Archivo de la etiqueta: avalon

Crítica: ‘Alta costura’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Alta costura

Winocour demuestra, una vez más, que su cine no necesita elevar la voz para hacerse oír

Este nuevo estreno francés, ‘Alta costura’, se presenta como un drama coral que utiliza el ecosistema de la alta costura parisina no como simple decorado, sino como dispositivo narrativo para explorar tensiones personales, profesionales y físicas. Lejos de relatos simplificados o arquetipos evidentes, la película articula un entramado de historias paralelas que orbitan en torno a la Semana de la Moda, donde cada personaje se enfrenta a su propio umbral de ruptura.

En el centro encontramos a Angelina Jolie como una directora de cine de serie B (acostumbrada a presupuestos ajustados y a una cierta invisibilidad dentro de la industria) que aterriza en el mundo opulento de la moda para rodar un proyecto que supone la antesala de un gran proyecto. La presión no es solo profesional: su vida personal acusa el desgaste de un divorcio reciente, una relación distante con su hija y la amenaza creciente de un cáncer que planea sobre su cuerpo (sin subrayados melodramáticos, pero con una presencia constante). La directora Alice Winocour, cuya sensibilidad ya brilló en ‘Próxima’, vuelve a demostrar su interés por personajes femeninos sometidos a fuerzas contradictorias (vocación, maternidad, salud, identidad).

En paralelo, la película introduce a una modelo africana que pisa por primera vez Occidente y el universo de la moda. Su experiencia es la de la desubicación: un entorno abrumador, reglas no escritas, cuerpos normativizados y la duda de una muchacha de 18 años que no sabe qué quiere en la vida. Lejos de la caricatura, su arco está tratado con una mirada empática que subraya tanto la dureza del sistema como la humanidad que lo habita.

A este tejido se suman otras figuras: una maquilladora que intenta encadenar trabajos y escribir su propia obra durante los frenéticos días de desfiles y una costurera enfrentada a un encargo crítico: terminar en solitario el primer vestido del desfile, una pieza que puede definir el éxito o el fracaso de toda la colección. Todos estos caminos discurren en paralelo, con dilemas propios, pero avanzan hacia inevitables puntos de intersección.

Entre la frivolidad y la carne: el cuerpo como territorio

Uno de los aciertos más incisivos de ‘Alta costura’ es su capacidad para tensar el contraste entre la superficialidad asociada a la moda y la densidad humana que se esconde tras ella. La película no rehúye la dimensión frívola del sector (un espacio mejor recompensado que oficios más “necesarios” o intelectuales, como podría ser la farmacia), pero tampoco cae en el juicio fácil. Winocour propone una mirada dialéctica: sí, hay brillo, dinero y apariencia, pero también hay cuerpos vulnerables, trayectorias frágiles y decisiones vitales de gran calado.

En este sentido, resulta especialmente potente el paralelismo visual que la directora establece en un momento clave: tras varias escenas en las que se mide, ajusta y “talla” a las modelos, el montaje introduce la imagen de un cirujano realizando un marcaje quirúrgico. El eco es evidente: el cuerpo como objeto de intervención, como superficie que se adapta o perfecciona pero que tiene sus defectos. No hay discurso explícito, pero la asociación es lo suficientemente elocuente como para incomodar.

Es inevitable no establecer paralelismos con lo que le ha pasado a Jolie en la vida real, de hecho la película parece hecha para ella en lo que parece una especie de catarsis. Ha incorporado una dimensión metacinematográfica a su interpretación, marcada por sus propias decisiones médicas preventivas (doble mastectomía y extirpación de ovarios). Esa misma sensibilidad (contenida, respetuosa, sin sensacionalismo) se percibe en el tratamiento del cáncer en la protagonista: una amenaza íntima que condiciona su mirada monopolizando el relato únicamente al final.

Un engranaje coral que encuentra sentido en el cruce

Estructuralmente, ‘Alta costura’ se inscribe en la tradición de historias de vidas cruzadas, pero evita el artificio mediante una progresión orgánica. No hay casualidades forzadas ni giros efectistas: los encuentros entre personajes se producen como consecuencia lógica de compartir espacio, tiempo y objetivos dentro de un sistema altamente interconectado.

La dirección apuesta por una puesta en escena que a veces roza lo observacional e incluso lo documental. De hecho, los talleres, pasarelas y backstages no son decorados estilizados, sino espacios de trabajo donde el error, la prisa y la presión son tangibles. De ese modo se alza como un drama coral bastante preciso que desentraña las costuras invisibles de un mundo tan fascinante como implacable. Bajo su superficie brillante, late un conjunto de historias sobre fragilidad, ambición y supervivencia.

Ficha de ‘Alta costura’

Estreno en España: 8 de mayo de 2026. Título original: Couture. Duración: 106 min. País: Francia. Dirección: Alice Winocour. Guion: Alice Winocour. Música: Anna von Hausswolff, Filip Leyman. Fotografía: Andre Chemetoff. Reparto principal: Angelina Jolie, Louis Garrel, Ella Rumpf, Anyier Anei, Garance Marillier, Vincent Lindon, Guillaume Marbeck, Finnegan Oldfield. Producción: CG Cinémna, Closer Media, France 3 Cinéma, Canal+, Ciné+OCS, France Télévisions, Pathé Films, Logical Content Ventures. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘La buena hija’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver La buena hija

Su capacidad de incomodar sin efectismos ni drama fácil la convierte en pedagogía

En su traslación del cortometraje al largo, la directora Júlia de Paz Solvas construye con ‘La buena hija’ una obra de vocación pedagógica que no busca el golpe de efecto inmediato, sino la sedimentación emocional. Lejos del impacto visceral de títulos como ‘Custodia compartida’, aquí el dolor se filtra de forma más sutil, más progresiva, pero igualmente persistente.

La película, que llega precedida por el reconocimiento a su corto previo y su paso por el Festival de Málaga, se adentra en un terreno complejo: la convivencia con un padre maltratador desde la perspectiva de una hija adolescente. No se trata únicamente de denunciar, sino de comprender (sin justificar) los mecanismos emocionales que atan a la víctima con su agresor.

Uno de los mayores aciertos de la cinta reside en cómo aborda la ambigüedad afectiva. La protagonista no parte de un rechazo frontal hacia su padre, al contrario, lo percibe inicialmente como una figura cercana, cómplice, alguien que la trata “como a un colega más”. Este matiz, incómodo pero profundamente realista, sitúa al espectador en un terreno ético complejo: el tránsito desde la identificación hasta el miedo no es abrupto, sino progresivo, lleno de contradicciones, negaciones y silencios.

