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Crítica: ‘La casa del terror’

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Sinopsis

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En Halloween, seis amigos deciden entrar en una casa encantada que promete ofrecer una experiencia extrema a base de explotar sus miedos más profundos. La noche se volverá mortal cuando se den cuenta de que algunos monstruos son reales.

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Crítica

Una película de primos

Los guionista de ‘Un lugar tranquilo’ (Scott Beck y Bryan Woods) nos llevan irónicamente a un emplazamiento totalmente opuesto, lleno de gritos y ruidos. Una moderna casa del terror en la que unos incautos jóvenes intentan pasar un gran Halloween. En el grupo se hallan los tópicos de este tipo de películas juveniles: la joven traumatizada, el guaperas, la amiga fiel, el graciosete, los que se ven que son carne de primera muerte… Todos ellos interpretados por un reparto bastante flojo.

El nombre de Eli Roth va perdiendo fuelle y sensación de calidad. Produce esta película y lo cierto es que tanto como productor y como director está acumulando últimamente títulos a los que cuesta encontrarle fans. Películas como ‘Toc toc’ o ‘Los vigilantes de la playa’ están muy lejos del nivel de éxitos del tipo ‘Hostel’. Lo que sí que está claro es que tiene buen ojo para encontrar proyectos con un toque grotesco o drásticamente sangriento.

Como en otros films que han pasado por las manos de Roth distinguimos, yo por lo menos lo he leído así, un mensaje dramático y bastante actual. En este caso nos hace un símil entre la permisibilidad que hay en relaciones en las que hay maltrato y la exención de responsabilidad que se puede firmar al entrar en una atracción bastante extrema. La correlación que establece me parece buena pero muy poco y ligeramente aprovechada.

Subtitulo la película como una película para primos no porque pueda parecerlo aquel que pique y vaya a verla (para gustos los colores) si no porque los propios protagonistas y villanos (que llegan a ser más que las víctimas) son muy pringados. Llevan a cabo acciones ilógicas, torpes y no parecen estar causadas por la adrenalina o el miedo. Eso hace que la película te parezca torpe. Pero es que además los jóvenes atrapados en este ominoso túnel del terror están constantemente haciendo alusiones a sus primos: que si uno es ingeniero del petróleo, que si otro es psiquiatra, que si otra es proctóloga…

Tiene una buena escenografía que nos hace pasar de lugares llenos de óxido o madera a otros plagados del color plateado brillante de las hojas de metal. Desde luego esta casa del terror es un lugar que, salvo por su peligro de muerte, dan muchas ganas de visitar. Tiene buenas ideas y también buen maquillaje (en el equipo hay gente de ‘Star Trek’, ‘Saw’ o ‘Bright’). La cosa no se limita al payaso del cartel, de hecho creo que habría más éxito de marketing si hubiesen empleado otras máscaras o rostros del filme. Hace poco vimos una película de corte similar, mucho menos dura y extravagante llamada ‘Hell Fest’ que tenía sus pretensiones más claras y unas secuencias menos confusas y por lo tanto (aunque no tenía las chocantes muertes de esta película) resultó más entretenida.

‘La casa del terror’ llega a España pasada de fecha pues esta película podría haber rascado más espectadores si se hubiese estrenado en Halloween. Sin embargo captará a aquellos que tengan resaca y ganas de terror pasada la festividad norteamericana. Para los que sean muy adeptos de las películas de género les atraerá la combinación Roth más guionistas de ‘Un lugar tranquilo’ más la presencia de un compositor de banda sonora tan prometedor como lo es Tomandandy. Pero a ellos les digo, como me obligo a decirme a mí mismo, si entráis en esta casa del terror procurad disfrutar de sus «momentos de muerte», para bien o para mal, porque si le buscáis coherencia o explicación os va a defraudar mucho.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Haunt. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Tomandandy. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Katie Stevens, Will Britain, Andrew Caldwell, Laurym McClain, Shazi Raja, Schuyler Helford. Producción: Broken Road Productions, Nickel City Pictures, Sierra / Affinity. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial: https://nickelcitypictures.com/upcoming-projects/

‘La Fábrica del Miedo’ nos trae verdadero terror

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Halloween llega a Madrid y de una manera terrorífica

Del 30 de octubre al 3 de noviembre la plaza de toros de San Sebastián de los Reyes se convertirá en ‘La Fábrica del miedo‘, un espacio destinado al terror con actividades para todas las edades. El evento llega de la mano del equipo de producción de World Real Games y de los creadores del Túnel del Terror más largo de la Comunidad de Madrid.

El evento tendrá dos pasajes del terror, aparte de atracciones infantiles en el Halloween Park, con actividades varias, talleres, zona de restauración y por supuesto también un pasaje destinado a niños a partir de tres años donde podrán vivir esta experiencia de la mano de sus personajes conocidos como Drácula, La Bruja, Frankenstein, etc.. que les contarán historias divertidas.

Pero para los mayores también habrá una gran sorpresa y es que si sois de vivir situaciones límite y en solitario, por primera vez en Madrid, tenemos una experiencia extrema con los personajes más perversos.

Así que no lo dudéis y si queréis pasar un Halloween diferente y lleno de terror ‘La Fábrica del Miedo’ es vuestro mejor plan. Aquí os dejamos el enlace a la web donde tenéis toda la información sobre el evento. https://lafabricadelmiedo.com/

 

Crítica: ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’

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Sinopsis

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1968: en Estados Unidos el cambio se respira en el aire… Pero el pequeño pueblo de Mill Valley está muy alejado de los disturbios en las ciudades. Allí, durante generaciones, la sombra de la familia Bellows ha ido creciendo. Fue en su mansión en el límite de la ciudad, donde Sarah, una joven con horribles secretos, transformó su torturada vida en una serie de historias de miedo, escritas en un libro que ha trascendido el tiempo – historias que se tornarán reales cuando un grupo de adolescentes descubran el aterrador libro de Sarah.

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Crítica

Es un ‘Destino Final’ del terror

‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ reúne a un buen grupo de narradores de relatos de terror y aventuras. La película está producida y escrita por el experto del fantástico Guillermo del Toro el cual ha reunido varios «cazadores de trolls». Por un lado están los guionistas de la serie de Netflix ‘Trollhunters’, los hermanos Dan y Kevin Hageman. Y por otro el gran director de películas de miedo André Øvredal quien en su autoría cuenta con la más que eficiente ‘Trollhunter’ y la excelente o sorprendente ‘La autopsia de Jane Doe’. Esta mezcla de talento hispano, norteamericano y noruego viene a dar a luz las pequeñas historias que en su día escribió Alvin Schwartz. Una especie de relatos cortos de tres o cuatro páginas como máximo, siempre acompañados de algún bosquejo de Stephen Gammell, donde el autor da incluso instrucciones para que el lector asuste a sus amigos, a modo de lectura de noche a la luz de una hoguera o de incursión en casa encantada.

‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ es una película juvenil en la que a cada vuelta de la esquina encontramos un fotograma que bien podría servir de carátula de un VHS de terror a alquilar en el videoclub de nuestro barrio. Está salpicada de pequeñas historias que se van escribiendo y van acosando a los protagonistas, directamente desde lo más hondo de sus más profundos temores. Su mecánica, su estética y su tono nos dejan un sabor a mezcla entre ‘Destino final’ y ‘Pesadillas’. Es un filme que poco a poco se va acelerando y convirtiendo en una carrera por narrar y no ser narrado, que va desvelando su verdad conforme avanza, resolviéndose de un modo convincente.

El autor original de las mini-historias ha sido re-interpretado en la ficción como un fantasma femenino con sed de sangre, cargado de ira al que no le faltan recursos literarios típicos del género de terror. Así pues vemos criaturas desmembradas, espantapájaros, arañas… Los espectros del filme (alguno de ellos interpretado por el español Javier Botet) me atrevería a decir que tienen una estética con cierta inspiración japonesa, me han recordado a engendros vistos en mangas como ‘Uzumaki’. Pero sobre todo la película respira una dinámica adolescente en la que se mezcla el terror con algo del ya reconocible humor irónico y sarcástico de Øvredal. ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ asusta, agobia en algunas ocasiones, pero nos incluye en su grupo de amigos, nos integra de tal modo que también nos sentimos cómplices de las risas nerviosas de los protagonistas.

La mano de Del Toro se percibe cuando en el clímax de la película asoman reminiscencias de películas como ‘La cumbre escarlata’ o cuando nos rodean referentes manifiestos del director como ‘Night of the living dead’ o las películas de ‘Bela Lugosi’. También la inclusión de un personaje «espalda mojada» habla claramente sobre los orígenes y preocupaciones del cineasta, sobre uno de los temas que indirectamente ha querido abordar y del que esta misma semana le oíamos hablar cuando recibía su estrella de la fama en Hoollywood.

Esta se podría decir que es la película más comercial de André Øvredal. La inclusión de elementos como el clásico matón de instituto o la ya manida caja de música así lo demuestran. Pero son componentes que quedan en un segundo plano, se imponen en el recuerdo con más fuerza otros detalles, como por ejemplo un tema escogido con más criterio, ese con el que empieza la película: ‘Season of the witch’. Y por supuesto el manejo del casting o cómo interactúa con los distintos espantos que van apareciendo, varios de ellos pertenecientes a la obra original, por cierto.

En el caso de Guillermo del Toro puedo decir que estoy muy alineado con su obra, teniendo muy pocas veces razones para el descontento. Y con André Øvredal hasta ahora podía decir que era infalible para mí, dos películas dos grandes agrados. Con ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ hace tres de tres, su colaboración con Del Toro aunque no desemboca en la mejor de sus películas si es un filme que os recomiendo que veáis en la más absoluta de las oscuridades, porque es desde ahí es desde donde nos envían una gran muestra de afecto por el género.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2019. Título original: Scary Stories to Tell in the Dark. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Guillermo del Toro, Dan Hageman, Kevin Hageman. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Fotografía: Roman Osin. Reparto principal: Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zajur, Natalie Ganzhorn, Gabriel Rush, Austin Abrams, Gil Bellows, Dean Noris, Javier Botet. Producción: 1212 Entertainment, CBS Films, Double Dare You, Entertainment One, Sean Daniel Company. Distribución: eOne Films. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.scarystoriestotellinthedark.com/

Crítica: ‘Midsommar’

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Sinopsis

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Una pareja americana que no está pasando por su mejor momento acude con unos amigos al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar en el que el sol no se pone nunca, poco a poco se convierte en una oscura pesadilla cuando los misteriosos aldeanos los invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.

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Crítica

‘Midsommar’ es una cena de los idiotas campestre y ritualista

‘Midsommar’ llega avalada por la fama que precede a Ari Aster tras su éxito, merecidísimo éxito, con ‘Hereditary’. Pero antes que nada hay que advertir que la promoción de esta película es algo engañosa. ‘Midsommar’ no es una película de terror como el anterior largometraje de su director. ‘Hereditary’ era un drama familiar inquietante, misterioso, oscuro, tenso… ‘Midsommar’ es algo diferente, que no da miedo pero que tampoco hay duda que es la mar de desconcertante.

Esta es realmente la primera película que Ari Aster quería hacer. Y es una cinta luminosa, colorida, musical incluso. Cargada de cultura vikinga, con mitos nórdicos y runas por todas partes. Con eso arranca la obra, con una ilustración al estilo antiguo. Es importante seguir los rastros que nos va dejando el filme, esos pequeños grabados que vamos viendo, porque nos hablan del pasado, presente y futuro de los protagonistas, sobre todo de la que interpreta muy bien Florence Pugh.

Ari Aster da muchas pistas en ‘Midsommar’. Todo es mucho más obvio que en su anterior trabajo y no hay sorpresa al final. Todo esto pasa porque se quiere dar paso a un mensaje y porque el filme ofrece un viaje transformador o transcendental. Y todo ello sin salir de un mismo área y sin que tengamos apenas escenas de noche. La película me ha recordado en muchísimas ocasiones a títulos como ‘The Wicker Man’, ‘La cena de los idiotas’ o ‘El bosque’. Sí, nos deja una nota de originalidad con su deformado y curioso experimento pero a la vez nos rodea de multitud de detalles vistos en otras películas, excesivos.

Recuerdo que el sol salía nada más comenzar el primer tráiler que se lanzó y todos nos volvimos locos de expectativa. Pero creo que en todo el filme no ha habido un solo plano en el que se vea al astro rey. Es por cosas así que la película nos raya. Con pormenores así y con sus planos, las situaciones, algunos personajes, los emplazamientos… ¿¡Austin Powers!? esta es una película que en ocasiones nos descoloca. Incluso mantiene esas imágenes explícitas y duras que dentro de una sala comercial pueden hacer que más de uno se salga. A su vez hay escenas que rozan el ridículo que hay que darles excesivas vueltas para encontrarles un sentido dentro de su psicotrópica y ritualista mecánica.

Buscaba en esta película no pasar las mismas sensaciones de ‘Hereditary’ si no encontrar la marca de Ari Aster. En su opera prima nos mostró unos planos, unos tiempos, un tratamiento de los personajes… muy diferenciados de otros cineastas. Aquí solo roza lo que parecía que iba a ser un auténtico sello de autor, va mucho más directo y abierto, mucho más alejado de algo novedoso. Me ha decepcionado descubrir que no existe un distintivo Ari Aster, al menos no he podido corroborar esa sensación con ‘Midsommar’ en su conjunto. Tal vez en una tercera película reconduzca esa senda.

Quizá con el montaje del director que tienen previsto cuando mostrar salga la versión doméstica disfrute de otro modo ‘Midsommar’, pero puede que por el contrario se me haga excesivamente larga porque son 30 minutos lo que se le recortaron con respecto al metraje final. Mientras tanto, por muchas vueltas que le dé al filme me sigue pareciendo poco intrépido y que explota muy poco el talento de un joven en director en el que pese a todo, aún tengo esperanzas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: Midsommar. Duración: 147 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Florence Pugh, Jack Reynor, Vilhelm Blomgren, William Jackson Harper, Will Poulter, Gunnel Fred, Isabelle Grill, Anki Larsson, Anders Back, Lennart R. Svensson, Hampus Hallberg, Anna Åström, Archie Madekwe, Ellora Torchia. Producción: B-Reel Films, Square Peg. Distribución: DeAplaneta Films. Género: drama, misterio. Web oficial: https://a24films.com/films/midsommar

‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ tiene un apabullante tráiler

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¿Nos iremos por la pata abajo con la nueva producción de Guillermo del Toro?

