La nueva película original del estudio responsable de ‘Shrek’, ‘Cómo entrenar a tu dragón’ y ‘Robot salvaje’ llegará a los cines el 25 de septiembre de 2026
DreamWorks Animation ha lanzado un nuevo tráiler de ‘La isla olvidada’, su próxima gran apuesta original para la gran pantalla. Dirigida por Joel Crawford y Januel Mercado, responsables de ‘El gato con botas: El último deseo’, la película promete combinar aventura, fantasía y emoción en una historia centrada en la amistad, la familia y el poder de los recuerdos.
La producción llegará exclusivamente a los cines el próximo 25 de septiembre de 2026 distribuida por Universal Pictures y supone una nueva incursión del estudio en el terreno de las historias originales tras éxitos recientes como ‘Robot salvaje’.
Dos amigas ante una despedida que cambiará sus vidas
La historia sigue a Jo y Raissa, dos mejores amigas que acaban de terminar el instituto y están a punto de iniciar caminos separados. Lo que debería ser una última noche juntas se convierte en el inicio de una aventura extraordinaria cuando descubren un misterioso portal que las transporta a Nakali, una isla fantástica poblada por criaturas mágicas y seres inspirados en las leyendas tradicionales filipinas.
Lo que comienza como un viaje fascinante pronto se transforma en una carrera contrarreloj por regresar a casa. Sin embargo, las jóvenes descubrirán que existe un precio devastador para lograrlo: podrían perder los recuerdos de su amistad para siempre.
Una historia sobre la memoria con ecos de ‘Coco’
Uno de los aspectos más llamativos del nuevo tráiler es su fuerte componente emocional. Más allá de la espectacularidad visual y de las secuencias de aventura, ‘La isla olvidada’ parece construirse alrededor de un tema universal: la importancia de la memoria y de los vínculos que nos unen a las personas que queremos.
La película recuerda por momentos a producciones como ‘Coco’ debido a la relevancia que adquieren las historias familiares, las tradiciones transmitidas entre generaciones y la conservación de los recuerdos. De hecho, el avance presenta a una entrañable abuela que inevitablemente evoca a la icónica Abuelita de la película de Pixar, una figura que parece desempeñar un papel clave en la conexión entre las protagonistas y el universo mágico de Nakali.
Un mundo mágico inspirado en la mitología filipina
A pesar de evocar a COCO el sabor no es latino. La isla está habitada por criaturas procedentes del rico imaginario mitológico filipino, muchas de ellas extraídas de los relatos que las familias de Jo y Raissa les contaban durante su infancia.
Entre los personajes que acompañarán a las protagonistas destaca Raww, un peculiar hombre perro que les ayudará en su viaje, así como la temible Manananggal, una de las criaturas más aterradoras del folclore filipino y principal amenaza de la historia.
Un reparto de voces repleto de talento
La versión original cuenta con las voces de H.E.R., artista ganadora de varios premios Grammy y Oscar, y Liza Soberano, quienes interpretan a Jo y Raissa. También participan Dave Franco, Lea Salonga, Jenny Slate, Manny Jacinto, Dolly de Leon, Jo Koy y Ronny Chieng.
And now whatever way our stories end, I know you have rewritten mine by being my friend …
El fenómeno cinematográfico y cultural del año pasado, que se convirtió en la adaptación a la gran pantalla más exitosa de todos los tiempos de un musical de Broadway, despliega su épico, apasionante y emotivo final en ‘Wicked: parte II’.
Crítica
Una secuela tan ambiciosa y arriesgada como el musical que cuestiona héroes y villanos
Se acabó la espera que hemos mantenido durante dos años. ‘Wicked: Parte II’ se estrena en cines y se presenta como una continuación más oscura, más madura y más emocional que su predecesora. Es un trayecto narrativo que abandona en buena parte la ligereza cómica del primer filme para adentrarse en territorios dramáticos, donde las consecuencias de las decisiones pesan con una gran intensidad.
Desde sus primeros compases, esta segunda parte marca un cambio de tono palpable. Jon M. Chu reconoce que, si la primera entrega era, en sus palabras, un “coming of age” sobre elecciones, esta segunda se adentra en un terreno de consecuencias, de preguntas más complejas sobre identidad, poder y verdad. El guion, firmado por Winnie Holzman (responsable también del libreto del musical original) y Dana Fox, conserva momentos de ligereza, sobre todo gracias a Ariana Grande como Glinda. Pero estas pinceladas de humor ya parecen menos frecuentes y más contenidas, pues la película busca avanzar sin depender tanto del respiro cómico. Eso no quita que Grande siga siendo, en muchos instantes en los que explota el carácter más bobalicón y presumido de su personaje, la que mejor actúa en este filme.
Uno de los aciertos más evidentes es cómo se profundiza en la amistad entre Elphaba (Cynthia Erivo) y Glinda. No es solo un vínculo superficial, sino una relación compleja, extremadamente cambiante, frágil y poderosa. Chu ha hablado de lo difícil que fue filmar esa conexión: a diferencia de un romance, la amistad no tiene un final previsible, sube y baja, exige presencia constante. Y eso se percibe en el filme que en varias ocasiones dispone un verdadero caos emocional que hace que nos cuestionemos cómo cambian de bando tan rápido y en una sola escena varios personajes.
Hay que reconocer que esta entrega es, también, más “ñoña” en lo romántico y lo sentimental. Pero quizá el tema más fascinante de ‘Wicked: parte II’ es ese juego de apariencias. A lo largo de la película queda claro que los héroes más luminiscentes no son necesariamente los más genuinos. Glinda, ensalzada como símbolo de bondad para todo Oz, vive cómodamente en el palacio de la Ciudad Esmeralda, disfrutando del favor popular. Mientras tanto, Elphaba, demonizada por el Mago y convertida en la Bruja Malvada del Oeste, lidera desde el exilio una lucha por la justicia. Este contraste no es casual: Chu habla de propaganda, de cómo los poderosos construyen imágenes para manipular al pueblo, insertando referencias visuales propias de iconografía bélica, llegando incluso a imitar a través de Jeff Goldblum a ‘El gran dictador’ de Chaplin. En ese sentido, la oscuridad narrativa es también una invitación a cuestionar los roles tradicionales de “bueno” y “malo”. La autenticidad, sugiere la película, reside en quienes han sido etiquetados como villanos.
Visualmente, ‘Wicked: parte II’ es deslumbrante. El CGI se emplea de forma ambiciosa, especialmente en la representación de los paisajes, animales, las masas y ciertos momentos épicos. Dicho esto, no todo funciona: algunas escenas pecan de artificio, y es difícil olvidar que estamos ante imágenes generadas por ordenador, sobre todo cuando aparecen criaturas parlantes o entornos brillantes demasiado perfectos. Uno de los momentos más logrados desde el punto de vista técnico es el plano de Ariana Grande cantando frente a una serie de espejos. No es solo la voz pues no es de los temas más exigentes: es el montaje digital y el juego de cámaras. Un ejercicio complejo que demuestra ambición y pericia. Curiosamente, no todo es digital, esto no es Marvel. Tanto el personaje de la Bruja del Oeste como el Hombre de Hojalata y el Espantapájaros combinan prótesis, cabello real y un diseño artesanal que rinde homenaje a los clásicos.
