Crítica: ‘The vigil’

Sinopsis

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Un joven tendrá que poner a prueba su fe y aceptar un horrible acontecimiento de su vida pasada en una noche que se convertirá en una auténtica pesadilla. La vigilia de un cadáver en una casa que suceden fenómenos extraños le confrontará con sus propios fantasmas. Y el peor de los fantasmas está ahí.. y viene a por él.

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Crítica

Una casa, un cadáver en el salón y mucha oscuridad. Un total de 88 minutos de tensión

El año pasado pudimos ver en el Festival de Sitges ‘The vigil’ que fue la película de clausura de la 53 edición de éste Festival. La ópera prima de Keith Thomas nos dio una buena sesión de sustos y también sordera.

El nuevo fenómeno de Blumhouse nos lleva a una comunidad jasídica de Boro Park en el barrio de Brooklyn en Nueva York. Yakov Ronen (Dave Davis) que se encuentra en una situación bastante precaria al no tener trabajo, decide aceptar trabajar una noche como shomen, pese a que él no es muy religioso. Ésta práctica judía es vigilar el cadáver de un miembro de la comunidad durante una noche.

La puesta en escena no puede ser mejor, tenemos una casa de dos pisos bastante estrecha, muy poca luz y un salón en el que se encuentra un cadáver. Además Yakov tiene que pasar también la noche con la viuda del difunto que ocupará el segundo piso.

Antes de seguir, comentaros, que aunque él esté solo tiene un lazo con el exterior y es que aparte de vigilar el cadáver, Yakov estará hablando con Sarah por su teléfono móvil.

Recuerdo que me gustó mucho como no pierde oportunidades, todo lo aprovecha. Aunque sí que es cierto que los sustos son muy de la vieja escuela, logran en más de una ocasión que pegues un respingo de tu asiento.

El cómo juegan con la luz y las sombras me parece alucinante, está muy cuidado y logra que durante mucho tiempo de la película llegues a dudar si realmente hay fenómenos paranormales o simplemente la imaginación le está jugando una mala pasada a Yakov.

En cambio donde la película falla es en los efectos de sonido, demasiado estridentes y muchas veces llegan a molestar. Una cosa es tener un susto gracias a este recurso y otra es que ni siguiera te des cuenta del susto porque tienes que taparte los oídos.

Quitando el problema, al menos en mi opinión, del sonido, la película me parece muy original. Su historia y la manera de llevarla, el que el protagonista esté con el whatshapp y contando todo a Sara, el recurso de ver la conversación en pantalla como si fuesen diálogos, no es algo nuevo, pero sí que es bastante efectivo. Sus miedos, las luces que se apagan, se vuelven a encender, los pasos y las figuras extraña están muy bien introducidas.

En el resto de reparto encontramos a Menashe Lustig, Malky Goldman, Lynn Cohen, Fred Melamed entre otros. Muchos de ellos intentan que Dave vuelva al camino de la religión y por ello le convencen de que acepte este trabajo.

Para terminar comentaros que ‘The vigil’ merece la pena y logra mantener nuestra atención durante sus 88 min de duración además de pegarnos buenos sustos.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de octubre de 2020. Título original: The Vigil. Duración: 88 min. País: Estados Unidos. Dirección: Keith Thomas. Guión: Keith Thomas. Música: Michael Yezerski. Fotografía: Zach Zuperstein. Reparto principal: Dave Davis, Menashe Lustig, Malky Goldman, Lynn Cohen, Fred Melamed. Producción: Blumhouse Productions, BoulderLight Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: Terror. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/the-vigil/

Crítica: ‘Muñeco diabólico’

Sinopsis

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‘Muñeco Diabólico (Child´s Play)’ es una recreación contemporánea del clásico de terror de 1988.

Karen (Aubrey Plaza), es una madre soltera que le regala a su hijo Andy (Gabriel Bateman) un muñeco por su cumpleaños sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior.

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Crítica

Un buen cambio de chip para una clásico que se moderniza a la vez que nos devuelve viejas sensaciones

En 1988 Don Mancini nos presentó a Chucky, un personaje que al igual que Freddy Krueger, Leatherface, Jason o Michael Myers se convirtió en icono del terror en menos de lo que tarda en alcanzar su brillo una lámpara fluorescente. Monstruos modernos de nuestras pesadillas con múltiples entregas que han sobrevivido al paso del tiempo manteniendo legiones de fans fieles a sus secuelas. Pero ahora el pequeño muñeco diabólico ha soltado la mano de su padre. 31 años después la productora que conserva los derechos de la primera película ha decidido reiniciar la saga por su cuenta, no sin ello reconocer el mérito a su creador en los títulos de crédito.

Nos olvidamos del asesino que posee al muñeco a través del vudú. Un microprocesador malamente manipulado es el responsable de la maldad del nuevo Chucky. Se convierte la saga en una especie de versión adulta de ‘Pequeños guerreros’, el estupendo título de Joe Dante que sucedió a ‘Muñeco diabólico’ diez años después. Este chip prodigioso nos trae a un juguete asesino con una motivación diferente pero que en esencia es el mismo: un sádico y renacuajo homicida con una sola obsesión, Andy.

La película nos da también lo mismo, mucha sangre y muertes delirantes, aunque en su tramo final las descuida. El poco apego que le tiene a la vida esta nueva máquina asesina magníficamente doblada por Mark Hamill mantiene el sadismo de la saga original. Eso sí, Chucky no es respondón ni burlón como lo era antes, pero la comedia también la tenemos asegurada. A través del guion que ha escrito Tyler Burton Smith para Andy (Gabriel Bateman) y sus amigos se nos aportan momentos de mucha guasa, pero ojo, de esa que tiene un punto maquiavélico. De ahí parte la canción infantil, retorcida, asquerosamente pegadiza que canta Mark Hamill. Ladinamente buena es la banda sonora compuesta por Bear McCreary. Acompañada de voces angelicales y basada en sonidos de cajas de música, bastante diferenciada además de otras de sus melodías compuestas anteriormente para títulos como ‘Cloverfield Paradox’ o ‘Colossal’. Muy separada también de la composición ochentera de Joe Renzetti.

