Crunchyroll ha anunciado hoy que ‘Gachiakuta’, el siguiente gran éxito de anime shonen basado en el manga actualmente serializado en el Weekly Shonen Magazine de Kodansha, se emitirá en exclusiva en la plataforma en verano de 2025. Producida por el aclamado estudio Bones Film (‘My Hero Academia’, ‘Fullmetal Alchemist: Brotherhood’), ‘Gachiakuta’ está lista para cautivar al público con su electrizante acción, su estilo artístico único inspirado en el graffiti y su intensa historia de venganza situada en una ciudad flotante de un mundo distópico en la que tanto la basura como los criminales son arrojados a un abismo sin fin.
‘Gachiakuta’ sigue la historia de Rudo, un joven marginado acusado de asesinato y enviado al exilio a un erial conocido como el Abismo. Tras sobrevivir al descenso hasta este nuevo mundo, deberá luchar contra monstruosas bestias para sobrevivir mientras se abre camino por un mundo brutal con la esperanza de regresar a su hogar y obtener la venganza.
Los derechos de exclusividad de Crunchyroll incluyen su emisión mundial en streaming (excluyendo Bielorrusia, Rusia y Asia, pero incluyendo India), asegurándose así de que fans de todo el mundo podrán vivir la experiencia de ‘Gachiakuta’.
El anime estará dirigido por Fumihiko Suganuma (director jefe de episodio y artista storyboard en ‘Train to the End of the World’) en lo que supone su primera serie como director. La composición de la serie corre a cargo de Hiroshi Seko (‘DAN DA DAN’, ‘Chainsaw Man’, ‘JUJUTSU KAISEN’, ‘Ataque a los Titanes Temporada Final’). Satoshi Ishino (‘Date A Live’, ‘Tokyo Mew Mew New’) se encargará del diseño de personajes de la serie y también será el director jefe de animación. La música de la serie será creada por el reconocido compositor Taku Iwasaki (‘Bungo Stray Dogs’, ‘Shin Kamen Rider’).
‘Gachiakuta’ es un manga de acción escrito e ilustrado por el artista manga Kei Urana y el artista del graffiti Hideyoshi Andou. Comenzó su serialización en el Weekly Shonen Magazine de Kodansha en febrero de 2022 y ganó el Global Special Prize en la categoría de cómic de los Next Manga Awards 2022. Mientras desarrollaba el concepto de la serie, Urana pensó que incorporar el arte del graffiti la haría más interesante y reclutó al artista de graffiti Hideyoshi Andou.
En España el manga de ‘Gachiakuta’ se ha publicado desde 2023 por Norma Editorial.
Sinopsis oficial:
¡Regresa desde el mismo Abismo para transformar esta porquería de mundo!
Rudo vive en los barrios marginales de una ciudad flotante donde los pobres sobreviven a la sombra de los ricos, quienes simplemente tiran su basura al Abismo. Un día es acusado de un asesinado que no ha cometido y lo condenan al exilio, arrojándolo al Abismo con el resto de la basura. En la superficie, los desechos de la humanidad han creado monstruos feroces, y si Rudo quiere tener alguna esperanza de descubrir la verdad y vengarse de aquellos que lo lanzaron a ese infierno, tendrá que dominar un nuevo poder y unirse a un grupo conocido como los Limpiadores, quienes luchan contra las enormes bestias del Abismo.
Cuando la pasión vence al presupuesto y las adversidades
A veces uno busca en una película un mero entretenimiento, otras, la mayoría, una obra maestra que nunca acaba de llegar. Estamos en una era en la que consumimos infinidad de contenido audiovisual y ya sea por comercialidad o por el frenesí con el que se estrena, las sensaciones que nos dejan estos productos son meramente pasajeras. Pero un servidor, que ve más de doscientas películas al año, encuentra sorpresas de vez en cuando, ideas o producciones que calan hasta el punto que sientes la pulsión de escribir algo sobre ellas. Y es que pocas ocasiones aparecen proyectos que al margen de su calidad, originalidad o dimensión consiguen transmitir sensaciones auténticas.
Acudí a la presentación de ‘Save the world’ en los (para mi) heroicos Cines Embajadores. Una película sobre héroes imperfectos presentada en un local que contra todo pronóstico fue el origen de una emergente cadena de cines. Marco ideal en el que, acompañado de parte del equipo, nos proyectaron el tráiler y los primeros veinte minutos. Ahí pudimos ver una obra de marcado carácter amateur pero con una intencionalidad de lo más sincera. A priori el título parece incluso infantil pero como dijo con toda sinceridad su artífice Anselmo Gómez a.k.a. Mou the Wizard, “quería que llegase a todo el mundo”. Y si, esta película que a priori trata sobre bandas y agentes, está hecha con una mentalidad casi infantil, pero está claro que se han dedicado a jugar con sumo gusto.
Esa honestidad y esa autenticidad en cuanto a intencionalidad y trama hay que valorarlas, supongo que es uno de los atractivos que han visto en Filmin al fichar ‘Save the world’. Lejos de buscar un producto lucrativo la película se rinde a los esquemas más fantasiosos y a su vez intenta rendir culto a las pautas del cine de acción más clásico. Como me comentó en persona el propio director hay un personaje inspirado en un famoso anime que en su día surgió de un manga de los cincuenta, pero no voy a ser yo quien destripe esa sorpresa por venir. Vale que esta producción tiene sus carencias y muchos la tildarán de flipadura, pero es tal el entusiasmo de estos autores, realmente contagioso, que no me extrañaría que se consumase su idea de convertir esto en una trilogía y que podamos ver cómo se desarrolla incorporando elementos de la ciencia ficción. Por lo menos yo me atreveré a ver la película completa con mi cuenta de Filmin o de hacerme con el cómic que también quieren desarrollar.
¿Pero de qué va esta película? Como si se tratase de un Anacleto Agente Secreto el protagonista es un agente que desborda carisma, estilo, suerte y lengua verborrágica. Pronto se le asigna la misión de salvar el mundo y en esa aventura cuenta con amigos habituales y una compañera imprevista, Luna, personaje interpretado por Sara Palomar, una actriz de orígenes humildes con la que os vais a quedar desde el primer momento por su alineamiento con el personaje. Con lo poco que hemos visto hemos comprobado que el carácter del filme es comiquero, rozando la vis cómica anime y coral a más no poder. Muchos personajes, conspiraciones mundiales, tramas tecnológicas…
Progrese o no progrese esta obra autofinanciada y sobrepuesta a pandemias, climatología y demás asuntos personales, es una muestra de que con voluntad y un equipo remando a una hay sueños que se cumplen. Asistiendo a la presentación de ‘Save the world’ pude escuchar las palabras de Mou the Wizard, de la actriz Sara Palomar, de su actor y productor Santi Gómez, de otra de las actrices Glory Meyers e incluso de uno de sus avalistas, el ahora tan famoso Antonio Fernández Serrano conocido como “Detective Murciano”. Con ellos me he acordado de proyectos como ‘Jodi2’ o ‘LJ Detective’, los cuales, hay que conocer antes de criticar, pues como comentaba antes, al margen de sus doblajes, luces, efectos especiales o interpretaciones, dejan entrever unas ganas imparables de materializar historias y hacer cine. Y con aún el deber pendiente de ver el filme completo me fui con una pregunta: en una actualidad en la que hacer cine se ha democratizado solo hay que preguntarse una cosa ¿has tenido el valor de intentar llevar a cabo aquello que sueñas?
Totsuko es una estudiante de secundaria con la capacidad de ver los “colores” de los demás. Colores de felicidad, emoción y serenidad, además de un color que ella atesora como su favorito. Un día, forma una banda con Kimi, una compañera de clase que emite el color más hermoso de todos, y Rui, un amante de la música a quien conoce en una librería de segunda mano. Pero todos ellos albergan secretos: Kimi no le ha explicado a su familia que ha abandonado las clases, Rui toca a espaldas de su madre, quien quiere que sea médico, y Totsuko no puede ver su propio color. Mientras ensayan en una antigua iglesia en una isla remota, la música les acaba uniendo. El festival escolar se aproxima y con él su primera actuación en vivo. ¿Qué colores mostrarán en el auditorio repleto?
