Después de años redefiniendo los límites de la ciencia ficción televisiva, ‘Black Mirror’ regresa con su esperada temporada 7, dispuesta a volver a incomodarnos, fascinarnos y hacernos reflexionar sobre nuestro presente a través de futuros (o presentes alternativos) inquietantemente posibles. Bajo la mirada afilada de Charlie Brooker, esta nueva tanda de episodios continúa explorando la relación tóxica y fascinante entre la humanidad y la tecnología, con una mezcla de géneros que va desde el thriller psicológico hasta el drama existencial, con otro regalo para los amantes de la ciencia ficción clásica.
En esta crítica desgranaremos capítulo por capítulo cada una de las historias que componen esta temporada, analizando sus temáticas, giros narrativos, referencias culturales y lo que nos dice (o advierte) sobre el mundo que habitamos. Porque si algo nos ha enseñado ‘Black Mirror’, es que el horror no siempre está en la pantalla… a veces está justo al otro lado del reflejo. Y para ello hace algo inusitado, continuar dos de sus historias. A continuación os contamos en qué consiste cada nueva propuesta sin spoilers.
‘COMMON PEOPLE (Gente corriente)’ (56 min)
Se enmarca en un futuro cercano en el que se cumplen las peores previsiones de Einstein y vivimos en un mundo que se habría acabado sin abejas. Por suerte la tecnología permite crear mini drones que hacen su trabajo.
Así nos posicionan en una sociedad con altas capacidades tecnológicas. Y una pareja (formada por Chris O’Dowd y Rashida Jones) necesita de los progresos para mantenerse con vida y mantener su relación. Este es un capítulo lleno de amor que, además de tener un guiño a San Junipero, generará debate entre parejas. Y es que ¿está justificado mantener el amor a toda costa?
Parecía que plantearía una crisis de identidad similar a las desarrolladas en ‘Mickey 17’ o ‘Altered Carbon’. Pero el eje es la frialdad y ambigüedad con la que las corporaciones generan necesidad en las vidas de la gente de a pie y luego juguetean con nuestras ilusiones y poder adquisitivo. ¿Os molesta pensar que el móvil os escucha? ¿Os gusta ver Netflix con anuncios? ¿Pagáis más solo por no ver un par de cortes publicitarios por algo que es más barato que el cine? Esa es la situación de estos personajes que además han de enfrentarse al dilema de si su integridad física está por encima o debajo del amor hacia su pareja.
‘BÊTE NOIRE’ (49 min)
Una empresa alimenticia se encuentra en un momento clave de desarrollo de nuevos sabores y ya ofrece muestras a grupos de control para hacer su estudio de mercado. En ese marco dos ex-compañeras de clase (Siena Kelly y Rosy McEwen) se encuentran tras más de diez años. Normalmente las historias se ponen en el punto de vista de aquellos que han sido marginados por ser diferentes. Este episodio se posiciona desde el punto de vista de quien ha fomentado esa brecha, sobre todo para camuflar sus complejos de inferioridad. Hasta aquí es una historia social como otra cualquiera y no aparece el componente tecnológico.
El desconcierto que sentimos cuando nuestra percepción de la realidad se altera, como sucede con los efectos Mandela, es lo que maneja este episodio. Durante todo el episodio lo único que nos lo mantiene dentro de la temática de ‘Black Mirror’ es el hecho de que una de las protagonistas tiene alto coeficiente y capacidades tecnológicas. El capítulo puede que os haga rebobinar al principio, pero más allá de eso no supone ninguna revolución en la historia de la serie..
‘HOTEL REVERIE’ (1h 16 min)
Aunque la propuesta de este capítulo de ‘Black Mirror’ emplea dimensiones paralelas el dilema es casi el mismo que el que actualmente traen consigo las inteligencias artificiales. Respeto al trabajo de los artistas, respeto a la propiedad intelectual, respeto al patrimonio cultural… Incluso pone al límite el ser actor del método.
También se va toca el tema woke. Para la protagonista (Issa Rae) cuesta creer que su directora (Awkwafina) la haya metido en una realidad alternativa tanto como cuesta a veces creer los castings forzados de Netflix. Y hablando de Netflix, también se retrata la creación del cine como un producto medido al milímetro con gráficas y valores, como si nuestra interacción con la plataforma fuesen los medidores de Los Sims.
No deja de haber un poco de hipocresía que en la era de los remakes, los deepfakes y las estrellas metidas con calzador surja este episodio que, si bien está interesante, peca de pretender mejorar lo que hemos visto y vivido en el pasado como clásicos en aras de crear nuevos productos. Evidentemente esto es ‘Black Mirror’ y no es un plan que salga rentable, de hecho, muchos se quedarán con que este es un episodio sobre la consciencia con un monento similar a uno de los fragmentos del ‘Treehouse of Horror XIV’ de ‘Los Simpson’.
‘PLAYTHING (Juguetes)’ (45 min)
Peter Capaldi interpreta a un hombre excéntrico que se entrega voluntariamente y es interrogado por la policía, algo que creo que va muy relacionado con el etalonaje pues parece sacado de un episodio de CSI.
El director es David Slade (‘Hard candy’) y su película interactiva ‘Black Mirror: Bandersnatch’ tiene relación directa con este episodio. Pero más que esa conexión los espectadores verán una relación con los famosos tamagochis y los gamers verán una relación con el mítico juego ‘Populous’, tal vez con el ‘Sim city’, ‘Travian’ o ‘FarmVille’ para los más jóvenes. Es una manera de interpretar la concepción de Dios y un caldo de cultivo para los conspiranoicos que dicen que vivimos en una simulación a lo ‘Matrix’.
La naturaleza del individuo, nuestra concepción del bien y el mal… Es una curiosa reflexión sobre el hombre y su civilización que probablemente para muchos será el mejor episodio de esta temporada. Lástima que el protagonista esté plasmado como alguien excéntrico e inadaptado porque le resta fuerza al discurso.
‘EULOGY’ (46 min)
Pensaba que esta temporada iba a tener mucho más que ver con las inteligencias artificiales y no estaba siendo así hasta ver ‘Bête Noire’ y este episodio. A muchos les parece espeluznante, retorcido e incluso morboso el que mucha gente anime antiguas fotografías con familiares fallecidos con IA. Este es un caso similar. Un hombre (Paul Giamatti) recibe la invitación de una empresa llamada Eulogy para aportar sus recuerdos, los cuales servirán para rendir tributo a alguien a quien quiso mucho en su juventud.
Como dijo hace muy poco Frank Miller en Tenerife Noir, “la nostalgia es una trampa”. Curiosa advertencia la de este capítulo que utiliza los recuerdos como cajas fuertes de secretos, herramienta para cerrar heridas y jaulas en las que nos podemos ver encerrados bajo el cerrojo de la tristeza. Un precioso episodio, de los pocos que deja buenas sensaciones tras su final.
‘USS CALLISTER: INTO INFINITY’ (1h 28min)
Enlazando y continuando con el primer episodio de la cuarta temporada, el cual, era un clarísimo tributo a la franquicia ‘Star Trek’. Este episodio es una película en sí mismo que mezcla tópicos de otros clásicos de la ciencia ficción como ‘Mass effect’, ‘Ready player one’ o ‘Borderlands’. Todo son referentes relacionados con los videojuegos pues este episodio vuelve a tratar sobre personas atrapadas en un juego mientras millones de jugadores participan matando y muriendo con skins horteras sin miedo a una muerte real.
En esta ocasión vamos tras las bambalinas de Infinity, la compañía que ha creado el MMORPG al que juegan desesperadamente los protagonistas clonados interpretados por Cristin Milioti, Osy Ikhile, Billy Magnussen, Milanka Brooks y Paul G. Raymond. Toby Haynes dirige de nuevo el episodio asegurando la continuidad y tratando temas como el abuso de autoridad, los peligros de la realidad virtual y el aislamiento social. Yendo más allá aborda el respeto a la imagen e identidad de las personas y una parte corporativa muy propia del ADN de las empresas de Silicon Valley.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) es un insólito héroe que se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empresario que exige el máximo compromiso con el trabajo: morir para ganarse la vida.
Crítica
Un Bong Joon-ho más excéntrico que incisivo
Nueva película de Bong Joon-ho nueva adaptación de un texto que ya existía. De nuevo dentro de la ciencia ficción y a partir de una novela de Edward Ashton regresamos al discurso humanista de este director que tantas mentes ha suscitado. ‘Mickey 17’ deslumbra con su carisma, ingenio y mordacidad en su primera mitad. La premisa es intrigante: dispone a un hombre destinado voluntariamente a morir y ser clonado repetidamente en una misión espacial, que bien podría ser parte del universo ‘Altered Carbon’. Es una metáfora perfecta para explorar la deshumanización del capitalismo y la explotación laboral. La película combina desde el principio humor negro con una sátira incisiva, recordando lo mejor del director en trabajos anteriores. Luego… la cosa cae.
Robert Pattinson brilla en su interpretación(es), aportando matices a un personaje atrapado en un ciclo de muerte y resurrección. Su actuación es el eje central de la historia, logrando transmitir tanto la comicidad como la demencia y desesperación de un individuo que se enfrenta a su propia multiplicidad. La dinámica entre sus distintas versiones introduce un juego narrativo interesante que aporta frescura y originalidad a la trama. Es innegable que el actor hace un tremendo trabajo de voz.
Tras analizar la novela uno veía porqué este director en concreto se había decantado a adaptarla. Al margen de todos los detalles científicos sobre las calorías o la conciencia, los cuales, apenas aparecen en el filme, se podía pronosticar que la llevaría a su terreno y la elevaría más allá en lo que se refiere al tema de la lucha de clases. Sin embargo, a medida que ‘Mickey 17’ avanza, la crítica social que en un principio parecía afilada se va diluyendo en un espectáculo más preocupado por la excentricidad que por la profundidad. Bong Joon-ho, quien en películas como ‘Parásitos’ y ‘Snowpiercer’ construía comentarios sociales sólidos a través de personajes y situaciones bien definidas, aquí parece ceder demasiado al absurdo. Lo que comienza como una sátira ingeniosa termina repitiendo las mismas ideas sin darles un desarrollo significativo. No obstante, como en ‘Okja’, consigue tocar los palos del animalismo y la soberbia humana.
