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Crítica: ‘El último viaje del Demeter’

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Sinopsis

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Basada en un único y escalofriante capítulo de la novela clásica de Bram Stoker: Drácula. Narra la aterradora historia del buque mercante fletado para transportar un cargamento privado desde Carpathia a Londres. Durante la travesía, extraños sucesos acontecen a la condenada tripulación mientras intentan sobrevivir a una despiadada presencia a bordo del barco. Cuando el navío llega por fin a las costas de Inglaterra, carbonizado y abandonado, no hay rastro de la tripulación.

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Crítica

Una gran ambientación de cuento gótico con un terrible monstruo

‘El último viaje de El Demeter’ es sin duda una de las películas que más esperaba de 2023. El director André Øvredal, encargado de maravillas como ‘La autopsia de Jane Doe’ o ‘Troll Hunter’, regresa al cine con una versión de uno de los pasajes más interesantes del libro de Bran Stoker, ‘Drácula’.

Es una pena el poco éxito de crítica de la cinta en Estados Unidos, porque os aseguro que después de verla, he visto lo que me esperaba. La película nos trae el pasaje de ‘El Demeter’ que podemos leer en la novela en la que nos cuentan el viaje hacia Londres desde los Carpatos.

Me encanta toda la atmósfera de la película, el terrible mar, esa soledad que solo la da el estar sobre tanta agua y como se aprovecha este monstruo para poder alimentarse de todo aquel que se encuentre por los pasillos de El Demeter.

Se que no es complicado el crear situaciones de tensión en un lugar cerrado y como digo lleno de soledad como lo es un gran barco, pero André Øvredal logra eso y mucho más. Incluso cuando ya se muestra al monstruo seguimos sintiendo ese miedo, aun a sabiendas de todo lo que va a ocurrir.

En el reparto encontramos caras muy conocidas como Liam Cunningham (aquí os dejamos nuestra entrevista con el cuando estuvo en España por ‘Juego de Tronos’), Corey Hawkins (‘Straight Outta Compton’), Aisling Franciosi (‘Stopmotion’), David Dastmalchian (‘Oppenheimer’), Chris Walley (‘Unwelcome’), Jon Jon Briones (‘Class of ‘09’) o Stefan Kapicic (‘Deadpool 2’) entre otros muchos.

Si, lo se, no he nombrado al personaje y actor más importante, y es que quería dejar un pequeño aparte para Javier Botet. Nuestro monstruo nacional y que cada día se abre más hueco en Hollywood. Está fantástico, su manera de moverse como esté vampiro es espectacular. En el tráiler lo veis y se le ha dado una apariencia muy de murciélago y la verdad que es estupenda. Se parece mucho al que ya vimos en ‘Drácula de Bram Stoker’ y también a la actual serie de Netflix ‘Misa a media noche’. El maquillaje es magnífico y también el trabajo de CGI, pues algunas escenas lo necesitan.

En general no he entendido las malas críticas de esta cinta. Me ha gustado bastante, me ha dado lo que me pedía y algún que otro cambio en la historia sin importancia que no me ha disgustado.

Os animo a verla y que podáis ver vosotros mismos el resultado y si es tan horrible como se ha dicho. Ya os digo, que nos cuenta bien la historia y nos plasma todo de una manera muy cuidada y bien dirigida.

 Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Last Voyage of the Demeter. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Bragi F. Schut, Zak Olkewicz. Música: Bear McCreary. Fotografía: Roman Osin, Tom Stern. Reparto principal: Corey Hawkins, Javier Botet, Aisling Franciosi, Liam Cunningham, David Dastmalchian, Woody Norman, Jon Jon Briones, Stephan Kapicic, Nikoai Nikolaeff. Producción: Amblin Partners, Phoenix Pictures, REliance Entertainment, DreamWorks SKG, New Republic Pictures, Universal Pictures. Distribución: Diamond Films, Prime Video. Género: terror. Web oficial: https://amblin.com/movie/the-last-voyage-of-the-demeter/

Crítica: ‘De naturaleza violenta’

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Sinopsis

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Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta sepulta el cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El no-muerto acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos metódicamente uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.

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Crítica

Mucha violencia y poca cadencia de muertes

Este verano no va a estar exento de terror, de hecho, vamos a tener muchos títulos. Llegarán a cines y plataformas películas como ‘El último viaje del Demeter’, ‘Romulus’, ‘Winnie-The-Pooh: Blood and Honey 2’ o ‘Longlegs’. Pero también y de manera más inmediata ‘Strangers: Capítulo 1’ y ‘De naturaleza violenta’. Este último título es de todos esos que he mencionados el más veraniego por el marco que nos plantea, un bosque en plena época de acampadas y baños en refrescantes lagos. También es el único que llega avalado por Stephen King, quien parece que se está enfocado en ayudar a pequeñas películas con solo un tuit, como sucedió con ‘La mesita del comedor’. En este caso no puedo estar de acuerdo con el maestro del terror.

Es evidente que ‘De naturaleza violenta’ bebe de clásicos como ‘La matanza de Texas’, ‘Las colinas tienen ojos’ y demás. De hecho tiene una pequeña conexión con ‘Viernes 13’ que descubriréis al final. Tenemos a unos jóvenes adentrándose en un bosque con leyenda negra. Esto nos puede recordar a ‘Blair witch’, de hecho hay mucho metraje rodado cámara en mano, pero aquel rompedor título que explotaba el found footage era innovador no solo por la manera de mover la cámara, sino por su capacidad de ser implícito, jugaba al miedo a lo que no vemos. En este caso los calenturientos e inconscientes protagonistas viven una experiencia de lo más gráfica y explícita. Despiertan a un ser con ansia de sangre que va encapuchado. Por cierto que, la razón de ser de su caperuza no la veo por ninguna parte. Lo que podría haber sido un nuevo ‘Hatchet’, puesto que la leyenda parte del bullying hacia a una persona que ha nacido diferente, es una sucesión de muertes muy separadas entre sí que no pueden causar más apatía, sobre todo porque no nos dan la oportunidad de sentir apego por las víctimas. Se convierte en un slasher lento, tanto que es como si Alejandro G. Iñárritu hubiese querido convertir ‘El renacido’ en un survival horror.

Vale que ver cómo resurge y deambula por todas partes el asesino es algo que no muestra el resto de los slasher habituales. Pero el constante paseíllo que nos damos a bordo del steadicam parece más un vídeo de esos que vienen ahora en las cintas del gimnasio para simular que estamos avanzando por la naturaleza. Es una pena que no se le saque más provecho a esa innovación dentro del género. Sin desvelar nada, también tenemos a un homicida con una naturaleza poco habitual y a ese detalle también se le saca poco partido, al revés, redunda en los tópicos.

‘De naturaleza violenta’ no renueva nada con su pobre trasfondo, ni con su personalidad. Ni siquiera es capaz de desarrollar una mitología atractiva. Si acaso es capaz de mostrar que estamos rodeados de varios tipos de violencias. La agresividad al volante, la crueldad con los animales, las armas en todas las casas, la hostilidad de la cultura de la cancelación… Pero explora poco todo eso.

