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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Apolo 11’

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Sinopsis

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A través de material exclusivo en 70 mm facilitado por la NASA y filmado hasta en 8K para la producción de esta película, descubre una visión hasta ahora inédita, de la misión Apolo 11 que llevó justo hace 50 años al ser humano a la luna. Una gesta épica que unió a la humanidad.

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Crítica

Documental con imágenes restauradas en el 50 aniversario de la misión

Se cumplen 50 años de la misión Apolo 11, aquella que llevó a Armstrong, Collins y Aldrin al espacio y los colocó como los primeros seres humanos en situarse en la Luna. Se cumple ese redondo aniversario ahora que llevamos en nuestros bolsillos dispositivos con una capacidad de procesar 100.000 veces superior a la de los ordenadores que por entonces tenía la NASA. Ya lo predijo la ley de Moore, que la tecnología iba a avanzar a pasos agigantados, dicho grosso modo. Y gracias a ese gran progreso ahora podemos ver con mucha mejor calidad las imágenes de aquellos días.

He de decir que para como se promociona el documental esperaba ver una restauración del material original con aún mejor resultado. Pero hay que ser conscientes que las imágenes captadas en la época tampoco dan para más. Estamos tan acostumbrados a ver las grabaciones de la llegada a la Luna y de los astronautas paseando por ella en blanco y negro o emborronadas que ya nos parece algo tremendamente cotidiano. El verlo todo con mucha mejor definición ayuda a tener un concepto de todo que nos deja un sabor a proeza mucho más moderna, un logro como muchos aún no hemos vivido o no viviremos nunca.

El documental narra de cabo a rabo toda la misión usando solo imágenes reales, de manera lineal y sin necesidad de narrador, sin caer además en americanadas. Emplea únicamente audios y vídeos originales restaurados para contarnos cómo se fabricó y remolcó el cohete, cómo se preparó a los astronautas, cuál era la expectación de público, qué tal fue el lanzamiento, como se vivieron todas y cada una de las fases de separación de los módulos, la manera en que se alunizó, el famoso paseo por la luna y los pormenores del regreso a la Tierra. Únicamente se han introducido unas simulaciones que nos explican en qué momento de la misión nos encontramos y muestran de manera muy gráfica el funcionamiento del cohete Saturno V, el módulo Columbia o el módulo lunar Eagle.

El documento de noventa minutos es una buena oportunidad para recordar a aquellos que lo vivieron en directo ese gran momento y además descubrir algunos detalles nuevos. Si en cambio nunca se ha visto toda la aventura del Apolo 11 esta será una buena experiencia que además la música de Matt Morton ayudará a intensificar. En el caso de los conspiranoicos que mantienen que el hombre no pisó nuestro satélite dudo que les haga cambiar de opinión.

Como anécdota hay que contar que la película solo estará en cines del 16 al 20 de julio, coincidiendo con el periodo que tardó la misión en despegar de la Tierra al llegar a la Luna.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2019. Título original: Apollo 11. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Douglas Miller. Guion: Todd Douglas Miller. Música: Matt Morton. Fotografía: Adam Holender. Reparto principal (documental): Neil Armstrong, Buzz Aldrin, Michael Collins, Charles Duke, Richard Nixon… Producción: CNN Films, Statement Pictures. Distribución: A Contracorriente Films, Rising Alternative. Género: documental. Web oficial: https://www.apollo11movie.com/

Crítica: ‘An accidental studio’

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Sinopsis

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Documental sobre HandMade Films, la productora brítánica independiente fundada por George Harrison. «La vida de Brian», la mítica película de Monthy Python de 1975, fue el trampolín para la aventura cinematográfica de Harrison, con lo que el ex Beaatle llegaría a producir otros títulos de culto, como «Los héroes del tiempo», de Terry Gilliam, «Withnail & I», de Bruce Robinson, o «Mona Lisa», de Neil Jordan.

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Crítica

‘An accidental studio’ desentraña con mucha riqueza una buena parte de la historia del cine británico

¿Sabéis qué une a los Monty Python y a uno de los Beatles? No, no es solo el haber nacido en las islas británicas. Es el haber trabajado juntos a través de uno de los estudios de cine más arriesgados que ha conocido la industria cinematográfica del Reino Unido. HandMade Films fue la compañía que en su día apostó por ‘La vida de Brian’ cuando su productora original (EMI Films) y otras muchas la rechazaron por considerarla blasfema. Esta empresa fue fundada expresamente para sufragar ese filme y la idea surgió del Beatle George Harrison que era muy fan de los comediantes y no quería que la película quedase sin rodarse. A si es que al final aquel que perteneció al grupo del que siempre se dijo que fue más conocido que el propio Jesús sacó adelante la que es considerada una de las mejores comedias del cine. ¡El músico llegó a hipotecar su casa y su oficina de Londres para hacer esa obra de arte realidad!

De ahí en adelante Harrison, con la ayuda del cofundador Denis O’Brien, comenzó a acoger proyectos que nadie quería sacar adelante. HandMade Films se convirtió en garantía de propuesta diferente y arriesgada. ‘An accidental studio’ es un documental realizado por Kim Leggatt, Bill Jones y Ben Timlett. Ellos ya habían documentado la historia de los Monty Python y hablar de HandMade Films en parte es hablar del grupo de cómicos, pero ahora van más allá pues no solo tratan rodajes como los de ‘La vida de Brian’ o ‘Los héroes del tiempo’. En ‘An accidental studio’ descubriréis que el estudio de Harrison se la jugó por películas como ‘El largo Viernes Santo’, ‘Mona Lisa’, ‘Water’, ‘Withnail’, ‘Loca juerga tropical’ o ‘Monjas a la carrera’.

Hay muchas notas de humor y autocrítica en este documento. ¿Qué esperabais en una película en la que hay entrevistas y extractos de rodajes de los Monty Python? Incluso Harrison se tomaba con guasa que le criticasen por arriesgarse a la bancarrota con películas como las que estrenaba. ‘An accidental studio’ nos ofrece momentos inéditos, palabras recuperadas de archivos que nos aportan una faceta poco conocida de Harrison y del cine británico, que sin embargo si nos es familiar por los filmes que hemos descubierto en VHS o en universidades.

Os va a sorprender encontraros con una película en la que confluyeron Sean Penn y Madona, de la época en la que salían juntos. ‘Shanghai Surprise’ le valió un Razzie a Madona y merece la pena que conozcáis los entresijos de su rodaje. Así como de los de ‘Loca juerga tropical’ que tenía una escena en la que músicos como Harrison, Ringo Star, Eric Clapton, Ray Cooper, Mike Moran o Chris Stainton daban un concierto en plenas Naciones Unidas. Según su director reconocía a los fumadores de marihuana porque le hablaban bien de su película.

HandMade Films ganó muchos premios y también escogió bastantes malas decisiones empresariales. Fue una empresa llevada con el corazón muy diferente a las majors que controlan el panorama actual. De ahí que haya melancolía al recordar su nombre y su época. Su ideal era casi bohemio y si indagáis entre sus títulos seguro que le tenéis que agradecer más de uno, como bien nos animan a hacer al final del documental donde cada entrevistado nos comenta su título favorito del estudio. ¿Cuál es el vuestro?

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: An accidental studio. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Kim Leggatt, Bill Jones, Ben Timlett. Música: John Greswell, Andy Mellon. Fotografía: Brendan McGinty. Reparto principal: George Harrison, Ray Cooper, Michael Palin, Terry Gilliam, Dick Clement, Ralph Brown, Richard e Grant, Neil Jordan, Bruce Robinson, Brenda Vaccaro, Cathy Tyson, Steve Abbot, George Ayoub, Ian La Frenais, Julian Doyle, Terry Ilyott, Barry Keefe, A Martinez, Richard Loncraine, David Leland, Jonathan Lynn, Jonathan Wacks, Ernest Vincze, Stephen Wooley, Bob Hoskins, Michael Caine, Helen Mirren, Eric Idle, John Cleese, Bill Connoly, Terry Jones, John MacKenzie, Denis O’Brien. Producción: Bill and Ben Productions, George Made Films, Propellor. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/999/an-accidental-studio/

Crítica: ‘Lo nunca visto’

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Sinopsis

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Teresa (Carmen Machi) ve apagarse Fuentejuela de Arriba, la pequeña aldea de la montaña donde ha vivido toda su vida. Pero el pueblo recibe una visita inesperada: en medio de la nieve aparece un desubicado grupo de africanos… cuya llegada conmociona la aldea.
Teresa lo tiene claro: huidos de una situación de explotación a la que habían llegado engañados, los africanos quieren quedarse en España como sea… y esa puede ser la solución al problema de falta de habitantes en el pueblo.