A pesar de su respeto por el musical, la película no se refugia en la nostalgia de ‘El Mago de Oz’. De hecho, rompe con las expectativas tradicionales: el león es cero antropomórfico y el Hombre de Hojalata tiene matices que recuerdan a una figura más propia de un slasher barato. Esto no significa que la narrativa deje de ser emocional o íntima: ‘Wicked: parte II’ sigue siendo, en el fondo, una historia de amistad entre dos mujeres cuya relación, podría haber inspirado incluso series modernas como ‘Miércoles’, dicho sea de paso, por ese balance entre compañerismo y diferencia tonal.
Jon M. Chu ha dejado claro que este segundo filme no es solo un cierre de cuento de brujas, sino una reflexión sobre la desinformación, la propaganda y la construcción del odio. En tiempos donde la verdad se cuestiona y las identidades se politizan, su película se convierte en un espejo, partiendo de un universo fantástico para hablar de migración, miedo al diferente y discursos autoritarios. Pero hace trampa, una trampilla si nos ponemos literales. No creo que yo abra a estas alturas ningún debate que no haya surgido ya en los corrillos a la puerta del Teatro Gershwin de Nueva York. Aunque está muy bien mostrar que no todo es blanco y negro y estamos en un mundo de grises, no deja de ser injusto el trato hacia la película original. Es una historia clásica de arquetipos del bien y el mal y… ¿se suponen que ahora hemos de sentirnos mal por alegrarnos de que la villana de la historia muriese? Parece que a los autores de esta nueva versión si les ha dado cierto reparo y han parcheado el final, igual que el del musical y muy al estilo de ‘El Caballero Oscuro’.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Wicked: For Good. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, drama, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/wickedmovie/
La historia real de un profesor de inglés desilusionado que acepta trabajar en una escuela en la Argentina de 1976, esperando un camino fácil. En su lugar, descubre una nación compleja y dividida y una clase de jóvenes a los que considera prácticamente imposibles de enseñar. Sin embargo, cuando rescata a un pequeño pingüino de una playa contaminada por petróleo, su vida da un vuelco. El ave se convierte no solo en un valioso amigo, sino también en el maestro de las lecciones más importantes de su vida, la de sus alumnos y la de todos los que tienen la suerte de conocerlo.
Crítica
Divertida y emotiva drama con buenos tintes de comedia
Me llamó mucho la atención el título de la película, y más sabiendo que estaba basada en un hecho real. ‘Lo que aprendí de mi pingüino’ nos regala una historia emotiva y que no solo nos cuenta la historia de un profesor y su pingüino, si no mucho más, ya que nos adentramos en la Argentina de 1976, cuando los militares se hicieron con el país.
Tiempos convulsos para un profesor que acaba de llegar a un lugar nuevo y donde tiene a unos alumnos bastante enfrentados por culpa de los pensamientos de sus padres. Gracias a todo lo que va a aprendiendo con Juan Salvador, este pingüino al que salva de morir, Tom Michell, se convierte en otra persona. Poco a poco, gana paciencia y le reviven sus ganas de enseñar y mostrar a estos jóvenes que hay muchas maneras diferentes de pensar y no tener siempre enfrentamientos. Además, Juan Salvador, también le enseñará lo que significa la lealtad. Ya que este pingüino no se separará de él jamás.
Peter Cattaneo, nos vuelve a demostrar una vez más lo bien que maneja el drama y la comedia unidos. ‘Lo que aprendí de mi pingüino’ es un ejemplo de que ambos géneros pueden convivir hasta el final.
En el reparto encontramos a Steve Coogan, Jonathan Pryce, Björn Gustafsson,Bruno Blas, Brendan McNamee, entre muchos otros. Vivian ElJaber nos da una actuación preciosa. Su personaje, junto con el de Alfonsina Carrocio, son las que llevan la realidad que vemos fuera al colegio. Sin duda son de lo más bonito y dramático de la película.
La película está rodada en inglés y español, vemos a todos los personajes utilizando los distintos idiomas. Así que es de estas películas que si recomiendo ver en su versión original. Siempre prefiero hacerlo, pero cuando hay diferencia de idioma mucho más, ya que cuando la película está doblada no se aprecia el verdadero trabajo del actor.
‘Lo que aprendí de mi pingüino’, no es totalmente fiel al libro, pero si que lo adapta bien, cogiendo las ideas esenciales. Y realmente es lo que importa y por supuesto, conocer a Juan Salvador. Al final de la película vemos imágenes reales de este pingüino que revolucionó al Colegio St. George. Y han recreado alguna de las pocas imágenes que se conservan y la verdad que es bien bonito ver el cariño que recibía este animal.
Sin duda, es una película muy conmovedora. En la que conocemos un cachito de la historia de Argentina, de como se vivía en esos tiempos oscuros y un homenaje a esas Madres de Plaza de Mayo que aun a día de hoy siguen pidiendo explicaciones para poder conocer el paradero de sus familiares.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: The Penguin Lessons. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Dirección: Peter Cattaneo. Guion: Jeff Pope. Música: Federico Jusid. Fotografía: Xavi Giménez AEC. Reparto principal: Steve Coogan, Vivian Jaber, Björn Gustafsson, Aimar Miranda, Nicanor Fernandez, Alfonsina Carrocio, David Herrero, Jonathan Pryce, Miguel Alejandro Serrano, Hugo Fuertes, Gera Maleh, Micaela Breque, Florencia Nocetti, Romina Cocca. Producción: 42, Nostromo Pictures. Distribución: Nostromo Pictures. Género: Drama. Web oficial:https://nostromopictures.com/movies/released/the-penguin-lessons
Un grupo de chicas se junta en una casa de campo durante una semana de verano para ensayar una obra de teatro. Mientras conviven, intercambian sus saberes sobre la amistad, la actuación, el amor, la orfandad y la muerte; con la secreta esperanza de que compartirnos nos hace mejores.
‘Las chicas están bien’ es un cuento de verano con princesas, caballos, sapos, un fuego, una fiesta, un río, muchas cartas, y hasta un príncipe despistado.
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Crítica
Un ejercicio cargado de íes: ideas, inquietudes, inspiración, ilusión, interpretación, introspección, imaginación…
La nueva película protagonizada por Itsaso Arana viene escrita y dirigida, por primera vez, por la actriz tafallarra contando con la producción de su anteriormente director, Jonás Tueba(‘La virgen de agosto’, ‘Tenéis que venir a verla’). Por ella y por otras cuatro compañeras interpretadas por Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero y Helena Ezquerro. Aunque quizá habría que decir que aquí no hay personajes pues las actrices utilizan sus verdaderos nombres y por lo que se da a entender sus verdaderas pasiones, desasosiegos y amores. El argumento (que realmente no necesita introducción, nudo y desenlace) hace que Itsaso Arana las dirija guión en mano en la ficción pero irónicamente da la sensación de que en la realidad les ha dado manga ancha para expresarse. Como directora y guionista utiliza ‘Ellas están bien’ para homenajear a actrices que respeta o reverencia. Y lo hace creando un espacio cómodo en el que sentirse invitado a abrirse y estimulado para enfrentarse ante cualquier nueva idea de la vida o del arte.
