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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Morir’

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Sinopsis

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 Las vidas de Luis y Marta se ven abruptamente paralizadas. Las mentiras, la culpa y el miedo ponen a prueba la estabilidad y el amor de la pareja.

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Crítica

‘Morir’ es tan real como la vida misma.

El director y escritor Fernando Franco, Marian Álvarez y Andrés Gertrudix vuelven a juntarse tras su rotundo éxito de 2013 con ‘La herida’. En esta ocasión nos acercan a una película con un verbo como título, la cual, nos arrastra a multitud de sustantivos: dolor, desesperación, dedicación, amor… Porque la película que han rodado resulta muy afectiva y cercana para con el espectador. Si vais al cine no os será difícil encontrar casos familiares entre los que tenéis al lado o entre las personas que conocéis.

‘Morir’ es una película de las que bien se pueden haber construido desde la observación cotidiana o de la escucha del prójimo. La situación vivida por los dos protagonistas está a la orden del día, pero no solo eso, está plasmada de tal manera que realmente la vivimos paso a paso. Y es cierto que se nota que los actores y el director le han puesto su alma pero también se percibe que de fondo está la obra de un escritor y médico, ya que se basa en una publicación homónima de Arthur Schnitzler. Un médico y dramaturgo que de estar vivo vería actualizado y traducido a la realidad uno de sus psicoanálisis sobre las etapas de la muerte y su efecto en una pareja. Por lo tanto cierta coherencia  y corrección científica tiene el filme.

Podemos sacar conclusiones personales pero es indiscutible que ‘Morir’ estampa en cada fotograma, de manera extremadamente realista y franca, un ejemplo sobre cómo puede trastocar la vida de una pareja una enfermedad terminal. Las decisiones que toma cada parte, las cosas que se hacen para evitar la marcha de los seres queridos, lo irremediable de la muerte, lo amargo de la situación para el enfermo pero también para quien soporta eso por amor y sin rechistar… Todas esas fases por las que nos hace pasar Franco nos hacen pensar en estos temas. El gran problema, o único error que cometen los artífices de la película es su monotonía. Resulta tan real que en ocasiones parece invariable, demasiado rutinaria. Además la narración no tiene sorpresas fuera de lo habitual por lo que la sensación de historia corriente se incrementa y se nos puede hacer más pesada la película.

Ese realismo que vivimos es debido a que tanto Marian Álvarez como Andrés Gertrudix alcanzan una verosimilitud de documental. Si morir es algo natural ellos hacen que sea algo igual para el espectador, un proceso que se vive realmente a través de la pantalla. De muestran el buen equipo que hacían tras el éxito de ‘La herida’. Y el filme se sujeta y vive en estas interpretaciones, sin ellas la película carecería de validez.

A pesar de momentos en los que la película languidece por su uniformidad no se echan en falta giros drásticos ni cambios de ritmo. Es de agradecer que con semejante tema tan sobrecogedor no se haya buscado ni la lágrima fácil, ni el momento desgarrador o ni el drama extremo.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2017. Título original: Morir. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Fernando Franco. Guión: Fernando Franco. Música: Maite Arrotajauregi. Fotografía: Santiago Racaj. Reparto principal: Marian Álvarez, Andrés Gertrudix, Iñigo Aranburu. Producción: Kowalski Films, Ferdydurke. Distribución: Ferdydurke Films. Género: drama. Web oficial: https://ferdydurke.net/portfolio/morir/

Crítica: ‘La Cabaña’

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Sinopsis

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Después de sufrir una tragedia familiar, Mack Phillips (Sam Worthington) cae en una profunda depresión que le lleva a cuestionar todas sus creencias. Sumido en una crisis de fe, recibe una enigmática carta donde un misterioso personaje le cita en una cabaña abandonada en lo más profundo de los bosques de Oregón. A pesar de sus dudas, Mack viaja a la cabaña, donde se encontrará con alguien inesperado. Este encuentro conducirá a Mack a enfrentarse a importantes verdades, que no solo transformarán su comprensión de la tragedia, sino que harán que su vida cambie para siempre.

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                               Crítica                               

Cuando la Fe se pierde, Dios llama a tu puerta.

Basada en la novela de William P. Young, ‘La cabaña’ nos trae una historia religiosa, una historia, bajo mi punto de vista, para un público especializado. Te explican mucho acerca de la religión cristiana, y esto puede hacer que resulte un tanto aburrida al ser una cinta de tan larga de duración.

Mack ha perdido a lo que más quería en el mundo, su niña pequeña le ha sido arrebatada de las manos por un asesino. Desquiciado por el dolor se encierra en su propio mundo y no ve nada más allá, hasta que un día recibe una carta misteriosa y le hace volver al lugar donde comenzó su bajada al infierno.

En el reparto encontramos a Sam Worthington dando vida al atormentado padre. Pero no solo el lleva el peso de la cinta, sino la oscarizada Octavia Spencer tiene un papel muy especial en la película.

Como he dicho, a la película le sobran minutos, nos trae una historia de superación, de intentar lograr que el dolor no destruya lo que queda de su familia. Una vez que avanza la segunda parte de la película es todo demasiado luminoso, pasa de ser triste y sin nada de esperanza, a ser demasiado optimista.

El tema central es la religión, pues realmente es de lo que va la cinta, el acercar al público la religión cristiana. En ella te explican lo que es el misterio de la Trinidad, el cómo acercándote a Dios todo va mejor, la búsqueda del perdón, o más bien, el aprender a perdonar, ya sea a una persona odiada, o a nosotros mismos. Es una película un tanto doctrinaria.

‘La cabaña’ va a gustar a muchos, sobre todo a gente cercana al cristianismo o a su manera de pensar. Pero también va a aburrir a otros tantos. Es una oda a la familia numerosa, a llevarse y querer a los vecinos, a ir todos los domingos a la Iglesia con las mejores galas, a tener el alma limpia para poder ser feliz y saber perdonar para lograr avanzar hacia la felicidad.

Demasiado tediosa para contar una historia que bien podría haber estado bien y ya no solo es tediosa por la religión, pues el que te expliquen un poco acerca de esta cultura no me parece mal, sino más bien, el cómo lo cuentan, que parece casi una clase para el colegio y además que es lo que he mencionado al comienzo, todo es demasiado triste y de repente en segundos todo cambia para pasar ser felicidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre 2017. Título original: The Shack. Duración: 132 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stuart Hazeldine. Guión: John Fusco, Andrew Lanham, Destin Daniel Cretton. Música: Aaron Zigman. Fotografía: Declan Quinn. Reparto principal: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Graham Greene, Megan Charpentier, Ryan Robbins, Gage Munroe, Jordyn Ashley Olson, Alice Braga, Sumire Matsubara, Avraham Aviv Alush, Lane Edwards, Carolyn Adair. Producción: Netter Productions. Distribución: eOne Films. Género: Religioso, drama. Web oficial: https://www.entertainmentone.com/home/ES/la-caba-a/

Crítica: ‘Una verdad muy incómoda: Ahora o Nunca’

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 Sinopsis

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Una década después de que el documental Una verdad incómoda (2006) divulgara la crisis del clima entre la cultura popular, llega secuela que pone de manifiesto lo cerca que estamos de una verdadera revolución de la energía. El exvicepresidente de Estados Unidos, Al Gore, continúa su incansable lucha, viajando por todo el mundo para influir en la política climática mundial en su lucha contra el cambio climático. Las cámaras le siguen entre bastidores, en su esfuerzo por materializar la idea de que, aunque nunca ha habido tanto en juego, los peligros del cambio climático se pueden superar mediante el ingenio y la pasión que atesora el ser humano.