Me atrajo por unos momentos el tema de seguir a este nuevo monstruo por todo su recorrido. Pero el verdadero aliciente de esta película son las muertes explícitas. Si en algo se han exprimido el coco para hacer esta película es en cómo mostrarnos nuevas maneras de arrebatar la vida a una persona del modo más descerebrado y brutal. Los amantes del slasher encontrarán puntualmente algunas dosis de casquería. No es de extrañar pues el director Chris Nash ha trabajado antes realizando prostéticos y efectos en películas como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’. Pero para muchos con ver un vídeo resumen con el kill count habría bastado.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: In a violent nature. Duración: 94 min. País: Canadá. Dirección: Chris Nash. Guion: Chris Nash. Pierce Derks. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Lauren-Marie Taylor, Andrea Pavlovic, Ry Barrett, Liam Leone, Timothy Paul McCarthy. Producción: Low Sky Productions, Shudder, Zygote Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: terror, slasher. Web oficial: https://www.inaviolentnature.com/

Crítica: ‘Bikeriders. La ley del asfalto’

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‘Bikeriders. La ley del asfalto’ retrata una época de rebelión y de cambio en la cultura y en la gente de Estados Unidos. Tras un encuentro casual en un bar, Kathy (Jodie Comer), una mujer con carácter, se siente profundamente atraída por Benny (Austin Butler), el miembro más reciente de “The Vandals” (Los Vándalos), un club de moteros del Medio Oeste liderado por el enigmático Johnny (Tom Hardy).

Al igual que el país, el club empieza a cambiar, y pasa de ser un lugar de reunión para los forasteros locales a convertirse en un punto de encuentro para un violento submundo, obligando a Benny a escoger entre Kathy y la lealtad que siente por sus compañeros.

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Crítica

Gran vuelta al romanticismo de los últimos en vivir en libertad sobre las junglas de asfalto

Inspirada en un libro de Danny Lyon aparece en nuestras carteleras ‘Bikeriders’ con un repartazo compuesto por Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus y Boyd Holdbrook, entre otros. Toda un tropa de nombres conocidos y talentosos, muy bien caracterizados, con más de una nominación al Oscar, para contarnos la historia de una banda de moteros mucho menos conocidos que los Ángeles del Infierno.

Esta es una producción que en su día poseía Fox y que Disney ha liberado tras continuos retrasos en su estreno, entre ellos el provocado por la huelga de actores y guionistas. La coproductora New Regency Productions transfirió los derechos a Universal Pictures y por eso la podemos ver en cines. La misma dupla de compañías que nos trajo la excelente ‘El hombre del norte’, veremos si el resultado en taquilla mejora el batacazo o si tanto retraso no hace que el pirateo o el verano le jueguen una mala pasada.

La banda bautizada como The Vandals, que actualmente es la rival de los ya citados Ángeles del Infierno es objeto de este relato. La película está narrada en retrospectiva a través del testimonio del personaje de Jodie Comer, la cual lleva a cabo un gran trabajo de voz. Palabras que son recogidas por un fotógrafo y escritor interpretado por Mike Faist, en la piel del novelista que os he nombrado en las primeras líneas. A través de esa perspectiva periodística y sobre todo personal, capaz de ofrecer el choque y la mutación de dos mundos, nos ofrecen el desarrollo y caída de algo que casi ya no existe. ‘Bikeriders’ es el retrato de los últimos herederos del far west, de aquello que queda del espíritu de los cowboys.

Es evidente decir que ‘Bikeriders’ sigue la estela de películas de los cincuenta y sesenta como ‘Easy Rider’ o ‘¡Salvaje!’. De hecho ambos títulos aparecen en la película. Llevándonos a la antesala de los setenta ofrece una perspectiva diferente. Con esto no quiero que penséis que este es otro ‘Hijos de la anarquía’. Es una historia de orígenes de un club convertido en banda, pero mayormente cuenta como un personaje de la Norteamérica acomodada busca emociones fuertes. En el que dichas emociones terminan volviéndose en contra de sus protagonistas. Y ante todo es la descripción de la inmersión de alguien un mundo que de sobra sabe que no es el suyo. En términos del siglo XXI, es la definición de una relación tóxica, refiriéndome tanto a la que mantienen los personajes de Comer y Butler como la de aquellos que ingresan en la banda.

Los delincuentes no nacen delincuentes eso es algo que todos sabemos y que muchas películas han señalado a lo largo de la historia del cine. ‘Bikeriders’ significa libertad truncada, sueños emponzoñados, idealismos desfigurados. Si el guión hubiese tenido esos detalles siempre en su brújula habría sido una película memorable, a la altura del pedazo de elenco que ha reunido, otra que Disney se habría arrepentido de no distribuir. Nos sorprende incluso con algo de comedia para los personajes más descerebrados pero divaga demasiado con su historia romántica. En resumidas cuentas es un relato amoroso y eso que no vemos absolutamente ni una escena de cama, ni siquiera recuerdo un beso en primer plano, y eso que casi hay más primeros planos que motos. Tampoco es algo que notemos en exceso pues toda la atención se centra en las interpretaciones de un reparto en el que destaca Butler como un James Dean del siglo XXI.

El romanticismo está presente en la relación de dos de los protagonistas y en el espíritu indómito de los moteros. Hacernos volver a esas vidas sobre ruedas sin caer en excesivos tópicos y siendo capaz de ofrecer otro ángulo es el mayor logro del director Jeff Nichols. A todos nos gusta e incluso da envidia la libertad salvaje con la que se ha reflejado siempre a los moteros, pero nunca lo habíamos visto desde un lado tan diferente, casi pareciendo el testimonio de alguien que se ha salido de una secta. Considero por eso que es un buen retorno a este tipo de historias que nunca han tenido su propio subgénero. Desde luego para mi es la mejor película de su carrera, probablemente la más difícil dado el número de estrellas que ha tenido que dirigir a la vez.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Bikeriders. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Nichols. Guion: Jeff Nichols. Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone. Reparto principal: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus, Boyd Holdbrook. Producción: Focus Features, Regency Enterprises, New Regency Productions, Tri-Satate Pictures, 20th Century Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/the-bikeriders

Crítica: ‘Strangers: capítulo 1’

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Tras sufrir una avería en su coche en un pequeño e inquietante pueblecito, una joven pareja (Madelaine Petsch y Froy Gutiérrez) se ve obligada a pasar la noche en una aislada cabaña en medio del bosque. El pánico se apodera de ellos cuando son aterrorizados por tres extraños enmascarados que les atacan sin piedad ni motivo alguno.

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Crítica

Muchos clichés, poco de genuino y la leve promesa de algo más grande

En 2008 y en 2018 se estrenaban las películas escritas por Bryan Bertino tituladas ‘The Strangers’. Una primera parte que sorprendió a más de uno y una segunda dirigida por Johannes Roberts (‘A 47 metros’) que para algunos como yo nos dejó con la sensación de ser un mero producto de entretenimiento slasher vacío pero algo mejor pulido. Ahora llega la tercera parte de la franquicia. Muchos pensaban que iba a ser una precuela por como acaba el título de hace seis años, pero a pesar de tener entre manos unas películas nacidas en este mismo siglo estamos hablando ya de un remake.

Bertino está involucrado en menor medida y dirige Renny Harlin, a quien quizá conozcáis de títulos como ‘El exorcista: El comienzo’, ‘Hércules: el origen de la leyenda’ y por supuesto ‘La isla de las cabezas cortadas’, si habéis leído esto con voz de Troy McClure de ‘Los Simpsons’ habéis hecho bien por que este director se le da un aire, con su rostro y con su estilo industrial de hacer películas.

‘Strangers: capítulo 1’ arranca con algunos datos sobre la cantidad de muertes violentas que hay en los EE.UU., llegando al punto de hacernos saber cuántas personas morirán durante el visionado de la película. No es mala técnica a la hora de intentar imbuirnos un escalofriante sentimiento de terror. Además así se intenta coger el testigo de las anteriores películas que tenían una lejana base real. Pero por desgracia ese primer golpe de efecto se va tan rápido como llegó.

Madelaine Petsch y Froy Gutierrez interpretan a una pareja empalagosamente acaramelada que reserva una cabaña en un bosque de la América profunda que lo más cercano que tiene es una ciudad llamada Venus con poco más de quinientos habitantes. Como muchas parejas actuales son amantes de los true crime, están buscando labrarse una vida lejos de la gran ciudad y celebran su quinto aniversario. Hasta ahí todo puede sonar ligeramente tópico. Pero la cosa va a más.

