De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
Lando, un antiguo amigo de Han Solo se convirtió en una de las muchas figuras inolvidables del universo creado por George Lucas. Ahora, Marvel ha decidido otorgarle protagonismo absoluto en su nueva etapa comiquera.
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Reseña
¿Para cuándo más Lando?
Igual que gran parte de colecciones de cómics que están surgiendo de Star Wars está ubicada entre los Episodios IV y V. Esta miniserie constó de cinco únicos números que se centraron en el personaje de Billy Dee Williams, Lando, el famoso “amigo” de Han Solo cuyo pasado y entresijos se han desvelado poco o nada en el cine.
Lando Calrissian es un pícaro, un embaucador, un oportunista, un metepatas y un contrabandista que siempre anda con triquiñuelas. De este modo sobrevivió en los bajos fondos y así llegó hasta donde le vimos en el Episodio V, el gobierno de Ciudad Nube en Bespin. Esta descripción, con la cual los fans de la saga estarán de acuerdo, encaja a la perfección con el Lando que vemos en estos cómics. Vemos que el personaje que produjo una de las traiciones más dolorosas de Star Wars además de engañar también es engañado y testigo de grandes revelaciones.
Aunque la miniserie posee ubicaciones como el planeta Castell o Coruscant, la historia que guionizó Charles Soule (“La muerte de Lobezno”) transcurre básicamente en un solo sitio. Este es uno de los logros de Soule, jugar con los escenarios para construir una historia repleta de personajes grises, ni buenos ni malos, como aquellas de naturaleza negra o pulp. Consigue plasmar al Lando tramposo, canalla y jugador que dejó huella en el pasado y además expande su historia. Le acompaña de su inseparable Lobot, le hace recordar a su amado Halcón Milenario, le asocia con matones clones gay y le mezcla como siempre en asuntos del Imperio y de los Sith… todo ello para conseguir una aventura por muy encima de lo solvente.
Podemos ver en este cómic dos cosas, si no inéditas, realmente raras en Star Wars. Una son los paseos espaciales y la otra los rostros de los Guardias imperiales. También quedarán en la memoria personajes femeninos como Ssaria, Sava o Chanath Cha (extremadamente semejante a Boba Fett) que dejan patente el desbocado intento de Marvel por hacer lo políticamente correcto.
El equipo encargado de materializar este proyecto fue el mismo durante los cinco números. A parte del ya mencionado Charles Soule estuvieron involucrados Alex Maleev y Paul Mounts (“International Iron Man”) que aportaron el dibujo y el color respectivamente. Ambos sabían dónde se estaban metiendo y crearon una línea que encajase con el estilo, no solo de Star Wars, sino también del personaje y del tono que pedía el guión de Soule. El tono oscuro, la inmensa presencia de tintas, resta protagonismo a los colores en este trabajo, que como he mencionado antes es una historia más cercana a una novela negra con sospechas y traiciones. Un poco más de viveza en las caras no habría estado de más para aportarle mayor realismo y sentimiento a los personajes. Por destacar una viñeta podemos citar el gran splash page con los dos clones, muy oscuro (en varios sentidos), que tenemos en el número 4. Las portadas son todas de Alex Maleev, en ocasiones con la colaboración de Edgar Delgado (que os sonará por ponerle color a la colección “Darth Vader”).
Este trabajo logra superar el reto y los prejuicios por mostrar material nuevo y reiniciar el universo expandido. Consigue ofrecer nuevas sorpresas sobre personajes con destinos conocidos e incluirlos satisfactoriamente dentro de un nuevo canon de modo que se abran nuevas vías de exploración argumental para el futuro.
Ficha del cómic
Guionista: Charles Soule. Dibujante: Alex Maleev. Color: Paul Mounts. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8×25,7cm. Publicación: noviembre 2015 – marzo 2016. Precio: 2,5€/grapa.
A sus 83 años, Niceto tiene muy pocos alicientes para levantarse cada mañana. Junto al pequeño grupo de sus octogenarios amigos, decide ponerle un poco de sal a su rutinaria existencia dedicándose al menudeo y al tráfico de mercancías robadas. Lo que empieza casi como un pasatiempo se torna inesperadamente en tragedia cuando los compañeros de Niceto comienzan a aparecer muertos en extrañas y violentas circunstancias.
La desaparición de Niceto enciende todas las alarmas de su familia. Su hijo Román y su nieto Álvaro se lanzarán a una búsqueda desesperada por todo Madrid intentando dar con el viejo, aunque para ello deberán desentrañar antes un misterio más allá de su comprensión…
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Reseña
Todos nuestros ríos desembocan en un mismo mar.
Díaz Canales se lanza a su primera aventura como autor completo tras éxitos como “Blacksad” o “Corto Maltés”. Una sencilla pero profunda historia en la que lo mundano y lo fantástico se entremezclan para mostrarnos miedos, protestas y realidades.
Pero este no es un trabajo más sobre la crisis actual, aunque indirectamente deje patente la gran desigualdad socioeconómica que además crece en España. La historia puede transcurrir en ese marco pero se centra más en el trato que tenemos entre las diferentes generaciones del siglo XXI. Por eso ha creado a distintos personajes de varios niveles de un mismo árbol genealógico. Cada uno ofrece una visión de nuestros miedos o conceptos sobre la vida o la muerte pero también sobre la manera de llevar el paso de los años, de enfrentarse a la posibilidad de la nada o de la existencia de un más allá, del transcurrir del río del tiempo en definitiva. Por supuesto entra el juego el respeto a los mayores, el legado para nuestros recién nacidos, nuestra responsabilidad como adultos con familia y amigos…
Pero el cómic también tiene su lado paranormal, fantástico e irracional… Acechando al costumbrismo que parece que domina estas viñetas hay una vertiente misteriosa que nos deja trastocados en varias páginas y nos descoloca en las finales.
