Gil Boksoon, que trabaja para la agencia de homicidas MK, es una sicaria con un porcentaje de éxito del 100 % y la madre de la adolescente Jae-young. Puede que sea una asesina consumada, pero tiene muchas carencias como madre. Por eso, cuando llega el momento de renovar su contrato con la agencia, decide retirarse para volcarse en su hija. Pero, cuando se dispone a hacer su último trabajo, antes de comunicar su decisión a MK, Boksoon descubre un secreto sobre la misión e infringe la norma fundamental de la empresa: ejecutar todo encargo pase lo que pase. Entonces se convierte en el blanco de la agencia y del resto de sicarios.
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Crítica
Aunque pierde su flow es tan descarada que casi rompe la cuarta pared con sus alusiones cinéfilas y su modernización frívola de las historias de yakuzas
Ver a un asesino o un agente secreto combinando su vida personal y hogareña con su licencia para matar. No es la primera vez que vemos una composición de guión así, ahí están ejemplos contemporáneos como ‘Sr. y Sra. Smith’, ‘Red’, ‘León’, ‘Kingsman’… Es curioso y divertido imaginar qué pueden hacer en su día a día aquellos que trabajan en la sombra, aquellos que tienen asuntos turbios o que sesgan vidas mientras estamos viendo Netflix o durmiendo plácidamente. En ‘Boksoon debe morir’ además de una coreografiada acción, de la presentación de una nueva antiheroína y del desarrollo de una original agencia secreta del hampa se dispone un drama maternofilial.
‘Boksoon debe morir’ nos sumerge dentro de una agencia que reúne “empresas” dedicadas a materializar encargos delictivos, principalmente asesinatos por contrato. Regida por una serie de reglas y por la estricta mano de un presidente, la compañía de los bajos fondos conocida como MK tiene entre sus estrellas a la agente Gil Boksoon (Jeon Do-yeon), la cual, combina su vida secreta como criminal con la crianza de una hija adolescente. La película de Byun Sung-hyun frivoliza con el negocio de la muerte viéndolo con la perspectiva de una empresa multinacional con su escalafón, jefes y obreros descontentos. Es una película totalmente insensible o indiferente ante la violencia (como gran cantidad del material que disfrutamos hoy en día) pero que busca explorar emotividad con la trama entre la madre protagonista y su hija (Si-ah Kim).
Hay que reconocer que ‘Boksoon debe morir’ lo mola con su acción y su protagonista femenina que está dividida a lo ‘Gunpowder milkshake’ o ‘Kate’. Está narrada en su arranque en retrospectiva y con una estupenda escena de lucha parece que va a romper moldes y a desarrollar un gran carisma. Además parece estar riéndose de los clisés, las tradiciones y los estereotipos del género. Dispone una trama y una manera de indagar en los personajes muy bien armada, dibujando estupendamente la psique de cada uno de ellos. Sin embargo, ese planteamiento nos mantiene durante muchas fases en stand by esperando la acción, todo ello a favor de desarrollar la relación entre madre e hija y conforme nos sumergen en un desenlace que se torna cada vez más oscuro. La gran lástima es que la película pierde su mojo, el flow que le hace marcar la diferencia y congratularse con el cine moderno mientras que conservaba elementos clásicos. Puntualmente recupera esa dinámica pero cuesta recuperarse de tanto adormecimiento dramático acumulado.
Te gustará si aprecias las coreografías de lucha modernas herederas de Jet Li y compañía o las claras referencias al cine de Miike o Kitano. Es tan descarada que casi rompe la cuarta pared con sus alusiones cinéfilas y su modernización de las historias de mafiosos y artes marciales. Prometía su mezcla de yakuzas, katanas, organizaciones secretas, asociaciones de padres y dramas púber. Pero intenta desarrollar demasiado su universo delictivo y emocional perdiendo aquello que le hacía especial.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Kill Bok-soon. Duración: 137 min. País: Corea del Sur. Dirección: Byun Sung-hyun. Guion: Byun Sung-hyun. Música: Kim Hong-jip, Lee Jin-hee. Fotografía: Cho Hyung-rae. Reparto principal: Jeon Do-yeon, Sol Kyung-gu, Kim Si-a, Esom, Koo Kyo-hwan, Lee Yeon, Hwang Jung-min. Producción: See At Film, Seed Films. Distribución: Netflix. Género: acción, thriller. Web oficial:ver en Netflix.
‘Oso vicioso’ está inspirada en la historia real del accidente de avión que en 1985 hizo que un traficante de drogas perdiese la cocaína que transportaba y que acabaría siendo ingerida por un oso negro. Este salvaje comedia reúne en un bosque de Georgia a un curioso grupo de policías, delincuentes, turistas y adolescentes que se encontrarán con un super depredador de 230 kilos que ha tragado una enorme cantidad de cocaína y que se haya en un frenesí destructivo en busca de más polvo… y mucha sangre.
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Crítica
La trama es adictiva pero solo la premisa engancha más que la cocaína
Imagináis qué pasaría si el oso Yogui en vez de robar cestas a los domingueros robase fardos de farlopa. ‘Oso vicioso’ responde a esa pregunta. Es 1985 y un oso se pone hasta las trancas de cocaína por lo que empieza a liarla, a pesar de ser un oso negro, no pardo. Son estupefacientes caídos del cielo, procedentes del avión de un narcotraficante que antes era agente de narcóticos, hecho del que se hace eco la película con uno de los personajes. Eso de que la realidad supera la ficción se queda corto con ‘Cocaine bear’. Eso sí, desde el principio queda claro que los hechos reales, ya que esto pasó de verdad, se han llevado a extremos desfasados, totalmente fuera de lo políticamente correcto. ¡Ojalá hubiese sido así el ataque de ‘El renacido’!
La película de Elizabeth Banks se basa realmente en el libro ‘Bluegrass Conspiracy’ de SallyDenton, el cual ya ficciona bastante lo que pasó realmente con el oso que acabó siendo bautizado como “Pablo Eskobear”. Lo tremendamente surrealista que les sucede a los protagonistas del bosque de Georgia (recreado en tierras irlandesas), el hecho de ser de lo último de Ray Liota, la promesa de baño de sangre y humor negro, el guionista de ‘The babysitter’… todo es un atractivo morboso. La fórmula que mezcla caras conocidas con argumentos que parecen salidos de la mente de unos adolescentes adictos a algún tipo de ácido vuelve a funcionar y me encanta que el público general pase por el aro. Me ha recordado a ‘Ovejas asesinas’, a ‘Bunny the killer thing’ o a ‘Zombeavers’ pero sobre todo a un descacharrante corto belga llamado ‘L’ours noir’, de Méryl Fortunat-Rossi y Xavier Seron. Ese corto de 2015 (que podéis ver aquí) ya daba las pautas para sobrevivir a un oso negro y también para sacarle partido cómico a una situación tan truculenta y peligrosa como es encontrarse con una criatura así en el bosque.
Bien es cierto que las tecnologías actuales han echado leña al fuego de un género que está cada vez más de moda y cada vez se gana menos ese calificativo. Hablo sobre todo por el oso que está recreado por CGI para que no haya violencia con ningún animal real y para poder llevarlo al extremo más salvaje posible. Eso hace que podamos ver la película sin sentir ningún temor por un animal que de normal vive en plena naturaleza, lo cual por otro lado podría herir sensibilidades. Y si lo pensamos bien además de ser una película de género o cómica, también funciona como un survival horror en el que el asesino es un oso que realmente es una víctima de la maldad y vileza humana.
Elizabeth Banks ha encontrado la manera de reencontrarse y redimirse con los espectadores a través de las historias sangrientas y fantásticas. Tras el desastre de ‘Los Ángeles de Charlie’ y aparecer en ‘The Boys’ ha cogido este anecdótico e increíble suceso del que usa imágenes reales en su arranque. Pero por supuesto ha necesitado trastocar lo que sucedió cambiando incluso el final. Todo ello para darnos un festival tan explícito que hace daño, tan sorprendente que gritas ¡pero que! y tan desbocado que no tiene límites y que te partes de risa. Es una broma que puede hasta considerarse inapropiada o de mal gusto, pero si captas la sátira y la parodia es un placer retorcido.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Cocaine bear. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Elizabeth Banks. Guion: Jimmy Warden. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Keri Russell, O’Shea Jackson Jr., Christian Convery-Jennings, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Brooklynn Prince, Isiah Whitlock Jr., Kristofer Hivju, Hannah Hoekstra, Aaron Holliday, Margo Martindale, Ray Liotta. Producción: Universal Pictures, Brownstone Productions, Lord Miller. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial:https://www.instagram.com/CocaineBear/
Cuando Babs, una niña de 9 años, recibe a un cerdito llamado Oink como regalo por parte de su abuelo, convence a sus padres de quedárselo con la condición de que siga un adiestramiento para cachorros. El cerdito cambiará su vida y la de todos en su familia hasta que las cosas empiezan a complicarse de manera inesperada cuando descubre que sus padres no son la mayor amenaza para Oink.