‘Muñeco diabólico’ se mueve por poco más de tres localizaciones. La casa del protagonista es la más habitual y tiene cierto parecido con la de la película del 88. Escenario que nos aporta un ambiente cómodo y que le es más que suficiente a nuestro nuevo amigo para encontrar víctimas. Un territorio por el que se mueve a base de animatrónica y animación por ordenador. Muy bien creada la criatura a cuyo diseño facial uno no acaba de acostumbrarse. No es que sean muchos años viendo al antiguo Chucky, es que su rostro desproporcionado, que a veces recuerda a Steve Buscemi, simplemente no acaba de dar miedo de caricaturesco que resulta.

Lo que hoy llamamos trastada o picardía, lo que son descuidos o dejadeces de los padres millennials Chucky lo va recogiendo como parte de su educación como IA defectuosa. Malos ejemplos que sirven para que la película también deje sus pequeñas perlas a modo de crítica y para que el personaje se construya como malvado y genere su personalidad, ya que de inicio no la tiene. Hay que reconocer que su concepción está bien hilada. Dada la coincidencia de su estreno con ‘Toy Story 4’ en Estados Unidos (y de que ambos dueños de los juguetes se llaman Andy) la promoción de la película ha desembocado en una serie de parodias en las que Chucky masacra a los protagonistas de la película de Disney. Graciosísimos carteles que van acordes con lo macabro del tono de la cinta. Una mezcla de pillería y descontrol que relaciona varias generaciones, no es solo marketing, eso se siente también al ver la película de Lars Klevberg.

Quizá es un homenaje al filme original pero la película dura 88 minutos, cifra que coincide con el año de estreno. Casualidades a parte, original o no, este ‘Muñeco diabólico’ a mí me parece una eficaz vuelta de tuerca, un buen cambio de chip para una clásico que se moderniza a la vez que nos devuelve viejas sensaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: Child’s play. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Lars Klevberg. Guion: Tyler Burton Smith. Música: Bear McCreary. Fotografía: Brendan Uegama. Reparto principal: Mark Hamill, Aubrey Plaza, Gabriel Bateman, Tim Matheson, Brian Tyree Henry, David Lewis. Producción: Orion Pictures, KatzSmith Productions, Metro-Goldwyn-Mayer, Oddfellows Entertainment, TF1 Studio. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, comedia. Web oficial: https://bestbuddi.com/

Tráiler en castellano de la nueva versión cinematográfica de ‘Muñeco diabólico’

Estreno el 28 de junio

Como ya sabemos, sin el beneplácito y colaboración de Don Mancini, llegará a las salas de cine una nueva versión del clásico de terror ‘Muñeco diabólico’. La saga se reinicia de la mano de una de las productoras que posee sus derechos y cambian un poco las reglas del juego. Ahora no entra en juego el vudú si no un fallo técnico en una inteligencia artificial o en una app móvil.

El 28 de junio ‘Childs Play’ estará en carteleras de la mano de Vértigo Films el título que ha dirigido Lars Klevberg (‘Polaroid’) y en el que oiremos la voz de Mark Hamill para dar vida a Chucky. También han trabajado en la película Aubrey Plaza o Gabriel Bateman además de Tim Matheson, Brian Tyree Henry o David Lewis entre otros.

Crítica: ‘Sombra’

Sinopsis

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El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey.

Para ello ha creado una “sombra” (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.

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Crítica

Con ‘Sombra’ regresa un Zhang Yimou en modo poético y fotográfico

Dos años después de aquella gran producción que se tituló ‘La gran muralla’, que trajo a España Universal Pictures y que a tantos decepcionó, Zhang Yimou regresa con ‘Sombra’, un título muchísimo menos pretencioso y espectacular. Su reparto está compuesto por caras bastante menos conocidas que las de Damon, Daffoe o Pascal y su presupuesto también es notablemente inferior, pero su resultado se hace más digerible.

Consigue vendernos ‘Sombra’ principalmente por su estética. Intenta retomar el espíritu visual de títulos que le otorgaron reputación y aplausos como ‘Hero’ o ‘La casa de las dagas voladoras’. Para ello Yimou ha vuelto a contar con el director de fotografía Zhao Xiaoding quien ya estuvo con él en ‘Las flores de la guerra’, ‘La casa de las dagas voladoras’, ‘La gran muralla’ o ‘La maldición de la flor dorada’. Nos atrae nada más ver que los fotogramas están compuestos básicamente por tonalidades grisáceas. Son imágenes casi en blanco y negro que llevan el contraste al límite. Solo la carne de las manos y la cara, la sangre que emana de las heridas, se escapa del domino de la escala de grises. El filme es como un lienzo o pergamino pintado con tinta china que lucha contra bloques de piedra pizarra o contra metal oscuro. Incluso el vestuario es la prolongación de esa estética que nos adelanta una pugna en la que nos va a costar diferenciar entre el bien y el mal.

El guión ‘Sombra’ es lo que más repele. La primera media hora se haría plomiza si no nos mantuviesen ensimismados con los exteriores o las estampas palaciegas que han elaborado. Porque casi todo el filme son intrigas, discusiones o discursos que parecen sacados de un poema trágico. Más adelante pasamos a una parte en la que ya empieza algo más de acción que implica la inclusión de las famosas artes marciales acrobáticas que siempre introduce Yimou. Para posteriormente si disfrutar de una escueta batalla y combate final. En resumidas cuentas y buscando referentes ‘Sombra’ es una mezcla entre ‘Hamlet’, ‘El Zorro’ y ‘El hombre de la máscara de hierro’.