Con ayuda de sus amigos Jaime (Pepón Nieto), y el “Guiri” (Jon Kortajarena) decide ocultarlos y diseñar un plan. Poniendo patas arriba prejuicios y temores infundados, los recién llegados y los habitantes locales trabajarán juntos para que su hogar continúe existiendo.

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Crítica

Comedia plural en la España rural

En 2016 vi ‘La puerta abierta’ (crítica aquí) sin saber quién era Marina Seresesky. Acudí al pase de prensa con afán de cubrir la película para mi web y atraído por el gran reparto que lucía en sus créditos. Pero al salir mis impresiones hicieron que recomendase la película realmente por otras muchas cosas. Tanto ejerciendo de directora como de guionista Seresesky logró en su película alcanzar un discurso sensible, humorístico, dramático y tierno. Es por eso que ‘Lo nunca visto’ me ha parecido una película inferior a esa.

No creo que alcance esas nominaciones a los Goya o los Feroz que tuvo en su momento la directora con su opera prima. Tres años después de aquel éxito nos propone una comedia al uso, que tampoco es baladí, pero que como obra en su conjunto es menos completa. ‘Lo nunca visto’ es un filme que contiene muchas escenas disparatadas y absurdas, con grandes contrastes culturales e incluso generacionales y que se preocupa de intentar hacernos reír a la vez de transmitirnos un mensaje. El problema es que ese mensaje ya se distingue a poco que leamos la sinopsis de la película, por lo que el giro final de guión no tiene gran trascendencia.

En ‘Lo nunca visto’ vemos como un grupo de africanos de raza negra llega a un pueblo español perdido de la mano de Dios en pleno invierno. La villa está a punto de perder su estatus de localidad a causa de la despoblación y la protagonista de la película ve en ellos un rayo de esperanza, pero los prejuicios de los aldeanos pueden impedir la salvación. Para hilar toda esta locura Seresesky ha contado de nuevo con Carmen Machi como protagonista. La actriz madrileña capitanea como siempre de un modo estupendo el reparto. Aunque el punto fuerte de este largometraje son algunos de sus secundarios, como esas hermanitas interpretadas por Esperanza Elipe y Pepa Charro o el danzante Jimmy Castro.

¿Se puede hacer humor sobre personas de distinta raza sin caer en lo chabacano o xenófobo? La directora argentina demuestra que si con mucha soltura y con un buen abanico de gags, convirtiendo esta película en una muestra muy plural, tratando asuntos diveros. ‘Lo nunca visto’ no anda corta de gracias. Si bien es cierto que he dicho antes que se ve venir el mensaje también hay que reconocer que identificamos ciertas partes pronosticables de este tipo de comedias. Lo que no me esperaba era una banda sonora tan preciosista, pero claro, cuando uno ve que su autor es Fernando Velázquez (‘La cumbre escarlata’, ‘Un monstruo viene a verme’, ‘Lo imposible’), ya se da cuenta del nivel que hay.

Aunque he llevado la cuenta de un gran número de chistes entorno al racismo es una película más enfocada a orientar a través de las vías del humor temas como el respeto, los prejuicios o la modernización de valores. ‘Lo nunca visto’ tiene irónicamente bastantes puntos vistos en la comedia española pero por otro lado está tratada muy correctamente. Me ha dejado con sentimientos enfrentados pero la sensación no es mala dado que se palpa que Seresesky de nuevo se ha involucrado en las temáticas que trata.

El filme está dedicado al fallecido Fernando Hugo Rodrigo, quien fue jefe de desarrollo en Tandem Films (productora de la película) y guionista de ‘CineBasura. La peli’ trabajo que nos dio ocasión de entrevistarle y filmarle incluso para los extras del DVD.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: Lo nunca visto. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Marina Seresesky. Guion: Marina Seresesky. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Carmen Machi, Pepón Nieto, Kiti Manver, Jon Kortajarena, Miguel Cañaveras, Montse Pla, Ricardo Nkosi, Malcolm T. Sitté, Jimmy Castro, Txema Blasco, Mariana Cordero, Pepa Charro, Esperanza Elipe, Enriqueta Carballeira, Paco Tous, Santi Ugalde, Sonia Almarcha, Pablo Carbonell. Producción: TVE, Tandem Films, Solomon Solon AIE. Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/lo-nunca-visto.117

Crítica: ‘Diego Maradona’

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Sinopsis

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El 5 de julio de 1984, Diego Maradona llegó al Nápoles en un traspaso récord. Durante siete años se desató la locura. El icono más famoso del fútbol y la ciudad más ardiente y peligrosa de Europa formaron el cóctel perfecto.

En el campo, Diego Maradona era un genio. Fuera del campo, lo trataban como a un Dios. Al genio argentino le encantó pelear contra la adversidad y liderar al Nápoles hasta conseguir su primer Scudetto de la historia. Era el partido de sus sueños. Pero tenía un precio… Diego obraba milagros a su antojo en el campo, pero, con el paso del tiempo, la oscuridad se cernió sobre él.

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Crítica

Un documental tan triunfal como infernal, fiel a la realidad

Que Diego Armando Maradona siempre ha sido una figura que da pie a opiniones y sentimientos enfrentados es indiscutible. Que a uno le hagan un documental en vida es algo más raro de aceptar y asimilar, pero a una persona como la suya a la que en muchas regiones se la trata de dios no le debe parecer raro. Ni tampoco va a disgustarle el trabajo de Asif Kapadia pues son sus propias palabras en off las que se oyen a lo largo de todo el documento contándonos como vivió su etapa más trascendental como futbolista, la que pasó en el Nápoles.

‘Diego Maradona’ empieza con un repaso rápido a la carrera del futbolista. Sus inicios en el Argentino Juniors, sus primeros logros en el Boca Juniors, su accidentado y millonario paso por el Fútbol Club Barcelona y su venta al Nápoles. El excelente documentalista Asif Kapadia ya nos demostró con trabajos como ‘Amy’ que sabe identificar dónde está el verdadero meollo de la cuestión tras los ídolos. Es por eso que ‘Diego Maradona’ se centra en esos años que el argentino pasó en la ciudad italiana y solo retrocede para hablarnos sobre sus humildes orígenes.

Y es que si hay una imagen del futbolista que quiere mostrarnos el documental es la de alguien superado, la de alguien que vivió con una presión inmensa desde sus 15 años, el prototipo latino de futbolista que sale de su aldea para poder mantener a su familia algún día. Nada más comenzar ‘Diego Maradona’ aparece Pelé comentando que «no está preparado psicológicamente», algo que quizá podamos afirmar viendo como posteriormente cayó en la droga.

Ante todo la película se dedica a plasmar las palabras de Fernando Signorini, quien fue el preparador del astro del fútbol. Él indica que en Diego Maradona existen dos personalidades, Diego que es vulnerable, amable… y Maradona que no tiene debilidades, que es luchador. De este modo se establece una dicotomía que en realidad hemos conocido toda la vida. Porque este filme no se dedica a contar solo su vida personal, también desentraña la técnica del jugador, los motivos por los que fue conocido como Barrilete cósmico.

A través de entrevistas, fotografías, imágenes de archivo o partidos vemos como desde la cura de humildad que fue tener que fichar por el Nápoles se fue generando un mito, un dios tanto para los napolitanos como para los argentinos. Pero también como la integridad de una persona se corrompía y deprimía, se iba desplomando por varias pendientes porque Maradona era mujeriego, era inseguro, se relacionaba con la camorra que le controlaba con la droga a la cual era adicto desde Barcelona… Al final se puede resumir todo en que la locura que ha generado este ídolo de masas surge o bien de quererle por sus genialidades en el campo o bien de odiarle por las trampas que a tantos han fastidiado. Como bien dice el periodista Daniel Arcucci todo puede reducirse a los dos goles a Inglaterra en el Mundial de México 86. Os va a parecer curioso escuchar a Maradona riéndose de la jugada de «La mano de Dios», explicando cómo fue para él ese lance y relatando que para su equipo o su nación se justificó como una especie de revancha por la Guerra de las Malvinas.