Estos actores, la una procedente de ‘Riverdale’ y el otro de ‘Teen Wolf’, van chocándose cual transeúnte que evita captadores de ONGs por la calle Preciados de Madrid, todos los clichés del género. Los golpetazos en la puerta eran cosa de la primera pero es que además el guión incluye el manido recurso del inhalador para el asma, la cancioncilla infantil, la policía con sus sirenas avisando torpemente a los villanos para que huyan, los asesinos capaces de teletransportarse sin hacer ni un ruido, el tobillo torcido en el peor momento, el scare jump en el coche que no arranca. Como en la primera entrega y como en casi todas las películas de este tipo nos ponen de los nervios, pero no por la tensión que pueda llegar a transmitir el montaje o los planos, sino por cómo los protagonistas toman decisiones ridículas y bajan la guardia. Para colmo tenemos hasta secuencias con planos que mezclan día y noche, una noche hecha a base de focazo entre los árboles.

Lo de la saga ‘Strangers’ consiste en repetir lo que en sí mismo ya era una repetición de otros home invasion, como ‘Funny Games’. Este remake aporta poco y está peor interpretado. Con sutiles cambios pero sigue las líneas generales de la película original. Hay un par de modificaciones que quizá aporten un rayo de luz a esta trilogía. Se nos queda colgado un asunto con unos folletos eclesiásticos y la casi desapercibida presencia de Richard Brake. Mi teoría es que esto está al servicio de una táctica que consiste en imitar a la saga ‘Hatchet’, un slasher en el que cada nueva entrega arranca justo donde acaba la anterior. No es una hipótesis descabellada ya que el único giro o detalle que cambia sustancialmente con respecto a sus predecesoras está en la última escena y en la post-créditos. Puede que lo que nos estén ofreciendo con esta escena sea inmediatamente el arranque del capítulo dos. Se suma a mi conjetura el hecho de que Harlin ha rodado del tirón toda una trilogía. Quizá de manera inteligente imitando otros experimentos como ‘La calle del terror’ o pensando en que si no las llega a hacer del tirón la taquilla podría provocar bomba de gas de los productores.

‘Strangers: capítulo 1’ embaucará a aquellos que no estén al tanto de la existencia de las originales o de cómo suele funcionar este tipo de películas de asesinos en serie que parecen hechas precisamente en una fábrica de producción en serie. A los que viesen la película protagonizada por Liv Tyler y Scott Speedman no les aportará prácticamente nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Strangers: Chapter 1. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Madelaine Petsch, Froy Gutiérrez, Gabriel Basso, Rachel Shermon, Ryan Brown, Letizia Fabbri, Matus Lajcak, Olivia Kreutzova, Richard Brake. Producción: Fith Element Productions, Slovenian Film Fund, Frame Film, The Strangers Film. Distribución: Diamond Films. Género: terror, slasher. Web oficial: https://thestrangers.movie/

Crítica: ‘Mala persona’

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Sinopsis

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Nuestro querido Pepe, querido por todos sin excepción, es el ángel del barrio, ese ser humano al que te llevarías a casa. Pero un día recibe la terrible noticia, esa que nadie quiere recibir: le quedan pocos meses de vida. Pepe, “fenomenalmente” aconsejado por su mejor amigo, decide pasarse al lado oscuro de la conducta humana para alejar a su familia y evitar su sufrimiento. ¡La que va a liar!

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Crítica

Cuando ser malo, no siempre es tan malo

Pepe es sin duda la mejor persona del mundo. Es un hombre bueno, el que ayuda a cruzar a ancianas desvalidas, el que conoce a todo el barrio por su bondad, ya sean malhechores o agentes de la orden. A Pepe le quiere todo el mundo, ayuda a sus vecinos con sus impagos o a su hija de salir de la cárcel. Todo esto cambia de la noche a la mañana con una terrible noticia, que hará que Pepe decida convertirse en malo.

 Fer García-Ruiz, director de ‘Descarrilados’ (aquí nuestra crítica), nos trae esta comedia que me ha gustado bastante pese a que al final termina perdiendo un poco de esa gracia que tiene desde el minuto uno, dando paso a un poco de drama.

Uno de los puntos fuertes de la película son sus tres protagonistas, Arturo Valls, mostrando su mejor cara. Un hombre como hemos descrito arriba, al que todo el mundo quiere. Un hombre que ayuda a toda persona desconocida y conocida y vive por y para sus vecinos. Su mejor amigo y abogado, Julián Villagrán, está tremendo, hace de un vividor, canalla y que será el encargado de convertir en mala persona a Pepe. Y la siempre estupenda Malena Alterio, la mujer de Pepe, que le quiere con locura, que todo le perdona ya que no puede imaginarse que su marido se esté convirtiendo en una mala persona.

En el reparto encontramos también a Daniel Arias, Sofia Baessa, Víctor Benjumea, Carlos Cortés Ciudad, José Corbacho, José García Ruiz, Sara Jiménez, o Benedita Pereira entre otros .

Es muy divertida la manera en la que Juanjo (el personaje de Julián Villagrán) intenta convertir en un mal hombre a Pepe. Como este, pese a querer serlo, su bondad logra salir siempre hacia delante. Además, también es divertido ver, que pese a cambiar, sigue consiguiendo amigos que le comienzan a querer. Eso sí, malas compañías que quizás no son lo mejor.

Tiene un humor tonto, con chistes fáciles, pero que sin duda funcionan. Si que llega un momento que pierde un poco. Porque pasamos de una comedia a ya damos paso a un drama que le hace perder un poco toda la chispa que tenía la película. Aun así, os recomiendo mucho ‘Mala persona’ porque unas risas os vais a echar y merece la pena ver a estos tres actores dándolo todo. Sobre todo, a Arturo Valls y Julián Villagrán que tienen una gran química en pantalla.   

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: Mala Persona. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Fer García-Ruiz Guion: Antonio Mercero y Daniel Padró. Música: Filipe Melo. Fotografía: Rafa García AEC. Reparto principal: Arturo Valls, Malena Alterio, Julián Villagrán, José Corbacho, Teresa Lozano, Sara Jiménez, Diva O’Branco, Victor Benjumea, Daniel Arias, Dafnis Balduz, Betxy Túrnez. Producción: Rodar y Rodar, Boavista Filmes y Mala Persona AIE. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/mala-persona.266

Crítica: ‘Las pelotaris 1926’

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Unas pioneras olvidadas como Las Raquetistas no se merecen el trato de telenovela

SkyShowtime estrena ‘Las pelotaris 1926’ el próximo 5 de julio. Esta serie de 8 episodios de aproximadamente una hora cada uno narra como tres pelotaris vascas y una mexicana intentan abrirse paso entre los prejuicios y obstáculos habituales para las mujeres en los “felices años 20”. Jugaron en los frontones vascos o en aquellos madrileños ubicados en las Calles Cedaceros o Doctor Cortezo, así como los que funcionaban rentablemente en LATAM. Esta serie que está basada en la historia real de unas pioneras que cayeron en el olvido ha sido creada por Marc Cistaré (‘Vis a Vis’, ‘El barco’, ‘La víctima número 8’).

Chelo, Idoia e Itzi son algunos de los nombres ficticios escogidos para representar a toda una generación de raquetistas. Dos actrices españolas (Claudia Salas y María de Nati) y una mexicana (Zuria Vega) interpretando a tres pelotaris en la época en la que las mujeres comenzaban a votar en USA pero no en los países hispanohablantes. La historia de estas deportistas llegó a influir a países de todo el mundo, donde recibían mayor reconocimiento y salario que en su propia tierra. Por eso cuenta también con la colombiana Viviana Serna) y el opening mezcla trompetas mariachis con el sonido de una txalaparta. Aquellos que se puedan indignar con orgullo por eso de que piensen que la pelota vasca solo se juega en España, que piensen también en algo como los toros, por lo que Colombia acaba de ser noticia hace poco.