Un escenario de fantasía con una historia que parece sacada de los anales de la antigua China. No sé si este cuento que nos ha traído Yimou tiene inspiraciones reales pero desde luego el cineasta sabe darle la profundidad de una historia auténtica. Se entretiene demasiado en darle voz a los monólogos de sus personajes y solo la poesía de sus imágenes o de sus escenas de lucha y música nos dejan mejor recuerdo en un filme que se queda a una buena distancia del mejor Zhang Yimou.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de mayo de 2019. Título original: Shadow. Duración: 116 min. País: China. Dirección: Zhang Yimou. Guion: Zhang Yimou, Li Wei. Música: Lao Zai. Fotografía: Zhao Xiaoding. Reparto principal: Deng Chao, Sun Li, Zheng Kai, Wang Qianyuan, Wang Jingchun, Hu Jun, Guan Xiaotong, Leo Wu. Producción: LeVinson Pictures, Village Roadshow Pictures Asia. Distribución: Vértigo Films. Género: acción, drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/sombra/

Zhang Yimou regresa con ‘Sombra’ este mes de mayo

Nueva épica de acción en la corte china

El próximo 17 de mayo llegará a los cines la próxima película de Zhang Yimou. El director de películas como ‘Hero’, ‘La casa de las dagas voladoras’ o ‘La gran muralla’ ahora estrenará a través de Vértigo Films en nuestro país ‘Sombra’. Una película sobre intrigas en la corte china que por supuesto contiene mucha acción y que cuenta con actores como Deng Chao (‘Detective Dee y el misterio de la llama fantasma’),  Sun Li (‘Fearless – Sin miedo’),  Zheng Kai (‘La gran muralla’), Wang Qianyuan (‘Seven days’) o Wang Jingchun (‘Time riders’).

Como podréis ver en el tráiler las imágenes van a tener tonos muy contrastados, con muchos claroscuros. Se sabe que fue rodada casi en blanco y negro para simular el estilo de las pinturas con tinta china. Desde luego que como siempre cabe esperar Zhang Yimou nos sorprenderá visualmente.

Sinopsis oficial:

El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey. Para ello ha creado una “sombra” (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.

Crítica: ‘Háblame de ti’

Sinopsis

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Alain es un hombre de negocios respetado y un orador brillante. En su vida, no hay lugar para el ocio o la familia. Un día, sufre un derrame cerebral que da al traste con su brillante carrera profesional y le causa problemas profundos de habla y memoria. En su rehabilitación recibe el apoyo de Jeanne, una joven logopeda. Gracias al arduo trabajo y la paciencia, Jeanne y Alain llegarán a conocerse y cada uno, a su manera, tratará de reconstruirse y empezar una nueva vida.

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Crítica

Una comedia luminosa y de manual

Hombre de negocios, diseñador de éxito, conferenciante resuelto… Alain (Fabrice Luchini) es una persona engreída y petulante, entregada a su empleo, de esas que dicen «descansaré cuando me muera». Tras ese respetado empresario del mundo de la automovilística hay un mal padre y un mal jefe. Un día este reputado hombre sufre un ictus y sus facultades se ven disminuidas. Aunque esta película no pretende ser muy realista el daño llega hasta tal punto que es incapaz de hablar con coherencia aunque las ideas estén ordenadas en su cabeza, por lo que todos sus planes, su carrera y su prestigio comienzan a peligrar.

Es obvio pensar que con esta premisa lo que nos espera es una clásica historia de trasformación. El antaño altivo directivo de repente se ve con los pies en la tierra y con la obligación de fijarse mejor en aquello que le rodea. Además tiene que aguantar las risas contenidas de aquellos que le oyen hablar. Lo que antes era respeto se torna en burla o lástima.

Resumiendo. En ‘Háblame de ti’ tenemos comedia y moraleja. Comedia que nos viene sobre todo de los disparates que dice el protagonista al ser incapaz de relacionar o pronunciar bien las palabras. Moraleja al transmitirse el mensaje de humildad, de tomarse la vida con calma y de dedicar tiempo a aquello que de verdad importa. También tiene algo de autocrítica pues viene de una novela autobiográfica de Christian Streiff que literalmente se llama «Un hombre de prisas».

Con todo lo que nos cuenta el filme podría habernos transportado a un drama lacrimógeno pero en ningún momento se nos sugiere que debamos sufrir por los personajes y eso se agradece. A eso me refiero con que es un título luminoso, se centra más en la luz de la situación del protagonista, es de las que ven el vaso medio lleno. Agradezco también que, al contrario de como es costumbre en el cine francés, no se haya introducido la clásica historia de amor metida con calzador. Hay que reconocer que cuesta mantener el tono cómico solo a partir de la nueva manera de expresarse del protagonista, pero al menos la historia se propaga por los personajes secundarios amenizando la trama central.

‘Háblame de ti’ podría ser una película del montón, que ni sorprende ni decepciona. En algunos aspectos me ha recordado a la reciente ‘Mi familia del norte’. Es decir, tenemos también a un reverenciado personaje del mundo de los negocios convertido en hazmerreír por su manera de hablar. Pero consigue ser menos cargante y sus maneras son más elegantes o comedidas y no es solo por sus continuas referencias a ‘Casablanca’, a ‘Cowboy de medianoche’ o a Bob Dylan.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: Un homme pressé. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Hervé Mimran. Guion: Hervé Mimran. Música: Balmorhea. Fotografía: Jérôme Alméras. Reparto principal: Fabrice Luchini, Leïla Bekhti, Rebecca Marder, Igor Gotesman, Clémence Massart, Frédérique Tirmont, Yves Jacques, Micha Lescot. Producción: Canal+, Gaumont, Albertine Productions, France 2 Cinema. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/hablame-de-ti/

Crítica: ‘El veredicto’

Sinopsis

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Mientras su matrimonio con Jack se hunde, la eminente juez de la Corte Suprema Fiona Maye tiene que tomar una decisión que cambiará su vida: si debe obligar a un adolescente, Adam, a recibir una transfusión de sangre que podría salvar su vida.