Crítica
Un anime que brilla en lo estético pero titubea en su simbolismo
Naoko Yamada regresa a nuestros cines con ‘Tu Color’ (‘Kimi no Iro’), una nueva película anime que reafirma la intención de esta directora por diferenciarse con un estilo delicado a través de un lenguaje visual refinado y un esmero por explorar la emocionalidad juvenil. En esta ocasión, colabora con el estudio Science SARU (‘Inu-Oh’), conocido por su enfoque innovador en la animación, dando como resultado una obra con una estética cautivadora y un trasfondo emocional profundo.
La historia sigue a Totsuko, una adolescente con la capacidad de ver a las personas como colores que reflejan su personalidad, como si fuesen una de esas pulseras con gemas que supuestamente cambian de color según como te sientas. Esta premisa inicial, que podría haber sido explotada de manera más simbólica de lo que suena, se diluye en ciertos momentos, dejando espacio para el desarrollo de la amistad entre Totsuko, y los personajes de Kimi y Rui, quienes encuentran en la música un refugio para afrontar sus propias crisis identitarias.
Si bien ‘Tu color’ aborda de manera efectiva la exploración de la juventud y el deseo de encontrar un lugar en el mundo, el guion de Reiko Yoshida, aunque sólido, no alcanza la complejidad emocional de ‘A Silent Voice’. Algunos espectadores pueden sentir que ciertos conflictos quedan esbozados sin una resolución completamente satisfactoria. No obstante, la interacción entre los protagonistas logra transmitir una calidez genuina, con momentos de ternura y un vínculo que, aunque sugiere matices queer, no termina de explorarse a fondo. Es una película que se sale de la norma y nos muestra un Japón más católico que nunca, pero sin embargo ls costumbres recatadas japonesas de cara a la galería le ponen ciertos corsés.
Uno de los puntos más destacables de ‘Tu Color’ es su apartado visual. Yamada y Science SARU han creado una estética evocadora con una paleta de colores pastel que enriquece la narrativa. La animación es fluida, con una atención minuciosa a los pequeños gestos y detalles en los fondos, una característica distintiva del trabajo de Yamada. Sin embargo, el uso del simbolismo cromático, aunque eficiente en los primeros compases de la película, no siempre se mantiene con la misma fuerza en el desarrollo de la historia.
Además, la puesta en escena de los momentos musicales es un gran acierto. A parte de que cada vez el jpop está más presente en la cultura occidental, la película acierta a retratar la experiencia de tocar en una banda de adolescentes, con una música que, lejos de sonar demasiado pulida, tiene una cualidad cruda y natural, reflejando los progresos y las dificultades de los personajes al expresarse a través del sonido. Kensuke Ushio firma una banda sonora que encaja perfectamente con la sensibilidad del filme. La música no solo refuerza la atmósfera emocional de la historia, sino que también juega un papel narrativo importante. Los temas compuestos para la banda de los protagonistas tienen un toque amateur intencionado, lo que los hace creíbles dentro de la trama. A medida que avanza la película, la música se convierte en un reflejo del crecimiento personal de los personajes, culminando en una secuencia final vibrante y emotiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Kimi no Iro. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Naoko Yamada. Guion: Reiko Yoshida. Música: Kensuke Ushio. Reparto principal (doblaje original): Sayu Suzukawa, Akari Takaishi, Taisei Kido, Yasuko, Aoi Yûki, Minako Kotobuki, Keiko Toda, Yui Aragaki. Producción: East Japan Marketing & Communications Inc., Lawson Group, Science SARU, Story (II), Toho Studios. Distribución: SelectaVisión. Género: drama. Web oficial:https://gkids.com/films/the-colors-within/
Geralt de Rivia, un brujo mutante y cazador de monstruos a sueldo, recibe el encargo de investigar una serie de ataques que han alterado la paz de un pequeño pueblo costero. Sin esperarlo, se ve inmerso en un conflicto que ha enfrentado a humanos y sirenas durante siglos. Para desentrañar el misterio y evitar que la hostilidad entre ambos reinos desate una guerra sin retorno deberá apoyarse en sus amigos de siempre y en aliados inesperados.
Crítica
The Witcher meets La Sirenita
Os voy a resolver lo primero de todo la curiosidad por la que probablemente hayáis entrado a leer esta crítica. Esta nueva película de animación basada en las obras de Andrzej Sapkowski (que no es la primera ya que se estrenó ‘La pesadilla del lobo’ en 2021) no cuenta con la voz de Henry Cavill. Pero en su sustitución tampoco con la de Liam Hemsworth. Prestan sus voces Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi… Todos ellos ya conocidos por la audiencia de la serie. Pero a Geralt de Rivia le dobla DougCockle. Una especie de acto de justicia ya que este excelente doblador de personajes de videojuegos es quien ha doblado al protagonista en los juegos. Eso sí, en la versión en español vuelve a ser Guillermo Romero, doblador habitual de Henry Cavill.
Dicho esto comentemos esta nueva aventura del brujo de pelo plateado. ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ es una película episódica, sin ningún evento trascendental en la historia de Geralt de Rivia y si con mucho trasfondo para el cargante y fiel Jaskier. Es una historia que transcurre tras eventos como el de la niña de la sorpresa (Ciri), tras el encuentro con el Djinn o la aventura con el hombre lobo. Pero transcurre antes de visitar Caingorn y darse la masacre, como bien sabrán los conocedores de esta franquicia. Bien intuirán también los lectores que esta película de animación se basa en ‘Un pequeño sacrificio’, el relato incluído en ‘La espada del destino’.
Como tantas otras historias e ‘The Witcher’, razón por la que un servidor consideró los libros bastante vagos, la base un cuento clásico. En esta ocasión la aventura que bien tiene elementos también en común con ‘Aquaman’ se basa en ‘La sirenita’. ¡Llegan hasta cantar y no solo Jaskier! Buena parte del metraje es una historia la mar de arquetípica, nunca mejor dicho. Pero si metes una buena tijera a esa parte y nos quedamos con las historias y acción de Geralt y Jaskier, resulta que ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ se queda en un entretenimiento, del tipo historia de cortes y corsarios. Por supuesto también tenemos el cuento de Hans Christian Andersen popularizado por la Disney embadurnado de monstruos, en esta ocasión de criaturas de las profundidades y el clasicazo del kraken.
Quizá la animación sea lo más digno de mención de esta pildorita que nos mantiene vivo al personaje hasta la llegada del menor de los Hemsworth. Studio Mir, los mismos de ‘La leyenda de Korra’, ‘DOTA: Sangre de dragón’ o la próxima versión del ‘Devil may cry’, son los responsables coreanos de este anime que sería más correcto llamar aeni. Su estilo se asemeja al de otras producciones de Netflix, véase ‘Castlevania’, por ejemplo. Las escenas de combate son dinámicas, con movimientos bien coreografiados y mezclas entre ataques y defensas, algo que Studio Mir ha perfeccionado en trabajos anteriores. La paleta de colores es sombría, con tonos fríos y contrastes marcados, lo que refuerza el tono adulto de la historia a pesar de que se base en un cuento infantil. Esto encaja con la atmósfera oscura y realista del universo The Witcher. Geralt tiene un aspecto más estilizado que en los videojuegos, con facciones más marcadas y una armadura detallada. Los diseños de las sirenas combinan elementos fantásticos con un enfoque casi mitológico e incluso lovecraftiano. Aunque predominan los trazos en 2D, algunos efectos de agua, iluminación y magia parecen apoyarse en CGI, lo que añade profundidad sin desentonar con el estilo general. En general ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ aporta un estilo visual impactante y una ambientación fiel al mundo de Lobo Blanco.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de febrero de 2025. Título original: The Witcher: Sirens of the Deep. Duración: 90 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hei Chul. Guion: Rae Benjamin, Mike Ostrowski. Música: Joseph Trapanese. Reparto principal (doblaje original): Doug Cockle, Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi. Producción: Hivemind, Netflix, Platige Image, Stuio Mir. Distribución: Netflix. Género: fantasía, aventuras. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81484026?s=i&trkid=258593161
Los fans de ‘Ataque a los titanes’ tienen una oportunidad única de ver el gran final de uno de los animes más potentes en las últimas décadas. ‘Attack on Titan: the last attack’ estará en cines de mano de la unión entre Crunchyroll y Sony Pictures. Es la plataforma de anime la que nos informa que este filme de 145 minutos ya ha abierto su venta de entradas. Su proyección tendrá lugar en japonés con subtítulos en castellano.
