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Crítica: ‘La sustancia’

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Sinopsis

¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Tú. Solo que mejor en todos los sentidos.

Tienes que probar este nuevo producto. Se llama La Sustancia.

Genera otra tú. Una nueva tú, más joven, más bella, más perfecta.

Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?

Si respetas el equilibrio… ¿Qué podría salir mal?

Crítica

Bofetada embadurnada de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi y lo más viscoso de Cronenberg

‘La sustancia’ es una película que ha suscitado múltiples reacciones desde su proyección en festivales, y no es para menos, ya que se trata de un thriller de terror y ciencia ficción que, además de sus impactantes escenas visuales, carga con una crítica social profunda. Inicialmente podría haber sido la última película protagonizada por Ray Liotta, pero su inesperada muerte dio lugar al fichaje Dennis Quaid, quien se encargó finalmente de asumir este trabajo, de una manera desatada, he de decir. Sin embargo, más allá de las circunstancias que rodearon su producción, ‘La sustancia’ destaca por su protagonismo femenino y se revela como una reflexión sobre la industria de la imagen y su implacable tratamiento hacia las mujeres que sobrepasan cierta edad. Y aunque ese alegato en contra del olvido que sufren las estrellas femeninas es el eje que vertebra el filme, ‘La sustancia’ funciona también como hipérbole hacia la presión de los cánones estéticos promovidos por las redes sociales.

Una de las claves para entender el género en el que se mueve ‘La sustancia’ es su conexión con la película de culto de serie B, ‘Rejuvenatrix’ de Brian Thomas Jones. Aunque no se trata de un remake oficial, las similitudes temáticas son claras: ambas películas exploran la obsesión con la juventud eterna y las terribles consecuencias mentales que pueden derivarse de ello. Aunque hay un atajo a través de la química no estamos hablando de la obsesión de dos mujeres por ser jóvenes como aquella exploración que llevó a cabo en clave de comedia Robert Zemeckis con ‘La muerte os sienta tan bien’. Si que podemos hablar de una «traición» de la ciencia al estilo ‘La mosca’. Estamos ante una crítica social más agresiva que también tiene algún cruce temático con otra película de Cronenberg como ‘Rabid’. El filme no solo juega con el terror corporal, sino que utiliza la transformación física de sus personajes como una metáfora de algo mucho más oscuro: el miedo, especialmente en la industria de Hollywood, a envejecer, y más específicamente, el temor de las mujeres a ser desplazadas y olvidadas simplemente por no cumplir con los estándares de belleza y juventud. Está repleta de momentos cargados de un erotismo provocador y de ese modo se alza como una bofetada cruda en toda la cara que muta de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi a lo más viscoso del ya citado Cronenberg.

El personaje central, interpretado con notable vulnerabilidad gracias al talento de Demi Moore en tándem con Margaret Qualley, refleja esta angustia de manera devastadora. Su lucha por preservar su apariencia joven a través de medios extremos y peligrosos no es solo un símbolo del horror, sino también una representación real de las expectativas inhumanas que muchas mujeres enfrentan en la industria. Son argumentos heredados de la cultura falocentrista que la directora Coralie Fargeat ya exploraba en ‘Revenge’, pero en esta ocasión se desarrollan con mucho más acierto y crudeza.

Comentaba que el filme tiene algo de Benny Benassi y es que nos adentramos en un mundo de completa belleza plástica. En cuanto al apartado visual, ‘La sustancia’ se apega a muchos de los tropos característicos del cine de terror de serie B. Sus efectos especiales, aunque efectivos en términos de generar horror, no se alejan demasiado de lo que esperaríamos de una producción de este calibre. No obstante, lo que le otorga un valor adicional es su capacidad para entrelazar este terror físico, la casquería, con una crítica mucho más intelectual y de gran relevancia. Las escenas espeluznantes, en las que la protagonista sufre una metamorfosis grotesca y demencial, no solo apelan al horror visceral, sino que nos obligan a reflexionar sobre los sacrificios absurdos que la sociedad demanda. A muchos españoles les puede recordar a las «iniciativas» de la Pedroche. Si en algo acierta esta película es que en la realidad muchas personas llegarían a los extremos del personaje de Moore si tuviesen al alcance las mismas oportunidades. Es en este punto donde ‘La sustancia’ cobra vida propia, alejándose de ser simplemente una película de terror más. Su capacidad para generar impacto va mucho más allá de los sustos baratos o el gore. La verdadera fuente de terror reside en el mensaje que nos entrega: el miedo que sufre a diario las personas que trabajan con su imagen y son conscientes de la huella del tiempo. En una industria que parece obsesionada con la juventud, las mujeres se ven obligadas a recurrir a medidas extremas para mantenerse vigentes, y en este caso, el terror no solo está en la pantalla, también en nuestras casas, desde las que a diario subimos selfies, vídeos y demás giliflauteces. Es la democratización del miedo a no poder vivir de nuestra joven imagen.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2024. Título original: The Substance. Duración: 140 min. País: Reino Unido. Dirección: Coralie Fargeat. Guion: Coralie Fargeat. Música: Raffertie. Fotografía: Benjamin Kracun. Reparto principal: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Gore Abrams, Tom Morton. Producción: Working Title Films, A Good Story, Blacksmith. Distribución: Elástica Films, Filmin. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-sustancia/

Diario de Sitges 2024. 3 de octubre

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Lo nuevo de Soderbergh abre Sitges 2024

Estamos de vuelta. Ha empezado la 57ª edición del Festival de Sitges y como cada año iniciamos nuestros diarios con experiencias, declaraciones y críticas de lo que veremos día a día. Estad atentos a nuestras redes que comentaremos decenas de títulos, gran parte de ellos ya con distribuidoras que los van a mostrar en España.

‘Presence’, el nuevo estreno de Steven Soderbergh, ha sido la película inaugural acompañada de títulos como ‘House of Boils’ la nueva versión de ‘El misterio de Salem’s Lot’ llevada a cabo por Gary Dauberman. El director estadounidense ha estado presente y por la alfombra roja han desfilado nombres como Fred Dekker, Carlota Pereda, Lisa Dreyer y Christophe Gans, miembros del Jurado Oficial de Sitges 2024.

Casi todas las secciones del festival han tenido ya proyección en esta jornada inaugural de Sitges 2024. Pero también han comenzado algunas de las múltiples secciones que pueden visitar los asistentes entre cine y cine. La zona gastronómica FOODTASTIC está ya abierta, la FANSHOP ofrece su terrorífico merchanddising, el CENTRE CULTURAL MIRAMAR ya aloja el pasaje del terror bautizado como RODAJE MALDITO, las exposiciones ONE OF US!!! A FREAKS COMIC TRIBUTE y Los extraños colores de Vranckx.

A continuación, como siempre, breves reseñas de lo proyectado y visto durante el día de hoy. Como otros años iremos publicano también críticas extendidas que podéis encontrar aquí enlazadas.