Uno de los aspectos más problemáticos es el tono, que oscila entre la farsa y la denuncia social sin encontrar un equilibrio claro. Algunos personajes, en particular el líder de la misión (Mark Ruffalo), son caricaturas exageradas de líderes y presidentes corporativos actuales que funcionan como bromas recurrentes, pero que nunca evolucionan hacia algo más sustancial. En lugar de servir como una representación matizada del poder y la corrupción, estas figuras quedan atrapadas en la repetición de los mismos chistes y excentricidades.
A nivel visual, ‘Mickey 17’ es capaz de transportarnos a otro mundo. El diseño del planeta donde se desarrolla la historia es envolvente y hostil, y los efectos especiales contribuyen a la sensación de un mundo alienígena creíble. La dirección de Bong Joon-ho sigue siendo magistral en la construcción de secuencias impactantes, pero el guion no logra mantener el mismo nivel de precisión que en sus mejores trabajos.
El principal problema radica en el ritmo: la segunda mitad de la película se siente alargada, con situaciones que reiteran lo que ya se ha establecido en la primera parte. En lugar de profundizar en sus temas, la historia se entrega demasiado a su extravagancia, perdiendo la oportunidad de dejar una huella más contundente y sacándose demasiados elementos de la chistera. ‘Mickey 17’ es una película ambiciosa y entretenida, con una premisa provocadora y momentos de gran ingenio. Sin embargo, a diferencia de las obras más logradas de Bong Joon-ho, aquí la sátira se dispersa en un relato que no termina de afinar su mensaje.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Mickey 17. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: Bong Joon Ho, Corea del Sur. Guion: Bong Joon Ho. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo. Producción: Warner Bros., Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Pictures Company. Distribución: Warner Bros. Género: drama, ciencia ficción, comedia. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/mickey-17
Ambientada en una versión alternativa de los años 90 en la que se sufren las secuelas de una fallida rebelión de los robots, Estado eléctrico narra la historia de una adolescente huérfana que emprende un viaje por el Oeste americano en busca de su hermano pequeño. La acompañan un robot con apariencia de dibujo animado, un contrabandista y el compañero de este.
Crítica
La historia no es nueva, pero es una gran historia
Llega una de las películas más esperadas de Netflix, ya no solo por el pedazo de reparto que tiene o los directores que han llevado a cabo esta estupenda cinta. Si no que además, ‘Estado Eléctrico’ es la película más cara hasta el momento de la plataforma.
Los hermanos Russo, nos embarcan en una aventura en unos ficticios años 90 donde los robots que conviven con nosotros, se revelan contra la humanidad. Pero al final se consigue la paz y quedan doblegados al exilio. En esta aventura conocemos a Michelle que junto a un robot, un contrabandista y el compañero de este va en busca de su hermano pequeño.
‘Estado eléctrico’ está basada en el libro de Simon Stålenhag, autor de obras como ‘Historias del bucle’, de la cual también se hizo hace unos años una adaptación en forma de serie (aquí os hablamos de ella). No me he leído el libro, así que no puedo deciros si realmente es fiel o no. Si que os puedo decir, que como película me ha gustado, es una cinta bastante juvenil y muy entretenida.
Además que tiene imágenes bastante imponentes, el diseño de los robots son bastante curiosos (os dejamos un vídeo donde los hermanos Russo nos hablan sobre esto). Muy cartoons, simpáticas máquinas de matar que lo único que quieren es tener su propia libertad de elegir y vivir. Cada robot es distinto, en tamaño y diseño. Tuvimos la oportunidad de verla en pantalla grande y os puedo decir que merece mucho la pena y que el CGI está muy logrado. Es una película con mucho trabajo técnico y es una pena que vaya a estar al menos una semana en cines para que la podáis disfrutar.
‘Estado eléctrico’ nos habla de muchas cosas, pero sobre todo de la empatía, del respeto entre seres diferentes y de que al final todos queremos lo mismo, la libertad y tranquilidad de vivir. También de la amistad y de como esa amistad puede crear grandes lazos.
Llevamos años con el tema de la nostalgia por los 80 y ahora llegan los 90. Pero admito que yo he caído y ‘Estado eléctrico’ me ha entusiasmado. Esa idea en la que Disney creó los robots para sus parques de atracciones y que terminan revelándose, me ha parecido de lo más convincente. Además recordar muñecos, juegos y esos tremendos looks que nos gastábamos. Y escuchar ‘Wanderwall’ de Oasis al finalizar la cinta, es un detalle más para los que somos de aquella época.
A parte de sus directores y por supuesto los robots, uno de los grandes atractivos es el pedazo de reparto que tiene ‘Estado eléctrico’ y es que ya solo el reparto “humano” cuenta con Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stanley Tucci, Giancarlo Esposito o Ke Huy Quan entre otros. Pero en el reparto por parte de los robots, sus voces los ponen grandes actores como Alan Tudyk, Woody Harrelson, Anthony Mackie, Hans Azaria, Joe Russo, Rob Gronkoski o Brian Cox entre muchos otros.
Un gustazo ver y escuchar a todos estos actores en una cinta diferente, que le va a gustar a los pequeños y grandes de la casa y con la que pueden comenzar a descubrir la ciencia ficción. ‘Estado eléctrico’ es una película de aventuras que no defrauda.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de marzo de 2025. Título original: The Electric State. Duración: 128min. País: Estados Unidos. Dirección: Anthony Russo, Joe Russo. Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely. Música: Steve Jablonsky, Alan Silvestri. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stanley Tucci, Giancarlo Esposito, Ke Huy Quan, Jason Alexander, Alan Tudyk, Woody Harrelson, Anthony Mackie, Hans Azaria, Joe Russo, Rob Gronkoski, Brian Cox. Producción: AGBO, Anthem & Song, Double Dream, BDC Travel. Distribución: Netflix. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81601562
Sigue desde aquí en directo la gala de los Oscar 2025 y descubre todos los ganadores de la que siempre se conoce como la noche más importante del cine. Actualizamos esta entrada en tiempo real con los premiados por la Academia norteamericana de cine en cada categoría, desde los galardones técnicos hasta el colofón con el premio a Mejor Película.
Consulta la lista completa de nominados y ganadores de los Oscar 2025, los momentos más emocionantes de la ceremonia presentada por Conan O’Brien y las sorpresas que marcarán esta edición. ¿Quiénes se llevarán la estatuilla dorada?
La alfombra roja regresó definitivamente y dijimos adiós a la «original» color champan que se estrenó en 2023. Sobre ella han desfilado muchos trajes y vestidos de negro y han posado artistas entre los que por supuesto destacaron por su estilo Demi Moore, Willem Dafoe, Colman Domingo, Elle Fanning, Jeremy Strong, la cantante Lisa o Ariana Grande con un vestido que tenía un curioso vuelo, casi tan difícil de llevar como el Louis Vuitton de su compañera Cynthia Erivo. Premio al desafío al la superstición para Timothée Chalamet por su traje amarillo canario. Premio a los más motivados para los autores de ‘Wallace and Gromit’ por su motivación acudiendo con maquetas de sus personajes. Por supuesto estuvo presente la española Karla Sofía Gascón que no fue vista por la alfombra roja y su primera aparición fue tras un ácido chiste de O’Brien.
La gala arrancó con un pequeño homenaje a la ciudad de Los Angeles, que siempre la ha acogido, por motivo del incendio que ha acabado con muchas casas y ha costado 27 vidas. No fue el único recordatorio que a quemado también las casas de celebrities como Mel Gibson, Paris Hilton, Milo Ventimiglia, Tina Knowles o Jeff Bridges. Seguido ha llegado la actuación de Ariana Grande y Cynthia Erivo con el tema de ‘El Mago de Oz’ y por supuesto de ‘Wicked’, inmensas ambas. Acabada la emotiva introducción la noche comenzó prometedoramente gracias al carisma y la gracia de Conan O’Brien, quizá el mejor presentador desde que ya no está Billy Crystal al frente. La noche fue un sinfín de risas.
Por supuesto en estos Oscar 2025 hubo momentos para la reivindicación por la paz en Ucrania o los derechos de lo emigrantes. Pero el momento más fuerte al respecto llegó con el equipo de ‘No Other Land’, ganador del mejor documental, el cual, acusó a las «políticas de Estados Unidos de perpetuar un genocidio».
Uno de los momentos más simpáticos y genuinos de la noche fue la lectura errada por turnos de los ganadores a mejor corto animado. Letonia también nos trajo un entrañable momento al dedicar los autores de ‘Flow’ el premio a sus mascotas. Por supuesto Ben Stiller hizo el payasete «sufriendo» ciertos problemas con la plataforma que debía hacerle salir bajo el escenario. Como espontáneo e inconsciente se puede definir el momento en el que Adrien Brody le lanza el chicle a su acompañante tras darse cuenta que subía a recoger la estatuilla masticándolo.