Sinopsis oficial:
‘Attack on Titan: the last attack’ aúna los dos últimos episodios de la aclamada serie de anime en una experiencia cinematográfica que recoge el épico final en una película recopilatoria de tamaño colosal.
La humanidad vivía en paz tras los enormes muros construidos para protegerse de la amenaza de unas criaturas monstruosas llamadas Titanes. Su siglo de paz se vio truncado por un ataque a su ciudad que dejó huérfano de madre a un niño, Eren Yeager, que juró vengarse de los titanes.
Años después de unirse a la Tropa de Reconocimiento, Eren se enfrenta a un enemigo mortal y acaba adquiriendo una habilidad especial que revela una nueva verdad sobre el mundo que conoce…
Tras aventurarse más allá de los muros y separarse de sus camaradas, Eren, motivado por sus nuevos conocimientos del mundo, planea el «Retumbar», un terrorífico plan para erradicar a todo ser vivo del mundo. Con el destino del mundo pendiendo de un hilo, un variopinto grupo de antiguos camaradas y enemigos de Eren lucha por detener su letal misión. La única pregunta es: ¿lo conseguirán?
La película de animación ‘Transformers One’, una precuela que explora los orígenes de Optimus Prime y Megatron, recibe un lanzamiento espectacular en esta edición metálica en Blu-ray que ha distribuido por tiendas Divisa desde el 10 de diciembre de 2024. Este lanzamiento combina una presentación física de lujo con una calidad audiovisual de vanguardia y contenido adicional que complacerá tanto a fanáticos de la franquicia como a coleccionistas.
Esta edición metálica es un tesoro para los seguidores de la franquicia y coleccionistas de cine animado. La combinación de un empaque de primera clase y una selección robusta de extras asegura que esta versión de ‘Transformers One’ sea una pieza indispensable en cualquier colección. Sumergirse en esta exploración de la mitología de los muñecos de Hasbro con esta edición en casa es todo un placer.
El steelbook destaca por un diseño futurista y elegante que refleja la estética tecnológica de Cybertron. La portada muestra a Optimus Prime en su juventud, con un arte conceptual exclusivo que resalta su relación con los futuros autobots. El acabado metálico tiene un brillo casi holográfico que cambia dependiendo del ángulo de la luz, evocando el carácter metálico y espacial de estos personajes. En la contraportada encontramos a los protagonistas con sus primeras transformaciones en vehículos. Además esta edición viene acompañada de un cartón con la clásica ficha repleta de detalles técnicos (fotos al final del artículo).
La edición ofrece una transferencia en 4K Ultra HD y otra para Blu-ray. De este modo se puede gozar de la espectacular animación por ordenador. Los detalles de los modelos de los personajes, desde las texturas metálicas hasta los complejos movimientos de transformación, y los paisajes de Cybertron se ven con una nitidez impresionante. La paleta de colores, que abarca tonos neon y paisajes cósmicos, se reproduce de manera vibrante gracias a un rango dinámico ampliado.
El audio está disponible en Dolby Surround 5.1 coloando al espectador en el centro de las intensas batallas. La mezcla de sonidos mecánicos, explosiones y una banda sonora orquestal electrizante se complementa perfectamente con los diálogos cargados de emoción y dramatismo. Diálogos que pueden escucharse en castellano, catalán, inglés, alemán, chino, coreano, checo, español latino o polaco. Si necesitas subtítulos puedes seleccionar castellano, catalán, inglés, alemán, checo, chino tradicional o mandarín, eslovaco, polaco o tailandés.
Extras (45 min. aprox.)
In the beginning (10:14 min.)
El director Josh Cooley y los productores nos cuentan qué tono querían para esta película y porqué ha sido de animación y no en acción real como las anteriores también producidas por Michael Bay.
World building on Cybertron (9:37 min.)
El planeta de los Transformers ha aprecio en otras películas de animación o en las series, pero nunca como hasta ahora. Aquí nos hablan del reto de crear este mundo completamente metálico.
Toguether as one (11 min.)
Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne… Este es el reparto de voces escogido y este extra justifica su elección.
The IACON 5000 (6:26 min.)
En la cotidianidad de los Transformers también hay espacio para la dirección. La montadora del filme, el director y Chris Hemsworth nos hablan de esta convención que sirve para una primera escena de acción en el filme.
The battle fot Cybertron (8:59 min.)
Exiliados en la Tierra los Transformers siempre hablan de la batalla perdida por su planeta natal. Es el punto que los fans de la franquicia esperaban ver y es el clímax de la película. En este vídeo se analiza como se enfocó este punto crucial con imágenes de producción work in progress.
Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba concluirá con una trilogía cinematográfica
Ya podemos ver el tráiler de Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba. La fortaleza infinita. Este filme, que Sony Pictures en asociación con Crunchyroll pondrá en cines a lo largo de 2025, supone el primero de tres películas que concluirá esta famosa saga anime.
‘Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba’ como muchos animes surge de un manga, en este caso de una publicación de Koyoharu Gotoge publicado por SHUEISHA’s JUMP COMICS. Tras lanzar sus 23 números ha alcanzado la friolera de más de 150 millones de ejemplares vendidos. Por su parte el anime nació en 2019 y consiguió millares de fans, hasta tal punto que no hay salón de cómic en el que no se vea un cosplay basado en la serie.
Las últimas películas, ‘Tren Infinito, -Rumbo a la Aldea de los Herreros’ y ‘Rumbo al Entrenamiento de los Pilares’ ha recibido muy buena acogida. Tal es así que ‘Tren Infinito’ actualmente ostenta el récord como la película anime más taquillera de todos los tiempos. Es más, solo en Japón ostenta el título del filme que más entradas ha vendido llegando a sobrepasar los 500 millones de dólares y subiendo. En USA también ha alcanzado un récord pues es la segunda película de animación japonesa más taquillera de su historia, disputándose el liderato con ‘El chico y la garza’.
Casi todos conocen el detonante de la historia. El joven Tanjiro Kamado ha perdido a su familia a manos de un demonio. Para poder vengarse se une al Cuerpo Matademonios. El objetivo principal, la meta que se marca a partir de entonces, es deshacer la maldición que ha convertido a su hermana en un demonio. ¿Cuál será la conclusión para esta historia que tiene en vilo a toda la comunidad fan del anime?
Ambientada 183 años antes de los acontecimientos narrados en la trilogía original de películas, ‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su gente a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo fuerte de los Hornburg, una imponente fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Héra, la hija de Helm, se encuentra en una situación cada vez más desesperada así que deberá hacer gala de una gran determinación para liderar la resistencia contra un enemigo letal que pretende destruirlos por completo.
Crítica
Una precuela más terrenal pero no por ello exenta de épica y romanticismo
Directamente relacionada con las películas orquestadas por Peter Jackson llega ‘La Guerra de los Rohirrim’. Un filme que no solo bebe del imaginario de Tolkien sino que mantiene el diseño de producción (trajes, escenarios y demás) de la excelsa trilogía que aún hoy en día se mantiene como las mejores adaptaciones del universo de la Tierra Media.
Para los no versados en el mundo de Tolkien basta con indicar que nos encontramos en una precuela de ‘El Hobbit’ y ‘El Señor de los Anillos’, como unos doscientos años antes, por lo que sería una secuela de ‘Los Anillos de Poder’. Igualmente este es un episodio aislado que si acaso cabe relacionarlo con la trama central de esta saga por el hecho del desarrollo de las dinastías de Rohan. Tal es así que se ha escogido un personaje al que vagamente se alude en los apéndices de Tolkien y al cual el escritor sudafricano nunca dio nombre. Por lo tanto hay “libertad” para ocupar otro de los huecos que nunca se escribieron.