‘El segundo acto’ (crítica completa)

Comedia surrealista en la que Quentin Dupieux sigue fiel a su estilo peculiar, sobre todo el de los últimos años en los que con películas como ‘Daaaaaali!’ o ‘Fumar provoca tos’ nos ofrece una narrativa con giros inesperados y montajes desconcertantes. En esta ocasión la baza que juega el director y DJ francés es la de mezclar realidad con ficción, lo cotidiano con lo irracional.

El filme está a medio camino entre lo que buscan los muy cafeteros de Dupieux y lo apropiado para acercarse por primera vez a su cine. Si bien no es una obra para todos los gustos, es un viaje que recompensa a quienes están dispuestos a aceptar el surrealismo como una exploración de lo absurdo en la vida moderna. Puede ser desconcertante para algunos espectadores, ya que desafía las convenciones narrativas y nos invita a sumergirnos en un caos controlado embadurnado de metacine y figuras retóricas.

Romper la cuarta pared es poco para Dupieux que es capaz de romper esquemas atreviéndose más que nunca con temas actuales que presentan dilemas morales y tecnológicos. ‘El segundo acto’ podría ser un alegato contra aquello que amenaza la espontaneidad y naturalidad de lo humano.

Comentado por Furanu.

‘Twilight of the Warriors walled in’ (crítica completa)

‘Twilight of the Warriors: Walled In’, basada en ‘City of Darkness’ de Li Jun, retrata la decadencia de Kowloon, una caótica y sobrepoblada ciudad dentro del Hong Kong británico, pero sin pertenecer realmente a ningún país. Fue refugio de criminales y desamparados. Dirigida por Soi Cheang, la película se cimenta en bandas criminales y venganzas. A nivel visual, mezcla la atmósfera opresiva de películas del tipo terror japonés con intensas secuencias de acción acrobática, influenciada por el cine de Jackie Chan, Jet Li y Chow Yun-Fat. Aunque entretenida, su enfoque en la acción extrema sacrifica profundidad emocional y realismo. La actuación de Raymond Lam destaca, pero el guion es criticado por sus giros previsibles y falta de matiz social.

Comentado por Furanu.

‘Nightwatch: Demons Are Forever’ (crítica completa)

Secuela del título danés de 1994 que también estaba dirigida por Ole Bornedal (‘The Possession: El origen del mal’) y contaba con Nikolaj Coster-Waldau como protagonista. Su hija (Fanny Leander Bornedal, hija también del director) indaga sobre el trágico pasado de este deprimido vigilante nocturno, sobre el cual pesa la sombra de la muerte y el crimen

Ambos se sumergen en una trama en la que se mezclan con los fantasmas interiores con los secretos. Historia de serial killer e imitador. De fetiches y problemas mentales. Sobre todo de dramas y traumas. ‘Nightwatch: Demons Are Forever’ parte de una premisa interesante, pero se estanca rápidamente en un intento de profundizar en el tormento emocional de sus personajes, lo que acaba entorpeciendo la dinámica narrativa.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Nightwatch: Demons Are Forever’

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Sinopsis

La hija de Martin, Emma, se reúne con Wörmer en su celda de aislamiento, lo que saca al comisario convicto del coma y pone en marcha una cadena de acontecimientos fatídicos.

Crítica

Se ahoga en sus propios fantasmas emocionales

Secuela del título danés de 1994 que también estaba dirigida por Ole Bornedal (‘The Possession: El origen del mal’) y contaba con Nikolaj Coster-Waldau como protagonista. Su hija (Fanny Leander Bornedal, hija también del director) indaga sobre el trágico pasado de este vigilante nocturno, sobre el cual pesa la sombra de la muerte y el crimen.

Ambos se sumergen en una trama en la que se mezclan con los fantasmas interiores con los secretos. Historia de serial killer e imitador. De fetiches y problemas mentales. Sobre todo de dramas y traumas. Esto último ralentiza la trama y la somete a la pesadumbre y la aflicción, lo cual se hace aburrido. ‘Nightwatch: Demons Are Forever’ parte de una premisa interesante, pero se estanca rápidamente en un intento de profundizar en el tormento emocional de sus personajes, lo que acaba entorpeciendo la dinámica narrativa.

Si bien la atmósfera lúgubre y el juego de luces y sombras rememoran los elementos más inquietantes de su predecesora, esta secuela parece no tener claro si quiere ser un thriller psicológico o una película de terror. La mezcla de géneros no es tan fluida como en el original, y eso le resta coherencia al desarrollo de la trama. Los intentos por mantener el suspenso se ven empañados por largas escenas de introspección que, en lugar de generar empatía o conectar con los miedos más profundos de los protagonistas, resultan monótonas y forzadas.

Por otro lado, las actuaciones son dispares. Fanny Leander Bornedal, quien interpreta a la hija del personaje de Coster-Waldau, no logra aportar la fuerza emocional necesaria en su papel, lo que contrasta con la sobriedad del propio Nikolaj, quien retoma su rol con más eficacia. La química entre ambos personajes, crucial para sostener la carga emocional de la historia, se siente débil y no alcanza el peso que la película necesita para involucrar al espectador.

La historia de ‘Nightwatch 2’ cuenta con algún que otro giro que dispuesto dentro de otra narrativa más ágil habría sido interesante, pero se presenta de manera predecible y sin el impacto necesario. Incluso los elementos truculentos, que deberían haber sido una herramienta poderosa para intensificar el miedo y el misterio, se sienten desaprovechados, relegados a meros sobresatos puntuales que no logran sostener la tensión. Por lo menos es conclusiva y no promete tercera.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre e 2024. Título original: Nattevagten – dæmoner går i arv. Duración: 110 min. País: Dinamarca. Dirección: Ole Bornedal. Guion: Ole Bornedal. Música: Ceiri Torjussen. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Kim Bodnia, Fanny Bornedal. Producción: Nordisk Film Production. Distribución: Filmax, Divisa Films. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.nordiskfilm.com/business-areas-0/nordisk-film-production

Crítica: ‘Twilight of the Warriors: Walled In’

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Sinopsis

En los años ochenta, el único lugar de Hong Kong donde no se aplicaba la ley británica era la temida Ciudad Amurallada de Kowloon, un enclave entregado a las bandas y al tráfico de todo tipo. Huyendo del poderoso jefe de las tríadas Mr. Big, un inmmigrante ilegal se refugia en Kowloon City, donde es acogido bajo la protección de Ciclón, su líder.

Crítica

Una curiosa aberración histórica a través de una vibrante acción fantasiosa

Basada en ‘City of Darkness’, la obra de Li Jun, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ nos recuerda una de las mayores aberraciones creadas por el hombre a partir de las crisis humanitarias, los abusos de poder y la construcción desmedida. Hablamos de Kowloon, una ciudad de unos mil años de antigüedad que alcanzó su cúspide y a la vez miseria en la segunda mitad del siglo XX. Llegó a acoger a más de 50.000 personas y se encontraba dentro del Hong Kong británico pero no formaba parte ni de la colonia ni del gobierno chino. Tierra de nadie, refugio de delincuentes, de refugiados indocumentados o de simplemente humildes trabajadores sin recursos.

