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Crítica: ‘The goldfinger’

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Sinopsis

Se descubre una conspiración criminal cuando la bolsa se desploma.

Crítica

Thriller de aspecto elegante con bastante poca emoción y acción

Al igual que con ‘Twilight of the Warriors: walled in’ nos encontramos ante una historia de mafias y en una época en la que el Imperio Británico aún escribía la historia de Hong Kong. En esta ocasión la atmósfera ochentera cargada de colores pardos y grises es mucho más agradable aunque la trama no está exenta de criminalidad.

‘The goldfinger’ intenta desarrollar una trama sobre negociantes, a veces incluso con técnicas de montaje e imagen que le hemos visto a Guy Ritchie, pero no consigue captar nuestro interés, sobre todo porque la película ha sido proyectada en el Festival de Sitges de cine fantástico y en ‘The goldfinger’ ese género brilla por su ausencia. La película consiste en la investigación policíaca y sus interrogatorios repletos de flashbacks sobre una multinacional china bautizada como Carmen Century Group (si, no es cosa de la traducción, aparece así en la versión original). Una banca rota, un líder de dudosa ética y orígenes financieros… Básicamente es un thriler de aspecto elegante con bastante poca emoción y acción.

Aunque Lau y Leung son actores de gran calibre y esta es una anunciadísima colaboración para los espectadores chinos, el guion plano no les ofrece desafíos, lo que los lleva a interpretar sus papeles de manera casi automática. ‘The Goldfinger’ tiene poca chicha en muchos aspectos, se percibe como un intento de imitación costoso del estilo norteamericano y aunque no carece de habilidad técnica o monetaria si está huérfana de ideas sugerentes o por lo menos diferentes a las habituales. Intenta impresionar con una mezcla de estilos cinematográficos y montajes musicales intercalados, buscando que su mezcolanza visual y multitud de personajes se perciba como intensidad dramática. En lugar de eso, se asemeja a una versión fallida de ‘El lobo de Wall Street’ y similares, careciendo de la confianza narrativa y cinematográfica necesaria para tener éxito.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jin shou zhi. Duración: 125 min. País: China. Dirección: Felix Chong. Guion: Felix Chong. Música: Day Tai. Fotografía: Anthony Pun. Reparto principal: Tony Leung, Andy Lau, Charlene Choi. Producción: 2898, Emperor Motion Pictures. Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://www.emp.hk/en/production/recent-hits/the-goldfinger

Crítica: ‘Arcadian’

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Sinopsis

En un futuro cercano, Paul y sus hijos Thomas y Joseph viven tranquilos de día y atormentados de noche por feroces criaturas que devoran a los vivos. Un día, Thomas no regresa antes del anochecer, y Paul sale de su granja fortificada para buscarlo. Al encontrarlo, Paul descubre que está gravemente herido. A partir de ahí, los hermanos deberán utilizar todo lo que su padre les ha enseñado para sobrevivir durante la noche

Crítica

Nicolas Cage siempre es un acierto y ‘Arcadian’ no defrauda.

‘Arcadian’ nos lleva a un futuro en el que las pocas personas que aun viven, se centran en intentar no morir por las noches a manos de unas terribles criaturas.

Paul, Joseph y Thomas, son una familia que pese a sus diferencias conviven unidos para paliar los desperfectos que van ocurriendo noche tras noche y así poder mantenerse con vida.

La película es bastante sencilla. Nos muestra el día a día de estos tres hombres y cómo intentan sobrellevar como pueden la terrible situación que les ha tocado vivir. El ritmo es pausado, pero cuando la acción llega no deja respirar.

Benjamin Brewer es el encargado de dirigir ‘Arcadian’ y de nuevo cuenta con Nicolas Cage, después de haber trabajado con él en ‘Policías corruptos’.

En este papel, el actor está muy contenido, dando vida al padre de familia obsesionado en enseñar a sus hijos como resistir. Y, sobre todo, intentando que comprendan que deben de trabajar juntos y ayudarse mutuamente.

Jaeden Martell y Maxwell Jenkins, son los encargados de dar vida a sus hijos. Unos chicos un tanto complicados que harán que las cosas que pongan bastante complicadas para los tres. En el reparto también encontramos a Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon y Joel Gillman.

Aunque la película es un poco típica, me ha gustado mucho. La atmósfera oscura que tiene, esa suciedad que nos muestra por todos lados de un mundo en el que las personas continúan simplemente por inercia. También el trasfondo familiar, que unidos somos más.

Las criaturas que vemos, si las llegamos a ver unas cuantas veces, son muy originales, dan bastante grima. Se puede venir a la cabeza ‘Critters’, por cosas que hacen, pero sin duda lo que me ha hecho explotar la cabeza es que están basadas en Goofy, si, en ese perro encantador de Disney. Mas específicamente a un episodio fe la película de Goofy en la que su hijo sueña que se transforma en su padre. Después de saber esto, sí que bueno, salvando mucho las distancias, hay unos gestos que realizan estas criaturas que pueden recordar.

Como he comentado, aunque ‘Arcadian’ no tiene nada de original, no defrauda, entretiene y sin duda deja con muy buen sabor de boca. 

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024 (alquiler movistar). Título original: Arcadian. Duración: 92 min. País: Dirección: Benjamin Brewer. Guion: Mike Nilon. Música: Kristin Gundred y Josh Martin. Fotografía: Frank Mobilio. Reparto principal: Nicolas Cage, Jaeden Martell, Maxwell Jenkins, Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon, Joel Gillman. Producción: Aperture Media Partners, Highland Film Group, Redline Entertainment, Saturn Films. Distribución: Key2Media. Género: Terror. Web oficial: https://www.imdb.com/title/tt22939186/?ref_=ttfc_fc_tt

Crítica: ‘The Umbrella Fairy’

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Sinopsis

Qingdai, un hada real del paraguas, se embarca en un viaje con un joven artesano para evitar la guerra tras fracasar en su intento de proteger a un vengativo hada de la espada que escapa del pabellón real.

Crítica

Anime preciosista y fantasioso, como un lienzo chino en movimiento

‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación que, partiendo de la base del manhua (cómic chino) ‘San shaonü meng tan’, escrito por Zuo Xiaoling, ilustrado por Wei Ying y distribuido a través de NetEase, transporta al espectador a un universo mágico y visualmente impresionante. Esta historia sigue las aventuras de un hada guardiana que se ve obligada a abandonar su puesto para buscar a una malvada hada que busca venganza. Aunque la premisa de la película puede sonar convencional, es su presentación estética y su enfoque cultural lo que la distingue en el amplio panorama del cine de animación.

