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Crítica: ‘Sin oxígeno’

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En qué plataforma ver Sin oxígeno

Sinopsis

‘Sin oxígeno’ es un thriller de acción cargado de adrenalina que narra la increíble historia real de Chris Lemons (Finn Cole), un buzo profesional que, tras un extraño accidente, queda atrapado en el fondo del Mar del Norte.

Con tan solo 10 minutos de oxígeno de emergencia y a más de media hora de cualquier esperanza de rescate, esta es la lucha imposible de un hombre por sobrevivir a 90 metros de profundidad. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) lucharán contra una feroz tormenta y harán todo lo posible por rescatarlo con vida.

Crítica

Una prueba de que el cuerpo humano aún puede desafiar los límites de la ciencia y la técnica

Antes de empezar, no, esto no va de millonarios jugando a ser exploradores. ‘Sin oxígeno’ no tiene nada que ver con la trágica implosión del submarino Titan en 2023, donde un grupo de aventureros adinerados terminó atrapado en su propia temeridad. Al contrario, lo que nos propone el director Alex Parkinson es el retrato sobrio de un accidente real protagonizado por profesionales altamente cualificados que, lejos del espectáculo, enfrentan una situación extrema con preparación, sangre fría y cooperación. Así es como viven día a día profesionales que se juegan el tipo para mantener los cables y tuberías que atraviesan los mares para darnos las comodidades que disfrutamos.

Basada en hechos reales, ‘Sin oxígeno’ es un thriller contenido que reconstruye una experiencia extrema de supervivencia en el fondo del Mar del Norte. Dirigida por Alex Parkinson, quien ya exploró este caso en el documental homónimo en su versión original ‘Last breathe’ (2019), la película traslada al terreno de la ficción la historia del buzo británico Chris Lemons, interpretado por Finn Cole.

La trama es sencilla: un accidente deja al protagonista atrapado a 90 metros de profundidad, con apenas unos minutos de oxígeno de emergencia. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) junto con la tripulación de su barco intentan organizar un rescate a contrarreloj en plena tormenta. Esta estructura lineal y sin giros innecesarios permite que el peso recaiga sobre la tensión atmosférica y las decisiones prácticas que enfrenta cada personaje. Si bien la ciencia y la técnica nos ha hecho traspasar límites inimaginables, ‘Sin oxígeno’ constata que nuestro cuerpo aún tiene sorpresas aún más sorprendentes.

A diferencia de otras producciones de este tipo, ‘Sin oxígeno’ no busca el espectáculo. Su tono es sobrio, casi documental en algunos momentos, lo cual encaja con el carácter realista de la historia. La película se apoya en una ambientación efectiva y un uso inteligente de los recursos disponibles y limitados dado su escenario, especialmente en las escenas subacuáticas, rodadas en Malta. El resultado transmite claustrofobia y aislamiento sin necesidad de recurrir a un montaje frenético ni a una banda sonora invasiva.

El reparto cumple con solidez. Finn Cole aporta humanidad al personaje central, mostrando su vulnerabilidad sin caer en el dramatismo barato. Woody Harrelson, como es habitual, ofrece una interpretación carismática pero sin robar protagonismo a sus compañeros, y Simu Liu se integra bien en un rol más discreto que el resto pero no carente de peso en la trama. Ninguno acapara el foco, lo cual refuerza el tono coral y realista del relato. En cuanto a esto último también se percibe la intención de mostrar que tanto en un experimento científico como en un rescate, no suele haber protagonistas únicos, más bien trabajo en equipo.

En lo visual, la película mantiene una estética gris, acorde al escenario industrial y tormentoso en que se desarrolla. El fondo marino se presenta como un entorno hostil y abrumador, no tanto por su apariencia sino por lo implacable de sus condiciones. Las decisiones de dirección de Parkinson refuerzan ese enfoque, priorizando lo funcional por encima de lo estilizado.

Irónicamente habiendo hecho el director ya un documental para Netflix sobre el tema, comete alguna que otra incorrección científica: con los gases, con los tiempos… No obstante queda claro que ‘Sin oxígeno’ es una película ligera que pretende constatar hechos y no reinventar el género ni subrayar una épica innecesaria. Es una obra contenida, que confía en la fuerza de la historia que cuenta y en la verosimilitud de sus personajes. Puede que no impacte, pero sí deja una impresión sobria y reflexiva, alejándose del drama grandilocuente al que este tipo de historias suelen tender. No recomendable para claustrofóbicos y puede interesar a quienes valoran el cine de supervivencia basado en hechos reales, con un enfoque más cercano al realismo que a la acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de agosto de 2025. Título original: Last Breath. Duración: 93 min. País: Reino Unido. Dirección: Alex Parkinson. Guion: Alex Parkinson, Mitchell LaFortune, David Brooks. Música: Paul Leonard-Morgan. Fotografía: Nick Matthews. Reparto principal: Woody Harrelson, Finn Cole, Simu Liu, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring. Producción: Focus Features, Dark Castle Entertainment, Longshot Film Studios, Thing 44, Floating Harbour, FilmNation Entertainment, Aperture Media Parthners. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/last-breath

Tráiler de ‘Sisu: Camino a la venganza’

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Stephen Lang y Richard Brake van a ponérselo difícil a nuestro protagonista

En 2022 ‘Sisu’ dio la sorpresa en el Festival de Sitges y consiguió el galardón a Mejor película de la Sección Oficial, además de llevarse a Mejor Interpretación masculina, a la fotografía y a la música.  Y por fin, después de una gran espera, tenemos la oportunidad de ver el tráiler de ‘Sisu: Camino a la venganza’.

Le trepidante película de acción dirigida y escrita por Jalmari Helander y protagonizada por Jorma Tommila, Richard Brake y Stephen Lang, llegará exclusivamente a los cines españoles el próximo 21 de noviembre.

A continuación tenéis el tráiler de la cinta que llegará a nuestras pantallas gracias a Sony Pictures.

Sinopsis:

Al regresar a la casa donde su familia fue brutalmente asesinada durante la guerra, «el hombre que se niega a morir» (Jorma Tommila) la desmantela, la carga en un camión y se propone reconstruirla en un lugar seguro en honor a ellos. Cuando el comandante del Ejército Rojo, que mató a su familia (Stephen Lang, de Don’t Breathe), regresa empeñado en terminar el trabajo, se produce una implacable y espectacular persecución a través del país, una lucha a muerte llena de escenas de acción increíbles e ingeniosas.

Crítica: ‘Agárralo como puedas’

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En qué plataforma ver Agárralo como puedas

Sinopsis

Sólo un hombre tiene las habilidades necesarias… ¡para dirigir la Brigada Policial y salvar el mundo! El teniente Frank Drebin Jr. (Liam Neeson) sigue los pasos de su padre en ‘Agárralo como puedas’, dirigida por Akiva Schaffer (Saturday Night Live, Popstar: Never Stop Never Stopping) y del productor Seth MacFarlane (Ted, Padre de familia).

Crítica

Hilarante. Por fin vuelve la correcta incorrección política

Había dudas, muchas, sobre si era buena idea resucitar una de las sagas más queridas de la comedia absurda ‘The Naked Gun’. ‘Agárralo como puedas’ (en su título español), nacida en los ochenta de la mano de los ZAZ (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker), tenía como bandera la incorrección política, el chiste visual milimétrico, el humor físico y la ridiculización del cine policíaco. Décadas después, parecía impensable que alguien se atreviera a devolver a la gran pantalla esa fórmula tan difícil de recrear. Y, sin embargo, Seth MacFarlane, creador de ‘Padre de familia’ y experto en empujar los límites del humor negro y sobrado, ha encontrado la manera de actualizarla sin perder su esencia.