Palmarés de los Oscar 2025 según número de estatuillas
Anora 5
The Brutalist 3
Wicked 2
Emilia Pérez 2
Dune: parte II 2
La sustancia 1
Cónclave 1
A real pain 1
Flow 1
Aún estoy aquí 1
In the Shadow of Cypress 1
The Only Girl in the Orchestra 1
No Other Land 1
I’m Not a Robot 1
Palmarés de los Oscar 2025
Mejor película
Anora, de Sean Baker
The Brutalist, de Brady Corbet
La Sustancia, Coralie Fargeat
Cónclave, de Edward Berger
Dune: parte dos, de Denis Villeneuve
Emilia Pérez, de Jacques Audiard
Wicked, de Jon M. Chu
A complete Unknown, de James Mangold
Aún estoy aquí, de Walter Salles
Nickel Boys, de RaMell Ross
Mejor dirección
Jacques Audiard, por Emilia Pérez
Sean Baker, por Anora
Brady Corbet, por The Brutalist
James Mangold, por A Complete Unknown
Coralie Fargeat, por La sustancia
Mejor actor
Adrien Brody, por The Brutalist
Timothée Chalamet, por A Complete Unknown
Colman Domingo, Las vidas de Sing Sing
Ralph Fiennes, Cónclave
Sebastian Stan, por The Apprentice
Mejor actriz
Mikey Madison, por Anora
Karla Sofía Gascón, por Emilia Pérez
Cynthia Erivo, por Wicked
Demi Moore, por La sustancia
Fernanda Torres, por Aún estoy aquí
Mejor actor de reparto
Yura Borisov, por Anora
Kieran Culkin, por A Real Pain
Edward Norton, por A Complete Unknown
Guy Pearce, por The Brutalist
Jeremy Strong, por The Apprentice
Mejor actriz de reparto
Ariana Grande, por Wicked
Felicity Jones, por The Brutalist
Isabella Rosselini, por Cónclave
Monica Barbaro, por A Complete Unknown
Zoe Saldaña, por Emilia Pérez
Mejor película internacional
Aún estoy aquí de Brasil
La chica de la aguja de Dinamarca
Emilia Pérez de Francia
La semilla de la higuera sagrada de Alemania
Flow de Letonia
Mejor película de animación
Flow
Del revés 2
Memorias de un caracol
Wallace & Gromit: la venganza se sirve con plumas
Robot salvaje
Mejor película documental
Black Box Diaries
No Other Land
Porcelain War
Soundtrack to a Coup d’Etat
Sugarcane
Mejor guion original
Sean Baker por Anora
Brady Corbet, Mona Fastvold por The Brutalist
Jesse Eisenberg por A Real Pain
Coralie Fargeat por La sustancia
Moritz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David por Septiembre 5
Mejor guion adaptado
Clint Bentley y Greg Kwedar por Las vidas de Sing Sing
Jacques Audiard por Emilia Pérez
Jay Cocks y James Mangold por A Complete Unknown
Joslyn Barnes y RaMell Ross por Nickel Boys
Peter Straughan por Cónclave
Mejor fotografía
The Brutalist
Dune: Parte II
Emilia Pérez
Maria
Nosferatu
Mejor montaje
Anora
Cónclave
Emilia Pérez
Wicked
The Brutalist
Mejor sonido
Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey y David Giammarco por A Complete Unknown
Gareth John, Richard King, Ron Bartlett y Doug Hemphill por Dune: Parte II
Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson y John Marquis por Wicked
Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz y Niels Barletta por Emilia Pérez
Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo y Leff Lefferts por Robot salvaje
Mejor banda sonora
John Powell y Stephen Schwartz por Wicked
Kris Bowers por Robot salvaje
Clément Ducol y Camille por Emilia Pérez
Volker Bertelmann por Cónclave
Daniel Blumberg por The Brutalist
Mejor diseño de producción
The Brutalist
Cónclave
Dune: parte II
Nosferatu
Wicked
Mejor vestuario
A Complete Unknow
Cónclave
Gladiator II
Nosferatu
Wicked
Mejor maquillaje y peluquería
A Different Man
Emilia Pérez
Nosferatu
La sustancia
Wicked
Mejores efectos visuales
Alien: Romulus
Better Man
Dune: Parte II
El reino del planeta de los simios
Wicked
Mejor canción
Mi camino, de Emilia Pérez
El mal, de Emilia Pérez
Never Too Late, de Elton John: Never Too Late
The Journey, de The Six Triple Eight
Like a Bird, de La vida de Sing Sing
Mejor cortometraje de ficción
Anuja
The Last Ranger
A Lien
The Man Who Could Not Remain Silent
I’m Not a Robot
Mejor cortometraje documental
Death by Numbers
I Am Ready, Warden
Incident
The Only Girl in the Orchestra
Instruments of a Beating Heart
Mejor cortometraje de animación
In the Shadow of Cypress
Wander to Wonder
Yuck
Magic Candies
Beautiful Men
Óscar Honorífico: Quincy Jones (póstumo) y Juliet Taylor.
Premio Humanitario Jean Hersholt: Richard Curtis.
Premio en Memoria de Irving G. Thalberg: Michael G. Wilson y Barbara Broccoli.
Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, ‘Paddington: aventura en la selva’ encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
Crítica
Mantiene esa inocencia que es todo un ejemplo a seguir
Tercera entrega de la saga a la que muchos nos acercamos por las bromas hechas en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’, la película protagonizada por Nicolas Cage y Pedro Pascal. Después de dos entregas aclamadas por la crítica y el público, ‘Paddington: aventura en la selva’ tenía la difícil tarea de mantener el encanto y la calidad de la saga. Sin embargo, con un cambio de director y un giro hacia la aventura buscatesoros clásica, la película se aleja del tono original que hizo tan especial a ‘Paddington’ (2014) y ‘Paddington 2’ (2017). Eso no tiene que ser necesariamente algo malo.
Las dos primeras películas fueron dirigidas por Paul King, quien logró equilibrar el humor, la emoción y la estética encantadora de la historia. Pero este director ha estado ocupado sin duda dándole el toque british a ‘Wonka’. ‘Paddington: aventura en la Selva’ cuenta con DougalWilson en la dirección, un debutante en esto del largometraje. Su experiencia en videos musicales y comerciales le permite aportar un toque visual atractivo, pero su narrativa es más convencional y menos innovadora que la de su predecesor. Uno de los mayores cambios es la partida de Sally Hawkins (que también estaba trabajando en ‘Wonka’), quien interpretaba a la Sra. Brown y ahora es reemplazada por Emily Mortimer. Aunque la transición es fluida y la película se enfoca en la dinámica familiar, el centro de atención es la expedición a Perú. Por mucho que suponga el regreso a casa para el osezno se pierde parte del encanto hogareño de las anteriores. Sin duda estamos ante el ‘Stuart Little’ de esta generación, dado su toque british y sus valores familiares y de hospitalidad, incluso en su tercera y animada entrega también se iba de aventuras a la naturaleza. Como decía, estos cambios no son necesariamente para mal, no estamos ante el caso de otra saga destrozada por el ansia de hacer más y más.
La historia sigue a Paddington y la familia Brown en la búsqueda de la desaparecida tía Lucy. La película introduce elementos de cine de aventuras al estilo de ‘Indiana Jones’ o ‘Tras el corazón verde’, con escenarios selváticos idealizados y el misterio de un tesoro perdido. Acaba apareciendo El Dorado y la selva amazónica acoge elementos occidentales como en ‘Fitzcarraldo’, pero prefiero no comparar y conviene alejar la sombra del molesto Klaus Kinski. Visualmente se va a más, al público se le aporta la misma cantidad de carcajadas, más adrenalina y menos momentos lacrimógenos o empalagosos. La ternura está menos presente pero es compensada con carcajadas. Sobre todo por la inclusión de Olivia Colman (que sí que ha sacado tiempo tras rodar ‘Wonka’) en la piel de una monja a medio camino de ‘Sonrisas y lágrimas’ y un personaje de ‘Los Simpson’ a punto de explotar, demencial.
Quién espere una visión fidedigna de Perú se va a llevar un chasco. Vale que estas historias de Michael Bond son un estandarte de la cultura británica, pero qué vamos a esperar de algo surgido de un cuento infantil en el que el protagonista es un oso con abrigo de pana adicto a la mermelada. Evidentemente no es un filme retratista, todo podría haber sucedido en cualquier selva. Lugares donde siempre se ha vituperado la huella de los conquistadores españoles. En ‘Paddington 3’ Antonio Banderas intenta lidiar con algo de luz ese tipo de legado.
El humor mudo sigue presente, con guiños incluso a sketches clásicos de Buster Keaton. Las mentiras piadosas, la manera tan correcta de afrontar los conflictos y la capacidad de ser magnánimo con una criatura tan exacerbadamente torpe siguen siendo señas de identidad. Tanto en el protagonista como en casi todo el filme, reina la inocencia. Reitero que quizá la emotividad esté mucho menos presente, pero hay que aplaudir que aún con todo y con eso este oso se gana nuestros corazones y se alza como un ejemplo a seguir. Seguir, quizá la franquicia no crezca con más películas, por lo menos su escena post-créditos no parece tener intenciones continuistas, pero seguro que los resultados de crítica y taquilla ponen a sus productores los dientes largos.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Paddington in Peru. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Dougal Wilson. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Ben Whishaw, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Julie Walters, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Carla Tous, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Olivia Colman, Antonio Banderas. Producción: Studio Canal, Columbia Pictures, Stage 6 Films, Kinoshita Group, Canal+, Marmalade Films Ltd. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial:https://paddingtonmovie.com/
Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Tóth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio…
Crítica
Apabullante e impresionante
‘The Brutalist’ llega para quedarse en nuestras cabezas, ya sea de buena manera o mala, pero sin duda no va a dejar indiferente a nadie. Brady Corbet (‘Vox Lux’), consigue una obra inmensa que en mi caso, me ha gustado mucho. Es una de esas películas que hay que digerir antes de hablar de ella. No por nada, si no por el simple hecho que cuenta más de lo que parece, que al final no es simplemente el desencanto por el sueño americano, que lo es, si no que va mucho más allá. Y, aunque tienes 215 minutos para ir viendo todo lo que te están contando, aun así, terminas con demasiada información en tu cabeza y con muchos sentimientos acerca de todo lo que ocurre en la cinta.
Lásló Tóth es un famoso arquitecto que huye de la potguerra en Europa y se dirige a un lugar maravilloso llamado Estados Unidos. Allí, poco a poco tiene que adaptarse, a su manera de vivir, actuar e incluso de trabajar. Tiene la suerte de conocer a un extravagante millonario que ama la arquitectura y que decide contar con él para un gran proyecto.
Este sería el gran resumen, donde nuestro protagonista tendrá altibajos, conocerá lo bueno y lo malo de Estados Unidos. A sus habitantes y a personas que como él tuvieron que dejar su hogar y labrarse uno nuevo. Y ver como esas personas se han adaptado a la vida estadounidense que simplemente se han olvidado de donde vienen, o sin ningún tapujo, reniegan de donde vienen. Y ahí está el debate, ¿Qué debe de hacer?, seguir en sus trece y continuar con sus costumbres o avanzar en una sociedad que en el fondo no le gusta. ¿Pero, realmente en esa sociedad le respetan? ¿O solo se aprovechan?
Toda esta historia está contada mientras nos envuelven en arte, de todas las maneras posibles, ya sea gracias a los edificios que vemos, impresionantes o ya al trabajo de fotografía y dirección de la película. Todo tipo de planos, cortos, largos, con inclinaciones exageradas. La llegada a Estados Unidos con un gran plano secuencia terminando en una Estatua de la Libertad boca abajo me parece la mejor manera para comenzar esta película llena de simbolismo.
Como digo, todo es arte en ella, y sin duda el trabajo en equipo que se realiza me parece espectacular. La música de DanielBlumberg, es brutal, hay veces que llega a molestar, pero es necesario para lo que nos está contando. También sirve para que nos demos cuenta que hemos pasado a una época distinta sin necesidad de mostrarnos la cantidad de años que han transcurrido de un suceso a otro. Otra manera de que veamos el paso del tiempo es gracias al uso de los time-lapse, que no siempre los utiliza para esto, cuidado, pero es un elemento más. Además, por supuesto del maquillaje, vamos viendo envejecer a nuestros protagonistas poco a poco.