Para ser la primera vez que se encarga en solitario de todo el proyecto creativo, Canales ha obtenido un juicioso thriller urbano con tintes de novela negra. Nos muestra, ahora del todo, su verdadera cara reflejada en los dibujos que han salido de su pluma. Juega correctamente con el blanco y negro, pese a que ha pecado de conservador o de austero en sus intenciones ha salido victorioso con el resultado.
En el transcurso de la novela, en las entrañables o en las perturbadoras situaciones, Canales esboza Madrid y algunos de sus lugares más emblemáticos. Demostrando ser conocedor de la capital, realiza un esbozo expresionista sin color de la actual urbe. Un retrato esperpéntico moderno localizado en lugares tan conocidos como el Parque de El Retiro, Casa Ciriaco, el Templo de Debod, el Puente de Toledo, la Plaza de Cascorro… incluso realiza un pequeño homenaje a la ya clausurada y clásica tienda de cómics El Aventurero.
Ni es ni creo que pretenda sentar un antes y un después en la historia del cómic, puede que si abra una nueva etapa para este talentoso creador de historias. Desde luego en “Como viaja el agua” hay espacio para la reflexión, para la emotividad, para el humor e incluso para la acción, elementos que debe tener la vida de todo lector.
Ficha del cómic
Guionista: Juan Díaz Canales. Dibujante: Juan Díaz Canales. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 112 págs, tapa dura, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación: mayo 2016. Precio: 14€.
¡Mirad! ¡En el cielo! ¿Es un pájaro? ¿Es un avión? Es… ¡Superman!
El extraño visitante de otro planeta que puede cambiar el curso de los ríos, doblar acero con sus propias manos… y que, como campeón de los obreros, libra una batalla interminable por Stalin, el socialismo y la expansión internacional del Pacto de Varsovia.
En esta versión de la conocida historia, cierto cohete kryptoniano se estrella en la Tierra, llevando
a un bebé que un día se convertirá en el ser más poderoso del planeta. Pero su nave no se estrella en América. No crece en Smallville, Kansas. En lugar de eso, encuentra su hogar en una granja colectiva de la Unión Soviética.
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Reseña
Kal-L en el Kremlin.
Esta ucronía salió de la mente del prolífero Mark Millar para maravillar a seguidores y detractores de la figura de Superman, tarea harto complicada. Es un cómic que puede agradar a ambas vertientes de lectores pues ofrece una visión muy diferente, y en muchos aspectos ya debatida en el pasado, del superhéroe kryptoniano.
“Superman: hijo rojo” no es un imprescindible para comprender al personaje de Superman, es un imprescindible para aquellos amantes de las distopías o para ser consciente del juego que puede dar un personaje de esta magnitud. Al desarrollarle fuera de su canon oficial se ofrece la posibilidad de que los conocedores de Superman puedan ver transformados elementos indispensables de la historia del Hombre de Acero de un modo gracioso, curioso o interesante. Aunque lo parezca esta historia está lejos de parecer absurda. Emplea una perspectiva satírica de la política exterior de Estados Unidos y de la lucha de bloques entre el capitalismo y el comunismo, esto último resulta más que obvio. Aunque curiosamente lo político, que es lo que ha relegado a este cómic a campo de lo baladí, está en un segundo plano y lo verdaderamente interesante es la ya mencionada transformación del héroe alienígena. Es uno de los mayores logros de Millar pues resultó ser un cómic fresco, atrevido y sobretodo original, algo que puede costar mucho encontrar con todo lo que ya se ha escrito sobre Superman.
Se nos presenta un Clak Kent, bueno no, a otro personaje cuya identidad secreta desconocemos, que es controlador, casi omnipotente y que se cree moralmente muy superior, algo así como el Dr. Manhattan de “Watchmen” pero más diligente. En su intento de salvar al mundo, de imponer los ideales que le han inculcado, castiga a Estados Unidos y al “american way of life” que siempre ha defendido en otras versiones. Tanto es así que la trama puede recordarnos en algunos aspectos a “V de vendetta”, a “1984” o a “Un mundo feliz”. Este comportamiento repercute en todos los personajes del universo DC de un modo profundo. En cuanto a héroes y villanos aparecen Batman, Wonder Woman, Brainiac, Green Lantern, Lex Luthor… todos ellos con nuevos matices y trasfondos que cambian lo que podemos esperar de su intervención en la historia.
El final es otro de los atractivos pues resulta tremendamente original. Cierra un circulo con una idea que resulta llamativo que no haya surgido antes en el universo de Superman. Si hacemos caso a rumores, la concepción de esta conclusión salió de Grant Morrison, amigo de Millar.
Pese a que la historia de “Superman: hijo rojo” resulta apabullantemente protagonista, los lápices de Johnson y Plunkett no se quedan cortos. Se recrearon lo suficiente como para que el lector pueda gustarse visualmente pero no tanto como para distraer la atención de lo que nos están contando. Las magníficas portadas de Dave Johnson recuerdan tremendamente al estilo que empleaba José Bardasano Baos en sus famosísimos carteles.
Abre el cómic una introducción del productor cinematográfico Tom DeSanto (“X-men”) y lo cierran unos bocetos (con explicaciones) de Dave Johnson, Kilian Plunkett y Alex Ross.
Ficha del cómic
Guionista: Mark Millar. Dibujante: Dave Johnson, Kilian Plunkett. Color: Paul Mounts. Editorial: ECC. Datos técnicos: 168 págs., rústica, color. Publicación: abril 2013. Precio: 15,50€.
“Antes de Watchmen: Rorschach” nos traslada a la sórdida Nueva York de 1977. Es la ciudad del crimen cotidiano, la del gran apagón y la de un asesino en serie, “el Bardo”, que parece actuar impunemente contra jóvenes indefensas. En la misma época en que entró en vigor la Ley Keene, destinada a prohibir comportamientos como el suyo, Rorschach debe enfrentarse al implacable Rawhead mientras intenta resolver el enigma del Bardo y proteger a Nancy, desconocida por la que quizá sienta un poco más de afecto que por cualquier otro ser humano.
