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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Punto rojo’

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Sinopsis

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‘Punto rojo’ es un thriller de acción sueco ambientado en los Alpes escandinavos. Narra la historia de David y Nadja, una pareja a punto de cumplir los treinta cuyo matrimonio atraviesa dificultades. Cuando Nadja se queda embarazada, ambos tratan de salvar la relación y deciden viajar a los magníficos parajes del norte de Suecia para disfrutar de una excursión en la nieve. Pero, tras lo que empieza como una pelea con dos cazadores de la zona, su viaje romántico se convierte en una pesadilla. Al poco, un punto de láser rojo señala la tienda del matrimonio, que se ve obligado a huir al frío e implacable bosque. Ahora están los dos totalmente aislados en las montañas, perseguidos por unos cazadores desaforados. Además, durante esta sádica cacería, su pasado también regresa para atormentarlos.

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Crítica

Crea una animadversión hacia sus protagonistas que se contagia a toda la película

Desde Suecia, rodada y ambientada en el país del norte de Europa, nos llega ‘Punto rojo’. Un filme de Alain Darborg que podréis ver en Netflix. Una de esas películas que pintan emocionantes pero cuya expectativa se desinfla rápidamente. Y eso sucede porque ella misma se encarga de adelantarnos una parte importante de la trama con una primera y premonitoria escena inicial. Con eso y con la inclusión de un perro en el elenco, ya sabemos cómo suelen acabar nuestros cuadrúpedos amigos. La verdad es que uno empieza a estar harto de tanta redundancia respecto al tema, sobre todo cuando hace casi un año tuvimos una Muestra SYFY con unos nueve perros muertos en diecisiete películas.

Aún con todo esto ‘Punto rojo’ se reserva una parte de suspense. Y es que lo que sucede es que una pareja en plena crisis se plantea una excursión para dar vidilla a su relación. Una acampada en plena nevada por los Alpes escandinavos. Y todo se tuerce cuando un punto rojo, una mira láser de un fusil, comienza a apuntarles procedente de la lejana oscuridad. En ese ambiente de total hostilidad tenemos un par de imágenes memorables, pero no lo suficientes como para decir aquello de “al menos tiene buena fotografía”.

‘Punto rojo’ tiene pistas, pero realmente no sabemos quién está acosando a nuestros dos protagonistas. Y se agradece la sorpresa que da paso al último acto del filme. Pero también nos habría llenado el tener más detalles relacionados con lo que sucede pues Darborg tira de todo un deus ex machina para resolver su entuerto. Hace poco vimos ‘Salvaje’ en cines, donde Russell Crowe perdía los estribos por un lance que se envenenaba más y más. Aquí sucede algo por el estilo pero intentando conservar quién es realmente la persona que se ha puesto en pie de guerra contra la pareja interpretada por Nanna Blondell y Anastasios Soulis.

Al margen de una evidente trama con racismo quiero creer que la película trata a cerca de las malas decisiones. De actos y consecuencias. De lo que nos puede repercutir el elegir bien a tu pareja, el concebir un hijo o algo tan simple como avisar de que has rayado el coche de alguien. Y en ese discurso me crea una total apatía por los protagonistas que me parecen emocionalmente incompetentes. A si es que si la intención de los guionistas era que sintiésemos animadversión por los personajes principales, misión conseguida.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2021. Título original: Red Dot. Duración: 85 min. País: Suecia. Dirección: Alain Darborg. Guion: Alain Darborg, Per Dickson. Música: Carl-Johan Sevedag. Fotografía: Benjam Orre. Reparto principal: Nanna Blondell, Anastasios Soulis, Tomas Bergström, Kalled Mustonen, Johannes Bah Kuhnke, Thomas Hanzon, Anna Azcárate. Producción: SF Studios. Distribución: Netflix. Género: suspense, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Becky’

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Sinopsis

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El fin de semana de una adolescente y su padre empeora cuando un grupo de presos irrumpe en su casa de lago.

La valiente y rebelde Becky (Lulu Wilson, ‘Líbranos del mal’, ‘Ouija: El origen del mal’, ‘Star Trek: Picard’) acompaña de mala gana a su padre Jeff (Joel McHale, ‘Community’, ‘Nación salvaje’) a su casa del lago donde pasarán el fin de semana en un esfuerzo por intentar reconectarse después de la muerte de su madre. El viaje empeora cuando un grupo de convictos que se han escapado de la cárcel, liderados por el despiadado Dominick (Kevin James, ‘Niños grandes’, ‘Superpoli de centro comercial’), invaden la casa. Becky, que ya no es la niña de papá, decide tomar cartas en el asunto en este thriller de acción de alto voltaje descrito como «John Wick con una niña de 13 años».

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Crítica

Merece la pena que os fuguéis a este enfrentamiento entre matones de patio

Las películas enmarcadas dentro del género home invasión casi siempre dan buen resultado. El espectador conecta fácilmente con los protagonistas que ven como su vida cotidiana se ve irrumpida. Si a ese ingrediente le añadimos violencia y un cómico en su primer papel de villano tenemos ‘Becky’, una película que tiene su gracia.

Becky ha perdido a su madre y su padre quiere presentarle a su nueva novia. Para ello van a su cabaña en un remoto bosque donde espera que tengan unos días de acercamiento. Pero su camino se cruza en el de unos peligrosos presos fugados que tienen un objetivo precisamente en esa casa.

Con esta película de Jonathan Milott y Cary Murnion (‘Cooties’) disfrutamos pues es bastante violenta, hasta el punto de tener gore del divertido. También porque al igual que en ‘Cooties’ tenemos a una adolescente violenta, cubierta de sangre y mal hablada, aunque en esta ocasión está del lado de los buenos. Lulu Wilson (‘Annabelle creation’, ‘La maldición de Hill House’) materializa a una chica entre lo salvaje y lo consentido. Una adolescente de esas a las que dan ganas de mandar al garete por sus rabietas pero que también necesita exteriorizar sus inquietudes. Y esto último lo hace por sí misma en una historia que bien podría ser un ‘Solo en casa’ con los códigos R del siglo XXI.

Y aunque algunas escenas de acción no terminan de funcionar la película nos da la suficiente adrenalina como para mantenernos al loro. Sobre todo también por dos personajes que imponen. Uno al que estamos acostumbrados, Robert Maillet, y otro que ha mutado su con respecto a lo que nos tiene acostumbrados. Kevin James prueba un cambio al estilo del que llevo a cabo Vince Vaughn hace poco en ‘Brawl in cell block 99’. Se convierte en una figura la mar de amenazante, un neonazi confeso con unas intimidatorias pintas que sabe manejar. Quién sabe cómo habría sido esta película si finalmente la hubiese hecho Simon Pegg como estaba planteado en sus inicios.

Tanto las escenas de acción a lo Rambo como la previsibilidad del guión hacen de ‘Becky’ una película casi del montón. Si no fuese por el cambio de Kevin James y la garra de Lulu Wilson pasaría desapercibida. Merece la pena que os fuguéis a este enfrentamiento entre matones de patio (de prisión y escuela).