La película es un cuento que alterna entre lo mojigato, lo ingenioso y, en ocasiones, lo poético. Su trama, aunque predecible en ciertos puntos, logra cautivar por los pequeños detalles que se van revelando en el camino. La dualidad entre las dos hadas —la guardiana que representa la protección y el deber, y la malvada hada impulsada por la venganza— es un contraste que, aunque no particularmente innovador, está bien ejecutado y sostenido por una atmósfera que logra capturar la esencia de las narrativas clásicas de fantasía china.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The Umbrella Fairy’ es su animación. La película respeta las raíces del arte clásico asiático de la animación, fusionando técnicas digitales con un estilo visual que recuerda a las tradiciones pictóricas chinas. Los fondos están adornados con una exquisita atención al detalle, cada escena parece un lienzo donde los colores vibran y los elementos naturales cobran vida. Aunque se podría argumentar que en ciertos momentos la película peca de sobrecargar visualmente las escenas, esto también forma parte de su encanto. Todo está muy ornamentado, evocando una estética palaciega y mágica que cautiva desde el primer instante.

En cuanto a los personajes, están diseñados con un estilo «kawaii» que, a pesar de ser una palabra asociada comúnmente con la cultura japonesa, se adapta perfectamente a la descripción de estos simpáticos y fantasiosos seres. Los protagonistas y secundarios tienen un encanto que, aunque a veces se siente algo superficial, logran conectar con el público infantil y familiar. Sin embargo, aquellos que busquen una mayor profundidad en el desarrollo de personajes pueden sentirse decepcionados, ya que muchos de ellos están más definidos por su apariencia visual que por sus motivaciones o complejidad interna.

‘The Umbrella Fairy’ es una película que, aunque no exenta de ciertos clichés en su narrativa, se apoya firmemente en una animación impresionante y un estilo artístico que respeta y celebra las tradiciones visuales asiáticas. Si eres fan de la fantasía oriental y te gustaron films como ‘White Snake’, ‘Big Fish & Begonia’ o ‘La leyenda de Hei’, esta propuesta de Jie Shen te va a chiflar.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: San Shao Nv. Duración: 95 min. País: china. Dirección: Jie Shen. Guion: Min Liu, Ying Wei, Xiaoling Zuo. Producción: Guton Animation Studio, Hangzhou Maoyan Time Machine Pictures, L-key Studio, Maoyan Entertainment, Suzhou Guangyun Unity Culture Media, Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: por determinar. Género: aventuras, fantástico.

Crítica: ‘Escape from the 21st Century’

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Sinopsis

Tres adolescentes elegidos por el destino adquieren la facultad de viajar en el tiempo, veinte años hacia adelante y hacia atrás, con un simple estornudo. El futuro resulta ser aún más deprimente que el presente, pero ellos tienen el poder para cambiarlo

Crítica

Cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento

‘Escape from the 21st Century’ llega con una mezcla de géneros que no teme unir lo absurdo con lo épico. Siguiendo la estela de ‘Todo a la vez en todas partes’, esta película asiática presenta una historia en la que los confusos viajes en el tiempo, las paradojas y el humor se entrelazan en un caos controlado. A pesar de su aparente anarquía narrativa, el filme también intenta reflexionar sobre temas universales, como la importancia de salvar el mundo y a uno mismo. Ambientada en un futuro lejano, en una colonia humana establecida en un planeta en torno a Kepler-160, la historia utiliza la ciencia ficción como un pretexto para recordar que, no importa cuán distantes estemos en tiempo y espacio, los valores como el amor, la amistad y el sacrificio siempre estarán ahí.

Uno de los aspectos más destacables de ‘Escape from the 21st Century’ son sus efectos especiales, que tienen una estética que en España solo tienen un único símil, la películas del cineasta español Javier Fesser. El tono humorístico, absurdo y a veces casi infantil recuerda a las películas de acción real de ‘Mortadelo y Filemón’, en las que la exageración y el slapstick son parte fundamental del lenguaje visual y cómico. La probabilidad de que Fesser esté en la mente del director Li Yang es más remota que el sistema Kepler-160 pero seguro que ambos beben de las mismas fuentes cinéfilas. Además con su imaginación y acción también evoca el estilo de autores japoneses como Hiroya Oku, creador de mangas llenos de fantasía y violencia estilizada, o el director de culto Stephen Chow, conocido por su capacidad para mezclar artes marciales, humor y efectos visuales desmedidos, como en ‘Kung Fu Hustle’, conocida en España como ‘Kung Fu Sion’.

Esta amalgama de referencias hace de ‘Escape from the 21st Century’ una especie de collage cinematográfico. Se siente el espíritu trash ochentero de películas como ‘Turbo Kid’, un film que celebra su bajo presupuesto y abraza lo kitsch, al igual que las películas del prolífico y excéntrico director Takashi Miike, famoso por su capacidad para mezclar géneros y estilos en formas tan dispares como perturbadoras. Hay guiños constantes a la cultura pop occidental y oriental: desde alusiones a Pulp Fiction, al disco más famoso de Nirvana y hasta la elegancia icónica de Audrey Hepburn. La banda sonora, en momentos culminantes, recuerda al estilo jazzístico de ‘Cowboy Bebop’, elevando el clímax emocional y la acción desenfrenada. Incluso el origen de los superpoderes de los personajes parece una réplica directa de la película italiana ‘Le llamaban Jeeg Robot’, subrayando las múltiples influencias que la cinta asume sin complejos.

Sin embargo, a pesar de este despliegue de creatividad, la película no está exenta de pegas. Lo que comienza como una frenética explosión de ideas y originalidad se frena abruptamente durante su nudo. El segundo acto abandona sus excentricidades para centrarse en el drama de sus protagonistas, intentando darles una mayor profundidad emocional. Pero este cambio de tono es torpe, provocando que el filme se sienta adormecido en comparación con su caótico primer acto. La desenfrenada energía millenial, que venía cargada de efectos visuales propios de filtros de redes sociales o de la dinámica de ‘Scott Pilgrim’, se diluye a medida que la trama intenta volverse más introspectiva, algo que podría decepcionar a quienes disfruten más del caos visual y la acción desbordada. Se intenta recuperar el ritmo al final pero no puede evitar cerrar con el arquetípico enfrentamiento ante el final boss.

Siguiendo el ejemplo del humor del filme he de decir que si sois de los que se han hecho prejuiciosos a raíz de la COVID-19 y os da miedo ver a un chino estornudar, esta película va a cambiar ese injusto estigma que se ha creado. Es un tipo de cine más que actual y capaz de competir en cualquier taquilla. Es un cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Cong 21 Shi Ji an Quan Che Li. Duración: 98 min. País: China. Dirección: Li Yang.  Guion: Li Yang. Música: Xiao’ou Hu. Fotografía: Saba Mazloum. Reparto principal: Ruoyun Zhang, Elane Zhong, Yang Song, Xiaoliang Wu, Yanmanzi Zhu, Leon Lee. Producción: Beijing Enlight Pictures, Desen International Media, Huanxi Media Group, Scity Films. Distribución: YouPlanet, Prime Video. Género: aventura, ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.ewang.com/m/218449-1.html

Crítica: ‘Oddity’

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Sinopsis

Descubriendo la verdad tras la muerte de la hermana con la ayuda de un maniquí de madera.