Para muchos Liam Neeson será la gran sorpresa, sin duda, verle en un papel cómico era el gran reclamo. Durante años, el actor irlandés había coqueteado con la idea de hacer comedia. Quedó como anécdota televisiva aquella escena de ‘Life’s Too Short’ en la que se reía de sí mismo y del sida en un sketch ya mítico. Ahora, por fin, se lanza de lleno y lo hace con un personaje a la altura: el hijo de Frank Drebin, aquel policía torpe e irrepetible encarnado por el inolvidable Leslie Nielsen. Neeson demuestra aquí que su vis cómica estaba agazapada en la retaguardia tras años de acción y thrillers. Su físico imponente y su seriedad natural juegan a favor del gag: cuanto más rígido está, más divertido resulta el despropósito que le rodea. De hecho, sales de la sala con la convicción de que te lo has pasado bien por ver a un duro del cine de acción haciendo bufonadas más que por las payasadas en sí mismas.

¿Un guion plagado de gags? Eso es lo que nos ofrecían las películas de los ZAZ. Aunque este nuevo filme no es un torrente de chistes si supera con creces a la mayoría de comedias actuales hasta el punto de llegar a ser hilarante. Y lo que es más importante, es honesto consigo mismo. Como ocurría con Ibáñez en sus cómics, los gags estaban en todas partes e iban desde lo tontorrón hasta lo ingenioso: en el diálogo, en los objetos del fondo, en un simple plano de reacción. Este nuevo ‘Agárralo como puedas’ no llega a esos niveles de locura, pero si exige la complicidad de un espectador rendido a cualquier tipo de mofa, sino ya me diréis a cuento de qué se ha contado de nuevo con una aparición de ‘Weird Al’ Yankovic. Y Seth MacFarlane añade su toque: diálogos afilados, humor autorreferencial y un plus de incorrección política que recuerda que la comedia también puede (y debe) incomodar. Ahí queda la secuencia que finaliza con O. J. Simpson.

Había también un factor nostalgia y se cumple con algunas de las gracias, incluyendo los títulos de crédito. Una breve aparición de Priscilla Presley y el ya visto homenaje en el tráiler rinde tributo a los actores protagonistas que tantas risas nos dieron. Pero este no es un filme que viva solo de las rentas y como hicieron también con la saga ‘Scary Movie’ se intenta captar al público más joven. Igualmente se encargan incluso de verbalizar en las primeras escenas cuál es la declaración de intenciones del filme: rendir culto al original sin perder de vista lo actual. Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer entienden que la clave del éxito está en respetar el estilo visual y narrativo original, es decir, cine policíaco con voz en off y agentes chapados a la antigua rodeados de parodia constante. Pero había que adaptarse a la audiencia que se comunica a través de memes, anglicismos y el absurdo en formato digital. De algún modo, la película funciona como una celebración del chiste universal, capaz de unir generaciones.

Seamos honestos, ‘Agárralo como puedas’ (‘Dónde está el policía’ en otros países hispanohablantes) no es para todos los públicos, nunca lo ha sido. Servidor ha visto las películas originales hasta sabérselas de memoria, ponérselas a sus amigos y cuestionar su amistad con estos dado que no todos se divertían con ellas. Son filmes para quienes toleran todo tipo de humor y a ello ahora hay que sumarle en cinismo y el sarcasmo de MacFarlane. Para los que crecieron con Frank Drebin y para quienes aún creen que la comedia debe tener un punto salvaje, esta secuela espiritual es un regreso triunfal. Para los que aún no saben reconocer que forman parte de la generación de cristal, haced “next”.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de agosto de 2025. Título original: The Naked Gun. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Akiva Schaffer. Guion: Dan Gregor, Doug Mand, Akiva Schaffer. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Eddie Yu.  Producción: Paramount Pictures, Domain Entertainment, Fuzzy Door Productions, Quebec Film And Television Tax Credit. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/nakedgunmovie/

Crítica: ‘El regreso de Ulises’

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En qué plataforma ver El regreso de Ulises

Sinopsis

Tras 20 años de ausencia, Ulises aparece en las costas de Ítaca, demacrado e irreconocible. El rey ha regresado, pero muchas cosas han cambiado desde que partió a la guerra de Troya. Su amada Penélope es acosada por numerosos y ambiciosos pretendientes, mientras su hijo, Telémaco, se enfrenta a la muerte a mano de los que ven en él un obstáculo. Ulises se verá ahora obligado a enfrentarse a su pasado para recuperar su familia y su reino.

Crítica

Mirada melancólica y realista a la parte menos tratada del mito

La Odisea de Homero siempre ha sido una de las piedras angulares del arte narrativo occidental. Inspiración constante para la literatura, el cine y la televisión, ha servido como patrón para representar el viaje del héroe, plagado de pruebas, monstruos y dioses caprichosos. Sin embargo, Umberto Pasolini ha decidido mirar más allá del relato clásico y explorar un terreno mucho menos transitado: el retorno. ¿Qué ocurre después de que el héroe pisa de nuevo su tierra? ¿Qué queda tras veinte años de guerras, engaños, ausencias y cicatrices invisibles?

Dejando al margen la épica y la fantasía clásica, Pasolini ha tenido para ‘El regreso del héroe’ la idea de imaginar y rellenar un hueco, lo cual, también es una apuesta arriesgada. Habitualmente vemos cómo Odiseo/Ulises se enfrenta a las sirenas, escapa de Circe o ve como sus compañeros son devorados por los gigantes. El potencial y originalidad de este filme reside en mostrar a Ulises como un héroe arrepentido, martirizado, traumatizado, arrepentido y avergonzado. ‘El regreso de Ulises’ es un drama intimista que despoja al mito de su grandilocuencia para retratar a un hombre roto que intenta reconstruir, sin manual ni redención asegurada, los vínculos que dejó atrás. Ralph Fiennes encarna a este Ulises desencantado, marcado por el trauma, la culpa y la vergüenza de su prolongada ausencia. Su interpretación es sobria, poderosa y contenida, y sostiene gran parte del peso emocional de la película. A su lado, Juliette Binoche, como Penélope, aporta una dignidad herida y silenciosa, pero efectiva. Así mismo representa estupendamente esa lealtad suicida que tan bien relató Homero en su obra.

Donde el filme pierde fuelle es en su reparto secundario. Charlie Plummer, en el papel de Telémaco, no logra transmitir el conflicto interno de un hijo dividido entre el mito del padre que nunca conoció y el hombre de carne y hueso que tiene delante. Su interpretación resulta rígida y a menudo superficial, lo que desequilibra emocionalmente algunas escenas clave del relato.

Visualmente, la película apuesta por una estética que coquetea con el realismo arqueológico. Algunas secuencias, de hecho, se sienten más como fragmentos de documentales diseñados para museos que como parte de una narrativa cinematográfica. Esto, sin embargo, no es necesariamente un defecto. La ambientación es notablemente austera, sobria, y da vida a una Grecia arcaica más primitiva y terrenal, muy alejada del esplendor visual del péplum clásico. El vestuario, las construcciones y hasta los utensilios del día a día están representados con una fidelidad que se alía con el carácter terrenal que ha querido imprimirse en el protagonista.

Pasolini se aleja deliberadamente de la épica sobrenatural. No hay dioses en escena, ni milagros, ni signos divinos. Atenea, la guía celestial del Ulises homérico, ha sido eliminada del relato. A cambio, se introducen cambios que reescriben el mito con mayor crudeza emocional: el personaje que decide destino de Antínoo, la traición de Melantio y la reacción de Telémaco al conocer a su padre revelan un enfoque más humano, casi doméstico, del relato heroico.

