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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Most beautiful island’

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Sinopsis

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Most Beautiful Island es una potente historia de redención a la vez que un retrato actual del sueño americano y la lucha por la supervivencia en Nueva York.

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Crítica

La isla más bonita encierra algo que tarda demasiado en emerger.

El sueño americano, ese ideal que mueve a tantos a inmigrar a los Estados Unidos en busca de oportunidades, de riqueza, de una mejor vida en general. Ese mito nos lo desmonta, como tantas otras películas pero a su manera, ‘Most beautiful island’. Ana Asensio nos presenta un relato inspirado en una etapa de su propia vida. En él una española está en una situación económica límite, afectada en lo que a su salud se refiere, habitando el país como inmigrante ilegal, con lo que eso conlleva, que no tiene ni siquiera un número de la seguridad social para atender sus necesidades sanitarias. ‘Most beautiful island’ comienza y así se mantiene durante más de la mitad de su proyección como una historia ambientada en la crisis, retratando el estado actual de aquellos que luchan por salir a flote y conseguir el ansiado sueño americano y sobre todo se mueve entre aquellos que intentan sobrevivir en la ciudad que nunca duerme.

Demasiado se enreda Ana Asensio para mostrar su experiencia con el sueño americano cuando eso ya está harto mascado y lo francamente interesante o atractivo era contar el suceso que vivió. Ese lance que tuvo, esa desventura, es lo que le da una razón de ser al filme, lo que os va a hacer empezar a sentir incómodos e intrigados, pero como digo, sucede con la película muy avanzada, en torno a los cincuenta minutos. No os voy a contar ni en qué consiste la vertiente de suspense y casi terror psicológico de su tramo final pues es lo realmente atractivo de la película. De ahí que se insista tanto en mantener en secreto todo y que hasta la web del filme se llame nocuenteselfinal.com. Esa parte de thriller está mucho mejor elaborada que el resto. No es que no consigas empatizar con la protagonista en las etapas previas de la película, pero cuando de verdad temes por ella es en esta última fase.

Claro que Asensio interpreta bien su personaje, es lógico puesto que revive y protagoniza una impactante historia inspirada en algo que ella misma vivió. En sus ojos ves reflejados los fantasmas de la ruina y en su cara el semblante del miedo al fracaso y a la miseria. Pero el resto del reparto no resulta tan convincente y se ve tan sumergido en la historia.

Si su relato está magnificado es por la situación actual y por la conocida aversión del presidente Trump hacia los inmigrantes. Por lo tanto no puede llegar en mejor época para dar en el clavo. A Ana Asensio para esta ópera prima le ha bastado con poner la guinda, con mantenernos en vilo y haber encontrado la oportunidad de usar una vivencia suya. Para muchos este filme es fascinante para mí solo es algo más que anecdótico. Veremos con qué nos intenta sorprender en futuras ocasiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Most beautiful Island. Duración: 80 min. País: EE.UU. Dirección: Ana Asensio. Guión: Ana Asensio. Música: Jeffery Alan Jones. Fotografía: Noah Greenberg. Reparto principal: Ana Asensio, Natasha Romanova, Nicholas Tucci, Larry Fessenden. Producción: Glass Eye Pix. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: thriller, drama. Web oficial: http://nocuenteselfinal.com/

Crítica: ‘Molly’s Game’

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Sinopsis

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Molly’s Game está basada en la historia real de Molly Bloom (Jessica Chastain), una prometedora esquiadora de nivel olímpico que, al ver truncada su carrera deportiva, acabó organizando las partidas de póker clandestinas más exclusivas de Estados Unidos. A sus partidas acudían las más grandes estrellas de Hollywood, deportistas de élite, titanes del mundo de los negocios y, finalmente, miembros de la mafia rusa, hasta que Molly fue arrestada por 17 agentes armados del FBI en mitad de la noche. Inmersa en una batalla judicial, su único aliado en su lucha ante los tribunales fue el abogado criminalista Charlie Jaffey (Idris Elba), quien supo ver en ella una verdad mucho más sincera de la que la prensa sensacionalista publicó en sus páginas.

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Crítica

Sorkin demuestra su oratoria y arte tras la cámara.

Es la primera vez que vemos a Aron Sorkin en el rol de director. Hasta ahora solo habíamos disfrutado de sus libretos en grandes trabajos como ‘Algunos hombres buenos’ o ‘El ala oeste de la Casa Blanca’ y ha sido premiado en los Oscar, por ejemplo, por su conocidísima ‘La red social’. Digo solo pero su trabajo rara vez es discutido, si acaso por la densidad de sus guiones. Pero de hecho su última película ‘Steve Jobs’ a muchos nos había dejado bastante fríos. Por el contario, en este caso, en lo que se refiere al esquema de la película ha sido menos pretencioso, quizá por el hecho de tener entre sus manos un personaje menos famoso. No obstante arranca de un modo arrollador, desenfrenado, al que le cuesta bajar el ritmo, pero que no es difícil de seguir. Quizá este buen resultado, este control sobre la comprensión también se deba a que ha tenido el mando de lo que se ha rodado en base a lo que él mismo ha escrito.

Esta nueva película nos habla de una persona educada para ganar, alguien que aparca sus estudios de derecho y se sumergen en el mundo de las partidas de póker de alto calado. Pero un detalle a tener en cuenta, esta película no va de partidas ilegales o clandestinas, pero si secretas (ya que en ella participan actores, ricachones, mafiosos…). Aunque por determinadas razones las cosas se le van de las manos y a Molly (Jessica Chastain) le toca rendir cuentas ante un juez. ‘Molly’s Game’, el juego de Molly, trata de una mujer astuta, inteligente, prudente, legal y por lo menos, tal y como la pinta la película, fiel y discreta. Eso es lo único que tiene en común el personaje con su homónimo de la novela de James Joyce. Ya que esta Molly Bloom ni siquiera es irlandesa. La propia Chastain, a la que le viene el papel como anillo al dedo, lo deja bien claro en una de sus íntimas conversaciones, en este caso junto a Chris O’Dowd, que ni tiene que ver con la popular Molly Malone, ni con la Molly Bloom del Ulisses de James Joyce. Pero la suya si es una odisea con tintes de epopeya ya que queriendo hacer uso de valores loables intenta salir a flote y navegar en un mar de plagado de presiones, tentaciones, contratiempos, monstruos y enemigos, salidos directamente de una sociedad que también es retratada aquí como hija de un patriarcado.

‘Molly’s Game’ está muy bien narrada, con un guión realizado a partir del libro que escribió la propia Bloom. A pesar de que nos cuenta lo que le ha sucedido a la ilustre organizadora de partidas de póker a modo de flashbacks nos parece que la historia es totalmente lineal. Sorkin, Jessica Chastain y compañía nos van narrando y adaptando la novela autobiográfica de Molly Bloom, mientras tanto la actriz va luciendo todo un repertorio de vestidos. Y no solo se dedican a narrar los hechos si no que también nos dejan bien claro, de manera literal, de qué trata y cuál es el carácter del personaje. Molly lo dice citando la historia de Circe, por si en algún momento nos hemos perdido. En referencia a perdernos o no, existen diversas secuencias relacionadas con el póker, bastante gráficas, en las que se han preocupado de ilustrarnos a cerca del juego ya que la jerga del póker es muy importante, aunque no vital, pero es muy posible que os perdáis en algún punto. Aunque esta no es una película en la que corráis el peligro de descarriaros o embotaros como pudo suceder con filmes más focalizados en un solo tema como fue el caso de ‘La gran apuesta’.