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Reseña
Pese a que sus manchas se transformen, Rorschach permanece inmutable.
El cine suele hacer favores a la literatura aumentando las ventas de ejemplares en los que está basada la película que se va a lanzar o que se anuncia se empieza a rodar. “Watchmen”, la película que rodó Zack Snyder en 2009 impulsó las ventas del cómic homónimo que, si bien ya era un volumen de culto e imprescindible entre los lectores habituales de cómic, la acercó a la cultura popular y a las generaciones del siglo XXI.
Pero el tomo que nos atañe hoy es más moderno que la obra original de Alan Moore y Dave Gibbons. Proviene de una serie de siete historias publicadas por DC Comics (editadas por ECC en España) que nos narran el origen de los Watchmen. Aunque Alan Moore no las aprobó, consiguieron un gran éxito de ventas, ya sea por la calidad de sus historias o por la de los dibujantes/guionistas con los que cuentan.
En concreto, hoy queremos hablar de la serie de cuatro números que trata la historia de Rorschach, reunida en este tomo. Una serie de aventuras en las que ahondamos en el pasado de Rorschach tanto sin máscara como con máscara, respetando el espíritu y la biografía inicial del personaje. Desde luego el nivel narrativo dista del original, por mucho que se haya encargado del guión alguien tan grande cómo Azzarello, pero dista mucho de ser malo, es más, resulta bastante bueno. Incluso en el terreno artístico encontramos una gran diferencia y los pinceles de Bermejo superan a los de Gibbons, pero hay que tener en cuenta que las técnicas modernas juegan a favor del dibujante estadounidense.
Azzarello introduce varios guiños a la cultura popular y al cómic del que nace esta idea, como no podría ser de otra manera. Nos muestra algunas peripecias de lo que era el día a día de Rorschach. Es decir, trabajo callejero, nada de salvar el mundo ni de proezas grandiosas. Asesinos, pandilleros, saqueadores… a todo ello se enfrenta el antihéroe mientras las viñetas nos hacen perdernos por la historia como si estuviésemos deambulando por un laberinto de callejones neoyorquinos. Ese es el gran trabajo de Bermejo que puede incluso alzarse como estrella de esta obra por encima de Azzarello gracias a su estilo.
Alex Sinclair y Bárbara Ciardo tiraron de originalidad e imaginación para realizar unas portadas que jugasen con las manchas de Rorschach y las escenas que abren cada capítulo. El tomo es prácticamente solo historia. Como extra únicamente trae un pequeño conjunto de páginas con las portadas alternativas realizadas por Jim Lee, Jim Steranko, Jock, Chip Kidd e Ivan Reis además de dos bocetos de Lee Bermejo. Aunque pueda parecer un contenido adicional escueto, la relación calidad precio total es más que satisfactoria.
Ficha del cómic
Guionista: Brian Azzarello. Dibujante: Lee Bermejo. Color: Barbara Ciardo. Editorial: ECC. Datos técnicos: 112 págs., tomo, cartoné, color. Publicación: enero 2016. Precio: 13,50€.
Qué bien sienta ser malo… Reúne a un equipo con los más peligrosos y encarcelados Súper Villanos, pon a su disposición el arsenal más poderoso del gobierno, y envíalos a una misión para derrotar a un ente enigmático e invencible. La oficial de inteligencia de EE.UU. Amanda Waller ha creado un grupo secreto que reúne a individuos diversos y despreciables que no tienen nada que perder, y que servirán perfectamente para la misión. Sin embargo, una vez se dan cuenta de que no habían sido escogidos para triunfar, sino por su evidente culpabilidad cuando fracasen de forma inevitable, ¿decidirá el Escuadrón Suicida morir en el intento o será un «sálvense quien pueda»?
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Crítica
Villanos a gogó.
Sí, sale Batman, sale Joker, sale Deadshot y salen muchos otros pero es una película que no respeta el producto en el que está basada. No basta con escoger a personajes “chulos” y sacarles a jugar. Por esa y otras razones, provenientes de fuera del fenómeno fan del cómic, resulta un producto decepcionante. Antes de que califiquen a un servidor como marvelita o como conspirador contra Warner/DC, he de decir que soy de los pocos que han defendido “Batman v Superman” y que aún conserva esperanza por el descabezado plan cinematográfico que hay en marcha para adaptar las publicaciones de DC comics, que puede que mejore si se pone las pilas Geoff Johns, presidente de DC Entertainment. Que Warner no tiene un proyecto sólidamente edificado para desarrollar su universo está más que claro. La construcción de toda su red de películas se está realizando a marchas forzadas, por exigencias de la competencia, y esto la convierte en una arriesgada apuesta que se está quedando en el suficiente.
“Escuadrón Suicida” si respeta la idea original del cómic, la de reunir un grupo de villanos o súper villanos, gente prescindible, y enviarles a una misión de la que probablemente no vuelvan pero sí que resuelvan. Ese es el concepto, pero su traslación al mundo cinematográfico exige facilidad de comprensión hacía los espectadores y una fidelidad hacia los lectores en su desarrollo. El film de David Ayer no cumple ni lo uno ni lo otro.
Ofrece un mero entretenimiento basado en la acción y el deslumbramiento de sus escenas. Muchos tiros, muchos efectos, algo menos de humor y ya está. Pero decepciona porque a priori nos ofrecía algo distinto y no lo llega a explotar. Se pierde el gancho de un cómic que juega con las triquiñuelas, los vínculos entre personajes, las trampas y los cambios de bando de sus protagonistas. No se explica bien la fuente de los enemigos a batir y se pretende que los que ven la película empaticen con unos antihéroes que son totalmente nuevos en la gran pantalla sin ofrecer una buena panorámica de todos ellos. Con todo esto lo que se hace es aturullar y guiar al espectador por el camino erróneo. Conclusión, sobran personajes, por eso la cinta se centra demasiado en algunos y desaprovecha otros. Seguramente no llegue a formar parte de las películas preferidas de mucha gente pero si será recordada como la introducción no solo de un nuevo Joker si no de una nueva remesa de caras que seguro estarán en futuras películas haciendo de las suyas y entonces sí se logre cierta simpatía.