La he experimentado como un juego y ensayo cinematográfico en el que a la vez las protagonistas vestidas de época y perdidas en una bucólica casa de campo, practican un guión y se esparcen veraniegamente. ‘Ellas están bien’ es un ejercicio de metacine que nos habla no solo de la condición humana o sentimental de sus actrices, también de cómo abarcan sus profesiones y exploran su talento. También está concebida con el ánimo de compartir experiencias, vivencias y sapiencias propias. Se siente, como bien ha declarado la propia directora, como “una película sobre la camaradería y la reconciliación entre mujeres”.
Sería muy fácil caer en los tópicos y quedarme en un comentario escueto y vago tal como “es una película feminista” o querer rizar el rizo diciendo que ‘Ellas están bien’ está inspirada por la obra de Louisa May Alcott. También sería muy pobre quedarse en comentarios como… “meh, son unas actrices rajando sobre sus movidas”. Superficialmente uno podría quedarse en eso. Pero yo prefiero decir que es un filosofeo, una sesión de ayuda en grupo, una especie de mesa redonda carda de íes: ideas, inquietudes, inspiración, ilusión, interpretación, introspección, imaginación… Y por supuesto en esa lista hay que incluir el nombre de la actriz y directora que ha firmado esta película tan personal.
‘Las chicas están bien’ es un recorrido de autodescubrimiento y/o aceptación. Esto puede sonar a algo meditabundo pero es un episodio veraniego que se hace divertido y sugerente. Todo el reparto se vacía y expone en cierto modo y eso se agradece, porque revelarse a favor de un arte como la interpretación o abrirse tan abiertamente hoy en día es deporte de riesgo. Cuando es algo realmente práctico como esta película os aseguro que vale la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Las chicas están bien. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Itsaso Arana. Guion: Itsaso Arana. Fotografía: Sara Gallego. Reparto principal: Itsaso Arana, Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero, Helena Ezquerro. Producción: Los Ilusos Fims. Distribución: Elástica Films, Fimin. Género: drama. Web oficial:https://elasticafilms.com/catalogofilms/las-chicas-estan-bien/
Disney, El Poder de la Amistad: The Experience estará solo nueve días
La experiencia inmersiva Disney, El Poder de la Amistad: The Experience llega a Madrid dentro del calendario de celebración de los 100 años de historia de The Walt Disney Company. Tras visitar las ciudades de Londres, Berlín y París, el evento tendrá lugar desde el 15 hasta el 24 de septiembre de 2023 en el espacio Ibercaja-Delicias. El evento transportará a los fans a un viaje inmersivo que rinde homenaje a las relaciones de amistad de los personajes Disney a lo largo de la historia. Actividades multisensoriales y muchas sorpresas que permitirán a los asistentes y a sus acompañantes descubrir el poder de su amistad.
Más de 1.000m2 con instalaciones únicas a lo largo de cuatro salas principales inspiradas en cuatro grandes clásicos de Disney: Alicia en el País de las Maravillas, El Rey León, Lilo & Stitch y Mickey y sus amigos. Gracias a la tecnología de realidad aumentada proporcionada en esta ocasión por Snapchat, colaborador principal del evento, los visitantes podrán hacer que los personajes de Disney cobren vida a través de códigos QR disponibles a lo largo de las diferentes salas.
La magia de Disney estará presente en todas las instalaciones. A su llegada, los asistentes, en grupos de amigos, recibirán una llave electrónica RFID (Sistema de códigos inteligente que utiliza campos electromagnéticos para identificar y traquear datos que almacenan información. La información se comparte vía radiofrecuencia). De ese modo se traqueará su recorrido durante toda la experiencia. Cuando los grupos de amigos finalicen el recorrido, esa llave revelará su tipo de amistad y su similitud con la amistad de personajes icónicos Disney.
En el Jardín Misterioso, inspirado en Alicia en el País de las Maravillas, los fans podrán rendir homenaje al carácter aventurero de Alicia y repetir cada uno de los pasos de su inolvidable viaje a través de la madriguera del conejo. Los asistentes deberán desconfiar de sus propios sentidos, sólo confiar en sus amigos, para poder atravesar el jardín de flores, las mariposas de pan, los Momeraths y los guardias de la Reina de Corazones hasta llegar a la densa y vibrante atmósfera de niebla.
Toca el turno al ambiente tropical en Obana Bay (Bahía Obana) de Lilo & Stitch. Los asistentes podrán evadirse en el estilo de vida hawaiano mientras recorren los recuerdos de Lilo, visitan la playa o intentan subirse a la tabla de surf.
La sala del Oasis Musical de El Rey León transportará a los fans a un ambiente inspirado en la mismísima jungla donde bichos y mariposas se ven inmersos en el mundo de Simba, Timón y Pumba bajo el ritmo de Hakuna Matata.
Figuras a tamaño real de Mickey, Minnie, Donald, Daisy, Goofy y Pluto esperarán en la sala Mickeyverso. Cuando los invitados interactúen con las figuras, el sensor de movimiento se activa permitiendo una animación de arte única con cada uno de los personajes.
La preventa de entradas estará disponible a partir de hoy, 14 de julio hasta el 27 de julio de forma exclusiva para socios de H&M. La compra de entradas estará disponible para todo el mundo a partir del 29 de julio a través del siguiente LINK. Precio de la entrada: 20€/persona.
FREENOW, la superapp de movilidad líder en Europa, que ofrece una amplia gana de vehículos en su aplicación: desde taxis hasta coches compartidos, motos eléctricas, bicicletas eléctricas y patinetes, será uno de los patrocinadores oficiales del evento y ofrecerá un 50% de descuento en los dos próximos viajes para las personas que adquieran entradas de Disney, El Poder de la Amistad: The Experience. La magia de Disney también estará presente en la aplicación de FREENOW durante un tiempo limitado con los iconos de Mickey y Minnie Mouse como protagonistas. Los asistentes podrán disfrutar de FREENOW en el propio evento, a través de la implantación de un coche inspirado en la película 101 Dálmatas.
Dos amigos de toda la vida se encuentran en un callejón sin salida cuando uno de ellos decide abruptamente poner fin a su amistad, con consecuencias alarmantes para ambos.
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Crítica
Desde la austeridad y la parquedad de sus dos protagonistas se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo
Martin McDonagh vuelve a nuestras carteleras con ‘Almas en pena de Inisherin’ tras lograr ser la cinta más nominada a los Globos de Oro (ocho candidaturas) desde que obtuviese ese reconocimiento ‘Cold Mountain’ allá por 2003. En la gala del pasado diez de enero se llevó tres galardones, el de Mejor película (comedia o musical), el de Mejor actor de comedia o musical y Mejor Guión. Me falta por ver aún la película de Spielberg pero la verdad es que no le veo objeciones a la decisión de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que es quien dicta el resultado.