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Crítica

Crítica y sincera así es ‘Una verdad incómoda: Ahora o Nunca’

Los directores Jon Shenk y Bonni Cohen han acompañado a Al Gore en esta continuación de ‘Una verdad incómoda’.

Esta cinta comienza con todas las trabas que se le puso a Al Gore después de presentar su primer documental, de las malas palabras hacia, después de tacharle de ser alarmista y crear un miedo innecesario a la humanidad.

Muchos jueces, políticos y gente de a pie negó con creces lo evidente y es que el cambio climático está aquí. Pues después de estas críticas se nos muestra como por ejemplo en Groenlandia el hielo está desapareciendo o todas las inundaciones que han hecho estragos en infinidades de ciudades del mundo, bueno y actualmente siguen haciéndolos.

El documental termina centrándose en la cumbre de París que se celebró en 2015. Los directores siguen a Al Gore en las distintas charlas y entrevistas que dio. Entre ellas la que iba a tener la noche del 13 de noviembre de ese año cuando sucedieron los atentados de la sala Bataclan.

El tema de los atentados lo introduce muy bien, pues por desgracia sirvió para unir a todos los mandatarios durante la cumbre, todos tenían un dolor tremendo y unas ganas enormes de arreglar el mundo de cualquier manera posible.

El documental sin duda es una manera para ensalzar a la figura de Al Gore, bueno, lo sé, al fin y al cabo es su documental, pero muchas veces se pasan de ponerle de héroe. Y quizá otro de los fallos, es un poco el desorden a la hora de montar toda la información que nos dan. Nos quieren enseñar muchos datos, mucha información para una hora y media. Realmente la información es interesante y lo único que veo que el desorden te hace perderte un poco.

Pero por supuesto no todo es malo, la información que nos da ayuda a darnos cuenta en la situación en la que estamos, de cómo estamos destruyendo el planeta, pero a la vez nos enseñan que hay mucha gente queriendo arreglar esto.

Eso sí, como en toda buena obra, como he dicho, tenemos un héroe, Al Gore, pero también tenemos al enemigo, al malo de la cinta, Donald Trump, la escena en la que aparece diciendo que Estados Unidos se marcha del pacto de París es tremenda, es un gran golpe para el medioambiente y realmente después que ves todo lo realizado, lo que costó la firma del pacto y que en un momento todo se vaya al garete da una pena inmensa.

Os recomiendo mucho ver ‘Una verdad muy incómoda: Ahora o Nunca’ y sobre todo darnos cuenta de que el planeta es lo que nos da la vida y le estamos quitando la suya. 

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2017. Título original: An Inconvenient Sequel: Truth to Power. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bonni Cohen, Jon Shenk. Música: Jeff Beal. Reparto principal: Al Gore. Producción: Participant Media. Distribución: Paramount Pictures. Género: Documental. Web oficial: http://inconvenientsequel.com/

Crítica: ‘Blade Runner 2049’

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 Sinopsis

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Escrita por Hampton Fancher y Michael Green, la película se sitúa varias décadas después de la original de 1982, continuando la historia inicial escrita por Fancher y David Peoples, basada en la novela de Philip K. Dick ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’

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Crítica

Visualmente es una maravilla, ‘Blade Runner 2049’ nos regala preciosas imágenes.

Siempre es complicado asimilar las segundas partes y más si es la segunda parte de ‘Blade Runner’ una de las grandes cintas de la historia del cine.

Realmente no puedo contar nada de la trama, porque cualquier cosa que cuente es spoiler, solo decir que han pasado 30 años desde que Deckard escapara. Nos volvemos a adentrar de nuevo en el futuro donde han ocurrido muchas cosas, entre ellas, que se han vuelto a permitir a los replicantes.

No voy a decir nada más, a partir de aquí hablaros de mis sensaciones. ‘Blade Runner 2049′ es una buena película, pero no la gran película que me esperaba. La trama la cuentan demasiado rápido para la duración de la cinta. Esto hace que la historia, que es muy buena, quede desaprovechada y deje insatisfecho al público sobre todo al dejarla tan abierta para una segunda parte.

La primera parte de la película es espectacular, llena de la esencia de la ‘Blade Runner’ de Ridley Scott, llena de cine negro, de ese ambiente noir, futurista y a la vez tan cargado de melancolía. Pero esto se pierde y ‘Blade Runner 2049′ se convierte en una película de ciencia ficción más. Para mí esto es un gran fallo pues lo bueno de la primera cinta es que no era una película más de ciencia ficción, sino que era una gran cinta de cine negro, futurista, si, pero era un gran homenaje al cine de detectives.

Supongo que esto se debe a que quieren atraer a un público más joven y hacer que disfruten de esta historia.

Pero bueno, no todos son pegas, el diseño de producción es buenísimo, los escenarios, vestuarios, están cuidadísimos al mínimo detalle. Se nota el cariño arrojado hacia todo.

Mencionar a Roger Deakins, encargado de la fotografía de la película, que sin duda en los próximos premios Oscar  tendría que ser recompensado. De lo mejor de la cinta.

La banda sonora deja mucho que desear, es verdad que lo tenían muy difícil, pero es muy inferior a la original. Eso sí el diseño de sonido está genial.

En cuanto al reparto está muy bien escogido. Nombrar a Harrison Ford el primero, que aunque salga poco nos trae algún momento divertido de viejo cascarrabias.

Para mí la gran sorpresa ha sido Ana de Armas, admito que me dio mucho pánico que la metieran dentro del elenco de la película, después de ver su papel en ‘Toc, toc’ no podía imaginar que iba a hacer aquí, pero estaba totalmente equivocada. Villeneuve le ha reglado un papel que ha aprovechado hasta el final. Joy, su personaje, es dulce, necesario, pues da un poco de relax para tanta tensión entre el resto de personajes. Sin duda Ana de Armas lo borda.

Jared Leto también aparece poco, pero lo mismo, lo poco que aparece es genial, nos muestra un personaje frío y sin sentimientos que lo único que quiere es seguir evolucionando.

El resto del elenco están en su salsa, el personaje de Ryan Gosling está hecho a su medida, soso y sin alma, pero ciertamente en esta cinta es necesario. Mencionar el corto cameo de Edward James Olmos y a Dave Bautista, esa fuerza bruta que nos regala una gran pelea nada más comenzar la película. Y para terminar con los actores una mención a Sylvia Hoeks, simplemente me ha encantado.

Denis Villeneuve sin duda va a dar que hablar. Quién sabe si no ocurre como ‘Blade Runner’ y con el tiempo se convierte en una película de culto. El tiempo lo dirá.

 Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre 2017. Título original: ‘Blade Runner 2049’ Duración: 152 min. País: Estados Unidos. Dirección: Denis Villeneuve. Guión: Hampton Fancher, Michael Green. Música: Jóhann Jóhannsson, Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch. Fotografía: Roger Deakins. Reparto principal: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Mackenzie Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Bautista, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Hiam Abbass, Edward James Olmos. Producción: Warner Bros. Pictures, Scott Free Productions, Alcon Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: Ciencia ficción. Web oficial: http://bladerunnermovie.com/

Crítica: ‘Tu mejor amigo’

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Sinopsis

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Adaptación del aclamado best seller de W. Bruce Cameron, TU MEJOR AMIGO cuenta la conmovedora y sorprendente historia de un perro muy fiel, que encuentra el sentido de su propia existencia a través de las vidas de los humanos a los que enseña a amar y reír.