Por ejemplo, Deadshot, Capitán Boomerang o Rick Flag son miembros indispensables y que no podían faltar. Pero Will Smith debería haber demostrado ser el buen actor que muchos le consideramos y no hacer el mismo personaje que tanto ha hecho pero con distinto traje. No tiene la clase ni el carácter del Deadshot original y tampoco la relevancia que sugiere su tiempo en pantalla. Además, está eclipsado por Margot Robbie. Ella sí que acierta en su encarnación de una de las villanas más famosas de la actualidad comiquera, enseñando más carne de la que debería para ser tomada realmente en serio. En algunos momentos resulta caricaturesca, aproximándose a la Harley de la saga de videojuegos Arkham, pero es la pillastre que debe ser.
Y es que el director y guionista ha intentado presentar a los principales miembros del escuadrón con una extensa, arrítmica y tediosa introducción, alargando una cinta que debería haber sido más dinámica en sus inicios para lograr enlazar bien con sus logradas escenas de acción, alcanzando así un tono épico. Con menos intérpretes y un prólogo más condensado habríamos quedado más complacidos.
Hay que hacer una mención especial para Viola Davis (Amanda Waller) que ha ejecutado muy bien a un personaje clave, una mujer de armas tomar como pocas se ven y que podrá tener voz y voto en futuras películas. También me ha gustado el Joker de Jared Leto. Pese a estar por detrás de otros actores que le han encarnado refleja bien la locura del personaje, lástima que el libreto le convierta en un jefe del hampa alejado del líder caótico que acostumbra a ser. Eso sí, recomiendo ver la película en versión original porque el doblaje para el Joker es muy mejorable. Cara Delevingne también ha afrontado la difícil tarea de interpretar a dos personajes en uno resultando ser una gran bruja y una excelente mujer atormentada.
Otra lacra que arrastra la cinta es su batiburrillo musical. Pese a conformar un grupo de buenos temas estos están usados sin buen criterio e introducidos de mala manera. Resulta ser una sobrecarga de escenas videoclipistas. Con esto Ayer, se aleja de la profundidad e intensidad lograda en “Training day” o en “Corazones de acero” y se acerca más a la acción facilona de “Sabotage”. En el campo de la composición cinematográfica hay que admitir que se logra una estética muy acertada, una muestra más de a quién va dirigida realmente la cinta. Usar los trajes y props de la versión inicial del cómic habría sido un error. Además Roman Vasyanov ha estado muy bien con su fotografía.
No podrían faltar los múltiples huevos de pascua, siempre agradecidos. El guiño al Joker de Alex Ross es el más destacable unido al pequeño reconocimiento hacía John Ostrander (autor del cómic) que se puede ver en un edificio.
La primera escena y la escena post créditos están empleadas para incluir a «Escuadrón Suidida» en la continuidad de los nuevos films de DC. Ahí hay que reconocerles un acierto que habría sido imperdonable de haber faltado. Lástima que una película que parte de tan buena materia prima y con la que nos han estado bombardeando tantos meses se haya quedado en entretenida y confusa. Esperemos cambien las cosas, al menos el material publicado sobre las novedades de DC presagia un mañana mejor.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Suicide Squad. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: David Ayer. Guión: David Ayer. Música: Steven Price. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie, Jai Courtney, Joel Kinnaman, Viola Davis, Cara Delevingne, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Adam Beach, Jay Hernandez, Karen Fukuhara, Scott Eastwood, Jim Parrack, Ike Barinholtz, Ben Affleck, Corina Calderon, Alex Meraz, David Harbour. Producción: Warner Bros. Pictures, DC Comics. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, cómic. Web oficial: http://www.suicidesquad.com/
Sharknado: Que la 4ª te acompañe tendrá lugar cinco años después de que la Costa Este de Estados Unidos fuera devastada en Sharknado 3. Fin, su familia y el universo han estado felizmente libres de sharnados en los años intermedios, pero ahora los tiburones (¡y tornados!) se están multiplicando en los lugares (y formas) más insospechados. Como los sharknados vuelven con más fuerza que nunca, Fin Shepard (Ian Ziering) necesitará la ayuda de algunos nuevos amigos en su incansable lucha para proteger el mundo de la amenaza sharknádica.
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Crítica
Macedonia de tornados para todos.
Bajo la batuta del mismo director de las tres anteriores, Anthony C. Ferrante, y el libreto del mismo guionista, Thunder Levin, vuelve Sharknado. Regresa Fin Shepard, el único hombre capaz de surfear un tornado de tiburones con un coche. Esta vez lo ha hecho acompañado de toda su familia. Vuelve además con su esposa, Tara Reid, tras las votaciones positivas de los fans de la saga. Pero no es el único que tiene esposa, su hijo, interpretado por Cody Linley se ha casado y su pareja lleva un peinado que recuerda a la nueva Tormenta de los X-Men, muy apropiado.
Tras sus títulos de crédito comiqueros he disfrutado, aunque en menor medida que con las anteriores entregas, con los guiños a “Star Wars”, obligatorios ya que se aprovecha el juego de palabras para el título, los tiburones holográficos como el de “Regreso al futuro”, las referencias a “El Mago de Oz” o a “Los vigilantes de la playa”, incluso a “Iron Man”. Como en anteriores ocasiones tenemos gran variedad de cameos, algunos muy difíciles para los no expertos en cultura norteamericana. Aparecen por ejemplo David Faustino (“Atomic Shark”, “Matrimonio con hijos”), Gary Busey (“Arma Letal”), Gilbert Gottfried (“Este chico es un demonio”, Steve Gutenberg (“Lavalantula”, “Loca academia de policía”) o Christine el coche de Stephen King.