Idris Elba nos demuestra de nuevo que no es solo un actor de acción y fantasía. Entendemos además que el rol del actor londinense es el mismo que el que tiene todo lector de la novela, incluido el director, cuando coge el libro de Molly por primera vez. Es decir, poco a poco vamos descubriendo y conociendo a la persona a medida que vamos viendo su película (o leyendo su libro) y se nos desmonta el personaje que ha creado la prensa amarilla.

En ‘Molly’s Game’ Sorkin hace honor a sus famosos diálogos dinámicos y veloces. A parte de lo que queramos creernos o no del relato de la novela de Molly está lo que adapta Sorkin a favor de su película y borda con un magnífico prólogo y final. Se ha aprovechado una historia real para narrar un relato acerca del poder sobre los poderosos y de obsesión por el triunfo, pero sobre todo de una mujer única y realmente conquistadora.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de enero. Título original: Molly’s Game. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guión: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Reparto principal: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner,  Michael Cera, Jeremy Strong, Chris O’Dowd, Brian d’Arcy James, Bill Camp, J.C. MacKenzie. Producción: eOne Films, The Mark Gordon Company, Pascal Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: http://mollysgame.movie/

Crítica: ‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’

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Sinopsis

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Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.

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Crítica

Paciente fábula cargada de sorpresas.

Basada en la novela del propio guionista Brian Selznick se ha rodado ‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’. Quizá os suene el nombre de este escritor ya que fue muy citado cuando en 2011 se estrenó ‘La invención de Hugo’, filme que también se basaba en una obra suya. En este caso volvemos a vivir una historia de cuento, con tintes quizá más dramáticos, pero asimismo con protagonistas infantiles, solitarios y aventureros. Igualmente en esta ocasión los dos personajes principales están interpretados por un niño y una niña pero en este caso están separados por varias décadas.

Esta historia familiar nos narra dos andanzas, una ubicada en los años 20 y otra en los 70. En la primera una niña huye de su hogar en busca de una famosa actriz y en la segunda un chico busca a su desconocido padre. Dos relatos de los que no me gustaría daros muchos más detalles porque hay varios giros interesantes pero que se diferencian porque uno viene rodado en blanco y negro y el otro a color. Son dos aventuras paralelas pero que tienen muchos nodos en común, que vamos descubriendo saltando alternativamente de una a otra mientras las vamos comparando y durante las cuales el director Todd Haynes (‘Lejos del cielo’) nos va haciendo un contraste tanto generacional como temporal. En ese aspecto se ve uno de los talones de Aquiles de la película. Haynes se recrea en exceso en las secuencias que nos muestran cómo cambia el mundo en cincuenta años, sobre todo la ciudad de Nueva York y sus gentes. Aunque la puesta en escena, los decorados, el vestuario, la música y las vivencias de los personajes sean un viaje en el tiempo, se hace en exceso largo.

El filme pone nuestra paciencia a prueba, no solo con tanto regocijo en su excelente ambientación, sino también con su manera de narrar las maravillas que van acaeciendo. Esta película no se basa en artificios mágicos para lograr su objetivo, como podría ser más propio de la mente de un guionista vago o fantasioso, si no que se va construyendo a base de casualidades e imprevistos, como las narraciones de cualquier fábula memorable. Cada paso, cada infortunio, cada ventura acercan a los protagonistas a una meta cada vez menos esperada.

Volviendo a homenajear al difunto Ziggy Stardust la película empieza con la canción ‘Space Oddity’ y cierra el círculo con una versión del ‘Así hablo Zarathustra’ de R. Strauss, tan famoso por  ‘2001: Una odisea del espacio’, en su momento crucial, en el instante en el que las dos historias paralelas confluyen. No están mal traídos estos títulos pues ambos protagonistas viven sendas odiseas buscando su sino y razón de ser mientras miran a las estrellas. Por supuesto ambos temas se emplean por veneración y metáfora, aunque en el caso de Bowie creo que ya hemos colmado el vaso de este año en lo que se refiere a películas en las que le oímos.

Julianne Moore sigue apuntándose a un bombardeo y nos vuelve a brindar un doble papel, como ya hizo en ‘Suburbicon’. Pero al igual que en esa película y como decía en el primer párrafo los protagonistas son los dos niños de la cinta: Oakes Fegley y Millicent Simmonds. Simmonds tiene ese aspecto tan clásico del cine de principios del XX y su silenciosa interpretación os puede llenar de emociones. En el caso del enrabietado Oakes Fegley son la amistad y la desesperación los sentimientos que seguramente más os aflorarán. No vi ‘Peter y el dragón’ pero su trabajo aquí me empuja a verla.

En el caso particular del director me parece mucho más acertado y sincero este largometraje que su último trabajo, ‘Carol’, además que las fechas escogidas para el estreno no podrían ser más propicias para un estreno tan entrañable, melancólico y sentimental, además que en esta ocasión Haynes ha pecado de menos ambicioso y eso le ha hecho mucho bien, dicho sea de paso.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de enero de 2018. Título original: Wonderstruck. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Haynes. Guión: Brian Selznick. Música: Carter Burwell. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Oakes Fegley, Julianne Moore, Millicent Simmonds, Michelle Williams, Jaden Michael, Cory Michael Smith, Tom Noonan. Producción: Amazon Studios, Killer Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.wonderstruckmovie.com/

Crítica: ‘La espada del inmortal’

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Sinopsis

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Manji es un diestro espadachín condenado a la inmortalidad que se compromete a proteger a una joven y jura vengar el asesinato de su familia.

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Crítica

Sangre, violencia y a la vez ternura, es lo que nos trae ‘La espada del inmortal’

‘La espada del inmortal‘ llega a Netflix el 29 de diciembre y sin duda merece la pena su visionado.

La película número cien de Takhasi Miike nos trae la adaptación del manga ‘La espada del inmortal‘ de Hiroaki Samura, donde se nos presenta a Manji, un espadachín metido en la lucha de una niña que quiere vengarse de los asesinos de sus padres.

Sangrienta y tierna, Takhasi ha sabido hacer una gran adaptación, centrándose en una historia de las mucha que contiene el manga de 30 tomos. Creando una historia entretenida en la que nos presenta a muchos de los personajes de una manera sencilla y rápida.

No es la primera vez que el director adapta un manga al cine, os menciono las más recientes, como son, ‘Terra Formars’ o ‘Jojo’s Bizarre Adventure‘  que también pudimos ver en Sitges.

En ‘La espada del inmortal’ vemos uno de los sellos del director a la hora de adaptaciones de mangas y es que tanto los peinados, vestuarios y todo está medido y calcado a como lo vemos en las viñetas. Sí que es cierto que en esta historia es bastante importante, aunque realmente es en el manga donde te explican que cada kimono tiene su significado, pero para los lectores es una delicia poder ver a sus personajes tal cual son. Eso sí, él único que difiere es Manji, pues aunque su kimono sí que es blanco y negro, atrás no le aparece la esvástica budista, sino el kanji con el significado de hombre.