El equipo de guionistas, entre los que se encuentran aquellos que nos brindaron otro universo expandido como el de ‘Cristal Oscuro’, ha escogido como protagonista a la hija de Helm, bautizada como Héra. Y para ello, al igual que hizo Tolkien en su día, se han basado en un personaje real de la mitología o historia británica. Ethelfleda de Wessex una británica que luchó contra los vikingos. Algo muy oportuno dado el carácter de los rohirrim, que tienen clara base nórdica.
Con lo último citado es con lo que puede llegar la decepción para muchos. Probablemente esta sea la historia más mundana y exenta de magia o criaturas de todas la hasta ahora vistas. ‘La Guerra de los Rohirrim’ es, en resumidas cuentas, una contienda entre dos facciones de corte vikingo, sin magos, ni orcos, ni dragones… Evidentemente uno va encontrando pequeños puntos que nos mantienen anclados a la Tierra Media, pero si lo que buscas es calmar tu sed del legendarium de Tolkien te puede saber a poco. Su mayor logro es el de lograr acercar la casa de Eorl a un público general que solo conoce sus historias de los grandes momentos brindados en ‘Las Dos Torres’, dando contexto a un escenario tan mítico como El Abismo de Helm.
Aunque es una película muy entretenida y con mucho sentido del romanticismo y la épica, hay que reconocer que bebe y va a remolque de replicar momentos que ya vivimos en las películas. Repite los mismos deus ex machina, el patrón del sobrino desterrado, la traición dentro del consejo del rey, el refugio a Cuernavilla, el ataque con mûmakils/olifantes… Son momentos míticos pero injertados de nuevo aquí se sienten ineficientes ya que el viaje es otro, emotivamente no es el mismo efecto y resulta reiterativo, como un fan service innecesario. Eso sí, la música de Howard Shore se mantiene como una constante ineludible y estremecedora.
Sexta película de animación inspirada en la Tierra Media, primera en formato anime. Kenji Kamiyama (quien dirigió ‘Blade Runner: El loto negro’ y ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’) es quien se ha encargado de que volvamos a Cuernavilla (El Abismo de Helm), visitemos Edoras en su momento de mayor esplendor y veamos una versión distinta de Isengard. Por momentos tenemos unos instantes de comunión mágica con la naturaleza casi a lo Ghibli y en ocasiones el formato digital nos brinda estampas espectaculares. No le sienta mal el formato anime a ‘La Guerra de los Rohirrim, de hecho es uno de los detalles que ayudan a mantener el carácter fantástico de esta narración que de haberse rodado en acción real parecería más una temporada de ‘Vikingos’.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim. Duración: 130 min. País: Japón. Dirección: Kenji Kamiyama. Guion: Phoebe Gittins, Arty Papageorgiou, Jeffrey Addiss, Will Matthews. Música: Stephen Gallagher. Reparto principal (doblaje original): Brian Cox, Gaia Wise, Luke Pasqualino, Miranda Otto, Lorraine Ashbourne, Yazdan Qafouri, Benjamin Wainwright, Laurence Ubong Williams, Shaun Dooley, Michael Wildman, Jude Akuwudike, Bilal Hasna, Janine Duvitski. Producción: New Line Cinema, Warner Bros. Animation, WingNut Films, Sola Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: fantasía. Web oficial:https://www.esdla.laguerradelosrohirrim.entradaswb.com/
Vigalondo nos hace soñar en un día en el que los primerizos han brillado
Hoy hemos gozado, citamos literalmente por parte del director “con los sueños de mierda” de Nacho Vigalando, los viajes en el tiempo de un discípulo de Aaron Moorhead y Justin Benson, la destreza narrativa de JT Mollner, la magia de las hadas chinas, la original visión mafiosa de Julien Colonna o la vibrante acción del debut de Michiel Blanchart. Pero también hemos sufrido para terminar algunas películas, como la del hermano de Rob Zombie o una un nuevo recordatorio de abandonar a nuestros mayores en asilos. Vamos con otra tanda de opiniones de Sitges 2024.
‘Daniela Forever’
Vigalondo siempre nos regala historias muy originales y sin duda ‘Daniela Forever’ no se queda corta. Un joven atormentado por la muerte de su novia descubre un tratamiento en el que poder controlar sus sueños y ahora puede soñar lo que quiera y revivir su vida junto a Daniela.
Una película compleja y muy bien dirigida. Con grandes ideas y bien llevadas a cabo, con imágenes muy preciosistas y colores muy llamativos. Una película que sin duda dará que hablar después del visionado, ya que admito que tiene un desenlace que da para varias interpretaciones. Puede recordar a ‘Olvídate de mí’, a veces a ‘Origen’, cuando estas dentro de sueños.
Largometraje que marca el debut como director de Michael Felker, quien hasta ahora se había destacado como montador en las películas de Aaron Moorhead y Justin Benson, de hecho, ambos la producen y este último tiene un pequeño cameo en la cinta. Felker mantiene el estilo que caracteriza a las producciones de Benson y Moorhead, combinando viajes en el tiempo con complejos asuntos familiares y dúos protagónicos.
Al igual que en los trabajos de Moorhead y Benson, el presupuesto es modesto, pero Felker sabe cómo maximizar inteligentemente sus recursos y embriagarnos de preguntas y misterios. La película no depende de grandes efectos visuales ni de escenarios ostentosos, en cambio, opta por jugar con las emociones y los dilemas humanos que surgen del concepto de manipular el tiempo y los lazos de sangre. La trama consiste en seguir a dos ladrones que roban usando el tiempo cual caja fuerte, como un lugar seguro y que funciona con contraseñas. Se sigue con facilidad aunque se enreda en su propia lógica temporal aportando pocas respuestas.
Felker demuestra tener un buen ojo para lo íntimo y lo emocional, logrando que la audiencia se conecte con los personajes. ‘Things Will Be Different’ es un primer trabajo prometedor, y aunque no innova dentro del género, sí consigue ofrecer una historia emocionalmente rica y bien ejecutada.
Una de las películas que más me ha gustado de este festival y que pronto podréis ver en las grandes pantallas.
Dividida en 6 episodios y contada de manera desordenada para mantener el misterio. Una chica corre desesperada huyendo de su captor. Eso es lo único que tenéis que saber, el resto, es solo disfrutar.
Otras veces os diría lo complicado que es hablar de una película sin poder hablar realmente de ella. Pero en este caso, entre el tremendo reparto que tiene, entre ellos Willa Fitzgerald y KyleGallner como protagonistas, los cuales están increíbles. También gracias al trabajo de dirección y guión, ambos de JT Mollner que consigue mantener el misterio sin que la película aburra. Y por supuesto la fotografía de Giovanni Ribisi, logra que lugares vulgares se conviertan en sitios atractivos para nuestros ojos, gracias a los colores utilizados en la película.
El próximo 11 de octubre ya la tenéis en cines y no os vais a arrepentir de darle una oportunidad.
‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación basada en el manhua chino ‘San shaonü meng tan’, creado por Zuo Xiaoling y Wei Ying. La historia sigue a un hada guardiana que abandona su puesto para enfrentar a una malvada hada en busca de venganza. Aunque la trama es predecible, destaca por su impresionante animación, que respeta el arte clásico asiático, fusionando técnicas digitales con un estilo visual inspirado en la pintura tradicional china. Cada escena es un lienzo vibrante, lleno de detalles y elementos mágicos. Los personajes, diseñados con un estilo «kawaii», son encantadores, aunque carecen de profundidad. La película se mueve entre lo poético, ingenioso y mojigato, capturando la esencia de las narrativas de fantasía china. Si te gusta la animación asiática y películas como ‘White Snake’ o ‘Big Fish & Begonia’, ‘The Umbrella Fairy’ es una opción atractiva.