En este sentido, ‘La buena hija’ se alinea con una corriente de cine social que apuesta por la observación minuciosa antes que por el subrayado dramático. La violencia no estalla constantemente en pantalla, sino que se intuye, se respira, se infiltra en los gestos cotidianos.

Adolescencia, rebeldía y psicología en construcción

La película acierta al situar su relato en una etapa vital particularmente vulnerable: la adolescencia tardía, ese momento liminal entre el instituto y la vida adulta. Es un periodo donde la identidad está en construcción, donde la rebeldía emerge como lenguaje propio y donde los límites familiares, sociales, emocionales se ponen constantemente a prueba.

Aquí, ‘La buena hija’ despliega una mirada especialmente lúcida sobre la psicología infantil y juvenil. Los pequeños actos de desafío, las mentiras aparentemente triviales o los cambios de actitud no se presentan como simples “problemas de conducta”, sino como síntomas de un conflicto más profundo. La directora evita el juicio fácil centrándose en la observación de estos comportamientos.

El trabajo actoral resulta fundamental para sostener esta propuesta. La protagonista encarna ese vaivén emocional con una naturalidad desarmante. A su lado, Janet Novas y Julián Villagrán aportan una densidad interpretativa que eleva el conjunto. Villagrán, en particular, construye un personaje inquietante precisamente por su aparente normalidad: no es un monstruo evidente, sino alguien capaz de alternar cercanía y amenaza en cuestión de segundos.

Un cine que educa sin imponer respuestas

‘La buena hija’ no es una película cómoda, pero tampoco pretende serlo. Su carácter pedagógico no radica en ofrecer soluciones, sino en plantear preguntas. ¿Cómo se rompe el vínculo con un agresor cuando ese agresor también ha sido una figura de afecto? ¿Cómo se reconoce la violencia cuando esta se disfraza de normalidad cotidiana?

La película evita caer en el didactismo explícito, apostando por una narrativa que confía en la inteligencia emocional del espectador. Este enfoque puede restarle inmediatez frente a propuestas más contundentes, pero le otorga una capacidad de permanencia mucho mayor. Es un cine que no se agota en el visionado, sino que continúa resonando tiempo después.

Esta película podría consolidarse como una obra relevante dentro del panorama del cine español contemporáneo. ‘La buena hija’ no revoluciona el género, pero sí aporta una mirada honesta y matizada sobre una realidad compleja. Su mayor virtud es, precisamente, esa capacidad para incomodar desde la empatía, para mostrar sin subrayar y para invitar a la reflexión sin dictar conclusiones.

Ficha de ‘La buena hija’

Estreno en España: 10 de abril de 2026. Título original: La buena hija. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Júlia de Paz Solvas. Guion: Júlia de Paz Solvas, Nuria Dunjó. Música: Natasha Pirard. Fotografía: Sandra Roca. Reparto principal: Kiara Arancibia, Julián Villagrán, Janet Novas, Petra Martínez. Producción: 3Cat, Astra Motion Pictures, Avalon, ICEC, ICAA, Krater Films, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial.

Crítica: ‘Father Mother Sister Brother’

Posted on por
Responder

Crítica de Father Mother Sister Brother

Crítica

Una joya emotiva y dulce llena de silencios que lo dicen todo

Jim Jarmusch, director de ‘Paterson’ (crítica aquí), entre otras muchas, nos trae historias corrientes en familias corrientes con su nueva película ‘Father Mother Sister Brother’. Una película con aire oriental que hace que veamos como la distancia o simplemente la dejadez, hace que las familias terminen separándose y ser completos desconocidos.

De qué nos habla Jim Jarmusch

‘Father Mother Sister Brother’ son tres episodios que ocurren en tres lugares diferentes. Las historias no están entrelazadas entre sí, solo tienen un tema en común, la relación de padres e hijos.

Con ‘Father’ nos vamos a New Yersey, donde Jeff y Emily, hermanos, emprenden un viaje juntos para visitar a su padre. Un hombre que no es lo que parece y que parece disfrutar de la compañía de sus hijos. Un capítulo con humor que nos muestra esa distancia y esos silencios de no saber ni que decir al estar entre desconocidos.

En el episodio de ‘Mother’ viajamos a Dublin, conocemos a Thimothea, una mujer un tanto paranoica a la que parece que todo le sale mal. Junto a ella está Lilth, una pispireta mujer que parece inventarse una vida perfecta. Ambas hermanas visitan a su Madre en el único día del año en el que se ven, una tarde especial para tomar el té. Aquí los silencios si que son tremendos, tantas cosas que se dicen en esos momentos. Al igual que el anterior también encontramos cierto humor sarcástico.

Y para terminar la película se pone bastante más triste y conocemos a Brother y Sister, ellos acaban de perder a sus padres y deciden ir a despedirse del piso en el que vivían y de los recuerdos que dejaron en París. Se dan cuenta de que no conocían a las personas con las que convivieron al encontrar pequeños detalles que sus padres escondieron siempre. Es tan bonito este fragmento, sin duda una manera perfecta de terminar esta película.

‘Father Mother Sister Brother’ es una película que se hace cortísima y quieres seguir viendo más y más fragmentos. Ese aire tan melancólico que tiene, esa tristeza que invade cada uno de los capítulos en los que nos damos cuenta que la familia a veces cuesta. Y no siempre por malos momentos, simplemente, como dije al principio, dejadez o distancia. Y te hace replantearte muchas cosas.

Inmensa fotografía y reparto

La película tiene una dirección exquisita, con unas imágenes muy buenas. La fotografía a manos de Yorick Le Saux y de Frederick Elmes, es bastante cuidada y en cada fragmento de la película nos da algo diferente. Si que los primeros planos son bastante habituales en las tres historias, pero por ejemplo en ‘Father’ los detalles de la casa de este padre, desordenado, un tanto peculiar, nos los acentúan de manera especial. En el fragmento de ‘Mother’ tenemos unos planos cenitales increíbles de la merienda de estas tres mujeres, con los primeros planos de sus silencios que hacen que nos demos cuenta de lo incómoda que es la situación.

Y en ‘Sister Brother’ encontramos un color tan bonito en la imagen, como he comentado, es la más emotiva de las tres historias y eso hace que su fotografía sea muy tenue, con planos generales de la casa con ellos pensativos y también viendo lo cercanos que son los dos hermanos.