El cuidado hacia las luchas de espada, las coreografías y todos los elementos técnicos de la película, hacen que muchos vayáis a disfrutar sin duda de esta cinta.

El reparto está bien escogido, por mencionar a alguien me quedo con Takuya Kimura, que nos da a un Manji muy real y parecido al de la obra escrita, con mal humor, pero a la vez tierno.

Tanto si has leído el manga como si no, la nueva película de Takeshi Miike nos trae aventuras y acción, una buena opción para quedarnos en casa con un buen bol de palomitas y disfrutar de una tarde de sofá y manta.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre en Netflix. Título original: Mugen no jûnin. Duración: 140 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guión: Tetsuya Oishi. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Reparto principal: Tayuka Kimura, Hana Sugisaki, Sôta Fukushi, Erika Toda, Min Tanaka, Tsutomu Yamazaki. Producción: Warner Bros, Oriental Light and Magic. Distribución: Netflix. Género: Acción.

Crítica: ‘El gran showman’

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 Sinopsis

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‘El Gran Showman’ es un audaz y original musical que celebra el nacimiento de la industria del espectáculo y la sensación de asombro que nos domina cuando los sueños se hacen realidad. Inspirado en la ambición y la imaginación de P.T. Barnum, narra la historia de un visionario que surgió de la nada para crear un fascinante espectáculo que se convirtió en una sensacion mundial.

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Crítica

Hugh Jackman nos hace bailar en ‘El gran showman’.

La opera prima de Michael Gracey llega a nuestros cines en una época muy buena en la que nos metemos en las salas con ganas de ver algo alegre y sin complicaciones. Así es ‘El gran showman’ una cinta muy disfrutable y con un ritmo rápido, sin pausas que hará las delicias de muchos.

Hugh Jackman que esta vez no solo ha estado frente a las cámaras, sino que además se ha colocado como productor, se presenta como P.T. Barnun, un hombre ambicioso y con grandes ideas de negocio.

La cinta se centra en la vida de este hombre, que desde niño siempre quería ser más de lo que era, quería hacer dinero y vaya si lo consiguió. Con su circo de variedades, con seres humanos con deformidades o simplemente características especiales supo venderlo hasta lograr hacer fortuna y negocio impresionantes, eso sí, muchas veces a base de estafas.

Michael Gracey le pinta más amable y su espectáculo no es solo admirar a las personas, sino mas bien algo mucho más cercano a un gran musical, con coreografías impresionantes y gente con voces de ángeles bajo enormes barbas.

También nos deja mensaje durante toda la cinta, pues ves como el miedo hacia lo desconocido, hacia lo diferente llegaba a ser tanto que se terminaba convirtiendo en odio y preferían esconder a esas personas de la sociedad e incluso matarlas.

El reparto está perfectamente escogido, Hugh Jackman disfruta en esta cinta, se le ve, baila, canta y actúa como siempre, maravillosamente. Y por supuesto mencionar a Zac Efron y a Zendaya, que brillan con luz propia en esta película. La fragilidad de ella y la fuerza de Zac crean en la pantalla una de las coreografías más bonita de la película.

En cuanto a la música me ha parecido estupenda, no es típica de la época, es música pop, pero te engancha desde el minuto uno y saca las ganas de bailar a cualquiera. Decir, que los creadores de todo esto son los mismos autores que hicieron la banda sonora de ‘La, la, land’.

Se deja ver el mimo y cariño hacia esta cinta cuando observamos la gran puesta en escena, han tenido que dedicar muchos ensayos para llegar a tanto nivel, los movimientos, las canciones, nos muestran a gente muy profesional.

Las tres nominaciones a los Globos de Oro son muy merecidas, que vaya a ganarlos o no ya es otra historia, este año ha sido un gran año para el cine y la lucha por los premios va a ser vertiginosa. Pero el reconocimiento ya se lo han llevado.

Sin duda os recomiendo ‘El gran showman’ una película que va a gustar a mayores y pequeños, muy apta para estas fechas en las que estamos toda la familia unida. Consigue entretener desde el principio y ese es el gran propósito del cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre 2017. Título original: The Greatest Showman. Duración: 105 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Gracey. Guión: Jenny Bicks, Bill Condon. Música: Benj Pasek, Justin Paul. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson, Isaac Eshete, John Druzba. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: Musical. Web oficial: http://www.fox.es/el-gran-showman

Crítica: ‘Una bolsa de canicas’

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Sinopsis

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Basada en una historia real. Durante la ocupación nazi en Francia, Maurice y Joseph Joffo son dos hermanos judíos que deben separarse de su familia para evitar su deportación a campos de concentración. Haciendo muestra de gran astucia, coraje e ingenio, intentarán sortear a los soldados alemanes para llegar a la zona libre del sur de Francia y reunirse con los suyos.

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Crítica

Recuerdos de una infancia truncada por la guerra narrados con delicadeza.

Los franceses haciendo alarde de su clásica sensibilidad y finura a la hora de desarrollar un drama nos acercan a una nueva historia ambientada en la época de la Segunda Guerra Mundial. Irónicamente, Christian Duguay, el director de ‘El arte de la guerra’, ha construido un discurso en contra de todo aquello que rompe la paz de una familia. ‘Una bolsa de canicas’ sigue los pasos de un clan que se ve dispersado por el país galo por culpa de la invasión alemana en los años cuarenta, como si se tratase de un conjunto de canicas golpeadas al jugar a la troya.

Según vas viendo la película da la impresión de que está dividida en muchas etapas, en excesivas. Los protagonistas pasan por continuas huídas, sufren sucesivos infortunios que nos abren muchos capítulos que parece que están pensados para cebarse en la desgracia y en el sufrimiento, para crear una historia cada vez más desdichada. Pero al final, al principio si vais a verla con esta crítica leída, descubres que está basada en una historia real. Entonces dices ¡vaya! es fascinante que unos chiquillos se antepusiesen de verdad a todas esas adversidades. Admiras más el trajín de viajes y mentiras que tuvieron que manejar durante unos años estos judíos, sobre todo los dos niños protagonistas que es en quien se centra el largometraje.

Porque esta película está fundamentada en la novela escrita por Joseph Joffo, escritor francés que en su infancia sufrió el acoso de los nazis y que en la película está interpretado por el pequeño Dorian Le Clech. Él y su familia tuvieron que dejar París y como muchos otros judíos viajar al sur de Francia para huir de la guerra. Al tratarse del relato de un adulto sobre lo que le sucedió cuando era niño tenemos una perspectiva un tanto diferente a las hasta ahora vistas. Es decir, si, es una película más sobre los nazis pero con la con la salvedad de tener un punto de vista más candoroso, mucho más enfatizado en recuerdos familiares y en pequeños detalles, de un modo casi tan eficiente como en ‘La vida es bella’.

Al igual que la película de Benigni busca tocarnos la fibra de la manera más tierna posible. Busca la complicidad y sensibilidad del espectador a través de continuos reencuentros y unos niños que las pasan canutas. De ahí que el título tenga también un sentido metafórico, es decir, los protagonistas experimentan una madurez forzada por unos tiempos durísimos y muy distintos a los que vive ahora el país galo. Una bolsa de canicas deja de ser lo más importante en la vida de nuestro protagonista principal.