Para horror de los partidarios de los rodajes sostenibles, para rodar la película supuestamente hicieron una réplica a escala real que después demolieron. Este lugar que estaba limitado en cuanto a lo horizontal por los territorios colindantes y en lo vertical por el espacio aéreo, es el escenario para una película de artes marciales místicas y mafiosos. Emigrantes, bandas criminales emergentes, luchas de poder, un joven adentrándose en un agujero de delincuentes y venganzas enquistadas… Casi parece que hablamos de ‘Gangs of New York’ pero la película de Soi Cheang tiene un carácter diferente. La ciudad aparece retratada también como una verdadera aberración humana hecha a retales pero el toque oriental le da dos importantes rasgos de diferenciación.

Por un lado la fotografía logra crear imágenes que parecen sacadas de una película de terror japonés (J-Horror), con sombras densas, callejones opresivos y multitud de detalles mugrientos que transforman a Kowloon en un personaje tan aterrador como cualquier villano. Por otro está el género, la acción. El filme no es de estos que den poco descanso al espectador y a su protagonista, pero cuando vemos acción la cosa se pone vertiginosa. Soi Cheang ha optado por secuencias acrobáticas que bien se podrían haber amoldado como herederas al cine del hongkonés Jackie Chan. Pero va más allá, entrando en el terreno de lo fantasioso y a muchos les va a rememorar a las películas de Jet Li o a las del también hongkonés Chow Yun-Fat, donde las coreografías sobrepasan lo imposible. Este extremismo tiene un doble filo: mientras mantiene al espectador entretenido, también socava cualquier intento de realismo o conexión emocional más profunda. Pero si sabes a lo que vas, a la acción sin límites, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ no te decepcionará.

El filme puede servir para dar a conocer a la estrella china Raymond Lam, sobre todo si se culmina su aspiración a participar en los Oscar. Quizá habría ganado enteros si hubiese aprovechado su curiosa historia para lanzar algún tipo de mensaje que fuese más allá de la venganza y el poder de los criminales. Lejos de buscar un matiz social a las rencillas que dan pie a esta película no se compromete a explorar nada profundidad. Y por si fuese poco los giros de guión se perciben demasiado fortuitos, a veces casi telenovelescos.

El filme está dedicado a Bruce Yu, cuyo arte y vestuario conoceréis si habéis visto películas como ‘Detective Dee’ o ‘Mulan’ (la china de 2009). No dudo que ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ le habría venido como anillo al dedo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jiu Long cheng zhai · Wei Cheng. Duración: País: Hong Kong. Dirección: Soi Cheang. Guion: Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun, Kwan-Sin Shum. Música: Kenji Kawai. Fotografía: Cheng Siu-Keung. Reparto principal: Raymond Lam, Louis Koo, Sammo Kam-Bo Hung, Richie Jen, Chun-Him Lau, Philip Ng, Tony Tsz-Tung Wu. Producción: Entertaining Power, HG Entertainment Film Company, Lian Ray Pictures, Media Asia Films, One Cool Film Production. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://entertainingpower.com/portfolio-items/twilight-of-the-warriors-walled-in-3/?portfolioID=53

Crítica: ‘El segundo acto’

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Sinopsis

Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está locamente enamorada, a su padre. Pero David no se siente atraído por ella y quiere arrojarla a los brazos de su amigo Willy.

Crítica

Quentin Dupieux es una fuente inagotable de ideas

Si hay un director que ejerce como autor manteniéndose fiel a su estilo en la actualidad ese es Quentin Dupieux. Caracteriza su cine una mezcla de lo ridículo y lo ingenioso. Pero siempre procura innovar de alguna manera. Con ‘El segundo acto’ incorpora alguna escena cruda y momentos satíricos que nos hacen pensar que se acerca al estilo de Lanthimos pero sin olvidar que lo suyo es el absurdo.

‘El segundo acto’ es una comedia surrealista en la que Quentin Dupieux sigue fiel no solo a su estilo peculiar, sino también a algo que viene haciendo en los últimos estrenos con películas como ‘Daaaaaali!’ o ‘Fumar provoca tos’, que viene a ser ofrecernos una narrativa con giros inesperados y montajes desconcertantes. En esta ocasión la baza que juega el director y DJ francés es la de mezclar realidad con ficción, lo cotidiano con lo irracional.

Nos presenta primero a un hombre agobiado y estresado para posteriormente dejarle en el banquillo. Nos lleva a continuación por una trama compuesta solo por cuatro personaje que se antoja la mar de sencilla pero que se complica en cuanto a cómo se mezcla lo actoral con lo real. El filme está a medio camino entre lo que buscan los muy cafeteros de Dupieux y lo apropiado para acercarse por primera vez a su cine. Si bien no es una obra para todos los gustos, es un viaje que recompensa a quienes están dispuestos a aceptar el surrealismo como una exploración de lo absurdo en la vida moderna. Puede ser desconcertante para algunos espectadores, ya que el filme desafía las convenciones narrativas y nos invita a sumergirnos en un caos controlado.

Romper la cuarta pared es poco para Dupieux que destruye esquemas atreviéndose además más que nunca con temas actuales que presentan dilemas morales y tecnológicos. ‘El segundo acto’ podría ser un alegato contra aquello que amenaza la espontaneidad y naturalidad de lo humano. Quizá, como argumentación en favor del trabajo que cuesta hacer una película a mano y sin herramientas como la IAs (aunque este genio hace dos al año) ha dejado unos peculiares créditos.

La película tiene momentos de pura brillantez cómica, aunque también puede sentirse tragicómica por lo que les pasa a algunos personajes. ‘El segundo acto’ destaca por su capacidad de sorprender constantemente. Será un reto para algunos espectadores y sin duda lo ha sido para los actores. El filme dispone de varios planos secuencias, que no tienen mérito técnico alguno pues se habrán rodado con suma facilidad. Sin embargo, actores de la talla de Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard y Louis Garrel habrán tenido el desafío de aprenderse unas largas línea de texto. Y es que Dupieux también se caracteriza por ser capaz de engancharnos con diálogos largos e incluso redundantes, pero nunca extenuantes.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de enero de 2025. Título original: Le deuxième acte. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard, Louis Garrel, Manuel Guillot. Producción: Chi-Fou-Mi Productions, Arte France Cinéma, Canal+, Netflix, ARTE, Ciné+, Cinéaxe 5, Cofinova 21. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:

Crítica: ‘Joker: folie à deux’

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Sinopsis

Arthur está internado en el psiquiátrico de Arkham en espera de juicio por los crímenes que cometió como Joker. Mientras lucha con su doble personalidad, Arthur no sólo se da de bruces con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.

