Crítica: ‘La unidad Kabul’

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Una subida de nivel la mar de emocionante y emotiva

La anterior temporada de ‘La unidad’ aumentó su tensión ya que tocaba el plano personal de los protagonistas e incluía a un villano magníficamente interpretado por Kaabil Sekali. Parecía que la serie había tocado techo pero en esta nueva tanda de episodios, el guión, el nivel de producción, la emoción de sus escenas de acción y la emotividad de sus argumentos han hecho que haya sido un subidón totalmente bien recibido.

El próximo 18 de mayo Movistar Plus+ estrena la tercera temporada de ‘La unidad’. Un nuevo arco argumental que, por supuesto hereda a sus personajes anteriores, con sus virtudes y cicatrices. Pero esta vez la acción transcurre en Oriente Medio. Todo sucede días antes de la salida (o huida) de los Estados Unidos, la OTAN y las embajadas de sus instalaciones de Afganistán el 30 de agosto de 2021. Sin paños calientes hay que decir que la historia transcurre durante el abandono internacional del país. Fue hace menos de dos años cuando se produjo la reconquista talibán y concluyó la mal llamada operación libertad duradera. Habría que ver cuál es el concepto de “duradera” para los norteamericanos pues solo ha habido un periodo de “libertad” de veinte años.

La serie se enmarca en los días previos a los despegues masivos, con la sombra de los talibanes cerniéndose de nuevo sobre el suelo afgano. El equipo liderado por Miriam (Marian Álvarez) está trabajando en cortar el tráfico de armas y de células a España cuando estalla el caos. Mientras, Carla (Nathalie Poza), se ha desplazado al sector privado. Una casualidad hace que sus caminos se vuelvan a cruzar, pero ambas deberán mover cielo y tierra para volver a encontrarse.

La temporada arranca con imágenes de archivo de aquella operación de retirada, un desastre que será recordado junto a otras espantadas del bloque occidental tipo Dunkerque o La batalla del Lago Changjin. El guión de Alberto Marini hace mucho hincapié en recordarnos que esto es algo real, que sucedió hace poco. Y la serie tiene secuestros, asesinatos, separaciones… que hoy en día siguen sucediendo. Esta es la temporada más dramática y dura. Si algo nos ha demostrado ‘La unidad’ es que como en ‘Juego de Tronos’ no nos podemos encariñar con ninguno de los personajes y además le da a todas sus muertes una pátina de realidad que asusta.

Volamos a un Kabul recreado a partir de localizaciones ubicadas en Pakistán y Almería. ‘La unidad Kabul’ además de más compromiso social incrementa el número de localizaciones y la cantidad de aventura. A partir de una ilustración del terror y del autoritarismo retrógrado se desarrolla este episodio de los protagonistas. Como si la urgencia de ese problema acuciante les hubiese influido, esta tercera temporada empieza potente, con acción, directa al grano. Dani de la Torre ha aprovechado bien esta aparente mejora del nivel de producción para explotar muchos más efectos prácticos y digitales. Las escenas de tiroteos o de huidas son realmente emocionantes, bien podrían ser de un gameplay del ‘Call of duty’ o escenas de películas tipo ‘Black Hawk derribado’.

Se agradece muchísimo el formato de esta miniserie. El hecho de que sean solo seis episodios de menos de cuarenta minutos hace que se pase en un suspiro. Además las temporadas están siempre cerradas, sin final abierto, lo que garantiza que no tendremos ningún coitus interruptus si deciden cancelarlas o finalizarlas. ‘La unidad Kabul’ garantiza un entretenimiento nada esclavo y de calidad. Sobre todo lo valioso de esta obra de semificción dotada de momentos de acción es que tiene espacio para el drama, pero no el gratuito o lacrimógeno. En esta ocasión toca hablar de las mujeres desplazadas de puestos sociales relevantes o de empleos que les había costado mucho conseguir, inimaginables para ellas durante el siglo XX. La sensación que nos queda es que les hemos abandonado, porque Afganistán, al igual que sucede con otros países inmersos en injustos conflictos bélicos, no tiene ya interés para los aliados de occidente. Por lo menos yo no veo en nuestros balcones o programas televisivos banderas afganas y sí de otras naciones.