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Crítica
Pintoresca historia sobre la responsabilidad y los lazos afectivos
‘Oink oink’ es una película de animación que se nos escapó en la pasada edición del Festival de Sitges y que ahora que llega a salas de cine hemos podido disfrutar. Y digo disfrutar porque es un título que a pesar de la tosquedad y ordinariez que tiene el animal al que hace alusión su onomatopeya está llena de gracia y sensibilidad. Es más, está basada en un libro de los Países Bajos (‘De wraak van Knor’) cuya autora se llama Tosca Menten, un nombre que puede sonar a tosco pero que no hace honor a dicho chiste fácil.
‘Oink oink’ nos congratula como tantas otras películas por usar la técnica del stop motion. Pero sobre todo nos encandila por la ternura que aflora en la relación entre una niña y su mascota. La holandesa Mascha Halberstad ha logrado con este filme algo que ya hizo Chris Noonan con su Babe, que veamos a un gorrino flatulento y cagón como algo adorable y noble. También desarrolla una bonita historia de descubrimiento entre una niña que es un trasto y un abuelo que hasta entonces estaba desaparecido.
Es de ese cine que consigue alcanzarnos a través de personajes pintorescos, de historias variopintas y relaciones íntimas. Aunque todo esto suene a cine intensito o cultureta ‘Oink oink’ es una película infantil con mucho que enseñar. Por supuesto todo habla de la responsabilidad que ha de tener cada uno hacia sus mascotas o los actos de estas. También, a modo de redención, se nos plantea que hay cosas ineludibles en la vida, como los hijos. Pero también hay un abierto mensaje animalista y vegano.
El diseño de personajes y la elección de color puede recordar al de ‘Wallace & Gromit’ o ‘La oveja Shaun’, aunque a veces se acercan a los grotescos protagonistas de ‘Robot chicken’. Podría ser efectivamente una historia sacada de una serie televisiva de tantos canales infantiles que hay hoy en día. Sin embargo su trabajo merece la pena ser visto en pantalla grande.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Knor. Duración: 72 min. País: Países Bajos. Dirección: Mascha Halberstad. Guion: Fiona van Heemstra. Música: Rutger Reinders. Fotografía: Peter Mansfelt. Reparto principal (doblaje original): Hiba Ghafry, Alex Klaasen, Johnny Kraaijkamp, Loes Luca, Matsen Montsma, Kees Prins, Jelka van Houten, Henry van Loon, Remko Vrijdag. Producción: Viking Films, A Private View, Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, comedia. Web oficial:https://aprivateview.be/nieuwsartikel/oink-premiering-in-belgian-cinemas/
Cuando Lola (Milena Smit) pierde los bebés que estaba esperando, también pierde su fe en Dios. Con la esperanza de recuperarla, acude junto a su marido Adolfo (Jaime Lorente) a un convento de monjas donde conocen a Tin y Tina, dos angelicales hermanos de siete años por los que Lola se siente extrañamente atraída. Aunque Adolfo no siente lo mismo, deciden adoptarlos. Con el paso del tiempo Lola empieza a caer en una espiral de sospecha y obsesión con los niños y sus macabros juegos religiosos.
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Crítica
Muy cómoda en las referencias clásicas pero perdida a la hora de definir su misterio
Ir al cine a ver una película de terror en pleno inicio de la primavera y no en una noche de verano o en los aledaños de Halloween se hace percibir con una sensación un tanto extraña o rara. Quizá sea verdad que hay unas épocas más propicias para determinados géneros, pero la fecha en la que ha recaído el estreno de ‘Tin & Tina’ me parece de lo más adecuada. Ahora que todo el mundo empieza a prepararse para hacer fotografías a las flores, para empezar a tomar el sol y disfrutar apaciblemente de terrazas con vermú llega esta película que busca meternos en un ambiente cuanto menos enrarecido y frío. Sin duda los factores externos van a ayudar a que los espectadores entren bien en la dinámica inconfortable del primer largometraje de Rubin Stein.
Una primera película que como en tantas otras ocasiones parte de un corto homónimo. Un trabajo que en 2013 fue el germen de una trilogía de cortos y una buena trayectoria por festivales. Y como pasa también en muchas ocasiones se ha cambiado a los intérpretes protagonistas. Las tendencias actuales mandan y se ha escogido a un reparto que incluye como cabeza de cartel a dos artistas en auge como Milena Smit y JaimeLorente. Ellos interpretan a dos padrastros que han adoptado a unos hermanos de siete años (Tin y Tina, Carlos González Morollón y Anastasia Russo) con rostro angelical pero que obviamente, al tratarse de un título de terror, esconden algo malsano en su interior que va a poner aún más en relevancia la crisis de fe de la pareja. No he visto el corto, se supone que esta oportunidad de casi dos horas es ideal para desarrollar los personajes, pero sobre su pasado o su trasfondo conocemos muy poco.
Suspense, rarezas incomodas y nostalgia ochentena son las principales bazas de ‘Tin & Tina’. La película sigue los pasos de títulos clásicos de terror, sobre todo de aquellos que incorporan niños en su reparto. La dirección de actores y de fotografía está muy acertada en ese sentido y es por ello que es fácil acordarse de títulos como ‘La semilla del diablo’, ‘La profecía’, ‘El pueblo de los malditos’ o ‘La huérfana’. El filme rememora mucho a Chicho Ibáñez Serrador y al igual que en ‘Quién puede matar a un niño’, los protagonistas tienen la duda razonable de si todo lo malo que les sucede es fruto de la mala suerte o de los endiablados actos de unas jóvenes personitas.
La intención de la película es incomodar y hacernos sentir raros, pero hace que nos perdamos cuando va sin rumbo o hay cosas que no cuadran. ¿Hacen el mal cual anticristos o malinterpretan inocentemente los textos bíblicos? En concreto sucede que el largometraje a veces juega con lo sobrenatural, y otras veces juega con los perjuicios o los malentendidos. Por ejemplo, hay perro y todos sabemos qué sucede con las mascotas en este tipo de películas. También que sirven como canario en mina para avisar del peligro. Ese elemento choca con el mensaje que finalmente Stein nos deja en su cierre. El guión no se decide o no han sabido plasmar de un modo más eficiente por dónde quieren tirar.
El metraje de ‘Tin & Tina’ está lleno de planos kubrickianos, de zooms a lo Donner o Friedkin. Además cuenta con Jocelyn Pook (‘Eyes wide shut’) para la banda sonora lo cual habría sido todo un gol por la escuadra si el filme no estuviese repleto de los trillados coros angelicales que buscan infundir terror desde la inocencia. Tampoco es que ayude la edición de sonido abarrotada de efectos mal insertados o volúmenes desencajados que acompañan a dos protagonistas que parece que hablan solo a susurros. Aún con estos defectos ‘Tin & Tina’ intriga y ello es sobre todo gracias a que su primer acto es inquietante, a cómo maneja los temas sacrílegos o religiosos y a que el broche final es un magnífico y nada corto plano secuencia.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Tin & Tina. Duración: 119 min. País: España. Dirección: Rubin Stein. Guion: Rubin Stein. Música: Jocelyn Pook. Fotografía: Alejandro Espadero. Reparto principal: Milena Smit, Jaime Lorente, Carlos González Morollón, Anastasia Achikhmina, Teresa Rabal, Ruth Gabriel, Ana Blanco de Córdova, Luis Pérezagua, Enara Prieto. Producción: La Claqueta PC, ICAA,Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, FilmGate Miami, Andarams Films, Latido Films. Distribución: Filmax. Género: suspense, terror. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/tin-tina.234
Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que en realidad está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con sólo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.
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Crítica Una aventura familiar que se transforma estupendamente en un relato de terror y ciencia ficción
No es la primera vez que el audiovisual nos hace viajar al pasado mezclando con ello naves espaciales. Ya se nos pintó el tiempo como algo cíclico (‘Futurama’) o viajamos gracias a la relatividad (‘El planeta de los simios’) o vimos nuestro planeta con ojos alienígenas (‘Prometheus’) o se hizo uso de agujeros de gusano (‘Interstellar’). No me corresponde a mi desvelar cuál es la teoría empleada en esta película. El caso es que en ’65’ un hombre se estrella con su nave espacial en un planeta que resulta ser la Tierra pero sesenta y cinco millones de años atrás, en el Mesozóico, más en concreto en el Cretácico (no el Jurásico señoresCrichton y Spielberg), el cual concluyó hace 66 años a.C. con la extinción de los grandes dinosaurios.
La historia se enmarca pues en los últimos coletazos de los dinosaurios en términos de eras históricas. Esta es una nueva manera de plantear qué posibilidades tenemos ante los Tyrannosaurus rex y compañía pero con armas futuristas. Esto ha hecho que me acuerde de la serie ochentera de animación ‘Dinoriders’, pero los tiros no van por ahí. Esta es una aventura más sencilla con unas cuantas remembranzas hacia ‘Jurassic Park’, de hecho podemos decir que también es entretenimiento familiar y la trama sigue a un adulto y una preadolescente por unos lares llenos de saurios. Incluso hay dos o tres escenas que nos devuelven a la icónicaimagen del T-Rex bajo la lluvia o atacando el coche.