Relato truculento y excesivamente tranquilo sobre los sacrificios de la maternidad en el que lo más valioso que sacamos es la frase “Dios no te odia, simplemente le das igual”. ‘Little Bites’, del productor y músico Spider One, ofrece una incursión en el terror que recuerda al espíritu retorcido y deprimente de las películas de su propio hermano, Rob Zombie. Aunque Spider One toma su propio camino alejándose de la locura o el frenesí, es inevitable notar la influencia fraternal en su enfoque del terror creando momentos asquerositos o malsanos. La película intenta jugar (pocas veces de manera efectiva) con el malestar del espectador, el cual, se incomoda sobre todo por lo pausado y fatigoso que es el relato. De los pocos méritos que tiene es el lograr ser incómodo y transmitir esa sensación de cansancio, pero no precisamente por obtener buenas interpretaciones.
El argumento no deja de ser original, pero salvo por alguna que otra conversación, no desarrolla nada. No he visto los otros dos largometrajes de Spider One, pero por ubicarle en alguna parte del panorama del terror, de ‘Little Bites’ para arriba estaría hacer algo con Jason Blum, para abajo ya sería hablar con la Asylum.
Había que ver esta película contando como cuenta con grandes mujeres del terror como Barbara Crampton (Re-animator), Heather Langenkamp (Pesadilla en Elm Street) y Bonnie Aarons (‘La monja’) además de la insólita producción de Cher.
‘The Kingdom’, dirigida por Julien Colonna y protagonizada por la debutante GhjuvannaBenedetti, logra destacar en el ya saturado género de películas sobre mafias, en gran parte gracias a la frescura que Benedetti y su personaje aportan a la pantalla. Su interpretación, llena de vulnerabilidad y fuerza, revitaliza una familia se películas que se siente gastada. La actriz, prometiendo una carrera llena de presencias magnéticas, introduce un aire nuevo y convincente en una historia de muerte y poder, donde el camino de su joven personaje se cruza con un entorno implacable.
Colonna opta por mostrar un choque brutal entre la juventud y la corrupción normalizada del mundo adulto. El filme, aunque tarda excesivamente en arrancar, impacta al sumergir a una persona tan joven en un universo dominado por la traición y el crimen organizado, y lo hace con una naturalidad que mantiene al espectador al borde. Las escenas de violencia son casi nulas y están bien dosificadas, sirviendo más como catalizadores de tensión emocional que como simples momentos de acción.
Aunque la trama no se desvía mucho de los clichés del género o de las historias tipo coming-of-age, ‘The Kingdom’ logra sostenerse gracias a la autenticidad de sus actuaciones, el costumbrismo de su puesta en escena y la habilidad de Colonna para crear una atmósfera oscura en medio del verano.
Un anciano es abandonado por su hijo en un asilo que parece guardar un secreto muy oscuro. La película está muy bien rodada, las actuaciones muy bien dirigidas, el diseño de las criaturas también bien, pero es aburrida, no ocurre nada hasta casi el final y la verdad que termina cansando. Es una pena, tenía una premisa bastante chula, vemos en ‘Night silence’ cosas bastante curiosas pero que al final no llevan a nada.
Como he comentado, el diseño de las criaturas es bastante original, hay una de ellas que parece sacada de algún que otro videojuego japonés e impresiona bastante. Pero bueno, supongo que como siempre os digo, si tenéis oportunidad verla, ya que quizás penséis todo lo contrario que yo y si me hacéis caso os estáis perdiendo una película que puede que os guste. Desgraciadamente no ha sido mi caso.
El debut como director de largometrajes de Michiel Blanchart me ha parecido una verdadera maravilla. Seguimos a Mady, un joven cerrajero que sin duda tiene la peor noche de su vida. Tras un encargo que le hace una chica, se ve envuelto en un asesinato y un robo por lo cual deberá huir por las calles de Bruselas intentando que no le maten.
Este thriller lleno de acción, muy bien rodada, logra mantenerte en tensión todo el rato. Una película que engancha desde el principio y que no se lía en meter cosas innecesarias, sino que se centran en la historia y sin duda funciona.
Un trabajo muy físico, tanto el de actores como todo el equipo. Cámaras que se mueven sin parar, persecuciones en coche, en bici, hay una escena en el metro que me parece una fantasía. Sin duda os recomiendo mucho ‘Night Call’, pronto os hablaré de ella más detenidamente.
No solo hemos visto películas en el día de hoy, sino que también hemos tenido la oportunidad de ver ‘Kokuhaku’, un cortometraje de AdriàGuxens y que nos ha gustado bastante gracias a su gran originalidad.
En el vemos una entrevista y conocemos a un joven que trabaja como onnagata, un actor que representa los roles femeninos en la tradición del teatro kabuki. A través de estas preguntas, conocemos su pasado y su interior más profundo.
Muy bien rodado, un cortometraje con en el que vamos alternando pasado (representado en blanco y negro) y actualidad en color en un camerino. Con una iluminación muy bien estudiada vemos cada expresión de dolor y triunfo del protagonista. Un cortometraje muy recomendable.
Qingdai, un hada real del paraguas, se embarca en un viaje con un joven artesano para evitar la guerra tras fracasar en su intento de proteger a un vengativo hada de la espada que escapa del pabellón real.
Crítica
Anime preciosista y fantasioso, como un lienzo chino en movimiento
‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación que, partiendo de la base del manhua (cómic chino) ‘San shaonü meng tan’, escrito por Zuo Xiaoling, ilustrado por Wei Ying y distribuido a través de NetEase, transporta al espectador a un universo mágico y visualmente impresionante. Esta historia sigue las aventuras de un hada guardiana que se ve obligada a abandonar su puesto para buscar a una malvada hada que busca venganza. Aunque la premisa de la película puede sonar convencional, es su presentación estética y su enfoque cultural lo que la distingue en el amplio panorama del cine de animación.
La película es un cuento que alterna entre lo mojigato, lo ingenioso y, en ocasiones, lo poético. Su trama, aunque predecible en ciertos puntos, logra cautivar por los pequeños detalles que se van revelando en el camino. La dualidad entre las dos hadas —la guardiana que representa la protección y el deber, y la malvada hada impulsada por la venganza— es un contraste que, aunque no particularmente innovador, está bien ejecutado y sostenido por una atmósfera que logra capturar la esencia de las narrativas clásicas de fantasía china.
Uno de los aspectos más destacados de ‘The Umbrella Fairy’ es su animación. La película respeta las raíces del arte clásico asiático de la animación, fusionando técnicas digitales con un estilo visual que recuerda a las tradiciones pictóricas chinas. Los fondos están adornados con una exquisita atención al detalle, cada escena parece un lienzo donde los colores vibran y los elementos naturales cobran vida. Aunque se podría argumentar que en ciertos momentos la película peca de sobrecargar visualmente las escenas, esto también forma parte de su encanto. Todo está muy ornamentado, evocando una estética palaciega y mágica que cautiva desde el primer instante.
En cuanto a los personajes, están diseñados con un estilo «kawaii» que, a pesar de ser una palabra asociada comúnmente con la cultura japonesa, se adapta perfectamente a la descripción de estos simpáticos y fantasiosos seres. Los protagonistas y secundarios tienen un encanto que, aunque a veces se siente algo superficial, logran conectar con el público infantil y familiar. Sin embargo, aquellos que busquen una mayor profundidad en el desarrollo de personajes pueden sentirse decepcionados, ya que muchos de ellos están más definidos por su apariencia visual que por sus motivaciones o complejidad interna.
‘The Umbrella Fairy’ es una película que, aunque no exenta de ciertos clichés en su narrativa, se apoya firmemente en una animación impresionante y un estilo artístico que respeta y celebra las tradiciones visuales asiáticas. Si eres fan de la fantasía oriental y te gustaron films como ‘White Snake’, ‘Big Fish & Begonia’ o ‘La leyenda de Hei’, esta propuesta de Jie Shen te va a chiflar.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2026. Título original: San Shao Nv. Duración: 95 min. País: china. Dirección: Jie Shen. Guion: Min Liu, Ying Wei, Xiaoling Zuo. Producción: Guton Animation Studio, Hangzhou Maoyan Time Machine Pictures, L-key Studio, Maoyan Entertainment, Suzhou Guangyun Unity Culture Media, Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: Marmitako Films. Género: aventuras, fantástico.