Su visita al hospital tiene un profundo impacto en ambos, provocando fuertes emociones en el chico y el resurgimiento de sentimientos que hacía tiempo que no sentían en ella.

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Crítica

Interesante y desaprovechada, así es ‘El veredicto’

Basada en la novela de Ian McEwan, ‘El veredicto‘ llega a nuestras pantallas con una historia muy potente pero muy poco aprovechada. Esta claro que con este autor y guionista no termino de cuajar, pues ‘En la Playa de Chesil‘ también está basada en uno de sus libros y también se encarga de la escritura del guión y como recordaréis no logró convencerme.

La juez de la Corte Suprema Fiona Maye está dedicada a solucionar los asuntos entre hospitales y los tutores de menores que no quieren tratamiento para sus hijos.

La cinta se centra en uno de esos casos, en el que él propio menor, por motivos religiosos no quiere recibir una transfusión de sangre para poder salvar su vida.

La historia es interesante si no fuese porque al final termina por perderse para convertirse en una simple historia sobre la complicada vida de una mujer a la que lo único que la mantiene en pie día a día es su trabajo.

Tenemos como protagonista a Emma Thompson, no puedo decir que su actuación sea mala, interpreta a la Juez con una fuerza impresionante, pero sí que es cierto, que es un papel muy habitual en ella y nos ofrece nada nuevo.

Fionn Whitehead (‘Dunkerque‘), el muchacho al que tiene que salvar de sí mismo, nos regala un personaje tierno, perdido y que necesita una ayuda para poder seguir adelante y reencontrarse.

Stanley Tucci es quizá el golpe de aire fresco dentro de todo este drama, un personaje enamorado de su mujer, pero cansado de la vida que ella le da. Cada vez que entra en escena, el humor negro típico británico aflora por cada rincón de esa gran casa en la que se ven.

Me da mucha pena hacia donde se dirige la historia, pues debería haber seguido con el debate de si es justo o no decidir por un menor o incluso quitar la potestad a los padres de hacerlo. Al comienzo de la cinta vemos un montón de casos que ella cierra decidiendo por ambas partes y alguno de ellos es bastante peliagudo como para que no se tome la opinión de los padres en cuenta.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de noviembre de 2018. Título original: The Children Act. Duración: 105 min. País: Reino Unido. Dirección: Richard Eyre. Guion: Ian McEwan. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Jason Watkins, Ben Chaplin, Rupert Vansittart, Anthony Calf, Rosie Cavaliero, Andrew Havill, Nicholas Jones, Alex Felton, Honey Holmes. Producción: BBC Films, Filmnation Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://www.thechildrenactfilm.com/

‘El viaje de Chihiro’ saldrá a la venta en Blu-ray

A partir del 5 de diciembre y antes a la venta en el Salón del Manga de Barcelona

Nos acaba de anunciar oficialmente Vértigo Films el lanzamiento comercial de ‘El viaje de Chihiro’ para el próximo 5 de diciembre. Ya podremos tener el Blu-ray el gran título de Studio Ghibli ya que será la primera vez que esté disponible en este formato. Todas las tiendas especializadas del territorio español lo tendrán en sus estanterías. El lanzamiento consistirá en una edición especial coleccionista en formato cofre con diversos complementos que acompañarán la edición de BluRay y DVD, además de numerosos extras.

Además Vértigo Films colocará una cantidad limitada de esta nueva edición en el Salón del Manga de Barcelona. Allí tendrá un stand donde se podrán adquirir otros títulos de Ghibli como ‘El cuento de la princesa Kaguya’, ‘El viento se levanta’ o ‘El recuerdo de Marnie’. El que quiera colocar esos títulos en su pared podrá hacerlo ya que también estarán disponibles posters de ellos incluyendo ‘El viaje de Chihiro’ o ‘Mi vecino Totoro’ ‘EL VIAJE DE CHIHIRO’, película que cumple 30 años desde su estreno.

Crítica: ‘La última bandera’

Sinopsis

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Año 2003. El ex médico de la Marina Larry “Doc” Shepherd (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos para llevar a cabo una última misión: enterrar al hijo de Doc, fallecido en la Guerra de Irak, cerca de su hogar. Doc se niega a que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, y con la ayuda de Sal (Bryan Cranston) y Mueller (Laurence Fishburne) trasladará el féretro en un viaje donde los tres recordarán, 30 años después de haber servido juntos en Vietnam, cómo la participación en la guerra ha afectado a sus vidas.

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Crítica

Linklater nos lleva de guerra en guerra y tiro porque me toca.

Richard Linklater ha sido siempre un director capaz de imprimir su sello en las películas que ha rodado. De no ser así no habríamos tenido cintas tan peculiares como ‘A Scanner Darkly’, ‘Bernie’ o ‘Fast Food Nation’. Quizás muchos le conoceréis más por ‘Boyhood’ o la terriblemente doblada en España ‘Escuela de rock’. Pero lo importante es que siempre tenéis que buscar en sus largometrajes la inconformidad que casi siempre denuncia, el retrato que hace del país que habita y los temas que explora con una casi inamovible mirada.