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: Becky. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Milott, Cary Murnion. Guion: Nick Morris, Lane Skye, Ruckus Skye. Música: Nima Fakharara. Fotografía: Greta Zozula. Reparto principal: Kevin James, Lulu Wilson, Joel McHale, Amanda Brugel, Robert Maillet. Producción: Yale Productions, BoulderLight Pictures, BondIt, Buffalo 8 Productions, SSS Entertainment, SSS Film Capital, United Talent Agency. Distribución: Movistar+. Género: thriller, acción. Web oficial: https://www.yaleproductions.com/films/becky

Crítica: ‘Mi primo’

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Sinopsis

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Pierre (Vincent Lindon) es el consejero delegado de un gran grupo familiar. Cuando está a punto de firmar el trato del siglo, debe resolver una última formalidad: lograr la firma de su primo Adrien (François Damiens) quien posee el 50% de la empresa. Éste es un soñador idealista algo gafe que, sin embargo, está muy feliz de reencontrarse con Pierre y solo quiere pasar tiempo con él y retrasar la firma. Pierre no tendrá otra elección que embarcarse con su primo en un turbulento viaje de negocios donde su paciencia será seriamente puesta a prueba.

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Crítica

Más candorosa que cómica, lo suficientemente amena

¿Tenéis a ese amigo o familiar que solo te visita o te contacta por cochino interés? Ese que solo os busca para que le arregles el ordenador, le ayudes con la declaración de la renta o le hagas un apaño en su casa. Pues imaginad si fuese un primo que solo te quiere por las acciones de la empresa familiar que comparte contigo y que encima te llama loco a tus espaldas. Eso es lo que pasa en ‘Mi primo’. Un empresario de éxito ha llevado a lo más alto la empresa de su abuelo, pero para seguir teniendo el control de ella necesita que cada cinco años su primo, un hombre que se sale de lo “mentalmente normal”, firme un acuerdo.

Esto que suena de lo más crápula es una comedia. Y lo es sobre todo por cómo chocan ambos protagonistas. Tenemos a un hombre de negocios, irascible, perfeccionista y caprichoso que intenta mantener las formas junto a su primo que es excéntrico y ha empleado el dinero de su fortuna en experimentar por todo el mundo. Si no fuesen familiares y fuesen amigos la llamaríamos estrictamente una buddy movie.

‘Mi primo’ es una de esas comedias obvias, de manual. De esas que sabes que va a tener su parte de conflicto, de redención y de catarsis. Pero se deja ver. Nos causa y aporta las mismas sensaciones que títulos del estilo ‘Intocable’ o ‘Toy story’, salvando las diferencias claro está. Sobre todo hay que tener en cuenta que tiene un guión muy humano y no por eso descuida sus locuras. Aunque yo no habría echado de menos un poco más de descontrol para poder materializar una metáfora que usa el propio filme, dirigido por Jan Kounen por cierto. Se hace un símil con una palomita, que cuando estalla rebota de manera caótica por todas partes.

Pues esa es la chispa que le ha faltado, dejarse llevar y explotar. ‘Mi primo’ se convierte en su tramo central en toda una road movie y es ahí cuando más nos reímos, cuando se lleva a los personajes al límite. Pero por lo demás tiende a inclinarse hacia lo sensiblero.

Tanto François Damiens, en el papel del inestable primo, como Vincent Lindon metido en el traje de estirado presidente forman buena pareja y nos hacen creer sus personajes. Quedan encorsetados por un guión que peca de no ser lo suficientemente desinhibido y estar demasiado contenido. Hay que remontarse en el tiempo y recordar que Kounen es el director de películas como ‘Doberman’ o ‘Vibroboy’ para darse aún más cuenta de cuán loco podría haber sido el resultado de este filme. Aunque en algún momento se deslengua y nos brinda frases del tipo “parece que hablo inglés como un español”, así, gratuitamente.

El roce hace el cariño. Sabemos cómo suelen acabar estas películas. ‘Mi primo’ no innova dentro de su género, pero invita a acercarnos desinteresadamente a los nuestros y a ser más abiertos de mente y/o tolerantes. No sé si en Francia se usa la expresión “ser un primo” pero le viene como anillo al dedo.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2021. Título original: Mon cousin. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Jan Kounen. Guion: Jan Kounen, Vincent Lindon, Fabrice Roger-Lacan. Música: Anne-Sophie Versnaeyen. Fotografía: Guillaume Schiffman. Reparto principal: François Damiens, Vincent Lindon, Pascale Arbillot, Alix Poisson, Olivia Gotanègre, Lumina Wang. Producción: Eskwad, Pathé, TF1 Films Productiokns, Umedia, Canal+, Ciné+, Télé Monté Carlo, TFX, uFund. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/mi-primo/

Crítica: ‘Malcolm y Marie’

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Sinopsis

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Sam Levinson trabaja con Zendaya y John David Washington en este drama profundamente romántico donde un cineasta y su novia vuelven a casa tras asistir a la fiesta de un estreno de cine que él cree que será un gran éxito de crítica y público. Pero entonces afloran ciertas revelaciones sobre su relación que ponen a prueba la solidez de su amor, y de pronto la noche cambia por completo. Junto al director de fotografía Marcell Rév, Levinson crea una película muy singular, una oda a los grandes idilios de Hollywood, así como una sincera expresión de fe en el futuro del sector.

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Crítica

‘Malcolm y Marie’ una historia de un amor demasiado tóxico

El 5 de febrero de 2021, llega a Netflix, ‘Malcolm y Marie’. La nueva cinta de Sam Levinson (‘Nación salvaje’). En la que unos fantásticos John David Washington y Zendaya nos muestran una historia de amor tóxico.

La película rodada en blanco y negro, es de las primeras en ser rodadas en medio de la pandemia, con todas las medidas de protección necesarias y con el beneplácito de la Academia.

El resultado es bastante teatral, nos encontramos en una misma localización, una mansión acristalada, con la que se juega mucho. Miradas a través de cristales, reflejos en los espejos. Maneras de atraer nuestra atención y a la vez experimentar los sentimientos de los protagonistas.

‘Malcolm y Marie’ es ante todo una gran discusión entre dos enamorados. Un director que acaba de presentar su película y que está pletórico. Su novia, que quiere que tenga los pies en la tierra, se lo pone muy complicado en su gran noche. Todo esto mientras esperan las primeras críticas de la película.

Los celos, el odio, rencores pasados, malas interpretaciones y palabras que nunca se deben decir, van saliendo por la boca de estos dos personajes que no sabes muy bien por qué están juntos.

Una película muy bonita visualmente, Marcell Rév, nos lleva hasta el fondo de los personajes gracias a sus miradas. Como he dicho, esas miradas a través de los reflejos, esos gestos y medias sonrisas cogidos por la cámara y el buen ojo de este director de fotografía.

Y la música, tan bien utilizada en la película, canciones de perdón, con las que intentan el uno al otro mandarse mensajes en los momento más tediosos de la gran discusión.

Y como he comentado al comenzar la crítica, ellos dos. Zendaya, natural e incisiva. Se come la cámara y a su compañero. Ese odio y a la vez amor hacia su contrincante es maravilloso.

Mientras que el personaje de John David Washington, intenta salir del atolladero en el que se ha metido. Sí que es cierto que en el tema actoral, Washington, nos da una representación mucho más teatral y menos natural. Pero tampoco desentona demasiado y nos muestra un tanto esa prepotencia que el mismo tiene al ser un hombre del espectáculo.

Si que quizás la película termina siendo bastante tediosa. La confrontación entre ambos termina girando sobre el mismo tema durante los 106 minutos de duración y no avanzan demasiado.