Crítica

La capacidad de McCarthy para crear atmósferas inquietantes no es nada casual

Damian McCarthy, el director irlandés emergente conocido por su inquietante ópera prima ‘Caveat’, regresa con ‘Oddity’, una película que demuestra que su capacidad para crear atmósferas perturbadoras y originales no es nada casual. Con su primer largometraje, McCarthy dejó una impresión duradera en el Festival de Sitges 2021, y ‘Oddity’ no solo mantiene el nivel, sino que amplía su repertorio con una mezcla intrigante de suspense y terror que explora temas profundos y universales.

‘Oddity’ es un thriller psicológico que se adentra en el mundo del sobrenatural a través de los sentidos de una protagonista ciega, quien posee una habilidad extraordinaria: puede percibir la esencia de los objetos mediante el tacto. Esta habilidad la convierte en un canal para la comunicación con entidades del más allá y añade una dimensión única al clásico enfoque del terror basado en objetos inanimados, un recurso que McCarthy ya había manejado con maestría en su debut y que aquí rememora al Golem de Praga e incluso a películas de brujería o vudú. En esta ocasión, el director refuerza su habilidad para crear una atmósfera densa y perturbadora, utilizando el espacio físico y los objetos como vehículos de horror.

La trama se desarrolla en un entorno aislado, una elección que McCarthy utiliza nuevamente para intensificar el suspense. Este aislamiento no solo sirve para incrementar el sentido de claustrofobia, sino que también actúa como un catalizador para los eventos sobrenaturales que comienzan a desvelarse a medida que la protagonista explora su entorno e indaga sobre la muerte de su hermana. La película toma el tiempo necesario para desarrollar su historia, dosificando la información de manera efectiva y construyendo una tensión que mantiene al espectador en constante expectativa. Este enfoque en la narrativa es crucial para crear una experiencia envolvente y auténticamente inquietante.

‘Oddity’ no es solo un ejercicio de estilo; también aborda temas profundos como el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad. La protagonista se enfrenta a su propio tormento interno mientras lidia con la pérdida y busca respuestas en un mundo que le es tanto familiar como extraño. McCarthy emplea elementos sobrenaturales no solo para provocar miedo, sino también para explorar estos temas con profundidad y sensibilidad. La combinación de estos elementos proporciona una narrativa rica y multifacética que añade peso emocional al terror psicológico que se despliega. Esta no es una película con un kill count alto pero aún así la muerte está presente.

Un aspecto que merece especial atención es la manera en que McCarthy introduce y maneja los jumpscares. En lugar de depender exclusivamente de estos momentos para generar impacto, el director los utiliza con astucia y originalidad. Los jumpscares en ‘Oddity’ son ingeniosos y bien fundamentados dentro del contexto de la historia, evitando la sensación de ser simplemente una táctica para sobresaltar al público sin una conexión con el desarrollo narrativo. Esto demuestra una madurez en la dirección y una comprensión profunda del arte del terror.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Oddity. Duración: 98 min. País: Irlanda. Dirección: Damian McCarthy. Guion: Damian McCarthy. Música: Richard G. Mitchell. Fotografía: Colm Hogan. Reparto principal: Gwilym Lee, Carolyn Bracken, Tadhg Murphy, Caroline Menton, Steve Wall. Producción: Keeper Pictures, Nowhere, Shudder. Distribución: Versión Digital, Yoda Films. Género: terror. Web oficial: https://keeperpictures.ie/productions/oddity/

Crítica: ‘Exhuma’

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Sinopsis

La famosa chamana Hwa-rim y su protegido Bong-gil reciben una gran suma de dinero para reunirse con los descendientes de una familia afectada por una enfermedad peculiar y hablar de sus ritos funerarios. Al percibir el aura siniestra que rodea al nicho familiar, Hwa-rim propone trasladar la tumba, iniciando una peligrosa cadena de eventos sobrenaturales. Terror coreano de calidad con Choi Min-sik (Old Boy) en un papel destacado.

Crítica

Inquietante e interesante 

Una familia atormentada por una extraña enfermedad, contrata a la famosa chamana Hwa-rim y su discípulo para intentar llegar al fondo de todo lo que les está ocurriendo. Todo parece estar relacionado con el enterramiento de un antepasado. Así que deberán desenterrar una tumba e intentar calmar a los espírituos.

‘Exhuma’ está dividida en varios episodios, cada uno de ellos, aunque sigue la historia, nos va contando poco a poco las distintas situaciones de todos los personajes que vamos conociendo. Esto logra que no perdamos el interés de lo que estamos viendo en ningún momento. La cinta atrapa desde el primer minuto.

Encontramos una atmósfera muy bien construida. Oscura, misteriosa, llena de pequeños detalles que nos adentran en el imaginario coreano. Los personajes son bastante planos, pienso que es algo hecho a propósito pues con ellos se logra que lo que nos importe más es lo que nos están contando, que nos fijemos en esos elementos importantes, en los eventos sobrenaturales que van ocurriendo y que no nos distraigan con dramas innecesarios.

Como he comentado, parte de la mitología oriental está en la película. Podemos ver alguna que otra ceremonia chamán para lograr que los malos espíritus se marchen y también vemos alguna que otra criatura, como es el caso de la eopshin, que logra crear bastante malestar cuando es vista.

Jang Jae-Hyun, consigue una película entretenida, pese a su larga duración. Lo que nos cuenta es muy interesante y no llega a perder fuera en ningún momento. Es un acierto el que la vaya dividiendo en pequeños capítuos para conseguir un efecto más dinámico.

En el reparto encontramos al mítico Choi Min-Sik, protagonista de ‘Oldboy’, que nos regala una de las mejores actuaciones de la película, con un personaje muy bien construido. Kim Go-eun, es la encargada de dar vida a la chamana, un personaje muy serio y que tiene mucho trabajo por delante.

Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul o Kim Tae-joon, son parte del reparto de esta gran película.

Ya sabéis que el tema de la fotografía me encanta y sin duda es uno de los puntos fuertes de esta película, Lee Mo-gae, es el que se encarga de todas estas imágenes oscuras, llenas de misterio, con unos colores tenues y bastante deprimentes.

También el sonido es muy importante en ‘Exhuma’. La manera de utilizarlo para mantenernos en tensión es muy buena y sobre todo cuando hacen los rituales, con los tambores, los cánticos, todo ello hace que tengamos cierta tensión en lo que se viene en cuanto acabe la ceremonia.

Poco más que decir, la verdad que la película la he disfrutado mucho y pronto llegará a nuestras salas de cine gracias a Youplanet. 

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Pamyo. Duración: 134 min. País: Corea del Sur. Dirección: Jang Jae-hyun. Guion: Jang Jae-hyun. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Lee Mo-gae. Reparto principal: Kim Go-eun, Choi Min-sik, Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Derek Chouinard, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul, Kim Tae-joon. Producción: Showbox Entertainment, MCMC, Pinetown Production. Distribución: Youplanet. Género: Thriller. Web oficial: https://exhuma.de/

Crítica: ‘Spermageddon’

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Sinopsis

Spermageddon es la nueva película de Tommy Wirkola, responsable de éxitos tan irreverentes como Zombis nazis o Noche de paz. En esta ocasión, se ha unido al director de animación Rasmus A. Sivertsen para dar forma a una comedia musical protagonizada por espermatozoides que fue recibida con aplausos en el Festival de Annecy.