‘El regreso de Ulises’ es más que una reinterpretación, una mirada melancólica y realista a la parte menos tratada del mito. Su mayor virtud es también su mayor riesgo: la desmitificación del héroe. Un Ulises derrotado por la vida, más que por la guerra. Una historia de reencuentros imposibles, de identidades desdibujadas y heridas invisibles que el tiempo no cura.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de agosto de 2205. Título original: The Return. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Umberto Pasolini. Guion: Edward Bond, John Collee, Uberto Pasolini. Música: Rachel Portman. Fotografía: Marius Panduru. Reparto principal: Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Marwan Kenzari, Angela Molina, Claudia Santamaría, Charlie Plummer. Producción: Heretic, Ithaca Films, Kabo Films, Marvelous Productions, Picomedia, Rai Cinema, Redware Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: aventuras, adaptación. Web oficial: https://es.unifrance.org/pelicula/59403/the-return

Crítica: ‘The people’s Joker’

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Sinopsis

En Gotham City, donde la comedia ha sido prohibida, una aspirante a payasa sin gracia llamada «Joker the Harlequin» lucha por encontrar su identidad de género mientras intenta formar parte del único programa humorístico que queda en la ciudad. Pero su camino la llevará a enfrentarse a un oscuro y trastornado vigilante encapotado que mantiene el control sobre Gotham.

Crítica

La película que desafió a Warner y salió airosa (al menos en lo legal)

Antes de entrar en la anatomía misma de ‘The People’s Joker’, es imprescindible hablar del derecho a la parodia. La parodia, consagrada por la doctrina legal en numerosas jurisdicciones, protege la sátira, la crítica, la exageración humorística. Es precisamente este derecho el que autoriza a Vera Drew a jugar con personajes icónicos de DC Comics, a invertir arquetipos y a remecer expectativas. Si algo queda claro, es que, sin ese paraguas legal, el filme no existiría (o se habría enfrentado a demandas inabarcables). Así que, queda establecida esa premisa esencial: la parodia es legítima y necesaria.

Nada más aparecer este filme independiente en el Festival de Toronto, Warner Bros. envió una carta pidiendo explicaciones e instando a esperar a revisar si se infringía algún detalle relacionado con propiedad intelectual. El festival medió y la película se proyectó pero su directora la retiró del resto de festivales a los que aplicaba por miedo a no poder hacer frente a una demanda con un gigante como Warner. Aún así, la película ha sobrevivido y llega ahora a Filmin tras haberse podido ver en otros marcos fuera de España. A día de hoy no ha habido denuncia contra la película por parte de los propietarios de personajes como Batman, Joker, Harley Quinn y compañía.

‘The People’s Joker’ abre con dedicatorias: a Joel Schumacher, a quien Drew dedica esta obra por su despertar trans durante el visionado de su película ‘Batman Forever’, durante la cual sentía más afinidad con Nicole Kidman que con Val Kilmer. Y el filme también está dirigido a la madre de la directora y protagonista, la cual, aparece retratada con ironía. Figura como madre conservadora y cerrada se convierte en imagen cómica y cristal de contraste, muy al estilo de la madre de Sheldon Cooper. El doble sentido funciona: por un lado, homenaje, por otro, denuncia de lo retrógrado, como si Drew jugara al equilibrista entre reverencia y humor ácido.

Desde el primer fotograma, la película se define como trans y queer. No hay preludios: se declara identitaria, política y personal. Mezcla una realidad autobiográfica con elementos de ficción del universo DC, en un tono de “chifladura sentimental” que recuerda a algunos episodios de ‘Doom Patrol’: delirantes, emotivos, coloristas y totalmente fuera de lo convencional. Todo esto se debe a que el filme pretende ser un zasca. Surge del intento de responder a Todd Phillips (director de ‘Joker’), el cual comentó que la cultura woke limitaba actualmente a la comedia. Ese pulso cultural es valiente y necesario, pero al enfocarse tanto en lo autobiográfico, Vera Drew descuida la narrativa cómica, pierde perspectiva de su cometido principal. El desnudo frente a cámara es valiente, sí, pero el objetivo, la vuelta de tortilla que anuncia desde su germen… no termina de cuajar. Existen ejemplos recientes y exitosos: ‘Tomboy’ (Céline Sciamma) y ‘Feel Good’ (Mae Martin), que sí logran ese equilibrio entre lo íntimo, lo queer y lo universal. Aquí, en cambio, muchas buenas ideas quedarán en esbozo.

Algunas ideas paródicas funcionan: chispazos visuales, referencias meta, insinuaciones audaces. Incluso, en tono friki, diría que a Drew le vendría bien pasar por el universo Cálico Electrónico para asimilar timing y gags. Pero el gancho falla: los chistes no rematan, muchas ocurrencias mueren al instante. Y ahí reside la tragedia: la apuesta era fuerte, merecida, valiente… pero el resultado es plano. Sorprende hasta cierto punto que Warner no haya interpuesto demandas: la película no hace gracia, prácticamente refuerza el argumento de Phillips. Una auténtica pena. Además Drew no usa imágenes originales, no por lo menos un tiempo suficiente como para tener que pagar derechos.

Entre los momentos más bizarros, la película extrae riffs y citas de ‘El regreso del caballero oscuro’ o el ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer. El Robin de Frank Miller se transforma, en un giro delirante, en el Joker de Jared Leto: un galimatías mental que podría ser fascinante… si tuviera coherencia. Pero termina siendo una breve chispa de locura sin desarrollo. Se queda en la anécdota. El estilo es una mezcla de técnicas, animación e imagen montada que coquetea con el horterismo kitsch, rayando lo extremadamente amateur. Se siente como un collage de bancos de imágenes superpuestas (recuerdos de ‘The Amazing Bulk’ han aparecido en mi mente), con estética mal pulida que distrae más que aporta. Podría ser un recurso expresivo, pero chirría. Tampoco es de extrañar pues de presupuesto han contado con apenas 100.000 dólares, de los cuales 19.000 se consiguieron por crowdfunding durante la pandemia, algo bastante poco significativo.

Fondos de matte painting, miniaturas, animación 2D y 3D, secuencias de stop-motion, collages digitales y hasta números musicales con marionetas interdimensionales. ‘The People’s Joker’ es un experimento personal y político: una provocación queer, un arrebato autobiográfico, una chifladura visual. Es legítima por derecho a la parodia, y valiente por desnudarse ante la cámara. Pero en su ímpetu autorreferencial, falla como comedia. Filmin suele ser buena apuesta para obtener combinaciones transgresoras, valiosas, independientes y diferenciadas. Por desgracia este es un punto negro en su catálogo que si acaso cumple los dos últimos adjetivos y quizá se convierta en placer culpable para alguien.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2025. Título original: The people’s Joker. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Vera Drew. Guion: Bri LeRose, Vera Drew. Música: Justin Krol, Quinn Scharber, Danni Rowan. Fotografía: Nate Cornett. Reparto principal: Vera Drew, Lynn Downey, Kane Distler, Nathan Faustyn, David Liebe Hart, Phil Braun, Griffin Kramer, Christian Calloway, Trevor Drinkwater, Ruin Carroll, Tim Heidecker, Bob Odenkirk. Producción: Open Road Films. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/the-peoples-joker

Crítica: ‘Nadie 2’

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Sinopsis

A veces, no hay nada más peligroso para un padre de familia que unas vacaciones.

Crítica

Entre el héroe reacio y la parodia involuntaria

Si la primera entrega de ‘Nadie’ (Nobody, 2021), dirigida por Ilya Naishuller, fue una refrescante sorpresa dentro del género de acción (una especie de primo lejano y más amargo de John Wick), ‘Nadie 2’ llega con la promesa de ser una bomba de relojería. Con la dirección ahora a cargo del indonesio Timo Tjahjanto, responsable de segmentos impactantes en las antologías ‘V/H/S’ y del feroz filme de culto ‘The Night Comes for Us’, esta secuela no solo debería subir la apuesta en cuanto a violencia y ritmo, sino que tiene ese deber no escrito de ampliar el universo que se inició hace cuatro años y mantener alto el nivel de su productora 87 North. ¿Lo hace? Siendo un filme divertido se queda con asignaturas pendientes para después del verano.

Desde sus primeros compases, la película promete devolvernos a las sensaciones del primer filme. Volvemos a encontrarnos con Hutch Mansell (Bob Odenkirk), ese “hombre cualquiera” con pasado letal que intenta rehacer su vida mientras la violencia llama a su puerta. El concepto del héroe reacio sigue siendo la columna vertebral de la historia, pero esta vez el guion se acerca más al tono familiar y cómico de una serie como ‘Fubar’ que al pulso preciso, estiloso y seco de su predecesora.