La fotografía de la película me parece increíble. Sin esta fotografía, ‘The Brutalist’ no sería igual y es que es además de bonita, es colosal en todos los sentidos. El uso de las sombras y las luces tan extremas, dándonos la sensación de lo pequeño que es el ser humano y de las grandes cosas que somos capaces de crear dentro de nuestra desesperación. Esto es gracias a LolCrawley (‘Ruido de fondo’).
Y por último y no más importante, el reparto. Lo de AdrienBrody y GuyPearce es de otro nivel. Ambos personajes tienen una evolución bastante parecida y a la vez muy distinta. Pero juntos, avanzan hacia un camino irreparable para ambos y que sin duda destrozarán sus almas. El resto del reparto y no menos importante, encontramos a FelicityJones, JoeAlwyn, RaffeyCassidy, StacyMartin, AlessandroNivola o IsaachdeBankole, son algunos de los actores que logran representar perfectamente a esta sociedad llena de contrastes.
Quería comentar una pequeña anécdota de friki de la historia del arte, el protagonista de la película se llama Lásló Tóth, si buscáis en Google, os va aparecer un hombre que en 1972 destrozó parte de La Piedad de Miguel Ángel, que nada tiene que ver con el protagonista de nuestra historia. Pero la curiosidad también parte de que, en la película, van a una cantera de mármol que es justo de donde Miguel Ángel sacó el material para su Piedad. No sé si ha sido casualidad o no, pero ahí dejo el dato, que a mi me ha resultado llamativo
Como he comentado, ‘The Brutalist’ está llena de simbolismos y sin duda es una película que no va a dejar a nadie indiferente. Va a gustar más o menos, pero después de verla, puedo decir, que comprendo perfectamente todos los premios que se ha llevado y aunque haya que darle un tiempo para darte cuenta de lo que has visto, merece la pena pasar estas 3 horas y 35 minutos en la sala de cine. No os vais arrepentir. Eso sí, comentaros que a la hora y cuarenta minutos la proyección se detiene para darnos 15 minutos de descanso.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: The Brutalist. Duración: 215 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brady Corbet. Guion: Brady Corbet y Mona Fastvold. Fotografía: Lol Crawley. Música: Daniel Blumberg. Reparto principal: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Raffey Cassidy, Stacy Martin, Isaach Bankole, Alessandro Nivola, Emma Laird, Jonathan Hyde, Jaymes Butler, Peter Polycarpou. Producción: Brookstreet Pictures, Andrew Lauren Productions (ALP), Carte Blanche, Intake Films, Killer Films, Yellow Bear Films, Three Six Zero Group, Proton Cinema. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/brutalist
El gato es un animal solitario, pero cuando su hogar es devastado por una gran inundación, encuentra refugio en un barco poblado por varias especies, y tendrá que formar equipo con ellas a pesar de sus diferencias.
Crítica
Un milagro de la animación indie
‘Flow’, la película de Gints Zilbalodis presente en la shor-list de los Oscars 2025, es una obra maestra de la animación que destaca por su enfoque sensible hacia el mundo animal y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones sin recurrir a diálogos. La narrativa sigue a un gato (o gata) negro que, tras una devastadora inundación, se embarca en un viaje a bordo de un barco habitado por diversas especies animales. A lo largo de esta travesía, el felino aprende a colaborar y confiar en sus compañeros de viaje, resaltando temas universales de comunidad y protección mutua. A los que ya peinan canas esta trama podría recordar a ‘En busca del valle encantado’, ‘Dinosaurio’ o ‘El viaje de Arlo’, pero este filme va por otros derroteros, sobre todo por su final.
La ausencia de diálogos en ‘Flow’ permite que las acciones y comportamientos naturales de los animales sean el principal vehículo de comunicación, otorgando autenticidad y profundidad emocional a la historia, reclamando la máxima atención por parte del espectador que ha de fijarse en la expresividad de los protagonistas. Esta elección artística invita al espectador a sumergirse en las sutilezas del lenguaje corporal y las interacciones entre las diferentes especies, creando una conexión más íntima con los personajes y sus experiencias.
La animación de ‘Flow’ es notable por su realismo y estilo distintivo, que recuerda a producciones de videojuegos indie como ‘Sky’, ‘Samorost’ o ‘Gris’. La estética visual, creada íntegramente con el software de código abierto Blender, ofrece paisajes oníricos y detallados que complementan la atmósfera fantástica del relato. Cada escena está meticulosamente diseñada para sumergir al espectador en un mundo de carácter casi post-apocalíptico donde la naturaleza y los animales son los protagonistas indiscutibles.
La trama de ‘Flow’ es extrapolable a cualquier relato sobre desamparados y desharrapados, ya que presenta a animales que, despojados de su hogar por un desastre natural, deben unirse para sobrevivir. Esta narrativa resuena profundamente en un mundo donde los desastres naturales, como inundaciones e incendios (véase recientemente Valencia o California), afectan no solo a los humanos sino también a innumerables animales. La película invita a reflexionar sobre el impacto de la mano del hombre en el medio ambiente y cómo nuestras acciones pueden desencadenar consecuencias devastadoras para todas las formas de vida, como sucede durante la construcción de presas y carreteras.
Para los amantes de los animales, ‘Flow’ ofrece una perspectiva sensible y conmovedora de la vida animal, con momentos que van desde la tristeza profunda hasta la ternura, evidenciando el sentido de comunidad e instinto protector que emerge en situaciones de adversidad. La película destaca la importancia de la cohabitación y la comprensión mutua entre diferentes especies, presentando un homenaje poético a la naturaleza y sus habitantes. Si hay que ponerle algún “pero” a este filme es que en diversas ocasiones la trama avanza gracias a atribuir ciertos comportamientos humanos a estos animales.
Para una comprensión completa del filme, se recomienda prestar atención a la escena post-créditos, que ofrece una perspectiva adicional sobre la narrativa y los destinos de los personajes. Esta escena finaliza la experiencia cinematográfica con una nota reflexiva, invitando al espectador a contemplar las implicaciones más profundas de la historia presentada.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Flow. Duración: 83 min. País: Francia, Letonia, Bélgica. Dirección: Gints Zilbalodis. Guion: Matiss Kaza, Gints Zilbalodis. Música: Rihards Zalupe, Gints Zilbalodis. Producción: Arte France Cinéma, Dream Well Studio, Sacrebleu Productions, Take Five. Distribución: Adso Films, Filmin. Género: aventura, drama. Web oficial:https://www.dreamwell.lv/
Better Man se basa en la historia real del ascenso meteórico, caída dramática e increíble resurgir de la superestrella de pop británica Robbie Williams, uno de los mejores showmans de la historia. Bajo la dirección visionaria de Michael Gracey (EL GRAN SHOWMAN), la película se cuenta desde la perspectiva única de Robbie, reflejando su inimitable ingenio y su espíritu indomable. Sigue la trayectoria de Robbie desde su infancia y su experiencia como el miembro más joven de la boyband de enorme éxito Take That hasta los logros míticos de su carrera en solitario, todo mientras se enfrenta a los retos que vienen con la fama y el éxito estratosféricos.
Crítica
Robbie Williams se convierte en un símbolo de cómo la humanidad ha mutado su concepto de salvaje
‘Better Man’ dirigida por Michael Gracey, aborda la turbulenta vida de Robbie Williams, uno de los artistas más icónicos y controvertidos del pop británico. Desde su anuncio, este biopic ha generado curiosidad, sobre todo por la decisión de representar a Williams como un mono. En un panorama que comienza a estar saturado de películas sobre estrellas de la música como ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘One love’ o ‘Back to Black’, ‘Better Man’ destaca por su enfoque gamberro y surrealista.
Robbie Williams como chimpancé, un intento de crear un símbolo de autenticidad y autocrítica. La decisión de representar a Robbie Williams como un mono puede parecer, a primera vista, una elección extravagante, un truco de marketing o incluso un capricho absurdo. Sin embargo, al analizar esta metáfora, se hace evidente que Michael Gracey intenta plasmar la lucha interna del cantante con sus inseguridades, su fama, sus compañeros de Take That y su percepción pública. El simio, con su energía caótica y a veces autodestructiva, encapsula la autocrítica mordaz de Williams, hacia su carrera y sus problemas personales, incluidos la adicción y los constantes altibajos emocionales. También podría servir como símbolo de una humanidad que ha cambiado su concepto de lo salvaje.
En comparación con ‘Bohemian Rhapsody’ (saldrán comparativas), que se centró en resaltar el genio artístico de Freddie Mercury y sus compañeros mientras suavizaba aspectos oscuros de su vida, ‘Better Man’ no teme sumergirse en las sombras de su protagonista. Incluso frente a ‘Rocketman’, que apostó por el surrealismo musical y el espectáculo flashmob para narrar la vida de Elton John, la figura del mono en ‘Better Man’ lleva el simbolismo y el concepto de showman un paso más allá, creando un retrato introspectivo y único. El biopic musical ha pasado por una transformación significativa en la última década, pero ‘Better Man’ parece haber dado un paso aún más arriesgado al mezclar elementos de realismo mágico con un enfoque emocionalmente crudo. Son arrebatadoras las escenas con la abuela o el final con los padres o las escenas de degradación. Con este enfoque sobre Williams se alejan casi siempre del molde del «héroe musical redimido» o la estrella fatídica que intentó explotar ‘Back to black’ y lo sitúa en un espacio más honesto y, a la vez, controvertido. Williams siempre controvertido.
El chimpancé hecho en CGI en ‘Better Man’ es una de las apuestas más audaces de la película, destacando tanto por su calidad técnica como por el ya mencionado impacto emocional. Creado por Weta, los expertos detrás de producciones como ‘El Señor de los Anillos’, esta representación combina tecnología avanzada de captura de movimiento y animación de última generación. La actuación de Jonno Davies, quien prestó movimientos y expresividad al personaje, ha sido fundamental para transmitir las emociones del cantante en diferentes etapas de su vida. El director Michael Gracey señaló aquí atrás que el simio no solo debía ser técnicamente impecable, sino también conectar emocionalmente con el público, logrando que este elemento simbólico reflejara la adicción y la ansiedad de Williams. Desde luego, el resultado es tan impactante como el que hemos visto en la saga de ‘El planeta de los simios’.