André Øvredal (‘La autopsia de Jane Doe’, ’Troll Hunter’) estará en nuestras carteleras el próximo 9 de agosto de la mano de eOne Films con ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’. La nueva producción de Guillermo del Toro basada en la serie de libros de Alvin Schwartz con ilustraciones de Stephen Gammell pinta de lo más terrorífico como podemos comprobar en el tráiler que ha sido lanzado dos meses antes de su estreno.

Zoe Colletti (‘Incendios’), Michael Garza (‘Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1’), Austin Zajur (‘Pelea de profes’), Natalie Ganzhorn (‘Make It Pop’), Gabriel Rush (‘El gran hotel Budapest’), Austin Abrams (‘Ciudades de papel’) y Gil Bellows (‘Ally McBeal’) son los protagonistas de la cinta.

Sinopsis oficial:

l968: en Estados Unidos el cambio se respira en el aire… Pero el pequeño pueblo de Mill Valley está muy alejado de los disturbios en las ciudades. Allí, durante generaciones, la sombra de la familia Bellows ha ido creciendo. Fue en su mansión en el límite de la ciudad, donde Sarah, una joven con horribles secretos, transformó su torturada vida en una serie de historias de miedo, escritas en un libro que ha trascendido el tiempo – historias que se tornarán reales cuando un grupo de adolescentes descubran el aterrador libro de Sarah.

Crítica: ‘Hell Fest’

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Sinopsis

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Un asesino en serie enmascarado convierte un parque de atracciones con temática de terror en su propio patio de recreo personal, aterrorizando a un grupo de amigos mientras el resto de los visitantes creen que todo es parte del espectáculo.

La estudiante universitaria Natalie está visitando a su mejor amiga de la infancia, Brooke, y a su compañera de cuarto, Taylor. Si fuera otra época del año, estas tres amigas y sus novios irían a un concierto o a un bar, pero es Halloween, lo que significa que, como todos los demás, irán al Hell Fest: un inmenso parque de atracciones con juegos y laberintos y que coincide que está en la ciudad. Cada año, miles de personas visitan Hell Fest para experimentar el miedo en este macabro carnaval de pesadillas.

Pero para uno de los visitantes, Hell Fest no es un parque de atracciones sino un coto de caza. Una oportunidad para matar a la vista de un público embobado, tan sumido en la terrorífica y divertida atmósfera que no se dan cuenta de la horrible realidad que se desarrolla frente a sus ojos. A medida que la cantidad de cadáveres y la excitación frenética de la multitud continúan elevándose, el asesino irá a por Natalie, Brooke, Taylor y sus novios, quienes lucharán para sobrevivir a la noche.

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Crítica

Aporta muy buenas ideas a los parques temáticos pero muy malas a los psicópatas

Yo no sé si aquella noticia fue un fake o no, o incluso si pertenecía a algunos de mis retorcidos sueños. Pero hace unos meses se habló de un parque temático temporal que estaría centrado en el terror y ubicado en un lugar abandonado de Cataluña. Sea como fuere un sitio así atrae a todo amante de los sustos y lo tétrico y eso es lo que se muestra en ‘Hell Fest’.

El lugar empleado para esta película de Gregory Plotkin (‘Paranormal activity: dimensión fantasma’) es un recinto lleno de zonas terroríficas, de actores disfrazados, de animatrónica y de luces de neón. De esto último nos saturan bastante y hay veces que entre tanto fluorescente y láseres parece que vamos a entrar en el mundo de Tron. Pero lo divertido de ‘Hell Fest’, a pesar de que el verdadero slasher solo esté presente en su último tercio, es ir descubriendo cada una de las atracciones. Si os pasáis a ver la película lo que más vais a pensar es que os encantaría que existiese un lugar así. De barraca en barraca la película va avanzando, enseñando susto tras susto y cruzándose con el asesino de diferentes maneras, muchas de ellas cómicas. Los pasajes que tienen que atravesar los protagonistas son de lo más original y eso nos entretiene de buena manera.

El grupo de jóvenes protagonistas no es arquetípico y eso se agradece. Jóvenes actores como  Amy Forsyth (serie ‘Channel Zero’), Reign Edwards (serie ‘Snowfall’), Bex Taylor-Klaus (serie ‘Scream’), Matt Mercurio (‘Black lightning’), Christian James (‘Legal action’) y Roby Attal (‘El largo camino a casa’) conforman el grupo de amigos que sufre la persecución del nuevo asesino y ninguno de ellos esgrime los tópicos de las películas de este tipo. Pero si miramos en líneas generales el largometraje si que empuña los clásicos argumentos de las películas juveniles de asesinatos y su criminal también tiene las características del género: máscara como de cuero y tarareo de una canción (Pop goes the Weasel) antes de asesinar. Pese a cumplir muchos clichés ‘Hell Fest’ tiene pocas incongruencias, cosa sorprende y es también bien recibido.

La verdad es que cuando estaba seleccionando la fotografía que iba a encabezar esta crítica me costaba elegir entre todas las imágenes de las que disponemos en la sección de prensa de Tripictures. Porque si hay algo que no se le puede negar a ‘Hell Fest’ es que tiene una estética muy atractiva. Me sucede un poco como con la escena de la piscina de ‘Los extraños. Cacería nocturna’, que mezcla mucho color, luz y nitidez pero genera un ambiente que no es nada acogedor. Sin conseguir un momento tan mítico como el de la película de Johannes Roberts si nos aporta lugares de pesadilla. Buena parte de ese mérito es del director de fotografía, que es el español Jose David Montero.

A casi todos nos gusta «pasarlo mal» en una casa del terror o ver los parques de atracciones transformados en Halloween con multitud de artículos y zonas tematizadas para que sintamos terror. Sea la celebración del 31 de octubre algo que nos han vendido desde Norteamérica o no hay que reconocer que las masas acuden como las polillas a la luz a las convocatorias de eventos de carácter aterrador. En cualquier esquina de estos lugares ambientados para la ocasión podemos sufrir un jumpscare y esto es lo que explota ‘Hell Fest’ para generar su slasher. Es una película más juvenil que otras en las que se ha visto inmerso el director en condición de montador, véase ‘Déjame salir’ o la saga ‘Paranormal activity’. Está más cerca de otros de sus trabajos más recientes como ‘Noche de juegos’ o ‘Feliz día de tu muerte’ pero sin esgrimir tanta comedia.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de septiembre de 2018. Título original: Hell Fest. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Gregory Plotkin. Guion: Seth M. Sherwood, Blair Butler, Akela Cooper. Música: Bear McCreary. Fotografía: Jose David Montero. Reparto principal: Amy Forsyth, Reign Edwards, Bex Taylor-Klaus, Christian James, Roby Attal, Matt Mercurio, Tony Todd. Producción: Valhalla Motion Pictures. Distribución: Tripictures. Género: terror. Web oficial: http://www.tripictures.com/web/hell-fest/

Crítica: ‘Mary Shelley’

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Sinopsis

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Mary Shelley desvela la historia de la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) y su ardiente y tempestuosa relación con el poeta romántico Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth). Ambos sienten un flechazo inmediato al conocerse y ante la oposición de la familia de Mary a su noviazgo, la pareja decide huir, acompañados por la hermanastra de ella, Claire (Bel Powley).