Crítica

Un caos de capricho musical y desconexión narrativa

‘Joker: Folie à Deux’, la esperada secuela del aclamado filme de 2019 dirigido por Todd Phillips y protagonizado por Joaquin Phoenix, es un experimento cinematográfico que intenta capturar la esencia psicótica y caótica del famoso villano de cómic, algo que se hizo ya en su primera película de orígenes pero en esta ocasión adopta una perspectiva más peculiar y arriesgada. Aunque el resultado es ambicioso y unos pocos de sus elementos son dignos de elogio, tiene fallos que podrían hacer que no conecte con los espectadores.

La elección de abordar esta secuela como un musical es, sin duda, la decisión más arriesgada. Este giro hacia lo musical es interesante, pues refleja el concepto del ‘folie à deux’. El delirio compartido entre dos individuos se expresa de la misma manera que la música es capaz de llevarnos a personas diferentes al mismo estado mental o anímico. Mientras determinadas secuencias musicales logran capturar el desorden psicológico de Joker y Harley Quinn, la mayoría pueden sentirse forzadas y sacan al espectador de la oscura atmósfera que Phillips había establecido en la primera entrega. La transición entre la cruda realidad y el espectáculo musical no siempre es fluida, lo que provoca una desconexión en el tono de ‘Joker 2’. Por no decir que desdibuja la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir. El recurso es sencillo, cambio a música y color para mostrar la enajenación que comparte el duo, pero el filme se olvida poco a poco de ello, perdiéndose en una concatenación de temas nada pegadizos. Incluso hay que decir que seguidores de la primera entrega (entre los cuales me cuento), que esperaban una secuela igual de sombría, psicológica e incluso social, podrán sentirse desconcertados por este enfoque que se percibe completamente aburrido.

En cuanto a la actuación, Joaquin Phoenix vuelve a entregarse por completo a su papel como Arthur Fleck, ofreciendo una actuación tan inquietante y perturbadora como en ‘Joker’. En este ‘Joker 2’ Phoenix explora las profundidades de la psique del villano de Batman, ahora enfrentando no solo su locura interna, sino también su extraña relación con Harley Quinn y la reacción de la sociedad. La incorporación de Lady Gaga como el amor del también conocido como El Guasón en ciertos países añade poco carisma la película. Al margen de lo que se puede haber modificado el originen de este personaje, la relación con el Joker se desenvuelve a través de números musicales y momentos muy poco coreografiados que parecen surgir de las mentes desquiciadas de los protagonistas. Por desgracia es patente que a Gaga le resulta difícil salir de lo videoclipero y es una pena pues ya ha demostrado con otras películas que puede ser buena actriz. Su Harley Quinn es menos caricaturesca que versiones anteriores del personaje, pero al menos muestra una vulnerabilidad que permite al espectador entender su caída en la locura compartida con Arthur. La relación actoral entre ambos actores es ligeramente palpable aunque la dinámica de su relación podría haberse desarrollado de manera más profunda en ciertos momentos.

Narrativamente, ‘Folie à Deux’ continúa el viaje de Arthur Fleck hacia su consolidación como el Joker, pero lo hace de una manera más abstracta. La trama es menos lineal que en la primera película, lo que puede dificultar la conexión emocional con los personajes. Phillips parece más interesado en explorar los aspectos psicológicos y surrealistas de la locura compartida, lo que deja a la trama en un segundo plano. Aunque esta exploración es intrigante, puede sentirse algo excesiva y a veces dispersa.

La estética de la película sigue siendo irreprochable, con una fotografía que acentúa la decadencia o el caos del Gotham (sobre todo Arkham) en el que viven los personajes y la extrema delgadez a la que ha tenido que llegar Phoenix, pareciéndose cada vez más a Robe Iniesta. Sin embargo, en algunos momentos, la dirección artística parece priorizar el estilo sobre la sustancia, lo que contribuye a la sensación de que la película se centra más en impresionar visualmente que en desarrollar una narrativa coherente.

Solo pocos lectores de DC Comics encontrarán aquí la versión del Joker que les gusta, un hombre desquiciado y maltratado por la sociedad. La película de Todd Phillips está lejos y parece que no tiene en mente dar al archienemigo de Batman el estatus de mafioso o de jefe de banda. Tal es así que si nos paramos a identificar guiños hay muchas más referencias a shows musicales o películas como ‘Willy Wonka’ o ‘Los paraguas de Cherburgo’ que a los cómics en sí. Puestos a obviar la fuente comiquera y rendir tributo a musicales… si se hubiese seguido la dinámica de obras como ‘Sweeney Todd’, habría funcionado mucho mejor, en mi opinión. Pero al menos la esencia demente de Joker está presente en ‘Joker 2’. Habiéndose alcanzado esto en la primera entrega, uno se pregunta si este nuevo largometraje es una transición experimental hacia una tercera parte o si ha sido simplemente un capricho un tanto snob.

Por cierto. ¿Estamos todos de acuerdo en que el detalle que se ve al final al fondo y desenfocado es un guiño a la teoría de más de un Joker y por extensión al de Heath Ledger?

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: Joker: folie à deux. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Scott Silver, Todd P. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz. Producción: DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures. Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, musical, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/joker-folie-a-deux

Análisis del Blu-ray de ‘Los vigilantes’

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Merece la pena echarle un visionado al debut de la hija de Shyamalan

Los bosques de irlanda fueron el escenario escogido por la hija de M. Night Shyamalan para rodar su primer largometraje como directora. Ishana Shyamalan es la autora de ‘Los vigilantes (The watchers)’, quien junto con su hermana Saleka Shyamalan parece que lanza su carrera bajo el paraguas del nombre de su padre. No obstante, a pesar de cualquier argumento nepotista, la película tiene sus virtudes y ha encandilado a una buena parte de la audiencia, llegando a recaudar más de 33 millones de dólares por todo el mundo.

La trama parte de un libro de A.M. Shine y sigue a una joven que se queda varada en un bosque en el que intenta buscar refugio. Cuando cree que lo ha encontrado descubre que unos extraños, aquellos que la acogen, viven amedrentados por unas criaturas que les observan toda la noche. Es palpable que Ishana Shyamalan intenta seguir la estela de su padre y consigue muy buena ambientación y puesta en escena, pero no consigue el efecto sorpresa.

El Blu-ray que ha puesto a la venta Arvi Licensing viene encabezado por la portada que protagoniza parte del rostro de Dakota Fanning, tapado por un símbolo que es claro a lo que alude. El estuche no contiene libreto ni folleto sobre el filme. Únicamente encontramos en el interior el disco de la película casi en negro por completo con el título del filme. En cuanto al menú de opciones que encontramos al meter el disco en nuestro reproductor, si no has visto el filme te va a intrigar.

El Blu-ray ofrece resolución 1080 de alta definición en formato 16:9 1.85:1. El audio se encuentra disponible en 5.1 con los idiomas seleccionables en castellano, inglés, francés, italiano y checo. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, holandés, checo, coreano, cantonés, chino complejo además de en inglés e italiano para sordos.

Extras (33 min. aprox.)