Mucha casquería, efectos especiales de poca monta, escenas incoherentes, pésimas interpretaciones… vamos, lo normal en Sharknado. Se mantiene el reparto, se mantienen los chistes recurrentes y se mantiene el esquema. Esta cuarta entrega, pese a ser más floja, contribuirá a perpetuar la huella que está dejando esta saga en la serie B moderna.
Marca la diferencia con el resto de películas le hecho de que la humanidad parece haber encontrado la manera de combatir los Sharknados. Pero en esta ocasión Ferrante nos brinda un despliegue totalmente disparatado de tornados: petronado, tiburoarenanado, fuegonado, electronado, lavando… hasta un vacanado y nuclearnado. Si es que, pese a que podamos progresar tenemos que estar semper paratus.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Sharknado: The 4th Awakens. Duración: 80 min. País: EE.UU. Director: Anthony C. Ferrante. Guión: Thunder Levin. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Laura Beth Love. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Ryan Newman, Cody Linley, David Hasselhoff, Gary Busey, Mindy Robinson, Carrie Keagan, Imani Hakim, Caroline Williams, Tommy Davidson, Cheryl Tiegs, Nicole Chauvet, Duane ‘Dog’ Chapman,T’Keyah Crystal Keymáh, David Faustino, Duane Chapman, Corey Taylor, Stacey Dash, Drew Pinsky, Gena Lee Nolin, Alexandra Paul, Cynthia Bailey, Robert Herjavec, Jay DeMarcus, Lori Greiner, Frank Mir, Vince Neil, Wayne Newton, Todd,Savannah, Grayson Chrisley, Patti Stanger, Kym Johnson. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: SyFy (televisión). Género: serie B, ciencia ficción. Web oficial: http://www.syfy.com/sharknado4
«Star Trek: Más Allá», la esperadísima nueva entrega de la franquicia Star Trek –que ha gozado de enorme popularidad en todo el mundo– creada por Gene Roddenberry y lanzada nuevamente por J.J. Abrams en 2009, vuelve de la mano del director Justin Lin (“Fast and Furious”) contando el épico periplo de la nave U.S.S. Enterprise y su intrépida tripulación. En «Star Trek: Más Allá» la tripulación del Enterprise se dispondrá a explorar los últimos confines del espacio, donde nadie más ha llegado. Una vez allí se enfrentarán a un nuevo y misterioso enemigo que los pondrá a prueba, tanto a ellos como a la Federación y lo que ella representa.
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Crítica
El sabor de la serie en un largo con mucha dedicación y dedicatoria.
Una historia simple, quizá demasiado larga, clásica y con tintes modernos es una descripción que seguramente encaje muy bien con “Star Trek: Más allá”. Volvemos a sentir que este es un relato de exploración espacial, abraza el estilo tradicional de la franquicia. “Más allá” es un Star Trek de libro. Tiene esas soluciones con elementos fútiles que antaño funcionaban. No hay otra manera de describir la presencia de temas de “música clásica” como el Fight The Power de Public Enemy o el Sabotage de los Beastie Boys.
Y no solo me atrevo a decir esto por los muchos guiños (a películas, a la serie e incluso a algún cómic) que como seguidores de la serie agradeceréis y que no os detallaré para no chafaros la sorpresa. Entre ellos, estaba claro que estaría, el homenaje a Leonard Nimoy que llega incluso a formar parte importante de la historia personal y de la relación entre Spock (Zachary Quinto) y Kirk (Chris Pine). Star Trek sigue centrándose en estos dos personajes y resulta interesante la manera en como muestran que Kirk está hastiado y que Spock está más decidido que nunca a comprometerse con su raza.
Star Trek es experta en perpetuarse, sabemos ahora sí, que hay vida después de Abrams. Justin Lin director insignia de “Fast & Furious 6” ha tenido la oportunidad de manejar un vehículo más rápido que los de su saga de coches. Ha dirigido bien la cinta aunque en algunos momentos se olvida de que tiene tripulación, que Star Trek no es solo un grupo de protagonistas. Para estos últimos ha reservado más minutos, exigencia también del guión. Sobre todo ganan minutos Uhura (Zoe Saldana) y Scotty (Simon Pegg). El personaje de Karl Urban, Bones, ha cedido totalmente al tono cómico de la cinta. Y el de Sulu (John Cho) destaca por la polémica de su homosexualidad, para disgusto de George Takei, actor homosexual que le dio vida en la versión original y que no está muy de acuerdo con esto.
Por supuesto hay mucha acción. Pero Star Trek siempre ha tenido humor y en esta ocasión lo hay a raudales. Es mucho más divertida que sus predecesoras y habrá quien la tache de excesivamente cómica. Simon Pegg, que también ha ejercido como guionista junto a Doug Jung (“Dark blue”), ha sabido entender cómo debe comportarse cada personaje y cuáles debían ser las relaciones entre unos y otros.
Decepción también hay. Porque, ya no que sean los enemigos principales, sino porque apenas se mencione a los klingon tras sacarlos en su anterior película. ¿Consideramos entonces que quieren incluirlos en este universo pero da miedo tocarlos por las comparaciones o por no manchar un clásico? Desde luego el villano de Idris Elba, esto me pesa decirlo por lo que me gusta este actor, está por debajo del de Cumberbatch. Su historia se sostiene a duras penas, está poco trabajada. Pero también hemos de entender que no vamos a estar siempre en compañía de un malo absoluto. Sin embargo el otro personaje nuevo, Jaylah, el de Sofía Boutella (“Kingsman: servicio secreto”) tiene más futuro en la saga. Su personaje es consistente, carismático y útil para futuras entregas en las que seguro se ahondará sobre sus orígenes y raza.