Los altibajos en su relación se agudizan durante su estancia en la casa de Lord Byron (Tom Sturridge) en Ginebra y es allí donde Mary concibe la idea de Frankenstein, cuando, como juego, se propone a todos los invitados escribir una historia de fantasmas.

Pero la sociedad de ese momento concede un nulo valor a las mujeres escritoras y con tan solo 18 años, Mary se verá obligada a desafiar estos prejuicios  para proteger su trabajo y forjar su propia identidad.

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Crítica

Cuando la inspiración es consecuencia de causas y efectos

Al igual que su monstruo de Frankenstein, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), posteriormente conocida como Mary Shelley, nació con la necesidad de forjarse una identidad a marchas forzadas en un mundo que le rechazaba como novelista e incluso como lectora de terror. La autora debía hacer valer su peso como escritora y mujer creadora de ficción. A su vez, la directora Haifaa Al-Mansour fue la primera mujer en Arabia Saudí en dirigir una película con su opera prima ‘La bicicleta verde’ (2012). Por lo tanto esta es una película que habla sobre la incomprensión, sobre la detección de los verdaderos monstruos y sobre el maltrato del mundo falocentrista. La película abarca tres planos diferentes, uno ficticio y metafórico (el de la criatura hecha a retales de cadáveres), otro basado en hechos reales y otro que transita por nuestra actualidad. Esta trilogía de historias comparte el mismo eje temático que con los años por desgracia sigue siendo causa de lucha social.

Pero tampoco es que ‘Mary Shelley’ sea una película que se haya rodado con fines propagandísticos. Cuesta percibir realmente si se ha querido narrar el germen de ‘Frankenstein’, una biografía con una historia de amor, una pugna de una mujer en un mundo de hombres o un compendio de todo ello. La verdad es que le falta algo de sustancia al filme. Sí que es cierto que el feminismo está muy presente ya que se hace hincapié en la figura de su madre la feminista Mary Wollstonecraft, mostrando por ejemplo que lee y escribe recostada en su tumba. Y por supuesto su carácter reclama una posición de independencia y reconocimiento constantemente. Pero la narración expone esos otros puntos a los que prestarles atención durante sus dos horas de duración, diluyendo bastante el tono y haciendo predominar el amorío y la vida de infortunios ante todo.

En la película vemos a dos de ‘Juego de Tronos’ que irónicamente a pesar de volver a compartir título aún así no son capaces de coincidir en un set de rodaje. Maisie Williams como Isabel Baxter y Stephen Dillane como el político y escritor William Godwin, padre de la protagonista. Al segundo le oímos decir «el que ama la lectura, tiene todo a su alcance». El filme persigue un ideal tan idílico de la época como ese. Palabras que le vienen que ni pintadas a la vida de Mary Shelley ya que su relación con el poeta Percy Shelley (Douglas Booth) le hizo llevar una vida de lo más anárquica. Los ideales románticos y el amor libre se intentan imponer ante las exigencias y prejuicios sociales. En ese descontrol la película se sumerge y pierde varias veces su ritmo y el dominio de su duración. Toca temas muy importantes que se pueden extrapolar a nuestros días, aunque podría haber resumido varios de sus tramos.

Estamos enmarcados en una época de poemas, creencias en el espiritismo, supersticiones… Actores como Douglas Booth ya se están doctorando en el siglo XIX tras películas como ‘Loving Vincent’, ‘Orgullo, prejuicio y zombies’ o ‘The Limehouse Golem’. Unos años en los que avances tecnológicos como el galvanismo encendieron las neuronas de algunos visionarios y dieron vida a obras tan alegóricas e icónicas como la que James Whale llevó al cine en 1931. Tanto entonces como ahora la ambientación es excelente. La elección de las texturas, luces y colores me parecen un acierto de lo más exquisito. La fotografía de David Ungaro y la música de Amelia Warner nos sumergen en un mundo de abandono, dejadez y represalias. Las mismas sensaciones que va sintiendo tanto el monstruo de Frankenstein, como las que siente Mary Shelley por su amado y editores, como las que ha sentido la directora Haifaa Al-Mansour en su país.

Con todo esto la película me ha gustado pues pensaba que pecaría de ser demasiado gótica o romanticona. Además sigo viendo que Elle Fanning es una actriz que me agrada en papeles que marcan la diferencia, como fue la sorpresa de la excéntrica ‘How to talk to girls at parties’ y eso que aún tengo pendiente ‘The Neon Demon’. Es capaz de sobrellevar la evolución de su personaje, pese a que se ve enmarcada en etapas muy dispares en un corto espacio de tiempo. Con una duración filmica más corta y algo más de definición en sus pretensiones la película habría sido más redonda, pero su mensaje llega sin necesidad de ser simbólica, algo que demuestra que por suerte en estos 200 años algo hemos avanzado.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Mary Shelley. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Haifaa Al-Mansour. Guion: Emma Jensen. Música: Amelia Warner. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Tom Sturridge, Ben Hardy, Maisie Williams, Joanne Foggatt, Stephen Dillane. Producción: Gidden Media,  HanWay Films, Parallel Films, Head Gear Films, Juliette Films, Metrol Technology, Sobini Films. Distribución: Filmax. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/mary-shelley.91

Crítica: ‘No dormirás’

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Sinopsis

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En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro radical experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra.  Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar.

Cuando Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco compitiendo por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, a un trágico desenlace.

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Crítica

Ni te quitará el sueño con su terror ni te hará dormir de aburrimiento.

Ambientada en los ochenta y casi con la intención de causar la sensación en el espectador de estar observando un relato basado en hechos reales se ha realizado ‘No dormirás’. La película del uruguayo Gustavo Hernández es pura ficción pero si que se palpa en ella cierta veracidad y búsqueda de lo auténtico en lo que a parte de la película se refiere. No obstante el filme busca tener un halo de misterio transmitido por su vertiente fantástica. Lo supuestamente paranormal y lo psicosomático se entremezclan en una cinta que encaja dentro del grupo del terror psicológico.

En este filme se exploran los límites de los artistas. Más que hacerlo de los intérpretes reales lo hace de sus personajes que son sometidos a un experimento de insomnio que pretende hacerles conectar con los papeles que van a interpretar y que están basados en personas que habitaron el lúgubre edificio en el que van a hacer su performance. Es decir, método Stanislavski  llevado al extremo. Según van llevando más horas despiertos comienzan los inquietantes sucesos extraños. Gustavo Hernández ha pretendido mantener un equilibrio entre lo mental y lo fantasmagórico para que dudemos hasta el final de la cinta pero su estratagema se descubre antes a poco que uno sea conocedor de la dinámica de este tipo de películas y llegamos al final del filme casi sin sorpresa. Y todo esto a pesar de los múltiples giros de guión que añade en cascada según nos precipitamos en el desenlace. Cambios en la historia que no son suficientes para aterrorizarnos, turbarnos o tan siquiera sobresaltarnos.