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Crítica

Más reconfortante que Hachiko.

A la vista de que nos tenemos que llevar las manos a la cabeza ante noticias surgidas de actos tan abyectos como los sucedidos durante el huracán Irma contra los que por suerte un altruista, más humano y menos animal que el resto de sus vecinos, decidió salvar a los perros abandonados a la suerte de la tempestad vemos la necesidad de que surjan películas como ‘Tu mejor amigo’. Ahora que hemos pasado una época como el verano en la que siempre aparece el titular del abandono de perros porque sus dueños se van de vacaciones, comprendemos que aún en pleno siglo XXI existe una imperativa urgencia de cambiar el chip de la gente y hacerles sentirse más responsables por sus mascotas, aunque sea de manera paradójica pues en el filme que nos ocupa es el animal el que supuestamente busca el sentido de su existencia. No es mi intención cargar mi crítica de un discurso animalista, me gustaría más aprovechar para cargar contra nuestra supuesta civilización, pero me ceñiré a partir de ahora a lo cinematográfico pues la película tiene un mensaje bastante más positivo.

‘Tu mejor amigo’ es un viaje de descubrimiento visto desde la perspectiva de nuestras mascotas los perros. Esos animales a los que hemos hecho totalmente dependientes del hombre y que el director Lasse Hallström nos representa en muchas ocasiones con una cámara subjetiva que no me llega a convencer pues no uniformiza su uso. Irónicamente Hallström aunque pretenda abordar el tema desde una perspectiva optimista puede provocar auténticas lloreras a moco tendido en las salas de cine. Hay que prevenir y tener cuidado ya que ‘Tu mejor amigo’ no es una película amable, no es del mismo corte de otras películas caninas como ‘Beethoven’ o similares. No sé qué clasificación por edad le habrán dado pero a un niño muy pequeño le puede producir mucha congoja. Columbro que puede ser dura para los más jóvenes pues son múltiples las vidas por las que pasa nuestro canino protagonista y no se disimulan sus fallecimientos, el primero de ellos muy inmediato y tosco. Hallström hace un poco la de R.R. Martin, nos hace encariñarnos con los personajes para después arrebatárnoslos.

Aún así no llega a las cotas dramáticas de su famosa ‘Siempre a tu lado, Hachiko’, la película que protagonizó Richard Gere y a la que aquí se le rinde pleitesía de un modo un otro. Pero igualmente, aunque esté surgida de una novela también nos cuenta un buen puñado de historias reales, edulcoradas con bastante ñoñería, entre humanos y perros. Son casos que vemos día a día y que ha extraído de la obra escrita de W. Bruce Cameron. El mismo autor ha estado inmerso en el guión junto a otras cuatro personas. Un elenco un tanto excesivo para una película tan sumamente sencilla. El libreto está cargado de tópicos del cine de canes y de reencarnaciones pero aún así es capaz de ofrecer muchas experiencias vitales. Cargadas por supuesto tragedia y sensiblería que rápidamente es aderezada con comedia.  Un humor que casi siempre viene acompañado de la voz de Josh Gad. Espero que para el doblaje al castellano se haga un casting acorde pues es un punto importante de la película. Sin aparecer físicamente Gad es el más carismático y el que posee más personalidad en toda la película.

Está claro que la cinta está hecha para tocar la fibra de aquellos que tienen mascotas o aman a los animales, aunque Hallström emplea otros artificios artísticos que ya le hemos visto en obras como ‘Chocolat’ o ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’. Mientras pasamos de un perro a otro también lo hacemos por diferentes épocas por lo que también hay un buen trabajo de ambientación. Pero todo esto tiene un propósito que cierra el círculo de la película. Y ahí llegamos a un punto que a muchos se les escapa. ‘Tu mejor amigo’, polémicas del rodaje al margen, logra lo que gigantes como Disney hace tiempo dejaron de conseguir: lanzar un mensaje realmente sincero sin estar tan excesivamente amarrado a las cadenas de lo comercial y las franquicias.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2017. Título original: A Dog’s Purpose. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Lasse Hallström. Guión: Cathryn Michon, W. Bruce Cameron, Mark Sourian, Maya Forbes, Wally Wolodarsky. Música: Rachel Porman. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Britt Robertson, Dennis Quaid, Bryce Gheisar, Juliet Rylance, Luke Kirby, Josh Gad (voz), K.J. Apa, Peggy Lipton, John Ortiz, Gabrielle Rose, Michael Bofshever, Kirby Howell-Baptiste, Pooch Hall, Nicole LaPlaca, Peter Kelamis, Caroline Cave, Michael Patric, Naomi Frenette, Robert Mann. Producción: Universal, Amblin Entertainment, Pariah Entertainment Group, Pariah. Distribución: Tripictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.adogspurposemovie.com/

Crítica: ‘Operación Concha’

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 Sinopsis

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Marcos Ruiz de Aldazábal, un empresario sin escrúpulos, lidera una productora de cine que ha caído en bancarrota. Desesperado y sin dinero, Marcos y su equipo trazan un plan para engañaar a una inversora millonaria con un doble del prestigioso actor Ray Silvela, quien ha rechazado trabajar en su película. Aprovechando el contexto del Festival de Cine de San Sebastián, empieza la gran estafa donde nada es lo que parece.

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Crítica

Un guión fallido para una película sencilla.

El viernes 29 se estrena ‘Operación Concha’ de Antonio Cuadri. Una película sencilla y sin más pretensiones que hacérnoslo pasar bien contándonos una historia sobre los bajos fondos del cine, donde todo parece bonito, pero no lo es. Donde se nos muestra lo complicado de sacar una película.

Realmente no iba con demasiadas expectativas para esta película y tampoco he salido encantada de ella. La cinta se ve realizada con mucho cariño hacia el cine de estafas que tanto se hacía antiguamente. Me falla el guión, le sobran demasiadas gracias sin sentido intentando dar más hincapié a la comedia, cuando realmente no le hace falta. Esto hace que muchas veces te saquen de las conversaciones de los personajes y al final te pierdes parte de la acción. Además de que ya te ves venir a mitad de la película todo el desarrollo siguiente e incluso el final.

Pero por supuesto no todo es malo, la cinta está rodada en San Sebastián y la trama nos lleva al famosos festival de la ciudad, donde un productor, un director de poca monta y un contable con ganas de venganza deciden montar una estafa y lograr conseguir el dinero de una viuda rica y borracha.

Sí, aquí es donde entra Jordi Mollà pues sin él no puede llevarse a cabo la estafa, aquí el actor lo da todo con dos papeles estupendos y que sin duda borda. Creo recordar, corregidme si me equivoco, que desde ‘Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí’ el actor no había vuelto a animarse con la comedia y pienso que es un gran error, pues aquí vuelve a demostrar una vez más lo bien que se le da.

El resto de actores están estupendos, pero por supuesto tengo que mencionar al gran Karra Elejalde, que está fabuloso en sus momentos exagerados y sus momentos dramáticos. Y mencionar también a Mara Escalante, la actriz mexicana que está estupenda regalándonos el papel de viuda rica y sobre todo borracha.

Eso sí, lo que he echado de menos es haber visto mas cameos en la película, me ha encantado ver a Fernando Colomo nada mas comenzar, pero me esperaba mucho más actor o actriz por la cinta.