El director de ‘Tres anuncios en las afueras’ se aleja una vez más del ruido de las grandes ciudades para trasladar sus inquietudes en una pequeña localización rural. Con eso ya nos muestra cuánto quiere reducir a lo básico sus argumentos. En esta película que tiene bastantes tintes de parábola bíblica nos presenta Inisherin, un lugar ficticio de las Islas de Arán con una belleza pasmosa. Ahí nos movemos entre casi tres únicas localizaciones, dos casas y un pub. Descubrimos entonces la historia de dos amigos que ven su rutina trastocada por la decisión de uno de ellos.
‘Almas en pena de Inisherin’ se fundamenta en elementos y conceptos primordiales. La palabra sencillez brota entre cada brizna de la verde hierba irlandesa que vemos en pantalla. Esta es la historia de unos pueblerinos ajenos hasta el momento de empezar el filme a cualquier debate sobre la condición humana. El guión y las interpretaciones consiguen que nos pongamos en el papel de los dos protagonistas. Por un lado está un altamente creíble Colin Farrell, quien encarna a una persona que vive feliz llevando una vida de lo más humilde y elemental. En contrapartida está su amigo, quien interpretado por Brendan Gleeson ha tenido un ataque de existencialismo y de repente se ve asaltado por inquietudes o temores vitales que su amigo ni se plantea ni atisba a comprender. Desde la austeridad y la parquedad de sus dos personajes se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo.
Al margen de ese conflicto entre quienes buscan vivir una vida sencilla y quienes ansían dejar una huella indeleble en la historia humana hay un relato aún más simple. La parte que concierne a Farrell nos habla de una pérdida de la alegría, de la violación de una inocencia cultivada durante toda una vida, de un optimismo fruto del aislamiento del resto del mundo. Es un choque de bruces contra la realidad que rompe una envidiosa felicidad.
Fijaos bien en la fotografía de Ben Davis. El autor de las imágenes de ‘Cry Macho’ o de muchos títulos marvelitas ha procurado que el paisaje nos transmita espontaneidad y una rutina de lo más campechana, pero a la vez resultar apabullantemente embriagadora. Merece la misma atención el ritmo que nos brinda el montaje, que no es precisamente ágil pero que extrañamente se hace fugaz. Ha sido obra del ganador del Oscar por ‘Sound of metal’Mikkel E.G. Nielsen que ha sustituido al editor habitual del director, Jon Gregory, a quien va dedicada la película.
El reparto está compuesto por otros muchos irlandeses pero por supuesto son Colin Farrell y Brendan Gleeson quienes lo encabezan, coincidiendo una vez más con el director pues protagonizaron también en ‘In Bruges (Escondidos en Brujas)’. La negrura de aquel filme está también presente en ‘Almas en pena de Inisherin’ pues esta reyerta entre amigos que se torna como una alegoría de esas Guerras Civiles que al final nunca se sabe realmente por qué han comenzado, que tienen algunas treguas en las pequeñas cosas en común y que cada vez se tornan más esperpénticas sin más remedio que la muerte mutua de ambos bandos, sin ganador alguno.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de febrero de 2023. Título original: The Banshees of Inisherin. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Martin McDonagh. Guion: Martin McDonagh. Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan, Pat Shortt, David Pearse, Gary Lydon, Jon Kenny. Producción: Blueprint Pictures, Film 4, Fox Searchlight, Metropolitan Films International. Distribución: Fox Searchlight. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.searchlightpictures.com/the-banshees-of-inisherin/
Inu-Oh, un joven nacido en una familia estimada, sufre una antigua maldición que lo deja al margen de la sociedad. Cuando conoce al músico ciego Tomona, un joven sacerdote Biwa atormentado por su pasado, Inu-oh, descubre una cautivadora habilidad para bailar. A partir de este momento se vuelven inseparables, dando increíbles conciertos a lo largo de distintas ciudades.
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Crítica
Increíble locura y espectáculo musical
Una de las sorpresas, al menos para mí, en el pasado Festival de Sitges, fue ‘Inu-Oh’, dirigida por MasaakiYuasa. ‘Inu-Oh’ es una maravilla visual y musical. No te deja descansar y la verdad se pasa volando. Es verdad que llega un momento que no te estás ni enterando de lo que está pasando, porque te adentran en una atmósfera tan mágica y a la vez llena de música que realmente te pierdes, no fui a la única a la que le ocurrió. Pero no importa, en seguida coges el hilo y el perderte en su locura musical forma parte de esta gran experiencia.
Pero bueno, antes de seguir contándoos mi gran entusiasmo hacía ‘Inu-Oh’, ¿de qué trata la película? Inu-Oh, un joven nacido en una familia estimada, sufre una antigua maldición que lo deja al margen de la sociedad. Cuando conoce al músico ciego Tomona, un joven sacerdote Biwa atormentado por su pasado, Inu-Oh, descubre una cautivadora habilidad para bailar. A partir de este momento se vuelven inseparables, dando increíbles conciertos a lo largo de distintas ciudades. Pero como todo, la gente que está en el poder no se lo va a poner fácil.
Como he dicho, vamos siguiendo la historia de estos dos personajes a través de la música, de los conciertos que se vuelven verdaderos festivales musicales. Llenos de efectos especiales, luces, fuegos artificiales y bailes espectaculares. Pero no solo eso, sino que también vamos conociendo un poco la cultura de aquella época y de como lo diferente no estaba bien visto. Y como la religión puede mucho más que una banda de “rock”.
Aprendemos con esta película a tratar por igual a las personas con distintas discapacidades, pues de estas, salen verdaderas capacidades que muchos querrían para ellos.
Masaaki Yuasa, director de ‘El hundimiento de Japón: 2020’ o ‘El amor está en el agua’, realiza un gran trabajo regalándonos un verdadero espectáculo donde la animación 2D brilla sola. Llena de color y movimiento, como comenté al principio no te deja descansar. Son 98 minutos llenos de melodías y ritmos continuos que hacen que no puedas dejar de admirar la pantalla. Sin duda tenéis que ir al cine a ver esta locura y disfrutarla.
De la música comentaros que se han basado en varias bandas reales, entre ellas Queen, hay una canción que es inevitable no relacionarla con la banda británica. Pero no solo ellos sino también tenemos homenajes a Foreigner y Deep Purple.
Realmente Inu-oh, fue un auténtico artista de Saragaku Noh y tuvo una verdadera amistad con un artista de Biwa, se conoce muy poco acerca de esta amistad y de los artistas, pero me parece un precioso homenaje lo que han logrado con esta ópera rock. Este próximo 25 de noviembre la tendréis en el cine, así que no os la perdáis.