A parte de todo esto hay que apreciar la buena ambientación, con un diseño de producción risueño y bello, lejos de la suciedad y la oscuridad que suele predominar en películas sobre el holocausto. También podría parecer obligatorio mencionar la presencia de Christian Clavier en uno de los momentos clave del filme, pero lo cierto es que me ha parecido muy escueta y comedida.

‘Una bolsa de canicas’ no nos abre ninguna cuestión que no hayamos debatido ya ni nos pone de manifiesto ninguna verdad que no haya salido antes a la luz. Pero si es un relato familiar, no para toda la familia, emotivo y con muy buenos planos rodados.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre de 2017. Título original: Un sac de billes. Duración: 110  min. País: Francia. Dirección: Christian Duguay. Guión: Jonathan Allouche, Christian Duguay, Alexandra Geismar, Benoît Guichard. Fotografía: Christophe Graillot. Reparto principal: Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel, Elsa Zylberstein, Christian Clavier, César Domboy, Ilian Bergala, Kev Adams, Lucas Prisor, Bernard Campan. Producción: Quad Productions, Main Journey, Forecast Pictures, Gaumont, Okko Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, adaptación, hechos reales. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/751/una-bolsa-de-canicas/

Crítica: ‘Olvídate de Nick’

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Sinopsis

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El mundo de dos mujeres muy diferentes choca en un ático de Nueva York: la modelo se enfrenta a la intelectual; el lujo a la comodidad; la profesional a la madre divorciada. Lo único que Jade y Maria tienen en común es el mismo marido infiel, Nick, un Casanova entrado en años que acaba de dejar a su segunda esposa por otra modelo mucho más joven. Las dos ex esposas son propietarias de un lujoso piso. Lo que empieza con un intercambio verbal bastante hostil las lleva a entender que, a pesar de sus enormes diferencias, quizá no sean tan diferentes.

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Crítica

A Von Trotta se le da bien plantear una disyuntiva, pero no reírse de ella.

Saliéndose de su habitual cine Margarethe Von Trotta se adentra en la comedia. La última película que nos envía a España tiene un protagonista a la fuga, Nick. Por mucho que aparezca en el título y cartel, Haluk Bilginer (Nick) hace poco acto de presencia.  Pero eso no quiere decir que su influencia no se haga notar.

Para ser una película dirigida, escrita y protagonizada por mujeres me parece que esgrime argumentos poco contundentes para con su género, pero me queda claro que la intención es la de ser sarcástica con los clichés cinematográficos. Sus personajes, a pesar de ser independientes, están sometidos al destino al que les ha avocado un hombre misógino, el cual se gana ese adjetivo al tratarlas como objetos que despoja con el tiempo. Ellas mismas siendo conscientes de su carácter casi siempre le siguen el juego. Todo esto es debido a lo que parece que pretenden Von Trotta y Pamela Katz (guionista), es decir, emplear estereotipos del cine. La joven amante, la expareja despechada, la mujer inteligente y de vanguardia… Todos esos personajes típicos femeninos van pasando por la película. Así pues haciendo honor a su fama de feminista Von Trotta trata de crear una película que gire en torno a la autosuficiencia pero queda supeditada a los enfrentamientos surgidos entre los roles de las actrices principales. Y eso que introduce elementos tan característicos como que el personaje de Katja Riemann de clases sobre la poesía de Virginia Woolf y el de Ingrid Bolsø Berdal creee un perfume con el nombre «Feminista». Pero se queda todo en un rasgar la superficie.

Pensaba que tras magníficas películas como ‘Tony Erdmann’ y el gran trabajo de Maren Ade iba a simpatizar más con el humor alemán pero no ha sido así. Esta es una comedia excesivamente sutil, que intenta seguir los pasos y el estilo de Woody Allen. Si fusionamos esto al característico sentido del humor germano hace que la película tenga un humor bastante encubierto, por no decir disimulado o enmascarado. De hecho son más los momentos que se han rodado con tensión y drama que los que supuestamente deberían ser cómicos. Me cuesta enumerar las escenas en las que me han arrancado una leve sonrisa. Una pena porque la película planteaba un buen escenario para esbozar ideas, pero el desarrollo no ha sido el adecuado.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre. Título original: Forget about Nick. Duración: 110 min. País: Alemania. Dirección: Margarethe Von Trotta. Guión: Pamela Katz. Música: Helmut Zerlett. Fotografía: Jo Heim. Reparto principal: Katja Reimann, Ingrid Bolso Berdal, Haluk Bilginer, Tinka Fürst, Frederik Wagner, Hans Longo. Producción: Heimatfilm. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia. Web oficial: http//forgetaboutnick-derfilm.de/

Crítica: ‘Columbus’

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Sinopsis

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Cuando un famoso erudito de la arquitectura se enferma de repente, su hijo Jin se encuentra varado en Columbus, Indiana, una ciudad del Medio Oeste de EE.UU. conocida por sus edificios modernistas. Jin comienza una amistad con Casey, una chica inteligente y aficionada a la arquitectura que trabaja en la biblioteca de la ciudad.

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Crítica

El hormigón de Columbus como espejo del alma.

Primera película de Kogonada. Cine desde Estados Unidos pero de corte oriental, eso no hay quien lo niegue. El tratamiento de la historia es muy propio del cine asiático. Empezamos con dos personajes que a priori no tienen nada que ver. Pero la casualidad o el destino hacen no solo que sus vidas se crucen, si no que las cosas que tienen en común les ayuden a dar pasos importantes en su vida que nunca antes habían dado. Poco a poco se emplea algo terrenal (como la arquitectura) para llegar a algo sentimental o emocional. Esta es una historia de amistad generacional. Como dice la protagonista interpretada por Haley Lu Richardson, la película «es asimétrica pero mantiene el equilibrio». Es decir, los dos personajes poseen vidas que parecen tener paralelismos, pero no son nada parecidas. Sin embargo puestas en una balanza se estabilizan el uno al otro.

Tiene reflexiones muy interesantes sobre paradigmas actuales que se dan en la vida cotidiana y que están cambiando en las nuevas generaciones. También tiene muchas cavilaciones sobre la influencia e influjo de los edificios en nuestra cultura y existencia.

En ‘Columbus’ tenemos fotogramas muy pardos, pero aún así acompañados de colores vivos. Es un desfile de edificios de todo tipo. No pasan más de diez minutos sin que veamos imágenes armónicas tanto de interiores como de exteriores. Con puntos de fuga casi sacados de dibujos técnicos, de planos realizados a perspectiva cónica o caballera. En otras escenas son los espejos los que nos dan las instantáneas que queremos ver, por minúsculo que quede reducido nuestro campo de visión. Es lógico que tenga una imagen así de cuidada debido a que su argumento está relacionado con la arquitectura. Elisha Christian es el encargado de esta magnífica fotografía. Si indagáis en su trabajo os sorprenderá mucho ver en qué y cómo ha estado inmiscuido.