Además añado que la película está muy bien rodada, tenemos escenas de fugas, persecuciones, vemos también escenas donde los trapicheos y las estafas comienzan a darse forma. La fotografía y la música también son dignas de nombrar, dando mucha fuerza a toda la historia.

‘Operación Concha’ no es de lo mejor del año, pero tampoco creo que pretendiera serlo, es sencilla, tiene una buena historia de estafas y un gran reparto, entretenida sin más, sí, pero muchas veces esto es suficiente. 

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre 2017. Título original: Operación Concha. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Antonio Cuadri. Guión: Antonio Cuadri y Patxo Tellería. Música: Dario González Valderrama. Fotografía: Josu Incháustegui. Reparto principal: Jordi Mollà, Karra Elejalde, Unax Ugalde, Bárbara Goenaga, Ramón Aguirre, Alosian Vivancos, Mara Escante, Bárbara Mori, Eneko Arcas, Fernando Colomo. Producción: ETB, Abra Producciones, Miramar Media Entertainment. Distribución: Filmax. Género: Acción, comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/operacion-concha.75

Hemos visto el documental ‘I am Heath Ledger’

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Documental tras casi 10 años de su muerte.

El próximo miércoles 4 de octubre a las 22h podrá verse en Movistar Estrenos el documental ‘I am Heath Ledger’ y para aquellos que no puedan estar frente a su televisor en ese momento estará disponible en vídeo bajo demanda. Pero hemos tenido la suerte de ver de manera anticipada el documental que recorre la carrera del actor, casi una década después de su fallecimiento.

La filmación supone un viaje narrado de manera lineal a través de su carrera mostrando cómo consiguió papeles, qué supusieron para él, anécdotas, problemas que tuvo… Pero también se muestra el punto de vista, la perspectiva de aquellos que le conocían tanto personal como profesionalmente. Supone ver por lo tanto algunos testimonios desgarradores, chascarrillos, curiosidades… Entre los entrevistados tenemos a familiares, amigos (íntimos, famosos o no), nombres como Ben Harper, Matt Amato, Naomi Watts, Ben Mendelsohn, Ang Lee, Djimon Hounsou…

El reportaje de hora y media dirigido por Adrian Buitenhuis (‘Fancing’) y Derik Murray (‘I am Bruce Lee’) deja clara la energía y creatividad apabullante del actor, hace mucho énfasis en ello. Si buscáis el morbo de obtener más detalles acerca de su muerte no es el documento que esperáis. Si se trata ese momento de su historia, por supuesto, es algo que le ha elevado al nivel de mito del cine, pero lo que se muestra es el testimonio de familiares y amigos que cuentan como recibieron la noticia o qué supuso para ellos, nada más.

Los fragmentos más valiosos son los vídeos que están grabados personalmente por él mismo, por Heath Ledger. Proceden desde la época en la que empezó con sus primeras películas, antes de que existiesen los stories de instagram, hasta momentos en los que ensayaba su grandioso papel del Joker de Nolan. Como dice la modelo Christina Cauchi «lo documentaba todo».

Mitificado o no el documental deja claro que es alguien que hizo historia en el cine y que apuntaba a ser un artista de cabo a rabo, tanto delante como detrás de las cámaras. Nos perdimos un cineasta de los grandes señores.

Crítica: ‘La llamada’

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Sinopsis

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Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.

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Crítica

Un elenco que lo borda con una destacada Belén Cuesta y una música que cataliza a sus personajes.

Monjas, adolescentes, campamento de verano… Sin saber nada de la película y sin haber visto previamente el musical uno pensaría que iba a ver una película mojigata de Disney. Y es que ‘La llamada’ tiene los ingredientes para ello. Luego una vez que empiezas la película vas olvidando de forma gradual esos «prejuicios» que tenías en un principio en pos de una entretenida película donde se mezclan temas como la religión, las drogas, la sexualidad y el amor, la búsqueda de una identidad propia y con la música como vía expresiva de todo ello, como elemento catalizador en cada personaje.

Así que me voy encontrando con una historia que gira alrededor de cuatro protagonistas, un par de monjas y un par de adolescentes en edad difícil, amantes del electro latino o como se quiera llamar a ese tipo de música, y además con aspiraciones musicales, o más bien sueños, de triunfar con su propio grupo.

Pero pronto veo que la vida de María se ve alterada a través de canciones de la gran Whitney Houston. Digámoslo de alguna manera que son esa “llamada” a la que alude el título de la película. Y aquí empieza el lío.

No me gusta destripar las películas, y aquí no va a ser una excepción. Me gusta hablar de sensaciones y ‘La llamada’ me las ha dado en su mayor parte positivas. El elenco principal lo borda en sus papeles. Quizá los que la vayáis a ver os quedéis con dos de las actrices:

Belén Cuesta: que destaca por la candidez, bondad y lo entrañable de su personaje, además de una vis cómica genial, interpretando a la hermana Milagros.

Anna Castillo: pone personalidad y fuerza a su personaje de Susana, y brilla con luz propia en el filme.

Yo personalmente me quedo con Belén, que queréis que os diga, me encanta esta chica. Diciendo esto no quiero desmerecer para nada el trabajo de Macarena García como María (quien le quiera ver la conexión a través del nombre del personaje es libre de interpretarlo) y Gracia Olaya (Sor Bernarda) la monja en teoría «mala» que viene a ser un sargento tipo ‘Oficial y caballero’ o de la guardia civil pero que pronto se nos descubre su verdadera personalidad intentando buscar la unión espiritual a través de unos métodos musicales un poco pasados de moda.

Y es que ‘La llamada’ va de una búsqueda interior para las cuatro, una búsqueda que tiene como objetivo dar un nuevo sentido a sus vidas viéndose arrastradas en cierta manera por el devenir de los acontecimientos, unos hechos que van a despertar en ellas cosas que desconocían y que van a requerirles un acto de fe y valentía para poder alcanzarlas.

A mí como espectador me ha dado momentos de risas sobre todo en esos diálogos entre las protagonistas, aunque debo reconocer que me hubiera gustado un poco más de desarrollo para Sor Bernarda, para mí el personaje más flojo del guión. Tampoco aconsejo buscarle sentido al reggaeton mezclado con monjas, algo de drogas, un poco de amor, pasando por Whitney Houston y terminando en Dios. De hecho, es mejor abrazarlo todo y dejarte llevar por una comedia fresca que no se queda solo en eso, con un final que no dejará satisfecho a todo el mundo aunque para semejante batido, seguro que no es el menos adecuado ni mucho menos.

Al final no sé si el mojigato soy yo, o la película, pero siempre que te preguntas cosas cuando sales del cine no es mala señal. Yo he pasado un rato muy agradable y me pregunté por qué no conocía a Belén Cuesta y le doy las gracias a ‘Sister act’, ‘El guardaespaldas’ y al equipo de esta película por ello, que gracias a sus actrices hace que cualquier cosa cobre sentido.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La llamada. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Guión: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Música: Leiva. Fotografía: Migue Amoedo. Reparto principal: Anna Castillo, Belén Cuesta, Esti Quesada, Gracia Olayo, Macarena García, María Isabel Díaz, Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Producción: Apache Films, Sábado Películas, Tve. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, musical, adaptación. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/la-llamada

Crítica: ‘madre!’

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Sinopsis

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La relación de una pareja se pone a prueba cuando unos invitados, no invitados, llegan a su casa, interrumpiendo su tranquila existencia. Del cineasta Darren Aronofsky (‘Cisne Negro’, ‘Requiem por un sueño’), ‘Madre!’ llega con las estrellas Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris y Michelle Pfeiffer en este fascinante thriller psicológico sobre amor, devoción y sacrificio.