‘Malcolm y Marie’ no es una mala película, pero al final me quedo con el ejercicio visual y sonoro que con la historia que me están contando.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero 2021. Título original: Malcolm and Marie. Duración: 106 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Levinson. Guión: Sam Levinson. Música: Labrinth. Fotografía: Marcell Rév. Reparto principal: Zendaya, John David Washington. Producción: Little Lamb, The Reasonable Bunch. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81344370

Crítica: ‘Confinados’

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Sinopsis

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En ‘Confinados’, justo cuando toman la decisión de separarse, Linda (Anne Hathaway) y Paxton (Chiwetel Ejiofor) descubren que la vida tiene otros planes dejándolos atrapados en casa en un confinamiento obligatorio. La convivencia promete ser un desafío, pero acompañada de poesía e ingentes cantidades de vino, parece acercarles de una forma sorprendente.

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Crítica

Comedia romántica en confinamiento

‘Confinados’ es el título de esta “tragicomedia romántica” que se va a poder ver en HBO España desde el 5 de febrero, fecha confirmada para el estreno.

La película nos ofrece lo que su título nos indica y nos es otra cosa que la historia de una pareja con la relación prácticamente rota que además tiene que lidiar con el hecho de llevar ya unas semanas confinados en una bonita casa en un barrio londinense donde están llegando al límite.

En este primer tramo del filme empezamos a conocer sus protagonistas, Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, el día a día en casa, buscando el sentido a la vida desde el casi desequilibrio mental agudizado por la pérdida de esa chispa que un día les hizo ser una pareja perfecta. Por supuesto, estar encerrados no ayuda precisamente a que las cosas vayan a mejor.

Me parece que hay buena química entre los dos, con buenas interpretaciones y aunque haya un drama subyacente de todo lo que está ocurriendo, lo que predomina más es el tono de comedia y unos diálogos a los que les sacan todo el jugo que tienen sus protagonistas.

Así se nos van sucediendo pequeñas situaciones que a todos nos resultarán familiares, ya sea entre ellos, los vecinos o ya las míticas videoconferencias con la familia o del trabajo. Todo ello aderezado con notas de humor negro y un par de cameos graciosos de secundarios de lujo como Ben Kingsley y Ben Stiller. Del primero saco el momento (casi surrealista) en el que se nombra a Egdar Allan Poe, que a mí me hizo mucha gracia hasta el final de la cinta.

Debo decir que la película se mantiene por el buen trabajo de ambos protagonistas (aunque Anne Hathaway me tiene más enamorado) mientras que están en esas situaciones que se plantean del día a día, lidiando con la ansiedad, el desamor y el sentido de sus actos… ´Confinados´ funciona mejor cuando es fiel a su título. Una vez se plantea un robo como una salida a sus vidas, siento que lo que se había construido pierde fuerza. Queda tan poco creíble que nos distrae la atención y creo que, aunque aporta sentido a la relación y por ende a la historia, no ayuda a que el conjunto sume y apruebe con nota más alta.

Porque no nos engañemos, esta es una comedia romántica en tiempos de COVID, en momentos donde más de uno ha sufrido cierta desesperación. Es una película que pasará a ser parte del archivo de cine de la pandemia. Creo que el último tramo si llega a estar un poco mejor construido, hubiera aportado algo más. No es así y se desinfla.

Lo bueno: Esa sensación de haber vivido cosas parecidas, su humor, su elenco de actores y la química de su pareja protagonista.

Lo menos bueno: El tramo final, que en mi opinión hace que decaiga el conjunto.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero de 2021. Título original: Locked Down. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Doug Liman. Guion: Steven Knight. Música: John Powell. Fotografía: Remi Adefarasin. Reparto principal: Anne Hathaway, Chiwetel Ejiofor, Stephen Merchant, Mindy Kaling, Lucy Boynton, Dulé Hill, Jazmyn Simon, Ben Stiller, Ben Kingsley. Producción: Storyteller Productions, AGC Studios, Hypnotic, Nebulastar. Distribución: HBO España. Género: romance, comedia. Web oficial:

Crítica: ‘Noticias del gran mundo’

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Sinopsis

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Cinco años después del fin de la guerra de Secesión estadounidense, el capitán Jefferson Kyle Kidd (Hanks), veterano de tres contiendas bélicas, se dedica a viajar de localidad en localidad para narrar historias reales, declamando las noticias sobre presidentes y reinas, feudos gloriosos, catástrofes devastadoras y apasionantes aventuras de los rincones más recónditos del globo.

En las llanuras de Texas, Kidd conoce a Johanna (Helena Zengel, ‘System Crasher’), una niña de 10 años acogida por la tribu kiowa seis años antes y criada entre ellos. Johanna, que se muestra hostil ante un mundo que desconoce, va a ser devuelta a sus tíos biológicos en contra de su voluntad.

Kidd accede a llevar a la niña al lugar que le corresponde según la ley. Durante su azaroso viaje de cientos de kilómetros por un territorio cruel e inhóspito, los dos se enfrentan a las fuerzas de la naturaleza y a la hostilidad humana mientras buscan un destino al que alguno pueda llamar hogar.

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Crítica

Paternalismo, antibelicismo, heroicidad y algo de épica

Botas tejanas, sombrero de cowboy, amigo de una niña… No, Tom Hanks no ha vuelto a doblar a Woody, el entrañable protagonista de ‘Toy Story’. Pero si ha cabalgado en una historia de vaqueros. Aunque estrictamente un vaquero o cowboy era aquel que se ocupaba reciamente del ganado ese término se ha acabado extendiendo a todo aquel que galopa por llanuras desérticas en el oeste estadounidense portando una pistola en su cintura.

El personaje de Hanks, el capitán Jefferson Kyle Kidd, no es exactamente un vaquero. Es un excombatiente de la Guerra de Secesión norteamericana que intenta ganarse la vida honradamente. Y para ello viaja de pueblo en pueblo leyendo a los sureños, presuntamente analfabetos, las noticias que publican los periódicos. En esa ocupación se topa con una niña (Helena Zengel) que se ha quedado sola y por la que se ve imbuido de cierta responsabilidad llevándola a un lugar seguro.

Paul Greengrass siempre introduce mensajes en segundo plano en sus películas y también a Tom Hanks, pues ya trabajó con él en ‘Captain Philips’, un excelente filme que cautivó a la audiencia y que también hacía que Hanks se viese en un papel sobre un personaje cargado de responsabilidad. Lo que nos cuenta entre líneas con ‘Noticias del gran mundo’ es que aún continúan las viejas trifulcas en EE.UU., que hay gente que no puede dejar pasar los conflictos y los dolores del pasado, sirva de ejemplo lo del Capitolio. Esto sucede tanto con los dos personajes protagonistas como con el panorama social de racismo y rencor que les rodea. Y lo hace además manteniendo al capitán en una postura que bien podría ser neutral, que cuesta discernir si se decanta por los confederados o por los unionistas.

El mismo Hanks ha contado siempre que puede ser descendiente de Lincoln, pese a la dudosa ascendencia del presidente que figura en el billete de cinco dólares. Y justo en el periodo de tiempo que transcurre tras la muerte del presidente dieciseis de los EE.UU. es donde se ambienta ‘Noticias del nuevo mundo’. Gracias al equipo que ha realizado los decorados y vestuarios viajamos a esa época, como bien saben hacer los norteamericanos, rueden donde rueden (en este caso en Nuevo México). Pero sobre todo es gracias a la apabullante fotografía de Dariusz Wolski (‘Marte’, ‘Raised by wolves’) que disfrutamos de los parajes del salvaje oeste. Este termina siendo un filme muy naturalista.