Crítica: ‘Increíble pero cierto’

Sinopsis

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Alain y Marie se han mudado a la casa suburbana de sus sueños. Pero el agente inmobiliario les ha advertido: lo que hay en el sótano podría cambiar sus vidas para siempre.

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Crítica

Quentin Dupieux siempre nos sorprende hasta de la manera mas sencilla

Se ha convertido en una costumbre que llegue una cinta de Quentin Dupieux al Festival de Sitges y este pasado 2022 llegaron dos películas nuevas de este director y una de ellas es la que llega esta semana a nuestras pantallas.

‘Increíble pero cierto’ quizás sea una de las películas más serias que he visto del director. Si ya ‘Mandíbulas’ fue bastante sencilla para lo que nos tiene acostumbrados, esta es mucho más normal, pero igualmente se haya dentro de sus curiosas historias.

Aquí conocemos a Alain y Marie, un matrimonio que busca y encuentra la casa de sus sueños. Pero el agente inmobiliario les ha advertido: que lo que se encuentra en el sótano podría cambiar sus vidas para siempre.

En ‘Increíble pero cierto’ vemos como el paso del tiempo y el envejecer no nos afecta igual a todos y como mucha gente haría lo que fuese para que no pasase el tiempo por ellos. Ya sea implantarse mecanismos electrónicos o bajar escaleras durante años.

Tenemos pocos actores en escena, son cuatro los principales y con ellos vamos viviendo situaciones absurdas que van sucediendo por culpa de sus distintas decisiones para no envejecer.

‘Increíble pero cierto’ tiene una secuencia maravillosa en la que no hay diálogos y solo vemos las vivencias de uno de los protagonistas con música de fondo y la verdad que me ha parecido una genialidad. Igual que es muy divertido el cómo el director francés se resiste a explicarnos el misterio que envuelve a esa casa.

En el reparto encontramos a Alain Chabat, Léa Drucker, Anaïs Demoustier y a Benoît Magimel. Este último sin duda, lo mejor de la película. Sé que Quentin Dupieux no es un director para todo el mundo, sus películas son especiales, muy diferentes y tiene un humor muy absurdo que no es para todo el mundo. Pero como siempre digo, tenéis que darle una oportunidad y quizás con esa película muchos se acerquen a sus películas con una mayor facilidad.

‘Increíble pero cierto’ llega a nuestras pantallas el próximo 19 de enero y durante 70 minutos estaréis disfrutando de una historia que os hará pensar ¿qué haría yo por no envejecer?

 Ficha de la película

Estreno en España. 19 de mayo de 2023. Título original: Incroyable mais vrai. Duración: 70 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guión: Quentin Dupieux. Música: Joe Santo. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Alain Chabat, Léa Drucker, Benoît Magimel, Anaïs Demoustier, Stéphane Pezerat, Marie-Christine Orry. Producción: Atelier de Production, arte France Cinéma, Versus Production. Distribución: Cinemaran Spain. Género: Comedia. Web oficial: https://cinemaran.com/increible/

Crítica: ‘Fumar provoca tos’

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Tras una feroz batalla contra una tortuga gigante maligna, un equipo de cinco vigilantes, conocido como «La fuerza del tabaco», recibe la orden de retirarse para fortalecer la cohesión del grupo. Su estancia transcurre bien hasta que Lézardin, Emperador del Mal, decide aniquilar el planeta Tierra.

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Crítica

Divertido homenaje al cine de superhéroes

Este pasado año fue un gran año en Sitges y es que por fin pudimos conocer al gran Quentin Dupieux. Hoy os venimos a hablar de una de las películas que presentó en el festival y que sin duda fue de las mejores que vimos.