Ficha de la película
Estreno en España. 25 de noviembre de 2022. Título original: Inu-ô. Duración: 98 min. País: Japón. Dirección: Masaaki Yuasa. Guión: Akiko Nogi. Música: Yoshihide Otomo. Animación: Yoshihiro Sekiya. Reparto principal: Avu-chan, Mirai Moriyama, Tasuku Emoto, Kenjirô Tsuda, Yutaka Matsushige. Producción: Science SARU, Aniplex, Asmik Ace. Distribución: Cinemaram Spain. Género: Drama, musical. Web oficial:https://cinemaran.com/
Protagonizada por Itsaso Arana, Mónica Miranda, María Rodríguez Soto, Mariona Terés y Godeliv Van den Brandt
Basada en su propia idea original, Daniel Sánchez Arévalo (‘AzulOscuroCasiNegro’, ‘Diecisiete’) ha escrito y dirigido esta nueva serie que se estrenará el próximo 23 de septiembre. Producida por Atípica Films para Netflix, ‘Las de la última fila’ cuenta con 6 episodios y se ha rodado en varias localizaciones de la provincia de Cádiz y Madrid.
‘Las de la última fila’ es la historia de cinco treintañeras, amigas íntimas desde el colegio y que todos los años sin excepción organizan una escapada de una semana juntas. Este año ha surgido algo que les obligará a inventarse unas nuevas reglas del juego: a una de ellas le han diagnosticado un cáncer. Hay viajes que te cambian la vida para siempre. Hay vidas que te cambian los viajes para siempre.
El reparto principal está encabezado por Itsaso Arana (‘Reyes de la noche’, ‘La virgen de agosto’), Mónica Miranda (‘Todos los saben’, ‘Lo dejo cuando quiera’), María Rodríguez Soto (‘Los días que vendrán’, ‘Com si fos ahir’), Mariona Terés (‘Veneno’, ‘Paquita Salas’) y Godeliv Van den Brandt (‘Valeria’, ‘Sky Rojo’).
El reparto de ‘Las de la última fila’ se completa con la participación especial de actores como Javier Rey (‘HACHE’, ‘Fariña’), Macarena García (‘Paraíso’, ‘El ministerio del tiempo’), Michelle Jenner (‘Los herederos de la tierra’, ‘Isabel’), Carmen Machi (‘Criminal’, ‘Amor de madre’), Antonio de la Torre (‘La trinchera infinita’, ‘La isla mínima’) y Melina Matthews (‘La Peste’, ‘La monja guerrera’).
Briggs (Channing Tatum), un exsoldado, y su perro Lulu, un pastor belga, recorren la costa del Pacífico para llegar a tiempo al funeral de un compañero del ejército. En este divertido road-trip juntos aprenderán a querer de nuevo y se darán el uno al otro la oportunidad de una nueva vida.
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Crítica
Channing Tatum es la cara del buen rollo
Se supone que ‘Dog. Un viaje salvaje’ es la opera prima de Channing Tatum como director. Quizá es darle mucho mérito pues quien ocupa casi el 100% de la pantalla es el actor y la película está co-dirigida junto al guionista Reid Carolin. Pero para ser una primera incursión no está nada mal y además supone poner a Tatum por segunda vez en dos semanas en la cartelera (es protagonista de ‘La ciudad perdida’). Sin duda es un momento dulce para el actor. Carolin ya le produjo en ‘Magic Mike’, ‘Asalto al poder’ o ‘La suerte de los Logan’ y ahora le catapulta y reafirma como una de las estrellas del momento.
En ‘Dog. Un viaje salvaje’ Tatum interpreta a un militar que está en el dique seco. Es un excombatiente con ciertos problemas, que se van desgranando a lo largo del filme, que se muere por volver a la acción. Como prueba de fuego y encargo compasivo su superior le da la tarea de transportar a la fiel compañera de uno de sus hermanos de armas al funeral del mismo. Los problemas vienen cuando descubrimos que esta compañera es una fiera pastora belga malinois entrenada para matar y con la depresión derivada de haber perdido a su camarada de aventuras.
‘Dog. Un viaje salvaje’ es una película buenrollera que sabe sonsacarnos una sonrisa y más de un instante de congoja. La relación entre el militar y la perra es tipo ‘Beethoven’, ‘Socios y sabuesos’ o ‘Superagente K9’, es decir, se llevan mal, muy mal desde el principio pero acaban encontrando la manera de conectar y llevarse bien. Es un filme muy estándar en ese sentido, no obstante engancha gracias a su comedia y a la buena vibra que transmite Tatum. Además esta no es una película de artificios como pudo ser ‘La llamada de lo salvaje’, ni busca que gastemos una caja de kleenex como con ‘Hachico’. Para más inri la perra de la película está excelentemente bien adiestrada y se presta a la acción de la película para transmitir como si tuviese la expresividad de una persona más.
Esta es una película tipo road movie que deja buen sabor de boca pero tiene bastante sensiblería. A ese sentimentalismo contribuye Thomas Newman con su banda sonora, siempre acompañada de sutiles acordes de viento. Más allá de explotar la emotividad que produce la relación entre el hombre y su mejor amigo ‘Dog. Un viaje salvaje’ busca mostrarnos que somos herramientas. En cuanto dejamos de servir al sistema este nos deshecha. Hace poco en mi crítica de ‘Ambulance’ hablaba de cómo la administración norteamericana deja en la cuneta a sus veteranos de guerra y eso vuelve a salir a la luz en la película de Tatum. Pero no es del todo el foco de atención y aunque eso pasa casi de soslayo el filme tiene sus argumentos poco triviales que calan en el espectador.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de abril de 2022. Título original: Dog. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Reid Carolin, Channing Tatum. Guion: Reid Carolin. Música: Thomas Newman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Channing Tatum, Ethan Suplee, Kevin Nash, Jane Adams, Q’orianka Kilcher. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, CAA Media Fiance, FIlmNation Entertainment, Free Association. Distribución: Diamond Films. Género: road movie, drama, comedia. Web oficial:https://www.unitedartistsreleasing.com/dog/
Olivia Baglivi y Milena Smit son Álex y Cata en ‘Libélulas’ la película que supone el debut de Luc Knowles. Una historia de amistad de dos chicas nacidas y criadas en el extrarradio, una periferia solitaria, de comercios vacíos y bares decadentes. Rodeadas de montañas donde sus sueños retumban hasta desaparecer, donde la belleza es un espejismo. Llevan planeando toda su vida una huida, buscando un salvoconducto desde el cual alejarse de su presente para poder olvidar su pasado.
‘Libélulas’ se sumerge en la realidad de las dos protagonistas, sus familias y su grupo de amigos, las semanas previas a la marcha de Álex. Dinero ahorrado, droga robada y una traición harán que la vida de Álex y Cata dinamite apareciendo turbulencias en el frágil vuelo de estas libélulas.
Un debut que cuenta con dos estrellas en ciernes como son Olivia Baglivi y Milena Smit a quienes hemos visto en ‘Inhibidos’ y ‘No matarás’ respectivamente. ‘Libélulas’ se está rodando entre Madrid y Segovia, esta producción de Clapham Films termina de grabarse en julio de 2021.