En ‘La última bandera’, a pesar de basarse en una novela de Darryl Ponicsan sigue en su línea. El director hace inciso varias veces en el asunto de las mentiras y las guerras. El estado norteamericano sigue intentando legitimar guerras para que sus ciudadanos sigan creyendo que cada generación tiene que tener su conflicto armado en el que participar. Lo dice muy claro uno de los personajes «El hombre hace la guerra y la guerra hace al hombre. Pero en algún momento tendremos que hacer algo distinto». El filme trata de eso. De no enterrar una mentira, sino a un hijo, a una persona que ha sido usada para intereses del gobierno en otra guerra para nada justificada.

Tres veteranos de guerra tienen que lidiar con los problemas acarreados por otra que afecta a sus hijos. Precisamente sus descendientes son los que les presentan una última batalla que afrontar unidos, llena de obstáculos que salvar. Esto es debido a que uno de ellos les reúne tiempo después de su último encuentro juntos para pedirles que le ayuden a enterrar a su hijo, muerto en acto de servicio, en la guerra de Irak.

A la película ya iba con ánimo de encontrarme algo actoralmente grande, por lo menos al ver los tráilers y leer quienes eran los cabezas de cartel. El reparto protagónico es excepcional. Que actores de la categoría de Bryan Cranston, Laurence Fishburne y Steve Carell estén juntos no es algo fácil de conseguir. Solo faltaba ver si el guión estaba a la altura de unos intérpretes que nos han dado personajes ya míticos para la cultura popular moderna. Y aunque no ha sido del todo así por lo menos la película nos sigue derroteros convencionales. Combinando drama y comedia de un modo casi ácido y tragicómico Richard Linklater ha manejado a estos tres ases sacando de ellos su lado más triste pero también su parte chistosa. Inteligente elección de reparto, quien no acudirá a la película por uno acudirá por otro. Son tres personas que tienen seguidores fieles, capaces de abordar sus personajes de manera veraz y que vais a comprobar que pueden conseguir un equilibrio los unos con los otros.

A cada uno de ellos se les ha dado una salvaguardia para sus personajes: la religión, el alcohol, la penitencia. En esos clavos ardiendo se agarran para no volver a ser los que eran cuando estaban en Vietnam. Pero cuando se juntan de nuevo… Lo más curioso es ver como Cranston y Lawrence ejercen de conciencia de Carrell, como si fuesen el ángel o el demonio le que susurran en los oídos. Ver a dos actores como Steve Carell o Bryan Cranston, que han pasado por la comedia y ahora nos ofrecen dramas muy penetrantes, nos ofrece momentos muy graciosos y a la vez sentimentales, diría que incluso sabios. Pero esos instantes no hacen que ‘La última bandera’ esté llamada a ser la película más renombrada de Linklater.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Last flag flying. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guión: Richard Linklater, Darryl Ponicsan. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane Kelly. Reparto principal: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson, Richard Robichaux. Producción: Amazon Studios, Big Indie Pictures, Detour Filmproduction. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia, adaptación. Web oficial: http://www.lastflagflying.com/

Crítica: ‘El fiel’

 Sinopsis

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Cuando Gino conoce a Bénédicte, surge el amor a primera vista, apasionado e incondicional. Ella trabaja en el negocio familiar, pero su hobbie es conducir coches de carreras. Él es un chico normal y corriente que esconde un secreto que puede poner en peligro su vida y la de los que le rodean.

Juntos tendrán que hacer frente a su turbulenta historia y contra el destino, la razón y sus propios miedos para salvar su amor.

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Crítica

‘El fiel’ demasiado trágica para ser verdad.

Básicamente ‘El fiel’ es la historia de amor entre una piloto de carreras y un atracador de bancos, cualquiera que escuche la sinopsis puede pensar que vamos a ver una historia de amor interesante, pero no. Estamos ante una historia de amor, sí, pero tan turbulenta, tan gafada que absolutamente todo entre ellos va mal. No su historia de amor, sino todo lo demás.

La cinta que representará a Bélgica en los Oscar está dirigida por Michaël R. Roskam, director de ‘La entrega’ y hace que sus dos protagonistas sufran todo lo indecible, tanto que llega un momento que ocurren tantas desgracias que es todo demasiado artificial, no es para nada creíble.

Matthias Schoenaerts (‘La chica danesa’) y Adèle Exarchopoulos (‘La vida de Adèle) son los encargados de representar a estos dos protagonistas, que sí que nos transmiten todo el amor que sienten el uno por el otro. Quizá demasiado.

Realmente en esta cinta todo es demasiado, demasiado amor, demasiada tristeza, demasiadas tragedias, demasiado larga. Llega un momento en la película que después de ver sufrir tanto a los personajes por situaciones tan absurdas se hace aburrido y monótono.

Hay un momento clave en el que parece que vaya a terminar así, no es un buen final para la pareja, pero si aceptable para el espectador, que además hubiera dado de que hablar sobre como seguirán sus vidas ambos protagonistas. Pero no, el director decide seguir y enrevesar demasiado una historia que no hacia falta alargar más.

Matthias Schoenaerts está estupendo, creo que este actor tiene mucho potencial y siempre lo aprovecha al máximo. Mientras tanto Adèle Exarchopoulos está sobria. Cuando está con su compañero parece que gana un poco de fuerza, pero en general su actuación es bastante sosa.

En cuanto a los medios técnicos no son nada del otro mundo, la música es sencilla, la fotografía también. Eso sí, la dirección aunque sencilla es bastante bonita, tiene planos muy cuidados hecho para realzar la historia de amor.