Wellcome to the sho: the making of The Watchers (8:50 min.)

Llevar a la pantalla el folclore irlandés y las páginas de Shine era el retop para hacer esta película. La directora, el productor (M. Night Shyamalan) y el equipo técnico, como la directora de coreografía nos hablan de cómo han hecho esto realidad.

Creating The Watchers (5:02 min.)

Las criaturas de la película fueron creadas con trajes de captura de movimiento. Pero a parte de esta moderna técnica de recreación a través de ordenador había que tener en cuenta su aspecto, su origen y forma. Todas estas referencias y técnicas son las que se tratan aquí. Como sorpresa, se usó una especie de danza japonesa.

Constructing the coop (6:16 min.)

En la película hay un corral y aunque suene a algo sencillo o rudimentario tiene su intríngulis. Para este elemento tan pintoresco y especial se ha contado con el propio autor de la novela que no habla de su concepción y sentido.

Ainriochtan and the irish fairy folclore (4:22 min.)

La manera en cómo vemos actualmente a las criaturas del folclore ha cambiado mucho. Esa influencia se hace patente en este filme que intenta revivir leyendas con un enfoque tanto moderno como tradicional.

Lair of love (9:29 min.)

Solo los que han visto la película entenderán porqué el extra más largo de la película es una especie de Gran Hermano del amor.

Crítica: ‘El hoyo 2’

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Sinopsis

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Una misteriosa figura ha conseguido establecer una ley en El Hoyo para repartir alimento de manera uniforme entre todos los niveles. Sin embargo, el frágil equilibrio se ve amenazado cuando algunos prisioneros desafían el sistema, desatando una cruenta batalla entre dos bandos irreconciliables.

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Crítica

Una pequeña ampliación de este degradante mundo

Siendo como fue un fenómeno a nivel mundial era de esperar que ‘El hoyo’ tuviese segunda parte, obvio. ‘El hoyo 2’ vuelve a Netflix y tal y como hicimos con la primera parte cuando la vimos en el Festival de Sitges os recomendamos ver esta nueva entrega. Garlder Gaztelu-Urrutia explora de nuevo nuestra cara más vil y a la vez la más solidaria a través de la ciencia ficción y un agujero que profundiza de nuevo con mucho propósito. No nos encontramos ante una segunda película de esas que intentan estirar el chicle así porque sí y descubrimos que el largometraje tiene su sentido.

En su día fue comparada con ‘Cube’ o con un cortometraje de Denis Villeneuve. Al igual que en la saga iniciada por Vincenzo Natali la vida dentro de este tubo o agujero tiene otras maneras de transcurrir. Hay otros tipos de trampas pero también otras formas de sobrevivir ya que en esta etapa vemos como existe una especie de “sociedad” sujeta a unas normas. Si la anterior entrega mostraba una visión desesperanzadora de nuestra especie esta, que no os diré si es secuela o precuela, al menos comienza con unos brotes de optimista esperanza, de credibilidad hacia nuestro espíritu de comunidad. Pero evidentemente sin conflicto no hay película y se generan situaciones que bien podrían ser tal y como se muestran en ‘El hoyo 2’ pues todos sabemos cómo es nuestra propia naturaleza.

Para los que no hayan visto la primera parte el planteamiento es muy simple. Voluntariamente, cada uno con sus razones, los personajes admiten ser encerrados en El Hoyo con una sola pertenencia. Ahí son distribuidos por niveles y parejas. Cada día desciende una plataforma con comida, con el plato preferido que haya elegido cada uno. Cada mes se redistribuyen los niveles, con lo que aumenta el riesgo de que no te llegue comida ya que puedes aparecer en los pisos más profundos de este agujero.

De nuevo la historia no sale del recinto de hormigón, ni siquiera para contarnos el trasfondo del matemático a priori enajenado y pirómano de Hovik Keuchkerian ni la de la artista interpretada por Milena Smit. Ellos son los dos principales protagonistas aunque podemos adelantar que hay más personajes que en la anterior entrega. ‘El Hoyo 2’ mantiene bien el suspense y hace evolucionar correctamente a sus personajes pues tienen un trabajado arco narrativo.

La única pega que le pongo a esta película es similar a la de la primera parte. Se plantea una especie de enigma o metáfora con unos niños que quizá es demasiado difícil de interpretar. Seguramente recordaréis la conclusión de la primera entrega y el debate que suscitó. Está claramente injertada para causar ruido tras la película, la discusión posterior al visionado siempre es promoción a 0€ de coste. Pero a pesar de ello hay que alegrarse pues no todo es misterio y ‘El Hoyo 2’ nos brinda nuevas imágenes sobre cómo es el funcionamiento de este presidio.

El diseño de producción y las escenas de acción son muy similares a las de la primera parte, si acaso llevadas a mayor escala, no hay mucho que añadir al respecto. Nos pica la curiosidad por el encuentro final y descubrir realmente qué significan todas las cuestiones que se plantean. Ojalá suceda como en la tercera parte de ‘Cube’ (‘Cube Zero’) y se animen a mostrarnos la trastienda de esta peculiar estructura. Me quedo a la espera de ver pronto una nueva entrega de este universo, así como el siguiente proyecto que prepara este director con el mismo equipo, que de momento se titula ‘Rich Flu’, también tratará sobre la lucha de clases y también se presentará en el Festival de Sitges.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: El hoyo 2. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Garlder Gaztelu-Urrutia. Guion: Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia, Egoitz Moreno, David Desola. Música: Aitor Etxebarria. Fotografía: Jon Sangroniz. Reparto principal: Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Óscar Jaenada, Zorion Eguileor, Albert Pla. Producción: Basque Films. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81284730

Este viernes nuevo episodio de ‘El caso Sancho’

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Max lanza la segunda parte de esta docuserie

Rodada en España, Colombia y por supuesto Tailandia, la docuserie de Max, ‘El caso Sancho’, narra uno de los casos, aún actuales, más famosos de los últimos años en España. Para indagar obre este suceso dispone de testimonios de Rodolfo Sancho, padre de Daniel Sancho; Darling Arrieta, hermana de Edwin Arrieta; Marcos García Montes, abogado de Daniel Sancho; Ramón Chipirras y Carmen Balfagón, criminólogos de la defensa; así como el equipo de abogados de la acusación, periodistas especializados en el caso y personas del entorno cercano de Edwin Arrieta.

Tanto el primer como el segundo episodio (etiquetados como episodio cero y episodio uno) de ‘El caso Sancho’ han cautivado a la audiencia y se espera aún más de la segunda parte que llega el este viernes 27 de septiembre. A pesar de que ya conocemos la sentencia a cadena perpetua para Daniel Sancho, hay detalles que desentrañar que abrirán cuestiones para algunos de los espectadores.

EPISODIO 2: VERSUS

Un choque cultural tremendo entre Tailandia y España complica mucho más la investigación de este turbio suceso. Rodolfo Sancho se convierte no solo en un padre dispuesto a hacer todo por su hijo, si no en el principal investigador de los hechos.