Licenciado en Sociología en la UA & Máster en Film Studies en UWE le conducen a una carrera audiovisual cimentada en videoclips para artistas como Jonh Vermont, Reyko, Fernando Costa, Follone, Oddliquor… llevando su estética y narrativa hasta la publicidad donde ha trabajado para agencias como Mccan, Ogilvy, Lola, &Rosas, Double You, Casanova, DDB, Equipo Singular, BBDO… y clientes como Burger King, Xiaomi, Vogue, Nike, Axa, Martin Codax, Rioja, Cortefiel, Airbnb o Toyota.
Nuestros Mejores Años es la historia de cuatro amigos Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), contada en el transcurso de cuarenta años, desde 1980 hasta la actualidad. Es un viaje desde la adolescencia a la edad adulta.
Sus esperanzas, sus decepciones, sus éxitos y fracasos son el nexo de una gran historia de amistad y amor a través de la cual se cuentan también Italia y los italianos. Un gran mural que cuenta quiénes somos, de dónde venimos y también dónde irán y quiénes serán nuestros hijos.
Es el gran círculo de la vida que se repite con las mismas dinámicas a pesar de ser épocas diferentes.
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Crítica
Llena de vida, con todo lo que eso conlleva
Unos amigos se conocen en un verano convulso y pasan el mejor estío de sus vidas. A partir de ese momento comienza una relación con idas y venidas, que determinará muchos factores de su vida.
Al igual que en ‘La dolce vita’ de Fellini, Roma y su Fontana de Trevi son testigos de los episodios de las vidas de los protagonistas. Si puede ser que la nueva película de GabrielleMuccino rememore a Fellini pero para mí ‘Nuestros mejores años’ también exhala las maneras de narrar de Scorsese, pausándose en trivialidades o momentos que nos hacen conectar con los personajes. Realmente la película surge de ‘Nos habíamos amado tanto’ de Ettore Scola.
Muccino ha cogido los pasos o el espíritu de ese filme y los ha trasladado a una generación más cercana a nosotros. En concreto nos ubica en el ochenta y dos y nos lleva a lo largo de cuarenta años. Décadas que llena de vida, para bien y para mal.
‘Nuestros mejores años’ está gestionada con elegancia, gracia y veracidad. Seguro que vais a alinearos con más de una situación. Hay camaradería, decepciones, enamoramientos, ganancias, pérdidas, apoteosis, arrepentimientos. Al fin y al cabo lo que ha logrado Muccino y el guionista Palo Costella es remarcar las penas y las pasiones, las tonalidades de la vida.
Me sorprende poder decir esto sobre una película de Muccino cuando los dos trabajos que más me han llamado la atención de su filmografía han sido historias oscuras y tristes como ‘En busca de la felicidad’ o ‘Siete almas’. Pero sorprende largo y tendido con una película que da una de cal y otra de arena, que tiene muchísimo entusiasmo y carácter.
La película dura dos horas y cuarto y no se hacen largas pues nos lleva de un personaje a otro con agilidad y naturalidad. Además, mantiene el interés y la gracia rompiendo la cuarta pared. Cuando parece que hemos llegado a un punto muerto o determinante con un personaje engancha con otro que nos sigue haciendo avanzar en el tiempo.
Me ha encantado la secuencia de la ópera. Pero aún más el discurso que hace el profesor interpretado por Kim Rossi Stuart sobre el reconocimiento, su valor y carácter pasajero. Pero no es lo único que proclama el filme ya que nos habla también de las diferencias entre generaciones, los cambios de la adolescencia a la adultez, de las faenas de la vida… Lo que quiero decir con todo esto es que es una película riquísima en matices.
¿Quién no recuerda las locuras de la adolescencia? ¿Quién no tiene clavada una ruptura y aún así ha logrado perdonar? ¿Quién no ha perseguido un sueño hasta la extenuación? Nos hace vernos como nos ven aquellos que nos conocen desde hace décadas. El de ‘Nuestros mejores años’ es un viaje que reconforta, que ensalza la camaradería, que hace añorar a los buenos amigos y los buenos momentos.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Gli anni più belli. Duración: 134 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Muccino. Guion: Gabriele Muccino, Paolo Costella. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Eloi Moli. Reparto principal: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaría, Nicoletta Romanoff. Producción: Lotus Production, Rai Cinema, 3 Marys Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/nuestros-mejores-anos/
Alexis, a punto de cumplir 16 años, casi se ahoga cuando vuelca su barco en la costa de Normandía. Por suerte, David, de 18 años, le salva heroicamente. Alexis acaba de conocer al amigo de sus sueños. Pero, ¿durará ese sueño más de un verano? El verano del 85.
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Crítica
Ozon destroza la idealización en el amor
François Ozon vuelve a nuestras carteleras tras la muy bien recibida ‘Gracias a Dios’. Y de nuevo la propuesta que nos ofrece consigue ser cómoda e incómoda a la vez. Ozon es muy bueno con sus planteamientos y siempre nos remueve, nos invita a pensar y demuestra ser cineasta de inquietudes.
En ‘Verano del 85’ nos presenta a dos amigos. Esta es la crónica de una muerte anunciada (coger solo el título no conserva similitudes con la novela de García Márquez). Desde el principio nos indican que hay un personaje que ha muerto y desde la obsesión por la muerte de uno de los protagonistas y las pesquisas que se realizan en torno a él se nos narra todo este verano del 85.
Si es verdad que esta película tiene algo de Guadagnino. Pero aunque este filme tiene una importante carga erótica y aborda la homosexualidad para mí más que parecerse a ‘Call me by your name’ como ya he oído se me asemeja a ‘We are who we are’ o a ‘Las niñas’, por relacionarla con títulos recientes. Lo que quiero decir no es que esté influenciada por esos trabajos que han sido estrenados hace poco, sino que se está generando una corriente que intenta inmortalizar de alguna manera cómo ha crecido determinada generación o a qué inquietudes se ha enfrentado.
‘Verano del 85’ es un ensayo sobre cómo nosotros mismos escribimos o re-interpretamos nuestra propia historia. Me gusta su exposición de cómo somos capaces de encandilarnos de una idea y puede llegar a sorprender la lucidez de determinados personajes jóvenes con respecto al tema. Ozon nos expone claramente y desde distintos ángulos cómo a veces lo que amamos es lo que nos imaginamos, no lo que realmente hay. Incluso me atrevo a decir que nos lanza un dardo a todos aquellos que recordamos con anhelo y nostalgia los años 80. ¿Fue realmente una época para enmarcar o nos vendemos una idea idílica de ella?
Muy pocos pondrán también en entredicho que Ozon tanto como guionista o como director sabe construir personajes. En este caso nos pone delante a dos muchachos movidos por pulsiones. Uno en plenas vacaciones (Félix Lefebvre) y el otro materializando el duelo por una pérdida (Benjamin Voisin). Se influyen mutuamente hasta el punto de forzar la relación que surge entre ellos. De manera inconsciente o no, comienzan algo que les marca de por vida. Que uno vaya en un barco con nombre de la enamoradiza Calypso y el otro en uno cuyo significado es “bofetada culo” lo dice todo. Me funciona muy bien el cómo Voisin parece sacado de ‘The Warriors’ con sus pintas, sus maneras y su peine retráctil, atrapando arrolladoramente a Lafebvre, que es un niño más bien discreto. Y también es muy buena tanto la interpretación como la concepción de esa madre compungida y trastornada encarnada por Valeria Bruni Tedeschi.