Aunque me centre un poco en su valor visual ‘Noticias del gran mundo’ no es de esas películas donde digas “que buena fotografía” para evitar hablar de sus carencias. Es cierto que esta película, basada en la novela de Paulette Jiles, se puede hacer larga, de hecho prolonga en exceso algunas secuencias, pero para mí todo eso responde a la elaboración de un viaje extenuante y desesperado.

Hanks tira de su fama de persona extremadamente amable en esta historia que se une a otros títulos en los que un adulto se ve en la tesitura de cuidar a un menor en un mundo peligroso, tales como ‘El profesional (León)’, ‘Valor de ley’, ‘Safe’ o hace muy poco ‘Cielo de medianoche’. En su labor de pregonero, casi juglar, hace acopio de gran pacifismo y ha trabajado su acento, dos aspectos importantes. Por su parte Zengel ha tenido que hacer casi lo mismo que Catherine Chan, Natalie Portman, Kim Darby o Hailee Steinfeld, mostrarse salvaje, obstinada o vulnerable según corresponda. Y no lo hace nada mal.

Con todo lo que he contado imaginaréis que ‘Noticias del gran mundo’ está cargada de paternalismo, antibelicismo, heroicidad y algo de épica. “En algún momento tendremos que dejar de luchar” dicen en un momento de la película. Hanks consigue suavizar al siempre áspero Greengrass en este western que merece la pena verse en pantalla grande.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de enero de 2021 (cines) 10 de febrero de 2021 (Netflix). Título original: News of the world. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Greengrass. Guion: Luke Davies, Paul Greengrass. Música: James Newton Howard. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Tom Hanks, Helena Zengel. Producción: Perfect World Pictures, Platone, Pretty Pictures, Universal Pictures. Distribución: Tripictures, Netflix. Género: western, thriller, drama. Web oficial: https://www.newsoftheworldfilm.com/

Crítica: ‘Lupin III: The first’

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Sinopsis

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Lupin y Leticia, una joven amante de la arqueología, se enfrentan al desafío del Bresson Diary que ni tan siquiera el Arsene Lupin original pudo resolver.

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Crítica

Un gran entretenimiento tan necesario para estos tiempos

Después de su estreno en el Festival de Sitges, llega a los cines ‘Lupin III: The first’. Una nueva aventura de este personaje que tantas correrías nos ha dado durante nuestra infancia. Lupin III basado en las novelas de Maurice Leblanc, vuelve en este ya, noveno largometraje sobre este personaje. Como curiosidad ‘El castillo de Cagliostro’ , uno de estos primeros largometrajes, fue la primera película del gran Hayao Miyazaki, que ya trabajó en la serie de este personaje.

En esta nueva aventura, rodada en 3D, volvemos a tener a nuestro ladrón de guante blanco favorito. Junto a sus secuaces, Daisuke, Ishikawa, Fujiko Mine y a su enemigo (amado) Inspector Koichi Zenigata, jefe de la interpol. Todos ellos tendrán que ayudar a una joven arqueóloga a descubrir los secretos de un extraño diario. Con esta investigación, no solo conocerán un gran arma sino que también una conspiración nazi.

Está claro que la trama es de lo más. La película no pierde la frescura a la que nos tenía acostumbrado el anime, quizás sea algo menos violenta. Pero no es algo que me haya molestado la verdad. Esta bastante cerca de ser una aventura de Indiana Jones.

La animación es bastante curiosa. Sobre todo los paisajes que tenemos de fondo son bastante reales. Y la manera de utilizar la luz, algo que tiene que ser realmente difícil. Los metales también están muy bien trabajados al igual que el tema de las texturas. La ropa por ejemplo, vemos perfectamente de que material está hecha, ya sea cuero o el ante. Están tremendamente elaborados los distintos tejidos.

Se que con esta animación, los personajes pierden algo de expresión en la cara, pero no en los gestos. Lupin sigue siendo ese ladrón encorvado larguirucho que no para quieto en ningún momento. Y el resto de personajes lo mismo, cada uno sigue con sus peculiaridades.

Me ha encantado volver a reencontrarme con este personaje. Tengo que decir que este mes parece el mes de Lupin, pues hace poco os pude hablar de la nueva serie de Netflix, también basada en este personaje. Pero no os voy a mentir, Lupin III siempre ha sido de mis personajes favoritos y poder verle de nuevo en la gran pantalla y que me siga entreteniendo igual que cuando era pequeña, es un lujazo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de enero de 2021. Título original: Lupin III: The First. Duración: 93 min. País: Japón. Dirección: Takashi Yamazaki. Guión: Takashi Yamazaki. (Manga: Monkey Punch) Música: Yûji Ôno. Producción: Toho. Distribución: Selecta Visión. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.selecta-vision.com/

Crítica: ‘Mi niña’

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Sinopsis

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Héloïse es una madre de tres hijos que tiene una pequeña crisis cuando la más pequeña de ellos, Jade decide que, al cumplir los dieciocho años, abandonará su vida en Francia para seguir con sus estudios en Canadá. A medida que se acerca el momento de que Jade continúe su vida lejos de casa, Héloïse verá aumentar su estrés y no podrá parar de pensar en todos los momentos vividos con su pequeña.

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Crítica

Mucha ternura pero poca introspección

Lisa Azuelos pone en nuestra cartelera una nueva comedia francesa. ‘Mi niña’ es un filme que nos llega bajo la categoría de comedia, pero también de drama. Y por desgracia el filme no es todo lo cómico que cabría esperar, sobre todo por el bien que hace el humor en estos tiempos. Y aunque no es un dramón termina orientándose hacia un tono melancólico y tremendamente sentimentaloide.

La película se basa en experiencias personales de Azuelos, quien influenciada por ‘Boyhood’ quiso llevar a la gran pantalla su vivencia al tener que afrontar cómo su hija abandonaba el nido. De ahí le ha venido la parte más sentida a ‘Mi niña’. Se observa que la película trata de reflejar algunos puntos importantes en una relación madre/hija. Una relación con sentimientos encontrados pues tienen mucha complicidad el ayudar a que Jade (así se llama la joven que planea partir hacia Canada) consiga su sueño juega en contra de sus ganas de compartir tiempo juntas.

La película se distrae muchísimo, tanto a la hora de buscar hacer reír al espectador como perdiendo su rumbo. Más que abracar los pormenores de una despedida anunciada, ‘Mi niña’ se pierde en escarceos e inquietudes del personaje de la madre que por otro lado está interpretada con cierta gracia por Sandrine Kiberlain. Pero son unos derroteros que por lo general no aportan nada, si acaso construyen una historia que trata más sobre una crisis de edad que por tener que soltar la mano de una hija. De hecho Kiberlain ha explicado que justo cuando leía el guión por primera vez tenía a su hija a punto de marchar pues acababa sus estudios en el instituto. Quizá el tener a una actriz tan reconocida en Francia ha hecho que se le aporten demasiadas escenas individuales y se desvíen del objetivo inicial.

La directora grabó en su vida cotidiana a su hija Thaïs Alessandrin y la ha usado como coprotagonista de este filme. Cabría pensar que teniendo ese material de primera mano lo incluiría en el filme para darle más veracidad. Pero no es así e irónicamente los momentos de desvarío adolescente en los que ella se supone que no ha estado presente se antojan como los más creíbles de la película.