Pero esta cinta no sería lo mismo sin su reparto, encontramos a Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Vicky Krieps, Cate Blanchett, Luka Sabatt, Indya Moore y Françoise Lebrun, todos ellos increíbles. Mención especial, a la siempre increíble Cate Blanchett, que tiene un papel tan peculiar y distinto a lo que la hemos visto, pero que sin duda lo borda

Conclusiones

‘Father Mother Sister Brother’ es un increíble retrato de muchas familias en la actualidad y que nos deja con ganas de más. Su manera de narrar, de mostrarnos los pequeños detalles, esos terribles silencios y los recuerdos pasados, hacen que nos vayamos a un cine oriental, en el que las pausas son tan importantes como los diálogos. Además algo muy importante, es una película que no juzga, solo nos muestra varias realidades, simples y sin lecciones, es algo que para mí es un punto muy a su favor. Una película que, aunque no sea navideña, creo que no han podido acertar más en la fecha de su estreno. Sin duda se va a lo mejor del año y no os puedo decir otra cosa que vayáis al cine a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de diciembre de 2025. Título original: Father Mother Sister Brother. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jim Jarmusch. Guion: Jim Jarmusch. Música: Jim Jarmusch. Fotografía: Yorick Le Saux, Frederick Elmes. Reparto principal: Tom Waits, Cate Blanchett, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Vicky Krieps, Luka Sabatt, Indya Moore, Françoise Lebrun. Producción: MUBI, The Apartment, CG Cinéma, Animal Kingdom, Fis Éireann/Screen, Screen Ireland, TYM Productions, badjetlag, Cinema Inutile. Distribución: Avalon. Género: Drama. Web oficial.

Crítica: ‘Esa cosa con alas’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Esa cosa con alas

Sinopsis

Luchando por procesar la repentina e inesperada muerte de su esposa, un joven padre pierde el control de la realidad cuando una presencia aparentemente maligna comienza a acecharle desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños.

Crítica

Benedict Cumberbatch sobrevuela el desconsuelo a través de una profunda comprensión

Dylan Southern, conocido por su sensibilidad al retratar emociones frágiles, da un paso adelante con ‘Esa cosa con alas’, una película que se instala en el territorio del duelo, pero que va más allá de la simple tristeza para explorar algo mucho más huidizo: el desconsuelo. No el dolor inmediato de la pérdida, sino ese eco persistente que nos impide encontrar reposo. Es una obra basada en el libro ‘Grief Is the Thing With Feathers’ de Max Porter.

El filme, protagonizado por Benedict Cumberbatch, evoca inevitablemente a ‘Un monstruo viene a verme’, tanto por su combinación de realismo emocional e imaginería simbólica como por la mirada infantil que atraviesa la historia. Sin embargo, Southern sustituye el componente fantástico por uno más introspectivo y sombrío, donde la figura del cuervo se alza como metáfora del dolor desconsolado y la melancolía. Una presencia que remite directamente a Edgar Allan Poe, y que dota al relato de una textura poética cercana al terror interior.

Cumberbatch, habituado a personajes atormentados como en ‘Patrick Melrose’ o ‘Eric’, encuentra aquí un registro distinto: el de un hombre que, en lugar de hundirse en su silencio o en la autodestrucción de las drogas o el alcohol, busca la redención a través del diálogo. Su personaje, un padre y artista devastado por la pérdida, decide enfrentarse a su vacío hablando de él, pintándolo, solitario pero abierto a hablar sobre el dolor que le atraviesa. Y es en ese gesto donde la película encuentra su mayor fortaleza: el reconocimiento de que el duelo no se supera, se acompaña.

Southern filma con delicadeza, sin recurrir a grandes estallidos emocionales. La cámara observa los silencios, los pequeños rituales, los gestos torpes de quienes intentan consolar sin saber cómo. En su aparente quietud, ‘Esa cosa con alas’ se convierte en un ensayo sobre la comunicación emocional: cómo hablar del dolor, cómo sostener al otro sin invadirlo, cómo seguir adelante cuando la ausencia pesa más que la presencia.

Visualmente, la película destaca por su tono grisáceo, casi gótico, donde cada plano parece suspendido entre lo tangible y lo imaginado. El cuervo, más que un símbolo, actúa como un espejo: una voz que nos recuerda que la pérdida también nos pertenece. Y esta criatura aparece antropomórfica, enorme, monstruosa, como una parte de nosotros que parece surgida de nuestras peores pesadillas, pero que necesitamos para poder sobrevivir.

‘Esa cosa con alas’ no busca conmover por la lágrima fácil, sino por la honestidad de su mirada. Es una fábula amarga y compasiva sobre la aceptación, sobre aprender a convivir con lo que no puede arreglarse. Southern entrega una obra madura, íntima y profundamente humana, donde el dolor no se cura, pero al menos se comparte.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: The Thing with Feathers. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Dylan Southern. Guion: Dylan Southern. Música: Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Richard Boxall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Producción: Lobo Films, LB Entertainment, Align, Film i Väst, Film4, SunnyMarch. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: https://www.andreacornwell.com/the-thing-with-feathers

Crítica: ‘The End’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver The End

Sinopsis

Dos décadas después del fin del mundo, una familia vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal. Hijo, un joven de 20 años que nunca ha visto el mundo exterior, Padre y Madre, son una de las últimas familias de la Tierra. La llegada de una chica a la entrada del búnker amenazará la apacible vida familiar.

Crítica

Un apocalipsis con más emoción e intención que ritmo e impacto

‘The End’, dirigida por Joshua Oppenheimer, es una ambiciosa incursión en un género tan poco habitual como es el musical apocalíptico que explora la psique de una familia adinerada refugiada en un búnker durante más de veinte años. Se encuentran allí parapetados cómodamente pasando el apocalipsis personajes interpretados por Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay y Moses Ingram, entre otros, aportando interpretaciones sólidas y matizadas a sus complejos personajes.

La premisa de la película es intrigante: una familia que, tras contribuir directamente al colapso ambiental de la Tierra, se aísla en un lujoso búnker dispuesto de mejores comodidades que un Four Seasons. Este entorno claustrofóbico sirve como escenario para una profunda reflexión sobre la culpa, el privilegio y la autocomplacencia de las élites que buscan escapar de las consecuencias de sus propias acciones. Oppenheimer utiliza este microcosmos para ofrecer una crítica mordaz a la impunidad y la desconexión de las clases privilegiadas frente a la destrucción ambiental que han propiciado.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The End’ es su exploración de la visión del mundo de un individuo que ha crecido aislado en un búnker. El personaje interpretado por George MacKay encarna a un joven cuya comprensión del mundo exterior se ha formado exclusivamente a través de relatos de sus padres y las limitadas experiencias dentro del refugio. Esta perspectiva ofrece una mirada fascinante sobre la construcción de la realidad y cómo el aislamiento puede distorsionar la percepción, subrayando la importancia de la conexión humana y la interacción con el entorno natural. Tanto esa idea, como la idealización frustrada de nuestros ancestros han sido exploradas recientemente en series como ‘Silo’ o ‘Fallout’, a si es que la película pierde originalidad al respecto. Por el contrario ‘The End’ aborda de manera más efectiva el anhelo de haber tratado mejor al planeta Tierra. A través de diálogos reflexivos y números musicales, los personajes expresan su arrepentimiento y deseo de redención por los daños irreparables causados al medio ambiente. Esta temática resuena profundamente en el contexto actual de crisis climática, ofreciendo una reflexión oportuna sobre la responsabilidad colectiva en la preservación del planeta.