¿Por qué puede tener interés o envergadura en nuestras carteleras? La respuesta está en su relevancia para una audiencia millennial y de la generación Z. Robbie Williams fue una figura presente en todas las listas y revistas de los años 90 y principios de los 2000, y muchos de sus fans ahora adultos están buscando relatos más complejos y humanos sobre sus ídolos o por lo menos rascar más allá de la superficie de aquello que vivieron en el pasado. ‘Better Man’ ofrece algo más que una simple cronología de eventos que van desde su infancia, es una exploración de cómo la fama modifica la identidad y haciendo algo de análisis transversal, de como el propio concepto de popularidad ha cambiado. El propio cartel, que parte de la portada de ‘Life thru a lens’, ya revela esa intencionalidad de mostrar al cantante como un mono de feria dependiente de la opinión pública, a pesar de que este siempre se ha intentado mostrar como un jeta descarado completamente desinhibido.
Además, la dirección de Michael Gracey, que ya demostró su talento visual y efectividad en ‘El gran showman’ (no tanto con ‘P!nk: Todo lo que sé hasta ahora’), asegura que ‘Better Man’ sea una experiencia que merezca pagar por verse en pantalla grande. Desde secuencias oníricas, pasando por evidentes espectáculos masificados, hasta momentos de cruda humanidad, Gracey parece haber encontrado un equilibrio que hace de esta película una obra única dentro del género.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Better man. Duración: 135 min. País: Australia. Dirección: Michael Gracey. Guion: Oliver Cole, Simon Gleeson, Michael Gracey. Música: Batu Sener. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Robbie Williams, Jonno Davies, Alison Steadman, Kate Mulvany, Anthony Hayes, Raechelle Banno, Jake Simmance, Liam Head, Chase Vollenweider, Jesse Hyde. Producción: Sina Studios, Facing East Entertainment, Rocket Science, Lost Bandits, Footloose Productions, RPW Productions. Distribución: Tripictures. Género: biográfica. Web oficial:https://tripictures.com/peliculas/better-man/
Por fin llega la segunda temporada de ‘El juego del calamar’. La exitosa serie coreana, regresa para seguir las andanzas de Gi-hun, jugador número 456. Tres años después de conseguir pasar el juego y volverse millonario, decide abandonar sus planes de irse a Estados Unidos y planea su venganza contra los creadores del terrible juego en el que se vio metido. Pero para lograr su cometido, tiene que volver adentro. Gi-hun, se obsesiona con acabar con esa locura y tiene el dinero suficiente para pagar a quien haga falta para conseguir su plan.
Admito que cuando vi la primera temporada de ‘El juego del calamar’ tuve sentimientos encontrados. Uno de ellos, es que todo el mundo comentaba lo innovadora que era, pero supongo que he visto tanto cine y tanta televisión que me parecía un refrito de muchas cosas. Pero si que he de decir, que pese a que no me pareció nada original si que tenía bastantes puntos a su favor para que me gustase.
El tema de que se jueguen la vida con simples juegos de niños es bastante retorcido. Otro punto bueno es que a los personajes principales no se les coge especial cariño y esto hace que muchas veces estás deseando que pierdan el juego para verlos sufrir. Y luego está la crítica a la sociedad, que hemos visto en muchas otras películas y series. Y es el tema de la lucha de clases, donde los que siempre sufren son la gente pobre. En este caso, pagan con sus vidas con tal de conseguir dinero en efectivo.
Todo esto sigue en esta temporada, lo que pasa, que ya lo sabemos y aunque es una temporada algo más corta, si que puede llegar a pesar un poco algunos episodios en los que nos vuelven a contar lo mismo otra vez. Eso sí, los dos primeros episodios me han gustado bastante, son los suficientemente diferentes y logran adentrarnos en otra trama en donde encontramos más acción. En cuanto regresamos a la isla vemos nuevos juegos, nuevas maneras de hacer que se crispen los nervios de los participantes y veremos como se intentan sabotear los unos a los otros.
Otra de las cosas que continúan es la estética tan bonita, llena de colores infantiles dentro de ese complejo tan parecido a la Muralla Roja de Ricardo Bofill. Qué consigue que todo ese lugar parezca un gran laberinto infantil, que en este caso, no es nada divertido, sino más bien siniestro.
Volvemos a tener en la serie a Lee Jung-jae (‘The Acolyte’), a Wi Ha-joon (‘Midnight’) y a Lee Byung-hun (‘Concrete Utopia’). Se unen al reparto Kang Ae-shim, Lee Da-wit, Yang Dong-geun, Park Gyuyoung, Kang Ha-neul, Roh Jae-won, Lee Jin-wook o Choi Seung-hyun, entre otros.
En general la temporada me ha parecido bastante entretenida, pese a que se repiten situaciones y quizás los juegos duren demasiado en pantalla. Pero, aun así, me ha gustado mucho y al final da un giro muy bueno. Por cierto, esperar un poquito, no mucho, esto no es Marvel, porque al final tendremos una pequeña escena post créditos. En esta escena descubriremos un nuevo “personaje” que hará que nuestros protagonistas no lo pasen nada bien en la tercera temporada.
HwangDong–Huk, anunció que ‘El juego del calamar’ tendrá una temporada más. La serie llegará a su fin en 2025 (aquí podéis leer el comunicado). Así que no esperéis una temporada conclusa, porque no la vais a tener. Pero sin duda, disfrutaréis mucho, sobre todo, si la primera temporada ya os gustó. Esta os va a dar mucha más acción.
Nosferatu es un cuento gótico en torno a la obsesión entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella que deja un espantoso rastro a su paso.
Crítica
Magníficamente terrorífica. No se amilana ante el clásico de culto que readapta
Cuando Friedrich Wilhelm Murnau estrenó Nosferatu en 1922, lo hizo como una adaptación no autorizada de la novela ‘Drácula’ de Bram Stoker. Incapaz de obtener los derechos, Murnau modificó los nombres y ciertos detalles para evitar problemas legales, pero el resultado fue un filme que, pese a las demandas y la orden de destruir todas las copias, sobrevivió al paso del tiempo para convertirse en un referente absoluto del cine de terror. Ahora, en 2024, Robert Eggers, director de obras como ‘The Witch’, ‘El faro’ o ‘El hombre del norte’, se atreve con la monumental tarea de rehacer este clásico inmortal. Y lo hace con una visión tan meticulosa y apasionada que no solo rinde homenaje al original, sino que también lo reimagina para una nueva generación superando cualquier remake y yendo a rebufo del ‘Drácula’ de Coppola.
‘Nosferatu’ es una joya visual que respeta sus raíces. Desde el primer fotograma, queda claro que Eggers comprende profundamente lo que hizo especial al Nosferatu de Murnau. La fotografía, a cargo de Jarin Blaschke, colaborador habitual de Eggers, es un tributo directo al expresionismo alemán, con claroscuros pronunciados, encuadres angulares y una atmósfera que parece palpitar con opresión. Sin embargo, lejos de limitarse a imitar, Eggers incorpora su estilo característico, dando lugar a una experiencia que es a la vez clásica y moderna, estamos ante la versión de Drácula más dickensiana. Y aunque tiene momentos brillantes, no es lo suficientemente constante en su estilo como para dejarnos con un Síndrome de Stendhal, como nos tiene acostumbrados. Tampoco nos regala una reproducción de la clásica secuencia de la sombra del vampiro subiendo las escaleras, más bien es una re-imaginación. Aún así, la escena final va a quedar marcada en la retina de la historia del terror por cómo se acerca al grotesco medieval.
Hay varias decisiones arriesgadas para el filme que enfrentarán la opinión de los puristas. Y no me refiero a pasar un título mudo al sonoro. Hablamos más de hacer una película a caballo entre la obra del 22 y el ‘Drácula, de Bram Stoker’. La narrativa evidentemente es más moderna y a veces incluso mucho más grotesca. Pero sobre todo se nota que el tratamiento romántico no está del todo presente. A parte de eso están los kilos de maquillaje que han convertido a Bill Skarsgård en un Vlad Tepes al más puro estilo danza macabra (danza de la Muerte) del arte del siglo XV.
Pero es que además las interpretaciones cortan la respiración. El clásico del cine mudo adquiere otra dimensión con los diálogos y las actuaciones de esta versión de 2024. Bill Skarsgård, conocido por su capacidad para interpretar personajes perturbadores, ofrece una versión del conde Orlok que es a la vez monstruosa y profundamente trágica. No solo encarna el terror, sino también el patetismo de una criatura atrapada por su propia naturaleza. Su presencia es magnética, y cada gesto o mirada parece hablar de siglos de soledad y desesperación. Su voz transmite pesadumbre a la par que infunde terror.
El resto del elenco también está a la altura. Lily-Rose Depp como Ellen Hutter (la reimaginación del personaje de Mina Harker) aporta una vulnerabilidad y fortaleza que enriquecen el drama, recordando por momentos a personajes burtonianos. Mientras que Nicholas Hoult como Thomas Hutter, se enfrenta a los horrores del conde con una mezcla de ingenuidad y desesperación. Eggers logra extraer interpretaciones que no solo son convincentes, sino también profundamente humanas, lo que añade una capa emocional que eleva la película más allá del horror convencional. Como siempre saca oro de el elenco más joven y aprovecha volver a contar con Willem Dafoe y Ralph Ineson.
Eggers toma los elementos esenciales del original y los expande con un guion que ahonda en los temas de la corrupción, la mortalidad y el sacrificio. Aunque se mantiene fiel a la narrativa básica, introduce nuevos matices que hacen que la historia se sienta fresca sin perder su esencia clásica. Se convierte en otro título que explora el viaje del Demeter, aunque solo de manera pasajera y evidentemente en menor grado que la película de André Øvredal.
El ‘Nosferatu’ de Eggers no es simplemente una nueva versión de una película de culto, sino una exploración de cómo los miedos y obsesiones humanas trascienden el tiempo. Con una dirección impecable, actuaciones memorables y un estilo visual inconfundible, esta película reafirma a Eggers como uno de los directores más importantes del cine de terror contemporáneo. Y aunque para mí no es su mejor título hay que reconocer que no se ha amilanado ante el peso del clásico que readapta, lo cual era un reto que a muchos se les antoja inabarcable. Para los fanáticos del terror y el cine de autor, esta película es un imprescindible que celebra la historia del género.