Uno de los mayores problemas de ‘Nadie 2’ es la pérdida casi inmediata del sello coreográfico que caracterizó a la primera entrega. Donde antes había un manejo físico y visual elegante, que aún así estaba en sintonía con lo mundano del protagonista, ahora hay un descenso rápido a la típica sucesión de tiroteos donde los enemigos parecen sacados del cuerpo de stormtroopers: disparan mucho, fallan siempre. La dirección de Tjahjanto, aunque por momentos conserva cierto pulso, se ve limitada o diluida por un enfoque más genérico que lo que nos tiene acostumbrados. Se echa de menos su estilo sangriento, caótico pero preciso, que aquí apenas asoma.

La película tampoco teme abrazar lo ridículo, lo que no sería un defecto si lo hiciera con inteligencia o autoconsciencia. Pero aquí el humor parece impuesto, rozando el gag innecesario, con situaciones que buscan la risa fácil más que la sátira o el desahogo. Ese sentido del ridículo está presente, pero no con el filo que lo haría memorable. Aún así hay carcajadas inevitables fruto del carácter negro del filme, no todo son intenciones caídas en saco roto.

A nivel narrativo, el componente familiar vuelve a ocupar un espacio central, lo que podría haber sumado en profundidad emocional, pero acaba restando contundencia al relato. Se aleja así de la introspección crepuscular que tenía la primera entrega y se aproxima más a un producto amable, digerible y olvidable. Tan cine de fórmula como una producción barata de Netflix.

En cuanto al reparto, la inclusión de Sharon Stone como villana es una de las decisiones más cuestionables. Su personaje resulta excesivo, mal escrito y sin amenaza real, recordando más al antagonista caricaturesco interpretado por Toby Kebbell en ‘Bloodshot’ que a una némesis en la línea del estilo de la saga. Cuánto daño han hecho los bailes de Tik Tok…

‘Nadie 2’ se aleja peligrosamente de lo que hizo especial a la original. Iba con la esperanza de ver una ramificación digna de los autores de ‘John Wick’ en la que incluso podría encajar el personaje de Keanu Reeves. Ahora ya preferiría que no sea así. No es tanto una película de acción salvaje como una mezcla diluida entre lo que Tjahjanto podría haber ofrecido y lo que cualquier cinta protagonizada por Liam Neeson ha hecho ya hasta la saciedad. Pierde estilo, pierde filo y, sobre todo, pierde oportunidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Nobody 2. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Timo Tjahjanto. Guion: Umair Aleem, Derek Kolstad, Bob Odenkirk, Aaron Rabin. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Bob Odenkirk, Connie Nielsen, John Ortiz, RZA, Colin Hanks, Christopher Lloyd, Sharon Stone. Producción: 87North, Eighty Two Films, OPE Partners, Odenkirk Procissiero Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/nobodymovie/

Crítica: ‘Los Súper Elfkins’

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Sinopsis

La aventurera duendecilla Elfie, sueña con una vida más emocionante, donde puede combinar su típica ayuda secreta de los Elfkins con diversión y adrenalina. Para disgusto de los miembros más mayores de su clan, que quieren que todo siga igual. Pero cuando Elfie conoce a Bo un día, su vida da un giro inesperado. Bo, pertenece a un clan Elfkin cuya filosofía gira en torno a la diversión y el uso de gadgets de alta tecnología para hacer cosas atrevidas y no necesariamente legales, razón por la cual la obsesiva agente de policía Lanski y su intrépida gata policía Polipette los persiguen. ¿Podrá la amistad entre Elfie y Bo reconciliar a los dos clanes Elfkin tras más de 25 años y hacer realidad el sueño de Elfie de vivir como una “Súper Elfkin?

 Crítica

Una gran aventura con una gran animación

En 2019 se estrenó ‘Los Elfkins’ película que nos presentó a estos entrañables personajes, que bien podrían ser una mezcla de ‘David el gnomo’ y ‘Los Diminutos’. No he tenido el gusto de ver esta primera parte, pero después de ver su secuela, sin duda le daré una oportunidad. Porque ‘Los Súper Elfkins’ me ha gustado mucho.

Antes de seguir, no hace falta haber visto esta primera parte, pues es una aventura más en la vida de estos seres. Además, hay un momento que cuentan la historia de los elfkins y te ponen al día enseguida. Eso es un punto a su favor y hace que puedas acercarte a la cinta sin ninguna preocupación de no entenderla.

Lo dicho, he disfrutado mucho esta cinta, donde nos reencontramos con Elfie , su familia y amigos que siguen en Colonia ayudando a los seres humanos en secreto. Pero Elfie quiere mucho más y no solo ayudar, sino también aventuras. Conoce en una de sus misiones a Bo, un elfking que viene de Viena y que pertenece a un clan diferente al suyo. Juntos descubrirán el pasado que les une.

La cinta es divertida y entrañable. Es una película llena de color y con mucho movimiento. Estímulos por todos lados, ya sea a base de un dron bordeando toda la ciudad de Colonia, un gato persiguiéndoles o incluso una policía desquiciada que lo único que quiere es demostrar la existencia de estos diminutos elfkins.

La animación me ha parecido buenísima. He ojeado el tráiler de la primera parte y la verdad que el cambio me parece tremendo. La manera de moverse de estos personajes, el como han logrado integrar perfectamente la catedral de Colonia en esta cinta de animación. Está perfectamente dibujada. Y lo que he comentado anteriormente, es una película llena de color. Eso la hace muy atractiva a los ojos de cualquiera y sobre todo del público infantil. Eso, y todos los detalles que tiene. Los sombreros de lana, parecen reales. Las perspectivas que crean están muy estudiadas.

‘Los Súper Elfkins’ llega en un verano lleno de grandes estrenos y que sin duda lo va a tener difícil en pantalla. Pero no dudéis en acercaros a una gran sala de cine para poder verla, porque merece mucho la pena. Y por supuesto, si tenéis niños en casa mejor, porque sin duda la van a disfrutar un montón. Una aventura de las de antes y sin ninguna otra pretensión que la de entretener.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Die Heinzels: Neue Mützen, Neue Mission. Duración: 76 min. País: Alemania. Dirección: Ute von Münchow-Pohl. Guion: Jan Strathmann, Claudio Winter. Música: Alex Komlew. Fotografía: Francesco Paglia. Reparto principal: Jella Haase, Paul Pizzera, Michael Ostrwoski, Annette Frier, Inga Sibylle Kuhne, Cesar Sampson, Hilde Dalik, Lars Walther, Leon Seidel, Sophia Heinzmann. Producción: ARX Anima Animation Studio, Akkord Film Produktion GmbH, SERU Animation, Tobis Film. Distribución: VERCINE. Género: Comedia. Web oficial: Los Súper Elfkins

Crítica: ‘Materialistas’

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Sinopsis

Una joven y ambiciosa celestina de Nueva York se debate entre la pareja perfecta y su imperfecto ex.

Crítica

Desmonta la lógica de las relaciones eficientes y puede desmontar a más de uno

Madame Web se encuentra en una boda con Mr. Fantástico y la Antorcha Humana. Esto que parece el principio de un chiste que haría que tú, que buscas un cine con distintas costuras que el comiquero, digas “next” en una cita, es lo que precisamente trata de evitar el personaje de Dakota Johnson. Ella es una persona que se dedica a hacer de celestina, un Tinder personal para que lo entiendan los más jóvenes. Su cometido es hacer que acabes en la cita correcta, con la persona que potencialmente pueda ser tu cónyuge y no con alguien que te cause rechazo instantáneo. Lo irónico: ella misma no encuentra pareja. Y eso no es casualidad.