‘Fumar provoca tos’ nos presenta a un equipo de superhéroes, La Patrulla Tabacalera, que se encargan de salgar al mundo gracias a las toxinas del tabaco. Pero como pasa en todos los grupos de amigos y trabajo no siempre las cosas están bien y La Patrulla Tabacalera no pasan por su mejor momento. Así que después de luchar contra una tortuga gigante, su jefe (una peculiar rata de peluche) ve que tienen problemas entre ellos y les manda a un retiro para que estén más unidos. A partir de aquí comenzaremos a ver un montón de aventuras que les han ocurrido a todos.

Un homenaje al cine sentai, tenemos kaijus, alienígenas y por supuesto a una rata asquerosa que es la jefa de esta curiosa Patrulla Tabacalera, que es un claro homenaje a un personaje de ‘Meet the Feebles’, película de Peter Jackson rodada con marionetas.

Gilles Lallouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi y Oulaya Amamra, son los encargados de dar vida a estos superhéroes tan humanos y cansados de tantas aventuras.

En el resto de reparto encontramos a Tanguy Mercier, David Marsais, Julia Faure, Olivier Afonso, Alain Chabat, Ferdinand Canaud, Adèle Exarchopoulos o Doria Tillier, entre muchos otros.

Una de las cosas que más me gusta de este director es que le encantan los efectos especiales manuales. Y si, pueden ser muy rudimentarios, pero al final lo que realmente importa de sus películas es la historia que nos está contando y por supuesto el cómo la está contando. Con su humor absurdo sus películas son un disfrute de principio a fin. Y ‘Fumar provoca tos’ es una de esas cintas que no puedes parar de reír.

En la película vemos robots, kaijus y hasta naves especiales. Y por supuesto marionetas, que tanto le gustan al director. Recordemos que es el creador de Flat Beat, aquel muñeco amarillo que llegó a ser mundialmente famosos por los anuncios de Levis.

Poco más que decir de esta cinta. Os animo a que la veáis y descubráis a este director tan original.

 Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2023. Título original: Fumer fait tousser. Duración: 80 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Gilles Lallouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi, Oulaya Amamra, Tanguy Mercier, David Marsais, Julia Faure, Olivier Afonso, Alain Chabat, Ferdinand Canaud, Adèle Exarchopoulos. Producción: Chi-Fou- Mi Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/smoking-makes-you-cough

Crítica: ‘Asedio’

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Sinopsis

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¿Qué es ser español? Dani lo tiene muy claro. En su caso es servir a su país como antidisturbios, honrar su bandera. Hacer cumplir la Ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no es la solución, quizás siempre fue parte del problema.

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Crítica

La forja una “die hard”

Viendo ‘Asedio’ lo que más venía a mi cabeza era la frase: “ puede con lo que le echen”. La hemos visto en comedia, en drama, en papeles tiernos, ácidos, gamberros, desgarradores… Y ahora se atreve con la acción y puede con ella como si fuese su propio personaje, como si diese igual tener que lidiar contra cualquier dificultad que ella sale airosa. En ‘Asedio’ interpreta a una policía que se encuentra en una situación personal delicada y durante un desahucio se topa con una tremenda tentación. Ello desencadena la enemistad, no solo de aquellos que sufren la intromisión de los cuerpos del estado en su vivienda, sino también de sus propios compañeros. Si estuviésemos en los Estados Unidos de los ochenta este sería un papel para Bruce Willis o si viajásemos al de los setenta estaríamos hablando del Serpico de Pacino.

No me extrañaría que mucha gente comparase esta nueva película de Miguel Ángel Vivas con ‘Antidisturbios’, es lógico, tienen puntos de encuentro y siempre es fácil referenciarse a lo que recientemente ha sido popular. Pero a mi a lo que más me ha recordado esta película es a ‘Dredd’, a ‘Shorta. El peso de la ley’ y a ‘Los miserables’. A la película protagonizada por Karl Urban por la inmersión en un destartalado bloque de viviendas donde impera una ley propia y en la que una novata sufre todo tipo de peligros a base de tiros, peleas, mugre y bajos fondos. A las obras de Anders Ølholm y Frederik Louis Hviid y de Ladj Ly por su carácter europeo, por razones evidentes de la trama, por cuál es su disparador, por las corruptelas heredadas del cine policial estadounidense y por su vertiente social.