Por último, las curiosidades vampíricas que se han dado en este filme. En ‘Nosferatu’ aparece Willem Dafoe interpretando al Prof. Albin Eberhart von Franz que es el nombre usado para adaptar a Abraham van Helsing. En su día apareció en ‘La sombra del vampiro’, la película sobre el rodaje de ‘Nosferatu’, en la cual interpretaba a Max Schreck, quien era el villano Orlok a.k.a. Drácula. Por otro lado, Nicholas Hoult encarna a Thomas Hutter que es el equivalente al enamorado Jonathan Harker, el cual sufre el calvario del vampiro. Irónicamente hace poco estaba del otro lado de la contienda interpretando al ayudante de Drácula en ‘Rendfield’. Ambas películas comparten a Nicolas Cage, como productor y protagonista respectivamente. Quien se ha metido en la piel del Orlok en esta ocasión es Bill Skarsgård, quien nunca ha estado en una de chupasangres pero cuyo hermano es Alexander Skarsgård, protagonista de ‘True Blood’. Y la cosa no se queda en estos tres actores. Más desconocido es Jordan Haj, que en esta nueva versión aparece acreditado como cazador de vampiros. Este actor y músico checo aparecía en el reparto de ‘Underworld: guerras de sangre’ estando en el bando de los vampiros. Por último y no menos importante, la película ha rodado sus exteriores en el castillo de Hunedoara, ubicado en Rumanía y lugar donde otrora Vlad Drácula estuvo preso brevemente. Las estancias que vemos se han recreado en los castillos de Rožmitál y Pernstejn (República Checa) y por este último ya pululó Nosferatu con la película ‘Nosferatu, vampiro de la noche’ de Werner Herzog.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Nosferatu. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Robert Eggers. Guion: Robert Eggers. Música: Robin Carolan. Fotografía: Jarin Blaschke. Reparto principal: Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon McBurney, Willem Dafoe. Producción: Focus Features, Maiden Voyage Pictures, Studio 8, Birch Hill Road Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/nosferatu/
En el Madrid de 1936, un joven llamado Miguel Gila vive tranquilo y feliz con sus abuelos en una humilde buhardilla. Pero el estallido de la Guerra Civil obliga a Miguel, junto a su amigo Pedro, a acudir a la lucha. Allí Gila sobrevive a miserias, batallas, al fusilamiento y a la cárcel gracias a su humor. Por esta forma única de interpretar el mundo que le rodea, Gila se convertirá en uno de los cómicos más populares de España y Latinoamérica.
Crítica
Un emotivo tributo al poder sanador de comediantes como Gila
Alexis Morante nos entrega en ‘¿Es el enemigo?’ una obra que es mucho más que una biografía cinematográfica de Miguel Gila: es un retrato fiel y entrañable de un estilo de comedia que marcó a generaciones. A través de una narrativa que oscila entre el drama y el humor, Morante rinde homenaje a ese costumbrismo ingenuo que bordeaba el surrealismo y la crítica velada, características inconfundibles del humor del gran cómico español.
Óscar Lasarte, encargado de dar vida a Gila en su juventud, realiza una interpretación deslumbrante. Desde el instante en que clava su peculiar manera de hablar, logra encarnar al comediante con una precisión que no solo sorprende, sino que emociona. Lasarte está a la altura de las grandes figuras como Roberto Benigni o Chaplin, mostrando una profundidad y sensibilidad que convierten su actuación en el corazón de la película.
Evidentemente ‘¿Es el enemigo?’ es una historia más sobre nuestra Guerra Civil. La trama gira principalmente en torno al icónico monólogo de la guerra de Gila, que el humorista interpretó durante más de tres décadas. En este contexto, Morante utiliza la estructura del filme no para contar una historia lineal de la vida del artista, sino para capturar la esencia de su humor: blanco, sin palabrotas, universal y profundamente cotidiano. El resultado es un testimonio de cómo la risa puede ser un acto de resistencia frente a las adversidades. La frase “Nos han enseñado a odiar, pero no a perdonar” resuena como un eco de relevancia actual, cuando abundan los llamados haters y la falta de concordia.
Es inevitable que el filme evoque en el espectador ciertas comparaciones con obras recientes y clásicas. Por ejemplo, ‘Saben aquell’, el biopic sobre Eugenio, comparte el interés en explorar la vida y el arte de un humorista icónico. La evocación de ‘La vida es bella’ es también evidente, ya que ambas películas buscan sacar una sonrisa incluso en medio de los horrores de la guerra. Y, por supuesto, están las inevitables reminiscencias a ‘La vaquilla’ de Berlanga, con su enfoque satírico sobre la Guerra Civil, o incluso ‘Salvar al soldado Ryan’, aunque desde una óptica más sencilla y humorística, por el honorable cometido de Gila a lo largo de todo el filme.
En definitiva, ‘¿Es el enemigo?’ es un tributo necesario y emotivo a un cómico que forma parte del ADN humorístico español. Más allá de Gila, la película se convierte en un homenaje a todos aquellos que nos hacen reír cuando el mundo parece demasiado oscuro para soportarlo. En una época de haters y crispación, esta obra es un recordatorio del poder del humor como herramienta para sanar y conectar. Con su mezcla de drama, humor y emoción, ‘¿Es el enemigo?’ se alza como un testimonio de cómo la comedia, en las manos adecuadas, puede trascender el tiempo. Una película que no solo homenajea a Gila, sino que celebra el poder transformador de la risa.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: ¿Es el enemigo? La película de Gila. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Alexis Morante. Guion: Alexis Morante, Raúl Santos. Música: Miguel Santos. Fotografía: Carlos García de Dios. Reparto principal: Óscar Lasarte, Natalia De Molina, Carlos Cuevas, Salva Reina, Iván Villanueva, Antonio Bachiller, David Elvira, Adelfa Calvo, Vicente Romero, Ramón Ibarra. Producción: Pecado Films, Arcadia Motion Pictures, Philmo Capital AIE, Nu Boyana Portugal, RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur, 3Cat, CreaSGR. Distribución: Filmax. Género: comedia, biografía. Web oficial:https://pecadofilms.com/es-el-enemigo-la-pelicula-de-gila/
Impresionante, en su animación y en su llamada a coger el mando
15 episodios, ni más ni menos, son los que componen ‘Secret level’. Prime Video publicará en dos tandas desde el 10 de diciembre esta antología que se podría decir que hace un fanservice en cada una de sus entregas. Capítulos cortos, que van de los 7 a los 18 minutos, que hacen las delicias para todo tipo de jugadores y amantes de la animación. Detrás de esta ambiciosa y suculenta serie están los creadores de otra exitosa antología como es ‘Love, Death and Robots’, Tim Miller y Dave Wilson. En esta ocasión el material no es tan fresco ni original, puesto que cada historia parte de un conocido videojuego, pero eso no le resta ni potencia ni sustancia ya que cada una de las aventuras supone un bonus track a los juegos que tanto nos gustan. Sobre todo resulta apabullante la calidad de sus imágenes generadas por ordenador, a veces cuesta distinguir entre realidad y artificio. La única pega es que la animación varía poco entre capítulos, no hay mucho cambio de técnicas aunque si de tono.
Además, como regalo si la veis en versión original, escuchamos las voces de famosos como Arnold Schwarzenegger, Kevin Hart, Keanu Reeves, Temuera Morrison, Emily Swallow, Gabriel Luna, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Claudia Doumit y muchos más. Todos ellos prestan sus cuerdas vocales e incluso sus rostros para dar vida a personajes muy conocidos dentro del mundo gamer. Quizá los más puristas habrían querido la presencia de los dobladores que escuchábamos cuando cogíamos el mando, pero hay que reconocer que muchos de ellos provienen de juegos en los que no tenían diálogos.
¿Qué juegos aparecen en ‘Secret level’? Quizá sería más bonito dejarlo todo a la sorpresa, aunque tanto con el tráiler como con la imagen promocional ya vemos que hay historias basadas en ‘Mega Man’, ‘Unreal Tournament’, ‘Warhammer 40,000’ o ‘Armored Core’. Todo el mundo coincidirá en que es una pasada el capítulo que hace honor a los personajes de PlayStation aunque se echan de menos más protagonistas. Entre nuestros favoritos son obras tan apabullantes como la que se ambienta en ‘Dungeons & Dragons’, la que cuenta con Keanu Reeves o la que nos traslada a una auténtica película de acción como la que proviene del videojuego ‘Crossfire’. Sea como fuere, cada capítulo merece un apartado propio y al igual que hicimos en su día con las tres temporadas de ‘Love, death & robots’ os detallamos uno a uno sin spoilers. Podéis leer nuestras impresiones tras el tráiler.
‘Dungeons & Dragons: the queen’s cradle’ (estreno el 10 de diciembre)
Apabullante. Solo así puede describirse la calidad de este capítulo. Los personajes están recreados a un nivel increíble, pero sobretodo su gran ser mitológico nos quita el hipo pues su textura y sus movimientos traspasan la pantalla. De una belleza monstruosa pasará a ser una de las mejores recreaciones dentro del universo de D&D.
Clérigos, paladines, magos, liches… y por supuesto dragones. Es una aventura con mucha acción, magia y criaturas que a muchos va a recordar a los buenos momentos vividos leyendo historias como las de la Dragonlance.
¿Juego en que se basa? Dragones y Mazmorras
Técnica: 3D
Género: fantasía
Duración: 14 min. 47 seg.
‘Sifu: it takes a life’ (estreno el 10 de diciembre)
Blur studio, aquellos que nos dejaron boquiabiertos con el episodio ‘Jíbaro’ del volumen 3 de ‘Love, Death & Robots’, vuelven a trabajar con Tim Miller. En esta ocasión nos llevan a un oriente urbanita, en el que la tradición se mezcla con una jungla de asfalto repleta de neones. Consiste en una especie de John Wick sobrenatural. Su acción es vibrante e incluso tiene un poco de poesía, pero sobre todo destaca por su animación, ya que es uno de los pocos que no es puro 3D utilizando un estilo similar al de las películas del Spiderverse.
¿Juego en que se basa? Sifu
Técnica: tradicional más digital
Género: acción
Duración: 8 min. 41 seg.
‘New World: the once and future king’ (estreno el 10 de diciembre)
No es el único MMORPG que se adapta en ‘Secret level’, pero quizá si el único de Amazon Games. Gracias a esta aventura en la que un rey tiene que empezar desde cero cual ‘Age of empires’, Arnold Schwarzenegger vuelve a empuñar un espadón. Comedia y mucho respawn, una combinación que puede recordar a ‘Al filo del mañana’ pero en clave medieval y a tope de dismorfia muscular. Muy divertido, incluído el guiño a ‘Predator’.