Es normal que un jugador sea héroe y villano a la vez, la afición contraria puede odiarle, aunque si es deportiva aplaudirá su talento. Pero en el caso de Maradona llegó a ser Dios y Diablo para sus propios hinchas y eso fue su perdición. En el estadio del club en el que jugaba tuvo que representar a su selección y eliminar a Italia. Desde entonces fue crucificado y desde entonces no se pasó por alto su consumo de cocaína y a partir de ese punto se le persiguió por tener un hijo ilegítimo. Ese descenso a los infiernos contrasta magníficamente en el documental con las brillantes escenas de triunfo que nos cuentan como Maradona consiguió los primeros triunfos del Nápoles o la Copa del Mundo.

Lo que nos expone con ritmo y con acierto Kapadia es que el deporte rey es una locura y una droga a la que Maradona está enganchado, sin la que esa persona está perdida y sin la que también muchos pueblos pierden la cabeza. Los éxitos de Diego Maradona desataron tal desenfreno que hasta sus aficionados fijaban en los cementerios carteles que rezaban «no sabéis lo que os habéis perdido». Hasta su sangre tras un análisis se colocó junto a la supuesta sangre de San Genaro. Maradona fue, es y será siempre víctima de y adicto a su propia herramienta de éxito o perdición, el fútbol.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de julio de 2019. Título original: Diego Maradona. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Asif Kapadia. Música: Antonio Pinto. Reparto principal: Diego Armando Maradona, Claudia Villafañe, Diego Maradona Jr., Cristina Sinagra, Corrado Ferlaino, María Rosa Maradona. Producción: On The Corner Films, Lorton Entertainment, Film4 Productions. Distribución: Avalon Distribución Audiovisual. Género: documental, deportes. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/diego-maradona

Crítica: ‘Spider-Man: Lejos de casa’

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Sinopsis

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Tras los eventos ocurridos en Vengadores: Endgame, Spider-Man debe dar un paso al frente y hacerse cargo de las nuevas amenazas en un mundo que ha cambiado para siempre.

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Crítica

Llena de sorpresas y con grandes personajes

Es complicado meterse con la crítica de esta película sin apenas contar nada acerca de su sinopsis porque sería un spoiler, pero bueno, para centrarnos, volvemos a tener a Peter Parker y a sus amigos. Los cuales se están preparando para el gran viaje de fin de curso en Europa, donde a nuestro joven superhéroe le esperan grandes aventuras y retos.

Teniendo este contexto y con un nuevo personaje nuevo como Mysterio os puedo decir que la película me ha gustado bastante. Aunque con sus fallos, ya que llega a ser un poco repetitiva, termina dando lo que promete, entretenimiento y sobre todo grandes luchas.

Como acabo de comentar, llega Mysterio, interpretado por Jake Gyllenhaal, un gran acierto para esta nueva aventura de Spider-Man. Un personaje con mucha fuerza y bastante curioso. Da mucho juego durante toda la película y por supuesto el actor lo borda, dándonos a un Quentin Beck un tanto peculiar y embaucador.

En la película volvemos a tener por supuesto a Tom Holland, que una vez más nos demuestra ser digno de este traje, Zendaya con un poco más de protagonismo que en la anterior película se convierte en el gran amor de nuestro vecino y amigo. También vuelve a repetir Marisa Tomei o Samuel L. Jackson.

Otro de los personajes para mencionar es Happy Hogan (Jon Favreau), ya es bastante asiduo en las películas de Marvel, pero aquí se luce.

Si que es cierto que en la cinta Spider-Man no solo trata de luchar contra sus enemigos , si no que el joven quería unas vacaciones que no le están dejando tener. Se va dando cuenta de que ser un Vengador no es tan divertido como él pensaba, ya que realmente no puede tener la vida que él quiere. Además las hormonas revolucionadas de este adolescente comienzan a dar problemas a Nick Furia y eso no le va a hacer gracia al gran jefe.

Uno de los grandes fallos que quizás más me ha chocado es el CGI bastante pobre para la película que es. Me ha recordado mucho al videojuego del personaje que salió para Play Station 4, pero claro en la película desentona bastante.

Vais a poder ver dos escenas postcréditos, por supuesto no os las voy a contar, simplemente comentaros que en la primera aparece un personaje muy querido en Spider-Man, además de ser una escena que ya nos anuncia una tercera parte.

Antes de terminar, al comienzo del visionado tenemos un pequeño video de Jon Watts hablándonos un poco acerca de la cinta y de lo importante que es para el final de un ciclo en el mundo de Marvel. Y por supuesto después vemos el típico opening al que ya nos hemos acostumbrado en las cintas de Marvel que está dedicado a un montón de gente a la que no puedo nombrar por no chafaros la sorpresa, pero sin duda es muy emotivo.

Ficha de la película

Estreno en España:  5 de julio. Título original: Spider-Man: Far from Home. Duración: 129 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jon Watts. Guión: Chris McKenna y Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Matthew J. Lloyd. Reparto principal: Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Jake Gyllenhaal, Marisa Tomei, Jon Favreau, Samuel L. Jackson, Cobie Smulders, Martin Starr, Remy Hii, Numan Acar. Producción: Marvel Studios, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: Acción. Web oficial: https://www.spidermanfarfromhome.movie/

Crítica: ‘Rembrandt’

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Sinopsis

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‘Rembrandt’ explora cada una de las obras clave de la exposición, a través de contribuciones de invitados especiales. La historia de un hombre que supo empatizar con la condición humana a través de sus pinturas y, por ello, se le considera como uno de los grandes profetas de la civilización. Para muchos, Rembrandt es el mejor artista que haya existido y esta película busca explorar la verdad sobre el hombre detrás de la leyenda.

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Crítica

Un gran pintor, una gran exposición

Ya hemos visto durante un tiempo alguno de los documentales de ‘Los Grandes del Arte en el Cine’ entre ellos, ‘Los nenúfares de Monet: la magia del agua y la luz’  o ‘Leonardo V Centenario‘ y hoy toca de nuevo acercarnos a esta pequeña colección de arte hablando sobre Rembrandt.

El documental dirigido por Kat Mansoor, nos lleva a una de las exposiciones más importantes que se ha realizado sobre el autor, «Rembrandt: Obra tardía» en el National Gallery de Londres y en el Rijksmuseum de Amsterdam. Durante el recorrido de la exposición vamos conociendo a este artista con un gran talento para la pintura y con un gran talento hacia los retratos.

El documental me ha resultado muy ameno e interesante. Aprendes mucho sobre el artista, ya sea su trabajo como también su vida personal. Pero ahí más, también vemos un poquito la manera de construir una exposición de arte. Quizás no sea para todos los públicos, pues más que una biografía, se centra bastante en su manera de pintar y de como lograba crear sus famosos retratos.

Rembrandt aprovechó su vida hasta el final, aunque tuvo un bache final que hizo perder muchas de sus pertenencias.

En el documental vamos viendo las distintas piezas de la exposición, como pinturas, grabados e incluso algunos bocetos que nos demuestran que no solo pintaba por dinero, sino que también en sus ratos libres dedicaba sus horas a bosquejar su vida privada.

En una de los temas en los que se centra este documento es en la manera de trabajar que tenía el pintor con el material, es decir, no solo pintaba, no, si no que arañaba el cuadro para darle más realismo y detalle a cualquier objeto, e incluso llegaba a pintar con la espátula para darle textura a la pintura.

Era un artista muy experimental y está claro que otra de las características que tenía era su gusto por los autorretratos, en la actualidad Rembrandt bien podría ser un gran Instagramer, su manera de reflejar el paso del tiempo en sus autorretratos me parece maravilloso, pero no solo el paso del tiempo, si no sus etapas. En mucho cuadros se le ve lleno de vida, orgullo e incluso en alguno hasta muy altivo. En cambio, otros en los que vemos sus ojos acuosos o su piel estropeada por el paso del tiempo. Es un trabajo estupendo de ver. 

Ficha de la película

Estreno en España: 1 y 2 de julio. Título original: Rembrandt. Durarción: 97 min. País: Dirección: Kat Mansoor. Música: Nikky French. Fotografía: Robin Fox. Producción: Phhil Grabsky. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Documental. Web oficial: https://www.temporadadearte.com/

Crítica: ‘Muñeco diabólico’

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Sinopsis

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‘Muñeco Diabólico (Child´s Play)’ es una recreación contemporánea del clásico de terror de 1988.