Este nuevo largometraje arranca con una secuencia inicial que es todo un palo y está rodada en un solo plano secuencia. Con ella ya la cosa promete. Tras ese inicio llega una escena introducida, imagino, para esbozar la motivación de la protagonista. Pero casi logra desmotivarme a mí pues está excesivamente alargada al son de “Un ramito de violetas”. No es la nota predominante en ‘Asedio’ a pesar de que se detectan algunas pifias de guión y de montaje que hacen que algunos detalles no cuadren o que la película tenga ciertos momentos en los que se adormece y se pierde el ritmo tan trepidante que se había conseguido.

No cabe duda y nadie puede negar que ‘Asedio’ está rodada con muy buen criterio. En cuanto entramos en el furgón policial empieza la tensión. Cámara en mano nos metemos en el edificio donde transcurre toda la película y al poco nos perdemos. Se transmite increíblemente una sensación de desorientación y de jaleo. Es uno de esos largometrajes que ganan según lo vas recordando días después pues sus virtudes pesan mucho más que cualquier defecto que le puedas detectar. Hay momentos en los que la acción y la tensión te cortan la respiración. Yo lo he pasado mal por ejemplo con la escena de las grapas, ya veréis cuál es.

Podríamos decir que ‘Asedio’ tiene en paralelo un discurso social. Pero es tan directa como su propio título indica, no hay subtexto ni paralelismos que valgan, va a la cara. Se enmarca en la España en la que sobran casas y no obstante se moviliza a la policía para quitárselas a los más pobres. También en la que la inmigración no deja de ser un tema que está enquistado desde hace décadas. Y por si fuese poco se atreve a marcarse un Dani Mateo con una rajada y quemada que probablemente cause controversia. Merece, por lo menos, hacerse viral por esta escena.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: Asedio. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Vivas. Guion: Marta Medina, Miguel Ángel Vivas, José Rodrigo. Música: Sergio Acosta. Fotografía: Rafael Reparaz. Reparto principal: Natalia de Molina, Bella Agossou, Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez, Luis Hacha, Fernando Valdivieso, Karlos Aurrekoetxea, Alejandro Casaseca, Óscar Eribo. Producción: Apache Films, Sony Pictures, México City Project, RTVE, Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, suspense, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/asedio

Crítica: ‘Beau tiene miedo’

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Beau (Joaquin Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

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Crítica

Un galimatías hebreo que te desmotiva con un sinfín de enigmas

Ari Aster primero usó un culto brujeril y demoniaco con cierta base real para dejarnos pasmados con ‘Hereditary’ y luego lanzó ‘Midsommar’, una película que se cimentaba en el folklore sueco y que para mí era una propuesta más vaga. Ahora se separa un poco del folk horror para desarrollar un supuesto drama con comedia aderezado con un ligerísimo toque de terror. Suena a mezcla imposible, ¿verdad? Pues Aster lo ha hecho pero su coherencia va a estar eternamente puesta en duda.

Todo parte de un corto de 2011 llamado ‘Beau’ obra del mismo Ari Aster. La premisa era la misma pero A24 ha dado rienda suelta a este artista que se ha desinhibido en todos los sentidos con este filme que parece más una obra de arte y ensayo. Aster introduce sus habituales paneos, sus bruscos cortes, sus lentos zooms, pero en escasas ocasiones y cuesta encontrara de nuevo al genio en ciernes entre tanta extravagancia gratuita. Beau es un hombre deprimido y reprimido, pero sobre todo parece que hipocondriaco. Yo también sería así si viviese en un barrio caótico y peligroso como el que vemos en el arranque del filme. Es como si se concentrasen todos los locos que puede haber en Manhattan en una sola calle y metiésemos dentro de nuestro edificio una araña asesina. El arranque de ‘Beau tiene miedo’ nos deja como si acabásemos de salir del Bar de Mou en su etapa “postmouderna”, es decir, solo tiene cosas raras porque sí. El viaje que emprende para ver a su madre parece más propio de los universos de ‘Freaks’ o de ‘Carnivale’.