Encontraron rampa de lanzamiento gracias a la idea de empresarios como Luciano Berriatua e Ildefonso Anabitarte, también presentes a través de personajes con nombres cambiados. Rompieron el techo de cristal cincuenta años antes de que ese término fuese acuñado. Consiguieron más cantidad de público y sueldo que aquellos hombres que se dedicaban a jugar pelota en aquella época, fueron las primeras deportistas en cotizar en la seguridad y dedicarse a ello de manera profesional. En lugar de destacar los hechos históricos ‘Las pelotaris 1926’ se centra más en mostrar evidentes taras de la época tales como maridos posesivos o empresarios que empleaban las artes de Weinstein. Ahí pierde el norte (nunca mejor dicho) ya que en vez de hacer una oda hacia este deporte que Euskadi exportó al mundo y a unas mujeres que hicieron brecha, se conforma con ser una telenovela. Embarazos, matrimonios de conveniencia, amoríos que vuelven del pasado… Vale que uno no esperaba algo similar a ‘Las 13 rosas’ o ‘Figuras ocultas’, pero si ves la serie pensando todos los tópicos del género acertarás los giros de la trama, y eso que solo nos han permitido ver el primer episodio. Me parece del todo inmerecido y casi irrespetuoso el rescatar de la memoria la figura de estas pioneras para darles este trato. La serie habría tenido mucho más valor si se hubiese centrado en remarcar los hitos de estas mujeres o en analizar la razón por la que no se las recuerda hoy en día de un modo más popular.

La serie llega producida por The Mediapro Studio, autores de ‘El internado’, ‘Romancero’, ‘Paraíso’, ‘Vamos Juan’, ‘The New Pope’, ‘Vis a Vis’… pero se parece más a ‘Las chicas del cable’ por eso de tener un reparto joven en medio de una serie de media tarde mezclada con vagos detalles históricos. El toque de telenovela iberoamericana supongo que viene infundido por la influencia de TelevisaUnivision, artífices de ‘Rebelde’, ‘Esmeralda’, ‘Rubí’… Sospecho que va a encontrar pocos fans en el mercado Español, sobre todo porque se olvida hasta de dotar de acento vasco a sus personajes.

Crítica: ‘El bus de la vida’

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Sinopsis

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Andrés (Dani Rovira) viaja a un pueblo del País Vasco para trabajar como profesor de música. El primer día de clase sufre un fuerte pitido en el oído: es cáncer. Para recibir tratamiento debe desplazarse al hospital de Bilbao en El bus de la vida, un viejo autocar conducido por Mai (Susana Abaitua), que traslada gratuitamente a todos los pacientes de la zona.

Gracias a las risas, confidencias y experiencias musicales compartidas con sus compañeros de viaje, Andrés irá obteniendo la fuerza necesaria para enfrentarse a sus miedos y llegar a cumplir el sueño de subirse a un escenario.

El bus de la vida está inspirada en una historia real.

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Crítica

Ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad

Juzgar una película que intenta abordar un tema tan doloroso y personal como es el cáncer es muy difícil, más aún si uno de sus intérpretes lo ha padecido hace unos pocos años. No sé si Dani Rovira aceptó trabajar en ‘El bus de la vida’ por tener tan cercano su caso o por la perspectiva que ofrece, pero creo que es una historia de superación que le viene como anillo al dedo ya que como todos sabemos, además de su enfermedad ha tenido que superar muchos tipos de retos, tanto artísticos, como deportivos, como sociales por el hate que ha recibido en algunos momentos, que hoy en día es algo que se puede considerar un deporte de riesgo. Para aquellos detractores del actor esta película puede ser un zasca que no van a querer admitir, pues muestra un cariz distinto, alejado de sus papeles más cómicos o socarrones.

‘El bus de la vida’ podría considerarse una película de autoayuda, una promotora de la terapia en grupo y del optimismo. Hablar de cáncer con una sonrisa y de las virtudes de la psicoterapia colectiva me recuerda siempre a Albert Espinosa. Y lo digo en el buen sentido pues esta historia bien podría haber estado escrita de su puño y letra. Realmente este largometraje de Ibon Cormenzana surge de la historia que le contó uno de sus familiares, del viaje que vivió a bordo de un bus lleno de anécdotas y lecciones de vida. Se conforma así este largometraje como una mirada sobre el cáncer bastante vitalista, que evidentemente cuesta aplicar a la realidad pues cada caso es un mundo diferente, pero que sirve de homenaje hacía las personas que hicieron posible El bus de la vida, así como a todos aquellos capaces de afrontar la vida con una resignación embadurnada de optimismo.

Si eres de la generación de cristal y te sientes violentado porque se intente tratar con positividad o humor el tema del cáncer es mejor que no te acerques a este tipo de películas, pues estas piden una capacidad de amplitud de miras que quizá no puedes abarcar. Si piensas que todo esto es spoiler, solo tienes que leer la sinopsis oficial, la que sus propios artífices aprueban que leas antes de ver el filme. ‘El bus de la vida’ va a rebufo de títulos como ‘Planta 4ª’, ‘Bajo la misma estrella’, ‘Quiero comerme tu páncreas’ o ‘Yo, él y Raquel’, películas que afrontan la incomodidad y la pesadumbre de un tema que a muchos les es esquivo y a otros más difícil de arrostrar que un triatlón Ironman. En una época en la que las redes sociales y el capitalismo fomentan y premian el individualismo y el egoísmo, hay que agradecer que surjan películas como esta, que ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad.

Bien es cierto que aunque se percibe intención de ser una película “feel-good” y tiene personajes cómicos tales como un hombre que confunde las palabras a lo novena destilación de ‘Año Mariano’ o una mujer con intenciones incendiarias, esta es una película que deja sensaciones tristes. La música es un medio como otros muchos para vomitar lo que sentimos y sufrimos. A esa capacidad catártica apela ‘El bus de la vida’. El protagonista es víctima de una enorme ironía y el resto de personajes están sometidos a un bloqueo emocional que los acordes deshacen. Escuchamos temas de Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis o Kase.O que por lo general a mí personalmente me ponen en pie, pero me da la impresión de que el gancho es menos eficiente de lo pretendido.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: El bus de la vida. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Ibon Cormenzana. Guion: Ibon Cormenzana, Eduard Sola. Música: Paula Olaz, Kase.O, Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis, Chill Mafia, Rigoberta Bandini. Fotografía: Albert Pascual. Reparto principal: Dani Rovira y Susana Abaitua, Elena Irureta, Antonio Durán “Morris”, Nagore Aramburu, Amancay Gaztañaga, Andrés Gertrúdix, Pablo Scapigliati, Julen Castillo, Miriam Rubio. Producción: Arcadia Motion Pictures, Aixerrota Films, Pachacamac Films, Noodles Production, Pris&Batty, ICAA, Gobierno Vasco, Prime Video, ETB, TVC. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.arcadiamotionpictures.com/en/films/el-bus-de-la-vida/

Crítica: ‘En tierra de santos y pecadores’

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Irlanda, años 70. Deseoso de dejar su oscuro pasado atrás, Finbar Murphy (Liam Neeson) lleva una vida tranquila en el pequeño pueblo costero de Glen Colm Cille, lejos de la violencia política que asola el resto del país.