Vais a extraer buenas escenas de esta película cuando os pongáis a recordarla. Su arranque es muy potente y tiene intensos momentos, como el de la discoteca o el de la trastienda. Quizá no es la mejor película de Ozon pues se hace aburrida en algunas escenas muy extendidas, pero es un filme que traerá recuerdos a muchos y que a otros les hará cavilar.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de octubre de 2020. Título original: Été 85. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Música: Jean-Benoît Dunckel. Fotografía: Hichame Alaouie. Reparto principal: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Isabelle Nanty, Melvil Poupaud, Valeria Bruni-Tedeschi. Producción: Mandarin Productions, FOZ, France 2 cinema, Playtime Production, Scope Pictures, Radio Télévision Belge Francophone, Canal+, OCS, France Télévisions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial:https://www.golem.es/distribucion/peliculas/verano-del-85/
Una amistad quebrada por el odio y la búsqueda de la verdad
HBOva a ser la encargada traernos la novela de Fernando Aramburu en formato de serie, ‘Patria’ nos lleva al día en el que ETA anuncia el abandono de las armas. Este día, Bittori decide regresar a su casa en el pueblo, su hogar que tantas alegrías y disgustos le ha dado, del que tuvo que huir después del asesinato de su marido. Esta vuelta al hogar revuelve las consciencias de Miren y su marido los cuales eran sus antiguos amigos.
A través de estas dos mujeres vivimos el conflicto vasco fuera de la política, como se vivió en las calles, en los pueblos y sobre todo en las casas. Bittori, acosada y viuda y Miren su mejor amiga, una mujer que se vuelve pro ETA por su hijo y su familia.
Me encanta la manera que tiene de contar la historia Aramburu, a través de flashbacks vamos conociendo la historia de estas dos familias, de su amistad y de como todo fue destruido por miedo y odio. Es maravilloso que podamos conocer en cada momento los pensamientos de cada uno, aunque admito que en un principio se me hizo un tanto lioso, pero hace que nos metamos más en esta historia y sea más realista.
A la hora de tratar el conflicto, como he dicho, ‘Patria’ nos muestra las dos caras, las víctimas de los terroristas acosados hasta que o mueren o tienen que huir, pero también vemos las caras de los terroristas, el sufrimiento de las familias que por supuesto no quedan nada bien paradas en esta sociedad.
Es bastante triste ver el odio que se fraguó entre gente que eran amigos de toda la vida por miedo. Me gusta como describen todo tipo de situaciones, desde comidas entre ambas familias llenas de felicidad y armonía y como a partir de un momento le niegan el saludo al que está en el punto de mira.
Conocemos a todos los miembros de ambas partes, por la parte de Bittori; conocemos por supuesto a El Txato, su marido muerto; Xabier el hijo mayor que intenta sobrellevar todo su dolor con el trabajo; Nerea, su hija que parece ser que prefiere olvidar todo lo ocurrido, cosa que a Bittori la lleva por el camino de la amargura. Mientras que en la familia de Miren, tenemos a Joxian su marido y mejor amigo de El Txato, es al que más le pesa toda la situación vivida; Joxe Mari, su hijo mayor y miembro de ETA; Gorka su hijo menor que intenta evitar por todos los medios acabar como su hermano y Arantxa, su hija que sufre todo el mal karma de esa familia en carnes propias.
‘Patria’ es un libro muy ligero, donde la búsqueda de la verdad se convierte en una obsesión. Te adentras en la historia desde la primera página y os puedo decir que si os dejáis llevar el libro no os dura ni un día. Una novela que os hará pensar mucho.
Un vagabundo se hace amigo se hace amigo de un empleado de una funeraria bastante peculiar. Entre ellos surge una asociación bastante improbable. Sin embargo entre ellos surge la paranoia y empiezan a cuestionarse conceptos como la amistad y la lealtad.
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Crítica
La mejor película en la que aparece e intenta actuar Tommy Wiseau
Ya me he topado las suficientes veces en el cine con Tommy Wiseau y hablado con gente que ha trabajado con él como para tener una opinión sólida sobre su persona y talento. Tras haberle visto, por supuesto, en ‘The Room’ y posteriormente en ‘Samurain Cop 2’, ‘Cold Moon’ o ‘The disaster artist’ puedo decir con mucho esfuerzo, aunque haciendo justicia, que este es el mejor título en el que aparece Tommy Wiseau. Pero puedo ir más allá, si no me había gustado ninguna de las películas en las que ha intervenido, aunque sea solo con un cameo, con ‘Best F(ri)ends’ debo admitir contra todo pronóstico que incluso me ha gustado.
Tommy Wiseau es una persona tan peculiar que es capaz de convertir un viaje entre amigos en una lucha por su supervivencia llena de paranoia. Eso nos aseguran que pasó realmente en esa excursión que hizo con Greg Sestero, en la cual se basa ‘Best F(r)iends’. Sestero ha escrito el guión y Justin MacGregor lo ha dirigido. Un desconocido y primerizo director con mucho más talento que Wiseau, eso queda claro nada más ver el plano aéreo que abre el filme.
La película comienza con una misteriosa situación para el personaje de Sestero y toda ella está rodada desde su punto de vista. Él es un vagabundo que conoce a un funerario (Wiseau) que le acoge y da empleo. Arranca ahí una historia de amistad con más de una referencia a ‘De ratones y hombres (Of Mice and Men)’ de John Steinbeck. A partir de entonces los elementos enigmáticos se amplían ya que Harvey Lewis (Wiseau) también tiene sus cosas raras y ocultas. La trama avanza de manera correcta e incorpora elementos de thriller a un ritmo adecuado y sin necesidad de elipsis o flashbacks. Vi esta película tras una maratón de CutreCon a las doce de la noche y cuando llegó el final me di cuenta de que no es que no me hubiese dormido, si no que me había entretenido. Y es más, me quedé con ganas de ver cuanto antes la segunda parte porque te dejan con intriga. Curiosidad que fue en aumento con la extrañísima escena final y su escena post-créditos.
Pero aparte de suspense con la película puedes sentir ganas de reír. Principalmente por las incoherentes frases que dice Wiseau con su inconfundible acento y por la manera de actuar tan horrible que tiene. Es una persona tan peculiar y extravagante que el personaje raroso que le han dado le viene como anillo al dedo. No sé porqué se empeña en hacer esas risas tan falsas y en cantar de ese modo tan esperpéntico.