Se puede disfrutar ‘Beau tiene miedo’ a través de la inconmensurable interpretación de Joaquin Phoenix. Pero solo se puede entender si se le busca el correcto significado metafórico. Ari Aster ha formado una película inteligente, pero no por suponer un reto críptico para el espectador, sino porque es consciente de que este galimatías va a ser objeto de análisis y animadversión por igual. Pasa de ser un genio tras la cámara a esgrimir un truco de marketing arriesgado. Cuando por fin, al final, parece que te lo está explicando todo llega y pasa una cosa que dices “¡qué cojones!”, literalmente. Casi a las dos horas llegamos a la parte más artística con imágenes que parecen sacadas de un cuadro impresionista y que dan la impresión de que van arrojar luz acompañadas de una voz en off, pero no. Aunque a mí ese fragmento es el que me ha dado para una teoría. La pista ya nos la dio el propio director cuando definió el filme como “una especie de ‘El Señor de los Anillos’ judío”. Quizá hay que ser mucho más experto en el judaísmo para entender todos los subtextos del filme. A mí me faltan pistas. Lo único que me parece plausible es que esta sea una personificación de todo lo que ha vivido el pueblo judío a lo largo de su historia y del enfrentamiento de las corrientes actuales frente a las más arraigadas. El éxodo, el holocausto, la búsqueda de una tierra prometida, la persecución… Por ejemplo: a Beau le retienen, le convencen de no dejar su cautiverio, doblegan su voluntad y le ponen un pijama con su número, digo… con su nombre. Y su apellido es Wassermann como el de Jakob Wassermann, un escritor judío que escribió novelas sobre su pueblo en la Alemania nazi y la España de los serfardíes. Si estoy en lo correcto creo que me sería más fácil aprender a leer en hebreo que desencriptar todas las pistas ocultas del filme.

Si esto es así podríamos estar hablando de una estrategia tipo ‘Madre!’ de Aronofsky, solo que esa cinta estaba mucho mejor medida y explicada. Por otro lado todo podría tratar sobre una madre manipuladora y lo que vemos es el reflejo de lo que pasa por las mentes tanto del protagonista como de su madre. ‘Beau tiene miedo’ es una película que es tan excesivamente críptica y larga que llega un momento que pasas de lo sobrado que va el director y ya te es totalmente indiferente encontrarle explicación, solo quieres que acabe. Mezcla K-pop, asesinos desnudos, miembros viriles gigantes… Beau tendrá miedo, pero su director tiene una insultante indiferencia a que su película se entienda. Y me duele tener que quedarme con este chasco o estas impresiones cuando considero que ‘Hereditary’ es una de las mejores películas de género de lo que va de siglo. ‘Disappointment Blvd’ se iba a titular originalmente, para decepcionado yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Beau is Afraid. Duración: 179 min. País: Canadá. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Amy Ryan, Denis Ménochet, Parker Posey, Richard Kind, Nathan Lane. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, Square Peg. Distribución: Diamond Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/beau-is-afraid

Crítica: ‘Renfield’

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El mal no sería eterno sin un poco de ayuda.

En este moderno y monstruoso relato sobre el fiel ayudante de Drácula, Nicholas Hoult (‘Mad Max: Furia en la carretera’, la saga ‘X-Men’) encarna a Renfield, el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia, interpretado por el ganador de un Oscar® Nicolas Cage. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.

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Crítica

Festival de sangre y acción con un tremendo Nicolas Cage

Por fin llega este viernes 14 de abril la nueva cinta de Nicolas Cage, ‘Renfield’, con la que sin duda disfrutaréis si vais sin mayor expectativa que ver un espectáculo sangriento y divertido.