‘El fiel’ es una película bastante aburrida que pierde interés según avanza. Se hace tediosa y por desgracia toda la historia de amor que está entre manos del director se hace pastelosa e irreal.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de noviembre 2017. Título original: Le fidèle. Duración: 130 min. País: Bélgica. Dirección: Michaël R. Roskam. Guión: Thomas Bidegain, Noé Debré, Michaël R. Roskam. Música: Raf Keunen. Fotografía: Nikolas Karakatsanis. Reparto principal: Matthias Schoenaerts, Adèle Exarchopoulos, Sam Louwyck, Stefaan Degand, Charley Pasteleurs, Corentin Lobet. Producción: Savage Film, Stone Angels, Kaap Holland Film, Submarine, Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/el-fiel/

Crítica: ‘La historia del amor’

Sinopsis

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Nueva York, s. XXI. Leo, un inmigrante judío polaco, vive con el recuerdo del gran amor de su vida. Pese a su dolorosa historia, vive alegremente gracias su díscola relación con su mejor amigo, Bruno. Al otro lado de la ciudad, Alma, una adolescente llena de vitalidad, encuentra el amor por primera vez y está decidida a encontrar al hombre ideal para que su madre vuelva a casarse.

Nada parece vincular al viejo Leo y a la joven Alma. Sin embargo, desde la Polonia de los años 30 hasta el Central Park de la actualidad, el manuscrito de un libro llamado ‘La Historia Del Amor’ viajará a través del tiempo para unir sus destinos.

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Crítica

Menos grandilocuente y mucho más melosa de lo esperado.

Radu Mihaileanu y Marcia Romano han escrito una película en la que plasman distintos tipos y etapas del amor. Pero no es lo único en lo que quieren abarcar más de lo que pueden, pues han procurado crear una película universal, un filme que abarca excesivos clichés y que nos pide mucha más atención de la que en realidad necesita. Desconozco si la novela homónima de Nicole Krauss tiene las pretensiones y la envergadura de la película pero con un libro te marcas tu los ritmos, tal vez tanto director como guionista tendrían que haber intentando ser menos fieles a la obra, aunque tampoco es tan extensa, posee tan solo 288 páginas.

Cautiva mucho a priori el largometraje: su premisa, su fotografía, su reparto… incluso sus primeras palabras parecen sacadas de un cuento moderno, como si las hubiese escrito Patrick Rothfuss para su famosa trilogía del Asesino de Reyes. Pero lo que nos engatusa es su historia en líneas generales, no el modo de tratarla. Se puede dividir la película en tres partes, mezcladas entre sí y montadas alborotadamente a modo de puzle. Una de ellas está descolgada en el tiempo y nos la van desgranando a modo de flashbacks narraciones que nos van llegando según se desvelan párrafos de ‘La historia del amor’. Son esos fragmentos del pasado los más plomizos debidos a su sensiblería y espeso romanticismo. Las otras dos fracciones suceden en la actualidad y se reparten entre el protagonista encarnado en su ancianidad por Derek Jacobi y por la poco carismática Sophie Nélisse (‘La ladrona de libros’), quien vuelve a tener oportunidad de actuar relacionándose con obras escritas pero con un trabajo mucho más desatinado. Las escenas de Jacobi nos dan la vida pues resultan ser las más vivarachas y con personalidad, las que nos aportan algo de frescura. Sin embargo el guión que le ha correspondido a Nélisse no se sale de los tópicos del cine romántico adolescente.

Si resumimos ‘La historia del amor’ se queda en una narración de casualidades, no de situaciones, ya que esta no es una sitcom romántica. Posee algo de comedia pero es para aligerar el drama. Se construye a base de cierto cúmulo de azares o eventualidades que van acercando a los protagonistas. El caso es que Radu Mihaileanu nos sobrecarga demasiado por el camino con desmesurado romance, dotado de inverosimilitud, con tintes excesivamente telenovelescos. La duración de la película además es exorbitante para su tono y digerir algo tan dulce durante tanto tiempo puede hacerse muy pesado para estómagos poco preparados.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de septiembre de 2017. Título original: The history of love. Duración: 134 min. País: Francia. Dirección: Radu Mihaileanu. Guión: Radu Mihaileanu, Marcia Romano. Música: Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailand. Reparto principal: Derek Jacobi, Sophie Nelisse, Gemma Arterton, Elliott Gould. Producción:  2.4.7. Films, Oï Oï Oï Productions, Caramel Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, fantástico, romance, adaptación. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/la-historia-del-amor/

Crítica: ‘David Lynch The art life’

Sinopsis

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El genuino director nos lleva a un viaje íntimo a través de los años formativos de su vida. Desde su idílica formación en Montana hasta las oscuras calles de Philadelphia, seguimos a Lynch mientras describe los momentos que le han llevado a ser uno de los artistas más personales de la historia.

‘David Lynch The art life’ muestra los retratos, la música y las primeras películas de Lynch, iluminando los rincones tétricos de su mundo peculiar y facilitando al público una mejor comprensión del hombre y el virtuoso.

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Crítica

Documento especial para fans de Lynch.

Al tratarse de una figura tan importante del cine esperaba un documental más ilustrativo sobre el director o sus inspiraciones a la hora de crear cine. En parte eso parece pretender ser la película pero acaba siendo una muestra del arte plástico del estadounidense y una retahíla de batallitas sobre su infancia y juventud. Sí que es cierto que se muestra como se formó y forjó el artista, pero hay que ser muy seguidor de Lynch para que esta película te entusiasme.

Aunque se presente al cineasta como uno de muchos mundanos artistas o artesanos, el modo en como cuenta sus historias resulta pretencioso y ególatra. Muchas de sus narraciones son solo partes de sus recuerdos o anécdotas que no nos aportan gran cosa sobre su obra. Todo se transmite de un modo muy lento y pausado. Sorprende alguna imagen o audio de archivo pero no pasan de ser de algo meramente llamativo. Al menos Barnes ha sabido ubicar imágenes del arte del director acorde a cada etapa que se narra.