Pese a que la película tiene ese sabor sesentero que puede recordar al modus operandi de la serie, los efectos digitales la dejan por los suelos. En “Star Trek: Más allá” disponemos de multitud de escenas que suponen un espectáculo visual que contribuye a la acción. Por poner unos ejemplos no relevantes: podemos ver enjambres como los que vimos en “El juego de Ender, trajes semejantes a los del videojuego “Dead Space” o una base que recuerda a la Ciudadela del “Mass Effect”. A toda esta grandeza se suma la banda sonora de Michael Giacchino (“Zootrópolis”, “Jurassic World”). Cuando indagué sobre el equipo técnico del film me pareció una elección más que correcta y no creo que haya mucha gente que pueda decir que ha defraudado, pese a que abusa un poco del tema central.
La película tiene algunos fallos que os he descrito, además de algún retoque que haría falta en el guión y que patina con el ritmo, pero “Star Trek: Más allá” es disfrutable y no hace falta ser un trekkie para hacerlo. Una buena película para dedicar a los fans pero sobre todo a Nimoy y a Yelchin.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Star Trek Beyond. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Justin Lin. Guión: Simon Pegg, Doug Jung. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin,John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes. Producción: Paramount Pictures, Bad Robot, Skydance Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia Ficción, aventuras, humor. Web oficial: http://www.startrekmovie.com/
Laertes, un violinista de gran talento, da clases de música a adolescentes de una escuela pública en Heliópolis, un barrio de una zona deprimida de São Paulo, tras ser rechazado en la prestigiosa Orquesta Sinfónica del Estado.
A pesar de las dificultades, el poder transformador de la música y la amistad que surge entre el profesor y sus alumnos les abre las puertas a un nuevo mundo.
Inspirada en la verdadera historia de la orquesta creada por el maestro brasileño Silvio Bacarelli en los años 90, que consiguió estimular la inclusión social y cultural de los jóvenes en la favela más grande de São Paulo, más conocida como HELIÓPOLIS.
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Crítica
Seguro que la copla te suena, pero la historia no la conocías.
En “El profesor de violín” vemos como un violinista con grandes aspiraciones acaba dando clases, resignado, a un grupo de jóvenes conflictivos en una zona humilde de São Paulo. Allí aprenderá de sus alumnos a la vez les ayudará a sobrellevar su infortunada vida. Esta sinopsis personalizada por un servidor podría recordarnos otros títulos de temática educativa como “Mentes Peligrosas” o a fenómenos musicales como “Sister Act”. Y además no solo rememora, si no que tiene muchos paralelismos con esas películas, pero hay que hacer notar dos puntos muy importantes: algo así pasó de verdad, está basada en la historia real de Silvio Bacarelli, y esto ocurre en un país y ambiente muy diferente al de las películas de Hollywood. La historia nos recuerda mucho a la de “El milagro de Candeal” de Carlinhos Brown, que Fernando Trueba nos mostró de un modo diferente. Hay que reconocer que no resulta una narración novedosa, pero no por ello es innecesaria pues nos acerca a algo verídico y nos expone de nuevo una realidad que está por encima de la ficción.
Además de la historia del profesor, el director y guionista de la cinta, Sérgio Machado, nos introduce la de un joven, interpretado por Kaike Jesus Santos, que tiene un duro conflicto con su padre. En un país futbolero y con un claro problema socioeconómico, el padre de dicho chico no quiere dejarle tocar el violín. Esta es otra historia que nos puede recordar a algún éxito de taquilla como “Billy Elliot” pero que va por otros derroteros, que es necesaria para la culminación de este relato y para la que Machado no ha empleado un tiempo excesivo.
Ahora que tanto se habla de Brasil por las olimpiadas y que seguro veremos una imagen de esta república muy distante de la auténtica realidad, no viene mal comprobar que las cosas siguen igual por allí. Y es que, aunque esta película está ambientada en los noventa, tristemente puede servir como toque de atención para un país que aún tiene mucho por hacer para alcanzar el orden y el progreso, y como un grito de amparo dirigido hacia la comunidad internacional. Ya de paso también podemos encontrar otra lectura, la necesidad de profesores no solo cualificados, si no también motivados.
Técnicamente la película es muy correcta. Buenos planos, agudo montaje, buena selección de temas musicales y diálogos bien ideados para lograr conseguir unos protagonistas realistas. Pero esencialmente lo que nos cuenta Machado es una historia sencilla, muy melódica, que acaba por manifestar que el talento se puede encontrar en cualquier parte o persona. La sutileza del violín y la emotividad de la música clásica pueden llegar a tocar la fibra del espectador. Esta es una película con un potente drama y unas escasas notas de humor piadoso.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Tudo Que Aprendemos Juntos. Duración: 100 min. País: Brasil. Director: Sérgio Machado. Guión: Maria Adelaide Amaral, Marcelo Gomes, Sérgio Machado y Marta Nehring. Inspirado en la obra “Acorda Brasil”, de Antonio Ermírio de Moraes. Música: Alexandre Guerra y Felipe de Souza. Fotografía: Marcelo Durst, ABC. Reparto principal: Lázaro Ramos, Fernanda de Freitas, Sandra Corveloni, Elzio Vieira, Kaique de Jesus. Producción: Gullane Filmes. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/el_profesor_de_violin
Hace menos de un mes os ofrecimos algo de información sobre la próxima película de Dani Rovira, “El futuro ya no es lo que era”. Ya conocíamos su fecha de estreno, el 16 de septiembre, pero ahora Tripictures nos ha enviado sus primeras imágenes en forma de tráiler.
Recordamos que en esta filmación Rovira está acompañado de Carmen Maura además de Carolina Bang, José Corbacho, Lucía de la Fuente, Saúl Barceló, Luisa Martín, Yolanda Ramos, Javier Collado, María José Goyanes y Juanma López Iturriaga. El director ha sido Pedro Barbero (“Tuno negro”).