Karen (Aubrey Plaza), es una madre soltera que le regala a su hijo Andy (Gabriel Bateman) un muñeco por su cumpleaños sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior.

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Crítica

Un buen cambio de chip para una clásico que se moderniza a la vez que nos devuelve viejas sensaciones

En 1988 Don Mancini nos presentó a Chucky, un personaje que al igual que Freddy Krueger, Leatherface, Jason o Michael Myers se convirtió en icono del terror en menos de lo que tarda en alcanzar su brillo una lámpara fluorescente. Monstruos modernos de nuestras pesadillas con múltiples entregas que han sobrevivido al paso del tiempo manteniendo legiones de fans fieles a sus secuelas. Pero ahora el pequeño muñeco diabólico ha soltado la mano de su padre. 31 años después la productora que conserva los derechos de la primera película ha decidido reiniciar la saga por su cuenta, no sin ello reconocer el mérito a su creador en los títulos de crédito.

Nos olvidamos del asesino que posee al muñeco a través del vudú. Un microprocesador malamente manipulado es el responsable de la maldad del nuevo Chucky. Se convierte la saga en una especie de versión adulta de ‘Pequeños guerreros’, el estupendo título de Joe Dante que sucedió a ‘Muñeco diabólico’ diez años después. Este chip prodigioso nos trae a un juguete asesino con una motivación diferente pero que en esencia es el mismo: un sádico y renacuajo homicida con una sola obsesión, Andy.

La película nos da también lo mismo, mucha sangre y muertes delirantes, aunque en su tramo final las descuida. El poco apego que le tiene a la vida esta nueva máquina asesina magníficamente doblada por Mark Hamill mantiene el sadismo de la saga original. Eso sí, Chucky no es respondón ni burlón como lo era antes, pero la comedia también la tenemos asegurada. A través del guion que ha escrito Tyler Burton Smith para Andy (Gabriel Bateman) y sus amigos se nos aportan momentos de mucha guasa, pero ojo, de esa que tiene un punto maquiavélico. De ahí parte la canción infantil, retorcida, asquerosamente pegadiza que canta Mark Hamill. Ladinamente buena es la banda sonora compuesta por Bear McCreary. Acompañada de voces angelicales y basada en sonidos de cajas de música, bastante diferenciada además de otras de sus melodías compuestas anteriormente para títulos como ‘Cloverfield Paradox’ o ‘Colossal’. Muy separada también de la composición ochentera de Joe Renzetti.

‘Muñeco diabólico’ se mueve por poco más de tres localizaciones. La casa del protagonista es la más habitual y tiene cierto parecido con la de la película del 88. Escenario que nos aporta un ambiente cómodo y que le es más que suficiente a nuestro nuevo amigo para encontrar víctimas. Un territorio por el que se mueve a base de animatrónica y animación por ordenador. Muy bien creada la criatura a cuyo diseño facial uno no acaba de acostumbrarse. No es que sean muchos años viendo al antiguo Chucky, es que su rostro desproporcionado, que a veces recuerda a Steve Buscemi, simplemente no acaba de dar miedo de caricaturesco que resulta.

Lo que hoy llamamos trastada o picardía, lo que son descuidos o dejadeces de los padres millennials Chucky lo va recogiendo como parte de su educación como IA defectuosa. Malos ejemplos que sirven para que la película también deje sus pequeñas perlas a modo de crítica y para que el personaje se construya como malvado y genere su personalidad, ya que de inicio no la tiene. Hay que reconocer que su concepción está bien hilada. Dada la coincidencia de su estreno con ‘Toy Story 4’ en Estados Unidos (y de que ambos dueños de los juguetes se llaman Andy) la promoción de la película ha desembocado en una serie de parodias en las que Chucky masacra a los protagonistas de la película de Disney. Graciosísimos carteles que van acordes con lo macabro del tono de la cinta. Una mezcla de pillería y descontrol que relaciona varias generaciones, no es solo marketing, eso se siente también al ver la película de Lars Klevberg.

Quizá es un homenaje al filme original pero la película dura 88 minutos, cifra que coincide con el año de estreno. Casualidades a parte, original o no, este ‘Muñeco diabólico’ a mí me parece una eficaz vuelta de tuerca, un buen cambio de chip para una clásico que se moderniza a la vez que nos devuelve viejas sensaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: Child’s play. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Lars Klevberg. Guion: Tyler Burton Smith. Música: Bear McCreary. Fotografía: Brendan Uegama. Reparto principal: Mark Hamill, Aubrey Plaza, Gabriel Bateman, Tim Matheson, Brian Tyree Henry, David Lewis. Producción: Orion Pictures, KatzSmith Productions, Metro-Goldwyn-Mayer, Oddfellows Entertainment, TF1 Studio. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, comedia. Web oficial: https://bestbuddi.com/

Crítica: ‘Los días que vendrán’

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Sinopsis

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Vir (30) y Lluís (32) hace solo un año que salen juntos, cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses, seguiremos la aventura de esta joven pareja, el giro enorme que dará su vida, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos.

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Crítica

A veces acierta con naturalidad otras se nota el artificio voyeurista

Carlos Marques-Marcet regresa con su actor recurrente David Verdaguer y lo hace acercándose más que nunca a él. En ‘Los días de que vendrán’ el director registra como Verdaguer y su pareja, la actriz María Rodríguez Soto, viven sus nueve meses de embarazo. Se han cambiado sus nombres y profesiones, Lluís y Vir, abogado y periodista, unas máscaras para conservar algo de intimidad mientras observamos como progresa la gestación del bebé y todo lo que esta va provocando.

Chistes aparte, la película pone al espectador en una situación algo embarazosa. Partimos del hecho de que se ha aprovechado una situación real, como es el embarazo de la pareja formada por Verdaguer y Rodríguez Soto. ‘Los días que vendrán’ no es un documental propiamente dicho, está ficcionada. Pero en ella se introducen muchas semejanzas y recuerdos harto personales. Desde luego que el fimle tampoco es un reality show pero ante el conocimiento de autenticidad uno no puede dejar de sentirse algo voyeur y eso complica no dejar de buscar la barrera entre la escena real y la ficticia.

¿La película trata sobre cómo la llegada de una hija pone en riesgo una relación de pareja o pone en tela de juicio la poca preparación de los jóvenes de este siglo? Es decir, ¿es un relato sobre la inmadurez o una pugna entre diferencias de opiniones? En determinados tramos de la película plantea todos esos aspectos, si nos encontramos con un filme que pone sobre la mesa varias preguntas con acierto. Pero llega un punto en que se hace redundante y la pareja discute varias veces sobre lo mismo sin que notemos progresión, lo cual no nos aporta espontaneidad.

El filme también supone en muchas ocasiones un enfrentamiento entre posturas conservadoras y progresistas. Abre debates sobre tradiciones no solo a la hora de criar a un bebé sino también cuando hay que gestionar posturas muy arraigadas en lo que se refiere al «ciclo natural de las cosas», es decir, enamorarse, casarse, tener un hijo, encadenarse a un trabajo… En ‘Los días que vendrán’ los personajes se juzgan constantemente el uno al otro, como sucede en muchas parejas o como pasa en esta que se ve en sus manos con un evento mayúsculo cuando llevan apenas un año de relación. Y eso hace que el espectador también se cuestione cosas y se juzgue a la salida del cine. Es bueno que surja debate a la salida de los pases de la película de Carlos Marques-Marcet pues eso querrá decir que trasciende. Brota mucho la palabra «problema» cuando también se habla de si la llegada de la niña es una contrariedad o una suerte, detalles como esos hay que apreciarlos.

Existen no una, sino varias escenas en las que los personajes pecan de excesivamente ingenuos o ignorantes. Quiero entender que son momentos en los que se ha querido plantar una semilla de duda o disputa, en los que se buscaba una ruptura con lo vivido realmente por los actores, pero han quedado rayando lo ridículo. Esos instantes junto con los excesivamente personales son los que le restan méritos al resto de secuencias que si son verdaderamente una apuesta por propuestas que hablen a cerca de problemas generacionales o retratos ciertamente naturalistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: Los días que vendrán. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Carlos Marques-Marcet. Guion: Clara Roquet, Coral Cruz, Carlos Marques-Marcet. Fotografía: Alex García. Reparto principal: David Verdaguer, María Rodríguez Soto. Producción: Movistar+, Lastor Media, Avalon. Distribución: Avalon. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/los-dias-que-vendran

Crítica: ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’

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Sinopsis

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Algunas amistades trascienden la vida. En Tu mejor amigo: un nuevo viaje, secuela del conmovedor éxito mundial ‘Tu mejor amigo’, nuestro querido protagonista, el perro Bailey, encuentra su nuevo destino y forma un vínculo inquebrantable que lo llevará a él, ya las personas que ama, a lugares que nunca imaginaron.