Los puntos buenos de este filme son su planteamiento inicial que prometía una trama más enloquecedora aún y su atmósfera. La idea de jugar con la vigilia para conseguir ciertos estados tiene su fundamento y hasta cierto punto atrapa. Con la fotografía de Guillermo Bill Nieto el experimento se antojaba prometedor. Esta si tiene una personalidad lo suficientemente fuerte como para hablar por sí misma y la película va manteniendo cierto nivel gracias a algunas de las estampas que en ella se ven. Las secuencias de la bañera o la vela son prueba de ello. Pero sus argumentos no pesan tanto como para complementarse con la imagen de un modo lo suficientemente interesante.

Esta es una película de regresos, estrenos y confirmaciones. Gustavo Hernández se reafirma casi sin quererlo como un director entregado al género y Belén Rueda regresa a un tipo de cine que siempre ha manejado con destreza. Para Eva de Dominici, Natalia de Molina y María Zabay es su primera película de terror, su primera película a secas si nos centramos en el caso de Zabay. Las tres están menos resueltas que Rueda pero no cabe duda que casi igual de entregadas que sus personajes a la interpretación.

Al igual que les sucede a sus semidormidos protagonistas  la película se queda en un limbo, ni aterroriza ni aburre. Se agradece la originalidad de su propuesta pero se podría haber explotado de un modo más tenso y aterrador sin la necesidad de rizar tanto el rizo en su conclusión.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: No dormirás. Duración: 105 min. País: Uruguay, España, Argentina. Dirección: Gustavo Hernández. Guion: Jumma Fode. Música: Alfonso Aguilar. Fotografía: Guillermo Bill Nieto. Reparto principal: Belén Rueda, Eva de Dominici, Natalia de Molina, María Eugenia Tobal, Juan Manuel Guilera, María Zabay, Germán Palacios. Producción: Pampa Films, FilmSharks International, Gloriamundi Producciones, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Bowfinger International Pictures, Tandem Films, Mother Superior, ICAA, ICAU, Tieless Media. Distribución: Filmax. Género: terror. Web oficial: nodormiras.filmax.com

Entrevista a Gustavo Hernández, Belén Rueda, Natalia de Molina y María Zabay

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Director y actrices de ‘No dormirás’

Terror psicológico y entrega absoluta por la interpretación es lo que os promete ‘No dormirás’ (crítica aquí). Una película del uruguayo Gustavo Hernández que protagoniza Eva De Dominici. Junto a ella actrices conocidísimas y reconocidas en España como Belén Rueda y Natalia de Molina se sumergen en una trama que juega con el insomnio y los lugares malditos. Les acompaña la periodista María Zabay que debuta en el cine con esta película.

Producción con sangre española, argentina y uruguaya sobre la que charlamos con cuatro de sus responsables y que podréis ver a partir del 15 de junio gracias a Filmax.




A continuación podéis ver fotografías de los cuatro entrevistados junto a los productores del filme.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Tráiler de ‘Noctem’, lo nuevo de Marcos Cabotá

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El 11 de mayo llega esta terrorífica historia. 

En 2016, Marcos Cabotá presentó éste primer tráiler en el Festival de Nocturna de Madrid, contándonos un poquito de donde salió la idea para la película y el como escogió al reparto. Hoy ya lo han hecho público y además nos han presentado la fecha de estreno de esta cinta que se pudo ver en este pasado Festival de Nocturna, donde las críticas fueron más que buenas.

Aquí os dejamos enlazada la entrevista que pudimos hacerle al director en 2016 y el tráiler de la cinta que podremos ver el 11 de mayo en las salas españolas.

Crítica: ‘Amityville: el despertar’

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Sinopsis

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Belle y su familia se mudan a una nueva casa, para ahorrar dinero y así ayudar a pagar la asistencia sanitaria de su hermano gemelo James, que se encuentra en coma. Pero cuando empiezan a ocurrir fenómenos extraños, incluyendo la milagrosa recuperación de James, Belle comienza a sospechar que su madre no le ha contado toda la verdad y pronto descubre que acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.

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Crítica

Queriendo alargar la historia de una casa histórica pero sin ser pretencioso.

No es la primera ni será la última. No es la mejor tampoco ni la más aberrante. No es innovadora pero tampoco es excesivamente tópica. La mítica casa encantada de Amityville tiene nueva película. El 112 de Ocean Avenue es una localización real donde de verdad se perpetró un atroz asesinato. De sobra es conocido el crimen que cometió el muchacho de la familia DeFeo, todos conocemos la matanza que llevó a cabo mientras su familia dormía y los posteriores supuestos poltergeist que han atormentado a los sucesivos moradores. Esta no es una película que nos repita por enésima vez esa historia. Por supuesto están los elementos clásicos como la famosa casa de ventanas ominosas, las voces, la habitación roja… Pero en vez de repetirse tanto con la archiconocida leyenda negra intenta alargarla, haciendo un poco de metacine e incluso de repaso de todo lo filmado anteriormente.

En esta ocasión nos ponemos en la piel de una familia que se muda al domicilio maldito, cuyo precio ha sido rebajado debido a la dificultad de alquilarlo. A priori los integrantes del clan desconocen lo que ha pasado en su nuevo hogar, solo quieren llevar una vida tranquila y que uno de sus integrantes se recupere de su enfermedad, o eso es lo que quiere que creamos el director Franck Khalfoun. Este cineasta que anteriormente ha logrado darnos buenas películas del género junto a Alexandre Aja como ‘Maniac’ o ‘Parking 2’ consigue de nuevo un filme de serie B, aunque de calidad regulera. Si la incluimos dentro de la saga que acumula ya esta residencia tiene momentos en los que manifiesta que es consciente del legado que hereda e incluso que es admiradora de él. Es algo muy característico de las películas de la Blumhouse.

El diseño de producción está más cerca de una serie tipo ‘Embrujadas’ que de una película festivalera. No es capaz de crea una atmósfera propia que infunda miedo de verdad y eso que ha contado con alguien tan bueno como Steven Poster, director de fotografía de ‘Donnie Darko’. A decir más, Bella Thorne como protagonista está más que estereotipada. Es una chica a la que hacen bullying en el instituto, la visten como clásica deprimida, tiene problemas en casa… En resumen, el filme tiene los fallos clásicos y sigue los pasos previsibles de las películas de este género.