‘Materialistas’, dirigida por Celine Song y producida por A24, podría haber sido una nueva ‘Hitch’ o un intento más de actualizar ‘El diario de Bridget Jones’. Pero no. En vez de caer en las fórmulas edulcoradas del género, Song nos ofrece una mirada más sofisticada, crítica y emocional. Si en ‘Vidas pasadas’ analizaba los hilos invisibles del destino y el amor a través del tiempo, aquí disecciona el presente con bisturí emocional y parece que también preocupado.

La protagonista, interpretada con acierto por Dakota Johnson, se mueve entre citas, expectativas y algoritmos, funcionando como un espejo roto en el que muchos pueden verse reflejados. La película expone, con mucha más inteligencia de la que su tono ligero deja entrever, cómo hemos llegado a cosificar hasta el amor, tasando el físico, el éxito o la compatibilidad como si fueran valores bursátiles o datos de esos que alimentan los algoritmos de las redes.

Johnson brilla en su papel más irónico y maduro hasta la fecha. Le acompañan con buen pulso Chris Evans y Pedro Pascal, que lejos de ser simples intereses amorosos, construyen dos tipos de masculinidad con los que la protagonista se confronta y evoluciona. Los diálogos están afinadísimos, y no hay línea de guion que no revele capas de los personajes o del sistema emocional que habitan. Entre los tres retratan a una sociedad actual que cosifica y cuantifica todo, hasta tal punto de que parece que hemos evolucionado poco o incluso involucionado.

Lo mejor de ‘Materialistas’ es que, bajo su envoltorio de comedia romántica, late una historia profundamente meditada y meditabunda, que no solo anima a la sinceridad entre personas, sino a la verdad con uno mismo. Celine Song ha encontrado en su historia el hueco para analizar la condición humana actual. Nos interpela sobre el origen de nuestra autoestima: ¿Somos valiosos por cómo nos perciben o por lo que somos cuando nadie nos ve? Sin duda es un filme que te hace cuestionarte cosas. No da respuestas fáciles, pero sí provoca las preguntas correctas. Y eso, en una película romántica, es oro puro.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2025. Título original: Materialists. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Celine Song. Guion: Celine Song. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Shabier Kirchner. Reparto principal: Dakota Johnson, Pedro Pascal, Chris Evans. Producción: A24, 2AM, Killer Films, Access Entertainment, IPR.VC. Distribución: Sony Pictures. Género: romántico. Web oficial: https://a24films.com/films/materialists

Crítica: ‘Indomables’

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Sinopsis

Muriel y su marido Lee comienzan una nueva vida en California cuando él regresa de la guerra de Corea. Pero su nueva estabilidad se ve alterada por la llegada del carismático hermano de Lee, Julius, un jugador caprichoso con un pasado secreto. Rápidamente se forma un peligroso triángulo amoroso. Cuando Julius se marcha en busca de la joven tramposa de la que se ha enamorado, el anhelo de Muriel por algo más la empuja a una vida secreta propia, apostando a los caballos de carreras y explorando un amor que nunca soñó posible.

Crítica

Una historia old-school con corazón actual

A veces pasan por nuestras carteleras títulos que sin gran inversión de marketing acaban pasando desapercibidos o con salas casi vacías por el reclamo de producciones mayores y aún así convirtiéndose en clásicos a reivindicar para los que le dan una oportunidad. Ese es el caso de ‘Indomables’, la película protagonizada por un elenco de jóvenes estrellas emergentes como Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi y Will Poulter. Dirigida por Daniel Minahan, es una película que desafía convenciones del pasado de manera audaz y tan desafiante como hemo estado viendo en algunos casos en lo último años. Desde su inicio, la cinta se revela como una historia de identidad y libertad, donde cada personaje parece escudriñar sus propias fronteras emocionales y sociales, impulsado por deseos que no siempre encajan en estructuras tradicionales.

Lejos de ser un mero triángulo amoroso, ‘Indomables’ se expande hasta convertirse en más que un triángulo amoroso en un pentágono amoroso: relaciones múltiples entrecruzándose como piezas de un tablero complejo. Lo protagonitas conforman un entramado donde afecto, interés y engaño flirtean constantemente. Este laberinto romántico refleja, casi simbólicamente, una economía emocional intrincada: aquí aparece la idea de jugar a varias bandas, tanto amorosa como económicamente. No es solo pasión y deseo; también hay una contienda, una danza fina entre poder, ganancia y vulnerabilidad. Cada personaje parece invertir (emocional o materialmente) en alianzas que pueden ser desmanteladas en cualquier momento. Y lo que predomina en todo momento es un sentimiento de peligro: peligro al apostar, peligro de que te descubra tu pareja, peligro al hacer trampa, peligro a que se desvele tu homosexualidad…

Hay un gusto muy marcado por lo retro: la ambientación, el vestuario, la banda sonora y ciertos guiños estéticos nos transportan directamente a los años 50. ‘Indomables’ nos hace volver a esa época basándose en la novela de Shannon Pufahl. Además hay algo ‘old school’ en su planteamiento, en la gestualidad de los personajes, incluso en el ritmo narrativo. Los diálogos tienen la cadencia de Hollywood clásico, pero proyectados con una claridad moderna y libre de censura o tabúes sociales. En cierto sentido, ‘Indomables’ actúa como una revisión contemporánea de figuras icónicas como Marlon Brando, John Wayne o James Dean, ese espíritu rebelde e íntimo, pero refractado a través de una mirada de hoy. No se trata de una copia, sino de una reinterpretación consciente, como si el director hubiese querido revisar aquella época sin ánimo de cancelar lo hecho hasta ahora, pero si de invitarnos a la amplitud de miras.

El tema LGBTQI+ se hila con naturalidad a lo largo de la historia, sin fórmulas ni estridencias. La identidad fluye, las etiquetas se desdibujan. La cinta explora con elegancia y potencia cómo amar y pertenecer pueden ir de la mano de la libertad de ser. Esa dualidad (identidad y libertad) está en el centro de los conflictos internos: el deseo de autenticidad frente al miedo a la marginación, las redes de afecto que refuerzan, pero también encadenan, y la necesidad de romper esos grilletes para alcanzar una libertad plena.

Daniel Minahan, a través de una puesta en escena calculada y sutil, logra un equilibrio entre lo vintage y lo contemporáneo. No hay estridencias visuales: predominan planos sobrios, iluminación tenue, tonos pastel y sombras largas que recuerdan los grandes estudios, pero con una paleta emocional más diversa. La sensación es nostálgica, pero no sacada de un museo.

El guion aprovecha esa base literaria para explorar psicologías complejas. Los silencios valen tanto como las palabras, y ciertos gestos o miradas evocan más que diálogos explícitos. La carga simbólica de la época de los 50 (con su moral implícita y su glamour conservador) se fractura con la pluralidad de los cuerpos y afectos que circulan en ‘Indomables’.

No todo encaja; a veces la densidad temática hace que ciertos arcos narrativos queden un poco comprimidos hacia el final. Pero esta compresión también agrega tensión, como si los personajes se viesen obligados a resolverse antes de lo esperado. Y aunque se agradece esa intensidad, tal vez un poco más de expansión en algunos vínculos hubiese permitido un cierre menos abrupto emocionalmente, pese a que tiene una escena final elegante.

Es una obra valiente, rica y evocadora. Una película que nos invita a revisar lo que damos por clásico y a pensar en la identidad y el deseo como fuerzas siempre renovables. Entre referencias retro, tensión emocional y libertad contemporánea, Minahan propone una mirada audaz al amor, al poder, a la identidad y al campo de fuerzas afectivas que atraviesa a cada persona.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: On Swift Horses. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Minahan. Guion: Bryce Kass. Música: Mark Orton. Fotografía: Luc Montpellier.  Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi, Will Poulter, Diego Calva, Sasha Calle. Producción: Ley Line Entertainment, FirstGen Content, Cor Cordium, The Dan Corp, Wavelength, Killer Films. Distribución: Beta Fiction. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.leylineentertainment.com/on-swift-horses

Tráiler de ‘Eddington’

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Ari Aster regresa a nuestras pantallas con ‘Eddington’

La nueva película de Ari Aster participó la pasada edición del Festival de Cannes en su sección oficial. Mientras que en España, tuvo su premiere en el Atlántida Film Fest.