Bailey vive feliz en la granja de Michigan de su «niño», Ethan (Dennis Quaid) y la esposa de Ethan, Hannah (Marg Helgenberger). Incluso tiene una nueva compañera de juegos: la nieta de Ethan y Hannah, CJ. El problema es que la madre de CJ, Gloria (Betty Gilpin), decide llevarse a CJ. Mientras el alma de Bailey se prepara para dejar esta vida por una nueva, le hace una promesa a Ethan: encontrará a CJ y la protegerá pase lo que pase.

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Crítica

Hallström suelta la correa de sus cachorros y Mancuso la recoge para darnos un grato pero también acongojante paseo

Hace un par de años Lasse Hallström, director de ‘Siempre a tu lado, Hachiko’, volvía a asaltar las carteleras con otra historia perruna. Como ya comenté en su día en la crítica, el título que estrenó resultó ser mucho más suavizado y familiar, con bastante más candidez y menos dureza, de hecho era una película muy positiva. Parece ser que la apuesta funcionó lo suficientemente bien y se han lanzado con una segunda parte. Ya sin el director de Hachiko, de la mano de Gail Mancuso (‘Modern family’), nos ha llegado una nueva historia canina destinada a sacar carcajadas y lágrimas al público. ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’ mantiene las reglas del juego pero cambia un poco sus maneras, con lo que consigue agradarnos un poco más, no sin dejarnos un buen nudo en el estómago.

Mancuso ha utilizado mucho menos las perspectivas en primera persona que utilizó tanto Hallström en la primera parte y le ha dado más voz al perro. Se convierte así en un filme menos artificioso y más simpaticón. Pero el guión también le da mucho más protagonismo a Kathryn Prescott, a cuyo personaje seguimos el rastro. Ha sido transformada la película en una persecución melodramática con mucha comedia digna de una sobremesa de fin de semana. Esta es una historia cargada de drama familiar y personajes masculinos con obsesión posesiva. Pero también es un viaje luminoso en el que el perro busca la consecución de una misión mientras con su lógica canina lo ve todo de otra manera.

Aunque este es un título mucho más cómico hay que advertir que ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’ es delicada para un público infantil o sensible para aquellos que tienen mascotas. Se suceden las diferentes vidas del protagonista animal como en la primera parte y eso produce una gran congoja. Aquellos que convivimos con animales hemos de reconocer que con este filme lo podemos pasar mal. Incluso hay una secuencia que rinde un breve homenaje a ‘Siempre a tu lado, Hachiko’ la cual está resuelta por parte de los guionistas de un modo bastante elegante.

Por supuesto que quien es protagonista en el filme es el perro que se reencarna una y otra vez en busca de cumplir su propósito. Pero realmente la protagonista de la película es Kathryn Prescott que acapara muchos más minutos que el nombre más famoso del cartel, Dennis Quaid. Prescott actúa aquí como toda joven actriz que es apta para ese tipo de comedias dramáticas en las que no hay que cumplir un registro excesivamente realista, más bien satisface uno de tantos clichés norteamericanos. Tan nativo como el personaje de Quaid quien se presenta como el clásico granjero curtido y bonachón con su gorra de John Deere grapada a la cabeza.

Las páginas de la novela de W. Bruce Cameron continúan siendo adaptadas con esta historia que aunque es predecible nos mantiene enganchados con las ganas de volver a ver juntos al perro con su dueño. La simpatía de sus animales nos deja sobreponernos a los diferentes palos que nos va dando la película y eso es porque han encontrado algunos puntos agradables, porque su anterior título le sirvió de buen banco de pruebas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: A Dog’s Journey. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Gail Mancuso. Guion: W. Bruce Cameron, Cathryn Michon, Wallace Wolodarsky. Música: Mark Isham. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Dennis Quaid, Marg Helgenberger, Betty Gilpin, Henry Lau, Kathryn Prescott. Producción: Dreamworks, Walden Media, Amblin Entertainment, Alibaba Pictures, Pariah, Universal Pictures, Reliance Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: drama, comedia, aventuras. Web oficial: https://www.uphe.com/movies/a-dogs-journey

Crítica: ‘Godzilla: Rey de los monstruos’

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Sinopsis

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La nueva historia cuenta los heroicos esfuerzos de la agencia cripto-zoológica Monarch mientras sus miembros se enfrentan a una batería de monstruos del tamaño de dioses, entre los que están el poderoso Godzilla, que choca con Mothra, Rodan y su máximo enemigo, Ghidorah, el rey de tres cabezas. Cuando estas antiguas súper especies -que se creía que eran solo mitos- vuelven a surgir, todas luchan por la supremacía, dejando al borde del abismo la existencia de la humanidad.

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Crítica

Un gran espectáculo lleno de luchas y kaijus

Después de mucho esperar, llega a nuestras salas ‘Godzilla: Rey de los monstruos’, la segunda en la que podemos ver más monstruos y disfrutar de este ser que parece ser que tiene en alta estima al ser humano, al menos intenta salvarnos de los titanes que vienen a destruir a la humanidad.

La primera cinta me gustó, pero me faltó todo lo que tiene esta y es la esencia de la Tōhō, monstruos por todas partes del mundo y grandes luchas. ‘Godzilla: Rey de los monstruos’ empieza muy rápido, va al grano y en seguida comenzamos a ver los distintos kaijus, aunque en la película se les denomina titanes que van a protagonizar la película. En ésta se habla de unos 17 titanes, vemos unos cuantos, pero no todos, está claro que se guardan sorpresas para el gran enfrentamiento entre Kong y Godzilla que ya tiene fecha para 2020.

El diseño de todos estos seres está muy logrado y recuerda bastante a las antiguas cintas de blanco y negro que hemos podido ver tantas veces. Es una de las cosas por la que Michael Dougherty, director de la cinta, estaba bastante preocupado y es que quería que no se perdiera la esencia de estas películas.

Godzilla sigue siendo el rey de todos los monstruos, su diseño tan rocoso, con sus luces para intimidarnos es de los mejores. Aunque tenemos a Rodan, un gran pájaro que no tiene plumas, sino que su base no es nuclear como la de Godzilla, sino de lava. O el gran enemigo de nuestro protagonista, el Rey Ghidorah, un gran dragón de tres cabezas que echa rayos y crea unas tormentas eléctricas impresionantes. Estos son fieros y grandes mientras que en esta cinta conocemos una gigantesca polilla llamada Mothra, que sin duda es el diseño más bonito que vamos a encontrar, con sus luces y su majestuosidad en la cinta se la llega a llamar la Reina de los Monstruos.

No solo hay titanes en la cinta, tenemos también el factor humano, los que creen que tienen derecho a decidir por estos seres. En el reparto volvemos a contar con Kyle Chandler, Vera Farmiga, Ken Watanabe o Sally Hawkins, entre otros. Y por supuesto también tenemos caras nuevas como Millie Bobby Brown, Eleven en ‘Stranger Things’ que está claro que viene fuerte, pues se desenvuelve perfectamente con actores de mucha categoría y lo da todo en la película.

Sí que es cierto que una vez vista la película se ve claramente que a Michael Dougherty no le interesa para nada la historia de los personajes humanos, son un relleno para poder mostrarnos grandes luchas entre monstruos. Eso sí, nos da bastantes lecciones de ecología y animalismo.

El CGI está genial, aunque casi todas las escenas son en escenarios nocturnos y con grandes tormentas, nos dejan ver perfectamente que están muy bien realizados todos los efectos. Además de tener una fotografía impresionante, dejando imágenes preciosas y esto viene de la mano de Lawrence Sher, el cual también va a ser el encargado de la dirección fotográfica de ‘Joker’.

Otro de los puntos fuertes de la cinta es su banda sonora de Bear McCreary al que volveremos a escuchar en la nueva versión de ‘Muñeco Diabólico‘, con temas especiales para cada monstruo y con toques muy orientales.