Sin embargo, a pesar de sus méritos temáticos y actuaciones destacadas, ‘The End’ presenta deficiencias significativas en su ejecución. Con una duración de 148 minutos, la película se siente excesivamente larga y, en ocasiones, tediosa. La narrativa tiende a ser redundante, reiterando puntos ya establecidos sin aportar nuevas perspectivas, lo que puede llevar al espectador a la fatiga. Esta repetición diluye el impacto de los mensajes centrales y afecta negativamente al ritmo.

Otro aspecto que deja que desear es la banda sonora. Aunque las voces de George MacKay y Moses Ingram son magníficas, las canciones carecen de diversidad y dinamismo. Los números musicales resultan planos, sin variaciones significativas entre ellos, y carecen de estribillos memorables que puedan resonar con la audiencia. Esta monotonía musical disminuye la capacidad de las canciones para transmitir emociones y refuerza la sensación de monotonía.

En términos de producción, ‘The End’ exhibe una dirección de arte meticulosa que refleja la opulencia y el aislamiento del búnker. La foto de Mikhail Krichman captura eficazmente la claustrofobia del entorno, jugando mucho con los cambios de luz y el contraste de escenarios. Es brillante cómo le saca partido a las cuatro o cinco estancias que tiene la escenografía y sobre todo a la caverna en la que reflejan el acceso al búnker. Sin embargo, estos logros técnicos no logran compensar completamente las deficiencias narrativas y musicales que lastran la experiencia general de la película.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: The End. Duración: 148 min. País: Dinamarca. Dirección: Joshua Oppenheimer. Guion: Rasmus Heisterberg, Joshua Oppenheimer. Música: Josh Schmidt. Fotografía: Mikhail Krichman. Reparto principal: Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Moses Ingram, Lennie James, Tim McInnerny, Bronagh Gallager, Danielle Ryan. Producción: Final Cut for Real, The Match Factory, Wild Atlantic Pictures, Dorje Films, Moonspun Films, Anagram. Distribución: Avalon. Género: musical, ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.finalcutforreal.dk/the-end

Abierto el plazo para presentar trabajos a Another Narrativas

Posted on por
Responder

En busca de guiones que aborden la crisis climática

Después del éxito de su primera edición, Another Narrativas regresa con un nuevo formato más completo e innovador creado por la Asociación Another Way, centrado en estimular e inspirar la creación de ficciones audiovisuales desde el guión que aborden el mayor reto de nuestro tiempo: la crisis climática. 

El potencial de las narrativas y el poder del cine son indiscutibles. Por eso, esta formación está destinada principalmente a guionistas, pero también a creadores/as, directores/as y estudiantes de audiovisual que, conscientes de la gran influencia que tiene el audiovisual, deseen incorporar el cambio climático dentro de sus narrativas, y además que lo quieran hacer desde la perspectiva de formar parte del cambio hacia un futuro irresistible. 

Tendrá lugar a lo largo de diez sesiones virtuales y una jornada presencial repartidas entre el 23 de abril y el 12 de junio de este año, que sumarán un total de 38 horas. Las inscripciones, cuyas plazas son limitadas, están abiertas hasta el 11 de abril a través de este enlace con un coste de 200€ + IVA, pudiendo beneficiarse de un 50% de descuento los socios/as de las entidades colaboradoras.

En colaboración con la distribuidora Avalon, se celebrará la premiere madrileña de The End de Joshua Oppenheimer (The Act Killing), después de su estreno en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. Tendrá lugar el 10 de abril, víspera del cierre de inscripciones para la formación. Además esta película, debido a su temática, será un case study de Another Narrativas.

Another Narrativas culminará con Another Pitch, la apertura de la convocatoria de proyectos en desarrollo donde seis de ellos serán seleccionados para presentarse ante un jurado profesional dentro del marco de la onceava edición de Another Way Film Festival. El jurado estará compuesto por reconocidos profesionales del sector audiovisual y de la sostenibilidad, entre los que ya están confirmados la distribuidora Avalon.

Según una encuesta del Ministerio de Transición Ecológica, el 49% de la población española quiere saber más sobre el cambio climático. Incorporando estas temáticas en la narrativa audiovisual se fomenta su conocimiento y las conversaciones críticas al respecto.

Los y las profesionales que impartirán la formación online son: Saúl Flores Martínez, profesor universitario sobre escritura creativa, narrativas ecológicas y transición ecosocial, hará una introducción a la crisis ecosocial y ahondará en sus temas para la narrativas cinematográfica; Miguel Ángel Soto, responsable de campañas de Greenpeace España, abordará la actual narrativa de la sostenibilidad y las estrategias de comunicación, publicidad y marketing que enmascaran el verdadero compromiso; Cristina Monge, socióloga, politóloga y presidenta de la asociación “Más democracia”, planteará el debate sobre la transición ecológica con un planteamiento de oportunidad; Federico Buyolo, director cultural de la Fundación Ortega-Marañón, agitador cultural, político y experto en estudios de futuro, invitará a imaginar, de manera fundamentada, un futuro lleno de futuros posibles, plausibles y probables; Carmen Madorran, coordinadora del Grupo de investigación en Humanidades Ecológica, activista ecologista, y autora de Necesidades ante la crisis ecosocial: pensar la vida buena en el Antropoceno, profesora y escritora, hablará sobre nuestras necesidades para poder llevar una buena vida; Yolanda Barrasa, asesora de guion, script doctor y script coach, abordará el activismo dramático a través del universo narrativo, la estructura dramática, los personajes y los diálogos; Elisa Puerto, guionista, script consultant y directora centrada en thriller, sci-fi y distopías, hablará sobre crisis climática en el cine comercial.