Álex de la Iglesia ya tiene fecha para su próximo estreno. El 20 de enero24 de marzo llegará a nuestros cines “El Bar”. Un trhiller para el que ha contado con Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky y Mamen García.
Tras un rodaje de 7 semanas, por localizaciones en Madrid y Valencia, finalizado el 23 de marzo, el equipo de la película dejó terminado el material que podremos ver en enero. En este nuevo film veremos como un grupo de personas absolutamente heterogéneo, a las nueve de la mañana, desayuna en un café en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa: al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados.
La película es una producción de Pokeepsie Films y Nadie es Perfecto, con la colaboración de Atresmedia Cine y la coproducción de Pampa Films, y será distribuida por Sony Pictures Releasing España.
Ya llega a los cines “Mascotas” (crítica aquí) y se ha celebrado un evento muy “animal” en las playas de Alicante que ya os anunciábamos aquí el pasado 21 de julio. Más de 500 personas con 200 perros se acercaron a la mayor playa habilitada para canes en España con hasta 250 metros lineales a su disposición. La Doggy Beach de Alicante ha estado muy viva el pasado sábado con la múltiples actividades y talleres que además contaron con la colaboración de Kiwoko. Los que no pudieron ir a este evento aún podrán disfrutar con su mascota de esta playa pues permanecerá habilitada hasta el 15 de septiembre.
“OJ: Made in America” ha sido un acontecimiento entre la crítica y audiencia televisiva de Norteamérica. Esta serie de no ficción se emitirá a partir del 4 de agosto a las 22h en Movistar Estrenos, en el dial 31 de los abonados a Movistar+. A partir de entonces estará disponible al completo bajo demanda o podrá seguirse cada jueves en el canal mencionado hasta completar sus cinco episodios.
En un total de 7 horas, esta producción de la ESPN 30 for 30 se hace un repaso al juicio más famoso del mundo del entretenimiento. Todo sucedió hace algo más de 20 años, cuando O.J. Simpson era una estrella del fútbol americano, actor de cine (“Agárralo como puedas”) y habitual de la televisión. Fue acusado de un crímen pasional que estuvo seguido de persecuciones policiales, polémicas raciales, historias de maltrato… Todo para finalizar en una absolución que no serviría de nada pues acabaría en prisión por unos delitos posteriores. Cumple condena desde 2008, una pena de 33 años de prisión, con un mínimo de nueve años sin libertad condicional, es decir, podría salir el año que viene.
“Múltiple” (“Split” en versión original) es el título de la próxima película que veremos salida directamente de la mente de M. Night Shyamalan. Y esperemos que sea 100% Shyamalan, volviendo a sus orígenes, ya que él mimo la produce, escribe y dirige.
Para este thriller psicológico ha contado con Anya Taylor-Joy, James McAvoy y Betty Buckley. Nos introducirá en la mente de un hombre con identidad disociativa, con varias decenas de personalidades. Parece que el director ha aprovechado el look con cabeza afeitada que lució McAvoy en «X-Men: Apocalipsis»
Se estrena el 27 20 de enero de 2017 y el vídeo que tenéis a continuación es su tráiler en castellano (debajo lo tenéis en versión original pues parece que van a resultar muy importantes los cambios de voz en James McAvoy).
En 1972, en plena Guerra Fría, el campeonato mundial de ajedrez cobró proporciones mediáticas y tintes políticos sin precedentes. El enfrentamiento en Reikiavik entre el mítico jugador norteamericano Bobby Fischer y el campeón soviético Boris Spassky fue más allá de la pura competición, calificándose como la “Partida del Siglo”.
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Crítica
La película de un figura que sirvió de peón.
“El caso Fischer” nos habla de la magnitud y relevancia que de repente cobró el ajedrez para un país como Estados Unidos que lo tenía menospreciado. Esto surge al mostrarse la posibilidad de poder utilizarlo como una herramienta desmoralizadora contra los soviéticos. El artífice destinado a tal proeza era Bobby Fischer (Tobey Maguire), un portento en ese juego, pero todo un caso de persona (puede que de ahí el cambio del título original).
Moralmente hablando, la película coloca a Fischer como uno de los mejores peones de la historia de la guerra fría. Es una ironía que manejasen al mejor jugador norteamericano de ajedrez de la época como a un peón. Teniendo en cuenta que fue una guerra muy semejante a una partida de ajedrez, con mucha estrategia, faroles, tensión y resolución; podríamos decir que Edward Zwick nos quiere mostrar a Fischer como uno de los peones decisivos. Está claro que nos presenta un doble sentido, unas similitudes entre el enfrentamiento político y el juego de piezas. Para ello nos entremezcla tramas políticas, alucinaciones y matchs, creando así una ambientación más que conveniente. Aunque hay que decir que el film no está al nivel de otras filmaciones suyas tales como “El último samurái” o “Diamante de sangre”.
Si solo se tratase de una película de partidas de ajedrez el aburrimiento habría sido máximo. Está claro que ya sea por moda o por obsolescencia, este juego de tablero no es nada popular hoy en día. Pero la película cuenta con el componente de la guerra fría y los problemas mentales del personaje de Maguire. Si hablamos de espionaje, cerebros prodigiosos, paranoia… se nos puede venir a la cabeza “Una mente maravillosa”, pero para nada. O incluso si describimos también las peculiaridades, exigencias o extravagancias de Robert James Fischer podemos pensar en un Sheldon Cooper a la antigua, y también debemos quitarnos de la cabeza esa idea. El trabajo de Tobey Maguire tiene elementos comunes con lo citado, pero se ha salido de los estereotipos o de lo prefijado para hacer suyo este personaje basado en hechos reales y realizar una actuación ejemplar. Eso sí, su peculiar manera de andar no hay dios que se la quite.