Pero algunas cosas buenas si tiene. Como virtudes presenta algún que otro sobresalto para el espectador y consigue librarse de las taras de alguna de las predecesoras ambientadas en Amityville que las convertían en alargadas cintas demasiado pretenciosas. Además ofrece un buen giro de guión que os va a parecer original, no inteligente pero si atrevido y valiente. Por último el papel de Cameron Monaghan seguro que os parece de lo mejor del filme. No puedo deciros en qué consiste su papel en la película pero puede que le haga despertar más fans de los que ya tenía tras su paso por la serie ‘Gotham’.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: Amityville: The Awakening. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Franck Khalfoun. Guión: Franck Khalfoun. Música: Robin Coudert. Fotografía: Steven Poster. Reparto principal: Jennifer Jason Leigh, Bella Thorne, Mckenna Grace, Cameron Monaghan, Thomas Mann,  Jennifer Morrison, Kurtwood Smith, Taylor Spreitler, Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter. Producción: Blumhouse Productions, Dimension Films, Miramax. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: http://diamondfilms.es/amityville-el-despertar/

Tráiler de ‘The crucifixion’

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Un nuevo filme de posesiones.

El director de ‘La piel fría’, Xavier Gens, ha rodado un nuevo filme de terror, ‘The crucifixion’. Una película que ha sido escrita por los hermanos Carey y Chad Hayes, creadores de Expediente Warren. La película está protagonizada por Sophie Cookson (‘Kingsman: The Secret Service’), Corneliu Ulici (‘Devil Inside’) y Brittany Ashworth (‘Exhibit A’). DeAPlaneta la estrenará el 3 de noviembre.

Sinopsis oficial:

Basada en hechos reales, ‘The crucifixion’ cuenta la historia de un sacerdote que es encarcelado en Rumanía por el asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo. La periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoniaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma…

Festival de Sitges, día 14 de octubre

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Cerramos con Miike y Wiseau.

Último día en el festival y hemos podido gozar de la compañía del gran Takashi Miike y de los artífices de la película de clausura, ‘The Lodgers’. Además hemos conocido los ganadores de esta edición, los cuales los tenéis enumerados en este enlace.

Miike felicitó al festival por sus 50 años. Habló de su rodaje de ‘JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond Is Unbreakable’ en Sitges. Nos descubrió que a pesar de que es un manga popular hasta ahora el autor no había permitido a nadie rodar una película real sobre él. Al ver que el paisaje de la ciudad catalana se parecía al de las viñetas decidió proponerlo. Lo ubico que le preocupaba era ver como se rodaba aquí: equipos de rodaje, alojamientos… crearon un equipo mitad japonés y mitad español que grabó el filme en 45 días.

‘Kaki Deka’ podría ser el próximo manga que adapte el director. Le atrae la idea aunque ya nos dijo que podríamos pensar que está algo loco al querer llevarlo a la gran pantalla. Trata de un niño que se convierte en policía y desde esa posición destruye la sociedad.

Era especial jojo para él por que la película no habría sido posible sin la experiencia acumulada en su carrera. Si la película tiene mucho éxito harán la segunda parte.

Le pedimos hacer balance de su carrera ya que ha alcanzado 100 películas. Para él no es importante la cantidad si no la calidad. Hizo referencia a Weinstein (ahora tan de actualidad), indicando que igual le llama ya que con el dinero de su bolsillo podría hacer otras 100 películas. Sobre declaraciones como las de Tarantino, en las que afirma que un director debería hacer solo diez películas dijo «Hay dos estilos de director: los que quieren transmitir su mensaje a la gente, que no es mi caso. Yo soy más director de encargos». Es amigo de Tarantino y ha actuado en alguna película suya y viceversa. Como director lo respeta pero según él no tienen mucho sentido algunas cosas que dice, declaró entre risas.

Brian O’Malley, director de ‘The Lodgers’ nos contó que la canción de la película estaba en el guión que la creo junto a un compositor. Querían que sonase como una nana vieja pero tenía que tener un toque siniestro. Buscaban ese contraste ya que los protagonistas crecen con ella pero para otros niños sería inquietante. Esta canción ayuda mucho a la atmósfera del filme ya que esta no es una película de sustos. Según él «los sustos los ves una vez y luego ya no funcionan. El guión me pareció delicado y elegante, no quería hacer ese tipo de escenas. Como público prefiero esas películas con más tensión».

Shaked Brenson, productor de la cinta, además de otros títulos como ‘Turbo Kid’, agradeció la elección de la película para la clausura. Dijo que «ha sido coincidencia que la película trate de la ruptura de cadenas de la protagonista ahora que pasa todo esto en Cataluña». Ángel Sala respondió que lo que interesaba del filme era la posición de la mujer rompiendo esas cadenas que la ataban, en un momento en el que se abusa tanto inexplicablemente de la mujer. También se escogió el filme por cariño a Irlanda, un país amigo aunque sea con fantasmas de por medio.

THE LODGERS

La fuerza de ‘The Lodgers’ reside en su capacidad para generar tensión y en su búsqueda del terror basado en lo inquietante, no en los sustos cargados de ruidos a todo volumen. Esta historia siniestra con sabor a narración extraordinaria de Alan Poe puede poner los pelos de punta.

Para completar tan lograda ambientación se ha elaborado una historia truculenta en la que habría cabido esperar algo más de detalle. A modo simbólico relaciona a los protagonistas con conceptos como la libertad ya que está ubicada en la época en la que Irlanda logra su independencia. También trata sobre la ruptura de lo impuesto y las tradiciones a la fuerza heredadas.

Como curiosidad podemos decir que protagoniza la española Charlotte Vega y actúan dos de ‘Juego de Tronos’: David Bradley y Eugene Simon.

THE SUPER

Un filme que cuenta con Val Kilmer en el reparto no sabes por dónde te puede salir. ‘The super’ comienza de un modo desconcertante, con comportamientos inexplicables para sus personajes. Al final todo lo que hacen los protagonistas cuadra pero nos han aburrido tanto y se han empleado tantos artificios reciclados del cine de terror que no hay espacio para la credibilidad. De hecho el final del filme es el mismo que el de ‘Scary Movie 3’.

Está totalmente basada en sustos, en buscar el sobresalto con imágenes que aparecen de repente y sonidos estridentes. Todo ello protagonizado por actores de baja calidad entre los que destaca mínimamente Paul Ben-Victor (‘Daredevil’, ‘Preacher’).

THE DISASTER ARTIST

Excelente trabajo interpretativo de James Franco. Calca los movimientos, el habla, el comportamiento y la personalidad de Tommy Wiseau. Consigue descubrir de manera clara y altamente cómica el fenómeno de ‘The Room’ y la figura de Wiseau al gran público. Seguramente en poco tiempo deje de ser un fenómeno de culto.

Dedica mucho a los momentos previos al rodaje de ‘The Room’ y por eso tal vez se pierden muchas peculiaridades de su rodaje (no vemos muchas cucharas), pero lo más destacable ha quedado perfectamente plasmado. Lo chapucero de sus ideas, lo desquiciado que tenía a su equipo, su inexistente conocimiento del cine… Si habéis visto ‘The Room’ viviréis su rodaje ya que el set está perfectamente copiado.