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Crítica

Aronofsky se sale de las representaciones tradicionales.

El cine es arte y el arte es un medio a través del cual manifestamos o recibimos por parte de otros inquietudes, miedos, sentimientos, ideas… me parece exacerbante que un mindundi como yo tenga que recordar esto a estas alturas debido a la gran cantidad de reprimendas y rechazo que está recibiendo Darren Aronofsky dada a la división de opiniones que ha generado ‘madre!’. Si una filmación ha sido tan cuestionada, tan debatida, tan deliberada… tras su paso por festivales es que se ha ganado el calificativo de obra de arte. Ojo, que no estoy diciendo obra maestra, si no de arte, aún no he comenzado con ninguna crítica ni juicio de valor.

Efectivamente ‘madre!’ es de esas películas de las que sales meditabundo. Pero no como en otras obras de Aronofsky, como pudo ser ‘Réquiem por un sueño’ que por su final, drama o ruptura acababas impactado. Más bien fascina por el entramado de metáforas (pronosticadas por los carteles) y mensajes que ha elaborado. Estas no son difíciles de desvelar pero si son interesantes de ir descubriendo y si alguien no está atento a las primeras claves puede tener una gran sensación de desconcierto para el resto de la película. Porque en ‘madre!’ tiene importancia hasta que la «m» del título esté en minúscula. Fijaos que no se menciona ni un solo nombre propio en todo el filme y eso es un logro ya que resulta extremadamente complicado recrear escenas cotidianas, navegar por historias a priori ordinarias sin caer en convencionalismos y tópicos sociales que te obliguen a usar sustantivos.

En ‘madre!’ cabe una visión rápida y localizada de la historia y la psique humana, bastante cargada de simbolismo y alegorías, pero decir eso es quedarse corto. Siempre advierto, no sea que ponga el circo y me crezcan los enanos, que lo que explico a continuación se puede considerar spoiler, aunque es más mi interpretación de la película que lo que sucede en ella. Su lectura más clara es la que se carga los estándares y sitúa a Javier Bardem como un dios cristiano más pendiente de sus hijos humanos que de su pareja, Jennifer Lawrence, la cual, es co-artífice de su creación como madre naturaleza. Ambos cohabitan en la Tierra que es la casa con la que ella está en comunión y cuyo pálpito siente. Es un concepto que puede recordar a la serie recién estrenada  ‘American Gods’ pero que aquí está tratado de un modo más pulcro. Por lo tanto vivimos durante la película escenas harto conocidas aunque disimuladas de la Biblia que no voy a relatar, pero es ahí donde veréis claras las señales que os comentaba.

Curiosamente otra de las lecturas que se puede hacer del largometraje guarda una estrechísima relación con un título que dentro de poco Paramount Pictures también pondrá en nuestras carteleras ‘Una verdad muy incómoda: ahora o nunca’. Darren Aronofsky nos lanza un alegato ecologista en toda regla. Acusa al ser humano, incluyéndose a él,  espero, de egoísta. Como criatura de este planeta le dan la mano y se toma el brazo. A sabiendas de que su creador tiene que atender otros asuntos demanda toda su atención, conocedores de que su entorno tiene unos límites lo explota al máximo… Aronofsky llega a agobiarnos incluso tratando también el tema de la sobrepoblación y otros inconvenientes sociales. El ritmo de la cinta se acelera según se ha apresurado el transcurso del progreso de las civilizaciones modernas.

Pululan varios actores por el único escenario de la película pero obviamente son dos los principales protagonistas. En primer lugar Jennifer Lawrence me ha parecido lo más seria, centrada en su personaje y asentada que he visto nunca, mucho más que en ‘Joy’ y por esa película estuvo bastante nominada/premiada. Bardem da una clase magistral de interpretación y os voy a decir porque. Es muy difícil controlar los matices de un personaje que juega al despiste como el suyo, que ha sido tan tratado en la historia del cine y que maneja de forma tan inusual y nunca vista, con un estilo tan moderadamente contenido pero a la vez omnipresente.

Desde luego ‘madre!’ es una cinta incómoda, no de terror como muchos la han tachado. Requiere toda nuestra atención, son dos horas de incertidumbre y enigmas que personalmente he disfrutado y atesorado. Lo único que puedo apuntar ya es la frase que decía Mr. T en su canción: «Madre no hay otra, a si es que trátala bien».

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: mother! Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: Darren Aronofsky. Guión: Darren Aronofsky. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson, Kristen Wiig, Brian Gleeson, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca, Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson, Xiao Sun. Producción: Protozoa Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.mothermovie.com/

Crítica: ‘La Cordillera’

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Sinopsis

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La Cordillera se desarrolla durante una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región. Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios, y deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija; por otro, la decisión política más importante de su carrera.

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Crítica

Para subir a esta cordillera no hay atajos, solo rodeos llenos de confusas señales.

Desconociendo las anteriores películas del director argentino Santiago Mitre he de decir que me ha parecido que, por lo menos en ‘La cordillera’, es un artista que se recrea mucho en conseguir reproducir los ornamentos del tipo de cine que rueda. No obstante si es capaz de captar el interés del espectador. En esta ocasión emplea dos armas: la trama política y la íntima.

Y es que ‘La cordillera’ es un thriller político en el que se va más allá de la charlatanería de presidentes petulantes y de los tejemanejes diplomáticos. Se busca ahondar en el aspecto personal de un presidente de toda una república pero se hace de manera errática, confusa, tanto para él personaje principal como para el espectador. Las intenciones de Mitre y su coguionista Mariano Llinás no son para nada translúcidas, al igual que en la política las pretensiones están como tapadas con una cortina de humo.

Mitre ha querido dar mucho peso a muchos pesos iberoamericanos y todos ellos mientras han estado girando en torno a Darín. A saber: Dolores Fonzi, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Erica Rivas, Alfredo Castro, Gerardo Romano, Leonardo Franco… Incluso se permite el fichaje de un Christian Slater que cuando hace acto de presencia parece que va a desatascar la cinta, pero no… Esa intención ha hecho que su guión abra varios frentes y posteriormente no los cierre con claridad o satisfactoriamente, o dicho de otro modo, sin conectarlos debidamente. Incorpora multitud de factores y piezas que al final de la cinta no terminan de saberse si son mero atrezo o esconden algún profundo enigma.

Ricardo Darín y Dolores Fonzi coinciden de nuevo tras haber trabajado juntos en ‘Truman’ y aunque aquí su interacción es diferente, si que se nota cierta complicidad entre ambos. Las escenas que protagonizan juntos generan cierta intriga, son de lo más salvable del filme, pero a su vez también son las más desconcertantes. Introducen aún más suspense, incluso llegando a rozar lo surrealista sacándonos totalmente de lo que venía siendo la película. La cuestión es que algo de lo que sucede entre ellos se deja en parte pendiente y por eso no le encuentro motivos para dedicarle tanto tiempo de metraje.

En lo técnico, en el plano fotográfico, musical y del sonido, ‘La cordillera’ es mucho mejor. Pero esto son solo distracciones baladís, no vienen al caso, sirven de interludio, no de soporte argumental e incluso en ocasiones de relleno.