En la concepción de la película tenemos un elenco muy enfocado en el terror. Partiendo de que Sam Raimi ha puesto su criterio y dinero en esta producción hasta el hecho de que dirigen y escriben Scott Beck y Bryan Woods, artífices ambos de los guiones de las dos partes de ‘Un lugar tranquilo’ y de orquestar ‘La casa del terror’. Esta es una aventura que como he dicho se puede ver en familia pero poco a poco nos va ganando a los adultos pues se van imponiendo las escenas tensas y de terror. Miedo bien trabajado a base de un buen CGI que recrea a unos reptiles cada vez más presentes. Hablando de imágenes generadas por ordenador, estupendo el diseño de la nave que me ha recordado a la famosa fragata del ‘Mass Effect’.
No obstante la película tiene algo menos de gracia en su arranque pues nos desvelan muy pronto porqué estamos en el Cretácico. Lo peor es que a veces cuesta pasar por alto el hecho de que la trama tenga un par de casualidades cósmicas y que los dos protagonistas manejen un portentoso dispositivo electrónico y una mochila que parece que no tiene fondo. Sin duda ha habido que aplicar más de una solución rápida y prueba de ello es que el rodaje sola durado cuarenta días. Está claro que la gran inversión de filme, al margen del caché de Adam Driver, son los efectos creados en post-producción, que como he dicho antes, son de alta calidad.
Adam Driver aparca el sable láser y utiliza por primera vez en su carrera actoral el entrenamiento armamentístico que recibió cuando estaba en la marina, la cual dejó tras un accidente montando en bici. ‘65’ crea su historia con solo dos personajes. Driver y la joven Ariana Greenblatt, aunque hay otros dos papeles femeninos interpretados por Chloe Coleman y Nika Williams. Quiero más de este Driver entregado a la acción y por otro lado el trabajo que ha hecho aquí Greenblatt me eleva las expectativas de ‘Borderlands’ ya que va a interpretar en esa adaptación a Tiny Tina.
Ni caso a los palos recibidos desde la crítica norteamericana. ‘65’ es una más que solvente aventura en la que poco a poco se impone el terror e incluso al final tenemos un detalle visual que sin duda es parte de ese horror esperpéntico que a veces caracteriza a Sam Raimi.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: 65. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Chris Bacon, Danny Elfman. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Adam Driver, Ariana Greenblatt, Chloe Coleman, Nika Williams. Producción: Beck Woods, Bron Creative, Columbia Pictures, Raimi Productions, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://www.beckwoods.com/sixty-five
Con el fin de reencontrarse con sus orígenes, Freddie, de 25 años y criada en Francia, regresa por primera vez a Corea del Sur, donde nació antes de ser adoptada. La joven, de carácter obstinado, comienza a buscar a sus padres biológicos en un país que apenas conoce, llevando su vida por nuevos e inesperados caminos.
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Crítica
Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador
Es extremadamente difícil ponerse en la piel de una persona en cuya vida irrumpe una cultura totalmente diferente a la suya. Pero es aún más difícil comprender los sentimientos de alguien que se sumerge en una cultura que se supone que la define por nacimiento pero que no ha tenido nunca contacto con ella. Eso es lo más valioso de ‘Retorno a Seúl’, la tercera película de Davy Chou, la cual logra retratar una situación que no es del todo extraña pero que está escasamente explorada.
‘Retorno a Seúl’ fue la candidata al Oscar por Camboya y aunque no llegó a pasar el último corte pienso que sería por muy poco. Pese a tratar todo sobre la cultura coreana la película tiene su origen y producción en Camboya. Está inspirada en la vida de Laure Badufle, una amistad del director, y trata sobre una mujer que teniendo solo un año es adoptada y llevada de Corea del Sur a Francia. Tiempo después regresa para descubrir no solo cómo es el país en el que llegó al mundo sino las razones por las que su familia se desprendió de ella. En ese terreno se mueve ‘Retorno a Seúl’. Un territorio lleno de malentendidos y choques culturales, un campo en el que cultivar la comprensión y aplacar el resentimiento.
Es un viaje y una búsqueda como reflejo externo de una transformación interior. Una vuelta y descubrimiento de raíces. Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador. Es una confrontación constante de sentimientos en la que lo interior se enfrenta mucho al ponerse en lugar de otros acabando todo en reacciones que a priori parecen irracionales, pero tienen su base.
La protagonista tiene un carácter europeo, con brotes de descaro, curiosidad e irreverencia pero también de ira contenida. Un papel que le pega a la artista visual Park Ji-Min, quien hace aquí por primera vez un trabajo de actriz. De hecho me consta que cuestionó mucho la concepción de su personaje y si la protagonista tiene ese carácter tan agresivo o extrovertido en público pero acongojado con su nueva familia es por ella. Sin duda ha aportado también en lo referente al vestuario. Su interpretación lo es todo en esta película pues maneja estadios muy complejos en la transformación de su personaje y sabe interpretar muy bien las intenciones del guión.
Además de todo un discurso sobre la identidad ‘Retorno a Seúl’ es en segundo plano un retrato generacional de una zona específica de Asia y de unas personas exiliadas en manos extranjeras. Quizá cueste empatizar algo más por eso con la protagonista y su entorno pero ‘Retorno a Seúl’ demuestra como tantas otras que esos países, antaño en recesión por las guerras, dictaduras o culturas tradicionales, ya están totalmente dentro de la aldea global. Davy Chou consiguió mostrar su película en festivales de Cannes, Toronto, Nueva York o Sevilla. Esa internacionalidad demuestra como extensión del discurso del filme, la inclusión de esta cultura en nuestro mundo capitalista.
Aunque parezca que el tercer acto es más oscuro las sensaciones que nos deja al final la película no son dramáticas o fatalistas. Aunque trate de vidas rotas o trastocadas es un filme que arroja algo de luz. En un momento dado se ve fugazmente que el número de adopciones decrece cada vez más según nos aproximamos a nuestros días. Una muestra más de que Corea se desarrolla con normalidad y que está cada vez más metida en occidente que en oriente.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: Retour à Séoul. Duración: 117 min. País: Camboya. Dirección: Davy Chou. Guion: Davy Chou. Música: Jérémie Arcache, Christophe Musset. Fotografía: Thomas Favel. Reparto principal: Ji-min Park, Louis-Do de Lencquesaing, Yoann Zimmer, Oh Kwang-rok, Guka Han, Kim Sun-young, Son Seung-Beom, Hur Ouk-Sook, Emeline Briffaud, Lim Cheol-Hyun. Producción: Aurora films, Vandertastic Films, Frakas Productions, Merecinema, Anti-Archive, Ciné+, CNC, FFA, VOO, BE TV. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/retorno-a-seul/
Billy Batson y sus compañeros adoptados han recibido los poderes de los dioses pero aún están aprendiendo a compaginar sus vidas de adolescentes con sus alter-egos de Superhéroes. Pero cuando las Hijas de Atlas, un vengativo trío de antiguos dioses, llegan a la Tierra en busca de la magia que les robaron hace mucho tiempo, Billy -alias Shazam- y su familia se ven envueltos en una batalla por sus superpoderes, sus vidas y el destino de su mundo.
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Crítica
Continuando con la épica sinvergüenza o pueril y aproximándose a Gunn
Creo que la mayor incógnita que han de resolver las próximas películas del universo cinematográfico de DC Comics es qué deriva va a tomar ahora que está en manos de James Gunn, quien ya sabemos que dirigirá ‘Superman: legacy’. Al margen de si sus nuevos títulos son mejores o peores largometrajes o secuelas tanto Shazam como Flash han de resolver esa consulta próximamente. Antes de la esperadísima película del solitario de Flash le ha tocado ese papelón a ‘Shazam: la furia de los dioses’.
Ya os adelanto sin spoilers que hay dos escenas post-créditos. Una de ellas prácticamente igual que la de la primera parte y la otra supone la que, si no me equivoco, es la primera incursión del mundo televisivo de DC en el cine. Pero la respuesta a si Shazam sigue dentro del “Gunnverso” está dentro del propio filme. Más allá de las referencias a la Trinidad hay una escena importante que llega para responder ligeramente a lo que está planeado para otro importante personaje. Descuidad que no voy a decir nada más al respecto, podéis seguir leyendo.
Quizá lo anteriormente mencionado es lo más relevante de ‘Shazam: la furia de los dioses’. No supone ningún antes y después para el cine de superhéroes ni para el DCU. Es una película continuista, casi de relleno, dotada de la épica sinvergüenza de la anterior entrega y aproximándose al estilo del pupilo de la Troma, pero manteniendo un tono aún juvenil, lejos de ‘El Escuadrón Suicida’ en cuanto a violencia. Explota dos elementos importantes que ya introdujeron la primera entrega y la película de Patty Jenkins sobre los orígenes de la amazona. Estos míticos factores son precisamente eso, míticos. La magia (el otro punto débil de Superman) y el mundo clásico son los protagonistas de este filme. Ello combinado nos ofrece otros buenos aspectos de la película. Por un lado un trío de diosas que están muy por encima del Zeus de Russell Crowe y por otro el diseño de criaturas. Llegamos a ver mantícolas, arpías, unicornios, minotauros o cíclopes cuyo CGI es solo ligeramente mejorable y cuyo aspecto rememora, quizá como guiño voluntario, a las plastilinas de Harryhausen.