Cuando llega al pueblo un peligroso grupo de terroristas liderado por la despiadada Doireann (Kerry Condon), Finbar se verá inmerso en un peligroso juego que le obligará a elegir entre mantener su identidad secreta o defender a sus vecinos y amigos.

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Crítica

Las películas typycal Neeson siguen funcionando

Aquellos que han vivido una vida conflictiva y llena de muerte no pueden redimirse o por lo menos no pueden dejar atrás el pasado, este siempre reaparece. Nos han venido con ese discurso una y mil veces en películas de acción en las que el protagonista vive una vida pacífica y cordial con sus vecinos hasta que la violencia llama a su puerta. Hace poco Jason Statham tiró del mismo hilo en ‘Beekeeper’. Ahora es Liam Neeson el que por enésima vez pasa de las buenas palabras a los puños en una película ambientada en Irlanda.

‘En tierra de santos y pecadores’ es un largometraje que se adentra en la época de la turbulenta y conflictiva historia de Irlanda, destacando tanto la belleza de su paisaje como la complejidad de sus personajes. Santos y pecadores, héroes y monstruos, bienhechores y villanos… al cabo es lo mismo. ‘En tierra de santos y pecadores’ explota el tópico introduciendo algunos rasgos diferenciales. La película, dirigida por Robert Lorenz intenta explorar la moralidad y la redención en un entorno marcado por la violencia y la traición, condicionado por las distintas interpretaciones del mismo conflicto.

Uno de los puntos más fuertes de la película es la actuación de Neeson, quien ofrece una interpretación sólida y convincente, como para no, tras años haciendo papeles similares. Pero a pesar de la repetitividad en las líneas generales del personaje, su presencia en la pantalla aporta una profundidad emocional que ancla la narrativa, incluso cuando el guión se vuelve predecible. A pesar de la fuerza de su protagonista, la narrativa a veces se siente dispersa y falta de cohesión. La falta de profundidad se intenta compensar con repartidos momentos de acción.

Los personajes secundarios, aunque bien interpretados, no siempre están bien desarrollados, lo que deja algunos arcos argumentales sin resolver o insuficientemente explorados. Eso sí, es un grandísimo aliciente ver juntos a Neeson y Ciarán Hinds, quienes habían compartido créditos en ‘Excálibur’ y ‘Silencio’, pero nunca escena. Quienes si habían trabajado antes codo con codo son Neeson y el director Robert Lorenz.  Estrenaron ‘The Marksman’, un filme con tintes de neowestern. La trama de ‘En tierra de santos y pecadores’ no nos lleva a Arizona, ni a la actualidad, ni a los sombreros de cowboy, pero aún así también tiene ingredientes de western. Un far west europeo con una cinematografía preciosa, que también juega un papel crucial, añadiendo una capa de autenticidad y belleza a la historia.

Además, la película intenta abordar temas complejos como el conflicto irlandés y sus repercusiones, pero lo hace de una manera superficial, casi de respagilón. La falta de compromiso en la exploración de estos temas puede dejar insatisfechos a aquellos que buscan una representación más matizada y crítica de la historia irlandesa. Los que busquen una película tipycal Neeson encontrarán otro título que les va a funcionar.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: In the Land of Saints and Sinners. Duración: 106 min. País: Irlanda. Dirección: Robert Lorenz. Guion: Terry Loane, Mark Michael McNally. Música: Diego Baldenweg, Lionel Vincent Baldenweg, Nora Baldenweg. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Ciarán Hinds, Colm Meaney, Kerry Condon. Producción: Facing East Entertainment, Jumpy Cow Pictures, London Town Films, Saga Film, Bleiberg Entertainment, Prodigal Films. Distribución: Vértice Cine. Género: suspense, acción. Web oficial: https://www.facing-east.com/en/films/ship-breaker

Crítica: ‘Gru 4. Mi villano favorito’

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Después de siete años, nuestro supervillano favorito, ahora convertido en agente de la Liga Antivillanos, vuelve con una impactante y frenética entrega de caos al más puro estilo Minion en la esperadísima nueva película de Illumination: Gru 4. Mi villano favorito.

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Crítica

Nuevas travesuras y risas garantizadas

Primero se ganó nuestros corazones siendo malo malísimo, después se pasó al bando de los “buenos” y ahora, en ‘Gru 4. Mi villano favorito’, le toca ser el protegido que entra en el programa de cambio de identidad. Curta entrega de la saga, que no de la franquicia, el número de personajes crece. La familia es más grande, los minions pierden algo de peso y se nota que comienza a costar estirar el chicle.

Por supuesto que esta especie de gremlins amarillos tienen los mejores gags del filme. Pero cuando vemos que se suceden los guiños a películas como ‘Terminator 2’, ‘007’, ‘Spider-Man’ o ‘Los 4 Fantásticos’ ya se percibe una falta de originalidad. Me ha gustado mucho cómo Universal, productora que no posee ninguna franquicia comiquera de superhéroes, ha lanzado un dardo en favor del hartazgo por el cine de superhéroes, de ese que se hace como churros. Pero en su intención de brindarnos una pequeña sátira para los más adultos han desarrollado un guión demasiado dependiente de la broma. Tenemos superhéroes hasta en la sopa, pero no olvidemos que con los minions también se ha hecho todo tipo de merchandising, la pescadilla se morderá la cola y veremos a estos nuevos “Mega-minions” en las tiendas.

Aún con esa cantidad de guiños y referencias que tiene esta nueva película, entre las que hay que incluir su propio Hogwarts y un bebé que recuerda al de ‘Los increíbles’, surgen nuevos personajes. Los más destacados dos villanos que salvo por el acento bien podrían estar inspirados en CR7 y Georgina. Y unos pijos de manual cuya inclusión aunque es graciosa queda un poco pendiente de un hilo pues sirven más como relleno y su arco no está cerrado.

De la animación sobra decir que la calidad es máxima, con una cantidad de detalles apabullante y pormenores como líquidos, pelajes o texturas que están cuidados hasta el límite. Fijaos por ejemplo en cualquier parte metálica que aparece o en la gigantesca pantalla LED que hay en una de las escenas. Igual podemos decir del doblaje, la hemos visto en castellano, al que se le ha dedicado espacio en los títulos de crédito iniciales. Salvo en un par de excepciones las voces respetan el producto original y funciona de manera graciosa con comunión con los personajes. Especialmente Florentino Fernández quien adaptó su voz de Sr. Maligno para este personaje y ya no cabe imaginar a Gru sin su estilo.

Puede que sea por la cantidad de entregas que lleva ya esta franquicia, pero parece que los minions pronuncian cada vez de un modo más legible. Curiosamente, aunque entendamos mejor a los esbirros amarillos esta es la entrega que tiene menor intencionalidad, es decir, que carece de moraleja. Para algunos puede que desmerezca la película pues estando destinada un público infantil ‘Gru 4. Mi villano favorito’ pierde la oportunidad de ser educativa. En el caso de otros muchos la apuesta por la simple aventura y la comedia física es más que suficiente.

Aunque está siendo un verano flojo en cines, levantado precisamente por un competidor directo como ‘Del revés 2’, fijo que habrá más entregas de ‘Gru. Mi villano favorito’ ya que estos personajes son el buque insignia de Illumination. Próximamente y dada su forma y la cantidad de productos que llevan estampados a los minions, no descartaría que viniesen en forma de supositorios. Mi apuesta para la siguiente fase, Gru como profesor o mentor, algo que aquí ya hace en parte.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: Despicable Me 4. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Delage, Chris Renaud. Guion: Mike White, Ken Daurio. Música: Heitor Pereira. Reparto principal (doblaje original): Steve Carell, Kristen Wiig, Joey King, Will Ferrell, Sofía Vergara, Miranda Cosgrove, Dana Gaier, Madison Skyy Polan, Steve Coogan, Pierre Coffin, Stephen Colbert, Chloe Fineman, Brad Abelson. Reparto principal (doblaje en castellano): Florentino Fernández, Patricia Conde, Dani Martínez, Xuso Jones, Ana Brito. Producción: Universal Pictures, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/minions/

Crítica: ‘Un lugar tranquilo: Día 1’

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Descubre por qué nuestro mundo se quedó en silencio.