En líneas generales hace bastante justicia a la historia real. Lo más importante, que es recalcar que su filme es una comedia involuntaria, está en su mensaje final. Reprochable sí que son sus cartelones finales, en los cuales «miente» al decir que no se sabe de dónde procede este peculiar personaje. Y digo que «miente» entre comillas por la cantidad de veces que incide en su peculiar acento, es decir, parece que Franco sí que lo sabe pero por complacer a Wiseau no lo dice en su filme. Como hemos mencionado aquí muchas veces, los que hemos visto el documental ‘Room full of spoons’ sí que lo sabemos, amén de muchos otros detalles que hacen que ‘The Room’ forme parte de una historia del cine mucho más viva ahora gracias a James Franco.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Festival de Sitges, día 13 de octubre

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Atracón de películas y serie.

Dos personalidades como Frank Langella y Takashi Miike han sido los protagonistas de la jornada. El segundo está presente con tres películas (‘La espada del inmortal’, ‘The mole song: Hong Kong capriccio’ y ‘JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond Is Unbreakable’). Con estos títulos el director ha alcanzado las 100 películas y lo celebró acudiendo a sus pases en Sitges embriagado de cava y mucho público. Durante la última jornada podremos ofreceros sus palabras pues asistiremos a su rueda de prensa.

Langella ha aterrizado en España para recibir el Premio Honorífico del Festival de Sitges 2017, y en referencia a ello ha dicho que «valora el poder de la longevidad», pues según su opinión «en un mundo donde todo se consume al momento, es muy valioso lo duradero». El actor estadounidense ha representado a Drácula tanto en teatro como en cine y también le hemos visto siendo Skeletor en ‘Master of the Universe’ o como el presidente Nixon.

Nos ha contado como fue el rodaje de ‘Drácula’, «lo recuerdo como un rodaje desastroso. Muchas pruebas de maquillaje y de vestuario». Además que según nos ha contado, para él fue muy estresante, pues acababa de terminar su temporada en Broadway y por fin había contraído matrimonio. No le ha faltado tiempo para hablarnos de su papel de ‘Master of the Universe’ y de lo feliz que le hizo hacer este papel, pues He-Man era el héroe de su hijo. «Nos hicieron un pase muy bonito para mí y mi familia, durante la proyección mí hijo se quedó dormido» ha dicho entre risas.

Durante la rueda de prensa ha comentado que se arrepiente más de las cosas que ha dejado de hacer que de las que ha hecho. Un gran artista que nos ha dejado un gran sabor de boca a todos los asistentes.

Por supuesto que hemos visto más largometrajes pero también hemos podido asistir a la proyección de varios capítulos de ‘La zona’, con cuyos responsables estuvimos ayer.

Estas son las películas que hemos visionado hoy.

JUPITER’S MOON

Película húngara que se suma a las metáforas que estamos viendo en el festival. Una obra que trata el tema de los refugiados (incluso de pasada el del terrorismo actual) desde el fantástico, otorgándole a esa masa de gente desplazada un héroe en la gran pantalla. Pero es un personaje dotado no solo de un súperpoder, si no de propiedades y trasfondo mesiático e incluso religioso. Una persona en situación grave que desafía la gravedad.

Me parece una manera loable de dar voz y reincidir en el tema de los refugiados pero cabría esperar en un filme tan largo más minutos dedicados a darle sentido al género en el que ha entrado y no tanto y de manera tan superficial a la crítica social.

FELIZ DÍA DE TU MUERTE

Emulando e incluso citando ‘El día de la marmota’ Christopher Landon ha intentado crear una versión rejuvenecida y más canalla. Lo que le ha salido es una comedia de universidad con asesino en serie y alguna que otra frase graciosa. Descuida las sorpresas al ofrecer demasiados detalles en sus repeticiones, como suele decirse, el final es predecible. Los días son en exceso largos. Películas con la misma mecánica, como ‘Al filo del mañana’, tienen un ritmo más vivo y además se molestan en detallar la razón del bucle en el que se encierra al protagonista. En ‘Feliz día de tu muerte’ los argumentos del slasher no justifican suficientemente los medios.

Si alcanza la categoría se culto su máscara será coleccionada ya que inquieta por su insidioso y repelente diseño.

JOJO’S BIZARRE ADVENTURE: DIAMOND IS UNBREKEABLE

Primera parte de la adaptación del manga de Hirohiko Araki. La historia de la familia Joestar llega a la gran pantalla en forma de live action. Una versión que se gana a pulso el adjetivo de bizarro por lo hortera de su estética y estrambótico de su argumento. Personajes más repeinados que George Clooney en ‘O Brother’, ofensas a lo «gallina» en ‘Regreso al futuro’, poderes que recuerdan a ‘Pokémon’… Sabor a manga tiene desde luego, pero no sé si ha sido rodada fielmente al original pues no lo he leído. El tono es bastante ligero pese a tener algo de sangre. Los personajes bobalicones y los poderes de sus protagonistas están más orientados a un público infantil. Trabajo inusualmente inocente y poco violento para lo que nos tiene acostumbrados el director.

Lo más atractivo de la película es ver Sitges convertido en Japón. Miike rodó en la ciudad catalana buena parte del filme y no lo esconde, es más, muestra reconocibles planos generales de su skyline y calles. Incluso el escudo de la policía es el español y se ven buenos planos de objetos como latas de Vichy Catalan.

BRIGSBY BEAR

Gran sensibilidad la de ‘Brigsby bear’ que despliega una preciosa historia a partir de lo que en el fondo es un profundo drama. Gracias al tratamiento que se le ha dado a la película descubrimos un relato sobrecogedor pero en ningún momento se hace sufrir al espectador, al contrario. La película de Dave McCary enternece y transmite su mensaje sin artificios lacrimógenos.

Una cinta muy sincera sobre la aceptación de la realidad y la consecución de lo que realmente uno disfruta. Admirable es también que no pretenda vivir a partir del nombre de Mark Hamill, si no de la construcción de un personaje protagonista complejo muy bien interpretado por Kyle Mooney (‘Zoolander nº2’).

LA ZONA

La nueva serie de Movistar+ estará disponible bajo demanda a partir del 27 de octubre. Durante 8 capítulos conoceremos las vidas de varias personas después de una catástrofe nuclear en el norte de España.

Hemos visto 3 episodios de la serie que nos han sabido a poco, deseosos de que estrenen el resto, ‘La Zona’ nos ha cautivado. Ya no es que te muestren los desastres de una catástrofe de esta índole, sino como cambia la gente, como socialmente la supervivencia es más importante que cualquier cosa.

Interesante idea de Jorge y Alberto Sánchez–Cabezudo y por supuesto con un gran reparto, entre ellos Eduard Fernández, Álvaro Cervantes, Alba Galocha, Carlos Bardem, Daniel Pérez Prada, Alexandra Jiménez, Sergio Peris–Menchieta, entre otros. En el siguiente enlace podéis ver más información de los tres capítulos vistos.

LEATHERFACE

Realmente macabra, como lo llegó a ser La matanza de Texas.

En su mejor tramo nos transporta a un sanatorio de los que no mimaban precisamente a sus pacientes. Y a pesar de su sangre de mercromina nos hace gozar a los amantes de lo retorcido con un elenco de chiflados y maníacos. La pista de estos sangrientos locos, que masacran más que en la masacre, la siguen dos marcadamente estereotipados policías interpretados por Stephen Dorff y Finn Jones.