Por supuesto, el sentido del deber y el corazón del héroe es parte vital de la película. La familia (las dos familias que intervienen en la cinta) son aspectos dirigidos al público más joven. Además del tono mitológico y arcano el factor de diferenciación de ‘Shazam: la furia de los dioses’ es el disponer a toda un grupo de héroes que además forma un núcleo familiar entre si. Está el clan de huérfanos, el grupo que formacomo superhéroes y la estirpe de las villanas de turno. Por que, por si no lo sabéis, a quien se enfrentan estos superhombres es a las mismísimas hijas de Atlas.
‘Shazam: la furia de los dioses’ es una película más de superhéroes llevando al personaje a cotas mayores. Pienso que los productores (entre ellos Safran que sigue echando leña al mundo DC/Warner) son conscientes de que esta es una obra de paso y que dado además el carácter pueril del personaje, no hay que tomarse del todo en serio. De hecho, se ríen del cameo falso de la primera parte y no por ello nos privan de tener más de una aparición inesperada. Y se regodean en su mundo, desde las menciones anteriormente descritas, pasando por otras más complejas como la del Violinista (Fiddler), hasta las apariciones de las dos Annabelles (también de David F. Sandberg) y las camisetas de los protagonistas que rememoran a los ‘Goonies’, ‘Gremlins’, el ‘Gigante de hierro’ o ‘El Señor de los Anillos’. Puede que todo esto nos hable de que esta es una película muy cómica, pero a mi me muestra que, aunque sea tímidamente o con reservas, esto sigue en serio.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Shazam! Fury of the Gods. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: David F. Sandberg. Guion: Henry Gayden, Chris Morgan, Bill Parker, C.C. Beck. Música: Christophe Beck. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Zachary Levi, Marta Milans, Jack Dylan Grazer, Asher Angel, Diedrich Bader, Grace Fulton, Helen Mirren, Lucy Liu, Meagan Good, Adam Brody, Rachel Zegler, Djimon Hounsou, Ross Butler, P.J. Byrne, D.J. Cotrona. Producción: Warner Bros., New Line Cinema, DC Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictues. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/shazam-fury-gods
Un águila real, expulsado de su territorio, emprende una aventura épica de supervivencia a lo largo y ancho de la península ibérica. Partiendo desde las altas cumbres de la cordillera cantábrica, surcará los cielos en un periplo lleno de historias sorprendentes, hasta establecerse definitivamente en un nuevo territorio en las sierras Béticas.
Un relato en el que estará acompañado por algunas de las especies más emblemáticas de nuestra fauna como el quebrantahuesos, el urogallo, el sisón, el visón europeo y el oso, entre otras.
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Crítica
El espíritu de Félix Rodríguez de la Fuente seguirá vivo mientras haya documentalistas como Arturo Menor
De Cantabria a Badajoz, de Cádiz a Lleida, sin olvidarnos de lugares intermedios como Toledo, Cuenca, Ávila, Madrid o Burgos. ‘Iberia, naturaleza infinita’ es un auténtico viaje de setenta y cinco minutos que condensan cincuenta y tres semanas de rodaje capturadas a alta resolución y con la mayor autenticidad posible. Pero es un trayecto visto a través de los ojos de nuestra fauna y de manera inevitable, flora y orografía.
Arturo Menor sigue la senda de los grandes documentalistas de la naturaleza y aplica de una manera altamente eficiente las tecnologías actuales. Como si con ello quisiese mostrarnos que futuro y medioambiente siguen pudiendo ir de la mano, mientras guarden una distancia de seguridad que les permitan convivir. La era de los drones está plagando el cine de planos aéreos, en su mayoría cenitales, pero esa saturación nos habla siempre de lo mismo en segundo plano, vivimos en un ecosistema rico, precioso y diverso. ‘Iberia, naturaleza infinita’ tiene un mensaje conservacionista y puja por la protección de nuestras especies, campos y enclaves naturales. Para hacer el filme se ha usado lo último y más capaz de inmortalizar a animales que a su vez son los últimos de su clase. Como en todo documental de naturaleza se obtienen tomas muy difíciles, fruto de la paciencia y la búsqueda. A destacar algunos planos en pleno vuelo o una estupenda secuencia a toda velocidad volando por un pueblo andaluz. Sin embargo la narrativa es muy clásica y no se amolda a códigos más actuales.
El reconocimiento recibido hasta ahora por trabajos como ‘WildMed. El último bosque mediterráneo’ o ‘Barbacana, la huella del lobo’ va a verse incrementado pues ‘Iberia, naturaleza infinita’ eleva el nivel tan alto como el vuelo del águila real que preside su cartel y que nos hace de maestro de ceremonias o silencioso protagonista. Aunque este no es un largometraje mudo pues cuenta de nuevo con la inconfundible voz de Jesús Olmedo. Y tiene una trama que bien podría pertenecer a un argumento Disney o Dreamworks. Es una película repleta de aventuras y de amigos pertenecientes al reino animal, con todos esos nombres que desde la labor divulgativa de Félix Rodríguez de la Fuente conocemos tan bien y otros algo más olvidados o amenazados como el alzacola o el sisón.
Envidia. Despierta mucha envidia el poder haber pasado más de un año viajando por España en busca de los protagonistas de nuestras montañas o cielos. Y si fuera de nuestras fronteras ven este largometraje también sentirán envidia pues como dicta su título parece que la variedad que encierra nuestro mapa no tiene límites. Respeto. La belleza y majestuosidad de aquella tierra que se encuentra entre nuestras ciudades o pueblos no se mantiene sola. O mejor dicho, no se destruye sola a si es que hay que respetarla como bien nos anima a hacer ‘Iberia, naturaleza infinita’. No deberíamos necesitar más avisos, no deberíamos necesitar que nos lo plasmen en pantalla grande. Estamos obligados a cuidar nuestra biodiversidad pues los atropellos, contaminación, caza o construcción nos hacen responsables de la desaparición de aquello que no respetamos.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Iberia, naturaleza infinita. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Arturo Menor. Guion: Arturo Menor. Fotografía: Arturo Menor. Producción: Acajú Comunicación Ambiental. Distribución: Acajú Comunicación Ambiental. Género: documental. Web oficial:http://acaju.es/
Peter busca a su hermana Adel, desaparecida hace mucho tiempo. Cuando se topa con una adivina en la plaza del mercado, la única pregunta que tiene en la cabeza es: ¿Sigue viva mi hermana? La respuesta es que debe encontrar a una misteriosa elefanta. Así, Peter emprende un viaje extraordinario para cumplir tres misiones aparentemente imposibles que cambiarán su pueblo de forma mágica. ‘La elefanta del mago’ está basada en la novela clásica de Kate DiCamillo, ganadora de la medalla Newbery.
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Crítica
Un clamor por recuperar los anhelos e ilusiones perdidas
Muchos de aquellos que se encargan de hacer efectos especiales por ordenador para largometrajes acaban haciendo películas animadas e incluso dirigiéndolas. Ese es el caso de Wendy Rogers que ha orquestado para Netflix ‘La elefanta del mago’ tras haber trabajado tras bambalinas en películas como ‘El gato con botas’, ‘Shrek’ o ‘Las crónicas de Narnia’. La historia sigue los pasos establecidos por el guión de Martin Hynes (‘Toy Story 4’) quien ha usado como material en bruto la novela de la estadounidense Kate DiCamillo.
Quizá ‘La elefanta del mago’ no es el título más laureado o famoso de DiCamillo, tampoco es su primera obra adaptada, de hecho, esta novela ya ha sido convertida a musical. Tiene el espítitu optimista, juvenil y diverso que tanto busca Netflix en estos tiempos donde todo parece calamitoso. Contagie o no su carácter ingenuo o risueño tiene algo que siempre funciona en este tipo de historias infantiles. Al igual que cualquiera de las narraciones de esta autora hablan de nuestra relación con el reino animal y todo gira en torno a una amistad a priori imposible. La ciudad de Baltese es una metáfora del mundo tan desalentador en el que vivimos. Desde luego al filme no le falta ni conflicto ni fantasía.
La historia sigue a Peter Augustus Duchene quien cual personaje de Disney ha perdido a sus padres y anhela encontrar a su hermana. Probando suerte con una persona con poderes de adivinación se encuentra con una curiosa respuesta que le lleva a emprender su búsqueda. Encontrará a su hermana gracias a un elefante. Empieza así una aventura con códigos de otro siglo y con un espíritu muy mágico. En cierto sentido esta es una historia de búsqueda que puede recordar a Pinocho, de hecho, al igual que la versión de Del Toro está techada con los negros nubarrones de la guerra.
El carácter del filme conserva el sello de la autora. Posee la elegancia y sutileza que siempre ha intentado imprimir en sus escritos, persiguiendo los aires de la época victoriana. Habría contribuido a ello la inclusión del precioso tema ‘Night & Light’, encargado en si día por la editorial que lanzó este cuento en 2009. Su esquema es propio de las historias clásicas o de Dumas, incluso podría decirse que también de ‘Las doce pruebas de Astérix’.