Además, la formación se completará con una jornada presencial de la mano de las facilitadoras Beatriz Gallego y Joana Conill, especialistas en crear espacios de aprendizaje y acompañamiento ayudarán con su trabajo a crear un espacio cálido y seguro durante cada sesión online. Así, las experiencias individuales podrán tejer relatos con impacto colectivo. Gracias al uso de dinámicas, se buscará la creación de comunidad. Así mismo, durante la tarde de la jornada presencial se organizarán dos mesas redondas, una en torno a éxitos ecosociales y otra en torno a éxitos audiovisuales cuyos invitados e invitadas aún están por confirmar.

Another Narrativas cuenta con el apoyo de ECF (European Climate Foundation) y Greenpeace; y la colaboración especial de la distribuidora AVALON, la colaboración del sindicato de guionistas ALMA, la asociación de mujeres cineastas CIMA, la entidad de gestión DAMA, el directorio profesional Dones Visuals, la asociación de guionistas audiovisuales FAGA, la asociación para las mujeres en la industria de la animación MIA.

‘Bird’ llegará a cines en noviembre

Posted on por
Responder

Protagonizada por Barry Keoghan, Franz Rogowski y Nykiya Adams

La nueva película Andrea Arnold, directora antes conocida por películas como ‘American Honey’ o ‘Big Little Lies’, se titula ‘Bird’ y llegará a España a través de la distribuidora Avalon a partir del 29 de noviembre.

Está protagonizada por Barry Keoghan (‘Saltburn’, ‘Dunkerque’) y Franz Rogowski (‘Disco Boy, ‘Passages’). ‘Bird’ supone también el debut de la actriz Nykiya Adams. Entre los tres materializan un relato que se ha tildado como una experiencia vital y emocional. Pero el filme también cuenta con actores naturales, como es habitual en los trabajos de la directora que siempre busca retratar la realidad social británica.

Fue presentada en la sección Perlak del último Festival de San Sebastián y en el de Cannes además de ser premiada en el de Hamburgo.

Sinopsis oficial:

Bailey, de 12 años, vive con su padre soltero Bug y su hermano Hunter en una casa ocupada del norte de Kent. Bug no tiene mucho tiempo para sus hijos y Bailey, que se acerca a la pubertad, busca atención y aventuras por su cuenta.

Crítica: ‘Descansa en paz’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Descansa en paz

Sinopsis

[toggle]

En un caluroso día de verano en Oslo, los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?

[/toggle]

Crítica

Los zombies tienen más sangre que los vivos en este filme contemplativo

Tenía una pequeña expectativa con ‘Descansa en paz’ pues en ella se reúnen títulos como ‘La peor persona del mundo’ y ‘Déjame entrar’, ya que trabajan en este estreno los actores Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie y el guionista John Ajvide Lindqvist respectivamente. También porque la sinopsis nos prometía una historia de zombies diferente, atípica, como igual de extraño es el vivir un día caluroso en Noruega. Pero por tras salir de la proyección me quedo como el resto de espectadores que comentaban a la salida, con la sensación de haber estado viendo muchas escenas que cuentan poco y nos dejan con una enorme sensación de vacío.

Reconozco que identifico que la película de Thea Hvistendahl trata sobre el vacío que dejan aquellos que pasan a mejor vida, eso es algo que está en la superficie, que se remarca reiteradamente en todos los arcos que tiene el filme. Pero la fútil sensación con la que abandonamos el cine se debe a que no se detecta ningún otro argumento o desarrollo. ‘Descansa en paz’ es una película contemplativa y dramática que intenta explorar complejidades del género de los muertos vivientes a través de una lente íntima. Sin embargo, a pesar de su fuerza dramática, la película tiene problemas de coherencia narrativa y enfoque temático.

Uno de los principales problemas de la obra reside en el desarrollo de la trama. A menudo, la narración parece excesivamente errática repleta de escenas con una parsimonia tal que parece que los zombies tienen más sangre que los vivos. Esta falta de claridad puede hacer que los espectadores se sientan confusos y desconectados de los acontecimientos de la película, lo que dificulta la implicación total con los personajes y su viaje.

A las incoherencias narrativas de la película se suman sus ambigüedades temáticas. No está claro si ‘Descansa en paz’ pretende explorar temas como el trauma, la superación de la pérdida o el proceso de superación. Esta falta de claridad temática da lugar a momentos contradictorios a lo largo de la cinta, lo que enturbia aún más su mensaje general y su impacto. Cuando parece que nos están exponiendo escenas que nos hablan del trauma o de una especie de terror psicológico aparecen elementos que rectifican el género o contradicen las sensaciones de los protagonistas.

Sin duda Thea Hvistendahl tiene el mérito de conseguir una atmósfera triste y plomiza. Durante unos instantes intriga ya que siempre es enigmático desarrollar una trama en la que los muertos salen de sus tumbas. Pero ese suspense se convierte en confusión a medida que las secuencias consisten solo en fustigar a los personajes con sus penas y en plantear situaciones donde los diálogos brillan por su ausencia y las acciones no muestran progreso alguno. Quizá la novela de John Ajvide Lindqvist en la que se basa es más eficiente a la hora de explicar sus argumentos.

La muerte y la tragedia están presentes desde el principio en ‘Descansa en paz’ y ni con ello son capaces de ser visualmente cautivadores. Si que se crea un estilo propio y un ambiente enrarecido, generado puntualmente por algunos ruidos o interferencias para las que tampoco encontramos explicación. Son instantes que o bien se acotan a vertientes modernistas o bien a detalles tan excesivamente personales que solo entiende el equipo del filme. No es que uno esperase un espectáculo de sangre, al contrario, con una exploración sugerente o sustanciosa me habrían agradado más. Pero ni lo uno ni lo otro. Permitidme el spoiler, pero si esperáis una película de zombies mordiendo a gente… ved solo los últimos cinco minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2024. Título original: Håndtering av udøde. Duración: 97 min. País: Noruega, Suecia, Grecia. Dirección: Thea Hvistendahl. Guion: Thea Hvistendahl, John Ajvide Lindqvist. Música: Peter Raeburn. Fotografía: Pål Ulvik Rokseth. Reparto principal: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bjørn Sundquist, Bente Børsum, Bahar Pars, Inesa Dauksta. Producción: Anonymous Content Nordic, Einar Film, Filmiki Etaria, Zentropa International Sweden. Distribución: Avalon. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/descansa-en-paz/

‘A Hundred Flowers’ llega este mes a cines

Posted on por
Responder

Estreno el 16 de junio

La película japonesa, ‘A Hundred Flowers’ es la opera prima de Genki Kawamura, conocido por ser productor de exitosos animes como ‘Suzume’, ‘Your Name’ o ‘El niño y la Bestia’, guionista de películas de la saga ‘Doraemon’; y también por firmar la novela ‘Si los gatos desaparecieran del mundo’, editada por Alianza Editorial en España.