Crítica

Un ‘Del revés’ a lo irreverente y pervertido

La mezcla que vivimos con ‘La fiesta de las salchichas’, animación simpaticona desfigurada con diálogos y acción bastante subida de tono, funcionó la mar de bien. No fue el primer ejemplo de ese estilo que tuvimos y no será el último. Ahora Tommy Wirkola, director de ‘Zombies nazis’ o ‘Noche de paz’, se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.

Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que ‘Spermageddon’ funciona como una versión retorcida de ‘Érase una vez el cuerpo humano’ acompañada de momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a títulos como ‘El chip prodigioso’ y por su humor o la manera de establecer una civilización dentro de nuestros cuerpos, al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la perversión y la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.

Vivimos la aventura veraniega y calenturienta de dos protagonistas, un humano y un miembro microscópico de su cuerpo. Un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Con internet y la cantidad de estímulos audiovisuales sin censura que nos llegan, a las generaciones actuales casi les sobra “la charla”. Por eso surgen este tipo de películas que sin mojigatería y con mucho descaro narran esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Evidentemente ‘Spermageddon’ está lejos de ser una clase de educación sexual con todos sus momentos escatológicos y chistes verdes que lejos de la metáfora son tremendamente explícitos. Literalmente es para decir ¿¡qué cojones!?

No la recomendamos ver en su versión original, sobre todo por las canciones. Curiosamente el nombre de los personajes se forma a través de juegos de palabras en inglés con términos como cum, semen o jizz. Pero la sonoridad del lenguaje nórdico resta gracia a los muchos gags de los que dispone.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de julio de 2025. Título original: Spermageddon. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Rasmus A. Sivertsen, Tommy Wirkola. Guion: Vegar Hoel, Jesper Sundnes, Tommy Wirkola. Música: Christian Wibe. Reparto principal: Producción: 74 Entertainment, Qvisten Animation. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.qvisten.no/work/spermageddon/

Crítica: ‘Apartamento 7 A’

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Sinopsis

Cuando una joven bailarina (Garner) sufre una lesión devastadora, se ve atraída por fuerzas oscuras cuando una pareja mayor, peculiar y bien conectada, le promete una oportunidad de fama

Crítica

Una gran precuela que hará que muchos descubran la gran obra de Polansky

Natalie Erika James, directora de ‘The Relic’, se adentra en el universo de Ira Levin, autora de ‘El bebé de Rosmery’ y realiza una precuela directa y oficial de ‘La semilla del diablo’ de Roman Polansky.

Este año, debe ser el año de las precuelas, pues ya tuvimos la de ‘La profecía’ eso sí, al menos para mi gusto, con mucho peor resultado que esta de la que os voy ha hablar ahora mismo.

La joven directora ya demostró en su día que sabe perfectamente crear atmósferas bien tenebrosas y llenas de misterio. Aun sabiendo lo que nos vamos a encontrar, sin realmente contarnos nada nuevo, logra que no podamos apartar la vista de la pantalla y que disfrutemos de cada minuto de ‘Apartamento 7 A’.

La historia es sencilla, una bailarina, con una terrible mala suerte, pasa por una mala racha que la hace llegar a un punto de lo que parece no retorno. En un día en el que se desmaya en la calle, es recogida por una pareja de ancianos y directamente se encargan que a partir de ese momento no le falte de nada. Pero como siempre, sus intenciones no son lo que ella espera.

Si habéis visto ‘La semilla del diablo’ no vais a tener sorpresa ninguna, simplemente una película que se disfruta mucho, pero de la que paso a paso iréis descubriendo todo. Pero pienso, que esta precuela va dirigida a los nuevos cinéfilos que aun no han visto la cinta de Roman Polansky y con esto descubrirán una de las joyas del cine de terror de todos los años.

‘Apartamento 7 A’ rescata bastante bien el espíritu de la primera. El terror de ese edificio con sus oscuros pasillos y sus enormes pisos, y por supuesto con sus misteriosos inquilinos. Unos vecinos que se conocen entre todos y que siempre están para ayudar a la joven Terry con sus problemas.

Me encantan los planos que realiza Natalie Erica James, muy cercanos y otros bastante generales con los que juega con las luces y los colores para que no perdamos detalle de nada de lo que está ocurriendo. La puesta en escena es muy artística, estamos hablando de una bailarina y la verdad que juega mucho con el tema de los escenarios, las luces y los vestuarios. Tiene un pequeño homenaje, o al menos así lo he querido ver, hacia ‘Suspiria’ de Luca Guadagnino, no voy a decir que, pero si habéis visto la película del italiano sabréis que es.

Julia Garner, es la encargada de dar vida a Terry, esta bailarina arrastrada a la tristeza y a la desesperación por culpa de que sus sueños están a punto de terminar. A su vez, también nos muestra una mujer fuerte que no se rinde nunca. Está increíble, la película al final es ella y solo con sus gestos, su manera de andar y mirar logra muchísimo.

Junto a ella tenemos a Dianne Wiest y Kevin McNally, dando vida al matrimonio Castevet, que por supuesto, ya aparece en ‘La Semilla del Diablo’. Ambos están bastante correctos y la verdad que su evolución está muy bien trabajada.

Jim Sturgess, Marli Siu, Rosy McEwen, Andrew Buchan, Anton Blake Horowitz, Raphael Sowole, o Tina Gray, son parte del reparto de esta película.

Por ponerle una única pega a la película, es lo que he comentado antes, que realmente no cuenta nada nuevo, tampoco indaga demasiado en esos inquilinos, sabemos quienes son, lo que hacen, pero si que podría haber intentado contarnos algo diferente o ampliar algo su historia.

Pero en general ‘Apartamento 7 A’ me ha parecido una buena película, que recomiendo mucho, hayáis o no, visto su secuela.

 Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Apartament 7 A. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James, Skylar James, Christian White. Música: Isobel Waller-Bridge. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Julia Garner, Dianne Wiest, Kevin McNally, Marli Siu, Nikkita Chadha, Julia Westcott-Hutton, Amy Leeson, Raphael Sowole, Scott Hume, Sean Browne. Producción: Platinum Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount +. Género: Terror. Web oficial:

Crítica: ‘Infinite Summer’

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Durante las vacaciones de verano, Mia y sus amigas prueban una app para meditar que produce experiencias psicodélicas. La investigación policial revela que detrás de la app hay una empresa fantasma, de intenciones desconocidas. Cuando una de las chicas acaba en el hospital y la otra escapa de milagro, Mia se enfrenta a la disyuntiva entre salvar a sus amigas y confesarse ante la policía o unirse a ellas en un viaje hacia lo desconocido.