Sus pinturas son originalmente perturbadoras. Lynch se crió, palabras textuales suyas, con un padre que no podrías ser más bueno y una madre cálida. Por eso se acentúa el hecho, y queda patente, de que tanto en el cine como en el lienzo ha desarrollado su propio e inquietante estilo. En su estudio tiene una reproducción a escala de ‘El jardín de las delicias’ de El Bosco y no quiero decir que sea su inspiración o que esté a su nivel. Lo que quiero indicar es que por las cabezas de ambos artistas, separados por siglos en el tiempo, pasan semejantes enajenaciones. Como si ambos fuesen iconos surrealistas de sus épocas.

Por si había dudas ‘David Lynch: The art life’ deja claro que Lynch es un artista polivalente. Pero lo hace de un modo tedioso y poco interesante para aquellos que busquen aprender algo sobre cine o no sean seguidores del director.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: David Lynch The art life. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Rick Barnes, Jon Nguyen, Olivia Neergaard-Holm. Guión: Jonatan Bengta. Fotografía: Jason S. Reparto principal: David Lynch (documental). Producción: Duck Diver Films, Hideout Films, Kong Gulerod Film. Distribución: Vértigo Films. Género: documental. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/david-lynch-the-art-life/

Crítica: ‘Yo no soy Madame Bovary’

Sinopsis

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Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.

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Crítica

Una visión de china a través de una mirilla.

Xiaogang Feng me ha sorprendido con un experimento, principalmente en dos planteamientos que se distinguen muy claramente. Uno de ellos es la fotografía. El director chino nos presenta una película vista como a través de la mirilla de una puerta, de un catalejo o un de ojo de buey. La inmensa mayoría del filme transcurre dentro de un círculo y esto hace que centremos más nuestra atención en los detalles. La sensación es la de ver un posavasos en movimiento, pero de esos que están adornados con bellas estampas del país asiático. El formato cambia a uno cuadrado cuando la historia transcurre en Pekín, cuando entramos en los entramados burocráticos chinos. La composición de las escenas tiene un cuidado extremo y existen multitud de fotogramas que se quedan grabados en la retina. Aquellos que tienen verdadera manía por la simetría, como pudo tenerla Kubrick, encontrarán aquí muchas imágenes en las que deleitarse.

El otro aspecto que me ha impactado y que me extraña es el tono del filme. Sorprende que siendo una película china sea tremendamente irónica, crítica y sarcástica con el gobierno chino o al menos con el comportamiento de sus funcionarios. En este largometraje se muestra como una campesina le pone un ojo a la virulé a un sistema chino que la ignora e incluso castiga injustamente. Aunque también puede haber sido utilizada como intento de mostrar la capacidad de autocrítica, corrección y mejora de los chinos.

‘Yo no soy Madame Bovary’ es sinceramente larga y de lento progreso. El hecho de que la imagen esté constantemente estática y que haya muy pocos y sutiles movimientos de cámara hace acrecentar la sensación de estanqueamiento. El director y el guionista (Liu Zhenyun, el propio autor de la novela en la que se basa la película y que lleva como nombre ‘I did not kill my husband’) se ceban con algunas escenas a las que le sobran planos y palabras.

Fan Bingbing se llevó la concha en San Sebastián, al igual que esta película. No realiza un mal trabajo en este filme, pero para ser una actriz tan remunerada como ella tal vez cabía esperar un poco más de implicación. La desesperación de su personaje por desmarcarse de una etiqueta digna de la dama creada por Gustave Flaubert quizá habría necesitado un grado mayor de entusiasmo.

Como experimento cinematográfico y apuesta atrevida esta película es digna de admiración. Pero como narración de una historia necesitaría algunos arreglos.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: I am not Madame Bovary. Duración: 128 min. País: China. Director: Xiaogang Feng. Guión: Liu Zhenyun. Música: Wei Du. Fotografía: Lou Pan. Reparto principal: Chengpeng Dong, Bingbing Fan, Wei Fan. Producción: Sparkle Media, Huayi Brothers. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/yo-no-soy-madame-bovary/

Crítica: ‘Jackie’

Sinopsis

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Drama centrado en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido, el presidente de EEUU. En él se mostrará el impacto que causó el trágico suceso en su mujer, Jaqueline Kennedy, así como las repercusiones públicas y privadas que ésta tuvo en su vida. El resultado será un retrato de la que fuera Primera Dama, sin dejar de lado ninguna de sus facetas, haciendo especial hincapié en su faceta más humana.

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Crítica

Da gusto ver películas con enfoques tan diferentes como esta.

Me consta que hay quien  puede considerar ‘Jackie’ aburrida pero si nos estamos fijando constantemente en los detalles y las referencias históricas es de lo más entretenida. Además ver como Portman cambia su interpretación tan radicalmente en función de los días que se han filmado es algo totalmente provechoso. Larraín consigue recrearnos el cerebro y la vista sin entrar en polémicas, chismorreos y teorías de la conspiración, que suele ser lo más recurrente a la hora de hablar de los Kennedy.

El director chileno nos relata la historia de una primera dama que tuvo que cambiar su rol de manera radical. Que buscó modelos pasados en los que apoyarse para tratar de reinventarse y de ese modo desarrolló una conducta ejemplar para sus sucesoras. Además lo ha hecho desde un punto de vista diferente al habitual, conste que digo diferente, no novedoso. A decir más no peca de reflejar a una heroína, pero tampoco a una persona mundana. Nos presenta a una mujer vulnerable pero también soberbia, dependiente pero valiente, soñadora pero realista.