Hemos vivido el día más pintoresco y denso del festival
El lunes, aunque más desangelado que el resto del festival, siempre es un día fantástico en Sitges. En el festival se han proyectado todo tipo de películas, desde mujeres que se sienten como perros, hermanas que escuchan la voz de su hermano desde el espacio, gatos antropomórficos que van en moto, un imitador mexicano de Michael Myers, monstruos inspirados por el Goofy de la Disney, fantasmas manchegos, Hamlet representado en el Grand Theft Auto… Siempre hay para todos los gustos y colores. Probablemente este será el día más denso, repleto y variado de todo lo que nos aguarda el festival a si es que no dudéis en bajar a la sección de esta nueva tanda de mini-opiniones de Sitges 2024.
‘Bodegón con fantasmas’
El costumbrismo llega con historias de fantasmas. ‘Bodegón de fantasmas’ nos trae 5 capítulos en los que vemos las distintas historias con espíritus en un pueblo donde todos los vecinos se conocen. Una película que nos muestra como la vida y la muerte conviven de una manera natural y sencilla, sin terror, simplemente con la normalidad del día a día.
Muy divertida y amena, con unos actores muy creíbles y entrañables. Planos muy sencillos nos muestran la vida tranquila de estos lugares donde cualquier detalle puede ser motivo de cotilleo para días. Una cosa que se nos da estupendo es reírnos de nosotros mismos y sin duda, ‘Bodegón de Fantasmas’ es una de estas películas que lo demuestran.
Una película muy curiosa en donde vemos que el físico no importa nada, si no, la persona. Un hombre con una extraña enfermedad que le hace tener la cara desfigurada, consigue un tratamiento para ser “normal”. En ese momento aparece un hombre con su misma situación física alterando toda su nueva vida.
‘A different man’ me ha gustado, pese que sus últimos minutos me han dejado bastante fría. A pesar de este detalle, la película inquieta, ya que no sabes muy bien lo que está ocurriendo y logra muy bien entender al personaje principal, que tampoco entiende nada. Sebastian Stan está genial, tanto cuando está caracterizado como cuando no, y crea un personaje bastante conmovedor.
‘Ghost Cat Anzu’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra de Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.
Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Ghost Cat Anzu’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.
El estilo de animación muestra una clara influencia del Studio Ghibli, especialmente en los paisajes y en la fluidez de los movimientos. Sin embargo, la película mantiene una identidad propia ya que, de manera anómala en Japón, está rodada con actores reales y se ha pintado sobre las imágenes, en rotoscopia. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Ghost Cat Anzu’ una experiencia más íntima de lo que parece.
Ambientada a comienzos de los 90, cuando no había teléfonos móviles que pierdan cobertura pero si coches que no arrancan en el momento más urgente, este filme nos ubica en medio de un bosque de Michigan. Allí, la venta de una casa marcada por unos asesinatos se convierte en una pesadilla para una entusiasta que espera dos cosas, conseguir la venta que su jefe no logra y un bebé que está a punto de nacer.
Home invasion sin apenas diálogo de la mano del autor de ‘The boy behind the door’ con reminiscencias de ‘Hallloween’ y ‘Al interior’. Además de con cierto sabor latino y español pues la protagonista es la ceutí Alicia Sanz. Curiosamente, aunque tenga topicazos como la cajita de música, la canción de cuna y lo que yo llamo saltisustos, consigue crear desasosiego y tensión, sabiendo cuando enseñar y cuando jugar con nuestras ganas de saber qué ha sucedido.
Un mundo en el que los seres humanos están en extinción. Un padre intentando enseñar a sus dos hijos a sobrevivir en un mundo en el que las noches se vuelven mortales por culpa de unos terribles monstruos.
‘Arcadian’ es de estas películas que o bien aburren o todo lo contrario. Soy de la segunda opinión y es que me ha gustado mucho su ritmo, su manera de mostrarnos a esta familia rota que pese a su terrible situación intentan apoyarse los unos a los otros y por supuesto sobrevivir.
El diseño de los monstruos me ha encantado, son bastante originales. Aunque he visto en alguna entrevista que el director diseñó a esta criatura por su miedo a Goofy y bueno, supongo que tenía una visión muy diferente del perro de Disney.
Una artista que ha dejado todo para cuidar a su hijo mientras su marido trabaja, ve como de repente comienza a sufrir cambios en su cuerpo. Percibe más los olores, le crece pelo en zonas extrañas y tiene la creencia de estar convirtiéndose en perro.
Una película sobre la maternidad, lo difícil que es todo cuando una persona decide ser madre y abandonar todo lo que es. Pero no solo eso, también el como una relación cambia, por culpa de los silencios y el “todo va bien”.
Me ha gustado porque no todo es blanco o negro, todo tiene matices y no solo es darle la razón a unos u otros. Pronto tendréis la crítica extendida en la web.
Una joven debe de pasar una ruptura justo cuando se entera de que tiene una terrible enfermedad.
Después de esto, tiene que volver a su antiguo hogar y descubre que allí vive un terrible monstruo con el que tendrá que convivir.
Una visión moderna de ‘La Bella y La Bestia’. La cinta nos cuenta con mucho humor como Laura, nuestra protagonista va saliendo poco a poco de todas sus preocupaciones y gracias al monstruo logra sobrellevar todo con mucha paciencia.
El dejar de ser como los demás esperan y sobre todo, luchar por lo que quieres sean cual sean las consecuencias, son los temas que vemos en ‘Your Monster’. La película me ha sorprendido mucho, me lo he pasado pipa y es de estas que tiene un final muy interesante.
En un futuro muy lejano, la Tierra ya no es lo que era, los seres humanos ya no están y conocemos a una boya con una cámara que coge consciencia y un satélite encargado de tener en su ser toda la información que han dejado los seres humanos. Ambos comienzan a intentar sentir, a conocerse y comprender el cómo ser un ser humano.
La película es muy curiosa y deambula entre la animación y la imagen real. Con una crítica a los influencer y su falsa vida en las redes. También nos enseñan como quererse a uno mismo es muy importante y sobre todo pasar de las superficialidades.
El arranque de ‘El mal invisible’ logra captar la atención con su trama intrigante y un ambiente de creciente tensión. Protagonizada por David Verdaguer, Ángela Cervantes, MariusPraniausjas, Melina Matthews y Alex Bredemüll, entre otros, la serie comienza con una premisa inquietante: un asesino en serie mata personas por Barcelona, pero únicamente a personas sin hogar. Este primer episodio destaca por su ritmo sin pausa, que sería similar al de las series estándar policiales que llegan de USA si no se entretuviese en exceso con un drama amoroso. Al margen de eso construye su misterio a través de detalles y personajes que van haciendo la bola más grande.
Seguimos a dos policías en su investigación y a tres sintecho. Mantiene una buena dinámica, aunque se percibe que sobra metraje a cerca de algunos personajes secundarios que esperemos que tengan más relevancia en el futuro (hemos visto solo dos de sus ocho episodios). Esta creación de Lluís Arcarazo está inspirada en sucesos reales acaecidos durante el confinamiento del 2020. Quizá es por eso que la dirección busca aprovechar el entorno y los silencios, generando una sensación de amenaza constante. Por supuesto el arranque deja preguntas abiertas y el reto para lo que resta es mantener el equilibrio entre el misterio y el justificar el desarrollo de los personajes. Y es que si nos ceñimos a la historia real, aún está lejos de mostrar una verdadera pista.
Dirigida por Haofeng Xu y Junfeng Xu, es una película que destaca por su precisión coreográfica y su profunda conexión con la cultura tradicional china. La acción, lejos de ser un espectáculo exagerado, está meticulosamente orquestada, con combates que se sienten más como duelos filosóficos que simples enfrentamientos físicos. La gran pega, enorme pega, es lo interminables e inexplicablemente repetitivos que son. El filme intenta rendir tributo a las películas clásicas de artes marciales pero acaba siendo una saturación. Igualmente nos satura hasta marear el incesante movimiento de cámara en absolutamente todos los planos y secuencias. La cámara vuela y se mueve con steadicam por los escenarios, que son enormes y aunque están decorados con un gusto horrible, tienen una magnitud pavorosa.