Mientras los medios de comunicación daban todo por sentado sin cuestionar nada de lo sucedido, Rodolfo Sancho y su equipo legal logran acceder a la causa. A partir de ahí, trazan una línea de defensa basada en el cuestionamiento de la investigación policial.

Ponen en duda las testificales, la detención de Daniel e incluso muchas de las periciales realizadas. Para ellos es todo fruto de un engaño y de una manipulación de la policía para que todo parezca lo que no es. La policía defiende su investigación en una lucha con los argumentos con la familia en lo que se convertirá en el caballo de batalla para ambos. ¿Se trata de un accidente o de un plan urdido de manera tosca? ¿Existe una pelea o hubo premeditación? ¿Qué ocurrió realmente dentro de la villa número cinco del hotel Bougain Villa en la paradisiaca isla de Koh Phangan?

Lanzamientos de Arvi Licensing para octubre de 2024

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A la venta el 30 de octubre

Estas son las novedades y detalles del lanzamiento en formato físico del próximo 30 de octubre, donde el catálogo de Arvi Licensing se amplía con varias ediciones especiales, grandes títulos por primera vez en 4K Ultra HD y series de televisión.

  • ‘BACK TO BLACK’ La historia de Amy Winehouse llegará en versión original con subtítulos en DVD y Blu-ray.
  • THE CROWN: SEXTA TEMPORADA y LA SERIE COMPLETA. La icónica serie sobre el reinado de Isabel II llega en V.O.S.E. con una edición individual en DVD y un pack en DVD de la serie completa que incluye un libreto.
  • Segunda temporada de ‘LA EDAD DORADA’ en DVD.
  • Por primera vez en 4K Ultra HD y con ediciones especiales limitadas llegan ‘TWISTER’ y ‘PESADILLA EN ELM STREET’, acompañadas además de ediciones especiales limitadas de ‘BITELCHÚS’ y ‘JOKER’, y una edición metálica limitada de ‘BATMAN: LA BROMA ASESINA’ por primera vez en 4K Ultra HD y V.O.S.E.
  • Reediciones en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD de ‘SIN TIEMPO PARA MORIR’, la colección completa de ‘LOCA ACADEMIA DE POLICÍA’ en DVD y Blu-ray, y el Blu-ray de la película original.
  • Y las ediciones sencillas 4K Ultra HD de ‘ROCKY V’, ‘ROCKY BALBOA’ y ‘PURPLE RAIN’ en V.O.S.E.

Crítica: ‘El ocaso de los dioses’

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En qué plataforma ver El ocaso de los dioses

Una de las explotaciones más salvajes del imaginario nórdico

Netflix ha estrenado hoy 19 de septiembre ‘El ocaso de los dioses’, lo nuevo de Zack Snyder. Y habiendo visto la serie hace una semana no hemos podido hablar de ella hasta ahora pues teníamos firmado un embargo por el cual nos comprometíamos a mantener en secreto nuestra opinión. No entendemos este recelo hacia una serie que merece toda la difusión posible pues va a hacer que los suscriptores de Netflix se olviden del batacazo de ‘Rebel Moon’.

Os esperan 8 episodios en los que Snyder (que ha dirigido primero y último y producido el resto a través de The Stone Quarry) juega con la mitología nórdica y germánica. Tal es el recreo que se da con estos personajes que alarga en exceso el clímax final (todos tenemos la sensación de que ‘Rebel Moon 2’ es un tercer acto en su totalidad). Pero el resto de la serie es una epopeya en términos de ‘La Odisea’ que ronda el Ragnarök o destino de los dioses. Loki, Thor, Odin, Baldr, Hela, los Gigantes de Jötunheim, las Valkirias… son personajes a los que se tiene que enfrentar la protagonista.

‘El ocaso de los dioses’ es la historia de Sigrid, una guerrera con la que se quiere desposar el rey Leif Erikson pero cuyo romance es interrumpido por Thor, el cual les condena a una aventura de esas que rememoran a las gestas de Odiseo. Sigrid y el rey Leif son el eje con su viaje, amor y venganza suicida, pero la serie explota mucho más que un romance. La mitología nórdica es sometida al estilo narrativo de Snyder por lo que vais a ver a unos personajes muy superheróicos y mucha acción sangrienta. Pero se antepone el sentido de lo romántico, la poesía, la mitología, el lenguaje visual… Aquellos que amen las historias paganas van a encontrar gustosamente muchas referencias cargadas de magia y cuento.

En muchas ocasiones ‘El ocaso de los dioses’ se compone como un choque de pueblos de tintes artúricos. No obstante a mi lo que me ha venido a la cabeza es que es lo que no pudo ser el ‘Dioses de Egipto’ de Proyas. Por supuesto es inevitable acordarse de ‘300’ pero la tónica es diferente al no estar presente la influencia de Frank Miller. Os podéis hacer una maratón épica viendo también ‘Sangre de Zeus’ pues lleva de igual modo la violencia y el sexo explícito a las historias que enfrentan a deidades con mortales. Si sois lectores de cómic, os podéis hacer una idea de cómo es esta serie si os digo que tiene una manera de enfocar las historias clásicas muy al estilo del ’Beowulf’ de David Rubín.

La animación está realizada por Xilam Studios y en su versión original ponen voces Sylvia Hoeks como Sigrid y Stuart Martin como Leif. También cuenta con las voces de Pilou Asbæk, Jamie Clayton, Kristofer Hivju, John Noble… En castellano está estupendamente bien doblada por Laura Monedero, José Posada, José García Tos, Jordi Boixaderas… Id al final de los créditos y buscadlos pues sus voces os sonarán.

Crítica: ‘El Pingüino’

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Prolongando las intenciones realistas y oscuras de ‘The Batman’

Llega el spin-off derivado de la película ‘The Batman’ del 2022 dirigida por Matt Reeves, el cual, está involucrado en este proyecto. La actuación que le valió muchos premios, nominaciones y elogios a Colin Farrell como Oswald Cobblepot, superando con creces a versiones como las de las series animadas o la de Robin Lord en la serie ‘Gotam’, ha dado paso a esta producción, ‘El Pingüino’. Desde luego el sacrificio bajo los kilos de maquillaje han merecido la pena pues se ha ganado su propia serie cuyo estreno es este 20 de septiembre en Max España.