La animación es fluida, repleta de detalles, no tiene nada que envidiar a la ya mencionada Disney. Es una obra de Animal Logic, el estudio australiano cuya impronta está en ‘Babe’, ‘Peter Rabbit’ o las películas de LEGO. El diseño de personajes podría estar sacado de un Oliver Twist explorando Casablanca. Los escenarios mezclan una arquitectura que tan pronto está recubierta de baldosines portugueses como que luce las formas que vemos cuando viajamos por el norte de África. Desde luego es un entorno tan ficticio como de cuento.
Está llena de pérdida y crueldad desconsiderada, pero también de nostalgia, romanticismo y esperanza. ‘La elefanta del mago’ es una obra en la que la rigurosidad de la vida ensombrece cualquier sueño. Es un clamor por recuperar los anhelos e ilusiones perdidas. Hay quien la tachará de ñoña y no le faltará razón, son tiempos difíciles para los soñadores, decía Amelie.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: The Magician’s Elephant. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Wendy Rogers. Guion: Martin Hynes. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: Gary H. Lee. Reparto principal (doblaje original): Miranda Richardson, Benedict Wong, Brian Tyree Henry, Natasia Demetriou, Mandy Patinkin, Noah Jupe, Cree Summer, Stephen Kearin. Producción: Animal Logic, Netflix Animation, Netflix. Distribución: Netflix. Género: animación, adaptación. Web oficial:ver en Netflix.
Faerûn es un mundo enorme que da lugar a las aventuras de los jugadores y novelas de Dungeons & Dragons. Ese universo, incluido en los Reinos Olvidados, ha aparecido en un sinfín de libros, manuales y videojuegos que han hecho casi siempre las delicias de los roleros. El 31 de marzo habrá una segunda oportunidad para que aquellos que se sintieron defraudados con la adaptación cinematográfica del 2000 vean por fin una buena aventura repleta de detalles del juego de rol.
Podéis usar mapas interactivos como este para moveros por este vasto y grandiosamente documentado mundo. Aquí me centraré en personajes, nombres, cameos y sobre todo lugares usados para ‘Dungeons & Dragons: honor entre caballeros’. Si queréis descubrir qué criaturas o monstruos aparecen en la película mirad este otro artículo. Sobra decir que el hecho de citar lugares y nombres de esta historia puede considerarse un spoiler, quizá quieras leer todo esto tras ver la película.
La Costa de la Espada
La región noroeste de Faerûn es conocida como La Costa de la Espada. Ahí transcurren videojuegos y novelas como las de ‘Baldur’s Gate’, ‘Neverwinter nights’ o ‘Icewind Dale’. Es en esa región donde se ubica casi toda la acción de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’.
Baldur’s Gate
Uno de los videojuegos más míticos en el ámbito del rol son las dos entregas de Baldur’s Gate. Mientras esperamos que salga la tercera parte nos ha llegado este regalito. Los protagonistas no viajan ni a Amn ni a la Puerta de Baldur, pero uno de sus regentes aparece en la película y el nombre de la legendaria ciudad se menciona varias veces. Quizá en sucesivas películas tengamos referencias a la era de los trastornos o a la lucha por el trono de Bhaal.
Icewind Dale
Siguió la estela y la jugabilidad del Baldur’s Gate. Pero la historia se movió al norte de la Costa de la Espada. Una región helada, donde el frío y la nueve dictan las leyes. En la película precisamente es la ley lo que nos lleva a esa región pues en esa zona se ubica la prisión donde arranca la historia.
Neverwinter
‘Neverwinter nights’ fue la gran evolución por parte de BioWare y Wizards of the Coast en el campo de los videojuegos. Un salto al 3D y a la posibilidad incluso de crear tus propias partidas para jugarlas con los amigos en sus ordenadores. Es una de las grandes capitales de los Reinos Olvidados y también es el epicentro de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. En los tráilers ya nos adelantaron esto pues vimos varias veces el emblema de la ciudad. El videojuego llegó a tener dos expansiones y unas cuantas aventuras extras, algunas de ellas en la infraoscuridad, leer más abajo.
Waterdeep (Aguasprofundas)
Muchas son las historias ambientadas en esta gran ciudad. Es mencionada en el filme pero no aparece recreada. Es conocida como la Ciudad de los Esplendores y su relevancia es tal que no sería de extrañar que apareciese en futuras películas.
Las montañas de la espada
Entre Neverwinter y la ciudad también costera de Aguasprofundas se encuentran estas montañas plagadas de peligros que son mencionadas varias veces en ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Un lugar donde habitan criaturas tan clásicas como orcos, trolls y algún dragón.
Evermoors
Nos movemos al este en el mapa. En uno de los flashbacks de la película nos llevan hasta una batalla en la que el dragón Rakor abrasa con su ácido el campo de batalla. Los protagonistas van al cementerio de los caídos en ese acontecimiento. Una región que en los datos de los Reinos Olvidados es pantanosa y que en el filme han recreado muy bien.
Nesmé
Una parada en el camino y un cameo aguarda a los espectadores en esta fronteriza aldea. Junto a Evermoors está esta villa de mercaderes donde conviven sobre todo humanos y medianos.
Mornbryn’s Shield
También en el camino de los protagonistas durante la película. Un lugar custodiado por una muralla natural que debe su nombre al fundador, el explorador Mornbryn. Solo aparece en la aventura conocida como ‘Storm King’s Thunder’.
Underdark (Infraoscuridad)
En ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ se hace una tímida incursión en este mundo que aloja a los drows, los azotamentes y otras muchas razas. Pero como bien nos indican desde Paramout Pictures la intención es hacer saga, quizá veamos más de este mundo también conocido como la Antípoda Oscura en secuelas. No se quedan cortos de todos modos pues aquí transcurre toda la escena con los asesinos no-muertos y el dragón Themberchaud, una pasada de secuencia propia de cualquier clásico de aventuras y acción.
Dolblunde
El módulo de juego ‘Sacrifice of the Widow’ nos lleva a esta ubicación de la Infraoscuridad. Una ciudad de gnomos que fue un tiempo la guarida de un dracoliche. En la película nos lleva a lo más clásico del juego, recorrer una mazmorra pues consiste en una serie de cuevas y pasajes repletos de trampas.
Thay
Al este, en el extremo contrario a la Costa de la Espada está Thay. Cabe destacar en esta región la ciudadela que se encuentra en su monte. Lugar donde arranca realmente el poder, dominio y amenaza del villano de la película.
Themberchaud
Videojuegos como ‘Sword Coast Legends’ o los libros de juego ‘Out of the Abyss’ o ‘Escape the Underdark’ incluyen a este dragón rojo. Una bestia escamada escupefuego que sería más temible si su gran obesidad no le impidiese moverse con más agilidad o volar con velocidad. Aún así es una leyenda y tal y como hacen los protagonistas, es mejor poner pies en polvorosa si aparece.
Rakor
Ha sido creado para la película pero alude a la variedad de dragones que hay en ‘Dungeons & Dragons’. Los dragones negros son los más viles, los más despiadados y además se suma a su fiereza que no escupen fuego, sino ácido.
Arpistas
Son una organización justiciera que busca actuar en secreto. Se compone de toda clase de miembros que independientemente de su índole jure compartir con los demás lo que tiene y sabe, no atesorar poder y defender siempre al indefenso. Aunque trabajan en secreto, cual masones, tienen un emblema que consiste en un arpa plateada. El personaje de Chris Pine pertenece a esta sociedad.
Enclave Esmeralda
Mantener el orden de las cosas, eliminar a aquellos que amenazan a la naturaleza y difundir que la naturaleza puede ser despiadada pero pese a ello respetable son las máximas de esta organización. Se les reconoce por sus broches en forma de hoja. Por supuesto es una facción que también aparece en la película y a la que pertenece un personaje.
Conjuros
Magos, hechiceros, druidas, clérigos, paladines… muchas son las clases de personaje que pueden realizar magia en los mundos de Faerûn. Pero hay una serie de conjuros que son clásicos incluso desde que Gary Gygax y Dave Arneson creasen el juego. En la película veréis el conjuro bola de fuego, teletransporte, proyectar imagen, enjambre de meteoritos o la habilidad innata de los druidas de transformarse en animales, entre otros.
Mordenkainen
Uno de los magos más respetados de este imaginario. En la película se le menciona en relación a un sello mágico irrompible que custodia una cámara. Es el líder de un grupo de magos conocido como el Círculo de los Ocho.
Elminster Aumar
Elminster Aumar es uno de los magos más míticos de los Reinos Olvidados. En la película Justice Smith interpreta al mago menor que acompaña a Chris Pine y Michelle Rodriguez y que es descendiente de él. Al ponerse el yelmo de disrupción ve a su tatarabuelo. No queda claro si ese tatarabuelo es Elminster o si es un miembro más de la línea sucesoria, sobre todo teniendo en cuenta que el archimago solo tuvo hijos adoptivos. Lo que sí sabemos es que muchos puristas se pueden enfadar si piensan que es el mítico personaje al ver que lo interpreta un personaje afroamericano. Lo dicho, o es uno más perteneciente a la familia Aumar o han querido huir de la imagen clásica de mago a lo Gandalf y Dumbledore.