El próximo 12 de septiembre llegará a nuestras pantallas gracias a Universal Pictures. La cinta está protagonizada por Joaquin Phoenix, Pedro Pascal y Emma Stone. Con la pandemia en pleno auge, vemos en el tráiler como la enemistad entre el sheriff y el alcalde supone una gran crisis en el pueblo de Eddington. Vemos como la utilización de redes sociales con vídeos llenos de odio, van calentando toda una situación que pone a todo el mundo en el límite.

Junto a ellos tenemos a Cameron Mann (‘Mare of Easttown’), Deirdre O’Connell (‘El Pingüino’), Micheal Ward (‘El imperio de la luz’), Matt Gomez Hidaka (‘Silo’), Luke Grimes (‘Cincuenta sombras liberadas’), Austin Butler (‘Elvis’), William Belleau (‘Outer Range’) , Elise Falanga (‘Better Call Saul’) o King Orba (‘Gringo’), entre otros.

Os dejamos a continuación el tráiler de la cinta junto con su sinopsis.

Sinopsis

En mayo de 2020, la disputa entre el sheriff de un pequeño pueblo y su alcalde prende un auténtico polvorín al enfrentar a los vecinos de Eddington, Nuevo México.

Crítica: ‘Karate Kid: Legends’

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Sinopsis

Karate Kid: Legends reúne a los icónicos maestros de las artes marciales de una de las películas más queridas de todos los tiempos, para contar una historia completamente nueva llena de acción y emoción.  Cuando el prodigio del kung fu Li Fong (Ben Wang) se traslada a Nueva York con su madre para comenzar en una nueva y prestigiosa escuela, encuentra consuelo en la amistad con una compañera de clase y su padre. Pero su tranquilidad dura poco una vez que, sin buscarlo, atrae la atención del formidable campeón de kárate local. Impulsado por el deseo de defenderse, Li se embarca en un viaje para participar en la competición definitiva de kárate. Guiado por la sabiduría de su profesor de kung fu, el Sr. Han (Jackie Chan), y del legendario Karate Kid, Daniel LaRusso (Ralph Macchio), Li fusiona sus estilos únicos para prepararse para un épico enfrentamiento de artes marciales.

Crítica

El legado del Sr. Miyagi regresa en una cinta que combina acrobacias modernas con la esencia clásica del karate cinematográfico

El universo de ‘Karate Kid’ se expande con ‘Karate Kid: Legends’, una película que abraza el legado de la saga mientras busca nuevos horizontes en la narrativa y en su forma de representar la acción. Dirigida por Jonathan Entwistle, esta entrega se presenta como un ambicioso crossover que une a dos grandes referentes del cine de artes marciales: Jackie Chan, leyenda viva y poseedor de un Oscar honorífico, y la entrañable figura del Sr. Miyagi, eternamente interpretado por Pat Morita. La cinta logra establecer un puente emocional entre generaciones y conectar directamente con la secuela original (haciéndonos olvidar que hubo entregas con Hilary Swank y Jaden Smith), sirviéndose de la nostalgia sin caer en el homenaje vacío o la lágrima fácil.

Desde los primeros minutos, el espectador es recibido con referencias visuales, diálogos evocadores y una clara voluntad de conexión con los fans veteranos y los nuevos adeptos que llegaron a través de ‘Cobra Kai’. La relación entre Han Shifu (Chan) y el legado de Miyagi no solo tiene peso dramático, sino que se convierte casi en el eje temático del filme: el traspaso del conocimiento, el respeto al maestro y la evolución del aprendiz. Lo que fue una película considerada un clásico menor se convirtió en la actualidad en todo un fenómeno y la conexión que se establece en este filme es plausible y desde luego fiel al espíritu original.

Uno de los grandes aciertos de ‘Karate Kid: Legends’ es su apuesta por una acción mucho más acorde a los tiempos actuales, sin perder el tono familiar de la saga. Las coreografías beben directamente del estilo de Jackie Chan: acrobacias imposibles, defensas originales, bufonadas físicas y coreografía tan milimétrica como veloz. En estas secuencias, la película encuentra su mejor forma. La acción no solo entretiene, también rinde culto al cine de artes marciales clásico, homenajeando a figuras como el propio Chan y a un tipo de cine que marcó a generaciones enteras.

Ben Wang, quien encarna al joven protagonista, cumple con solidez en las escenas de combate, donde muestra una sorprendente agilidad. La dinámica del nuevo torneo van en sintonía con lo que vemos en su habitación: un póster del Tekken, clara señal de que la película quiere conectar también con el universo gamer y los códigos de la cultura pop actual. No obstante, fuera del combate, a Wang aún le queda recorrido en lo interpretativo. Un detalle menor que se nota más por contraste con un villano algo descafeinado: Aramis Knight tiene físico, tiene técnica, pero le falta carisma como antagonista, cayendo en el mismo pecado de entregas anteriores. Paradójicamente, fue de lo más salvable en ‘El juego de Ender’, pero aquí no termina de despegar.

En cuanto a estructura, la película se ajusta a los patrones clásicos de la saga: el matón de turno, el entrenamiento especial en busca de un golpe ganador y el torneo como clímax. Todo ello reciclado, pero con un envoltorio moderno y algunos personajes secundarios que aportan nuevas perspectivas al mundo de los deportes de contacto. A pesar de que repite clichés, sabe renovarlos con cierta elegancia y da lugar a unos pocos diálogos más elaborados que en anteriores entregas. Lástima que la historia de amor con el personaje de Sadie Stanley (porque en todo ‘Karate Kid’ hay romance) esté mal fundamentada y entre un poco con calzador.

‘Karate Kid: Legends’ no revoluciona el género, pero sí honra su historia. Con una dirección funcional, buenos momentos de acción y una carga emocional eficaz en un par de escenas, se posiciona como una secuela digna que, sin duda, puede satisfacer tanto a los nostálgicos como a una nueva generación. Lo que si que se puede augurar es que de paso a más series o películas de una franquicia que está viviendo una segunda juventud.

Por último, apartado para la curiosidad. Se ha perdido la ocasión de hacer un guiño a otro videojuego, en concreto ‘Street Fighter’. La actriz que ejerce como madre del protagonista, Ming-Na Wen, fue quien interpretó a Chun Li en la película de 1994 dirigida por Steven E. de Sozua y protagonizada por Jean-Claude Van Damme.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: Karate Kid: legends. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Entwistle. Guion: Rob Lieber. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Justin Brown. Reparto principal: Jackie Chan, Ralph Macchio, Ben Wang, Joshua Jackson, Sadie Stanley. Producción: Columbia Pictures, Sunswept Entertainment, Jerry Weintraub Productions, TSG Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, drama. Web oficial: https://karatekid.movie/

Tráiler de ‘Expediente Warren: El último rito’

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Los Warren regresan a la gran pantalla

La novena entrega del universo Expediente Warren, llega a nuestras pantallas este próximo 5 de septiembre. De la mano de New Line Cinema, ‘Expediente Warren: El último rito’ está dirigida por Michael Chaves y producida por James Wan y Peter Safran.

Chaves, dirige a partir de un guion de Ian Goldberg & Richard Naing y David Leslie Johnson-McGoldrick.

Volvemos a tener a Vera Farmiga y a Patrick Wilson como los grandes protagonistas, junto a Mia Tomlinson y Ben Hardy, que encargan a la hija de Ed y Lorrain y al novio de ésta, Tony Spera.

‘Expediente Warren: El último rito’ ofrece otro emocionante capítulo del icónico universo cinematográfico basado en hechos reales. Vera Farmiga y Patrick Wilson, se reúnen por última vez para interpretar a los famosos investigadores de lo paranormal Ed y Lorraine Warren en una poderosa y escalofriante adición a la franquicia que rompe taquillas en todo el mundo. Esta nueva película está basada en el caso real de la familia Smurl y por lo que vemos en el tráiler, parece que Anabelle va hacer una aparición estelar.