Crítica

Reflexión visual y filosófica al borde del transhumanismo

‘Infinite Summer’ es una película dirigida por Miguel Llansó, un cineasta conocido en ciertos círculos por su batiburrillo de película ‘Jesus Shows You the Way to the Highway’ en la que muestra su capacidad para fusionar elementos surrealistas y sociales. Se adentra en una visión juvenil y enigmática del futuro cercano, explorando temas de alienación y existencia a través de una narrativa visualmente deslumbrante pero conceptualmente desafiante.

La trama de ‘Infinite Summer’ nos presenta un futuro no tan lejano donde convivimos con las inteligencias artificiales y la realidad aumentada como herramientas de primera necesidad y cotidianidad. La historia sigue a una protagonista (Teele Kaljuvee-O’Brock) que se encuentra pasando el verano con dos amigas, intuimos que los últimos coletazos de las vacaciones pues se cuentan sus viajes recientes. En ese escenario vemos como anhela la atención de una de sus amigas, de la cual, solo recibe el vacío y diversos feos. Llansó emplea esta premisa para ofrecer una crítica aguda de nuestra cada vez más alarmante dependencia de la tecnología, los deseos de la adolescencia y nuestra incapacidad para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. De este modo se alinea con la ciencia ficción cyberpunk, prácticamente transhumanista.

Uno de los aspectos más destacados de la cinta es su enfoque visual. Llansó y su equipo creativo han trabajado para construir un ambiente visualmente impresionante que refleja la naturaleza surrealista y frecuentemente psicotrópica del relato. El uso de colores vibrantes, composiciones abstractas y efectos tecnológicos llamativos crea una atmósfera única que refuerza el tono. Este estilo visual no solo enriquece la experiencia estética, sino que también sirve para sumergir al espectador en el estado mental de la protagonista, un verano interminable que podría ser reflejo de su propia desesperación.

El guion de ‘Infinite Summer’ es otro punto focal interesante. Llansó combina diferentes tipos de diálogos, en cierta medida introspectivos, para explorar temas complejos como la identidad o la búsqueda de sentido en la vida. Sin embargo, este enfoque filosófico puede ser un arma de doble filo. Aunque ofrece una reflexión profunda sobre la condición humana, también puede resultar inaccesible para algunos espectadores que buscan una narrativa más lineal o directa. La película se adentra en un terreno abstracto y conceptual, lo que puede desafiar la paciencia de quienes prefieren tramas más convencionales.

En términos de ritmo, la película puede sentirse lenta en algunos momentos. La duración prolongada de las escenas introspectivas puede llevar a una sensación de estancamiento. No obstante, para los espectadores dispuestos a embarcarse en este viaje visual y filosófico, ‘Infinite Summer’ ofrece una experiencia cinematográfica única que desafía las normas del género y la narrativa convencional. En mi opinión personal la película se resume en diversas reflexiones antropológicas que interpreto que giran ante la evidencia de que la mayoría no busca espacio o no tiene capacidad para meditar por si mismo. Es patente que dejamos que la presión social, y lo que es peor, las apps y los dispositivos nos digan como sentirnos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Infinite Summer. Duración: 90 min. País: Estonia, España. Dirección: Miguel Llansó. Guion: Miguel Llansó. Música: Laurie Spiegel. Fotografía: Israel Seoane. Reparto principal: Teele Kaljuvee-O’Brock, Hannah Gross, Johanna Rosin, Ciaron Davis. Producción: Lanzadera Films, Tallifornia, Savage Rose Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.lanzaderafilms.com/Infinite-Summer

Crítica: ‘La sustancia’

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Sinopsis

¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Tú. Solo que mejor en todos los sentidos.

Tienes que probar este nuevo producto. Se llama La Sustancia.

Genera otra tú. Una nueva tú, más joven, más bella, más perfecta.

Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?

Si respetas el equilibrio… ¿Qué podría salir mal?

Crítica

Bofetada embadurnada de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi y lo más viscoso de Cronenberg

‘La sustancia’ es una película que ha suscitado múltiples reacciones desde su proyección en festivales, y no es para menos, ya que se trata de un thriller de terror y ciencia ficción que, además de sus impactantes escenas visuales, carga con una crítica social profunda. Inicialmente podría haber sido la última película protagonizada por Ray Liotta, pero su inesperada muerte dio lugar al fichaje Dennis Quaid, quien se encargó finalmente de asumir este trabajo, de una manera desatada, he de decir. Sin embargo, más allá de las circunstancias que rodearon su producción, ‘La sustancia’ destaca por su protagonismo femenino y se revela como una reflexión sobre la industria de la imagen y su implacable tratamiento hacia las mujeres que sobrepasan cierta edad. Y aunque ese alegato en contra del olvido que sufren las estrellas femeninas es el eje que vertebra el filme, ‘La sustancia’ funciona también como hipérbole hacia la presión de los cánones estéticos promovidos por las redes sociales.

Una de las claves para entender el género en el que se mueve ‘La sustancia’ es su conexión con la película de culto de serie B, ‘Rejuvenatrix’ de Brian Thomas Jones. Aunque no se trata de un remake oficial, las similitudes temáticas son claras: ambas películas exploran la obsesión con la juventud eterna y las terribles consecuencias mentales que pueden derivarse de ello. Aunque hay un atajo a través de la química no estamos hablando de la obsesión de dos mujeres por ser jóvenes como aquella exploración que llevó a cabo en clave de comedia Robert Zemeckis con ‘La muerte os sienta tan bien’. Si que podemos hablar de una «traición» de la ciencia al estilo ‘La mosca’. Estamos ante una crítica social más agresiva que también tiene algún cruce temático con otra película de Cronenberg como ‘Rabid’. El filme no solo juega con el terror corporal, sino que utiliza la transformación física de sus personajes como una metáfora de algo mucho más oscuro: el miedo, especialmente en la industria de Hollywood, a envejecer, y más específicamente, el temor de las mujeres a ser desplazadas y olvidadas simplemente por no cumplir con los estándares de belleza y juventud. Está repleta de momentos cargados de un erotismo provocador y de ese modo se alza como una bofetada cruda en toda la cara que muta de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi a lo más viscoso del ya citado Cronenberg.

El personaje central, interpretado con notable vulnerabilidad gracias al talento de Demi Moore en tándem con Margaret Qualley, refleja esta angustia de manera devastadora. Su lucha por preservar su apariencia joven a través de medios extremos y peligrosos no es solo un símbolo del horror, sino también una representación real de las expectativas inhumanas que muchas mujeres enfrentan en la industria. Son argumentos heredados de la cultura falocentrista que la directora Coralie Fargeat ya exploraba en ‘Revenge’, pero en esta ocasión se desarrollan con mucho más acierto y crudeza.