Edgin Darvis, Holga, Doric y Simon
Los protagonistas de la película interpretados por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith y Sophia Lillis tienen base novelesca. Aparecen en ‘The Road to Neverwinter’, ‘The Junior Novelization’, ‘The Quest Begins’, ‘Heroes Unite!’, ‘Honor Among Thieves: The Feast of the Moon’. Son trabajos realizados con motivo de la película y sirven como precuelas, novelización y complementos.
Szass Tam
Como decimos en nuestro artículo de criaturas aparecidas en ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ el villano definitivo, el jefe final, el Palpatine de esta saga es un liche. En concreto es uno que no se han inventado sino que han sacado de más de una decena de novelas de los Reinos Olvidados, de los módulos de juego o de videojuegos como ‘Baldur’s Gate’. Es un mago rojo no-muerto que practica la necromancia y busca dominarlo todo convirtiendo a sus rivales en parte de su ejército de zombies.
Apartado cameos
Bradley Cooper
Una de las películas a las que muchos aludirán para referirse a ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ es ‘Guardianes de la galaxia’. Ambas están protagonizadas por un grupo variopinto de aventureros perdedores. Al fin y al cabo, el formar un elenco heterogéneo es un clásico del cine de aventuras. Pero también va a ser porque tienen en común a Bradley Cooper. Y de nuevo es por interpretar a un personaje muy pequeño. No es un animal de laboratorio como Rocket Racoon, es un mediano. Nuestros dieces para este cameo.
Serie de dibujos animados de 1983
Si al anterior cameo le hemos dado un diez a este habría que darle un cien. En uno de los momentos más emocionantes de la película no suben el listón y vemos el detalle más nostálgico para los telespectadores. Los personajes de la serie de dibujos animados que no tuvo conclusión pero que unos fans acabaron en Youtube, aparecen en la historia caracterizados por unos actores a priori desconocidos. Los trajes calcados y presentes además en más de un momento. Nos ha tocado la fibra hasta lo más profundo.
Los manuales o compendios de monstruos, pues así se llaman los libros que reúnen a las criaturas de Dungeons & Dragons, contienen páginas y páginas llenas de ilustraciones y detalles sobre todo tipo de monstruos y animales. Son las guías a las que pueden recurrir los masters (o directores) de ese juego de rol para plantar en sus partidas a enemigos o aliados con los que los protagonistas han de interactuar. Si habéis visto la serie ‘La leyenda de Vox Machina’ seguro que reconocéis a más de uno de esta lista, la gran diferencia es que Paramount Pictures tiene el permiso de Hasbro para citarlos todos ya que la película está hecha en colaboración con eOne Films.
Guste o no guste (a nosotros nos ha entusiasmado como contamos en nuestra crítica) la nueva versión en acción real que Paramount Pictures estrena en cines el 31 de marzo, atraerá a muchos curiosos, sobre todo roleros, para descubrir qué bichejos intentan matar a los protagonistas. Aquí enumeramos a aquellos que hemos podido localizar, obviando por supuesto las razas inteligentes mayores como los humanos, enanos, elfos, medianos, gnomos…
Estés o no familiarizado con el imaginario de Gary Gygax y Dave Arneson y sus sucesivas ediciones o si eres un habitante común de Faerum, decimos lo mismo que con nuestro listado de huevos de pascua de esta película, cuidado que te puedes encontrar a continuación más de un spoiler.
Cubo gelatinoso
Una muerte lenta y casi segura te espera si te atrapa uno de estos cubos. Disuelven lentamente a sus presas y caer en uno de ellos es el colmo de muchos jugadores. Tiene presencia en una de las secuencias con más acción del filme y el uso que le dan es cuanto menos inesperado.
Mimic o Mimeto
La de juegos e historias que han copiado a este ser a lo largo del tiempo, Dark Souls, por ejemplo. Puede tener otras formas pero habitualmente se presenta como un cofre que atrae a los aventureros con promesas de posibles tesoros y que reserva una sorpresa llena de colmillos. Desde luego es una faena si te coge solo y con prisas como pasa en la película.
Tiefling
Son seres con apariencia de demonios que suelen acabar siendo villanos. En el caso de la película Sophia Lillis ha sido elegida por su cabellera roja y su personaje es de alineamiento bueno y como druida vinculado a la naturaleza.
Aarakocra
Uno de los personajes que dan lugar a uno de los momentos más graciosos de la película es de esta raza. Son pájaros humanoides que viven en las montañas, por lo general libres de cualquier atadura y siempre vigilantes de la aparición del Mal Elemental. Poseen una gran altura y una presencia imponente, pero destacan también por su inteligencia.
Orco
En casi toda historia de fantasía medieval hay orcos. En ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ les vemos nada más empezar y con la corpulencia y repelencia que les caracteriza. En los juegos de rol los hay de todos los tamaños y colores, pero si hay algo que les caracteriza es su odio por los humanos y su escasa inteligencia.
Oso lechuza
Este ser híbrido que aparece hasta en las cartas Magic se ha enfrentado a héroes de la talla de Drizzt Do’urden poniéndoles en un serio aprieto. Un gran tamaño y olfato sumados a la gran visión de las aves le convierten en un ser difícil de esquivar o sorprender. La sorpresa es que no siempre les encuentras en estado salvaje, a veces es un druida o un cambiaformas el que adopta esta apariencia, lo cual lo hace más peligroso.
Devorador de intelectos
En la película los protagonistas visitan la infraoscuridad. Un mundo que daría para muchas historias y en el que no llegamos a ver a los azotamentes (o desuellamentes) y a los drows pero si a criaturas como los devoradores de intelectos, a si es que bien cerca estaría un ilícido. Quien sabe, quizá en próximas entregas los veamos más.
Kobold
Realmente me ha parecido ver uno entre el tumulto de Neverwinter. Son de esas criaturas que los Masters ponen al principio de las partidas para facilitar las subidas de nivel de los jugadores. Suelen vivir en tribus adorando dragones, pero son realmente unos reptiles antropomórficos muy cobardes.
Yuan-ti
También tienen una aparición muy escasa en la película pero son criaturas muy recurrentes para los jugadores. A veces tienen forma similar a la de los humanos y otras de serpiente gigante con brazos. Su sociedad está muy desarrollada y aspiran a dominar a todas las otras razas.
Semidragón o Dracónido
Humanoides con características de los dragones. En ‘Dungeons & Dragons: honor entre caballeros’ llegamos a ver uno en un consejo y otro mendigando. Son fruto del apareamiento entre un dragón poliformado y otra especie o bien de experimentos de magos. Estos draconianos realmente son raros de ver ya que no pueden aparearse, nunca verás una familia de ellos.
Dragón negro
No pertenece al elenco más poderoso de todos los dragones de Dungeons & Dragons pero bien es cierto que no es para tomárselo a broma. Escupe ácido a si es que cuidado con las salpicaduras. Rakor es el nombre de este terror de los campos de batalla, sobre todo en la de Evermoors como vemos en el live action.
Dragón de piedra
Muchos conjuros de D&D son capaces de hacer que los objetos cobren vida. De ahí parte la concepción de este dragón que bien podría haber sido una armadura, un mueble o un candelabro, como muestra la foto. Son constructos que funcionan de manera similar a los golems pero que por lo general requieren de la concentración de su mago para mantenerse vivos.
Dragón rojo
Habitualmente este tipo de dragón, el más clásico de Dungeons & Dragons, está en los top five de más poderosos. Gran inteligencia, fuego, escamas impenetrables… En este caso se le ha reflejado un poco venido a menos pero no por ello exento de peligro. El de la película es el que recibe el nombre de Themberchaud.
Hombre tigre
Una escena tierna, heroica y a la vez cómica nos recrea a los hombres tigre. Su nombre indica muy bien qué son. Seres humanos con la capacidad de un licántropo de convertirse en un animal antropomórfico o seres que han nacido directamente como un híbrido de humano y gran felino. No confundir con los rakshasa.
Abrian
Unas simples aves gigantes similares a avestruces o chocobos. Se supone que tienen cierta inteligencia pero en la película aparecen como animales de ganadería.
Araña gigante
Un básico en todo juego de fantasía medieval. Lo más peligroso de estas arañas, a las que Frodo y compañía también se enfrentan en los mundos de Tolkien, no es su tamaño, es la cantidad de criaturas de gran tamaño que puede tener uno de sus nidos. En la película se les ve simplemente trepando un árbol.
Almeja gigante
También pasa solo unos segundos por nuestra pantalla. En la ajetreada vida de los habitantes de Faerum hay que comerciar con lo que sea. Estas almejas gigantes son un festín para cualquiera pero dado su tamaño y peso son difíciles de transportar. A veces pueden darte un mordisco con serias consecuencias.