Como anécdota contaros que hay una escena en la que tienen que adentrarse debajo del mar y podréis ver a Pazuzu, la escultura del demonio que vemos en ‘El Exorcista‘.

Al terminar la película podemos ver una serie de noticias después del desenlace comentándonos la situación en la Tierra y además al igual que en Kong, esperad a que finalicen los créditos pues tenéis una escena adicional.

 Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio. Título original: Godzilla: King of the Monsters. Duración: 131 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Dougherty. Guión: Michael Dougherty, Zack Shields. Música: Bear McCreary. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Kyle Chandler, Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Charles Dance, Thomas Middleditch, Sally Hawkins, Ken Watanabe, Zhang Ziyi. Producción: Warner Bros, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.warnerbros.es/godzilla-rey-de-los-monstruos

Crítica: ‘La influencia’

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Sinopsis

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Alicia regresa a la siniestra mansión de la que huyó siendo una niña – un hogar que nunca ha albergado infancias felices – convertida ahora en una joven madre de familia. Acompañada por su marido y su hija de nueve años, Nora, Alicia busca rehacer su vida mientras se ve obligada a enfrentarse a un pasado que creía enterrado y a un cuerpo que se resiste a morir: el de Victoria, la posesiva matriarca de la familia, quien ha caído en coma profundo y sobrevive conectada a una máquina, y por la que la pequeña Nora siente una fascinación malsana.
La Influencia es una macabra historia sobre el peso de los lazos familiares y la trascendencia de la muerte.
Siente la influencia. Teme a la influencia.

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Crítica

Entra bien por los ojos pero no penetra más allá

‘La influencia’ parte de una novela de Ramsey Campbell publicada en 1988. Un autor apodado habitualmente con título de maestro que sabe adentrarse con sus palabras en la mente del lector y que rebusca en los horrores humanos para causar pavor. Sus planteamientos tienen muchos símiles lovecraftianos pero en el caso de esta novela es la psicología y el ambiente brujeril el que cobra más fuerza. Su literatura siempre está dotada de gran simbolismo y eso hace que sus novelas adquieran una potente carga de significado.

Es por eso que ‘La influencia’ comienza con muchas metáforas en sus títulos de crédito. La cinta nada más empezar plantea una serie de símiles y nos ubica bien con su ambientación. Es correcta a la hora de situarnos en el polvoriento caserón donde transcurre casi toda la acción de la película. Un lugar semi-abandonado, donde nos encontramos objetos tremebundos mezclados con cotidianos convertido en una sala de cuidados paliativos improvisada.

Allí está postrada una, nunca mejor dicho, posesiva madre en torno a la que vuelven a reunirse dos hermanas. Al rededor de ellas gira una trama familiar compleja con un pasado por desvelar. Y en medio de ese conflicto una hija que comienza a experimentar el influjo de su abuela en coma.

Con esta trama los referentes más recientes que se nos pasan por la cabeza son ‘Hereditary’ o ‘Amityville el despertar’. Por supuesto el tono y la ambientación son muy diferentes a las películas de Ari Aster y Franck Khalfoun, la resolución también cambia. En cuanto empezamos a ver lo que pasa entre las cuatro paredes de la casa nos suena a manido, son muchas las historias que hemos visto de similar índole. Pero ese no es el mayor inconveniente de ‘La influencia’.

En este primer filme que dirige Denis Rovira hay un problema o bien de guión o bien de montaje. Y es que en más de una ocasión vemos como de una escena a otra los personajes pueden contradecirse. Las decisiones tomadas en una secuencia tienden a rebatir lo que hacen en el acto siguiente. Pero aparte de eso lo que ocurre es que el filme es excesivamente confuso. Poco a poco se va tornando más irracional y las reglas se van haciendo más incomprensibles. Por lo que o hay una mala traslación de la novela o no se ha sabido explicar la mecánica de esa influencia que atenta contra la estabilidad de la familia. Por mucho que al final tengamos una escena aclaratoria hay muchos eventos para los que no hay una justificación clara.

Isaac Villa es quien consigue una buena fotografía a partir de muchos de los rincones de la casa, de sus alrededores o de la escuela de la niña protagonista. Esperaba ver un trabajo de este director de fotografía tras haber conocido su trabajo en ‘El Ministerio del Tiempo’ y el excelente cortometraje ‘Graffiti’, el cual os puedo recomendar ahora que está tan de moda ‘Chernobyl’. Gracias a él conseguimos que desde el principio pensemos que vayamos a vivir una tensa historia de terror familiar de carácter dramático y oscuro

Me funciona Emma Suárez como matriarca en todas las etapas por las que la vemos pasar y me creo la familia formada por Manuela Vellés, Alain Hernández y Claudia Placer, con toda la naturalidad que eso supone. Pero es poco comparado con lo mal manejadas que están las escenas infantiles (incluida la última voz en off) o con esos momentos de locura desatada que hacen que la película se descontrole a veces casi sin rumbo. En su primera ocasión como director de largometraje Rovira ha restado más que sumado y eso que contaba con un reparto muy bueno, en mi humilde caso su influencia no ha sido positiva.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2019. Título original: La influencia. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Denis Rovira van Boekholt. Guion: Denis Rovira van Boekholt, Michel Gaztambide, Daniel Rissech. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Manuela Vellés, Maggie Civantos, Alain Hernández, Emma Suárez, Claudia Placer. Producción: Nadie es Perfecto, RTVE, Film Commision pública del Principado de Asturias. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/

Crítica: ‘En los 90’

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Sinopsis

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Stevie (Sunny Suljic), un chico de 13 años que vive en Los Ángeles de los años 90 pasa el verano lidiando con una madre ausente (Katherine Waterson), un hermano problemático (Lucas Hedges) y un nuevo grupo de amigos que ha conocido en una tienda de skate.

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Crítica  

Un tributo generacional en toda regla, un drama bien tratado en todos sus aspectos

Jonah Hill debuta tras las cámaras y realizando un guión completo con ‘En los 90’, una película evocadora, juvenil, dramática y callejera en la que se perciben detalles personales. En ella conocemos a un niño (Sunny Suljic) que es la diana de las frustraciones de su hermano mayor (Lucas Hedges), cuya madre (Katherine Waterston) les tiene desatendidos y que conoce a un grupo de skaters con el que comienza a sentirse integrado. Jonah Hill se la juega en su opera prima tanto como sus protagonistas cada vez que se suben al monopatín e intentan hacer una cabriola.

Nunca es fácil pasar al otro lado de la cámara, sobre todo si tu carrera está repleta de doblajes infantiles y papeles chorras, aunque bien es cierto que los últimos trabajos de Hill en películas como ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ o la serie ‘Maniac’ iban delatando un camino más meditado. Este nuevo «intruso» se ve que ha tenido sus maestros y sus notas bien preparadas, el resultado de la película denota claramente que sabía lo que quería desde el principio.

Con ‘En los 90’ va directo al grano, la película tiene una duración que sobrepasa por poco los 80 minutos y hasta el logotipo de la productora está hecho con monopatines para pasar directamente a contar la historia. En primer lugar, nos la ha colado con la ambientación. La película está rodada en 16 mm y presentada con una relación de aspecto de 4:3, por lo que a primera vista lo que vemos ya nos devuelve con mucha facilidad a los años 90. Los primeros planos del filme nos dejan ver sábanas de las Tortugas Ninja, caretas de Hulk Hogan, camisetas de ‘Street fighter II’… A si es que si, queda claro que Jonah Hill es de la quinta de los chavales de la película o de la edad de un servidor y sabe por dónde atacarnos para que rápidamente nos vuelvan recuerdos de aquella época a la cabeza.

Obviamente los diálogos del grupo de jóvenes protagonistas también son parte importante de ese viaje que vivimos con ‘En los 90’. Conversaciones muy estudiadas, realistas, acordes a lo que necesita cada individuo en el marco en el que nos sitúa el filme. Este trabajo es un tributo generacional de la A a la Z. Desde la manera de vestir hasta la de ser influenciado. Me parece reveladora la conversación que tienen los protagonistas con un mendigo que les pregunta si se puede vivir del skate, es la misma que tienen hoy centenares de adolescentes con otros tantos adultos cuando hablan de Youtube y ojalá la respuesta pudiera ser siempre la misma que la de la película: «si te centras y tienes ideas».