Aunque se incorporen numerosos flashbacks lo único que se consigue es que sintamos que esta es una película mayormente dedicada a re-grabar unos recuerdos personales que si bien son muy sentidos o intimistas no desarrollan en profundidad lo drástico que supone querer a alguien y a la vez tener que dejarle marchar. Mucha ternura pero poca introspección.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de enero de 2021. Título original: Mon bébé. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Lisa Azuelos. Guion: Lisa Azuelos, Thaïs Alessandrin, Thierry Teston. Música: Yael Naim. Fotografía: Antoine Sanier. Reparto principal: Sandrine Kiberlain, Thaïs Alessandrin, Victor Belmondo, Yvan Attal, Patrick Chesnais, Kyan Khojandi, Camile Claris, Mickael Lumière. Producción: Love is in the air, Pathé, France 2 Cinema, C8 Films, Les Production Chaocorp, CN8 Productions. Distribución: Vercine Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.france2cinema.fr/production/mon-bebe

Crítica: ‘Cosmética del enemigo’

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 Sinopsis

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El exitoso arquitecto Jeremiasz Angust, pierde su vuelo a causa de una joven que le ha abordado y no para de importunarle, a partir de ahí ambos personajes empiezan una conversación que, aunque parece fortuita, pronto se convierte en algo mucho más siniestro y criminal.

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Crítica

Kike Maíllo dirige de maravilla este tremendo thriller

En octubre pudimos ver esta maravilla de película gracias al Festival de Sitges. Este thriller dirigido maravillosamente por Kike Maíllo y basado en la novela de Amélie Nothomb. Como en su momento os comenté, no me he leído el libro y no sé si es una buena adaptación o no, pero como película, ‘Cosmética del enemigo’, me ha fascinado.

Un famoso arquitecto, termina de dar una gran charla, de vuelta al aeropuerto, una muchacha le pide compartir el taxi para poder llegar a coger su vuelo y decide dejarla entrar. Ambos pierden el vuelo y a partir de ahí un diálogo entre los dos  nos muestra como una historia puede retorcerse hasta el infinito.

Texel Textor, la chica misteriosa que entra en su vida, decide contarle tres historias de su vida, cosa que poco a poco comienza a incomodar a Jeremiash, de tal manera que lo único que quiere es deshacerse de la compañía de esta mujer.

Kike Maíllo logra confundirnos, engañarnos y que nos enamoremos de estos dos extraños que lo único que hacen es mantener una conversación en un aeropuerto.

El guión me parece una maravilla. Está adaptado por Cristina Clemente (‘Eva’), Fernando Navarro (‘Verónica‘) y Kike Maíllo (‘Toro’). Y logran que no perdamos en ningún momento el interés por lo que nos están contado pese a que durante gran parte de la película no sabes muy bien que está pasando.

A este guion le añadimos una dirección de 10 por parte de Kike Maíllo y tenemos la película perfecta. Qué decir de los dos actores principales, sin ellos nada de esto sería posible y es que Tomasz Kot (‘Cold War’), le da a la película un personaje bastante tedioso, que se tiene en muy alta estima y que es un hombre ganador. Mientras que a su lado tenemos a Athena Strates (‘La gran mentira‘), no había visto nada de su trabajo hasta ahora y tiene un gran potencial. Su personaje es fuerte, logra crearnos una curiosidad inmensa por lograr saber quién es ella.

En el reparto también encontramos como personajes secundarios a Marta Nieto (‘Madre‘) y a Dominique Pinon (‘Amelie’).

Ya tenemos muchos ingredientes para poder decir lo buena película que es, pero es que además tiene una banda sonora muy acorde con todo lo que sucede en la cinta. Y una fotografía muy cuidada. Uno de los protagonistas es un arquitecto absolutamente toda la arquitectura del aeropuerto en el que se encuentran y es bastante importante para la imagen en la película. Y Rita Noriega (‘Orígenes secretos’), logra darnos imágenes muy potentes.

Esta es una historia de los monstruos internos, de los secretos que guardamos y que no queremos que salgan. ‘Cosmética del enemigo’ me ha recordado a uno de las historias de Edgar Allan Poe, por supuesto no os voy a decir cual, porque os estropearía toda la película.

Este 29 de enero llega a Filmin y os puedo asegurar que es uno de los estrenos más curiosos que veréis este año. No os la perdáis. 

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de enero de 2021. Título original: A Perfect Enemy. Duración: 88 minutos. País: España. Dirección: Kike Maíllo. Guión: Cristina Clemente, Kike Maíllo, Fernando Navarro (Novela de Amélie Nothomb). Música: Alex Baranowski. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Tomasz Kot, Athena Strates, Marta Nieto, Dominique Pinon. Producción: Sábado Películas, ESCAC Films, Barry Films, Hessen-Invest Film, The Project, Treehouse Pictures. Distribución: Filmin. Género: Thriller. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/cosmetica-del-enemigo

Crítica: ‘El Drogas’

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Sinopsis

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Un documental biográfico que explora, como si de un río se tratase, todas las dimensiones y vertientes de  de una de las figuras más importantes de la historia del Rock & Roll en castellano: Enrique Villarreal  El Drogas.

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Crítica

Dando voz y campo de batalla a una voz quebrada y combativa

Recuerdo cuando mis primos me cantaron aquello de “Veo todo… en blanco y negro…” en el que fue uno de mis primeros pasos hacia una gran afición por el rock. Que mi opinión como fan ante este documental va a estar sesgada, no lo voy a negar, tengo mucho que agradecer tanto a Barricada como a mis primos mayores por todo lo que me han descubierto. Precisamente, a partir de fotografías e imágenes en blanco y negro empieza ‘El Drogas’. El documental hace un repaso por la vida del rockero, pasando por el significado de su apodo, recordando sus primeros pasos como compositor hasta llegar a la triste expulsión y posterior reencuentro.

“Deja que esto no acabe nunca después del frío beso” decía otra de las canciones del ‘Por instinto’ que Barricada lanzó en 91. En ese tema Enrique Villarreal y su grupo pedían una prorroga a un amor que bien podría haber sido el propio Rock & roll. Movida por pasiones e instintos ha estado siempre la carrera de un cantante llamado a remover mentes y a agitar corazones. Un hombre que ha ido con paso “torcido” como dice él nada más arrancar el documental de Natxo Lezua, teniendo una visión diferente de la realidad.

Carne de barrio, amante del glam rock. Influenciado por amigos y estrellas como Rosendo. ¿Queréis verle jugar a fútbol sala? ¿Ver a qué grupos ha inspirado? ‘El Drogas’ da reconocimiento a un hombre y a un grupo en varios sentidos anticipado a su época. Como pega este documental que nos hace volver a míticos temas, tiene que no ahonda en exceso en algunos puntos clave de su carrera, quizá ya olvidados y quizá más demandados por los fans.

“El Rock & roll si no conecta con la gente es un poco inútil” dice Fito a mitad del largometraje. Soy de esa opinión y soy también de los que paulatinamente ha ido dejando de escuchar al vecino de Gernika-Lumo y a sus Fitipaldis al ver que perdían autenticidad. Algo que no ha pasado nunca con Barricada y así se ve en ‘El Drogas’. Tanto Enrique Villarreal como sus grupos han tenido siempre un espíritu constante de combate y una manera de llegar como pocos grupos de rock han tenido en España. Una autenticidad que ha venido marcada por diferentes factores que se relatan a través de aportaciones como las de Kutxi Romero o Marino Goñi.