Lo que en principio parecía que iba a ser una narración perfectamente comprensible se convierte en un galimatías de intenciones. Tanto talento no logra suplir una película que acto a acto se va enrareciendo.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La cordillera. Duración: 114 min. País: Argentina. Dirección: Santiago Mitre. Guión: Santiago Mitre, Mariano Llinás. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Javier Juliá. Reparto principal: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Paulina García, Alfredo Castro, Daniel Giménez Cacho, Elena Anaya, Leonardo Franco, Christian Slater. Producción: Kramer, Sigman Films, La Unión de los Ríos, Telefé, Telefonica Studios, Maneki Films, Mod Producciones. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: intriga, drama. Web oficial: https://www.warnerbros.es/la-cordillera

Crítica: ‘Nosotros en la noche’

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 Sinopsis

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Basada en la novela de Kent Haruf y adaptada por Scott Neustadter y Michael H. Weber (Bajo la misma estrella), Nosotros en la noche se desarrolla en Colorado y comienza cuando Addie Moore (Jane Fonda) le hace una visita sorpresa a su vecino Louis Waters (Robert Redford). Su esposo falleció hace años al igual que su mujer y, a pesar de vivir en un pequeño pueblo y ser vecinos desde hace décadas, mantenían poco contacto. Sus hijos viven lejos y se ven obligados a vivir solos, pero ella quiere entablar una relación y aprovechar al máximo el tiempo que les queda.

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Crítica

Película sencilla que nos muestra la soledad desde el punto de vista de nuestros mayores.

De los guionistas de los éxitos ‘Bajo la misma estrella’,  ‘Ciudades de Papel’ o de la esperada ‘The Disaster Artist’, Scott Neustadter y Michael H. Weber nos cuentan una historia de amor, basada en la novela de Ken Haruf, pero más que de amor, de la necesidad de compañía y cariño, para sobrellevar la soledad de nuestras vidas.

Ritesh Batra, el director de la cinta, reune de nuevo a Robert Redford y Jane Fonda dos ancianos viudos que viven solos, sus familias están lejos y no tienen nada de compañía.

Addie (Jane Fonda) decide pasar a hablar con su vecino Louis  (Robert Reford) y comentarle lo bien que les vendría el dormir juntos, él tiene problemas de insomnio y ella echa en falta las conversaciones de cama típicas de cuando  su marido estaba en casa.

A partir de aquí, la historia como he dicho es muy sencilla, no tiene complicaciones, nos muestra la vida tal como es y como dos personas, con el único gesto de dormir en la misma cama, rehacen sus vidas poco a poco.

La película es bastante austera, sin grandes actuaciones, supongo que la historia tampoco lo pide, pero no sé, quizá algo de emoción no le hubiera venido mal. La nota sobresaliente la pone un joven Iain Armitage, el cual hace honor al personaje que le han asignado, Sheldon Cooper, hay una escena con trenes que sin duda recuerda a este último personaje.

La película me ha parecido bastante larga para lo que cuenta, sí que es cierto que también nos comentan los problemas familiares de ambos y de cómo muchas veces los hijos no ven bien que sus padres rehagan su vida con otra persona, ese papel lo representa perfectamente Matthias Schoenaerts.

Una de las cosas que menos me ha gustado, ha sido el tema de lo maquillada que aparecía Jane Fonda y de las pelucas tan sumamente repeinadas. Es solo una opinión personal, pero realmente me quitaba credibilidad a la historia de una anciana deprimida y sola.

En el trabajo técnico lo único que destacar la fotografía, sencilla, sí, pero te muestra los detalles de la vida en Estados Unidos, las casas y las carreteras interminables.

‘Nosotros en la noche’ se estrena el 29 de septiembre en Netflix, una película para la sobremesa.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre. Título original: Our Souls at Night. Duración: 101 minutos. País: Estados Unidos. Dirección: Ritesh Batra. Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber. Música: Elliot Goldenthal. Fotografía: Stephen Goldblatt. Reparto principal: Jane Fonda, Robert Redford, Bruce Dern, Matthias Schoenaerts, Judy Greer, Iain Armitage. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Romance. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80104068

Crítica: ‘Kingsman: El círculo de oro’

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Sinopsis

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‘Kingsman: Servicio secreto’, presentó al mundo a Kingsman, una agencia de inteligencia internacional e independiente que trabaja con la máxima discreción, y cuyo objetivo final es mantener el mundo seguro. En ‘Kingsman: El círculo de oro’, nuestros héroes se enfrentan a un nuevo reto. Cuando su cuartel general es destruido y el mundo está en peligro, sus andanzas les llevan al descubrimiento de una organización de espionaje aliada en EE.UU. llamada Statesman, cuyo origen se remonta a la fecha en que ambas fueron fundadas. En una nueva aventura que pone a prueba la fuerza y el ingenio de sus agentes hasta el último extremo, ambas organizaciones secretas de élite aúnan sus esfuerzos para derrotar a un implacable enemigo común, con el fin de salvar al mundo, algo que está convirtiéndose en una especie de hábito para Eggsy…

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Crítica

Todo sabe mejor cogido a lazo.

A medida que ciertas generaciones se van haciendo con el control de la industria cinematográfica y otras dictan los hábitos de consumo que rigen el mercado se va imponiendo un tipo de cine u otro en las carteleras. Si hace décadas se viesen películas como ‘Kick-Ass’ o ‘Kingsman’ se habrían calificado de groseras e incluso de gore. Pero ahora el público que manda es uno más insensibilizado y se va normalizando este tipo de entretenimiento y por suerte directores o productores como Matthew Vaughn nos pueden regalar semejantes adaptaciones, porque no olvidemos que las películas de los «hombres del rey» salen de unos cómics de Dave Gibbons y Mark Millar. Y es curioso porque las generaciones actuales no es que encajen precisamente con la caballerosidad que predican los Kingsman.

En ‘El circulo de oro’ volvemos a contar con el protagonismo de Taron Egerton. ¿Qué decir de este joven actor inglés? Sinceramente, le va mucho más la comedia que el cine serio. Ya lo demostró en ‘Eddie el Águila’, aunque esa película tuviese su sabor agridulce. La acción no se le da nada mal, de momento es joven y está en forma, pero debería trabajar aún su calidad dramática. Veremos si no queda eclipsado cuando tenga que dar la talla entre tanta estrella en películas como ‘Robin Hood’, aunque sinceramente, espero verle de nuevo como Eggsy, todo puede ser.

Tanto el diseño de producción, las características de sus personajes, el ritmo, el guión… en general la película es muy comiquera, incluso su banda sonora tiene acordes que recuerdan a los de Los Vengadores. No he leído la obra original, lo cual no es habitual en mi en estos casos, a si es que desconozco si es fiel. Pero si puedo asegurar que el carácter de la película si es muy de viñetas, todo muy bizarro. Está dotada de toda la parafernalia de un universo ilustrado. La primera parte ya era consciente de su carácter fantástico, cómico, gamberro y de ciencia ficción y esta incluso se supera en ese sentido. Por lo que esperaos encontrar alguna incoherencia o soluciones pilladas por los pelos pues este tipo de películas se permite esas licencias. ‘Kingsman: El círculo de oro’ no es una película que deje poso u os haga pensar, nadie cree eso ¿verdad? Es puro divertimento basado en acción y humor, todo encadenado por una trama de agentes secretos y villanos que quieren dominar el planeta. Así pues este nuevo Kingsman podrá remontarnos a ese James Bond que salva in extremis al mundo, pero con tanta parafernalia, humor e incluso excentricidad que se suele aproximar incluso al Austin Powers más paródico. Su dinamismo le da también mucho sabor a videojuego, donde el último «boss», encubierto por cierto, nos regala una brillantísima escena final. Quizá no se alcanza el climax y la vistosidad de ‘Servicio secreto’ pero si se llega a un dinamismo mayor.