‘En los 90’ retrata la estupidez y la inmadurez no solo de una edad sino también de una época un tanto desbocada y despreocupada por la falta de precariedad en el primer mundo. Pero más íntimamente es un esbozo de dolores familiares contemplados desde la infancia, de ausencias de afecto, de traumas tapados con falsas superioridades. Y todo esto está representado con un reparto muy joven que Jonah Hill dirige como si les transmitiese sus ideas de manera simbiótica.

Sunny Suljic tiene en esta película la que ha sido hasta ahora la mayor oportunidad para exhibirse, mucho más que en ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’. Está auténtico, veraz, emotivo… sin pasarse a lo excesivo, te lo crees. Igual que sucede con Na-kel Smith, un skateboarder, rapero y diseñador que hace incluso las veces de guía espiritual. Sus dos interpretaciones y las del grupo de amigos nos dan momentos entrañables. Pero el placer llega en esos instantes en los que la película pasa del colegueo a las etapas de maduración, cuando a esos niños que se hacen pasar por hombres les llega el momento de afrontar una verdad ineludible.

El dúo formado por Trent Reznor y Atticus Ross complementa con su música la banda sonora que se conforma con temas de grupos del estilo a Nirvana, Cypress hill, The Misfits, Gravediggaz… Es como adentrarse de nuevo en la época dorada de la MTV y de hecho el final del filme evoca a un videoclip totalmente preparado para emitirse en aquellos tiempos.

No lo dudéis, pocas veces alguien empieza tan bien en un primer trabajo como director y no todo el mundo acierta a la hora de retratar años tan cercanos sin caer en la «nostalgiaexploitation». Permitidme el chiste fácil cuando digo que lo de Jonah Hill ha ido sobre ruedas, ahora bien, habrá que verle cuando dirija algo que no tenga conexión con temas personales.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio. Título original: Mid90s. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Jonah Hill. Guion: Jonah Hill. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Christopher Blauvelt. Reparto principal: Sunny Suljic, Lucas Hedges, Katherine Waterston, Na-kel Smith, Olan Pernatt, Gio Galicia, Ryder McLauglin, Alexa Demie. Producción: A24, Waypoint Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://mid90s.movie/

Crítica: ‘Men In Black: International’

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Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a su mayor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización de los MIB.

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Crítica

Entretenimiento ligero con solventes protagonistas pero con deberes por cumplir

Han pasado siete años desde que vimos como se cerraba una etapa con el estreno de ‘Men In Black 3’. La trilogía que en su día capitaneó Barry Sonnenfeld, gran avalista de Will Smith y excelso director de comedias, dio a su fin. F. Gary Gray, el director de ‘Fast & Furious 8’, ‘Straight Outta Compton’ o la versión moderna de ‘The Italian Job’ es el encargado de coger el testigo, pero Sonnenfeld continúa con su mirada atenta como productor. Ha llegado el momento de ver como un clásico moderno intenta remontar el vuelo a bordo de tecnología extraterrestre.

La adaptación del cómic de Lowell Cunningham, porque todo esto surge de unos cómics publicados por Aircel Comics (ahora propiedad de Marvel Comics), continúa con la línea de su trilogía predecesora. ‘Men In Black: International’ se constituye de personajes bromistas, pasotas e indiferentes que se enfrentan ante el peligro que no es otro que alienígenas bastante desagradables aunque coloridos. La saga pierde la oportunidad de madurar e ir más allá o de acercarse a sus viñetas incluyendo el mundo paranormal o haciéndose más adulta. Seguimos con el tono de comedia simpaticona que por otro lado nos ofrece un buen entretenimiento distendido con mucha acción y más de un gag divertido, pero no memorable. ‘Men In Black: International’ es ciencia ficción de esa que se centra en buscar exhibirse, de ofrecer un show vistoso. Quizá como punto de partida para una nueva saga esté bien, pero para futuros necesita más complejidad.

Levanta la película lo bien que se mueven juntos en pantalla Chris Hemsworth y Tessa Thompson. Ya demostraron en ‘Thor: Ragnarok’ que hacen buena pareja en un entorno de acción y efectos especiales. Ella se hace valer mucho más que él o tal vez lo que suceda es que a Hemsworth le tenemos más visto. Lo de Hemsworth empieza a repetirse como el ajo, su actuación bien tiene un poco de lo cómico que hizo en sus últimas apariciones como dios del trueno o de lo que exhibió en ‘Cazafantasmas’ pero el papel de Thompson se diferencia de los que ha hecho antes. Introduciéndose en la piel de novata mete en vereda a su superior en la ficción pero aún así no peca de sabionda, lo cual habría sido caer en un cliché. En una película como esta donde todo está sujeto a un argumento casi predecible y a la necesidad de encadenar una escena de acción tras otra era imperativo que los protagonistas tuviesen el carisma necesario para mantener al público entretenido. Y lo hacen bien, aunque la sombra de Will Smith y Tommy Lee Jones es alargada.

El guión es sencillo, no hay una trama compleja que entender. Emplea los elementos clásicos de los Men In Black sin incluir nada realmente innovador para la saga, con lo que únicamente se centra en incorporar nuevos personajes y ampliar fronteras. Conserva incluso la música de Danny Elfman o a la propia Emma Thompson quien de manera imperturbable después de estos años sabe conservar su personaje anterior y pasa el testigo a la nueva generación. Hay muy pocas referencias o personajes que nos evoquen a la trilogía original, pero nos sirven al menos para indicarnos que nos encontramos ante una clara secuela con intenciones de generar su propia serie de películas.

He de admitir que disfruté de todo el camino que nos marcó Sonnenfeld en la trilogía original. La historia que han dispuesto Art Marcum y Matt Holloway no tiene mucho gancho que se pueda decir. No establece ni profundidad en su trama ni amplio trasfondo para sus héroes. Cumple con el objetivo de coger un temprano relevo y continúa con nuevos protagonistas a los que quizá más adelante si se les aporte una historia más grandilocuente, pero no nos engañemos, ‘Men In Black’ nunca ha ido de eso, siempre ha sido un espectáculo visual de alienígenas, chistes fáciles y acción descafeinada del que disfrutar con toda la familia. Si a ‘Men In Black: International’ le pones algo más de personalidad (sobre todo a sus secundarios), un guión más elaborado, le quitas las frases feministas que parecen de obligado cumplimiento hoy en día y la aparición de El Rubius… entonces si consigues algo a la altura de sus predecesoras.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2019. Título original: Men in Black International. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: F. Gary Gray. Guion: Art Marcum, Matt Holloway. Música: Chris Bacon, Danny Elfman. Fotografía: Stuart Dryburg. Reparto principal: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Rebeca Ferguson, Kumail Nanjiani, Rafe Spall, Laurent Bourgeois, Emma Thompson, Liam Nesson. Producción: Columbia Pictures, Sony Pictures, Amblin Entertainment, Original Film, Parkes+MacDonald Image Nation, The Hideaway Entertainment, Tencent Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.meninblack.com/

Crítica: ‘Kin’

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Sinopsis

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Eli (Myles Truitt) es un niño afroamericano de 14 años que vive en Detroit con su padre adoptivo, Hal (Dennis Quaid), un compasivo a la par que estricto viudo que percibe que Eli está cayendo en la delincuencia. Mientras explora un edificio abandonado buscando materiales para sacarse un dinero extra, Eli se topa con los restos de un impacto de otro mundo. Entre los escombros, encuentra una extraña caja metálica que se lleva a casa. Desconoce lo que es, pero al cogerla parece activarla, y Eli decide guardarla cuidadosamente…

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Crítica

‘Kin’ habla de lo que escogemos como herencia con la ciencia ficción como canal transmisor

Nos encontramos ante el primer largometraje de Jonathan y Josh Baker. ‘Kin’ es un título que para los angloparlantes ya da algo de pistas con su significado pero que aquí guarda algo más de secreto y que por cierto solo vamos a poder ver en versión doblada. Una cinta que viene escrita por sus propios directores y por Daniel Casey, quien anda inmerso ahora mismo en el guión de ‘Fast & Furious 9’.

Lo que han hecho los hermanos Baker es un largometraje de ciencia ficción bastante solvente pero que para el espectador muy versado en la materia puede parecer trillado. Durante el filme solo se dan unos pocos indicios de la solución y el final puede ser sorprendente para algunos pero a muy poco que se hilen uno o dos puntos se puede esperar el desenlace. Yo advierto que en la crítica voy a dar explicar algunos pormenores que pueden aclarar por dónde van los tiros, nunca mejor dicho porque la trama de ‘Kin’ gira en torno a un arma futurista.