Además de productor, guionista y escritor, Kawamura dio el salto a la dirección en 2018 con su cortometraje ‘Duality’, que presentó en el Festival de Cannes.

Coescrita junto a Kentaro Hirase, ‘A Hundred Flowers’ es una adaptación basada en la novela del propio director, Hyakka, que responde al título original de la cinta y que está basada en su experiencia personal con su abuela que hace siete años comenzó a padecer Alzheimer. Una película delicada, que hace un recorrido por los recuerdos, la memoria y la relación a través del tiempo entre una madre y un hijo.

Tras su premiere española en la sección oficial de la 70ª edición del Festival de San Sebastián, ‘A Hundred Flowers’ tendrá su estreno en cines en España el próximo 16 de junio, con distribución de Avalon.

Sinopsis oficial:

La mente de Yuriko comienza a deteriorarse rápidamente, ya que padece de demencia. Sin embargo, para su hijo Izumi, los recuerdos de su madre permanecen tan nítidos como cuando vivió la experiencia que los originó. El recuerdo de una vivencia lo persigue y atormenta especialmente: cuando pensó que ella había desaparecido.

Crítica: ‘El triángulo de la tristeza’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Una pareja de modelos es invitada a un crucero de lujo. Cuando el yate se hunde acaban en una isla desierta con un grupo de multimillonarios y una señora de la limpieza. En la lucha por la supervivencia, las antiguas jerarquías se trastocan ya que la limpiadora es la única que sabe pescar.

[/toggle]

Crítica

Una estimulante revisión y actualización de ‘El señor de las moscas’

Lo primero que nos viene a la cabeza al ver de qué trata ‘El triángulo de la tristeza’ es ‘El señor de las moscas’. Vale, no trata de unos niños en una isla pero si que muestra a unas personas en cierto sentido inmaduras y cuyo estatus social se ve trastocado. En la última propuesta de Ruben Östlund un barco plagado de snobs, elitistas y superficiales ricachones se hunde y sus pasajeros van a dar a una isla desierta. Unos modelos, los tripulantes y unos ricachones petimetres luchan por sobrevivir, pero no se trata solo de buscar alimento o construir una cabaña.

Entre nuestros instintos primarios ya no se encuentra solo la necesidad de comer, refugiarnos o reproducirnos. También está el imperativo impulso de subir en el escalafón social o por lo menos aparentar superioridad (física, moral o económica). Eso es lo que pone en relevancia Ruben Östlund, un director que ha demostrado ser capaz de agitar nuestra mente y nuestra conciencia, lo cual es siempre estimulante. Si tuviese que preparar un ciclo con películas recientes y críticas con nuestra sociedad metería esta obra junto a títulos como ‘El hoyo’ o ‘Parásitos’. Me gustaría que todo aquel que vea ‘El triángulo de la tristeza’, sea adinerado o no, cambie su manera de actuar siempre que haga uso del sector servicios, lo que se ha llamado siempre el “cara al público”. Por que no todo en esta vida es dinero y no es lo mismo solicitar un servicio que tener un siervo.

Siempre tenemos la idea preconcebida de que los y las modelos son personas tienen las neuronas justitas para mostrar sus exuberantes cuerpos. Creo que hace años que ese cliché se rompió pero Östlund acierta en poner el foco en ello, por si acaso hay aún personas con ese sesgo aún presente. No me extraña que triunfase en Cannes pues ahí buscan siempre películas con cierto compromiso. El guión consigue ser descarnado y muestra cuan voraces pueden ser las ansias de poder del ser humano. Aunque también es cierto que ‘El triángulo de la tristeza’ podría haber sido un poco más incisiva, más profunda.

Satírica, punk, mordaz, atrevida, descarada… son adjetivos que le vienen muy bien a ‘El triángulo de la tristeza’. Saca su título de una expresión superficial usada en moda (no se si es inventada o no) para desarrollar un discurso sobre la igualdad, en muchas de sus vertientes. En pleno siglo XXI predomina y está afianzado una especie de apartheid que impone que aquellos dedicados a la limpieza, mantenimiento o venta son una clase social inferior. Lo que es triste es que tengan que venir películas como esta para demostrar que no siempre el cliente tiene la razón, que hay muchos que viven en su burbuja de ensueño sin ser realmente conscientes de cuál es la realidad.

Capitalistas, comunistas, ricos, pobres, vividores, pluriempleados… todos acabamos yendo al baño a cagar, todos nos mareamos ante la tempestad… Las imágenes que han preparado Östlund y Wenzel nos recuerdan que por mucha opulencia que haya, todos terminamos necesitando lo mismo. El mensaje es alto y claro, ahora queda ver cuan abiertos están los oídos de las conciencias de los espectadores, a ver quién tiene menos neuronas o quien es más superficial, si los modelos o ellos.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2023. Título original: Triangle of Sadness. Duración: 149 min. País: Suecia. Dirección: Ruben Östlund. Guion: Ruben Östlund. Fotografía: Fredrik Wenzel. Reparto principal: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly. Producción: Imperative Entertainment, Film i Väst, BBC Film, 30West, Plattform Produktion. Essential Filmproduktion GmbH, Coproduction Office, Sveriges Television (SVT), Arte France Cinéma, TRT, ZDF/Arte. Distribución: Avalon, Elástica. Género: Web oficial: https://neonrated.com/films/triangle-of-sadness

Tráiler de ‘Broker’

Posted on por
Responder

En cines el 21 de diciembre

Ya está disponible el tráiler oficial de ‘Broker’, la última película de Hirokazu Kore-eda (‘Un asunto de familia’) que se estrena en cines el próximo 21 de diciembre. ‘Broker’ está protagonizada por Song Kang-ho (‘Parásitos’), Dong-won Gang (‘Península’), Bae Donna (‘The Host’) y la popular cantante surcoreana, Ji-eun Lee «IU».

Distribuida por Avalon y Filmin, la película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes, donde el protagonista del filme, Song Kang-ho (‘Parásitos’), recibió el premio al mejor actor. En España la película participó en el Festival de San Sebastián, dentro de la sección Perlas, que recoge una selección de los largometrajes más destacados y aclamados del año en otros festivales internacionales.