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Crítica

Un viaje hacía la oscuridad y a la salvación.

Por fin llega a nuestras pantallas la precuela de ‘Un lugar tranquilo’, la cinta que nos mantuvo en silencio en una sala de cine en 2018. Esta dio paso a ‘Un lugar tranquilo 2’ y como digo, por fin llega a nuestras pantallas ‘Un lugar tranquilo: Día 1’.

La cinta nos cuenta el comienzo de todo, el primer día en el que los monstruos sensibles al ruido aparecieron en la Tierra y que mejor lugar para mostrarnos esta llegada que en Nueva York, una de las ciudades más ruidosas de todo el mundo, un lugar que nunca duerme.

Seguimos a Samira, interpretada por Lupita Nyong’o, una mujer enferma que lo único que quiere es volver a Harlem y poder comer un trozo de pizza de su lugar favorito. Con ella va Frodo su gato y Eric, un joven inglés que intenta ayudarla y sobrevivir.

‘Un lugar tranquilo: Día 1’, nos vuelve a traer la tensión de las anteriores. Una gran acción y también una bonita historia sobre las personas que están viviendo este terrible suceso.

Y es que una cosa queda clara, que estas películas tienen una gran fe en la humanidad. Con esto quiero decir, que cuando vemos películas apocalípticas, siempre vemos que los seres humanos se vuelven mezquinos y malvados con tal de sobrevivir. En estas cintas, es todo lo contrario, siempre se ve como trabajan unidos. Como se ayudan y si no lo hacen es por miedo o por que han dado todo por perdido, no por maldad. Es algo que sin duda me encanta, porque en el fondo estoy cansada de ver siempre lo mismo y me gusta que se vea el lado bueno de las personas.

La cinta esta vez no está dirigida por John Krasinski, que, si que ha ayudado en el guion, han dejado el papel de director a Michael Sarnoski, director de ‘Pig’, que ha demostrado una gran maestría para hacérnoslo pasar mal. Los sustos, las escenas acuáticas o las persecuciones en uno de los grandes rascacielos de cristal de Nueva York con una gran cantidad de alienígenas persiguiendo a nuestros protagonistas.

Joseph Quinn es el encargado de dar vida a Eric, un joven inglés que acompaña al personaje de Lupita por una Nueva York destruida. Ambos tienen una química muy bonita, llena de cariño y amistad.

En el reparto encontramos a Alex Wolff, Djimon Hounsou (que vuelve a repetir personaje), Thea Butler, Jennifer Woodward, Sunjay Midda, Elijah Ungvary, Zay Domo Artist, Cain Aiden, Malik Jubal y Alexander John.

Como en las anteriores películas el sonido es muy bueno, necesario para introducirte esa tensión que viven los protagonistas, esos silencios que logran ponernos los pelos de punta y a la vez, esos sonidos estridentes que hacen que todo el mundo salga corriendo para poder sobrevivir.

Antes de terminar, me ha encantado el símil con ‘El Señor de los Anillos’. Ya solo los nombres de los dos protagonistas, Frodo, el gato, si es protagonista total, lo pasas fatal cada vez que le da por desaparecer. Sam, su compañera de viaje que tiene un destino claro, y es volver a su hogar. Es más, llegamos a ver la oscuridad de Mordor en la película. Admito que no se si el director ha tenido interés en mostrar esto verdaderamente, o que soy una loca de la gran historia de Tolkien, pero sin duda, me ha parecido totalmente un gran homenaje.

‘Un día tranquilo: Día 1’ me ha parecido una gran precuela, una visión del primer día y de lo que ocurrió, repitiendo fórmulas pero también dándonos algo nuevo de estos seres que han llegado para quedarse.

 Ficha de la película

Estreno en España: 27 de junio de 2024. Título original: A Quiet Place: Day One. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Michael Sarnoski. Música: Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou, Denis O’Hare, Elijah Ungvary. Producción: Paramount Pictures, Platinum Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror, thriller. Web oficial: https://www.aquietplacemovie.com/

Crítica: ‘Invasión’

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‘Invasión’ cuenta la historia de una irrupción extraterrestre que tiene sometida al planeta Tierra, durante la cual dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán confiar en el enemigo para poder sobrevivir la noche más larga de sus vidas.

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Crítica

El amor por encima de todas las guerras

Hace poco os hablamos de ‘La bandera’ (aquí nuestra crítica), adaptación de la obra teatral de Guillem Clua, que él mismo adapto para el cine. Esta semana llega otra adaptación, al igual que ‘La bandera’, adaptada por el propio autor a cine.

‘Invasión’, cuenta la historia de una irrupción extraterrestre que tiene sometida al planeta Tierra, durante la cual dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán aprender a confiar en el enemigo para poder sobrevivir la noche más larga de sus vidas.

La película me ha sorprendido bastante. Tenemos desde el principio una voz en off que nos va contando la historia a través de un cómic, con unas ilustraciones que me han recordado al dibujante Carlos Giménez (autor de ‘Paracuellos’). Utiliza bastante el recurso de la viñeta de comic, dando paso de un grupo de personajes a otro y la verdad que funciona muy bien.

Como he comentado al comienzo de la crítica, es una adaptación de una obra de teatro del propio guionista y también vemos esto. La manera de actuar de los actores, las miradas al frente y alguna que otra técnica que podríamos ver en una obra teatral, como las proyecciones en las paredes para traer los recuerdos de los protagonistas a la escena. También muy bien insertado.

La película nos habla del amor, de lo malas que son todas las guerras y de como el amor es lo único que puede detenerlas. Y lo hace muy bien. También habla de aceptarnos los unos a los otros y de lograr confiar en las personas

David Martín Porras logra una película que nos habla de esas personas que se ven de repente envueltas en una guerra, ya sea por convicción, miedo o por obligación y convence con un mensaje alentador, aunque a la par también nos muestra la triste realidad.

María Adánez, Marga Arnau, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Andrés Gertrúdix, Sofía Oria, Álvaro Rico, Claudia Salas y Fran Berenguer, son los protagonistas de estas historias entrelazadas. Todos están bastante bien, Fran Berenguer es el narrador de la película e ‘Invasión’ comienza y termina con su voz. Creo que ninguno de ellos ha trabajado en la obra de teatro, pero sin duda han captado perfectamente el tono de la película y como he matizado, las miradas exageradas, las voces o gestos son muy teatrales y es algo que también le da un toque especial a ‘Invasión’.

‘Invasión’ es una película bastante original, con alguna sorpresa que otra y que tiene un gran punto fuerte que es su montaje. Vamos pasando de una historia a otra haciendo que no nos aburramos y tampoco perdamos el hilo de lo que nos están narrando. Ya sabéis si tenéis la oportunidad de ir al cine, esperamos vuestros comentarios. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2024. Título original: Invasión. Duración: 92 min. País: España. Dirección: David Martín Porras. Guion: Guillem Clua. Música: Arnau Bataller. Fotografía: José Martín Rosete. Reparto principal: Claudia Salas, Fran Berenguer, Sofía Oria, Álvaro Rico, María Adánez, Andrés Gertrudix, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Marga Arnau. Producción: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales. Distribución: A Contracorriente. Género: Drama, Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/invasion-14

Crítica: ‘Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar’

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Aunque se le va de las manos, de las mejores antologías de Netflix

Joko Anwar es un director muy conocido en la zona de Indonesia y entre los círculos del género fantástico. Películas suyas como ‘Los hijos de Satán’, ‘Pintu Terlarang’ o ‘Impetigore’ le han convertido en un talento emergente. Ya había hecho alguna película basada en sus propias pesadillas y ahora ha estrenado en Netflix la serie ‘Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar’.