Diría que la película invita a la reflexión sobre el honor, el respeto y el legado, pero los protagonistas van y vienen tantas veces que uno ya no entiende ni cuál es su motivación.
Ciencia ficción alejada de lo tradicional y buscando lo emocional y la reflexión por parte del espectador. Una tercera fase entre ‘Contact’ y el tratamiento extraterrestre de Cixin Liu. Juega con realidad, imaginación y sueño de un modo introspectivo y con final abierto a la interpretación.
Jérémy Clapin, director de la película animada ‘Dónde está mi cuerpo’, regresa en Sitges 2024 pero con un enfoque diferente. Ya de entrada abandona la animación para presentarnos un live acción en el que aún así no puede evitar introducir algún fragmento animado. De nuevo un filme sobre personas que se sienten desconectadas del mundo mientras o de algún modo incompletas. Su premisa recuerda a ‘UFO Sweden’ por su argumento de contacto alienígena y la búsqueda de un familiar y/o respuestas, pero alcanza a ir más allá entrelazando con una profunda reflexión sobre la identidad y el precio de pasar página.
TRANSFORMERS ONE es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos. La primera película de Transformers animada totalmente por CGI, cuenta con un reparto de voces repleto de estrellas, como Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, con Laurence Fishburne y Jon Hamm.
Crítica
Capaz de transformar a nuevos fans y retener a los del canon original
Hasbro, Paramount y Michael Bay continúan sacando partido a su asociación y haciendo películas con los personajes de los juguetes y series animadas que nacieron a mediados de los ochenta en Japón. Tras una serie de películas que han sido cada vez peor valoradas por la audiencia, pero que irónicamente han conseguido recaudar de media en taquilla más de cinco veces de lo que han costado, llega una nueva entrega. Pero hay cambios sustanciales que hacen de ‘Transformers One’ un nuevo atractivo que intentará recuperar el “bajón” que supuso ‘El despertar de las bestias’, la cual, solo duplicó sus costes.
Para empezar ‘Transformers One’ busca conectar con público adulto e infantil de dos maneras. En primer lugar a través del formato animado, siempre más agradable para las audiencias jóvenes, más fácil de exportar a merchandising y en sintonía con el formato que vio nacer a los autobots y decepticons. En segunda instancia con un tono cómico que hace de esta franquicia algo mucho más desenfadado y alejado de la oscuridad y catastrofismo al que habían llegado con ‘Transformers: el último caballero’. Todo esto nos lleva a repetir el acertado cambio de dinámica que experimentamos con ‘Bumblebee’. Esta nueva entrega ha sido dirigida por JoshCooley, guionista de ‘Toy Story 4’ y ‘Del revés’, tiene dosis de acción y comedia por doquier. Entre transformaciones, gags y un batiburrillo de robots y arquitectura metálica se vislumbra un discurso sobre la nobleza y la responsabilidad que no llega a la sensiblería de los títulos anteriores del director y recuerda a las moralejas de la serie clásica. Por otro lado, aunque suene más profundo de lo que la propia película pretende ser, incluye algunas apreciaciones sobre el orden social que en ocasiones puede incluso recordar a ‘El hoyo’.
Al igual que la película independiente del Volkswagen amarillo tenemos entre manos una precuela. Se ha retrocedido tanto en el tiempo que nos encontramos ante una de las mayores incursiones en los orígenes de los Transformers. Quizá ese sea un detalle que solo importe a nostálgicos, fans de la saga o coleccionistas de figuras que reconocerán aquí muchísimos nombres y un canon bastante respetado. Pero aparte de eso nos lleva a un factor importante, la ausencia de humanos. Como pasa con las películas de Godzilla, la trama de los humanos suele diluir la destrucción, acción y aventura de estas películas. Con ‘Transformers One’ nos trasladamos a Cybertron, el planeta natal de estas máquinas alienígenas, muy lejos de la Tierra. Con esta circunstancia la narración está al servicio de la ciencia ficción, aunque hay que reconocer que el carácter de los personajes es adolescente y como en películas de este mismo estudio tales como ‘Ninja Turtles: caos mutante’ lo que os aguarda son aventuras y mucha sinvergonzonería, nada complejo o rated R.
La historia original, que fue desarrollada por Marvel Comics por encargo de Hasbro, discrepaba de la serie televisiva aunque ambas coincidían en un conflicto entre autobots y decepticons con el planeta Cybertron manteniéndose neutral y al margen. Ninguna hablaba, que yo recuerde, del origen del conflicto, simplemente de la disputa sobre la Chispa Suprema o la Matriz del Liderazgo y su correcto uso. Se repite esta disyuntiva y se acompaña de una animación que ensombrece a la de muchas de las predecesoras y además se pone la guinda con una acción final en la línea de las películas de Michael Bay.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre de 2024. Título original: Transformers One. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Cooley. Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Eric Pearson. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne, Jon Hamm. Producción: Hasbro, Paramount Animation, New Republic Pictures, Di Bonaventura Pictures, Bay Films, Hasbro Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial:https://www.transformersmovie.com/
La visión japonesa de la rebelión de Skynet se queda a medias
Una persona viaja al pasado para salvar a alguien de vital importancia en el futuro (su presente) de ser asesinado por un robot que también viene de esos apocalípticos y venideros tiempos. Esa es la premisa de ‘Terminator’, uno de los máximos exponentes del cine de acción y de ciencia ficción. Esa es la pauta que secuela tras secuela se ha repetido en varios intentos fútiles de mantener viva la franquicia. Víctimas de su propia paradoja los creativos de las continuaciones de las películas de James Cameron parecen atrapados en un bucle más repetitivo que la base de una canción de reguetón. Ahora llega una nueva versión animada para Netflix que en parte repite los errores del pasado, pero que arroja un rayo de esperanza demostrado que James Cameron y William Wisher fueron unos adelantados.
Antes del boom de Internet había pocas historias que nos advirtiesen del peligro de las tecnologías inteligentes, lo que hoy conoceríamos como IAs. Por supuesto está ‘2001: una odisea en el espacio’ que se adelantó unos veinte años, pero cuando hablamos de las máquinas superando al hombre a quien aludimos es a Skynet. Nos vamos a hartar los próximos años de ver películas sobre inteligencias artificiales. No es de extrañar por lo tanto que el director Masashi Kudo (‘Bleach’, ‘Tower of God’) y el guionista Mattson Tomlin hayan magnificado ese tema en esta serie que se estrena el 29 de agosto.
La esencia de ‘Terminator’ está presente en ‘Termniator: Zero’ hasta tal punto de repetir algunas frases míticas y calcar escenarios y maquinarias. Se mantiene intacta su teoría no determinista, la cual permite dar esperanza a los humanos del futuro en la guerra contra las máquinas. Es similar al concepto de la teoría de cuerdas en el que cada nueva decisión da paso a diferentes realidades, líneas temporales alternativas, la historia re-escrita. Es por eso que una vez más retrocedemos a 1997, la fecha que conoce todo fan de Terminator por el momento en el que Skynet se conecta a la red de redes. Cambia la ubicación y los otros años a los que nos transporta. Estamos hablando de un anime por lo que nos llevan a un ficticio 2022 en el que Tokio comienza a tener máquinas inteligentes invadiendo la cotidianidad de sus habitantes. De este modo se abren nuevas posibilidades que vienen a decirnos que en lugares ajenos a Los Angeles también se sabía del problema con la IA rebelde.