Esta nueva producción de Warner/Max/DC viene a mostrarnos una versión menos conocida para el público general pero si muy controlada por los coleccionistas de cómics. Alineándose con éxitos distribuidos por HBO como ‘Los Soprano’, ‘Gomorra’ o ‘Boardwalk Empire’, ‘El Pingüino’ supone una historia más de mafiosos. Si desafiando toda probabilidad tras iniciar la serie no tenéis esa sensación esperad a ver la aparición de una cara conocida del clan de los Soprano. Las familias Falcone y Maroni, facciones mafiosas muy presentes en el legendario de DC Comics, hacen su aparición de nuevo. Son estirpes cruciales siempre en la historia del Pingüino durante su ascenso desde el nivel de mero esbirro a la cumbre del hampa. Con ellos vivimos una especie de ‘El Padrino’. Al igual que Batman no siempre ha sido un héroe de acción, en otras épocas se le esbozaba más como un extravagante detective, el Pingüino no ha aparecido en toda su historia como un supervillano con artilugios y excentricidades. En gran parte de sus versiones aparece como un criminal con aires de grandeza que hace uso de todo tipo de artimañas y puñaladas. Eso es principalmente lo que intenta mostrar esta nueva serie, que prolonga las intenciones de ‘The Batman’ de recrear un mundo más realista.

Estamos por lo tanto ante una secuela directa de la película. Arranca desde el caos de las explosiones provocadas por el Enigma de Paul Dano y nos ofrece algún que otro flashback. Pero sobre todo consiste en seguir los pasos de un Pingüino más humanizado que nunca por una Gotham que como siempre es sucia, criminal y decadente. Farrell mantiene el nivel interpretativo de la película mostrándose como ese tullido deformado que juega a dos bandas, pero la duración es mayor y necesita desahogos. La inclusión de la actriz Cristin Milioti y el mítico Clancy Brown le hacen mucho bien pues le dan estupendas réplicas. Lo malo es que se percibe que esta es una serie y por mucho que se calquen algunos planos e incluso melodías de la película la calidad tanto fotográfica como narrativa decae. Pero hay otro fichaje a subrayar, el del joven Rhenzy Feliz. Interpreta a uno de los muchos huérfanos de Gotham y el Pingüino le acoge bajo su paraguas (capten la referencia los lectores) como su chófer para llevar a cabo sus tejemanejes y misiones. Con esta incorporación y al volante de un deportivo morado la serie a veces nos recuerda al GTA.

Los primeros episodios, los que hemos podido ver, están dirigidos por el director Craig Zobel (‘La caza’ y series como ‘Westworld’, ‘The Leftovers’ o ‘American Gods’). Se nota mucho el formato serie aunque a veces es capaz de imitar lo visto en ‘The Batman’, sobre todo en lo referente a la interpretación de Colin Farrell, la fotografía y algunas escenas de acción. Evidentemente introduce elementos de los cómics y de la película, pero están bastante diluidos y eso se acentúa cuando llegan los capítulos dirigidos por Helen Shaver. En resumen. Si te gustan las historias de mafiosos con un toque retro o la visión más terrenal de los villanos hasta el punto en que podría encajar con el Joker de Phoenix esta es tu serie. Si buscas parafernalia pintoresca y colorida, lo siento, este no es un mundo de mallas.

Crítica: ‘Justicia artificial’

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Sinopsis

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El gobierno anuncia un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de Justicia que promete automatizar y despolitizar la justicia sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas de todos los tribunales del país.

El referéndum desata una encarnizada campaña electoral en la que se enfrentan el Gobierno, en alianza con la tecnología creadora del sistema, y la carrera judicial, que defiende el carácter humano de la justicia.

Carmen Costa, una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto, pero la repentina desaparición de Alicia Kóvack, creadora del sistema, provoca una gran desconfianza en ella, hasta el punto de entender que está descubriendo la punta del iceberg de una conspiración que pretende controlar, desde la justicia, a todo un país

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Crítica

Interesante thriller con un debate muy actual

Llega a nuestras pantallas ‘Justicia artificial’, una película dirigida por Simón Casal y con guion del propio director junto a Victoriano Sierra Ferreiro.

‘Justicia artificial’ nos trae una historia del que podría ser nuestro futuro, no solo español, sino mundial. El Gobierno decide poner fin a las esperas en el terreno judicial, anunciando un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de justicia. Con ello, promete automatizar y despolitizar la justicia, sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas en todos los tribunales del país. Una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto.

La película es un gran thriller, en el que vemos la desconfianza de unos y la seguridad de otros. Una muerte en extrañas circunstancias, conspiraciones y un gran debate sobre si estamos realmente preparados para las IAs, es lo que nos da ‘Justicia artificial’.

Me ha gustado bastante la película, está muy bien dirigida y el ritmo es muy dinámico. El estar rodada en Galicia le da un tono oscuro y triste que a la historia le viene de fábula. Nos crea mucha tensión el no saber exactamente quien está detrás de todo lo que parece una gran conspiración y la verdad los guionistas juegan muy bien las cartas.

Toda la fuerza de la película recae sobre Verónica Echegui, que está estupenda, Concha, su personaje, se enfrenta a un gran problema, si ayudar a una IA a que su trabajo desaparezca o intentar ver fallos en el sistema, además de intentar averiguar de todo lo que está pasando y porque la prisa de introducir este sistema por parte del Gobierno.

A la actriz la acompañan Tamar Novas, Alba Galocha, Lúcia Moniz, Alfonso Pimentel, Paula Morado, Ledicia Sola, Xabier Deive y Alberto Ammann entre muchos otros.

La sobriedad de la fotografía de Diego Cabezas viene muy bien en esta historia, donde lo que nos importa es lo que nos están contando. Es muy sencilla, pero se nota que es a propósito. Eso sí, las escenas en el mar nos dan una nostalgia y tristeza que hace que nos sintamos como la protagonista y logra que vayamos conociendo un poco sus sentimientos.

‘Justicia artificia’ es una película que, aunque no vaya a ser un bombazo, si que es muy recomendable, va a dar debate después de su visionado. Porque como digo, es muy actual, es algo que no creo que a corto plazo, pero si que pienso, que a largo plazo comenzaremos a ver este tipo de noticias en nuestras televisiones, pues la Inteligencia Artificial, cada día está más presente en nuestras vidas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Justicia artificial. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Simón Casal. Guion: Simón Casal. Música: Sofía Oriana Infante. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Verónica Echegui, Tamar Novas, Alba Galocha, Aberto Ammann, José Alfonso Pimentel, Elea Petit, Monti Castiñeiras, Marco D’Almeida, Melania Cruz, Ledicia Sola, Xabier Deive. Producción: Abano Producions, Amazon Prime Video, Axencia Galega das Industrias Culturais, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/artificial-justice-1

Crítica: ‘Transformers One’

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Sinopsis

TRANSFORMERS ONE es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos. La primera película de Transformers animada totalmente por CGI, cuenta con un reparto de voces repleto de estrellas, como Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, con Laurence Fishburne y Jon Hamm.

Crítica

Capaz de transformar a nuevos fans y retener a los del canon original

Hasbro, Paramount y Michael Bay continúan sacando partido a su asociación y haciendo películas con los personajes de los juguetes y series animadas que nacieron a mediados de los ochenta en Japón. Tras una serie de películas que han sido cada vez peor valoradas por la audiencia, pero que irónicamente han conseguido recaudar de media en taquilla más de cinco veces de lo que han costado, llega una nueva entrega. Pero hay cambios sustanciales que hacen de ‘Transformers One’ un nuevo atractivo que intentará recuperar el “bajón” que supuso ‘El despertar de las bestias’, la cual, solo duplicó sus costes.