Esta antología es una especie de The Twilight Zone (opening incluído) centrado en el terror no es la primera incursión de Anwar en el género. Ya estrenó para HBO Asia ‘Folklore’. Con este nuevo título vuelve a demostrar que está comprometido con tradiciones y miedos más arraigados, sobre todo con la clase baja de su país, Indonesia y regiones cercanas. Anwar interconecta estos países y tradiciones realizando un recorrido desde el pasado hasta la actualidad más conspiranoica y comiquera. Y es que este director también cultiva el género de acción con películas como ‘Gundala’.

Si algo remarca ‘Pesadillas y ensoñaciones de Joko Anwar’ son los miedos del propio director y de la gente a la que ha visto toda su vida. Personas con auténticos trabajos de mierda y vidas embadurnadas de miseria. Y lo hace montándose sus propias narraciones extraordinarias (no puede negar influencias de Poe). De reminiscencias de los primeros films de terror, pasa al folk horror actual consiguiendo imágenes que podrían haber sido de un Kurosawa al servicio de las ‘Historias de la cripta’.

Netflix ha conseguido con esta antología lo que no pudo hacer correctamente con Junji Ito, plasmar el estilo y narrativa de una mente novedosa y a la vez tradicional en eso del terror. Para algunos si conclusión puede ser un giro de guión explosivo, pero para otros, como es mi caso, es una locura que se carga todo lo sembrado. Quizá no estéis preparados para algunas de sus escenas, Anwar muchas veces consigue ser impactante. Si queréis estarlo al menos ajustar bien el brillo o el color de la tele y poneos a oscuras con algo a lo que agarraros, como una buena caja de kleenex.

La casa vieja

Durísima reflexión sobre el abandono de nuestros mayores y el sacrificio que supone tener un hijo. Una pesadilla con un toque del giallo de Argento y una manera visualmente impactante de enlazar con horrores antediluvianos.

El huérfano

Maldición o karma, este episodio te hace caminar entre la fina línea que separa esos dos conceptos. Los anhelos por abandonar la pobreza y de un salto alcanzar una mejor vida, no justifica cualquier medio. Medios que provocan las mierdas de nuestra civilización.

Poema y dolor

¿Es el proceso de escritura una experiencia agotadora? ¿Puede un autor sufrir en sus carnes su propia historia? ¿De dónde viene la inspiración? Contradiciendo a los hijos de Unarius nos exponen un trance que mezcla Stieg Larsson con ‘Room’.

El encuentro

De nuevo la miseria llama a la puerta de la imaginación de Anwar. Otra pesadilla en vida para aquellos que sueñan alejarse de injusticias y falsas promesas. Tintes de parábola bíblica y un final incompleto, pendiente del crossover final.

El otro lado

También hay espacio para lapsos temporales relativistas y la historia del marido que se fue a por tabaco. Una locura en la que la nostalgia abduce hasta la ruina. Más problemas sociales explicados con el fantástico.

Hipnotizado

Un capítulo de esos en los que dices eso de “qué diantres está pasando aquí”. Un episodio difícil de interpretar hasta el final pero con una buenísima interpretación del protagonista. Apto para admiradores de series como ‘From’… o de ‘Los Vengadores’.

El apartado de correos

Toca unir las pistas en el último episodio, cuando más conspiranoico es el ambiente. Y relación con temas secretos y de la ciencia ficción actual tiene. La serie concluye y lo hace con un final en el que vemos una ida de olla propia de ‘30 monedas’.

Crítica: ‘Los indeseables’

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Haby vive con su familia en un deteriorado bloque de apartamentos. Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un médico idealista, toma el mando. Está decidido a continuar a toda costa con el proyecto de rehabilitación del barrio, que consiste en demoler el edificio de Haby. Cuando la joven y su familia descubren el plan de Pierre, lucharán por todos los medios para impedirlo y conseguir detener la desmesurada ambición del nuevo alcalde.

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Crítica

Con más corazón que fervor, Ladj Ly consigue analizar otra cara de los suburbios franceses

Nueva película de Ladj Ly. En 2017 rodó el corto ‘Los miserables’ que dio paso dos años más tarde a una laureada película. Ahora estrena ‘Los indeseables’, un filme que va en la misma línea, parece que el director de origen maliense ha iniciado una saga de películas sobre los extrarradios franceses en los que creció, hasta el punto de rodar en su propio barrio de origen. Si en ‘Los miserables’ evaluaba los problemas entre la policía y los grupos juveniles, ahora toca temas como la vivienda, la especulación, la ineptitud política o la traición.

El barrio ese el protagonista de este cine de Ly. Estas películas de suburbios, con personajes jóvenes, tachados de delincuentes y viviendo en la miseria, van de la mano de ‘El odio’, ‘La banda de las chicas’ o ‘Atenea’, producida y escrita por este mismo director. Recuerdan en gran parte al cine quinqui español de los ochenta, que llevaba intrínseco un marcado carácter de denuncia y reivindicación por las clases desfavorecidas. ‘Los indeseables’ puede hacer alusión a todos esos ciudadanos que son rechazados por su procedencia extranjera, su carácter delictivo o simplemente por pertenecer a etnias que no son nativas o tradicionales del país. Pero me da la impresión de que el adjetivo va dirigido también a aquellas personas, por lo general políticos y títeres de las constructoras inmobiliarias, que incrementan la brecha social enviando al abismo del olvido a eso que llamamos derechos humanos. De hecho el propio autor de esta película comentó que el filme utiliza como disparador el fallecimiento real de Claurd Dilain, un alcalde que parecía que iba a llevar cabo prometedores cambios en el suburbio que gobernaba.

Con estas películas Ly esgrime un mensaje e incluso planos similares a los de ‘Asedio’ de Miguel Ángel Vivas. Enfrentamientos con la policía, de esos que dan paso al ACAB, personajes al borde del precipicio y la rebelión, miembros del sistema que cuestionan su lugar en la sociedad… Si en algo se diferencia ‘Los indeseables’ es en tratar el compromiso político y explorar qué funcionarios están realmente al tanto de la realidad y en contacto con los ciudadanos. También acierta a retratar cómo las leyes y decretos provocan la delincuencia e incluso el enfrentamiento entre las clases bajas. A menudo vemos como los sin tierra son alojados en un país que les empuja con sus normas, prejuicios y corruptelas a ser unos desharrapados, esa es otra pulla que lanza ‘Los indeseables’. Desde luego es una película que deben ver aquellos que hablan con facilidad y desprecio de las “paguitas” o que están favoreciendo el auge de la ultraderecha en Europa. Con estos análisis omnipresentes en todo el metraje se puede decir que este título es mucho más comprometido y dramático, pero también menos vibrante y cautivador. Resalta cómo la inexperiencia, la corrupción y la injusticia pueden hacerse dueños de cualquiera de nosotros, pero su montaje, aunque está lleno de detalles exasperantes, no logra encender en nosotros la misma llama que ‘Los miserables’.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2024. Título original: Bâtiment 5. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Ladj Ly. Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini. Música: Pink Noise. Fotografía: Julien Poupard. Reparto principal: Anta Diaw, Alexis Manenti, Aristote Luyindula, Steve Tientcheu, Aurélia Petit, Jeanne Balibar. Producción: Sarab Films, Lyly Films, France 2 Cinéma, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique. Distribución: Caramel Films. Género: Web oficial: https://www.srabfilms.fr/batiment5

Crítica: ‘Memory’

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En ‘Memory’, Sylvia es trabajadora social y lleva una vida sencilla y estructurada: su hija, su empleo y sus reuniones de Alcohólicos Anónimos. Sin embargo, su vida dará un vuelco cuando, tras una reunión de antiguos alumnos del instituto, Saul la sigue a casa. Este inesperado reencuentro tendrá profundos efectos en la vida de ambos y abrirá la puerta a su pasado.