Esta película que Kogonada ha dirigido y escrito es su descripción sobre el qué es la felicidad: si lo que te hace sentir bien día a día o el perseguir las metas que supuestamente puedes alcanzar o te marca la sociedad. En ese sentido los dos personajes protagonistas tienen opiniones muy encontradas que llegan a chocar y debatir de un modo muy pausado y paulatino. Pero además de eso, ‘Columbus’ también es una apuesta por una estética muy personal y cuidada que tampoco tardará en encontrar incondicionales.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre de 2017. Título original: Columbus. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Kogonada. Guión: Kogonada. Música: Hammock. Fotografía: Elisha Christian. Reparto principal: John Cho, Haley Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes, Rory Culkin, Jim Dougherty, William Willet. Producción: Depth of Field, Nonetheless Productions, Superlative Films. Distribución: Versus Entertainment. Género: drama. Web oficial: http://versusent.es/pelicula/columbus/

Crítica: ‘Ferdinand’

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Sinopsis

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‘Ferdinand’ es la historia de un toro con un corazón aún más grande que él. Después de que le confundan con una peligrosa bestia, es capturado y apartado de su hogar. Decidido a volver con su familia, se une a un equipo de inadaptados con los que vivirá una gran aventura. Ferdinand nos enseña que no puedes juzgar a un toro por sus cuernos. De Blue Sky Studios y Carlos Saldanha, director de “Rio”, llega ‘Ferdinand’, una conmovedora y divertida comedia.

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Crítica

Ferdinand nos da un buen paseo por España a la vez que nos agrada con sus formas.

La historia que ideó Munro Leaf os sonará a los algo ya entrados en canas o lo muy amantes de la animación ya que tuvo adaptación por parte de la Disney, pero ahora es 20th Century Fox y Blue Sky Studios quienes la han desarrollado a modo de largometraje en una época en la que digamos que el ruedo está recubierto de arenas movedizas. Estrenar una película sobre el toreo en la actualidad en España puede ser tema delicado pero ‘Ferdinand’ saldrá airosa ya que aunque su balanza se ve claramente hacia qué lado se inclina, es condescendiente hacía el otro lado. Pero no es el único sentido en el que la película resulta titubeante.

En ‘Ferdinand’ se habla abiertamente de enviar astados al matadero o a la plaza de toros a enfrentarse al torero a vida o muerte, pero de un modo bastante suavizado. Por eso no me queda claro si es una película del todo orientada o adecuada para público infantil, independientemente de su final. Desde luego la animación que tiene está pensada para los más pequeños pero el guión a veces nos marca pasos que suponen unos duros tragos para una mente tierna.

Obviamente aquí el torero es el malo y pese a ello su figura no queda excesivamente demonizada. Además de hacer énfasis en que la plaza de toros solo es otro matadero pero engalanado y vitoreado se repite la lección y moraleja del cuento de Leaf. Y al fin y al cabo es la misma que se transmite en muchas historias del tan amado Jesucristo de los toreros o la que aprendimos de Gandhi con la resistencia pasiva.

Con lo que yo he salido más satisfecho y más cómodo me ha hecho sentir la película es con lo tan bien recreada que está España. No se si por documentación o por trabajo de campo nuestras calles, nuestra cultura, nuestros vehículos, y carreteras incluso, están perfectamente animadas. Aplaudo que desde Hollywood se hayan informado tan excelentemente bien. Ronda, Madrid, La plaza de Las Ventas… Por fin, sin ánimo de ofender, más bien de querer solo que se nos respete a nosotros y a nuestra cultura, no se nos representa como latinoamericanos.

El director de la cinta, Carlos Saldanha, que capitaneó las dos partes de ‘Rio’ y las tres primeras de ‘La edad de hielo’, es quien se han encargado de estirar este pequeño relato. Para ello él y su equipo de guionistas han hecho lo mismo que en sus anteriores películas y han introducido personajes dicharacheros. Como la cabra Lupe que nos trae casi todos los momentos más graciosos. Además, sin llegar a cotas maravillosas nos presenta una muy buena animación. Sobre todo cabe destacar el uso de las luces en la película.

Con ‘Ferdinand’ podría parecer en principio que íbamos a tener una película del corte a ‘Okja’. Es decir la historia de una niña que pierde a su mascota rodeada de un discurso animalista. Pero ni los tiros van por la película denuncia ni esta es una aventura de una chiquilla y su enorme animal. Es más bien la lucha de un ser vivo por cambiar las tornas, por librarse del destino al que le tiene avocado el ser humano. Aunque ‘Ferdinand’ peque un poco de complaciente y menos humorística de lo esperado cumple su propósito.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre de 2017. Título original: Ferdinand. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Carlos Saldanha. Guión: Robert L. Baird, Tim Federle, Brad Copeland, Ron Burch, David Kidd, Don Rhymer. Música: John Powell. Fotografía: Renato Falcão. Reparto principal (voces originales): John Cena, Boris Kodjoe, Kate McKinnon, David Tennant, Anthony Anderson, Gabriel Iglesias, Daveed Giggs, Miguel Ángel Silvestre, Sally Phillips, Flula Borg, Karla Martínez, Raúl Sparza, Jerrod Carmichael, Rina Rodriguez, Bobby Cannavale. Producción: Blue Sky Studios, 20th Century Fox Animation, Davis Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: animación, comedia. Web oficial: http://www.fox.es/ferdinand

Crítica: ‘Colores’

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Sinopsis

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Colores es la historia de Tito un niño ciego que deja la ciudad para pasar unos días en un pueblo interior de Alicante con su abuela Fina a la que no conocía. Allí encuentra la amistad desinteresada de Candela y a Patuchas su perro con los que conoce la sencillez de vivir en el campo, la libertad y la fuerza de poder valerse por sí mismo sin importar su discapacidad.

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Crítica

Colores, enseña que todos podemos tener un mundo nuevo por sentir.

Aprender a ponerse en el lugar de otros es algo que desde muy pequeños debemos aplicarnos. ‘Colores’ puede instruir a los niños desde una temprana edad en esa valiosa competencia de la vida. Pero además lo hace en relación a un tipo de personas a la que todos hemos reconocido alguna vez en la vida sentir admiración por su superación de barreras en el día a día.

El corto plasma de manera visual como es o como debe ser el mundo en la cabeza de una persona invidente. Ilustra los sonidos y sensaciones que recibe el cerebro del niño con imágenes en blanco y negro, con simples trazos de líneas sobre fondo negro, como si fuesen garabatos en una pizarra de colegio. Una magnífica representación que nos ayuda a entender cuánto hacen estas personas a partir de sus recursos. Lo cual nos lleva a una de las enseñanzas. Y es que este cuento demuestra, como otras muchas historias, pero preparado para niños, que un ciego no es inútil.

Pero además de mostrarnos la necesidad de un niño por valerse por sí mismo hace notar lo importante que es salir de ciudad y descubrir el campo y la naturaleza. El peligro de crear niños civitas nos lleva a tener generaciones ignorantes en su entorno y Tito, el protagonista, es uno de ellos. El modo en que se maravilla y asombra con cada sonido y sensación que le rodea en el entorno rural me parece un mensaje de alerta perfecto para esta época. Pues no hace falta que sean ciegos los niños de ahora para que experimenten lo mismo, simplemente con que cojas a alguno casi al azar de una gran ciudad y le despegues de su tablet o smartphone comprobarás las mismas reacciones.