¿Juego en que se basa? New World
Técnica: 3D
Género: aventura, fantasía
Duración: 13 min. 36 seg.
‘Unreal Tournament: Xan’ (estreno el 10 de diciembre)
Para muchos, incluído yo, ‘Unreal’ es uno de los shooter básicos y de cabecera. No era un juego especialmente seguido por su historia, pero si por su mezcla de acción con ciencia ficción, lo cual le brindaba la oportunidad de proporcionar a los jugadores arma casi tan locas como las del Half-Life.
Vivimos una rebelión de las máquinas en un mundo intergaláctico en el que la minería es de crucial importancia. Esta es una historia que cuenta con Elodie Yung y que a muchos puede recordar a ‘The running man’ o a cualquier otra historia de gladiadores. A mi en concreto me ha recordado también a Chappie.
¿Juego en que se basa? Unreal Tournament
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, acción
Duración: 17 min. 48 seg.
‘Warhammer 40.000: and they shall know no fear’ (estreno el 10 de diciembre)
Seguro que muchos meten este capítulo entre sus favoritos. Podría ser la antesala de lo que prepara Henry Cavil porque más que su calidad técnica hay que alabar cómo explota el imaginario y la iconografía del juego de figuras y estrategia. Nos hace viajar a ese futuro planetario de guerra y religión en el que se mueven los ultramarines.
Aparece un nombre tan conocido por los fans como Titus, pero el protagonista es otro, aquel al que pone voz Adewale Akinnuoye-Agbaje. Aún así hay que señalar que este es un capítulo sin apenas diálogos, una misión sin retorno de violencia aplastante y horrores espaciales.
¿Juego en que se basa? Warhammer 40.000
Técnica: 3D
Género: acción, terror, ciencia ficción
Duración: 18 min.
‘Pac-Man: circle’ (estreno el 10 de diciembre)
El Pac-Man es uno de los juegos más sencillos y adictivos de la historia. Ha tenido muchas reinvenciones y cameos en distintos medios hasta el punto de convertirse en icono de la cultura popular. ‘Secret level’ lo ha re-imaginado este laberinto como un extraño planeta hostil lleno de criaturas en las que el lema es “come o serás comido”. El clásico hombre gris, arquetipo de los extraterrestres, es el protagonista que se enfrenta a unos fantasmas diferentes. Presta su voz Aleks Le (‘Dorohedoro’, ‘Dandadan’).
¿Juego en que se basa? Pac-Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, terror
Duración: 10 min. 28 seg.
‘Crossfire: good conflict’ (estreno el 10 de diciembre)
El popular shooter de 2007 que enfrenta dos facciones mercenarias tiene un pedacito más de historia gracias a este corto. En este caso hay una misión de extracción que cumplir y ambos bandos se pelean por el contenido de un maletín, mientras que como en muchas películas, un temporal azota a los contendientes y desvía con la fuerza de su viento las balas. Es un corto repleto de momentos fotorrealistas y acción de esa que le encanta protagonizar a actores como Frank Grillo, Gerard Butler o Jason Statham.
¿Juego en que se basa? Crossfire
Técnica: 3D
Género: acción
Duración: 18 min. 2 seg.
‘Armored Core: asset magement’ (estreno el 10 de diciembre)
Los mechas de Armored Core alcanzaron hace tiempo el carácter de saga. FromSoftware hizo escuela con estos juegos antes incluso de la franquicia Souls. Desde el 97 hasta su sexta entrega lanzada en 2023 han brindado momentos de acción bestiales. Lo mismo podemos decir de su protagonista. Este corto cuenta con voz y rostro de un Keanu Reeves con cresta. El actor se conecta de nuevo a una máquina y está genialmente recreado. Un corto con mucha acción y algo un toque de mente perturbada.
¿Juego en que se basa? Armored Core
Técnica: 3D
Género: acción, ciencia ficción
Duración: 13 min. 12 seg.
‘The outer worlds: the company we keep’ (estreno el 17 de diciembre)
A pesar de transcurrir en un ambiente de ciencia ficción y haber criaturas fantasiosas es de los más realistas en cuanto a piel, pelo, ropa… Dispone de un pequeño toque victoriano o retro que puede recordar al ‘Bioshock’, algo que ya se diría en 2019 cuando salió a la venta. Es una historia de huérfanos con el mismo complejo de soledad de Luke Skywalker que podría haber escrito Charles Dickens de haber vivido en nuestros días. Sin duda de las entregas más graciosas y sensibles a la vez.
¿Juego en que se basa? The outer worlds
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, humor, drama
Duración: 17 min. 30 seg.
‘Mega Man: start’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente será uno de los juegos de plataformas más comprados y/o jugados de la historia por detrás de gigantes como Sonic y Super Mario Bros. Para quien no lo conozca, básicamente es un niño con cañones en las manos que va eliminando robots malvados. Su mecánica es sencilla y el cortometraje que ha tenido en ‘Secret level’ también. Básicamente han recreado una historia de orígenes.
¿Juego en que se basa? Mega Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción
Duración: 7 min. 8 seg.
‘Exodus: odyssey’ (estreno el 17 de enero)
Relativismo e historia familiar. Es la aventura de un padre por encontrar a su hija a través del cosmos con todo el tiempo y la distancia en su contra. Una space opera en miniatura inspirada en el juego del que se dice que con el tiempo será el sucesor del ‘Mass Effect’, el mismo que en las consolas cuenta con Matthew McConaughey y aquí dispone de las voces de Nikko Austen Smith y Michael Beach.
¿Juego en que se basa? Exodus
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, drama
Duración: 14 min. 12 seg.
‘Spelunky: Tally’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente sea uno de los más cortos e insustanciales de la serie. Una suerte de ‘Indiana Jones’ o ‘Tomb Raider’ infantil en el que una niña intenta superar las pruebas de un lugar repleto de trampas y tesoros. Lleva a otro nivel el laberinto de plataformas que es el juego pero poco más. Si acaso sirve como homenaje a esas horas que hemos empleado en pasar juegos basados en el concepto de quemar vidas a base de repetir escenarios.
¿Juego en que se basa? Spelunky
Técnica: 3D
Género: aventura
Duración
‘Concord: tale of the implacable’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente el más humorístico de toda la antología. Se nota que es gamberro y moderno, que es un lanzamiento reciente de PS5. Básicamente un equipo de mercenarios o de oportunistas espaciales quiere rescatar a uno de los suyos. Alienígenas, naves, persecuciones y momento de torpeza cómica. Es evidente decir que a muchos recordará a ‘Guardianes de la Galaxia’. Viendo este corto, con su acción y su comedia, uno se hace a la idea de cuál es la dinámica del videojuego y dan ganas de hacerse con él.
¿Juego en que se basa? Concord
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, comedia
Duración: 17 min. 2 seg.
‘Honor Kings: the way of all things’ (estreno el 17 de diciembre)
Para estar inspirado en un juego tipo arena de batalla, como el LOL para los no familiarizados con la terminología, es de los más tranquilos de todo ‘Secret level’. Un duelo intelectual y filosófico entre un hombre y una máquina, una especie de desafío impuesto por una suerte de Mago de Oz mecánico, ocupa la trama. El episodio básicamente retrata el espíritu del juego más allá de sus personaje o mecánicas de juego. Comparado con el resto de cortos sale perdiendo ya que sus personajes parecen demasiado a figuras anime HQS.
¿Juego en que se basa? Honor Kings
Técnica: 3D
Género: fantasía ciencia ficción
Duración: 17 min. 14 seg.
‘Playime’ (estreno el 17 de diciembre)
Kevin Hart e hija ponen voz a los protagonistas del único corto de ‘Secret level’ que se basa más de un juego de PlayStation. Muchos cogerán la referencia del ‘Radikal bikers’ cuando vean que se trata de un delivery que tiene que cumplir la misión de hacer una entrega a domicilio. La protagonista se ve inmersa en una trama de persecución y ciencia ficción disparada en la que aparecen muchos personajes de la videoconsola de Sony. Es un homenaje a PlayStation que podría haber tenido muchas caras conocidas, que como crossover no está del todo bien justificado, pero que quizá busca evitar convertirse en otro Ready Player One. Un capítulo que tenía que estar ahora que PlayStation cumple 30 años.
Ambientada en una única habitación, HERE (AQUÍ), sigue a las numerosas generaciones de habitantes que formaron en esa habitación su hogar.
Una original historia de amor, pérdida, risas y vida, que nos hará viajar desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Este emocionante viaje a lo largo de cientos de miles de años, transcurrirá, de principio a fin, en un solo lugar: AQUÍ.
Crítica
La apertura de ‘Up’ con IA y mostrada en plan scrapbook
Robert Zemeckis, gran amante de las innovaciones tecnológicas hasta el punto de usar una IA que modifica las imágenes en directo como es Metaphysic Live. Tan enamorado de la historia de su país que lo refleja en todos sus filmes e incluso cuenta habitualmente con un descendiente de Lincoln como Tom Hanks. Un gran amante de los momentos familiares generados en Navidad o en anuncios tales como la llegada de un bebé. Todo eso se ve en películas como ‘Regreso al futuro’ o cuando veíamos como insertaba a Hanks como Forrest Gump en diferentes momentos de la historia y por supuesto también está presente en ‘Here’.
Nadie podrá dudar que esta es una película de Zemeckis. Pero realmente surge de la sencillísima novela gráfica de Richard McGuire. Y la estira, pero al menos buscando un enfoque que también todos deberán reconocer que es diferente hasta lo ahora visto. No me refiero al artificio tecnológico que rejuvenece o envejece magníficamente a los protagonistas hasta el punto de que se convierte en una verdadera película de terror para aquellos que se dedican al maquillaje o los prostéticos. También para aquellos que criticaron la voz de anciano en un remozado Robert de Niro protagonizando ‘El irlandés’. Aludo a su montaje. El director de fotografía es alguien de la talla como Don Burgess (‘Forrest Gump’, ‘El libro de Eli’ o ‘Expediente Warren: El caso Enfield’), pero realmente la belleza de esta película que no mueve en absolutamente nada la cámara, es mérito del equipo de iluminación, el diseñador de producción y los que han hecho toda la postproducción digital. En ese sentido es todo un trabajo de collage que en ocasiones parece un scrapbook que intenta decirnos que no somos realmente conscientes de que el más sencillo de los hogares puede haber sido escenario de momentos de todo tipo.