Comentaba que el filme tiene algo de Benny Benassi y es que nos adentramos en un mundo de completa belleza plástica. En cuanto al apartado visual, ‘La sustancia’ se apega a muchos de los tropos característicos del cine de terror de serie B. Sus efectos especiales, aunque efectivos en términos de generar horror, no se alejan demasiado de lo que esperaríamos de una producción de este calibre. No obstante, lo que le otorga un valor adicional es su capacidad para entrelazar este terror físico, la casquería, con una crítica mucho más intelectual y de gran relevancia. Las escenas espeluznantes, en las que la protagonista sufre una metamorfosis grotesca y demencial, no solo apelan al horror visceral, sino que nos obligan a reflexionar sobre los sacrificios absurdos que la sociedad demanda. A muchos españoles les puede recordar a las «iniciativas» de la Pedroche. Si en algo acierta esta película es que en la realidad muchas personas llegarían a los extremos del personaje de Moore si tuviesen al alcance las mismas oportunidades. Es en este punto donde ‘La sustancia’ cobra vida propia, alejándose de ser simplemente una película de terror más. Su capacidad para generar impacto va mucho más allá de los sustos baratos o el gore. La verdadera fuente de terror reside en el mensaje que nos entrega: el miedo que sufre a diario las personas que trabajan con su imagen y son conscientes de la huella del tiempo. En una industria que parece obsesionada con la juventud, las mujeres se ven obligadas a recurrir a medidas extremas para mantenerse vigentes, y en este caso, el terror no solo está en la pantalla, también en nuestras casas, desde las que a diario subimos selfies, vídeos y demás giliflauteces. Es la democratización del miedo a no poder vivir de nuestra joven imagen.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2024. Título original: The Substance. Duración: 140 min. País: Reino Unido. Dirección: Coralie Fargeat. Guion: Coralie Fargeat. Música: Raffertie. Fotografía: Benjamin Kracun. Reparto principal: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Gore Abrams, Tom Morton. Producción: Working Title Films, A Good Story, Blacksmith. Distribución: Elástica Films, Filmin. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-sustancia/

Crítica: ‘Nightwatch: Demons Are Forever’

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Sinopsis

La hija de Martin, Emma, se reúne con Wörmer en su celda de aislamiento, lo que saca al comisario convicto del coma y pone en marcha una cadena de acontecimientos fatídicos.

Crítica

Se ahoga en sus propios fantasmas emocionales

Secuela del título danés de 1994 que también estaba dirigida por Ole Bornedal (‘The Possession: El origen del mal’) y contaba con Nikolaj Coster-Waldau como protagonista. Su hija (Fanny Leander Bornedal, hija también del director) indaga sobre el trágico pasado de este vigilante nocturno, sobre el cual pesa la sombra de la muerte y el crimen.

Ambos se sumergen en una trama en la que se mezclan con los fantasmas interiores con los secretos. Historia de serial killer e imitador. De fetiches y problemas mentales. Sobre todo de dramas y traumas. Esto último ralentiza la trama y la somete a la pesadumbre y la aflicción, lo cual se hace aburrido. ‘Nightwatch: Demons Are Forever’ parte de una premisa interesante, pero se estanca rápidamente en un intento de profundizar en el tormento emocional de sus personajes, lo que acaba entorpeciendo la dinámica narrativa.

Si bien la atmósfera lúgubre y el juego de luces y sombras rememoran los elementos más inquietantes de su predecesora, esta secuela parece no tener claro si quiere ser un thriller psicológico o una película de terror. La mezcla de géneros no es tan fluida como en el original, y eso le resta coherencia al desarrollo de la trama. Los intentos por mantener el suspenso se ven empañados por largas escenas de introspección que, en lugar de generar empatía o conectar con los miedos más profundos de los protagonistas, resultan monótonas y forzadas.

Por otro lado, las actuaciones son dispares. Fanny Leander Bornedal, quien interpreta a la hija del personaje de Coster-Waldau, no logra aportar la fuerza emocional necesaria en su papel, lo que contrasta con la sobriedad del propio Nikolaj, quien retoma su rol con más eficacia. La química entre ambos personajes, crucial para sostener la carga emocional de la historia, se siente débil y no alcanza el peso que la película necesita para involucrar al espectador.

La historia de ‘Nightwatch 2’ cuenta con algún que otro giro que dispuesto dentro de otra narrativa más ágil habría sido interesante, pero se presenta de manera predecible y sin el impacto necesario. Incluso los elementos truculentos, que deberían haber sido una herramienta poderosa para intensificar el miedo y el misterio, se sienten desaprovechados, relegados a meros sobresatos puntuales que no logran sostener la tensión. Por lo menos es conclusiva y no promete tercera.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre e 2024. Título original: Nattevagten – dæmoner går i arv. Duración: 110 min. País: Dinamarca. Dirección: Ole Bornedal. Guion: Ole Bornedal. Música: Ceiri Torjussen. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Kim Bodnia, Fanny Bornedal. Producción: Nordisk Film Production. Distribución: Filmax, Divisa Films. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.nordiskfilm.com/business-areas-0/nordisk-film-production

Crítica: ‘Twilight of the Warriors: Walled In’

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Sinopsis

En los años ochenta, el único lugar de Hong Kong donde no se aplicaba la ley británica era la temida Ciudad Amurallada de Kowloon, un enclave entregado a las bandas y al tráfico de todo tipo. Huyendo del poderoso jefe de las tríadas Mr. Big, un inmmigrante ilegal se refugia en Kowloon City, donde es acogido bajo la protección de Ciclón, su líder.

Crítica

Una curiosa aberración histórica a través de una vibrante acción fantasiosa

Basada en ‘City of Darkness’, la obra de Li Jun, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ nos recuerda una de las mayores aberraciones creadas por el hombre a partir de las crisis humanitarias, los abusos de poder y la construcción desmedida. Hablamos de Kowloon, una ciudad de unos mil años de antigüedad que alcanzó su cúspide y a la vez miseria en la segunda mitad del siglo XX. Llegó a acoger a más de 50.000 personas y se encontraba dentro del Hong Kong británico pero no formaba parte ni de la colonia ni del gobierno chino. Tierra de nadie, refugio de delincuentes, de refugiados indocumentados o de simplemente humildes trabajadores sin recursos.

Para horror de los partidarios de los rodajes sostenibles, para rodar la película supuestamente hicieron una réplica a escala real que después demolieron. Este lugar que estaba limitado en cuanto a lo horizontal por los territorios colindantes y en lo vertical por el espacio aéreo, es el escenario para una película de artes marciales místicas y mafiosos. Emigrantes, bandas criminales emergentes, luchas de poder, un joven adentrándose en un agujero de delincuentes y venganzas enquistadas… Casi parece que hablamos de ‘Gangs of New York’ pero la película de Soi Cheang tiene un carácter diferente. La ciudad aparece retratada también como una verdadera aberración humana hecha a retales pero el toque oriental le da dos importantes rasgos de diferenciación.