Siluro gigante
Venga, el último ser gigantizado que comentamos. Estos peces enormes en la edad media serían confundidos con el mítico leviatán. Hoy en día serían la solución para aplacar el hambre en el mundo. Por desgracia para una criatura de la película es el pez el que acaba llenando su estómago.
Hongos
En su visita a la infraoscuridad los protagonistas recorren cuevas y cavernas, algunas de ellas con una especie de plantas bioluminiscentes. No trasciende más allá de lo visual pero en las partidas de rol estos seres vegetales pueden liberar unas esporas de gas que arrebatan muchos puntos de vida o dejan KO a los aventureros.
Bestia desplazadora
Un felino mágico de grandes dimensiones dotado de más extremidades que los que conocemos en nuestra realidad. Sobre todo teniendo en cuenta sus dos tentáculos superiores dotados de púas afiladas. Tiene poderes psíquicos, los cuales, utiliza en ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’.
No muerto
Los orcos, los dragones, los kobolds… son criaturas habituales a derrotar. Pero los esqueletos, los zombies o los cadáveres retornados de su tumba no escasean en las partidas de rol. En concreto, una escena de la película nos recuerda mucho a una parte de ‘Hellboy 2’ y por otro lado a aquel capítulo en el que Homer Simpson viaja con Apu al Himalaya. Pero hay más de un muerto viviente en el filme, la necromancia impera.
Liche
Lo mejor para el final. El villano definitivo de esta saga que acaba de empezar con ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ es de esta clase, en concreto es el conocido como Szass Tam. Realmente el de la película es un mago rojo pero al ser un inmortal o no-muerto entra dentro de esta categoría. Busca dominar y vivir eternamente, por lo menos mientras no se destruya su filacteria, algo así como el alma de Sauron en el Anillo Único o los Horrocruxes de Voldemort.
Un ladrón encantador y una banda de aventureros increíbles emprenden un atraco épico para recuperar una reliquia perdida, pero las cosas salen rematadamente mal cuando se topan con las personas equivocadas. ‘Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones’ nos lleva al mágico mundo del legendario juego de rol a la pantalla grande en una aventura hilarante y llena de acción.
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Crítica
Nadie olvidará estos Reinos Olvidados pues ha nacido una saga
El efecto 2000 no llegó a producirse como tal, pero el universo de ‘Dungeons & Dragons’ si sufrió sus consecuencias con la película de Courtney Solomon. Entonces, por qué se han lanzado con un nuevo live action veintitrés años después. Para explicar eso primero debemos deshacer la matrioshka. ‘Dungeons & Dragons’ es una creación de Gary Gygax y Dave Arneson que pertenece a Wizards of the Coast (los de las cartas Magic). Esta última se convirtió en una subsidiaria de Hasbro (Transformers, G.I. Joe, Furby, My Little Pony) y la empresa juguetera compró en 2019 a eOne Entertainment, la multinacional cinematográfica que ha dejado de operar en España el año pasado. Teniendo en su poder una productora y llegando a un acuerdo con Paramount Pictures (tras haber flirteado primero con Warner Bros.) ha nacido ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Con todo esto quiero empezar señalando que este nuevo filme no tiene nada que ver con aquel batacazo de New Line Cinema que costó también 45 millones de dólares pero que recaudó solo 33. Si aquel largometraje tuvo hasta dos secuelas en 2005 y 2012, esta debería lograr convertirse en la franquicia que Paramount y eOne desean.
Lo primero que se preguntarán los espectadores. ¿Es mejor que la versión del 2000? Gygax quería que las adaptaciones de este mítico y mundialmente exitoso juego estuviesen a la altura de ‘Star Wars’ o ‘En busca del arca perdida’. Estoy seguro que el live action del 2000 y los sucesivos que os he mencionado le dieron ardores de estómago a Gygax y Arneson. Pero ahora si han conseguido una adaptación capaz de recaudar millonadas, lástima que no estén los creadores para verlo. No es que estemos ante algo tan grande como las obras de Lucas y Spielberg, pero nos olvidamos de aquel horrible diseño de producción (y maquillaje), de la escasa fidelidad y de las pésimas actuaciones y eso que contó con Jeremy Irons. A mi esta aventura de Jonathan Goldstein y John Francis Daley (‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Lluvia de albóndigas 2’) me ha hecho salir entusiasmado del cine y estoy seguro que va a traer a muchos al juego de rol.
Como película para el público general está muy bien producida. Repleta de comedia, con un gran sentido de la aventura, con buenos efectos especiales, un mínimo de drama, un ritmo que hace que se pasen rápido las dos horas y pico que dura, una comedida banda sonora de Lorne Balfe… La comparativa más directa es con ‘Guardianes de la galaxia’, exceptuando el hecho de que no se convierte a todos los personajes en bufones. Pero es que los juegos de rol son así. Siempre hay un grupo de aventureros variopinto y heterogéneo en busca de la gloria o la redención. Además se asimila a la película de James Gunn en que son unos fracasados a los que siempre se les escapa el éxito en la misma punta de los dedos. Es el símil más cercano pero ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ rememora a otras muchas películas de aventuras.
¿Y qué dirán los fans del juego de rol? Soy jugador de múltiples RPG y lector de los Reinos Olvidados. Me ha gustado tanto que me he venido lo suficientemente arriba como para redactar sendos artículos recopilando los monstruos y criaturas que aparecen en el filme y con todos los huevos de pascua que he detectado. Si le he echado tanto tiempo es porque estoy altamente satisfecho con el respeto al lore del juego y a la manera en cómo nos han llevado por Faerûn. En un D20 es un 20 y quiero más tiradas. Si eres jugador en plan serio o competitivo y no juegas entre algo de cachondeo, pifias y euforias no te va a gustar. El truco es el mismo que el de la ‘Leyenda de Vox Machina’, recurrir al espíritu de aquellos que juegan a D&D para echarse unas risas con los amigos convirtiéndose momentáneamente en unos héroes de fantasía medieval. Además nos sumerge en una nube de nombres familiares como Neverwinter, Baldur’s Gate, Elminster, Themberchaud y otros muchos que enumero en los artículos a los que ya me he referido. Sobra decir que hay un par de sorpresas mayúsculas que no están precisamente en la escena post-créditos.
Parte del buen resultado de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ viene de lo bien que el guionista Chris McKay comprende a la audiencia actual. ‘La guerra del mañana’, las LEGO películas y probablemente ‘Renfield’ son prueba de ello. También las interpretaciones del equipo actoral con unos graciosísimos Chris Pine y Hugh Grant y una Michelle Rodriguez que consigue salirse por fin del registro de siempre. Es un divertimento tan bien estudiado que sirve para ver entre amigos o acompañado de la familia.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves. Duración: 134 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Goldstein, John Francis Daley. Guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, Michael Gilio, Chris Mckay. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head, Hugh Grant. Producción: Paramount Pictures, Entertainment One, Allspark Pictures, Hasbro Studios. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.instagram.com/dungeonsanddragonsmovie/
Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. En Scream VI, Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.
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Crítica
Recuela, sí, pero dedicada especialmente a auténticos fans de la franquicia
Consciencia de lo que vas a ver. Es muy importante tener meridianamente claro qué es lo que te espera cuando vas a ver una película slasher. Pero es aún más conveniente que sepas a lo que te atienes cuando te acercas a ver la sexta parte de una franquicia. Al igual que la saga ‘Halloween’ las películas de ‘Scream’ se han convertido de manera autoconsciente en recuela (mitad secuela mitad remake), de un modo además mucho más evidente puesto que en ‘Scream’ siempre hay un personaje que lo analiza todo a través del prisma de un fan del terror. ‘Scream VI’ cumple con esa norma y con muchas otras. Esta última entrega, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett (‘Noche de bodas’, de ahí la presencia de Samara Weaving) se despreocupa totalmente de ser mínimamente realista, de tomarse en serio o de ser incluso inverosímil (acordaos de esto cuando se mencionen los prostéticos). Es decir, está hecha para los fans de la saga que conocen todos los detalles o trasfondo y que saben perfectamente qué dinámica va a seguir la trama o que es normal que los protagonistas bajen la guardia hasta cuando están en la misma boca del lobo. Alguien que no tenga en mente las cinco entregas anteriores o que no esté acostumbrado a este tipo de terror encontrará cosas que disfrutar, pero su entretenimiento no podrá estar del todo completo.
La presencia de una final girl, personajes que sobreviven todo tipo de heridas, un villano que es capaz de estar en dos sitios a la vez, un nuevo y sospechoso amor, personajes de relleno que sabes de antemano que van a morir… Todo esto son tópicos de las películas de terror tipo slasher que se cumplen de nuevo. Pero con el tiempo ‘Scream’ ha desarrollado sus propias reglas y ‘Scream VI’ las cumple. A saber, la importancia de la familia o el pasado, la intimidación al teléfono, la sangre cada vez más presente, los regresos de personajes, las muertes principalmente a cuchillo, el villano que vuelve y vuelve y vuelve… Y el siempre clásico revelador monólogo donde el/los asesino/a desvela todo el pastel. El sobrexplicativo discurso final es cada vez más enrevesado y eso le hace perder fuerza a la resolución de esta nueva entrega. También tenemos la sensación de que la chistera de la que se sacan los nuevos personajes y los consecuentes giros empieza a estar vacía.