Quizá esta entrevista, que hace recapitulación de toda una vida, os parezca solo destacable para un fan de “los barri”, pero tiene muchas apreciaciones interesantes y saca a la luz influencias, no solo dentro de su barrio pamplonica de la Txantrea, también para el panorama e historia musical de España.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre de 2020 (cines). 29 de enero de 2021 (plataformas). Título original: El Dogas. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Natxo Lezua. Guion: Natxo Lezua, Álex García de Bikuña. Música: Mikel Salas. Fotografía: Iñaki Alforja. Reparto principal: Enrique Villarreal, Rosendo Mercado, Fito Cabrales, Christina Rosenvinge, Carlos Tarque, Kutxi Romero, Gorka Urbizu, Javier Gallego, Mamen Irujo, Marino Goñi, José Landa. Producción: NARM Films, Marmoka Films. Distribución: Golem distribución (Movistar+). Género: documental. Web oficial: https://www.eldrogaseldocumental.com/

Crítica: ‘Hope’

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Sinopsis

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¿Qué sucede con el amor cuando a una mujer de mediana edad le pronostican tres meses de vida? Anja (43) y Tomas (59) viven en familia junto a sus hijos biológicos e hijastros, pero durante años, la pareja se ha distanciado. Cuando Anja recibe el diagnóstico de cáncer cerebral terminal el día antes de Navidad, su vida se rompe y pone a prueba el amor desatendido.

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Crítica

Ambos protagonistas manejan con maestría los estallidos y contenciones de sus personajes

¿Os ha fastidiado que durante estas Navidades 2020/21 nos hayan puesto restricciones y muchos hayamos tenido que hacer sacrificios? Pues imaginad si te dicen en plenas navidades que tienes cáncer por segunda vez y además te quedan meses de vida. Así de rotundo hay que ser con esta crisis que vivimos y así de pasmosa es la situación que se le plantea a la pareja protagonista.

Andrea Bræin Hovig y Stellan Skarsgård protagonizan ‘Hope’, la elección de los noruegos para representarles en los Oscar. Hace poco os hablaba de ‘La decisión’, otra película que mira a la muerte directamente a la cara. En el caso de este filme escrito y dirigido por Maria Sødahl el enfoque es diferente, pero igualmente se da una visión muy madura sobre cómo enfrentar una enfermedad terminal.

El libreto de Sødahl está bien documentado y muy orientado también hacia los sentimientos. Muchas veces se habla del carácter frío y calculador de los nórdicos y aunque eso se percibe en la firmeza de muchos personajes, ‘Hope’ nos sorprende con una gran sensibilidad. Juega en contra de su apuesta dramática el seguir el caso de la protagonista enferma en todos y cada uno de los estadios por los que pasa. Llega a parecer casi una guía o documental a cerca de afrontar un segundo diagnóstico de cáncer. Pero la balanza siempre acaba inclinándose hacia lo conmovedor.

Los protagonistas han de quitarse de encima toda una melé, tanto literal como figuradamente. Tienen sobre ellos una montaña de sentimientos y situaciones que nos lleva a las dos temáticas del filme. Una de ellas es el amor en tiempos de crisis. Andrea Bræin Hovig y Stellan Skarsgård hacen toda una reconstrucción de una pareja distanciada que se ve forzada a sincerarse y a iniciar un sprint amoroso. No desaparecen los reproches y los silencios hablan por sí solos ante la cámara del fotógrafo chileno Manuel Alberto Claro. Frente a esa lente ambos intérpretes manejan con maestría los estallidos y contenciones de sus personajes.

Esta última frase me lleva a la que considero la segunda temática de ‘Hope’. Personalmente me ha hecho recapacitar o intentar identificar todas aquellas cosas que mis padres pueden haber hecho para garantizar mi bienestar. “Hope” en castellano es “esperanza” y quiero entender que ese título se refiere a la funesta fecha marcada en el calendario para el personaje de Bræin Hovig pero también en el sentido de que es un pulso por mantener a la familia esperanzada a toda costa.

Esta es una historia creada a partir de la experiencia personal de la directora, de hecho, arranca con un letrero que reza “esta es mi historia tal y como la he vivido”. Quizá por eso tiene tantas escenas de cotidianidad y navidades rotas, pero también de momentos felices, algunos forzados, otros surgidos de manera natural. Te marcan algunas escenas, como esa en la que la pareja sale de la consulta tras oír la fatídica noticia y están tan perdidos o aturdidos que no atinan a recordar dónde aparcaron. Sødahl emplea en un momento el ‘Back to Black’ de Amy Winehouse y aunque el sentido de la canción está más orientado a la adicción, ese tema define bien la película, pues usa frases como “Y yo piso un camino de problemas, llevo las de perder”. Tiene un gran sentido de la ilusión mezclada con la fatalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de enero de 2021. Título original: Håp. Duración: 126 min. País: Noruega, Suecia. Dirección: Maria Sødahl. Guion: Maria Sødahl. Fotografía: Manuel Alberto Claro. Reparto principal: Andrea Bræin Hovig, Stellan Skarsgård, Elli Müller Osborne, Alfred Vatne Brean, Daniel Storm Forthun Sanbye, Erik Hallert, Steinar Klouman Hallert, Dina Enoksen Elvehaug, Einar økland, Gjertrud Jynge. Producción: Motlys, Film i Väst, Oslo Pictures, Zentropa Entertainment. Distribución: Adso Films. Género: drama. Web oficial: https://adso.tv/ficha/28

Crítica: ‘La maldición de Lake Manor’

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Sinopsis

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Samuel es un niño paralítico que vive con su madre en Lake Manor, una mansión aislada en el bosque, la cual tiene prohibido abandonar. La llegada de la joven criada Denise aportará algo de luz en la estricta rutina del muchacho, pero la madre seguirá vigilando de cerca todos sus movimientos.

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Crítica

Su final está cultivado y guardado con recelo, eso me ha conquistado

‘La maldición de Lake Manor’ arranca con un accidente que deja a un niño anclado a una silla de ruedas y a una casa. Una autoritaria casa de la que no le dejan salir y en la que es educado bajo un estricto programa.

Durante buena parte de ‘La maldición de Lake Manor’ vais a preguntaros por qué esta película está dentro del género de terror o simplemente por qué a esta finca la llaman maldita. El filme de Roberto de Feo tiene más carácter de drama pero sí que es cierto que el miedo llega cuando ves que el niño teme a sus adultos y que algunos de los propios empleados de la casa viven amedrentados.

‘La maldición de Lake Manor’ también se titula más acertadamente ‘Il nido (The nest)’ ya que por diversas razones el joven no puede abandonar su hogar. Al igual que tardaréis en percataros de la razón del terror de esta cinta, el sentido título también se hace de rogar, pero no tanto. La película de Roberto de Feo tiene muchos puntos misteriosos y durante el tercer acto va arrojando más luz a todos los detalles que nos ha ido mostrando.