Y en referencia a las nuevas tecnologías. La animación se agradece pues es un regreso a las dos dimensiones tradicionales. Unos dibujos sin grandes complicaciones pero eficientes.

Este trabajo, que bien podría dar pie a una serie, tiene niños que a los que quizá se les han atribuido algunas frases más propias de un adulto, pero por lo demás enseñan valores muy  importantes y descubren verdades a las que muchos jóvenes hay que abrir los ojos.

Ficha de la película

Estreno en España: 2017. Título original: Colores. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Sami Natsheh, Arly Jones. Guión: Sami Natsheh. Música: Alejandro Saura. Animadores: Alex Muñoz Gil, Rocío Silveira-Márquez, Isabel Morcillo Ruiz, Javier Cano Marín, Ksenia Fetisova, Sergi Ferrándiz Brotons, Pablo Martínez Pérez, Rosa María Medina Camarena, Cristina Vaello Alumbreros, Massimiliano Nadalini y Alejandro Fernández Sánchez. Reparto principal (doblaje): Sara Ramos, Máximo Pastor, Francesc Anyó, Iolanda Muñoz, Darío Torrent. Producción: Horizonte Seis Quince. Género: animación. Web oficial: http://www.horizonteseisquince.com/colores.html

Crítica: ‘Lesa humanitat’

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Sinopsis

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Dar voz y visibilidad a las víctimas del Franquismo, recoger sus testimonios, acabar con la indiferencia de buena parte de la sociedad y restituir su derecho a la memoria y a la justicia son los objetivos del documental LESA HUMANITAT, dirigido por Héctor Fáver y narrado por el actor Eduard Fernández, un trabajo sin ánimo de lucro sobre memoria histórica y justicia universal.

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Crítica

Un documental necesario para dar voz a mucha gente silenciada.

‘Lesa Humanitat’, dirigida por Héctor Faver nos trae un documental que trata un tema, que aunque siempre está en boca de todos los españoles, realmente es bastante tabú y es la Guerra Civil y todas sus desapariciones o el tema de las fosas comunes.

Lesa humanitat se entiende como un ataque generalizado o sistemático contra una población civil y con conocimiento de dicho ataque.

Nada más comenzar el documental se nos muestran un montón de datos, de distintos lugares en los que se han vivido dictaduras o distintas guerras y se nos da a conocer que Camboya es el lugar con mas fosas comunes en el mundo, seguido de España.

Con esto nos adentramos en una parte de nuestra historia bastante cercana y cruenta, donde hermanos lucharon y muchos murieron o desaparecieron, como en el caso de niños supuestamente muertos al nacer, que seguramente acabaron en manos de otros padres, más ricos y poderosos que los biológicos.

Compara el caso de España por ejemplo con el de Argentina, parecido, en el que también muchas madres vieron desaparecidos a sus hijos durante la dictadura.

El documental lo escuchamos en catalán y castellano con la voz de Eduard Fernández, que nos da paso a numerosos datos y nos presenta a distintos personajes a lo que se van entrevistando. Entre ellos el juez Garzón, Joan Tardá, Gerardo Pisarello, Soledad Luque, Carlos Slepoy, entre otros.

Testimonios importantes que hacen ver que por mucho que los políticos digan que se tiene que olvidar es complicado cuando no sabes que es lo que ocurrió de verdad con alguien de tus antepasados, sobre todo siendo tan cercana la guerra.

El documental en general es bastante interesante, pero puede hacerse un poco pesado, al ser pausado y con tantos datos, aunque son necesarios para ver la realidad tal como es, pero sí que quizá pueda llegar a cansar un poco al público.

Es la única pega que le puedo dar a esta obra, realmente necesaria y que hará que veamos de una manera distinta todo lo ocurrido en el pasado y que intente abrirnos los ojos un poco para darnos cuenta que hay cosas que son necesarias cerrar, aunque muchos digan que es pasado y se tenga que olvidar.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de diciembre (Barcelona), 21 de diciembre (Madrid). Título original: Lesa Humanidad. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Héctor Faver. Guión: Héctor Faver. Música: Lito Vitale. Fotografía: Gerardo Gormezano. Reparto principal: Eduard Fernández (voz en off). Producción: Vargtimmen Films, Aureal Theorem. Distribución: Segarra Distribución. Género: Documental. Web oficial: http://vargtimmenfilms.com/lesa-humanitat/

Crítica: ‘Wonder Wheel’

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Sinopsis

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Un relato de pasión, violencia y traición que cuenta la historia de cuatro personajes cuyas vidas se entrelazan en el ajetreo y el bullicio del parque de atracciones de Coney Island en la década de los 50.

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Crítica

Woody Allen diseña un escenario de ensueño para que Kate Winslet nos haga soñar.

El octogenario Woody Allen vuelve a la palestra capitaneando un competente drama ambientado en los años 50, el cual escribe y dirige (una vez más) y que además viene bien arropado por un conjunto técnico de categoría.

La historia se ambienta en el viejo parque de atracciones de Coney Island, una imagen de una montaña rusa y una gran noria al lado de la playa que hemos visto decenas de veces aunque nunca hayamos estado allí.

Nada más empezar la película escuchamos la voz de un narrador que nos empieza a introducir en la historia, y pronto esa voz se torna en un rostro (Justin Timberlake) que está hablando al espectador, rompiendo esa famosa cuarta pared, para ponernos en situación y contarnos un relato que tiene como protagonistas a él mismo (un socorrista con aspiraciones de dramaturgo), a un matrimonio formado por el dueño de un carrusel, con una vida rutinaria y problemas de control cuando consume alcohol (James Belushi) y su mujer, una actriz frustrada al límite de la vida que lleva como madre, esposa y camarera en ese lugar (Kate Winslet). El cocktail lo completan el hijo pirómano de ella y la joven y guapa hija de él que después de 5 años vuelve a casa con un problema gordo entre las manos.

Así como os lo he presentado yo, el escenario está planteado en los primeros veinte minutos de metraje en el filme. También en las primeras secuencias vemos la gran noria que nos da el título de la película y que sin duda es una metáfora de la misma.

Luego, lo que viene a continuación, no hace más que sumar y sumar a un drama donde el amor es el detonante de todo lo demás. El amor que cada uno de los personajes tiene por algo o alguien en concreto, hace que el conflicto se infle como un globo en todas direcciones.

Tenemos una obra donde los personajes se mueven desde sus anhelos más profundos, donde el deseo de ser amado, los celos, los fuertes lazos familiares, la locura transitoria, las cicatrices imborrables del pasado, la lucha diaria… todo encaja como en una obra de Eugene O´Neill, fuente inequívoca de la que bebe Allen, donde aquellos personajes que luchan por mantener sus esperanzas y aspiraciones, por encontrar una salida a sus vidas en una sociedad marginal, suelen acabar desilusionados y cayendo en la desesperación.