Un año ha pasado desde el estreno de la última película de Ghostface y un año ha pasado también en la ficción. La acción transcurre ahora en otra localización y a Ghostface y a las hermanas Carpenter (apellidadas así en otro de los muchos guiños meta de la saga) les ha venido bien la mudanza de Woodsboro a Nueva York. Los escenarios son diferentes y dan pie a escenas en las que parece incluso que la cosa se va a desatar a lo loco. Lo que no le ha venido tan bien es el enmarcarse en un escenario típico del cine de terror, la semana de Halloween. ‘Scream VI’ cae en otro carnaval de guiños a otras películas de terror pero sobre todo en más tópicos aún si cabe. No obstante consigue escenas muy buenas y eficientes como una sucedida en una licorería u otra que transcurre en los vagones que recorren el subsuelo de Manhattan. ‘Scream’ se hace así mucho más urbanita, algo que ya habían hecho otras franquicias como ‘Viernes 13’, con menos éxito.
Ya hemos pasado por el aro y admitido que aquí todo el mundo sobrevive a más heridas que Rambo y John McClane juntos. Ahora, ¿está bien rodada? ‘Scream VI’ obtiene buenos planos de la ciudad de los rascacielos y nos hace correr con ritmo y tensión. Pero lo que atraerá a más curiosos es el saber que se ha hecho más explícita. Cada entrega se hace más sangrienta, aún sin alcanzar el gore, pero si mostrando con más definición las sanguinolentas, salvajes y ensañadas muertes. Y por si fuese poco introduce un par de sorpresas inéditas para la saga.
El relevo está dado y el peso de la serie de películas ya ha recaído definitivamente MelissaBarrera y Jenna Ortega, ambas muy bien metidas en la dinámica del género. Pero no deja de estar presente todo lo visto anteriormente, de hecho llega el punto en el que parece un repaso hecho por un fan o para un museo. ‘Scream VI’ es meta a más no poder. Eso es lo que explota durante todo el filme y lo hace desde una secuencia de apertura que es capaz de romper con lo que hasta ahora era lo típico. La máscara de Michael Myers se agrietó con el tiempo y la trilogía de ‘Halloween’ acabó siendo todo un desfile desatinos. La máscara de Ghostface también se muestra desgastada en esta recuela. Esperemos que la franquicia continúe, porque esta entrega va a funcionar y va a haber más títulos, pero con viento fresco y más rupturas de lo preestablecido.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de marzo de 2023. Título original: Scream VI. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. Guion: James Vanderbilt, Guy Busick. Música: Sven Faulconer, Brian Tyler. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Melissa Barrera, Jenna Ortega, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding, Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra, Samara Weaving, Hayden Panettiere, Courteney Cox. Producción: Paramount Pictures, Project X Entertainment, Radio Silence Productions, Spyglass Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror, slasher. Web oficial:https://www.screammovie.com/
Nos flagelamos una vez más a través del entretenimiento como enemigos del planeta
De la mano del creador y showrunner Frank Doelger (productor de ‘Juego de Tronos’, ‘Roma’, ‘Las crónicas de Frankenstein) se estrena el próximo 13 de marzo en Movistar Plus+ ‘El quinto día’. La plataforma española de entretenimiento nos ha permitido ver tres episodios previo a su estreno y ya os adelantamos que nos vamos a enganchar a su emisión semanal hasta que terminemos con sus ocho capítulos.
Si sois lectores de novelas quizá os suene ‘El quinto día’ pues surge de una obra que publicó Frank Schätzing en 2004. Una novela que en versión original se llama ‘Der Schwarm (The Swarm)’ y que fue denunciada en su día por el biólogo alemán Thomas Orthmann quien afirmaba que el texto se basaba sin permiso en sus escritos. A su vez, muchos de los que se han terminado el libro afirman que también puede estar inspirado en ‘Guardianes’, un relato de George R.R. Martin. Polémicas al margen, la historia atrapa, por su suspense y por lo bien que la han rodado directores como Luke Watson (‘Britannia’) y Barbara Eder (‘Bárbaros’) en su primer tramo.
Evidentemente el título hace alusión a los textos bíblicos donde se afirma que Dios creó en esa fase a los animales del agua y el cielo. Pero su título original es más revelador. “Swarm” puede traducirse como nube pero en este caso hay que aplicar el significado de enjambre. Y es que ‘El quinto día’ nos presenta a un microorganismo que contamina a los seres del mar haciendo que cambien sus pautas de comportamiento, volviéndoles hostiles. Estamos ante un escenario pre-apocalíptico, pre-pandémico cuyo argumento podría haber sido carnaza de Serie B. Pero el guión está mucho más dirigido hacia corrientes reflexivas poco espectaculares y que sin embargo no dejan de lado la ciencia ficción. Una vez más se plasma la que es toda una inquietud generacional: la naturaleza nos la va a devolver con creces poniéndonos al límite de la extinción. Nos flagelamos una vez más a través del entretenimiento por lo que le estamos haciendo al medioambiente. Antes o después convertiremos en los extraterrestres de ‘La guerra de los mundos’ y los seres más pequeños de nuestro ecosistema nos pondrán en jaque (por supuesto hay ecos del COVID-19).
Esta es una producción germano-suiza en la que oímos hablar en alemán, inglés, japonés y francés. Una macedonia a lo ‘Into the night’, que no recomiendo ver en versión original sin subtítulos a no ser que seas políglota. Dada su internacionalidad nos lleva por localizaciones costeras de Canadá, Escocia, Alemania, Venecia, Sudáfrica, Tokio, Noruega, Francia… y por supuesto océanos como el Ártico. Sin embargo la gran inversión para esta serie se percibe más con los cromas y la recreación de animales por ordenador que con la riqueza de escenarios pues el grueso está compuesto por barcos, despachos y laboratorios. De momento los tres primeros capítulos consisten en suspense, poca acción y mucha investigación. Pero la cosa promete y se hace muy llevadera pues el montaje nos lleva de un lugar a otro incorporando constantemente nuevos datos.
Mientras un asesino en serie acecha la ciudad, Julia -una joven actriz que acaba de mudarse a la ciudad con su novio- se da cuenta de que un misterioso desconocido la observa desde el otro lado de la calle en este terrorífico thriller.
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Crítica
Salvo el hecho de poner en relevancia el cómo se ignoran ciertas señales y el sentar una buena atmósfera la película no consigue sorprender
Chloe Okuno, cuyo trabajo más reseñable es un segmento en ‘V/H/S/94’, es la directora de esta producción distribuida en USA por Shudder. Nos traslada a Rumanía, allí una actriz se muda con su pareja, la cual tiene una gran oportunidad de trabajo. Está casi siempre sola en un nuevo país, alejada de cualquier oportunidad de actuar y con los rumores de un asesino en serie acechando su barrio. La situación de por sí es desalentadora y pronto la paranoia y el tiempo libre comienzan a hacer de las suyas.
‘El extraño (Watcher)’ hace alusión al juego de miradas que tiene la protagonista con un vecino que reside justo en el edificio de enfrente, muy bien interpretado por el siempre incómodo Burn Gorman. La atmósfera de la película consigue ser inquietante gracias a muchos juegos de cámara desenfocada y persecuciones pausadísimas y silenciosas. Predomina el acoso o stalkeo como se dice ahora. Ella se siente observada y perseguida, casualmente o de manera intencionada quien interpreta a esta joven es la misma protagonista de ‘It follows’, Maika Monroe. ¡Incluso ambas protagonistas tienen en común que van a ver ‘Charada’! Es como si esta actriz estuviese centrada en esta temática o quisiese hacer una especie de películas que espiritualmente están unidas como saga.
El espectador puede llegar a sentirse alineado con los sentimientos de la protagonista de ‘El extraño’ con bastante facilidad. Pero cabe resaltar otro aspecto. La incredulidad y trivialización por parte de quien rodea a la joven, incluida la policía, es difícil de asimilar tratándose de una situación de acoso en la que además hay sospechas de que anda suelto un asesino en serie. Pero por desgracia esto pasa de verdad. Salvo el hecho de poner en relevancia ese factor la película no consigue sorprender. Ni utiliza a su favor el folklore rumano, ni aporta nada diferente con respecto a otras películas de psicópatas que sitian a sus víctimas. En vez de hablar de la paranoia o los prejuicios juega la carta de la evidencia y podemos intuir de antemano cuál va a ser la solución. Incluso el final juega a un tipo de justicia, que al contrario de su mejor baza, está fuera de la realidad, con lo que se pierde el golpe de efecto.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Watcher. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Chloe Okuno. Guion: Zack Ford, Chloe Okuno. Música: Nathan Halpern. Fotografía: Benjamin Kirk Nielsen. Reparto principal: Maika Monroe, Burn Gorman, Karl Glusman, Daniel Nuta, Aida Economu, Madalina Anea, Tudor Petrut, Gabriela Butuc. Producción: Animal Casting, Imagenation Abu Dhabi FZ, Lost City. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, suspense. Web oficial:https://www.ifcfilms.com/films/watcher
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