En Kin conocemos a Eli, un joven interpretado por Myles Truitt. Este se dedica a robar en edificios abandonados para sacar una pizca de dinero vendiendo a chatarreros. Todo esto pasa en un Detroit que lucha por resurgir, por eso vemos continuamente carteles con mensajes del estilo «rebuild Detroit». Este vive con un padrastro (Dennis Quaid) bastante buenazo pero estricto y juntos reciben a un hermano (Jack Reynor) que vuelve de la cárcel. En sus búsquedas Eli encuentra una potente arma que esconde para sí mismo y que no tiene ningún parecido con las que se utilizan comúnmente. Mientras su hermano es perseguido por unos matones que le reclaman una deuda y a la vez hay una extraña pareja de «limpiadores» que busca el arma. Lo que parecía una película de acción ubicada en una decadente ciudad pronto se convierte en una road movie.

‘Kin’ es una buena película de carretera centrada en la amistad entre dos hermanos. Un título que trata de contarnos cuál es la herencia, no solo genética, si no educacional que legamos a nuestros familiares. Es verdad que el hecho de armar todo este discurso ha provocado que la ciencia ficción tarde en llegar. Pero cuando aparece es bastante eficientemente. En el pase de prensa tuvimos algún que otro problema técnico hacia el final del filme y si nos llegamos a perder ese tramo habría sido un chasco ya que la acción se centra en esa parte y visualmente es cuando ‘Kin’ explota, además de cobrar un sentido total.

Los directores querían haber contratado a Bil Paxton para el papel del hermano mayor, lo cual habría dado muchas pistas sobre la trama dado que el difunto actor ha trabajado en películas como ‘Aliens’, ‘Depredador 2’ o ‘Terminator’. Finalmente la ausencia de este y su parecido con la voz de Jack Reynor decantaron el papel hacia este joven actor. Y no son estas las únicas veces que ‘Kin’ os van a llevar a James Cameron. Tanto la trama, como algunos guiños visuales así como varios nombres, véase el condado de Sulaco, la nave de Aliens, os van a transportar al famoso director que tan buenas películas nos ha brindado.

Myles Truitt es la gran apuesta de ‘Kin’. En gran parte me recuerda mucho a John Boyega cuando estrenó ‘Attack the Block’, ambos con un gran peso de la película a sus espaldas, con muy corta edad y con un papel muy agresivo por ejecutar. Jack Reynor regresa a Detroit como en la excelente película que también nos trajo eOne hace un par de años, pero esta vez del otro lado de la ley. Su interpretación pasa más desapercibida. Es quizá algo más variopinta la de un James Franco convertido en un gitanillo gangsta, similar al de ‘Future World’ pero sin ser tan caricaturesco.

Llama la atención su puesta en escena con un toque fluorescente que atrae al espectador nacido en los ochenta o que ya peina canas y el cuidado en mantenerse dentro de unos márgenes no excesivamente violentos. ‘Kin’ quiere gustar a todos y puede hacerlo. Comprendo que su inconcluso final y el tiempo que se toma para explayarse en su discurso pueden ser dos grandes pegas para algunos, no lo son en gran medida para mí. Antepongo las pequeñas pistas que va dejando, los valores que enarbola y el buen gusto a la hora de heredar referentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2019. Título original: Kin. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Baker, Jonathan Baker. Guion: Josh Baker, Jonathan Baker, Daniel Casey. Música: Mogwai. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Jack Reynor, Miles Truitt, Zoë Kravitz, Dennis Quaid, James Franco, Michael B. Jordan, Gavin Fox. Producción: 21 Laps Entertainment, Lionsgate, No Trace Camping. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://kin.movie/

Crítica: ‘Tolkien’

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Sinopsis

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‘Tolkien’ explora los años de formación del escritor huérfano en su búsqueda de la amistad, el amor y la inspiración artística en el grupo de inquietos estudiantes del que forma parte. En este contexto se produce el estallido de la Primera Guerra Mundial, que amenaza con destrozar esta “asociación”. Todas estas experiencias inspirarían a Tolkien a escribir sus famosas novelas de la Tierra Media.

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Crítica

‘Tolkien’ es capaz de infundirnos los mismos valores que las páginas de las novelas

John Ronald Reuel Tolkien ha avivado durante décadas la imaginación de generaciones de lectores y también de espectadores desde que tanto en los setenta como en este siglo hemos tenido diversas adaptaciones cinematográficas. Un lingüista que dotó de vida e historia a las lenguas que inventó y que generó una de las sagas fantásticas más adoradas de todos los tiempos. Las aventuras vividas en la Tierra Media han traspasado fronteras, han unido pueblos y creado amistades, reuniendo a gente de todas partes para compartir sus opiniones sobre sus páginas. Tengo la suerte de haber tenido una juventud en la que he recorrido a través de juegos de rol los mundos de Tolkien, en la que he vivido tardes y noches con grupos de amigos, disfrutando de momentos de complicidad y júbilo, de creatividad e ingenio, de camaradería al fin y al cabo. Y de eso trata mucho la película.

El filme de Dome Karukoski se centra en la juventud del autor. El guión hace que la película nos lleve a caballo entre la etapa en la que Tolkien luchaba en la I Guerra Mundial y vivía distintas experiencias en su época de estudiante, todo ello adornado con ensoñaciones y alucinaciones. Por entonces se enamoró de su esposa (interpretada por Lily Collins) y junto a tres amigos montó un club semi-secreto. Esa época de inspiración desembocó en el desarrollo de su primera lengua y con ella sus novelas. ‘Tolkien’ no trasciende a la etapa de éxito como escritor ni a su amistad con autores como C.S. Lewis (creador de Narnia), es un filme que más que dedicarse a narrar momentos busca hacer que entremos en sintonía con ciertos conceptos: la camaradería, la hermandad, el coraje, la lealtad…

Se establecen paralelismos entre la vida del escritor y sus relatos. Bajo la absorbente música que ha tenido a bien componer Thomas Newman nos relacionan contados instantes de la vida del autor que pudieron inspirarle con icónicas estampas de sus obras. Está claro que la película se toma sus libertades para contar ciertos aspectos de la vida del autor, los guionistas David Glesson y Stephen Beresford no tenían el permiso de la siempre recelosa familia de J.R.R. Tolkien, pero podemos identificar perfectamente detalles que nos evocan a los hobbits, a Sauron, a la Comarca o a Beren y Luthien, cuyos nombres figuran en la tumba de Tolkien y su esposa. Pero con todo y con eso lo más importante es que el filme sabe reconocer valores que nos son incrustados durante la lectura de novelas como ‘El Silmarillion’, ‘El Hobbit’ o ‘El Señor de los Anillos’.

El hecho de que esas sensaciones se transmitan es culpa de la camarilla que se forma entre Tolkien (Nicholas Hoult) y sus tres amigos (interpretados por Tom Glynn-Carney, Anthony Boyle y PatrickGibson). Pero sobra decir que Hoult es quien nos infunde la pasión o la desesperación por ejercer el arte de narrar historias o de aprender lenguas. Él hace de Tolkien un Aragorn que tiene que prescindir de su amor para atender a sus obligaciones. Ya hizo de un escritor afectado por la guerra en ‘Rebelde entre el centeno’ y de nuevo nos aborda con sobradas capacidades en un papel con un desarrollo considerable.

Si sois seguidores de Tolkien como un servidor hasta el punto de haber leído mucho su obra o haber tenido incluso aquel CD-Rom llamado «Enciclopedia Tolkien» os va a gustar pues vais a reconocer muchos detalles. Pero esta película está pensada sobre todo para aquellos que son leales tanto a sus amigos como a su pasión hacia alguna disciplina artística. Muy abierta a románticos y a aquellos que se dejan llevar por una buena puesta en escena.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2019. Título original: Tolkien. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Dome Karukoski. Guion: David Glesson, Stephen Beresford. Música: Thomas Newman. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Reparto principal: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney, Anthony Boyle, Patrick Gibson, Tom Glynne-Carney, Craig Roberts, Laura Donnelly, Genevieve O’Reilly, Pam Ferris, Derek Jacobi. Producción: 20th Century Fox, Chernin Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: biográfica. Web oficial: http://www.foxsearchlight.com/tolkien/