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Crítica

Tan confusa y compleja como las trampas de nuestra memoria

Quién dijo que las reuniones de antiguos alumnos no sirven para nada. En ‘Memory’ un encuentro con viejos compañeros de clase lo cambia todo para la protagonista que interpreta Jessica Chastain. Tras uno de esos reencuentros llenos de recuerdos, postureo, falsos cumplidos y vuelta a los años mozos un ex-alumno en concreto va en busca del personaje de Chastain. Supone un encuentro que da inicio a una reacción y una relación misteriosa y confusa, tanto para los personajes como para el espectador. Desde luego ‘Memory’ es una película para echarle paciencia, fijarse en los detalles y estar abiertos a la comprensión hacia aquellos que ya no son capaces de comprender su propia realidad.

Ese nuevo contertulio con el que se topa la protagonista está interpretado por Peter Sarsgaard, el cual, está en el filme por recomendación de Jessica Chastain. Más que un duelo interpretativo, porque no compiten de ninguna manera, la película es un trabajo en equipo, a través del cual nos llevan de la mano a conocer a dos mentes completamente trastocadas. Bien es cierto que hay más de una sobreactuación, no tanto por parte de los protagonistas, más en el reparto de secundarios. Pero es muy difícil la tarea que les ha encomendado Michel Franco a estos dos intérpretes. Habría sido muy fácil caer en las exageraciones y en los tópicos cuando tratas de imitar mentes tan trastocadas como las de sus personajes. Además está el reto de contar sin verbalizar e incluso sin exteriorizar, con el acting gestual. Ambos protagonistas tratan de vivir una normalidad autoimpuesta, contenida, que sus propias mentes impiden que se lleve a cabo. Si conocéis a alguien con los problemas que tienen estas personas, no os voy a desvelar cuales son, veréis con gusto como este filme está muy bien interpretado.

‘Memory’ es una película en la que las motivaciones de los personajes están un tanto difusas, que pretende manejar tal complejidad que es difícil saber si los protagonistas no están bien esbozados o si hay que buscar en ellos conflictos aptos para ser desenterrados por un psicoanalista. De ahí quizá que tenga un final que se percibe inconcluso, tanto como los huecos que nuestra memoria tiene. Y es que nuestro cerebro nos protege muchas veces omitiendo recuerdos, bloqueándolos o haciendo que nos mintamos a nosotros mismos. La película trata, al menos eso pienso yo, sobre aceptar las trampas de nuestra memoria y encontrar espacios en los que lidiar con nuestros recuerdos, por muy dolorosos que estos sean. Tal vez por eso la mujer a la que encarna Jessica Chastain recorre tanto las reuniones de AA, que aquí significa Alcohólicos Anónimos, eludiendo otra doble A como es Antiguos Alumnos.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2024. Título original: Memory. Duración: 100 min. País: México. Dirección: Michel Franco. Guion: Michel Franco. Fotografía: Yves Cape. Reparto principal: Jessica Chastain, Peter Sarsgaard, Brooke Timber, Merritt Wever, Jessica Harper, Elsie Fisher, Josh Charles. Producción: High Frequency Entertainment, Teorema, Case Study Films, MUBI, Screen Capital, The Match Factory. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://highfrequencyentertainment.com/films/memory

Crítica: ‘Descansa en paz’

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En un caluroso día de verano en Oslo, los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?

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Crítica

Los zombies tienen más sangre que los vivos en este filme contemplativo

Tenía una pequeña expectativa con ‘Descansa en paz’ pues en ella se reúnen títulos como ‘La peor persona del mundo’ y ‘Déjame entrar’, ya que trabajan en este estreno los actores Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie y el guionista John Ajvide Lindqvist respectivamente. También porque la sinopsis nos prometía una historia de zombies diferente, atípica, como igual de extraño es el vivir un día caluroso en Noruega. Pero por tras salir de la proyección me quedo como el resto de espectadores que comentaban a la salida, con la sensación de haber estado viendo muchas escenas que cuentan poco y nos dejan con una enorme sensación de vacío.

Reconozco que identifico que la película de Thea Hvistendahl trata sobre el vacío que dejan aquellos que pasan a mejor vida, eso es algo que está en la superficie, que se remarca reiteradamente en todos los arcos que tiene el filme. Pero la fútil sensación con la que abandonamos el cine se debe a que no se detecta ningún otro argumento o desarrollo. ‘Descansa en paz’ es una película contemplativa y dramática que intenta explorar complejidades del género de los muertos vivientes a través de una lente íntima. Sin embargo, a pesar de su fuerza dramática, la película tiene problemas de coherencia narrativa y enfoque temático.

Uno de los principales problemas de la obra reside en el desarrollo de la trama. A menudo, la narración parece excesivamente errática repleta de escenas con una parsimonia tal que parece que los zombies tienen más sangre que los vivos. Esta falta de claridad puede hacer que los espectadores se sientan confusos y desconectados de los acontecimientos de la película, lo que dificulta la implicación total con los personajes y su viaje.

A las incoherencias narrativas de la película se suman sus ambigüedades temáticas. No está claro si ‘Descansa en paz’ pretende explorar temas como el trauma, la superación de la pérdida o el proceso de superación. Esta falta de claridad temática da lugar a momentos contradictorios a lo largo de la cinta, lo que enturbia aún más su mensaje general y su impacto. Cuando parece que nos están exponiendo escenas que nos hablan del trauma o de una especie de terror psicológico aparecen elementos que rectifican el género o contradicen las sensaciones de los protagonistas.

Sin duda Thea Hvistendahl tiene el mérito de conseguir una atmósfera triste y plomiza. Durante unos instantes intriga ya que siempre es enigmático desarrollar una trama en la que los muertos salen de sus tumbas. Pero ese suspense se convierte en confusión a medida que las secuencias consisten solo en fustigar a los personajes con sus penas y en plantear situaciones donde los diálogos brillan por su ausencia y las acciones no muestran progreso alguno. Quizá la novela de John Ajvide Lindqvist en la que se basa es más eficiente a la hora de explicar sus argumentos.

La muerte y la tragedia están presentes desde el principio en ‘Descansa en paz’ y ni con ello son capaces de ser visualmente cautivadores. Si que se crea un estilo propio y un ambiente enrarecido, generado puntualmente por algunos ruidos o interferencias para las que tampoco encontramos explicación. Son instantes que o bien se acotan a vertientes modernistas o bien a detalles tan excesivamente personales que solo entiende el equipo del filme. No es que uno esperase un espectáculo de sangre, al contrario, con una exploración sugerente o sustanciosa me habrían agradado más. Pero ni lo uno ni lo otro. Permitidme el spoiler, pero si esperáis una película de zombies mordiendo a gente… ved solo los últimos cinco minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2024. Título original: Håndtering av udøde. Duración: 97 min. País: Noruega, Suecia, Grecia. Dirección: Thea Hvistendahl. Guion: Thea Hvistendahl, John Ajvide Lindqvist. Música: Peter Raeburn. Fotografía: Pål Ulvik Rokseth. Reparto principal: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bjørn Sundquist, Bente Børsum, Bahar Pars, Inesa Dauksta. Producción: Anonymous Content Nordic, Einar Film, Filmiki Etaria, Zentropa International Sweden. Distribución: Avalon. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/descansa-en-paz/