‘Génesis’ y ‘Salvation’ decepcionaron por no mostrar la guerra abierta que sucedió inminentemente después de la rebelión provocada por la conexión de Skynet. De ‘Destino Oscuro’ prefiero ni hablar. En este caso, aunque sea verano, hemos de desagradecer el jarro de agua fría. La mitad de la serie es una persecución constante como las que vivió Sarah Connor. Todo transcurre entre el 4 de agosto, cuando Skynet se conecta, dirigiéndose irremediablemente hacia el 29, cuando se produce el Juicio Final que los protagonistas intentan evitar una vez más. La otra mitad es solo ligeramente más satisfactoria pues muestra el enfrentamiento contra el poder de la IA, aunque el imaginario japonés os dará una sorpresa al respecto que altera el canon de lo hasta ahora visto, al fin y al cabo esto va de buscar paradojas y cambios cruciales que salven a la humanidad.
Con ‘Terminator: Zero’ vemos un curioso contraste con USA donde hay armas por doquier y defenderse de un T-800 es relativamente más fácil en contraposición con un Japón en el que la ciudadanía rehúye de la violencia. La serie aporta esa visión diferente que se suma a una buena cantidad de escenas filosóficas, con temas siempre presentes en Terminator, pero explorados más en profundidad. Lástima que al igual que la saga original se repita con los factores familiares.
Además de los pequeños cambios, que hacen de esta una narración paralela a las originales pero lejos de su capacidad de sorprender, se agradece el estilo de dibujo escogido. La acción transcurre principalmente en el 97 y la saga nació en los 80s. Los autores han elegido un trazo noventero tanto para sus dibujos como para el diseño de toda la serie. Tanto Skydance como aquellos que han llevado al éxito a animes como ‘Ataque a los titanes’ o ‘Kaiju No. 8’, Production I.G., son los principales responsables del estilo visual de ‘Terminator: Zero’. Sobre todo se nota la influencia de otra de sus obras, ‘Ghost in the shell’, principalmente en los escenarios nocturnos y en la protagonista. Por suerte la sensación es que hay menos herramienta digital o 3D que en otra colaboración entre I.G. y Netflix como fue ‘Ultraman’.
Kenji Kamiyana nos adentra de nuevo en la Tierra Media con sus Rohirrim
El 13 de diciembre llega a nuestros cines la nueva película basada en las novelas de ‘El Señor de los Anillos’ gracias a Kenji Kamiyama, director de ‘Blade Runner: El loto negro’ y ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’. La película de anime original de New Line Cinema “El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’, devuelve al público al mundo épico que cobró vida en la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’, basada en los famosos libros de J.R.R. Tolkien.
En el reparto de voces tenemos a Brian Cox (‘Succession’) como Helm Hammerhand, el poderoso Rey de Rohan; Gaia Wise (‘Un paseo por el bosque’) como su hija Héra; y Luke Pasqualino (‘Snowpiercer’) como Wulf. Miranda Otto, que realizó una inolvidable y premiada interpretación en la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’, retoma su papel de Éowyn, la doncella Escudera de Rohan, que hace las veces de narradora de la historia. También encontramos las voces de Lorraine Ashbourne, Yazdan Qafouri, Benjamin Wainwright, Laurence Ubong Williams, Shaun Dooley, Michael Wildman, Jude Akuwudike, Bilal Hasna y Janine Duvitski.
El largometraje está producido por la ganadora del Oscar Philippa Boyens, del equipo de guionistas de las trilogías de ‘El Señor de los Anillos’ y ‘El Hobbit’, junto con Jason DeMarco y Joseph Chou, que además de sus numerosos proyectos de animación independientes, colaboraron en la serie ‘Blade Runner: El loto negro’. Los productores ejecutivos son Fran Walsh, Peter Jackson, Sam Register, Carolyn Blackwood y Toby Emmerich. El guion es obra de Jeffrey Addiss&Will Matthews y Phoebe Gittins &Arty Papageorgiou, con historia de Addiss & Matthews y Boyens. Basada en los personajes creados por J.R.R. Tolkien. El equipo de colaboradores creativos que regresan a la trilogía también incluye a los ganadores del Oscar Alan Lee y Richard Taylor, junto con John Howe, el prestigioso ilustrador de Tolkien.
A continuación os dejamos el tráiler de la película en su versión doblada al castellano.
Sinopsis
‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su gente a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo fuerte de los Hornburg, una imponente fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Héra, la hija de Helm, se encuentra en una situación cada vez más desesperada así que deberá hacer gala de una gran determinación para liderar la resistencia contra un enemigo letal que pretende destruirlos por completo.
Buena mezcla, pero le queda para septiembre el justificar su paso al anime
En su día los creadores de ‘Rick y Morty’ anunciaron que la serie tendría diez temporadas, ni una más ni una menos. Pero no se dijo nada de spin offs o versiones alternativas. Eso es lo que estamos celebrando hoy pues tras el estreno de la temporada siete el año pasado y mientras esperamos que en 2025 llegue la octava, se estrena ‘Rick y Morty: el anime’. Hemos tenido la suerte de ver los dos primeros episodios de esta nueva versión y podemos adelantaros que ambos tienen escena post-créditos. Esta nueva locura vivida por el abuelo y el nieto más perturbados del universo animado de Adult Swim es una temporada independiente que tendrá 10 episodios ampliando el mundo de ‘Rick y Morty’. Independiente ya que transcurre entre medias de dos temporadas de la serie regular, pero conservando a los personajes que vimos en la última entrega. Así pues volverá a estar la familia Smith junto a amigos y enemigos como Persona Pájaro, Tammy Gueterman, los Gromflomitas, Beth espacial…
Esta nueva temporada llega dirigida por Takashi Sano, autor de ‘Tower of God’ y algunos episodios de ‘Vinland Saga’. Tras el éxito del cortometraje ‘Rick y Morty VS Genocider’ Adult Swim le dio luz verde para esta temporada que conserva el mismo estilo. La versión en inglés se estrenará el jueves 15 de agosto a medianoche en Adult Swim y el 16 en Max en España.
Lo que nos cuenta esta nueva etapa de la serie creada en su día por Justin Roiland y Dan Harmon es cómo Rick se haya de relax entre multiversos, Morty se encuentra en una especie de bucle en el que cae enamorado de una chica que deambula por el espacio/tiempo y Summer ayuda a la versión espacial de su madre a luchar contra la federación galáctica. Como veis nada a lo que no nos tenga acostumbrado ya esta imaginativa y frenética serie. ‘Rick y Morty: el anime’ no se corta a la hora de implementar lo que para unos es ciencia ficción y para otros conspiración con teorías como las de los universos paralelos o las realidades encerradas en una simulación. Y por supuesto están las alusiones a la cultura popular, en esta ocasión centradas en ‘Ciudadano Kane’, ‘Tenet’, ‘Ready Player One’ e historias muy similares a las de Makoto Shinkai. Es por todo esto que la serie es capaz de mezclar complejidad y sensibilidad con violencia y asquerosidades.
Para los fans de ‘Rick y Morty’ aún faltan giros más locos y una violencia más explícita. Para los amantes del anime cabía esperar un tono más seinen o cercano a narraciones Shonen absurdas como ‘Bobobo’. Sin duda el opennig, que mezcla música pop y death metal, calca el de muchos animes como ‘Death Note’ o ‘Steins;Gate’. Nos recuerda a aquellos animes juveniles, por lo general de género isekai, que mezclan un sinfin de imágenes, haciéndonos tener casi un ataque epiléptico cual Simpsons en Japón.
Al pegar el salto a la animación japonesa cambian los trazos pero se respetan los diseños originales. Aparecen nuevos personajes que tienen un estilo marcadamente japonés y los que ya conocíamos tienen una línea no muy diferente a la de los adultos que veíamos en Shin Chan. La narrativa se mantiene tan loca y caótica como siempre empleando flashbacks y elipsis por doquier, al fin y al cabo es una seña de identidad de la serie. Aún falta por ver algo más del lenguaje visual habitual en los animes o de sus habituales recursos heredados del manga. Veremos si en septiembre, cuando ya hayamos visto más episodios, podemos decir que la traslación al anime está lograda y justificada debidamente con argumentos y técnicas audiovisuales que casen bien entre la serie de Adult Swim y la animación nipona.
Dentro del fandom del anime es muy valorado el poder ver las historias en japonés. Es por eso que podemos dedicar un pequeño espacio para quienes han doblado a los protagonistas tanto en japonés como en inglés.
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