Le acompañan en el reparto diversos actores dignos de admiración, pero sobretodo merece la pena mencionar a Liev Schreiber (“Spotlight”) y a Peter Sarsgaard (“Black Mass: estrictamente criminal”). El primero interpreta a un Spassky con un parecido físico más logrado, tremendamente soviético, con un carácter frío y calculador, desbordado por la soberbia y por la presión de ser utilizado también como un peón. El segundo a un sacerdote (Bill Lombardy) que sirve de pilar de carga tanto para Maguire como para su personaje.
Tal vez la ya mencionada poca popularidad del ajedrez entre la juventud actual y el hartazgo del público por ver películas en las que se enfrentan EE.UU. contra la Unión Soviética pueda jugar en contra de sus resultados en taquilla. Pero sin duda esta película ya forma parte de las buenas biografías de personajes ilustres norteamericanos.
La elite del ajedrez está destinada a los estrategas, inteligentes y calmados. Estas no son condiciones indispensables para ver “El caso Fischer”, pero si hay que armarse de un poco de paciencia y fortaleza mental para poder apreciar todas las jugadas que nos ofrece.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Pawn Sacrifice. Duración: 114 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Steven Knight. Música: James Newton Howard. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Tobey Maguire, Michael Stuhlbarg, Peter Sarsgaard, Liev Schreiber, Lily Rabe,Conrad Pla, Seamus Davey-Fitzpatrick, Sophie Nélisse, Robin Weigert, Evelyne Brochu, John Maclaren, Andreas Apergis, Ilia Volok, Alexandre Gorchkov, Aiden Lovekamp. Producción: Gail Katz Productions, Material Pictures, MICA Entertainment, PalmStar Entertainment, Saga Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/579/el-caso-fischer/
Matt Damon regresa a su papel más icónico en JASON BOURNE. Paul Greengrass, el director de El mito de Bourne y El ultimátum de Bourne, vuelve a colaborar con Matt Damon en este nuevo capítulo de la franquicia Bourne, de Universal Pictures, en la que el agente más letal de la CIA se ve obligado a salir de entre las sombras.
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Crítica
Un intento por rescatar la memoria de Bourne.
Catorce años después de “El caso Bourne” vuelve la franquicia del espía que supo salirse de los cánones establecidos. Pero desafortunadamente parece que es ahora la saga Borne la que se encuentra estancada. No nos confundamos, “Jason Bourne” es una buena película, pero como episodio de una franquicia no satisface.
Tiene el mismo actor y mismo director de su segunda y tercera parte, es decir Paul Greengrass y Matt Damon, y sigue también el mismo patrón. Jason Bourne está desaparecido y se presenta un detonante que le hace volver dispuesto a arrasar con todo. De nuevo volvemos a oír eso de “¡es Jason Bourne!”. Se han sacado de la chistera una historia sobre el pasado de Bourne que, por supuesto no recuerda para variar, y un nuevo villano interpretado por Tommy Lee Jones. Ya no cuela que haya tanto gerifalte de la CIA que haya mangoneado la vida de Jason Bourne. Además, sucede también lo del personaje de Vincen Cassel que guarda una demasiado casual relación con Bourne y su pasado. Podemos decir, eso sí, que estos dos actores están bien en su papel y que es la película que más intenta abordar el pasado personal del personaje de Matt Damon. Sí que es cierto que la gran revelación que descubre el personaje puede suponer un cambio en su modo de vida, pero esto podremos verlo desarrollado en una posible próxima entrega, ya que no se ha explotado en esta.
Tras el inmutable rostro de Jeremy Renner, Matt Damon retoma a uno de sus personajes más icónicos. En esta ocasión un personaje más dubitativo y desgastado que parece que nos va a dar una sorpresa final, pero se queda con lo de siempre. Matt Damon maneja bien este registro, pero el libreto no le permite llevarlo más allá. También vemos a una Alicia Vikander más fría de lo habitual, si tenemos que elegir un papel próximo al que realiza aquí deberíamos elegir el de Ava en “Ex machina” ya que su personaje es casi igual de flemático y tecnócrata.
En esta ocasión se citan más casos reales (como el de Snowden) y la cinta parece casi saltarse “El legado de Bourne”, salvo vagas referencias. La ambientación, al igual que en las otras películas de Greengrass, está lograda. El director, también guionista en esta ocasión, nos introduce en un mundo de espionaje y control de la información muy bien recreado. Incluso la revuelta Grecia, rodada en Tenerife, resulta convincente. Se nos ofrece una persecución de coches tan espectacular como excesiva. Lo mismo se puede decir del poder que tiene la CIA, mucho más que antes, la peor pesadilla para George Orwell. Es decir, muchos fuegos de artificio para tapar un guión menos sesudo que el de la trilogía original. Se hace patente la ausencia de Tony Gilroy (“Pactar con el diablo”).
Pese a todo lo anterior se ha introducido una historia derivada, un dolor más de muelas para la Agencia, cuyo peso recae sobre los hombros de Riz Ahmed (“Nightcrawler”). Esta historia puede servir como complemento o como distracción de la trama central, como os la queráis tomar, pero resulta bastante más interesante y supone una de las pocas novedades de la franquicia.
Una película no apta para conspiranoicos. Es buena como película, pero floja como entrega de una saga que pide a gritos evolucionar y sorprender.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Jason Bourne. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: Paul Greengrass. Guión: Paul Greengrass, Christopher Rouse. Música: David Buckley, John Powell. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Matt Damon, Alicia Vikander, Julia Stiles, Tommy Lee Jones, Vincent Cassel, Ato Essandoh, Riz Ahmed, Scott Shepherd, Bill Camp, Vinzenz Kiefer, Stephen Kunken, Ben Stylianou, Kaya Yuzuki, Matthew O’Neill, Lizzie Phillips, Paris Stangl. Producción: Universal Pictures, The Kennedy/Marshall Company, Captivate Entertainment. Distribución: Univsersal Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jasonbourne.es/
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