Si os pareció carismático y peculiar el papel de villano de Samuel L. Jackson en ‘Kingsman: Servicio secreto’ esperad a ver a Julianne Moore. Se ha transformado en una reina narcótica anclada en los cincuenta y por si fuese poco tiene a su merced un buen repertorio de juguetes y un singular hogar. Todo muy extravagante. Las incorporaciones que gana y los personajes que hereda este largometraje de la anterior entrega no hacen más que ampliar un universo que ya huele a trilogía. ¡Hasta Elton John se ha subido a este repertorio de locura y de lo encarnizadamente gracioso! Pero no es el único pasado de rosca, otros actores más acostumbrados a comedias y disparates se han unido: Jeff Bridges, Halle Berry, Channing Tatum… Pero sin duda a quien más considero que le pega el tono de la película y que además es un actor que está en boca de todos es Pedro Pascal. Como reza mi titular y dicen en otra producción de la Fox, todo sabe mejor cogido a lazo.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de septimbre de 2017. Título original: Kingsman: The Golden Circle. Duración: 141min. País: Reino Unido. Dirección: Matthew Vaughn. Guión: Matthew Vaughn, Jane Goldman. Música: Henry Jackman, Matthew Margeson. Fotografía: George Richmond. Reparto principal: Taron Egerton, Colin Firth, Sophie Cookson, Channing Tatum, Pedro Pascal, Halle Berry, Mark Strong, Julianne Moore, Jeff Bridges, Poppy Delevingne, Elton John. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Marv Films, TSG Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, acción. Web oficial: http://www.kingsmanelcirculodeoro.es/

Crítica: ‘La historia del amor’

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Sinopsis

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Nueva York, s. XXI. Leo, un inmigrante judío polaco, vive con el recuerdo del gran amor de su vida. Pese a su dolorosa historia, vive alegremente gracias su díscola relación con su mejor amigo, Bruno. Al otro lado de la ciudad, Alma, una adolescente llena de vitalidad, encuentra el amor por primera vez y está decidida a encontrar al hombre ideal para que su madre vuelva a casarse.

Nada parece vincular al viejo Leo y a la joven Alma. Sin embargo, desde la Polonia de los años 30 hasta el Central Park de la actualidad, el manuscrito de un libro llamado ‘La Historia Del Amor’ viajará a través del tiempo para unir sus destinos.

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Crítica

Menos grandilocuente y mucho más melosa de lo esperado.

Radu Mihaileanu y Marcia Romano han escrito una película en la que plasman distintos tipos y etapas del amor. Pero no es lo único en lo que quieren abarcar más de lo que pueden, pues han procurado crear una película universal, un filme que abarca excesivos clichés y que nos pide mucha más atención de la que en realidad necesita. Desconozco si la novela homónima de Nicole Krauss tiene las pretensiones y la envergadura de la película pero con un libro te marcas tu los ritmos, tal vez tanto director como guionista tendrían que haber intentando ser menos fieles a la obra, aunque tampoco es tan extensa, posee tan solo 288 páginas.

Cautiva mucho a priori el largometraje: su premisa, su fotografía, su reparto… incluso sus primeras palabras parecen sacadas de un cuento moderno, como si las hubiese escrito Patrick Rothfuss para su famosa trilogía del Asesino de Reyes. Pero lo que nos engatusa es su historia en líneas generales, no el modo de tratarla. Se puede dividir la película en tres partes, mezcladas entre sí y montadas alborotadamente a modo de puzle. Una de ellas está descolgada en el tiempo y nos la van desgranando a modo de flashbacks narraciones que nos van llegando según se desvelan párrafos de ‘La historia del amor’. Son esos fragmentos del pasado los más plomizos debidos a su sensiblería y espeso romanticismo. Las otras dos fracciones suceden en la actualidad y se reparten entre el protagonista encarnado en su ancianidad por Derek Jacobi y por la poco carismática Sophie Nélisse (‘La ladrona de libros’), quien vuelve a tener oportunidad de actuar relacionándose con obras escritas pero con un trabajo mucho más desatinado. Las escenas de Jacobi nos dan la vida pues resultan ser las más vivarachas y con personalidad, las que nos aportan algo de frescura. Sin embargo el guión que le ha correspondido a Nélisse no se sale de los tópicos del cine romántico adolescente.

Si resumimos ‘La historia del amor’ se queda en una narración de casualidades, no de situaciones, ya que esta no es una sitcom romántica. Posee algo de comedia pero es para aligerar el drama. Se construye a base de cierto cúmulo de azares o eventualidades que van acercando a los protagonistas. El caso es que Radu Mihaileanu nos sobrecarga demasiado por el camino con desmesurado romance, dotado de inverosimilitud, con tintes excesivamente telenovelescos. La duración de la película además es exorbitante para su tono y digerir algo tan dulce durante tanto tiempo puede hacerse muy pesado para estómagos poco preparados.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de septiembre de 2017. Título original: The history of love. Duración: 134 min. País: Francia. Dirección: Radu Mihaileanu. Guión: Radu Mihaileanu, Marcia Romano. Música: Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailand. Reparto principal: Derek Jacobi, Sophie Nelisse, Gemma Arterton, Elliott Gould. Producción:  2.4.7. Films, Oï Oï Oï Productions, Caramel Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, fantástico, romance, adaptación. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/la-historia-del-amor/

Crítica: ‘Jacques’

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Sinopsis

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1948. Jacques Cousteau (Lambert Wilson) y su esposa (Audrey Tautou) deciden lanzarse a la aventura y cumplir el sueño de Jacques de recorrer los océanos e investigar lo inexplorado, el mundo submarino.

Este trayecto, a bordo del Calypso, se convertirá en la odisea de toda una vida dedicada a la ciencia, la fama y la televisión, que convertirá a Cousteau en todo un mito y lo llevará a auténticos paraísos remotos. Pero la de Cousteau es una historia de luces y sombras, también marcada con los conflictos de Jacques con su pareja y sus hijos Philippe (Pierre Niney) y Jean-Michel y por la terrible tragedia que los golpearía unos años después.

Cousteau descubrió un nuevo mundo, llega el momento de descubrirlo a él.

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Crítica

Un esfuerzo por humanizar al símbolo de las cruzadas ecologistas modernas.

Todos aquellos que crecieron fantaseando con los portentos, las ocurrencias y los descubrimientos que Cousteau fue trayendo al mundo, o simplemente aquellos que fuimos viendo, como yo, sus documentales en La2 ahora podremos descubrir una nueva cara del investigador francés. Pero esta fachada es diferente a la que podíamos imaginar, al menos así ha procurado que sea el director Jérôme Salle.

Ya en los inicios del filme vemos asombrosas y bellísimas imágenes. ‘Jacques’ es capaz de deleitarnos desde el mismo momento en que arranca con estampas familiares en las cuales enseña a sus hijos a manejarse bajo el agua y así continúa hasta que llega en sus compases finales a tomar conciencia en la Antártida de que hay que proteger el planeta. Pero para llegar a esto hay todo un viaje en el que pasamos por todo un sin fin de localizaciones por las que se han movido Jérôme Salle y su equipo y en ese periplo nos deleitan la vista casi de igual modo que Cousteau deleito a la gente en su época. Incluso el barco en el que navegaba, el Calipso, el que fue el hogar de su esposa Simmone Cousteau (interpretada por Audrey Tautou) nos ofrece bucólicos momentos. Este goce visual es uno de los mayores recreos de la película, pero no su única función.