Aunque se os puede hacer un poco extraña la narración e incluso en ocasiones aburrida o repleta de relleno, esa sensación desaparece con el final. Un cierre con giro de guión que si bien no es novedoso te coge desprevenido. El mérito de esta película es trabajar con todas sus escenas para ir orientándonos hacia el desenlace y a su vez conseguir despistarnos hacia diversas temáticas. ¿Qué significaba ese sueño? ¿Qué pasó con este personaje? ¿Por qué está ahí la chica? ¿Por qué aguantan al temible doctor? No os preocupéis, echadle paciencia que es de esos filmes que nos hace atar cabos al final, sin dejar ninguno suelto por lo que uno queda mucho más satisfecho con su conclusión de lo que esperaba. Su final está cultivado y guardado con recelo, eso me ha conquistado.

La interpretación que más llama la atención es la del debutante Justin Korovkin como el joven paralítico. Poco a poco nos va convenciendo con su personaje. Y el resto del reparto participa para elaborar con solvencia el ambiente de una extraña casa en la que es obvio que se guarda con temor un secreto. También para hablarnos acerca de los pasos hacia la madurez y de la sobreprotección patriarcal. Ambientación muy bien respaldada con una cuidada fotografía obra de Emmanuele Pasquet, el cual ha empleado tonos muy lúgubres, a veces anaranjados y verdosos que nos transmiten sensaciones de decadencia, rigurosidad y maneras anticuadas. Se torna además en una película triste y melancólica con la estupenda versión a piano del ‘Where is my mind’ de Pixies que habréis escuchado en ‘El club de la lucha’ o en su versión más tecnológica y actual, ‘Mr. Robot’.

Esta cinta que nos llega desde Italia me ha sorprendido gratamente. No me extrañaría tener opiniones en contra, sobre todo a raíz de la narrativa que lleva a cabo, que juega un poco la despiste. Pero precisamente por eso la he disfrutado.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de enero de 2021. Título original: Il Nido (The nest). Duración: 103 min. País: Italia. Dirección: Roberto de Feo. Guion: Roberto de Feo, Lucio Besana, Margherita Ferri. Música: Teho Teardo. Fotografía: Emmanuele Pasquet. Reparto principal: Francesca Cavallin, Ginevra Francesconi, Justin Alexander Korovkin, Maurizio Lombardi, Elisabetta de Vito, Fabrizio Odetto, Troy James. Producción: Colorado Film Production, Vision Distribution, Film Commision Torino-Piemonte, Regione Piemonte. Distribución: Alfa Pictures. Género: terror. Web oficial: http://www.coloradofilm.it/document/it/the_nest/cinema

Crítica: ‘In fabric’

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Sinopsis

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Son rebajas en unos grandes almacenes ingleses, Sheila observa las estanterías, y, de repente, un vestido rojo sangre de seda la hipnotiza. Ya no hay nada que ella quiera salvo ese vestido, nada salvo acariciarlo, examinarlo, adorarlo… Lo que Sheila no sabe es que pesa una maldición sobre cada persona que ha poseído ese vestido y comprarlo traerá devastadoras consecuencias.

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Crítica

No habría pasado nada si este vestido se hubiese quedado en el almacén

Peter Strickland es el artífice (tras las cámaras y en el libreto) de ‘In fabric’. Una cinta que tal vez tiene su principal atractivo en los rostros conocidos que nos ofrece: Gwendoline Christie (‘Juego de Tronos’), Marianne Jean-Baptiste (‘Sin rastro’) o Sidse Babett Knudsen (‘Westworld’). Pero que tiene muy poco más que aportar.

Un objeto maldito se vende en las rebajas de una tienda. Demasiado bonito para el precio que tiene. Ejerce una poderosa influencia y eso hace pasar por alto cualquier sospecha a las compradoras que muerden el anzuelo. Es entonces cuando caen víctimas de la maldición que pesa sobre esa rojiza prenda.

Me da la impresión que ‘In fabric’ busca ponerse a la altura de títulos basados en objetos asesinos, como el ‘Christine’ de John Carpenter. Usa la atracción y el hipnotismo de un objeto carmesí, codiciado, seductor y elegante para desarrollar después una serie de mortales acontecimientos. El rojo llama al rojo.

Parece que todo vale en estos tiempos en los que el género se tiene que reinventar más que nunca para intentar destacar entre la inmensidad de propuestas y lo ya hecho anteriormente. Es otra muestra más de que los experimentos están bien pero solo si progresan y tienen un sentido. Puedes partir de una idea curiosa o terrorífica pero no puedes dar vueltas todo el rato al mismo punto si no ofreces nada nuevo y mucho menos cuando la película dura dos horas o no terminas de mostrar un mensaje claro.

Si te gustan las cosas raras aquí puedes encontrar un tejado bajo el que cobijarte. Esta película la vimos hace casi dos años en la Muestra SYFY de 2019 (entre algunas risas) y aún me acuerdo de las vendedoras extrañas, elocuentes y victorianas que trabajaban en las galerías donde la protagonista compra el vestido. Además, si a eso le sumamos cultistas y un reencuentro visual con el terror sesentero y setentero la propuesta es llamativa. Pero como he dicho y advertido, se puede hacer tediosa o más larga de lo que parece.

Otro de los problemas del filme es que está definido entre lo dramático y lo cómico. Me quedo con lo segundo por no tachar ‘In fabric’ de comedia involuntaria. Ver el vestido flotando, los cardados de algunos personajes, las escenas de las citas, los momentos oníricos, el bebé haciendo una peineta… se me hace imposible tomarme esto en serio.

El director Peter Strickland ya había hecho una película que se enlazaba con el terror italiano, ‘Berberian Sound Studio’. En ‘In fabric’ juega de nuevo con los sonidos y la música propia de la época dorada de maestros como Argento. Pero también con las luces y los contrastes de color, propia del giallo. Es propia igualmente de ese género el misterio y la sangre que asalta a las protagonistas.

Como imitación de una clase de cine de serie B puede tener un pase. Pero como entretenimiento novedoso, mínimamente ingenioso o con buen gancho se ha quedado lejos.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero de 2021. Título original: In Fabric. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Peter Strickland. Guion: Peter Strickland. Música: Cavern of Anti-Mater. Fotografía: Ari Wegner. Reparto principal: Sidse Babbet Knudsen, Marianne Jean-Baptiste, Julian Barratt, Steve Oram, Jaygann Ayeh, Richard Bremmer, Gwendoline Christie, Pano Masti, Fatma Mohamed, Caroline Catz, Harley Squires. Producción: Rook Films, BBC Films, BFI Films Fund, Head Gear Films, Metrol Technology. Distribución: Diamond Films (Movistar+). Género: terror. Web oficial: https://www.facebook.com/InFabricMovie/

Crítica: ‘Mamá te quiere’

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Sinopsis

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Dicen que el amor de una madre es para siempre… pero para Chloe esto no es un consuelo, sino una amenaza. Hay algo extraño, incluso siniestro en la relación de Chloe (Kiera Allen) y su madre, Diane (Sarah Paulson). Diane ha criado a su hija completamente aislada, controlando cada uno de sus movimientos, pero Chloe pronto empezará a descubrir los oscuros secretos que guarda su madre. Cuando la adolescente en silla de ruedas necesite escapar de su madre no encontrará la manera de hacerlo…

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Crítica

‘Mamá te quiere’ o cuando el amor de una madre puede ser una gran pesadilla

Dirigida por Aneesh Chaganty y creada por él mismo y Sev Ohanian, llega ‘Mamá te quiere’. Los creadores de la estupenda ‘Searching‘ vuelven a traernos una cinta llena de tensión y misterio que logra que una historia sin originalidad logre enganchar desde el minuto uno.