Se encauza la cinta gracias a dos maneras diferentes de narrarla. Una es la entrevista que mantuvo con un periodista y la otra una charla con un párroco. A este segundo le interpreta el tristemente desaparecido John Hurt, en la que fue una de sus últimas películas. Ambas maneras de guiar la historia están acompañadas de flashbacks e imágenes de archivo. La una cede el paso a la otra conforme va acercándose el final del filme pero es la entrevista la que domina toda la narración. En relación a esto decir que el diseño de producción está muy acertado pues colores, luces, dinamismo… cambian en función de la época y situación vivida. Siendo más alegre y colorista en los días más felices de los Kennedy y más apagada y sosegada en las horas y días posteriores al magnicidio.

No estamos ante una obra maestra pero desde luego es inmensamente mejor que otros largometrajes centrados en desvelar entresijos de la Casa Blanca como ‘El mayordomo’. En una cinta tan carente de acción, aunque puede llegar a ser tremendamente explícita, necesitamos un apoyo rítmico que nos la haga llevadera. La música es esa herramienta a la que ha recurrido Larraín. Refleja a la perfección la desorientación, la consternación, el dolor y la ira que sufrió en esos días Jackie Kennedy. Su autora ha sido Mica Levi, compositora a la que ya habíamos escuchado en otras películas como ‘Under the skin’. No es de extrañar la nominación al Oscar que ha logrado.

Es casi obligatorio hablar también de otra de las nominaciones conseguidas. En este caso la de Mejor Vestuario. La pugna entre este filme y otros candidatos como ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’, ‘La La Land’ o ‘Aliados’ va a ser discutidísima. También cabe señalar que transcurre en los sesenta y trata sobre una figura más que fotografiada y grabada. El material documentado es grande y no habrá sido difícil discernir en cómo vestir a los protagonistas. Además Natalie Portman tiene la percha necesaria para lucir los modelos que han puesto a su alcance.

Pero no solo la ropa estaba a merced de Portman, toda la película gira en torno a ella, como era de esperar. Se ha ganado a pulso estar en la lucha por la estatuilla, sumando así tres nominaciones para el filme de Larraín. Como mencioné antes ha llevado muy bien el cambio del estado de ánimo de su personaje. Aunque no sea precisamente la actriz que más semejanza facial presente con la ex-primera dama nos hace ver a esa mujer que habitó durante varios años la Casa Blanca.

Resulta confuso averiguar la intención del director. Nos desvela las entretelas de aquellos que sufrieron más la muerte de Kennedy, nos acerca a la primera dama que marcó un punto de inflexión entre aquellas que han ostentado ese cargo, nos remarca la paranoia de todo un país, diferencia entre el orgullo de una mujer que se queda sola y el homenaje hacia el hombre que la mantenía ensombrecida… Tal vez todos estos matices se encontrasen en el checklist de Larraín, lo cierto es que componen un conjunto muy rico.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Jackie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Pablo Larraín. Guión: Noah Oppenheim. Música: Mica Levi. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson. Producción: Coproducción USA-Chile; LD Entertainment, Fabula, Protozoa Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/jackie.html

Crítica: ‘Loving’

Sinopsis

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La historia real de Mildred y Richard Loving, una pareja que se casó en Virginia en 1958. Debido a la naturaleza interracial de su matrimonio, fueron arrestados, encarcelados y exiliados. Durante una década la pareja luchó por su derecho a regresar a casa. Inspirado en el documental de la HBO ‘The Loving Story’, la historia está basada en los hechos reales.

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Crítica

Mucho mensaje y sutileza.

‘Loving’ relata la vida del matrimonio interracial entre Richard y Mildred Loving, que se casaron en 1958 cuando en el estado de Virginia no se permitían las uniones entre blancos y negros. Para evitar ir a la prisión, se ven obligados a marcharse del estado durante la friolera de veinticinco años. Durante al menos una década, el matrimonio luchará por sus derechos civiles y conseguirán finalmente ser la parte esencial en la abolición de la prohibición de matrimonio interracial.

La película tiene un mensaje y un contexto histórico muy interesante, pero el desarrollo quizá es demasiado lento ya desde un principio. El estilo es muy visual, mostrando los detalles cotidianos, los paisajes, las expresiones de los personajes, etc, con una narrativa sutil. A veces quizá demasiado sutil, ya que apenas se presentan explicaciones del contexto histórico hasta que no llega cierto momento de la película, donde el ritmo acelera un poco por fin.

En cuanto a las interpretaciones de los protagonistas Joel Edgerton y Ruth Negga, ambos representan muy bien la personalidad de la gente de campo, sencilla, de pocas palabras, con amor por la libertad y la crianza al aire libre. Sin embargo, el hecho de decir pocas palabras afecta tanto a los protagonistas como al resto del reparto, en general la película trata de expresarse de modo tan visual que la mayoría de los diálogos consisten en un intercambio de escasas palabras y cambio de escenas rápido y constante.

Podríamos decir que la mejor parte es el último tercio, donde el asunto principal se acelera y el ritmo parece ser un poco más ameno, incluso con cierto toque de humor. La longitud de la película quizá es un poco excesiva para lo que necesitaba contar, pero finalmente Loving cumple su papel de dar a conocer a esta pareja que históricamente tiene tanta importancia para futuras parejas interraciales y nos da un punto de vista sutil de lo que sucedía en los años 60 y lo injusto de su situación. Cabe destacar, como último punto off topic, lo increíblemente curioso del hecho que la pareja se apellidase Loving, que en inglés significa «amando», siendo la pareja que defendió el derecho a su amor contra la injusticia ante el Tribunal Supremo de los Estados Unidos.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2016. Título original: Loving. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: Jeff Nichols. Guión: Jeff Nichols. Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone. Reparto principal: Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon, Marton Csokas, Nick Kroll, Jon Bass, Bill Camp, David Jensen, Alano Miller, Sharon Blackwood, Chris Greene. Producción: Big Beach Films, Raindog Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, romance, hechos reales. Web oficial: http://www.focusfeatures.com/loving