La película se basa mucho más en escarbar en los conflictos familiares, centrándose sobre todo en la disputa continua entre padre e hijo, en la que existía entre Philippe (interpretado por Pierre Niney en su etapa más adulta) y Jacques (muy bien encarnado por Lambert Wilson). Antepone esto a su consabida fama como explorador y documentalista. El acierto es que no se cae en el sensacionalismo, haciendo uso de la famosa delicadeza francesa o pecando de ser excesivamente prudente ya que tal vez se ha pasado de comedido.  Por lo menos no se pierde de vista la perspectiva histórica y la progresión de los descubrimientos y la carrera del famoso cinematógrafo.  Este hombre que en su día podía ser considerado tanto visionario como extravagante al ser inventor pero a su vez concebir ideas como la colonización de los mares fue un personaje muy popular, incluso una estrella, con todo lo que ello rodea: rumores, verdades, secretos… Jérôme Salle ha investigado lo suyo y nos lo expone de manera  prudente, pidiendo ayuda a buenos actores como Lambert Wilson, Audrey Tautou o Pierre Niney que también han sabido interpretar el enfoque del director.

Obviamente y leyendo la frase que acompaña el cartel de la película («Quería conquistar los océanos… cuando sólo tenía que protegerlos.») nos habla del cuidado del medio ambiente. No es el principal foco de la película pero era algo inevitable tratándose de Jacques Cousteau. Sus imágenes hablan por sí solas. Si lo que ves en pantalla no te impulsa a proteger tu entorno es que no aprecias tu hogar. Lo deja caer y habría estado bien haber explorado más la idea, por hurgar en la ironía, pero si se menciona que por entonces nadie compraba cine que hablase de ecología, y ahora que hemos visto las orejas al lobo sí, ‘Jacques’ podría ser un claro ejemplo.

El trabajo de maquillaje también es digno de mención. En el caso de Lambert Wilson es obvio que se han centrado más siendo el protagonista. Le han envejecido bastante eficazmente, habiendo adelgazado este bastante para aproximarse a la languidez del marinero. Pero con Audrey Tautou también se han aplicado a fondo, haciendo que ella vaya decayendo, procurando que su rostro se vaya descascarillando de igual manera que lo iba haciendo su amado Calipso.

El ritmo del filme nos hace navegar de un modo bastante ágil. Parece que pasa excesivamente rápido por la juventud de Cousteau, que la película vaya a dejarse cosas. Pero el tramo en el que presta más atención es el que tiene más sustancia. Aunque como he dicho antes da la sensación de que se pasa a propósito ciertas partes en las que no profundiza adrede o no quiere entrar al trapo, olvida ciertos aspectos escabrosos. Al fin y al cabo esto no es prensa amarilla.

La obra de Cousteau para con el planeta igualmente permanecerá inamovible, sus palabras y sus actos siguen teniendo validez. Esta película no debería cambiar un ápice de eso, viene a demostrar que fue una persona con luces y sombras, como otra cualquiera. Por lo tanto se puede tomar este trabajo como un esfuerzo por humanizar al símbolo de las cruzadas ecologistas modernas.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: L’Odyssée. Duración: 122 min. País: Francia. Dirección: Jérôme Salle. Guión: Jérôme Salle,  Laurent Turner. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Matias Boucard. Reparto principal: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras. Producción: Fidélité Films, Pan Européenne, TF1 Films Production. Distribución: VerCine Distribución. Género: drama, biopic. Web oficial: http://www.lodyssee-lefilm.com/

Crítica: ‘Hotel Cambridge’

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Sinopsis

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‘Hotel Cambridge’ cuenta la historia de unos refugiados que han llegado recientemente a Brasil y que, junto con un grupo de trabajadores de escasos recursos, ocupan un viejo edificio abandonado en el centro de São Paulo.

Los dramas cotidianos, las situaciones cómicas y los diferentes puntos de vista sobre el mundo se mezclan con la amenaza de un desalojo inminente.

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Crítica

Veraz retrato de la realidad okupa fuera de los clichés rancios.

Curiosamente me fijo que voy visitar el ‘Hotel Cambridge’ y justo enfrente tengo el Ayuntamiento de Madrid, el Palacio de Comunicaciones, donde aún cuelga la pancarta que reza «refugees welcome». Y es curioso porque al entrar uno la ve de una manera y al salir la vislumbra de otra, no piensa que lleve tanto tiempo ahí puesta. Tampoco es que esta sea una película trascendental o metafísica, pero si puede recordar o mostrar ciertos aspectos que podíamos no conocer o tener olvidados del tema de los refugiados y los sintecho. Aunque veáis en ella o en esta crítica términos como okupa o activista no va de perroflautas y antisistemas con afán de destruir así porque sí. Da voz a una parte del movimiento okupa, sobre todo a la de los desplazados, a la de los refugiados e inmigrantes. Pronto descubriréis que los habitantes del este edificio no son antisistema ya que realmente forman un sistema, organizado y estructurado, que tan solo son luchadores que pretenden corregir una serie de injusticias de la manera más desesperada, pacífica, y casi extrema posible. Ojo, no procura mostrar mártires. Sus personajes tienen claroscuros, no son santos.

La película de Eliane Caffé nos muestra un lugar habitado por gente procedente de multitud de lugares del mundo, a los cuales utiliza también para lanzar una buena diatriba. Todos ellos empujan a una por el derecho fundamental de tener una vivienda digna y además, sin querer, demuestran que se puede vivir en relativa paz, aunque sea a pequeña escala. Y todo esto sin pertenecer a las mismas culturas o sin tan siquiera hablar el mismo idioma. En muchas ocasiones tienen que avocar a la lengua de los sentimientos o de los derechos humanos para expresarse y eso es lo que quieren hacer entender al resto del mundo. Es por ello que el largometraje está rodado buscando la máxima veracidad posible. Muestra testimonios que están sacados de la más severa realidad, que podemos buscar en titulares de periódicos, en trending topic… Ofrece también las reacciones de la sociedad para con ellos en diversos momentos. El guión de Caffé puede ser muy tragicómico y agridulce, alcanzando momentos muy irónicos y sarcásticos, e incluso poéticos. Además secciona la película por capas y pisos, como una cuenta atrás inexorable hacía un final inevitable: así como se van acercando los créditos finales sabemos que llegará el desahucio, pero también advertimos que habrá un próximamente por que esta es una historia que emana continuidad.

La película mezcla de manera inusual y llamativa el documental y la ficción. No merece la pena que yo os diseccione aquí lo real de lo rodado. Se puede discernir entre lo uno y lo otro de sobra, pero sobre el papel todo podría pertenecer a fragmentos de la memoria o a sucesos transcurridos ahora. El caso es que la filmación parece documental casi en su totalidad, solo la calidad de algunos actores nos devuelve a la butaca. Con películas como esta olvidaos de ser tan exquisitos con lo técnico y limitaos a visionar, reflexionar y comentar.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: Era o Hotel Cambridge. Duración: 93 min. País: Brasil. Dirección: Eliane Caffé. Guión: Eliane Caffé, Luiz Alberto de Abreu, Inês Figueiró. Música: Vapor 324. Fotografía: Bruno Risas. Reparto principal: Carmen Silva, José Dumont, Isam Ahmad Issa, Suley Franco, Lucía Pulido, Ibtessam Umran. Producción: Aurora Filmes, Tu Vas Voir. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, documenta, hechos reales. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/hotel_cambridge