Tras un terrible y difícil parto, Diane logra por fin cumplir su sueño de ser madre. Chloe con un sin fin de enfermedades a sus espaldas, logra ser una joven bastante independiente gracias a los cuidados y enseñanzas de su madre. Ella vive confinada en su casa, donde estudia y aprende para poder entrar en la Universidad. Hasta que un día comienza a desconfiar de su madre.

Aunque después de ver el tráiler pensé que claramente la película estaba basada en la historia real de Gypsy Rose y Dee Dee Blanchard, donde la madre de Gypsy tenía el llamado Síndrome de Münchhausen. Aquí se trata también el tema, pero la verdad que termina distanciándose bastante de aquel caso, acercándose mucho mas a ‘Misery’ de Stephen King. Es mas mientras vemos la cinta vemos varios guiños a este escritor y uno de ellos a la misma película que menciono y es que la farmacéutica se llama Kathy Bates, como la actriz protagonista de la cinta. O volvemos acercarnos al autor cuando se nombra Derry de Maine.

‘Mamá te quiere’ es bastante directa, nos presenta a las protagonistas, las conocemos bien y en breve comienza toda la acción y desesperación para Chloe.

Es una pasada lo que hace Sarah Paulson, una mujer que es capaz de mostrarnos en su rostro todo tipo de sentimientos en menos de un minuto. Es impresionante como logra que la queramos, la odiemos y sintamos pena por ella, todo a la vez.

Y para ser la primera película de Kiera Allen solo os puedo decir que no perdáis de vista a esta chica. Está estupenda. La actriz que es usuaria real de silla de ruedas, da una clase magistral del uso de ésta y de lo rápida que puede ser.

Los directores juegan mucho con la casa, con la importancia que tiene para la movilidad de Chloe y como simplemente desenchufando el ascensor de las escaleras ella ya queda impedida para poder salir. Esta «prisión» es una protagonista más y sin duda los directores saben utilizarla muy bien.

En el tema técnico la película está bastante bien, el sonido y la música son bastante buenos y la fotografía se centra mucho en los pequeños detalles y muchas veces desde la mirada de Chloe. Eso sí, creo que en el montaje se han dejado más de una escena, que supongo que cuando salga la cinta en formato doméstico podremos ver.

Es una pena que ‘Mamá te quiere’ no haya llegado a la gran pantalla, últimamente digo demasiado esto, pero es una película que se disfrutaría mucho con un buen sonido y buena imagen. Pero de nuevo gracias a Movistar+, al menos la podemos ver y no perdérnosla.

El 22 de enero llega a nuestras casas y aunque si habéis llegado hasta aquí leyendo la crítica, os lo vuelvo a recalcar, no os la perdáis y disfrutad mucho de esta extraña y pequeña familia con algún problema que otro.  

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de enero de 2021. Título original: Run. Duración: 89 min. País: Estados Unidos. Dirección: Aneesh Chaganty. Guión: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian. Música: Torin Borrowdale. Fotografía: Hillary Spera. Reparto principal: Sarah Paulson, Kiera Allen, Pat Healy, Bradley Sawatzky, Onalee Ames, Conan Hodgkinson, Erik Athavale, Clark Webster, Carter Heintz. Producción: Lionsgate. Distribución: DeAplaneta. Género: Terror. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/mama__te_quiere

Crítica: ‘El deseo de Robin’

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Sinopsis

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Estreno exclusivo del emotivo documental que relata los últimos días de la vida de Robin Williams y su legado como actor. A través de diversos testimonios entre los que destaca los de su esposa, Susan Schneider, descubrimos los efectos del trastorno neurodegenerativo que padecía, conocido como demencia con cuerpos de Lewy (DCL).

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Crítica

Un ensayo sobre la identidad que me parece tan tierno como el recuerdo de Robin Williams

Robin Williams, aquel que nos hizo sentir la poesía, reír en la enfermedad o sentirnos niños mayores se nos fue en verano de 2014. Quedan pocos titanes como él tan buenos en la comedia y en la improvisación hasta el punto de haber marcado a un buen abanico de edades a lo largo de todo el mundo. ¿Alguien le odia o no le gusta mínimamente? Desde luego fue una pérdida para todos.

‘El deseo de Robin’ empieza con Williams divagando sobre el efecto de la risa u otros conceptos de la vida en algunas entrevistas concedidas a televisión. Además dedica un instante a mostrar el colorido túnel dedicado a su persona. El director y fotógrafo Tylor Norwood ha querido refrescar el recuerdo del comediante para arrojar algo de luz y ya de paso extenderse en alguna faceta más.

Años después de la muerte del actor algunos se atreven o sacan fuerzas de flaqueza para hablar sobre su pérdida. Quienes más destacan y quienes tienen más cosas que decir son su viuda, uno de sus vecinos y Shawn Levy, director de ‘Noche en el museo: el secreto del faraón’, la última película en la que le vimos. Me ha encantado ver que con sus testimonios se pone de manifiesto lo cercano que era, viviendo en una ciudad y barrio “ordinarios” siendo un vecino más que a veces paseaba en bici (“soy bi(ci)sexual”, decía) o acudiendo pequeños shows de improvisación.

Para romper habladurías y lo que dicen los entrevistados que son falsas conclusiones, ‘El deseo de Robin’ ocupa la mayor parte de su metraje en hablar sobre su enfermedad no diagnosticada, que ni conocía ni controlaba. Un tipo de demencia rápida y progresiva, que deprime, afecta al sistema motriz e incluso que llega a matar. Y para llegar a ello por supuesto pasa por la despiadada prensa sensacionalista y la huella que deja muchas veces con sus especulaciones disfrazadas de noticias.

Se puede aprender con este documental pues es doloroso ver como las personas más cercanas a él descubrieron lo que tenía demasiado tarde y empezaron a atar cabos cuando el resultado ya había sido fatal. Se produjo una despedida prolongada hasta hoy en día de la que muchos se culpan, sobre la que la mayoría se pregunta si pudo haber hecho más. Y esto reconociendo en su mayoría que no había mucho que hacer a pesar de que veían con estupefacción como se iba degradando, siendo el propio Williams consciente de ello. Todos anhelan haber podido saber lo que padecía para paliarlo y si vosotros como espectadores no lo sentís también, el documental se encarga de transmitíroslo.

En resumidas cuentas ‘El deseo de Robin’ no es solo un reportaje que quiere hacer algo de justicia sobre la auténtica causa de su muerte, es un ensayo sobre la identidad que me parece tan tierno como el recuerdo de Robin Williams. También sobre aquello que anhelamos conseguir o dejar para los demás. Y es duro retroceder a todos los momentos que nos dio y descubrir las cosas que había detrás, pero el documental está enfocado de tal manera que nos abraza con añoranza.

No hubo un Patch Adams para él pero su legado servirá como medicina para generaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de enero de 2021. Título original: Robin’s Wish. Duración: 78 min. País: EE.UU. Dirección: Tylor Norwood. Guion: Tylor Norwood y Scott Fitzloff. Música: Aaron Drake. Fotografía: Tylor Norwood. Reparto principal: Robin Williams, Susan Schneider Williams, Shawn Levy, David E. Kelley, Mort Sahl, John R. Montgomery. Producción: Quotable Pictures. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/el-deseo-de-robin