Desafortunadamente para montar esta composición nos llevan por un batiburrillo de historias repletas de personajes que pasan por una casa que va cambiando con el tiempo. Un salón clavadito al de ‘Los Simpsons’ en el que se escenifica lo que parece la secuencia inicial de ‘Up’ pero de manera rellenada a más no poder. Tom Hanks y Robin Wright tardan en hacer verdadero acto de presencia, porque realmente esta no es la historia de dos personajes, ni de otros tantos, es la historia de un lugar específico. Evidentemente poco a poco van haciéndose con el relato pero decir relato quizá es caer en una incorrección ya que honestamente ‘Here’ no cuenta nada y tiene un escaso hilo que seguir, cuando curiosamente tiene una narrativa tan atractiva como arriesgada. El reto tecnológico le come terreno a la trama y cansa el artificio. Si en algún momento aparece una idea o reflexión sugerente, se volatiliza a los pocos segundos con el siguiente salto en el tiempo.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Here. Duración: Robert Zemeckis. País: EE.UU. Dirección: Robert Zemeckis. Guion: Eric Roth, Robert Zemeckis. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Michelle Dockery. Producción: Miramax, ImageMovers. Distribución: Vértice Cine. Género: drama. Web oficial:https://vertice360.com/es/ficha/0/here-aqui
Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, WICKED llega en noviembre a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.
Crítica
Su magia hizo desaparecer mi escepticismo
Cuando uno escucha que Hollywood ha decidido adaptar el exitoso musical ‘Wicked’, derivado a su vez de las novelas de Gregory Maguire y con raíces profundas y más que evidentes en ‘El mago de Oz’, lo normal es sentir cierto recelo. ¿Otro remake? ¿Otra adaptación? ¿Otra excusa para explotar una franquicia clásica estirando el chicle? Pero he aquí la sorpresa: ‘Wicked’, dirigida por Jon M. Chu con un toque inesperadamente magistral, logra no solo justificar su existencia sino brillar como una de las adaptaciones más sólidas de los últimos años. La verdad es que mi incredulidad estaba injustificada pues, aunque no soy precisamente público del género, este director ha demostrado en más de una ocasión ser capaz de hacer muy buenas obras musicales.
‘Wicked’ tiene una tarea costosa que se antoja propia de Sísifo: ser compatible con ‘El mago de Oz’, un clásico absoluto del cine, además de con la audiencia actual. La película, lejos de traicionar el espíritu del filme original, lo recontextualiza, como ya hizo el musical del que parte, de una manera que hace del visionado una experiencia rica en varios sentidos. Aunque hay que reconocer que quedan detalles pendientes para la segunda entrega.
Para ello, intentar llevar a cabo tan laboriosa entrega, a modo de precuela, conocemos a Elphaba/Cynthia Erivo (la futura Bruja Malvada del Oeste) y a Glinda/Ariana Grande (la Bruja Buena del Sur), en sus años de juventud, en su época de instituto. Cuando leí por primera vez su sinopsis me hizo remontarme inmediatamente a aquella adaptación de ‘Dragon Ball’ que planteaba a Goku como un alumno de instituto en plan nerd. Pero por suerte ‘Wicked’ se aleja de ese despropósito, aunque aún me cuesta asimilar a actores pintarrajeados de verde croma. Más que al live action del famoso anime, esta propuesta se parece a otra famosa franquicia. Es como si Harry Potter se hubiese encontrado con Willy Wonka, desarrollando una vez más el discurso de los poderosos que pasan desapercibidos o son marginados por el mero hecho de ser diferentes.
La relación entre las dos protagonistas es el corazón del filme. El espectador más talludo disfrutará de las conexiones con la película de 1939 y la forja de una villana arquetípica que se ha mantenido viva casi cien años después. Los más jóvenes tienen una narrativa de amistad y aventuras que les sacará de tanto cine superheróico. Vuelve ese discurso, explorado una y tantas veces, sobre que los villanos no nacen, se hacen, pero la película tiene algo más complejo que ofrecernos.
El escepticismo respecto a las adaptaciones musicales es justificado, muchas veces pierden la magia de las tablas en el proceso. Como decía antes la película tenía que mantener una difícil comunión. Cuando hablamos de llegar al público neófito en esta historia y a los fans del material de Broadway se plantea un reto similar. Tras ver ‘Wicked’ queda patente que está desarrollada para un público general, pero también se percibe que los números cantados y bailados tienen un origen en escenarios. Aún con todo y con eso la película está embadurnada de efectos digitales que si bien la hacen espectacular le pueden restar encanto. A mi en concreto me gusta como las nuevas tecnologías están bien aprovechadas para darle otra dimensión a la Tierra de OZ.
No suelo entrar en polémicas, pero hay veces que me alegra ver como a la generación de cristal le vuelve la llorera como un boomerang. Se ha hablado mucho del carácter woke del filme. En otras producciones podría ponerme de uno u otro lado. Pero en esta creo que no tiene sentido la polémica. Claro, es que todos hemos visto y sabemos cómo es una bruja en realidad y estamos en posición de criticar el aspecto de la que interpreta Cynthia Erivo. Modo sarcástico ON. El filme tiene una trama muy conveniente, tanto como para responder automáticamente tanto a detractores como a cínicos.
De los musicales siempre me ha costado mucho encajar sus habituales flashmobs y su por lo general, carácter extremadamente happy. Aunque sigo diciendo que casi tres horas son excesivas reconozco que el filme tiene momentos auténticamente emocionantes que perduran tras los títulos de crédito. Me quedo con los momentos en los que Ariana Grande ha de ser chistosa, consiguiéndolo como si fuese un auténtico dibujo animado con el objetivo de ser hiperactiva, cursi y cargante.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Wicked: part one. Duración: 160 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Música: Stephen Schwartz. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial:https://www.instagram.com/wickedmovie
Gladiator II, del legendario director Ridley Scott, continúa la epopeya de poder, intriga y venganza ambientada en la Antigua Roma. Años después de presenciar la muerte del admirado héroe Máximo a manos de su tío, Lucio (Paul Mescal) se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, Lucio debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.
Crítica
De un clásico emocional a una secuela emocionante
‘Gladiator 2’, dirigida de nuevo por Ridley Scott, vuelve al periodo de tiempo del esplendor de la antigua Roma con una mezcla de acción audaz, interpretaciones dramáticas y nuevas perspectivas, funcionando a la vez como una continuación y expansión de la historia original de ‘Gladiator’. Ambientada dieciséis años después de los eventos de la primera película, esta secuela sigue a Hanno (interpretado por Paul Mescal). La trama se centra en su transformación de hombre de vida con privilegios a gladiador, enfrentando traiciones, deseos de venganza y un Imperio Romano caótico, tiránico e incluso sádico. La cinta nos deja sensaciones positivas, especialmente por el espectáculo visual, las intensas secuencias de acción y las destacadas interpretaciones de Mescal y de Denzel Washington, quien deslumbra como el ambicioso comprador de gladiadores llamado Macrinus.
De arrancar en el norte de Europa a visitar el norte de África en Numidia. De partir con un soldado laureado a plantearnos la vida de un líder enemigo de Roma. Los detalles son diferentes pero si lo pensamos bien el esquema principal, el patrón, es el mismo. Aunque innegablemente, tiene una trama que progresa en dependencia de la original, ‘Gladiator 2’ plantea un discurso y un tono diferentes que la hace muy disfrutable y sobretodo sabe a qué público dirigirse, al actual. Es un filme sobre el descontento y desenamoramiento. Scott, consciente de que la época del romanticismo y el idealismo en el cine está acabada, genera un héroe rebelde casi sin ideales, que habla de un sueño muerto y carga contra cualquier autoridad, tanto legislativa como ejecutiva. Es por eso que los nuevos personajes aportan aristas no esbozadas en el título del 2000. Esa lectura en conexión temporal con la actualidad está ahí. Pero el foco está en otro factor que también es determinante para la supervivencia del cine hoy en día, el espectáculo.
Aunque ‘Gladiator 2’ conserva temas de poder, legado y el mundo brutal del combate gladiatorio, el punto fuerte está en llevar todo a mayor escala, derivando en más batallas épicas, escenarios de combate creativos y un ritmo acelerado, creando una energía diferente en comparación con la primera película, que era más emocional. Aunque el Lucius de Mescal tiene cierto grado de complejidad, puede que carezca de la intensidad que Russell Crowe aportó a su Maximus. Además, mientras que Gladiator fue elogiada y pasó al panteón de los clásicos instantáneos por su gran producción, su arco sentimental y su narrativa cuidada (por supuesto por la gran banda sonora de Hans Zimmer), esta se percibe menos carismática y conmovedora. Es evidente que la acción y el espectáculo restan profundidad a los personajes. Aun así, este cambio de tono me es bien recibido ya que así no caemos en la repetitividad y se consigue honrar a su predecesora con giros y personajes de lo más curiosos. Y todo esto a pesar de que los puristas comentarán que hay una gran incorrección histórica al introducir a Caracalla, Geta y Macrinus en este momento del imperio. Desde luego hay que asumir que esta no es una producción rigurosa en ese sentido. Pero que me aspen si Roma no está representada superando incluso a los tiempos de la péplum y si Paul Mescal no se parece a los bustos que se conservan de Lucius.
El tono es tan diferente que casi no cabe compararla con la primera parte. Ya os adelanto además que por mucho que busquéis relojes, bombonas o marcas de ruedas de camión no vais a encontrar ese tipo de errores tan míticos aquí. Si acaso veréis algún extra de fondo martilleando al vacío o espectadores gritando cuando tienen la boca cerrada, pero poco más. Con lo que si me viene a la mente hacer una comparativa es con la serie ‘Those About to Die’, una historia dramática ambientada en la misma época que se emite en Prime Video. Ambas exploran aspectos políticos y de distintos estratos sociales a la vez que van más allá con la espectacularidad. Con lo que también se ha superado un límite es con la violencia. Sin ser ‘Gladiator 2’ un título sangriento, si dispone tres o cuatro escenas más crudas que las que tenía su predecesora. En mi opinión, otra señal de que Scott se ha querido mantener próximo a las nuevas audiencias de un modo mucho más acertado que con su última misión napoleónica.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Título original: Gladiator 2. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guion: David Scarpa. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Mathieson. Reparto principal: Paul Mescal, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi, Connie Nielsen, Denzel Washington. Producción: Paramount Pictures, Scott Free Productions, Red Wagon Films. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, drama. Web oficial:https://www.gladiator.movie/
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