Los momentos más cruentos son los mejores, como ya nos ocurrió con otra película de Bustillo y Maury, ‘Al interior’. En resumen, los que acompañaban a Cara de cuero masacraban más que él y le dejaron tocado. Nice to meat you amigos de Leatherface.

CULT OF CHUCKY

El diseño de producción para la clínica futurista y el Chucky, menos expresivo que el antiguo, bajan de golpe las expectativas sobre la película. Don Mancini continua manejando los hilos de su muñeco manteniendo el espíritu cabroncete y slasher pero girando tanto la tuerca que el guión está al borde de trasroscarse. Cuenta con el actor protagonista de la película original y continua con el personaje de la anterior entrega, Nica. No ha olvidado su pasado plástico, se ha rodado con mucha animatrónica y escenas filmadas con actores enanos, lo cual nos devuelve un poco al espíritu de los ochenta. Aunque El Culto tarda en hacerse ver los momentos con «mucho Chucky» son los más salvables de esta séptima entrega.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Festival de Sitges, día 12 de octubre

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Día de cuentos y encuentros.

El día de hoy nos ha brindado muchos encuentros con los artífices de las películas y series de las que os estamos hablando estos días. Hoy hemos asistido a las ruedas de prensa de ‘Matar a Dios’, ‘La zona’ y ‘Errementari’. Pero también ha habido hueco para ver un par de largometrajes y no hemos errado el tiro en nuestras elecciones pues tanto ‘Errementari’ como ‘Dave made a maze’ han sido todo un éxito.

En el encuentro de ‘Matar a Dios’ hemos podido charlar sobre una de las pocas comedias, además españolas, del festival. Mónica García (directora adjunta del festival) nos presentó a sus directores Caye Casas y Albert Pintó, además de Norbert Llarás (productor), que estuvieron con todo su reparto, compuesto por: Itziar Castro, David Pareja, Emilio Gavira, Eduardo Antuña y Boris Ruiz.

Pintó contó que siempre buscan hacer reír pero por encima de eso pretenden contar algo trascendental. Nos dijo que «la película en realidad no es de risa pero la gente en la primera mitad se rió de cojones». Caye Casas puntualizó que el título tenía que ser agresivo, «muestra muy bien nuestro humor». También, acerca del personaje de Dios, nos revelaron que la película se hizo a partir de Emilio Gavira. En referencia a eso el actor dijo: «lo mejor de esta profesión es tener a alguien que escribe un personaje pata ti y te llama para hacer cosas». Esto desembocó en que nos contasen que parte del elenco fue contactado por Facebook.

Itziar Castro fue etiquetada como actriz revelación por una periodista: «siempre me ha gustado revelarme, a si es que si soy revelación ¡viva la revelación!» respondió con el humor que la caracteriza.

Movistar+ está apostando mucho por la producción propia y ha aprovechando el festival ha presentado ‘La Zona’. Hemos tenido la suerte de poder contar con la presencia de Eduard Fernández, Alexandra Jiménez, Alberto Sánchez-Cabezudo (director), Jorge Sánchez-Cabezudo (director), Emma Suárez, Juan Echanove, Carlos Bardem, Alba Galocha y Domingo Corral (productor).

Eduard Fernández explicó la dificultad que encuentra al rodar series pues puedes grabar cosas de capítulos distintos de manera seguida. A parte de admirar el papel de sus compañeros presentes quiso elogiar a Aitor Berenguer «ha hecho el sonido, es la bomba». Para él también hubo un gran elogio por parte de Echanove: «Eduard tiene la capacidad de transmitir la verdad conmovedora…».

Carlos Bardem agradeció el hecho de poder haber rodado disponiendo de los guiones de todos los episodios (los ocho que tiene esta temporada).

Los directores nos garantizaron buena calidad para la serie pues según afirman se documentaron hablando con organizaciones como la UME o Greenpeace, entre otras fuentes. Querían que fuese fiel porque aunque esté cerca de la ciencia ficción buscaban algo con realismo. Por otro lado Domingo Corral afirmó que la serie podría tener una segunda temporada. Ya tienen líneas de trabajo trazadas pero dependerá de la demanda y la aceptación de crítica y público.

Álex de la Iglesia y Carolina Bang siguen apostando por los nuevos talentos y el caso de ‘Errementari’ no es una excepción. Se han personado en Sitges junto con compañeros como Kiko Martínez, Luis Oza, Rodolphe Sanze y Lara Izaguirre. Por supuesto han acudido también el director Paul Urkijo Alijo y los actores Uma Bracaglia y Kandido Uranga. En breve tendréis entrevista con miembros del equipo pero ya os adelantamos algunas palabras de la rueda de prensa.

De la Iglesia nos ha hablado de la razón de ser de la película que ha producido para el que fue su ayudante en ‘Pluton brbnero’. Tal y como ha declarado Urkijo este es un cuento que le gustaba mucho desde pequeño, simpatizaba incluso con los diablos y siempre ha querido llevarlo al cine. Además bajo su punto de vista esta es una historia sobre los demonios personales y sobre la visión prejuiciosa que podemos tener acerca de los demás.

Tal es la fidelidad y el cariño que le tiene el director a las raíces de las que parte que los personajes hablan con distintos euskeras en función de su procedencia. Incluso utiliza este recurso para tirar de sarcasmo ya que los diablos hablan batua, igual que se suele hacer en todas las instituciones, porque aquí el infierno es como un ministerio.

ERREMENTARI

Historias tan clásicas como las de Eurídice o Fausto vienen a la memoria mientras se proyecta ‘Errementari’. Un largometraje fabuloso, tanto por tono como por calidad. Desde el minuto cero te atrapa con su potente introducción y poco a poco cautiva gracias al buen uso que hace del folclore vasco y su entrañable humor. No hay personaje descuidado, desde el imponente herrero de Kandido Uranga hasta la atormentada niña de Uma Bracaglia. Magnífica manera de estrenarse con los largometrajes la del director Paul Urkijo Alijo.

El diseño de producción es otro de sus aciertos. Nos ofrece una atmósfera de cuento pero a la vez nos rodea de drama y terror simpaticón.

Recomendable ver en versión original. Escuchar a sus personajes hablar en euskera sumerge más al espectador en su historia, época y mecánica.

DAVE MADE A MAZE

Cuando uno enumera las virtudes de una comedia divertida menciona adjetivos que poseen películas como ‘Dave made a maze’. Fresca, original, simpática, entrañable… Bill Watterson nos introduce en un laberinto con mucha trampa y mucho cartón. Consigue en determinados momentos hacernos retroceder a la época de las meriendas con los ‘Fraggle Rock’ pero también le da a nuestro yo adulto su dosis de «sangre».

Al margen del tono jocoso del filme narra metafóricamente y poniendo siempre las cartas sobre la mesa una historia de superación, de consecución de las metas y de cómo las personas se encierran en sí mismas. Según avanza el filme este mensaje va ganando peso y cohibiendo los gags, por eso puede dar la impresión de que se va apagando poco a poco.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.