Salta a la vista que ‘Best F(r)iends’ tiene mejor factura que ‘The Room’, por lo menos tiene más escenarios y el diseño de producción es mucho más pulido y convincente. Y desde luego está claro que intenta vivir del fenómeno generado por sus dos protagonistas con ‘The Room’. Ya no solo conservando unas actuaciones bastante malas si no introduciendo guiños muy reconocibles por aquellos que hayan visto la desastrosa obra de Wiseau. Está el absurdo momento pasándose la pelota o la manera de saludar con un «oh! Hi…». También aparece el DVD de la película en una de las habitaciones del filme. Lo curioso es que en todo el filme, tiendo a pensar que de manera intencionada, no aparece ninguna cuchara, hasta el punto de comer una tarta con tenedor. Ahora es cuando podemos dudar de si Wiseau se aprovecha del personaje que ha creado involuntariamente para seguir explotándolo o si realmente es tan malo. Me da la espina que sucede un poco de cada.
Aunque está bien rodada y la historia es interesante hay alguna que otra pega que va a parte del trabajo de sus actores protagonistas. La banda sonora está compuesta de una música pop que parece sacada de un anuncio de ropa. No es que no sea partidario de ese tipo de música, es que la mayoría de veces no pega ni con cola. No me extraña que suceda esto pues su compositor es Daniel Platzman, al que seguro que habéis oído en títulos como ‘Escuadrón Suicida’ o escuchado en algún concierto ya que es el batería del grupo Imagine Dragons.
La verdad es que puedo entender que tenga medias de puntuaciones en torno a un seis en páginas como IMDB o Rotten Tomatoes y eso que nosotros no somos de dar puntuaciones, pero las impresiones son satisfactorias. Pensaba que el fenómeno de culto de ‘The Room’ y el éxito de ‘The Disaster Artist’ habrían producido daños colaterales con otra majadería de Tommy Wiseau y Greg Sestero. Pero ciertamente si me pones esta película con unos actores diferentes, actuando como es debido, podría decir que es un título muy bueno. Pero esas interpretaciones que responden al intento de continuidad de unos personajillos o a la falta de talento hacen que se quede en un «necesita mejorar». Tengo que reconocer que me he entretenido con el guión de Sestero, pero los encuentros con el inconfundible Wiseau distraen mucho la atención, además de causar carcajadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de enero de 2019 (CutreCon). Título original: Best F(r)iends: Volumen 1. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Justin MacGregor. Guion: Greg Sestero. Música: Daniel Platzman. Fotografía: Justin MacGregor, Farhman Umedaly. Reparto principal: Tommy Wiseau, Greg Sestero, Kristen StephensonPino, Paul Sheer. Producción: Sestero Pictures. Distribución: proyectada en festival. Género: thriller. Web oficial:https://www.bf-movie.com/
Europa, 20.000 años atrás. En mitad de su primera cacería con el grupo de élite de su tribu, un joven es herido y dado por muerto. Al despertar se encontrará débil y solo, y deberá aprender a sobrevivir y abrirse camino ante la dura y cruel naturaleza. Acompañado a regañadientes de un lobo abandonado por su manada, los dos aprenderán a confiar el uno en el otro, convertirse en aliados y superar los innumerables peligros para, contra toda posibilidad, encontrar el camino a casa antes de que llegue el letal invierno.
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Crítica
Una habilidosa foto de cuando evolucionamos incorporando a nuestra vida el respeto por los animales
Hace 20.000 años, en época de la última glaciación. En ese marco temporal está ‘Alpha’. Ubicada en Europa, probablemente en el norte por las auroras boreales que nos enseña y por el arte con espirales tan propio de culturas de la zona y que podemos ver varias veces en la película. Una época de la que tenemos constancia científica de sus dietas, tipos de caza e incluso instrumentos musicales. ¿Por qué no suponer que surgieron entonces los primeros indicios de colaboración entre el perro o el hombre? Hay estudios genéticos que respaldan esta afirmación, que nos relacionan con lobos hace miles de años en lugares como el mítico túmulo de Newgrange.
Aunque esto que os diga os pueda parecer sacado de un documental y el inicio de la película parezca uno al estar acompañado de la voz de Morgan Freeman, quien ha narrado muchos reportajes, ‘Alpha’ solo emplea todos estos elementos para ubicarnos. Tras el arranque y presentación la película deja de lado cualquier sensación didáctica para entrar en una ficción de supervivencia.
El relato de la película de Albert Hughes (‘El libro de Eli’) es muy clásico en lo que se refiere a la concepción de sus personajes. Pero emplea argumentos mucho menos manidos al generar la relación de amistad entre la criatura cuadrúpeda y el humano. Se basa en pequeños gestos que tienen grandes consecuencias. No corre para ir al meollo de la cuestión si no que hasta la mitad de la película no empieza con ese vínculo que convierte a los enemigos en aliados. Con algunos espectadores esta tardanza en alcanzar el tema del filme puede ser un factor en contra.
No se ha intentado centrar la atención en la típica camaradería entre el cánido y el humano. Cada uno tiene su motivación y aprovecha la compañía y sorprendente colaboración del otro para salir adelante. De este modo se ha conseguido una historia más creíble y plausible. Pensaba que me iba a encontrar además con una cinta sentimentaloide o con ánimos de pintarlo todo hermoso, pero no ha sido así. Lo que se ha rodado me parece bastante coherente.
Pese a ello la historia, aunque bien contada, se queda en algo un tanto sencillo. Tenemos una búsqueda del valor, un paso a la madurez, un anhelo por el reconocimiento paterno y una amistad inaudita. En torno a esos temas universales se ha narrado una aventura de resistencia a vida o muerte y en equipo que se consume bien gracias a su fotografía.
Desde el principio Martin Gschlacht, responsable de las imágenes que vemos, se gusta con el paisaje y las escenas. Ha dado al filme un tono tosco, sucio y duro. Empleando una colección de tomas de alto contraste y varias cámaras lentas nos transporta a nuestro gélido pasado. Sin duda el mayor valor de este filme es su arte visual.
A su protagonista, Kodi Smit-McPhee, le habéis podido ver antes en ‘X-Men: Apocalipsis’, ‘Déjame entrar’ o ‘The Road’. En esta película encarna a alguien que podría llamarse el primer animalista de la historia. Le ha tocado trabajar con animales, imágenes generadas por ordenador y bastante acción. No se desenvuelve mal y mantiene bien el tipo durante toda la película, es bueno poder decir que no nos hartamos de su actuación ni de su personaje y eso que acapara casi todo el tiempo de pantalla.
Humanos salvajes que se ganan el respeto entre ellos y que adquieren respeto por los animales. Esa podría ser una frase que sintetice la película y que lamentablemente a veces no podríamos aplicarla al día a día.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de agosto de 2018. Título original: Alpha. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Albert Hudges. Guion: Dan Wiedenhaupt. Música: Joseph S. DeBeasi, Michael Stearns. Fotografía: Martin Gschlacht. Reparto principal: Kodi Smit-McPhee, Jóhannes Haukur Johannesson, Natassia Malthe, Leonor Varela, Jens Hultén, Priya Rajaratnam, Spencer Bogaert, Marcin Kowalczyk. Producción: Studio 8. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial:http://www.alpha-themovie.com/
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