Por un lado la fotografía logra crear imágenes que parecen sacadas de una película de terror japonés (J-Horror), con sombras densas, callejones opresivos y multitud de detalles mugrientos que transforman a Kowloon en un personaje tan aterrador como cualquier villano. Por otro está el género, la acción. El filme no es de estos que den poco descanso al espectador y a su protagonista, pero cuando vemos acción la cosa se pone vertiginosa. Soi Cheang ha optado por secuencias acrobáticas que bien se podrían haber amoldado como herederas al cine del hongkonés Jackie Chan. Pero va más allá, entrando en el terreno de lo fantasioso y a muchos les va a rememorar a las películas de Jet Li o a las del también hongkonés Chow Yun-Fat, donde las coreografías sobrepasan lo imposible. Este extremismo tiene un doble filo: mientras mantiene al espectador entretenido, también socava cualquier intento de realismo o conexión emocional más profunda. Pero si sabes a lo que vas, a la acción sin límites, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ no te decepcionará.

El filme puede servir para dar a conocer a la estrella china Raymond Lam, sobre todo si se culmina su aspiración a participar en los Oscar. Quizá habría ganado enteros si hubiese aprovechado su curiosa historia para lanzar algún tipo de mensaje que fuese más allá de la venganza y el poder de los criminales. Lejos de buscar un matiz social a las rencillas que dan pie a esta película no se compromete a explorar nada profundidad. Y por si fuese poco los giros de guión se perciben demasiado fortuitos, a veces casi telenovelescos.

El filme está dedicado a Bruce Yu, cuyo arte y vestuario conoceréis si habéis visto películas como ‘Detective Dee’ o ‘Mulan’ (la china de 2009). No dudo que ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ le habría venido como anillo al dedo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jiu Long cheng zhai · Wei Cheng. Duración: País: Hong Kong. Dirección: Soi Cheang. Guion: Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun, Kwan-Sin Shum. Música: Kenji Kawai. Fotografía: Cheng Siu-Keung. Reparto principal: Raymond Lam, Louis Koo, Sammo Kam-Bo Hung, Richie Jen, Chun-Him Lau, Philip Ng, Tony Tsz-Tung Wu. Producción: Entertaining Power, HG Entertainment Film Company, Lian Ray Pictures, Media Asia Films, One Cool Film Production. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://entertainingpower.com/portfolio-items/twilight-of-the-warriors-walled-in-3/?portfolioID=53

Crítica: ‘El segundo acto’

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Sinopsis

Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está locamente enamorada, a su padre. Pero David no se siente atraído por ella y quiere arrojarla a los brazos de su amigo Willy.

Crítica

Quentin Dupieux es una fuente inagotable de ideas

Si hay un director que ejerce como autor manteniéndose fiel a su estilo en la actualidad ese es Quentin Dupieux. Caracteriza su cine una mezcla de lo ridículo y lo ingenioso. Pero siempre procura innovar de alguna manera. Con ‘El segundo acto’ incorpora alguna escena cruda y momentos satíricos que nos hacen pensar que se acerca al estilo de Lanthimos pero sin olvidar que lo suyo es el absurdo.

‘El segundo acto’ es una comedia surrealista en la que Quentin Dupieux sigue fiel no solo a su estilo peculiar, sino también a algo que viene haciendo en los últimos estrenos con películas como ‘Daaaaaali!’ o ‘Fumar provoca tos’, que viene a ser ofrecernos una narrativa con giros inesperados y montajes desconcertantes. En esta ocasión la baza que juega el director y DJ francés es la de mezclar realidad con ficción, lo cotidiano con lo irracional.

Nos presenta primero a un hombre agobiado y estresado para posteriormente dejarle en el banquillo. Nos lleva a continuación por una trama compuesta solo por cuatro personaje que se antoja la mar de sencilla pero que se complica en cuanto a cómo se mezcla lo actoral con lo real. El filme está a medio camino entre lo que buscan los muy cafeteros de Dupieux y lo apropiado para acercarse por primera vez a su cine. Si bien no es una obra para todos los gustos, es un viaje que recompensa a quienes están dispuestos a aceptar el surrealismo como una exploración de lo absurdo en la vida moderna. Puede ser desconcertante para algunos espectadores, ya que el filme desafía las convenciones narrativas y nos invita a sumergirnos en un caos controlado.

Romper la cuarta pared es poco para Dupieux que destruye esquemas atreviéndose además más que nunca con temas actuales que presentan dilemas morales y tecnológicos. ‘El segundo acto’ podría ser un alegato contra aquello que amenaza la espontaneidad y naturalidad de lo humano. Quizá, como argumentación en favor del trabajo que cuesta hacer una película a mano y sin herramientas como la IAs (aunque este genio hace dos al año) ha dejado unos peculiares créditos.

La película tiene momentos de pura brillantez cómica, aunque también puede sentirse tragicómica por lo que les pasa a algunos personajes. ‘El segundo acto’ destaca por su capacidad de sorprender constantemente. Será un reto para algunos espectadores y sin duda lo ha sido para los actores. El filme dispone de varios planos secuencias, que no tienen mérito técnico alguno pues se habrán rodado con suma facilidad. Sin embargo, actores de la talla de Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard y Louis Garrel habrán tenido el desafío de aprenderse unas largas línea de texto. Y es que Dupieux también se caracteriza por ser capaz de engancharnos con diálogos largos e incluso redundantes, pero nunca extenuantes.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de enero de 2025. Título original: Le deuxième acte. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard, Louis Garrel, Manuel Guillot. Producción: Chi-Fou-Mi Productions, Arte France Cinéma, Canal+, Netflix, ARTE, Ciné+, Cinéaxe 5, Cofinova 21. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:

Crítica: ‘Joker: folie à deux’

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Sinopsis

Arthur está internado en el psiquiátrico de Arkham en espera de juicio por los crímenes que cometió como Joker. Mientras lucha con su doble personalidad, Arthur no sólo se da de bruces con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.

Crítica

Un caos de capricho musical y desconexión narrativa

‘Joker: Folie à Deux’, la esperada secuela del aclamado filme de 2019 dirigido por Todd Phillips y protagonizado por Joaquin Phoenix, es un experimento cinematográfico que intenta capturar la esencia psicótica y caótica del famoso villano de cómic, algo que se hizo ya en su primera película de orígenes pero en esta ocasión adopta una perspectiva más peculiar y arriesgada. Aunque el resultado es ambicioso y unos pocos de sus elementos son dignos de elogio, tiene fallos que podrían hacer que no conecte con los espectadores.

La elección de abordar esta secuela como un musical es, sin duda, la decisión más arriesgada. Este giro hacia lo musical es interesante, pues refleja el concepto del ‘folie à deux’. El delirio compartido entre dos individuos se expresa de la misma manera que la música es capaz de llevarnos a personas diferentes al mismo estado mental o anímico. Mientras determinadas secuencias musicales logran capturar el desorden psicológico de Joker y Harley Quinn, la mayoría pueden sentirse forzadas y sacan al espectador de la oscura atmósfera que Phillips había establecido en la primera entrega. La transición entre la cruda realidad y el espectáculo musical no siempre es fluida, lo que provoca una desconexión en el tono de ‘Joker 2’. Por no decir que desdibuja la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir. El recurso es sencillo, cambio a música y color para mostrar la enajenación que comparte el duo, pero el filme se olvida poco a poco de ello, perdiéndose en una concatenación de temas nada pegadizos. Incluso hay que decir que seguidores de la primera entrega (entre los cuales me cuento), que esperaban una secuela igual de sombría, psicológica e incluso social, podrán sentirse desconcertados por este enfoque que se percibe completamente aburrido.