En medio de toda esa mezcla tan potente y dramática, hay una actriz que se mueve como pez en el agua, absorbiendo cada minuto que sale en pantalla y dejándonos fascinados por su capacidad interpretativa, siendo ella y únicamente ella, sin olvidarnos de la gran aportación del veterano James Belushi en su papel, el centro de todo lo que ocurre en el largometraje. Supongo que a estas alturas sabréis que hablo de Kate Winslet. Ella parte y reparte y se queda tan a gusto que lo vuelve a hacer para nuestro deleite. Os podrá gustar más o menos el guión, pero solo por ver a la amiga Kate ya vale bien el precio de la entrada.

Pero como os decía al principio, ‘Wonder Wheel’ luce un diseño de producción de primera, una fotografía de primera y una música que no te puede dejar indiferente y que te traslada a la época y a la historia que te quiere contar su gran director.

No obstante, falla algo en el conjunto, algo que le impide que sea un drama redondo. Quizá sea el guión, quizá sea alguna elección de casting poco acertada o el conjunto de ambas cosas o ninguna, que haga que la película caiga en su propia metáfora, o quizás estaba así planeada.

Porque la vida a veces puede ser como una noria, a veces estás arriba, a veces abajo, pero por más que quieras salir de ese circulo, no puedes nada más que seguir atrapado dentro de él una y otra vez…Una y otra vez.

Lo bueno: Kate Winslet y la calidad técnica de la película.

Lo menos bueno: No lo sé. Bueno venga, Justin Timberlake no me convence.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre. Título original: Wonder Wheel. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Jim Belushi, Juno Temple, Justin Timberlake, Kate Winslet. Producción: Gravier Productions, Amazon Studios. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: http://www.wonderwheelmovie.com/

Crítica: ‘Una vida a lo grande’

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Sinopsis

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Imagina qué podría pasar si, como solución a la superpoblación, un científico noruego descubriese cómo reducir a los seres humanos para que midiesen 12 centímetros y medio y propusiese un plazo de 200 años para realizar la transición mundial al tamaño reducido. La gente no tardaría en darse cuenta de que el dinero da mucho más de sí en un mundo miniaturizado, y ante la promesa de una vida mejor, un hombre corriente, Paul Safranek (Matt Damon), decide, junto su esposa Audrey (Kristen Wiig), dejar atrás sus agobiantes vidas en Omaha, para reducirse de tamaño y trasladarse a una nueva comunidad de escala reducida, decisión que desencadenará unas aventuras que cambiarán su vida.

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Crítica

Alexander Payne aplica una demostración por reducción al absurdo.

Dado su argumento y las situaciones que iban a vivir los protagonistas era inevitable comparar algunas cosas de ‘Una vida a lo grande’ con aquella película que a muchos nos llegó aún siendo niños y que guardamos con cierto afecto, ‘Cariño he encogido a los niños’. Por fin alguien ha hecho caso al padre y científico loco que interpretó Rick Moranis y ha pasado lo que ha pasado, que la cosa se ha ido de escala. Por supuesto esta es una comedia concebida para un público más adulto pues aquella que publicó Joe Johnston (‘Capitán América’) en 1989 tenía un humor más infantil y tontorrón. Esta obra de Alexander Payne (‘Nebraska’, ‘Entre copas’) posee un humor más adulto y critico. Incluso es más considerada con las leyes de la física que ‘Cariño he encogido a los niños’, ya sea por la evolución del cine o por los conocimientos adquiridos con el tiempo. Se molesta en aportar, más bien inventar, datos tanto científicos como económicos relacionados o derivados de la idea de reducir a parte de la población mundial al tamaño de un juguete. Pero los apuntes ecológicos son los que finalmente tienen más relación y relevancia en una época en la que el calentamiento global sigue estando en boca de todos pero en las agendas y carteras de muy pocos.

A lo que me refería sobre que la cosa se había ido de escala es que la miniaturización de las cosas en esta película llega a repercusiones globales, no a una sola familia y la cinta toca temas universales. Es un largometraje sobre cosas pequeñas pero con mucho que contar pues dura más de dos horas. Se hace un poco larga ya que se olvida durante un buen tramo del tema del tamaño para narrar una historia humanista, de autodescubrimiento y para enseñarnos que los problemas del gran mundo pueden seguir siendo los del pequeño. La presentación está bastante extendida también, hasta que llega el momento de ver a los protagonistas inmiscuidos en el mundo en miniatura pasa mucho tiempo. Posee más drama que aventura, además de la mostrada comedia de los tráilers. Por que como era de esperar abundan las frases a cerca del tamaño de las cosas. Pero no es un festival de carcajadas y en eso me ha sorprendido. Que no os lleve a equívoco y no acudáis a la sala de cine a ver una comedia al uso, porque de lo contrario saldréis injustamente descalificando este filme.

Pero la sorpresa ha sido grata ya que es importante lo que se habla. Es una forma casi indirecta y enmarcada en la ciencia ficción de decir lo muy dañinos que somos para nuestro planeta mientras nos pegamos nuestra vida a lo grande. Supone un discurso sobre lo que somos capaces de hacernos para llegar a nuestros sueños basados en el consumo, lo ególatra y lo superficiales que podemos ser anteponiendonos a todo y a todos. Se suma así a los estrenos de la Paramount Pictures que hablan a cerca de la protección de la Tierra (‘Una verdad muy incómoda: Ahora o Nunca’, ‘madre!’). Muy agradecido estoy en ese sentido, me hubiese gustado o no la película. Quizá para que hubiese sido más didáctica o educativa la cinta tendría que haber sido más oscura y menos simpática, porque el ser humano muchas veces necesita más palos que caramelos para aprender.

En cuanto a su reparto, protagonismo claro para Matt Damon que también se ha visto inmiscuído en otros títulos de índole ecologista como ‘Tierra prometida’. Si alguien os va a mantener mas enganchados al filme es el siempre carismático Christoph Waltz, la enérgica Hong Chau o los cameos de famosos como James Van Der Beek, Laura Dern o Neil Patrick Harris.

Payne nos demuestra en su película que el método descubierto por los protagonistas a priori resulta fallído, pero llega a una contradicción, luego magistralmente aplica la reducción al absurdo. Con esta explicación me gustaría evitar dar explicaciones sobre el final y a su vez expresar la complejidad de una película que muestra algo más grande de lo que sus propios personajes pueden alcanzar desde su pequeñez, chapó.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre de 2017. Título original: Downsizing. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: Alexander Payne. Guión: Alexander Payne, Jim Taylor. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Phedon Papamichael. Reparto principal: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig, Udo Kier, Rolf Lassgård, Ingherd Egeberg. Producción: Annapurna Pictures, Paramount Pictures, Ad Hominem Enterprises. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.facebook.com/DownsizingFilm/

Crítica: ‘La cena’

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Sinopsis

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En un restaurante de lujo tiene lugar una cena, a primera vista diplomática, entre dos parejas adultas. A medida que avanza la comida los comensales pierden sus inhibiciones y modales con el fin de salvaguardar la inocencia de sus respectivos hijos acusados de un grave delito. Los secretos y revelaciones de los presentes desembocarán en un acto inesperado que sacudirá sus vidas.

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Crítica

Una buena historia desaprovechada hasta el final.