Rodada en Corea del Sur (es la segunda vez que Kore-eda rueda fuera de Japón) ‘Broker’ parte del fenómeno de los baby boxes, unas cajas destinadas al abandono de bebés que existen en Corea del Sur desde 2010. Desde este punto de partida, Kore-eda nos cuenta una historia de abandono y de familias atípicas con la que compitió por sexta vez en la Sección Oficial del Festival de Cannes.

Sinopsis oficial:

Una noche lluviosa una joven abandona a su bebé a las puertas de una iglesia. El recién nacido es recogido por dos hombres que se dedican a robar bebés abandonados para venderlos a padres dispuestos a pagar una tarifa. Cuando la joven regresa a la iglesia, arrepentida, descubre el negocio ilegal de ambos hombres y decide unirse a ellos para encontrar a los padres adoptivos más adecuados. En este inusual viaje por carretera, el destino de los que se crucen en la vida del niño cambiará radicalmente.

‘Sintiéndolo mucho’, un documental sobre Sabina

Posted on por
Responder

Sabina + Leiva + León de Aranoa

Si el corazón no rima con la realidad… Quemo mis naves, sintiéndolo mucho. Joaquín Sabina sale del estudio de grabación con un tema inédito, ‘Sintiéndolo mucho’, cómplice confesión de su actual estado vital y anímico, sutil medio tiempo que araña con una letra a pecho descubierto, donde el mito de la canción popular vuelve a mostrar la reconocida y reconocible maestría poética que albergan sus creaciones.

Escrita al alimón junto a Leiva, fiel compañero de sus recientes correrías musicales, Sabina se muestra como el viejo lobo del mar de las emociones sublimadas en forma de canción, y hace suya la tradición marítima que dice que el capitán será la última persona en abandonar el barco antes del naufragio. ‘Sintiéndolo mucho’ funciona pues como un canto portuario y tabernario: un tanto de sirena, en su embaucadora seducción; otro tanto de cisne, en ese bello amotinamiento contra el paso del tiempo y en el indisimulado y luctuoso sabor a despedida que destila el tema.

‘Sintiéndolo mucho’ fue creada ad hoc para cerrar la película del mismo título dirigida por Fernando León de Aranoa, documental sobre Sabina rodado a lo largo de 13 años en lo que supone un ‘retrato sin bombín, hecho a muy pocos centímetros de su piel, que cuenta sin atenuantes la intimidad del artista, sus bambalinas, cuando baja del escenario’. Son precisamente las imágenes del documental las que componen el video de la canción, que corre a cargo del propio León de Aranoa.

La película ‘Sintiéndolo mucho’, que ya se ha estrenado en España en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y se verá en unos días en el festival IN-EDIT de Barcelona, tendrá también su cita en México en el prestigioso Festival Internacional de Cine de Morelia el próximo 23 de Octubre de la mano de su director y de Leiva, autor también de su música original.

La película documental, una producción de Reposado, BTF Media y Sony Music Spain y que cuenta con la participación de Movistar Plus+, se podrá ver en los cines españoles a partir del próximo 17 de noviembre, distribuida por Avalon con pases limitados. La preventa de entradas ya está activa en www.sintiendolomucho-sabina.com

El tema ‘Sintiéndolo mucho’ fue grabado en el estudio madrileño , bajo la producción de Leiva y el siempre certero Carlos Raya (Fito Cabrales, Leiva, M-Clan). La base del tema (batería, guitarra acústica, bajo, percusiones y coros) corre a cargo de Leiva y del piano se encarga el teclista de la Leiband Cesar Pop. Mezclado por Raya, ‘Sintiéndolo mucho’ ha sido finalmente masterizado por el reconocido Bob Ludwig (Lou Reed, Paul McCartney, Nirvana, Bruce Springsteen, etc).

Crítica: ‘Alcarràs’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Después de ochenta años cultivando la misma tierra, la familia Solé se reúne para realizar juntos su última cosecha.

[/toggle]

Crítica

Carla Simón consigue conectar con el espectador

Segundo largometraje de ficción de Carla Simón tras ‘Verano 1993’. Pero para ser más exactos habría que decir que ‘Alcarràs’ es “no ficción”, no está concebida como una historia inventada sino más bien como un relato atado a la realidad. Con este filme la directora sentó un precedente y ganó el Oso de Oro a mejor film en la última edición de la Berlinale. No pienso que ‘Alcarràs’ sea una película digna de tanto reconocimiento, pero bien es cierto que consigue conectar mucho con el espectador.

De nuevo el verano es el idílico periodo en el que se ambienta la historia. Un verano con el que es fácil de conectar con el espectador. Sobre todo es comprensible que se sientan identificados todos aquellos que ha podido jugar en coches destartalados o manchándose de barro sin las paranoias y excesivos cuidados de los padres actuales. También volverán recuerdos a la memoria de aquel público que en su vida se haya visto en un negocio familiar que ya no exista.

Cual anciano de ‘Up’ un hombre ve como el hogar de toda su vida se ve amenazado, se ve rodeado de un paisaje ajeno. Lo de ‘Alcarràs’ es una lucha sin cuartel en la que un labriego ve cómo se va a esfumar la herencia que tiene para sus nietos. Cuando lo material desaparece lo único que le queda es transmitir lo aprendido a sus descendientes. La infancia es uno de los pilares sobre los que se asienta esta obra. Los juegos, las chanzas y las fantasías de cuando éramos pequeños. Pero también la inocencia de aquellos que absorben lo que sus mayores les arrojan o hacen y deshacen sin conocimiento.

Una inocencia que también se percibe en los protagonistas adultos. Personas sencillas que quieren llevar una vida casi aislada del progreso, anclada a un pasado menos complejo en el que valían los acuerdos verbales. La realidad les pasa por encima y trastoca sus costumbres. ‘Alcarràs’ nos habla de cómo una familia puede romperse en cuanto le arrebatas aquel nexo de unión que han tenido durante generaciones. Y lo hace usando como vehículo la depresión de los negocios familiares frutales de Lleida.

Es fácil hablar de cotidianidad cuando estamos contemplando la vida en el campo. Pero no hay que confundir cotidianidad con campechanía y mucho menos con las tradiciones. En este caso es un todo en uno. ‘Alcarràs’ rueda con un estilo contemplativo, excesivamente recreativo, el quehacer de unos agricultores. Y en su día a día sale a relucir la historia que ha dado forma a esa casa, esa tierra, esos árboles. Y entre todo esto lo que sale a la palestra es el amor de la directora por su región.