En cuanto a la actuación, Joaquin Phoenix vuelve a entregarse por completo a su papel como Arthur Fleck, ofreciendo una actuación tan inquietante y perturbadora como en ‘Joker’. En este ‘Joker 2’ Phoenix explora las profundidades de la psique del villano de Batman, ahora enfrentando no solo su locura interna, sino también su extraña relación con Harley Quinn y la reacción de la sociedad. La incorporación de Lady Gaga como el amor del también conocido como El Guasón en ciertos países añade poco carisma la película. Al margen de lo que se puede haber modificado el originen de este personaje, la relación con el Joker se desenvuelve a través de números musicales y momentos muy poco coreografiados que parecen surgir de las mentes desquiciadas de los protagonistas. Por desgracia es patente que a Gaga le resulta difícil salir de lo videoclipero y es una pena pues ya ha demostrado con otras películas que puede ser buena actriz. Su Harley Quinn es menos caricaturesca que versiones anteriores del personaje, pero al menos muestra una vulnerabilidad que permite al espectador entender su caída en la locura compartida con Arthur. La relación actoral entre ambos actores es ligeramente palpable aunque la dinámica de su relación podría haberse desarrollado de manera más profunda en ciertos momentos.

Narrativamente, ‘Folie à Deux’ continúa el viaje de Arthur Fleck hacia su consolidación como el Joker, pero lo hace de una manera más abstracta. La trama es menos lineal que en la primera película, lo que puede dificultar la conexión emocional con los personajes. Phillips parece más interesado en explorar los aspectos psicológicos y surrealistas de la locura compartida, lo que deja a la trama en un segundo plano. Aunque esta exploración es intrigante, puede sentirse algo excesiva y a veces dispersa.

La estética de la película sigue siendo irreprochable, con una fotografía que acentúa la decadencia o el caos del Gotham (sobre todo Arkham) en el que viven los personajes y la extrema delgadez a la que ha tenido que llegar Phoenix, pareciéndose cada vez más a Robe Iniesta. Sin embargo, en algunos momentos, la dirección artística parece priorizar el estilo sobre la sustancia, lo que contribuye a la sensación de que la película se centra más en impresionar visualmente que en desarrollar una narrativa coherente.

Solo pocos lectores de DC Comics encontrarán aquí la versión del Joker que les gusta, un hombre desquiciado y maltratado por la sociedad. La película de Todd Phillips está lejos y parece que no tiene en mente dar al archienemigo de Batman el estatus de mafioso o de jefe de banda. Tal es así que si nos paramos a identificar guiños hay muchas más referencias a shows musicales o películas como ‘Willy Wonka’ o ‘Los paraguas de Cherburgo’ que a los cómics en sí. Puestos a obviar la fuente comiquera y rendir tributo a musicales… si se hubiese seguido la dinámica de obras como ‘Sweeney Todd’, habría funcionado mucho mejor, en mi opinión. Pero al menos la esencia demente de Joker está presente en ‘Joker 2’. Habiéndose alcanzado esto en la primera entrega, uno se pregunta si este nuevo largometraje es una transición experimental hacia una tercera parte o si ha sido simplemente un capricho un tanto snob.

Por cierto. ¿Estamos todos de acuerdo en que el detalle que se ve al final al fondo y desenfocado es un guiño a la teoría de más de un Joker y por extensión al de Heath Ledger?

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: Joker: folie à deux. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Scott Silver, Todd P. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz. Producción: DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures. Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, musical, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/joker-folie-a-deux

Análisis del Blu-ray de ‘Los vigilantes’

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Merece la pena echarle un visionado al debut de la hija de Shyamalan

Los bosques de irlanda fueron el escenario escogido por la hija de M. Night Shyamalan para rodar su primer largometraje como directora. Ishana Shyamalan es la autora de ‘Los vigilantes (The watchers)’, quien junto con su hermana Saleka Shyamalan parece que lanza su carrera bajo el paraguas del nombre de su padre. No obstante, a pesar de cualquier argumento nepotista, la película tiene sus virtudes y ha encandilado a una buena parte de la audiencia, llegando a recaudar más de 33 millones de dólares por todo el mundo.

La trama parte de un libro de A.M. Shine y sigue a una joven que se queda varada en un bosque en el que intenta buscar refugio. Cuando cree que lo ha encontrado descubre que unos extraños, aquellos que la acogen, viven amedrentados por unas criaturas que les observan toda la noche. Es palpable que Ishana Shyamalan intenta seguir la estela de su padre y consigue muy buena ambientación y puesta en escena, pero no consigue el efecto sorpresa.

El Blu-ray que ha puesto a la venta Arvi Licensing viene encabezado por la portada que protagoniza parte del rostro de Dakota Fanning, tapado por un símbolo que es claro a lo que alude. El estuche no contiene libreto ni folleto sobre el filme. Únicamente encontramos en el interior el disco de la película casi en negro por completo con el título del filme. En cuanto al menú de opciones que encontramos al meter el disco en nuestro reproductor, si no has visto el filme te va a intrigar.

El Blu-ray ofrece resolución 1080 de alta definición en formato 16:9 1.85:1. El audio se encuentra disponible en 5.1 con los idiomas seleccionables en castellano, inglés, francés, italiano y checo. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, holandés, checo, coreano, cantonés, chino complejo además de en inglés e italiano para sordos.

Extras (33 min. aprox.)

Wellcome to the sho: the making of The Watchers (8:50 min.)

Llevar a la pantalla el folclore irlandés y las páginas de Shine era el retop para hacer esta película. La directora, el productor (M. Night Shyamalan) y el equipo técnico, como la directora de coreografía nos hablan de cómo han hecho esto realidad.

Creating The Watchers (5:02 min.)

Las criaturas de la película fueron creadas con trajes de captura de movimiento. Pero a parte de esta moderna técnica de recreación a través de ordenador había que tener en cuenta su aspecto, su origen y forma. Todas estas referencias y técnicas son las que se tratan aquí. Como sorpresa, se usó una especie de danza japonesa.

Constructing the coop (6:16 min.)

En la película hay un corral y aunque suene a algo sencillo o rudimentario tiene su intríngulis. Para este elemento tan pintoresco y especial se ha contado con el propio autor de la novela que no habla de su concepción y sentido.

Ainriochtan and the irish fairy folclore (4:22 min.)

La manera en cómo vemos actualmente a las criaturas del folclore ha cambiado mucho. Esa influencia se hace patente en este filme que intenta revivir leyendas con un enfoque tanto moderno como tradicional.

Lair of love (9:29 min.)

Solo los que han visto la película entenderán porqué el extra más largo de la película es una especie de Gran Hermano del amor.