Basada en la novela de Herman Koch, ‘La cena’ cuenta con un reparto estupendo y un director que ha escogido una buena historia, pero que al final no ha sabido llevar a cabo. Demasiado complicado hace todo el relato, para que al final quede toda la trama en el aire.

¿Qué ocurre si sabes que tu hijo ha asesinado a alguien? ¿Y si ese alguien es una mujer sin techo que vive en un cajero? Aquí está el debate que nos abre ‘La cena’ y con el que deberíamos hablar los espectadores al salir de la proyección, pero no ocurre nada de esto. Pues Oren Moverman lía tanto la historia que realmente sales mareado y sin saber muy bien sobre de que iba la cinta.

El director nos introduce muchos flashbacks de la vida pasada de los padres que están de cena para ver que hacen con sus hijos, flashbacks a mi parecer innecesarios, pues tendrían que haberse centrado en el tema del asesinato que perpetran los críos.

Sobre todo se centran en el papel de Steve Coogan (‘La excepción a la regla’) un hombre con una enfermedad mental que no dejan demasiado clara y que se pilla toda la película llamando simio a su hermano y soltando todo el odio que tiene hacia él, eso sí aprendes mucho sobre la batalla de Gettysburg, de la que está totalmente obsesionado.

Richard Gere es un congresista que está en plena campaña, peor es el encargado de intentar llevar un poco la lógica a la situación y aunque su corazón sufra, sabe que su hijo tiene que pagar por lo que ha hecho.

Las dos actrices, Rebecca Hall y Laura Linney están increíbles, dos madres que solo luchan para que sus hijos se salven, aunque tengan que pisar a cualquier ser humano que se ponga por delante. Realmente da miedo las palabras que llegan a salir de su boca, pues la falta de humanidad nos muestra que en momentos desesperados nos volvemos completamente animales.

En mi opinión si la película hubiese girado en el debate, nos hubiese mostrado bien todas las posiciones, discusiones, nos habría dado mucho más en lo que pensar, pero el problema que este debate solo se ve durante la última media hora de la cinta, dejándote con ganas de más.

Además que el tema que trata es muy serio, como para haberlo desaprovechado de esta manera, me ha parecido muy triste que no se haya dado más hincapié en esto. Que sí, las escenas del cajero que salen son duras, supongo que se habrán basado en el caso que ocurrió en España, pero aunque sean duras, queda ahí, como una subtrama poco importante.

‘La cena’ me ha dejado demasiado fría, eso sí, la fotografía de la comida, la puesta en escena y la música es más que correcta, visualmente vais a disfrutar mucho, pero poco más.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 diciembre 2017. Título original: The Dinner. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Oren Moverman. Guión: Oren Moverman, basado en la novela de Herman Koch. Música: Elijah Brueggemann. Fotografía: Bobby Bukowski. Reparto principal: Richard Gere, Steve Coogan, Laura Linney, Rebecca Hall, Chlöe Sevigny. Producción: BlackBird, Code Red. Distribución: DeAPlaneta. Género: Drama. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/la-cena

Crítica: ‘Jumanji: bienvenidos a la jungla’

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Sinopsis

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En Jumanji: bienvenidos a la jungla cuatro improbables amigos son absorbidos por el peligroso mundo de Jumanji, y transformados en avatares con habilidades únicas. Todos ellos deberán embarcarse en la aventura más arriesgada de sus vidas, o quedarán atrapados en el juego para siempre…

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Crítica

Las mismas reglas con distinto formato. Un Jumanji más espectacular.

El director Jake Kasdan coge las riendas de la película que en 1995 Joe Johnston incrustó a golpe de tambor en nuestros corazones. No es de extrañar la elección de este director de comedias pues la película busca conectar con el público joven de esta época, no con el que vio la versión de Robin Williams, y el tono a emplear es muy diferente. De ese modo se procura, con acierto, evitar un batacazo como el de ‘Zathura’ película que también salió de una obra del escritor Chris Van Allsburg.

En la corriente de remakes y reinicios que vivimos es difícil que los que ya sentimos un tipo de cine en los ochenta y parte de los noventa volvamos a retomar ciertas sensaciones. Porque si hay algo que me ha hecho sentir ‘Jumanji: bienvenidos a la jungla’ es algo «viejoven», como dicen los amigos chanantes. Antes nos dejábamos imbuir por unas historias más sensibleras y entrañables. Las nuevas generaciones piden películas menos inocentonas, necesitan una acción más realista, un humor diferente y otro tipo de moraleja. Yo todo eso lo disfruto y por eso esta versión de Jumanji me ha gustado, pero echo de menos, en parte con nostalgia hacia la película original, que se haya perdido esa magia.

Parece que Sony Pictures con películas como esta o ‘Cazafantasmas’ no tiene miedo y se atreve a renovar y a aplicar nuevos códigos. En este caso tampoco se olvida de los orígenes, empieza dónde terminó la otra y le lanza varios guiños. Todo sigue girando en torno al juego y los protagonistas forman parte de él al cien por cien, más incluso que antes pues nos enseñan las entrañas de este. Los juegos de mesa no han pasado de moda. De hecho según mi experiencia y observaciones diría que viven una segunda juventud. Pese a ello se ha decidido convertir a Jumanji en un sandbox que bien podría ser un room scape o survival de alto precio. Los protagonistas viven el videojuego de un modo mucho más realista de lo que es la realidad virtual o la realidad aumentada pues se transportan a él. La selva de Jumanji es un mundo vivo, que quizá algún día sabremos de donde salió, en esta entrega no se han atrevido a darle origen y eso también se agradece pues quizá habría quedado demasiado atrevido.

De un modo divertido, cargado de chistes y personajes no excesivamente faltones se nos lleva a un viaje introspectivo y un reto no solo consistente en jugar si no también en ponerse en la piel de otros. En ese sentido el mejor ha sido Jack Black manteniendo su personaje femenino constantemente. No es fácil ver al actor fuera de papeles tan distintos a los habituales, como ya nos sucedió en ‘Bernie’. Pero está claro que el protagonismo se vuelca en un Dwayne Johnson cada vez más presente en nuestras carteleras y que aquí desborda carisma a pesar de que su personaje le obliga a no tenerlo.

La conclusión a la que llegas durante ‘Jumanji: bienvenidos a la jungla’ es también la misma que en la anterior película: que el juego de ‘Jumanji’ es un pedazo de cabroncete, el cual, sin hacerte trampas intenta matarte poniéndotelo cada vez más difícil. La película cuenta con un guionista de ‘Fringe’ (Jeff Pinker), otro de ‘Con Air’ (Scott Rosenberg) y otros de ‘Spider-Man: Homecoming’ y ‘Community’ (Eric Sommers y Chris McKenna), a si es que con este elenco de escritores y actores no se podía esperar otra cosa que un espectáculo de adrenalina y humor desenfadado.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre. Título original: Jumanji: Welcome to the Jungle. Duración: 19 min. País: EE.UU. Dirección: Jake Kasdan. Guión: Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Erik Sommers, Chris McKenna. Música: Henry Jackman. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Dwayne Jonhson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, Nick Jonas. Producción: Radar Pictures, Seven Bucks Productions, Matt Tolmach Productions, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, fantástico, adaptación. Web oficial: http://www.jumanjimovie.com