A continuación, os dejamos el tráiler de la cinta y el estupendo cartel de la misma.

 

Los productores ejecutivos son Michael Clear, Judson Scott, Natalia Safran, John Rickard, Hans Ritter y David Leslie Johnson-McGoldrick. Chaves está acompañado detrás de la cámara por su equipo creativo, que incluye al director de fotografía Eli Born, el diseñador de producción John Frankish, los montadores Elliot Greenberg y Gregory Plotkin, el supervisor de efectos visuales Scott Edelstein, el productor de efectos visuales Eric Bruneau y el diseñador de vestuario Graham Churchyard, con un casting de Rose Wicksteed y Sophie Kingston-Smith.

El supervisor musical es Ian Broucek y la música es del compositor Benjamin Wallfisch. New Line Cinema presenta una producción de Safran Company y Atomic Monster, The Conjuring: Los últimos ritos. La película será estrenada en todo el mundo por Warner Bros. Pictures y sólo estará en los cines e IMAX® de Norteamérica el 5 de septiembre de 2025, e internacionalmente a partir del 3 de septiembre de 2025.

Crítica: ‘Devuélvemela’

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Sinopsis

Un hermano y una hermana descubren un ritual aterrador en la apartada casa de su nueva madre adoptiva

Crítica

Todo un ritual cinematográfico sobre el duelo

Los hermanos Danny y Michael Philippou, conocidos por su debut cinematográfico ‘Háblame’ (Talk to Me), vuelven a bucear en los abismos emocionales del duelo con ‘Devuélvemela’ (Bring Her Back), una perturbadora y visceral exploración del dolor, la culpa y la obsesión por revertir lo irreversible: la muerte. Si en ‘Háblame’ coqueteaban con el terror sobrenatural desde un enfoque muy juvenil, esta nueva propuesta se erige como un relato más maduro, devastador y profundamente humano, para muchos, más terrorífico.

Desde su arranque, ‘Devuélvemela’ se aleja de los códigos del jump scare y prefiere sumergirse en una atmósfera opresiva y enferma. Sus personajes parecen atrapados en un círculo vicioso de autodestrucción, cada uno reflejo de una sociedad podrida por la negación del duelo y la manipulación emocional. Aquí no hay consuelo, ni esperanza, sólo un grito desesperado: “devuélvemela”, que se convierte en plegaria, mantra y condena. Y es que para más inri, si ya de por sí el carácter de sus protagonistas es de índole dramática, algunos se comportan de un modo marcadamente malsanos y maquiavélicos.

Lo curioso —y no meramente anecdótico— es que tanto ‘Háblame’ como ‘Devuélvemela’ optan por títulos imperativos. Esta elección, lejos de ser una coincidencia, revela una intención temática clara: el deseo de desafiar a la muerte, de imponer la voluntad humana sobre lo inmutable. Es cine de duelo, sí, pero también de rebelión emocional ante la pérdida, de personajes que se niegan a aceptar el silencio que deja el vacío.

En términos formales, es cierto que ‘Háblame’ poseía una ejecución más pulida, un ritmo más ágil y una puesta en escena más acorde a los tiempos. ‘Devuélvemela’, sin embargo, apuesta por el riesgo: la cámara se vuelve más errática, el montaje más flemático y el tono más febril. Esto le aporta más equilibrio narrativo y más profundidad. Te puede dar más o menos miedo que ‘Háblame’ pero indudable este nuevo título tiene más misterio, y una carga emocional mucho más demoledora.

Las películas de los Philippou se alzan como altamente truculentas, con escenas muy dolorosas de ver, ahí encuentran puntos en común. Donde sí supera con creces ‘Devuélvemela’ a su predecesora es en las interpretaciones. Sally Hawkins, en un papel que exuda… mejor no entrar en calificativos relacionados a su personaje para no caer en spoilers… ofrece una de las actuaciones más impactantes del cine de género reciente. Su presencia eleva el filme, le otorga una densidad emocional que lo distingue entre sus contemporáneos.

No se puede ignorar el contexto: ‘Devuélvemela’ está dedicada a Harley Wallace, amigo íntimo de los Philippou fallecido el año pasado mientras le película estaba en pre-producción. Esta dedicatoria no es sólo un gesto personal, sino el corazón mismo de la película. Se nota que este proyecto nace del dolor real, de una pérdida sentida. Y eso impregna cada fotograma.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2025. Título original: Bring her back. Duración: 103 min. País: Australia. Dirección: Danny Philippou, Michael Philippou. Guion: Danny Philippou, Michael Philippou, Bill Hinzman. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood, Sally Hawkins. Producción: Causeway Pictures, Salmira Productions, The South Australian Film Corporation, SAFC Studios, RackaRacka Studios. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.causewayfilms.com.au/films/bring-her-back

Tráiler de la San Diego Comic Con 2025

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Una maravilla de adelantos nos llegan en esta Comic Con 

Una vez mas, la San Diego Comic Con, nos sorprende con grandes novedades en el mundo de comics, series y cine. Tristes noticias como la cancelación de ‘Resident Alien’ llegan estos días. Pero no todo son despedidas. Pues vemos nuevos avances y novedades en el séptimo arte. A continuación os dejamos los tráiler de todo lo que se ha ido presentando a lo largo de estos días.

De la noche a la mañana aparece este tráiler que nos ha dejado a todos con la boca abierta que llega desde la Comic Con de San Diego. Y es que regresa una vez más una versión de la Guerra de los Mundos.

‘War of the Worlds’ llegará a Prime Video en breve, sin duda ha sido una sorpresa absoluta. Producida por Universal Pictures y Prime Video. La película está protagonizada por Eva Longoria e Ice Cube y dirigida por Rich Lee.

También hemos podido ver el tráiler de ‘The Long Walk’, basada en una novela de Stephen King nos lleva a ver como 100 jóvenes tienen que terminar una tremenda caminata si no quieren morir en el camino. Si se paran, serán asesinados. La película llegará a España el próximo noviembre, mientras que en Estados Unidos se estrenará en septiembre.

El universo de Stephen King tendrá nueva adaptación con ‘IT: Bienvenidos as a Derry’. Una serie que se estrena el XXX y que ampliará las tropelías del Pennywise de Andy Muschietti.

Batman tiene una nueva reimaginación con ‘Batman Azteca’. Si Bruce Wayne se inspiraba en El Zorro cuando murieron sus padres para convertirse en el cruzado de la capa, ahora una nueva historia de nativos contra españoles vuelve a servir como marco para esta nueva versión que llegará a algunos cines en septiembre.

La segunda temporada de ‘Gen V’ llega fuerte. Con distintos cameos de su predecesora ‘The Boys’ y con mucha acción. La serie llegará a Prime Video este próximo septiembre.

Y que decir de otro de los tráilers esperados, el primer vistazo a la vuelta de Jason Voorhees.

Y lo que nos gusta una buena película con dinosaurios sedientos de sangre. La San Diego ComicCon nos ha dejado esta maravilla que es el tráiler de ‘Primitive War’. Quizás no se vea con el mejor CGI de la historia, pero sí que pinta que nos lo vamos a pasar muy bien. Basado en las novelas y comics de mismo nombre.

Tras rodarse en parte en Madrid y anunciar en la capital Española una premiere por todo lo alto, llegará ‘The Walking Dead: Daryl Dixon’. Contemplad el tráiler con mucho reparto español en la ficticia villa de Solaz del Mar.

Silent Night, Deadly Night regresa con un remake como podemos ver en este teaser cargado de brutalidad que introduce un psicópata vestido de Papá Noel. Nueva versión del clásico de culto del 84 a través del estudio de ‘Terrifier 3’.

Aunque es un gameplay trailer más que un tráiler cinematográfico, el panel de la San Diego Comic-Con presentó un contundente avance del personaje Battle Beast en acción. Tenemos ganas de jugar a ‘Invincible VS’.