El realismo, casi crónica, de ‘Alcarràs’ se ha conseguido con un elenco en el que casi todos son actores primerizos que además tienen en común que han intervenido en el programa ‘Preguntes freqüents’. Repite con la directora Berta Pipó, a la que también vimos en ‘Boi’. Entre todos consiguen dibujar la nobleza de la gente de campo pero también sus miedos e inquietudes. Quizá es que uno ha vivido suficientemente en provincias como para no verle virtudes premiables a esta película. Desde luego tiene su reivindicación, como enaltecer la sabiduría que nos legan nuestros mayores, pero también pienso que los espectadores urbanitas van a hinchar sus méritos deslumbrados ante la vida que no conocen.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de abril de 2022. Título original: Alcarràs. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Carla Simón. Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró. Música: Andrea Koch. Fotografía: Daniela Cajías. Reparto principal: Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó. Producción: Elastica Films, Avalon P.C, Vilaüt Films, Kino Produzioni, Movistar+, RTVE, TV3. Distribución: Acalon. Género: drama. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/alcarras

Crítica: ‘Un pequeño mundo’

Posted on por
Responder

Sinopsis

[toggle]

Nora, de 7 años y su hermano mayor Abel vuelven al colegio. Cuando Nora observa el maltrato de otros niños a su hermano trata de protegerle avisando a su padre. Pero Abel le obliga a guardar silencio. Ante el dilema, Nora tiene que encontrar su lugar entre el mundo de los niños y el de los adultos.

[/toggle]

Crítica

Cuando el recreo llega a ser un verdadero infierno

El recreo puede ser un lugar terrorífico para muchos niños y aquí, en ‘Un pequeño mundo’ nos lo muestran con una realidad impresionante. Si, puede sonar exagerado, pero al final el recreo de los colegios es donde comenzamos a sociabilizar. Un lugar en el que cada uno tiene su sitio y es así. Las zonas del patio no están repartidas, pero los niños lo hacen sin pensar, cada uno a un lugar. Y por mucho que las profesoras o auxiliares intenten tener mil ojos, los abusos suceden y muchos de ellos, ocurren en estos descansos que encuentran los niños de su estudio.

Me ha parecido tremenda la película, con una duración de 72 minutos, se me ha hecho larga, pero esto no es algo malo, si no porque ha logrado lo que quería, que sufriésemos con estos dos hermanos.

Nora y Abel. Nora que ve como su hermano es maltratado por otros compañeros del colegio sin que ningún adulto se de cuenta. Abel, intentando sobrevivir en ese mundo que le está haciendo cada vez más pequeño.

Una terrible visión y tan real para muchos jóvenes. Laura Wandel logra transmitir ese miedo, impotencia y rabia a través de los ojos de Maya Vaderbeque, que está tremenda en el papel de Nora. Sus ojos lo dicen todo, no la hace falta más. Hay una escena en la que la vemos romper poco a poco a llorar que te dan ganas de atravesar la pantalla y abrazarla y decirla que todo va a ir bien. Es increíble la verdad que vemos en ella.

Pero Günter Duret no se queda atrás. El joven que representa a Abel nos muestra como el dolor, lleva al miedo y al final a la ira. No, no soy Yoda, pero es que es justo lo que le ocurre a este joven lleno de odio hacia todo el mundo por lo que le está ocurriendo.

Además de las actuaciones de estos dos niños, tenemos el uso de la cámara. Me ha parecido muy acertado andar con la cámara en mano, con esos primeros planos en los que estás mas pendiente de lo que ocurre en la lejanía. En ese mundo borroso temiendo que esté pasando cualquier atrocidad.

‘Un pequeño mundo’ es una película muy dura, pero que recomiendo mucho. Muchos niños guardan en silencio este tipo de actos ya sea por miedo a represalias o por simplemente ignorancia. La educación para ellos debería de ser que nadie es inferior a nadie y que los abusos no deberían existir. Así que ya sabéis esta semana la tendréis en todas las salas de cine, no os la perdáis.

 Ficha de la película

Estreno en España: 25 de febrero 2022. Título original: Playgroung. Duración: 72 min. País: Bélgica. Dirección: Laura Wandel. Guión: Laura Wandel. Música: Thomas Grimm-Landsberg. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Reparto principal: Maya Vanderbeque, Günter Duret, Karim Leklou, Laura Verlinden. Producción: Dragons Films, Lunanime. Distribución: Avalon. Género: Drama. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/estrenos/un-pequeno-mundo-playground

Pase benéfico organizado por Avalon, Fundación ANAR y Cine Yelmo

Posted on por
Responder

Se proyectará ‘Un pequeño mundo’

El próximo martes 21 de diciembre, a las puertas de la Navidad, tendrá lugar un pase bénefico en colaboración entre la distribuidora Avalon, la Fundación ANAR y Cine Yelmo. El día 21 a las 20.00h se proyectará la película ‘Un pequeño mundo (Playground)’ en los cines Yelmo Ideal de Madrid y Yelmo Comedia de Barcelona. Se trata de un pase abierto a todo el mundo, con entradas al precio reducido de 5€. Las entradas ya están a la venta en la web de Cine Yelmo.

En esta ocasión, Cine Yelmo colabora con la cesión gratuita de la sala en cuestión y Avalon cede igualmente la proyección de la película sin coste alguno. Por su parte, Cine Yelmo destinará la recaudación íntegra obtenida en ambas ciudades a la Fundación Anar. Además, Avalon se compromete a donar exactamente la misma cantidad al proyecto contra el acoso escolar que lleva a cabo Anar.

La FUNDACIÓN ANAR lleva más de 50 años trabajando en España por la defensa y promoción de los derechos de los niños, niñas y adolescentes. «La película Un pequeño mundo trata una de las tantas situaciones que desde ANAR conocemos bien: el acoso escolar. Para los niños, niñas y adolescentes que sufren acoso escolar, u otro tipo de problemáticas, es importante recordar que no están solos, que pueden contar con ANAR a través del Teléfono ANAR de Ayuda a Niños/as y Adolescentes en Riesgo, 900 20 20 10, y del Chat ANAR, accesible en anar.org».

Desde que AVALON adquirió los derechos de Un pequeño mundo (Playground) en el pasado Festival de Cannes, «hemos sentido que teníamos entre manos una película importante. Por un lado, por su calidad cinematográfica intrínseca, refrendada por el Premio Fipresci de Un Certain Regard (Cannes), su paso por la sección Zabaltegui en el Festival de San Sebastián o los premios nacionales a Mejor Película en el Festival de Ourense y Festival de Cine por Mujeres. Por otro lado, y especialmente, por su fondo social y humano, pues muestra una realidad ineludible con un punto de vista inédito. Por ello, queremos dar un paso adelante con esta acción especial de visibilización».