicado un clip que muestra las primeras imágenes de la nueva serie de terror y comedia ‘Shining Vale’, protagonizada por Courteney Cox, Greg Kinnear y Mira Sorvino. ‘Shining Vale’ se estrenará el domingo 6 de marzo de 2022 en la plataforma de streaming premium Starzplay a lo largo de su presencia en Europa, América Latina y Japón.

En ‘Shining Vale’ Pat y Terry Phelps (Cox y Kinnear) invierten los ahorros de toda su vida y se mudan de un estrecho apartamento en Brooklyn a una vieja mansión victoriana en Shining Vale, Connecticut, como último recurso para salvar su matrimonio tras el tórrido romance de Pat con Frank joven ‘manitas’ que vino a arreglar el fregadero mientras Terry estaba trabajando. Para empeorar las cosas para Terry, Frank nunca arregló el fregadero, ¡pero, aun así, le cobró por ello!

Patricia ‘Pat’ Phelps (Cox) es una antigua “niña rebelde” que saltó a la fama escribiendo una novela de empoderamiento femenino (también conocida como “lady porn”), muy obscena y con un alto contenido de drogas y alcohol. 17 años después, Pat está limpia y sobria, pero totalmente insatisfecha. Todavía no ha escrito su segunda novela, no puede recordar la última vez que tuvo sexo con su marido, Terry (Greg Kinnear) y, encima, sus hijos adolescentes Gaynor (Gus Birney) y Jake (Dylan Gage) no quieren saber nada de ella.

Al mudarse a la pequeña ciudad de Connecticut, Gaynor y Jake, están cabreados y tan poco conectados como se puede estar. Terry intenta unir a la familia, pero el rechazo es real. Pat está perdiendo el poco control que tenía sobre los niños, Gaynor quiere que Pat muera, y Jake se ha convertido en un zombi por su adicción a las pantallas, mientras que Terry está demasiado consumido por seguir adelante como para ver que Pat también está perdiendo el control sobre sí misma.

La compra de una casa de 200 años de antigüedad, que ha estado en el mercado durante casi tres años y que se ha vendido por más de 250.000 dólares por debajo de lo que se pedía, parecía, en teoría, una buena idea… pero Pat comienza a percibir que los Phelps no están solos; especialmente cuando una mujer de aspecto ancestral aparece rondando por la ventana de su habitación de matrimonio.

Los Phelps no tardan en saber por qué los agentes inmobiliarios estaban tan motivados para vender la casa por una mínima parte del precio inicial de venta. Parece que se han pasado por alto algunos detalles, como un triple homicidio y una serie de atrocidades que no han mencionado. Pero ni el marido de Pat ni sus hijos adolescentes parecen darse cuenta de que algo va terriblemente mal en la casa; sólo Pat puede ver que las cosas se mueven y oír los golpes en la noche. Pat está convencida de que o bien está deprimida o bien poseída –- resulta que los síntomas son exactamente los mismos – y que además es la única que ve el espíritu de la persona que cometió estos asesinatos: Rosemary, un ama de casa de los años cincuenta que puede o no estar intentando apoderarse del cuerpo de Pat.

Todo el mundo tiene sus demonios, pero para Pat Phelps, los suyos, pueden ser reales.

‘Shining Vale’ cuenta con la producción ejecutiva de Jeff Astrof de Other Shoe Productions, Sharon Horgan y Clelia Mountford (‘Motherland’, ‘This Way Up’) de Merman, Aaron Kaplan (‘The Chi’, ‘The Neighborhood’) y Dana Honor (‘A Million Little Things’, ‘The Unicorn’) de Kapital Entertainment. Courteney Cox es productora. Astrof escribió el guión piloto, a partir de una historia de Horgan y Astrof. La serie está producida por Warner Bros. Television y Lionsgate Television en asociación con Other Shoe Productions, Merman y Kapital Entertainment.

Análisis del Blu-ray de ‘Monster Hunter’

Conozcamos el proceso de traslación del juego a la gran pantalla

Ya ha salido a la venta ‘Monster Hunter’. No nos referimos a una nueva entrega del videojuego sino a la versión en formato físico de la película que convirtió en acción real el director Paul W.S. Anderson y de la que os hablamos aquí. Una producción que ha tenido diferentes acogidas entre los fans a pesar de contar con el beneplácito de sus creadores (como podemos ver en uno de los extras que más adelante os detallamos).

Tony Jaa interpretó a uno de los personajes clásicos de la franquicia en una historia que protagonizó junto a Milla Jovovich. Una trama que mezcló nuestro mundo con el del videojuego que tenía una primera parte digna de una película de terror. Y una segunda que pese a perder su impacto inicial estaba repleta de personajes y monstruos.

Más allá de su similitud con el videojuego ‘Monster Hunter’ resultó una película de aventuras entretenida en la que se producía un curioso diálogo a golpetazos entre sus dos protagonistas. El final del filme prometía segunda parte. De momento no sabemos fecha para la secuela pero si que hay intenciones y cosas preparadas para ella. De momento podemos ver de nuevo este live action y disfrutar de sus extras.

La edición que nos ha dado Arvi Licensing para este análisis está en formato Blu-ray. Pero se pueden comprar otras ediciones con distinta carátula en DVD y 4K UHD + Blu-ray. Además también se ha puesto a la venta una edición limitada en caja metálica 4K UHD + Blu-ray con una espectacular ilustración.

En cuanto a menús la barra de carga es la famosa espada que porta Tony Jaa. La música compuesta por Paul Haslinger acompaña a las secciones por las que podemos navegar, al igual que podemos ver una foto con Jovovich y Jaa ataviados como Artemis y Hunter. Todos los textos están en inglés, no obstante no es difícil llegar a los extras o saltar a la escena deseada.

La película en este formato puede verse en inglés, castellano francés DTS-HD Master Audio 5.1. También tiene servicio de audiodescripción en inglés 5.1 Dolby Audio. En cuanto a los subtítulos están disponibles inglés para sordos, inglés, castellano, francés, danés, holandés, finés, noruego, estonio, letón, lituano, sueco y árabe. El audio de los extras está todo en inglés con subtítulos en inglés, castellano, francés y holandés.

Extras (22 min. aprox.)

The Monster Hunters – Reparto y personajes (7:51 min.)

Comienza hablando sobre los personajes del videojuego que han aparecido en la película. Nos explican que la parte de nuestro mundo se ha introducido para poder explicar e introducir a los no jugadores en el mundo de ‘Monster Hunter’. De ahí pasamos a un repaso a todos los personajes, incluido el Almirante de Ron Perlman.

Un arsenal monstruoso – Las armas de la película (5:02 min.)

Las armas del juego tienen características y combos que te ayudan a derrotar a tan enormes criaturas. En la película no se hacen los combos pero cada personaje acaba haciéndose con un arma distinta. Aquí vemos como han sido reproducidas tomando como referencias imágenes de los videojuegos de Capcom.

Para los gamers – Del juego a la pantalla (6:40 min.)

Una parte vital era que se reprodujese bien a las criaturas del juego. Eso es de hecho lo mejor de este live action y aquí veréis como están calcados estos monstruos a los que nos encontramos cuando tenemos el mando en las manos.

Escenas eliminadas (3:19 min.)

Dos escenas descartadas del filme. Dos nuevos chistes contados por los militares mientras van en sus vehículos de combate. Sendos chistes sobre vaqueros que entran en una cantina, ambos culinarios y ambos un tanto asquerosillos.