‘Peacemaker’ temporada 2 es uno de los título esperados de HBO Max. Se reveló el trailer de la segunda temporada durante una presentación en Hall H en la que se ovacionó a James Gunn por su ‘Superman’. Incluye un universo paralelo con monstruos y un enfrentamiento con Rick Flag Sr.

Ya podemos ver el avance y el panel que revela crossovers importantes sobre ‘Predator Badlands’.

Sintiéndolo mucho por los fans de ‘Outlander’, la serie termina con esta octava temporada que se presenta así.

Nueva mirada al esperado regreso de la saga Tron, con Jared Leto como protagonista y música de Nine Inch Nails. ‘Tron Ares’ llegó así de espectacular a la Comic-Con.

‘Spinal Tap II: The End Continues’ se ha presentado en el con panel de directores on Directing, cerrando una larga espera desde el clásico de 1984.

Will Forte presentó un teaser trailer y escenas para el live action animado de ‘Coyote vs. Acme’. Aún no ha sido subido online. La película Looney Tunes recuperada tras cancelación previa llegará a cines el mes de agosto de 2026.

‘The Strangers 2’ tuvo presencia en la San Diego Comic-Con 2025 con varias entrevistas y un clip en exclusiva.

‘Percy Jackson and the Olympians’ tendrá una temporada 2. Tenemos teaser de la nueva temporada que llegará el 10 de diciembre de 2025.

La película de terror más taquillera de la historia en España regresará con una segunda parte. ‘Five Nights at Freddy’s’. Podremos verla el 5 de diciembre.

Se expande el universo de ‘Star Trek’ con ‘Star Trek: Starfleet Academy’. Nos presentan un nuevo grupo de cadetes en el siglo 32 y estrellas como Holly Hunter y Paul Giamatti. Muy bonito el homenaje a Kirk y las conexiones con otras series.

Y como ‘Star Trek’ admite todo tipo de versiones e intrepretaciones, llega la cuarta temporada de ‘Star Trek: Strange New Worlds’.

Podemos echar un vistazo al nuevo avance de la tercera temporada de ‘The Vampire Lestat’ (Entrevista con el vampiro) protagonizado por Sam Reid.

The Legend of Vox Machina regresa con una cuarta temporada. Los dobladores que retransmitían sus partidas de rol continúan con el sueño cumplido de ver sus aventuras en Dragones y Mazmorras en formato serie animada.

Y yendo aún más allá, los creadores de Critical Role tienen serie nueva, ‘The Mighty Nein’.

‘Talamasca’ es la serie protagonizada por William Fichtner. Vampiros, brujas, demonios… de la mano de Ann Rice.

Quién iba a decir que ‘Upload’ llegaría a cuatro temporadas. El 25 de agosto Prime Video regresa con esta serie.

Crítica: ‘Los tipos malos 2’

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Sinopsis

Los delincuentes favoritos de todos están de vuelta, pero esta vez tienen compañía.

En la nueva entrega rebosante de acción de la aclamadísima y taquillera comedia de DreamWorks Animation en torno a un genial equipo de animales que no respetan la ley, los ahora muy reformados Tipos Malos se esfuerzan (mucho, muchísimo) en ser buenos, pero se ven envueltos involuntariamente en un golpe de envergadura mundial planeado por un inesperado grupo de criminales: las Tipas Malas.

Crítica

Una secuela mezclada con combustible para cohetes y servida en vaso de Martini

No es fácil hacer una secuela que no solo funcione, sino que también mantenga el estilo, eleve la apuesta y nos arranque carcajadas sin perder elegancia. Pero ‘Los tipos malos 2’, dirigida de nevo por Pierre Perifel y acompañado esta vez por JP Sans, lo logra con una mezcla tan inesperada como eficaz: una banda de animales antropomórficos exdelincuentes con trajes a lo Humphrey Bogart, persecuciones imposibles y una animación que parece cobrar vida a base de dinamita visual. Está claro que los personajes de los libros de Aaron Blabey van a tener películas para rato.

La película nos devuelve a estos carismáticos ladrones con gran corazón justo cuando están intentando portarse bien… o al menos camuflando su maldad con clase y muchos sudores fríos. El señor Lobo Feroz, que no ha perdido ni una pizca de su encanto canalla, y su pandilla vuelven a la acción para enfrentarse a un reto mayor que cualquiera de sus muchos atracos: conseguir la aceptación de la sociedad, robar el corazón de la gente.

Vestuario, localizaciones y una atmósfera casi sacada de una cinta noir de los años 40, todo sigue ahí, como si Casablanca se hubiera colado y actualizado en una página de cómic. Hay persecuciones que parecen salidas de un storyboard de ‘Sin City’ mezclado con ‘Speed Racer’, y escenas donde los personajes rompen la cuarta pared con tanta frescura que uno espera que el Señor Serpiente se siente contigo en el sofá y te pase unas palomitas.

La animación en 3D es un espectáculo por sí sola: estilizada, vibrante, con un ritmo que no deja que el ojo parpadee demasiado. Cada movimiento es una viñeta animada, y cada plano tiene ese toque que le da identidad propia a la saga. Lejos de acomodarse, el film demuestra que el medio animado es terreno fértil para propuestas que mezclan lo clásico con lo moderno. Es por eso que pasamos de la tradicional caja fuerte a conocer a un magnate que es una evidente burla a los Musk y Bezos.

En el corazón de la historia está el mensaje de siempre, el que esgrimían películas como ‘Shrek’ o ‘Monstruos contra alienígenas’, pero con otro envoltorio: las segundas oportunidades, los prejuicios sociales y esa eterna lucha por cambiar, aunque el mundo siga viendo tus orejas de lobo. Evidentemente es una película para el mercado infantil y juvenil y la moraleja está presente y evidente durante toda la cinta, no hay margen para la sorpresa ni trata con condescendencia al espectador. Se nota en el planteamiento del guión que además de pretender frescura las cartas están bocarriba y no se busca la sorpresa fácil. Como en toda secuela animada aparecen nuevos personajes que igualmente van a la cara y no esgrimen argumentos rebozados de tópicos, sino que nos golpean continuamente con recursos originales, patente sobre todo en su resolución final.

Por mucho que los protagonistas de ‘Los tipos malos 2’ se reformen, la banda sigue disfrutando de sus aventuras, conduciendo a toda mecha y salvando el día como si fueran un cruce entre James Bond y Robin Hood con licencia para romper cosas. Casualidad o no la moraleja es similar a la de Shrek y con ‘Los tipos malos 2’ nos acercamos peligrosamente al mismo resultado que el de la saga ‘Fast & Furious’. Ambas franquicias también pertenecen a Universal Pictures.

Y para los adultos, Perifel y Sans no se olvidan de dejarnos miguitas de pan en forma de referencias: citas para clásicos como ‘Ghost’ o a los McGuffins de Alfred Hitchcock, una escena en la que el Profesor Mermelada parece poseído por Hannibal Lecter y frases de ‘Arma letal’. Y como confirmación de lo que ya opinamos con la primera entrega, la acción está pensada para aquellos nacidos en los 80 y 90 que han crecido viendo películas como ‘Heat’, ‘Reservoir Dogs’ u ‘Oceans eleven’ o para los que más recientemente han disfrutado con las distintas versiones del ’Escuadrón Suicida’. ‘Los tipos malos 2’ es una secuela que no se limita a repetir la fórmula: la agita, la mezcla con combustible para cohetes y la sirve en un vaso de Martini. Agitada, no revuelta. Y si eso no es cine con estilo, que venga la Señora Tarántula y me haga un gráfico explicativo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2025. Título original: The bad guys 2. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Perifel, JP Sans. Guion: M Pierre Perifel, JP Sans. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Sam Rockwell, Marc Maron, Craig Robinson, Anthony Ramos, Awkwafina, Danielle Brooks, Zazie Beetz, Maria Bakalova, Natasha Lyonne. Producción: DreamWorks, Scholastic Entertaiment, Universal Pictures. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, aventuras. Web oficial: https://www.dreamworks.com/movies/the-bad-guys-2