Para empezar ‘Transformers One’ busca conectar con público adulto e infantil de dos maneras. En primer lugar a través del formato animado, siempre más agradable para las audiencias jóvenes, más fácil de exportar a merchandising y en sintonía con el formato que vio nacer a los autobots y decepticons. En segunda instancia con un tono cómico que hace de esta franquicia algo mucho más desenfadado y alejado de la oscuridad y catastrofismo al que habían llegado con ‘Transformers: el último caballero’. Todo esto nos lleva a repetir el acertado cambio de dinámica que experimentamos con ‘Bumblebee’. Esta nueva entrega ha sido dirigida por Josh Cooley, guionista de ‘Toy Story 4’ y ‘Del revés’, tiene dosis de acción y comedia por doquier. Entre transformaciones, gags y un batiburrillo de robots y arquitectura metálica se vislumbra un discurso sobre la nobleza y la responsabilidad que no llega a la sensiblería de los títulos anteriores del director y recuerda a las moralejas de la serie clásica. Por otro lado, aunque suene más profundo de lo que la propia película pretende ser, incluye algunas apreciaciones sobre el orden social que en ocasiones puede incluso recordar a ‘El hoyo’.

Al igual que la película independiente del Volkswagen amarillo tenemos entre manos una precuela. Se ha retrocedido tanto en el tiempo que nos encontramos ante una de las mayores incursiones en los orígenes de los Transformers. Quizá ese sea un detalle que solo importe a nostálgicos, fans de la saga o coleccionistas de figuras que reconocerán aquí muchísimos nombres y un canon bastante respetado. Pero aparte de eso nos lleva a un factor importante, la ausencia de humanos. Como pasa con las películas de Godzilla, la trama de los humanos suele diluir la destrucción, acción y aventura de estas películas. Con ‘Transformers One’ nos trasladamos a Cybertron, el planeta natal de estas máquinas alienígenas, muy lejos de la Tierra. Con esta circunstancia la narración está al servicio de la ciencia ficción, aunque hay que reconocer que el carácter de los personajes es adolescente y como en películas de este mismo estudio tales como ‘Ninja Turtles: caos mutante’ lo que os aguarda son aventuras y mucha sinvergonzonería, nada complejo o rated R.

La historia original, que fue desarrollada por Marvel Comics por encargo de Hasbro, discrepaba de la serie televisiva aunque ambas coincidían en un conflicto entre autobots y decepticons con el planeta Cybertron manteniéndose neutral y al margen. Ninguna hablaba, que yo recuerde, del origen del conflicto, simplemente de la disputa sobre la Chispa Suprema o la Matriz del Liderazgo y su correcto uso. Se repite esta disyuntiva y se acompaña de una animación que ensombrece a la de muchas de las predecesoras y además se pone la guinda con una acción final en la línea de las películas de Michael Bay.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de septiembre de 2024. Título original: Transformers One. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Cooley. Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Eric Pearson. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne, Jon Hamm. Producción: Hasbro, Paramount Animation, New Republic Pictures, Di Bonaventura Pictures, Bay Films, Hasbro Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.transformersmovie.com/

Crítica: ‘No hables con extraños’

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Sinopsis

Cuando una familia estadounidense va invitada a pasar un fin de semana en la idílica finca campestre de una encantadora familia británica que conocieron en unas vacaciones, lo que comienza como una escapada de ensueño pronto se convierte en una retorcida pesadilla psicológica.

Crítica

Un McAvoy colosal encabeza un remake que mejora al original

Tenemos entre manos un remake que causó sensación en los mayores premios cinematográficos de su país y que entre los fans del terror y el suspense ha abierto muchos debates. La película ‘Speak no evil’ de Christian y Mads Tafdrup fue objeto de muchos foros de debate tras su proyección en el festival de Sitges pero por desgracia no llegó a cines de España. No tuvo recorrido por nuestros cines pero solo dos años después tenemos versión norteamericana bajo el nombre de ‘No hables con extraños’. Nos invitan a aceptar esta incómoda experiencia en carteleras con un remake armado por la productora de Jason Blum y dirigido por James Watkins.

La interpretación yanqui de ‘No hables con extraños’ logra lo que parecía difícil: tomar una película original con un suspense casi perfecto y elevarla aún más. Si bien la versión original ya ofrecía una trama tensa, incómoda y que te secuestraba, con interpretaciones memorables que mantenían al espectador al borde del asiento, esta nueva versión destaca por hacer mejoras significativas en el guion. Todo sucede dentro de una horrible realidad más verosímil y además con un segmento de home invasion que aporta más emoción al final.

Uno de los principales aciertos del remake es la forma en que se desarrolla la historia. El guion, aunque conserva la esencia del original, introduce giros más sorprendentes y refina de manera más creíble algunos puntos débiles de la trama anterior. Las motivaciones (y desmotivaciones) de los personajes están más elaboradas, lo que otorga una mayor profundidad emocional a la narrativa y una toma de decisiones más coherente. Además, los diálogos son más dinámicos, añadiendo capas de tensión y misterio que enriquecen la experiencia general.

El gran pilar de esta versión es, sin duda, James McAvoy, el cual se embarcó en este proyecto sin haber visto la fuente danesa de la que parte. Su interpretación es simplemente descomunal. Todos descubrimos su capacidad para mostrar distintas caras con el mismo personaje cuando se estrenó ‘Múltiple’. McAvoy sabe transmitir una mezcla perfecta de vulnerabilidad, ira y obsesión, manteniendo al espectador fascinado en cada escena. Su capacidad para cambiar de registro emocional en cuestión de segundos aporta un nivel de intensidad que pocos actores podrían alcanzar. Donde la película original contaba con buenas actuaciones, McAvoy las supera con creces, convirtiendo su personaje en el corazón de esta historia oscura.

Aún así, si visteis en festivales ‘Speak no evil’, sentiréis lo mismo con el protagonista que en su día interpretó Morten Burian y ahora está encarnado por Scoot McNairy. Muerde el anzuelo de la misma manera, sintiendo envidia por una vida mucho más despreocupada y salvaje que la que lleva Su manera de proceder es tan excesivamente complaciente, dócil o sumisa que parece que ha experimentado la desmoralización de un preso de un campo de concentración en tan solo un solo fin de semana. Por su parte Mackenzie Davis está más verosímil, encarnando esas reacciones agresivas, violentas y a la defensiva que ya asumimos como naturales en los estadounidenses, así como su hipocresía y desconexión con nuestra propia naturaleza. Quizá el mostrar esta otra faceta, menos flemática y más combativa que la de los países del norte de Europa, es la razón de ser de este filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Speak no evil. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Watkins. Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Alix Wester Leffer, Kris Hitchen, Aisling Franciosi. Producción: Blumhouse, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/no-hables-con-extra%C3%B1os