‘Renfield’ nos presenta al torturado familiar del Conde Drácula. Un joven agente inmobiliario que decide dejar todo por servir a ese ser monstruoso. Pero después de un terrible suceso que deja a su amo bastante perjudicado de salud, Renfield tiene que encargarse de demasiadas cosas y comienza a verse en una relación demasiado complicada de la que quiere salir.

Chris McKay, director de ‘La guerra del mañana’, nos trae una comedia muy dinámica con mucha acción y sangre. Guionizada por Ryan Ridley (‘Ricky Morty’, ‘Invencible’) y por Robert Kirkman (‘The Walking Dead’, ‘Invencible’) podéis imaginaros por donde va a ir la historia. Eso si, dentro de todo el humor y sarcasmo que nos dan siempre hay un poco de humanidad en todas sus historias.

‘Renfield’, habla de las relaciones tóxicas, de una manera graciosa y simple. Es gracioso ver a nuestro protagonista yendo a sesiones de autoayuda intentando entender la complicada situación a la que lleva enfrentándose tantos años. Drácula le tiene absorbido totalmente y no solo en el sentido vampírico, sino que él desea ser independiente y tener una vida.

Como he comentado, el guion es muy divertido y ameno. Todo ello con unas escenas de acción muy divertidas, eso si os gusta ver como se cortan miembros y brotan inmensas cantidades de sangre por todos lados. Me ha parecido un festival para cualquier persona a la que le guste el género o la serie B actual.

En el reparto encontramos a Nicholas Hoult como Renfield, admito que me gusta mucho este actor y ya me demostró en la serie ‘The Great’ que tiene una vis cómica increíble. Como compañera de pantalla y plantando cara a los malos encontramos a Awkwafina, que interpreta a una policía de tráfico justiciera que no va a parar hasta detener el caos en su ciudad, como curiosidad, supongo que han querido hacer un pequeño homenaje al personaje real de la novela Quency Morris, que ayudó a terminar con la vida del Conde, pues el personaje de la actriz se llaman Rebecca Quency. Me ha encantado Ben Schwartz, la voz de Sonic en el live action, con un personaje muy delirante.

Y bueno, por supuesto, Nicolas Cage disfrutando de su trabajo. Interpretar al Conde Drácula, era uno de sus deseos y por fin lo ha conseguido. Un Drácula que bebe directo de la película de Béla Lugosi de 1931, de la que nos recrean escenas exactas y muy bien realizadas. Eso sí, supongo que en esa época no tendrían tanto dinero para darnos el festín de muerte que causa el personaje de Cage.

Técnicamente hablando de la cinta, es normalita, con mucho neón durante las escenas nocturnas y mucho color pastel durante la transformación de Renfield en una persona normal. En cuando al maquillaje me ha parecido bastante bueno, hay una escena en la que vemos a Nicolas Cage con un montón de protésicos y la verdad que están muy bien realizados, sobre todo las venas.

‘Renfield’, es una película con la única pretensión de que disfrutemos de una buena comedia de terror y que por supuesto, salgamos de nuestras relaciones tóxicas… si las tenemos.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Renfield. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Chris McKay. Guion: Robert Kirkman, Ryan Ridley. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Nicholas Hoult, Nicolas Cage, Awkwafina, Ben Schwartz, Adrian Martinez, Ahmed Zakzouk, Shohreh Aghdashloo, Bess Rous, Brandon Scott Jones, Jenna Kanell, Caroline Williams, William Ragsdale, Derek Russo. Producción: Universal Pictures, Skybound Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, terror, acción. Web oficial: https://www.instagram.com/renfieldmovie/

Crítica: ‘Super Mario Bros. La película’

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Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario (con voz en VO de Chris Pratt, de las sagas Jurassic World y La LEGO película) y su hermano Luigi (con voz en VO de Charlie Day, Colgados en Filadelfia), viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi.

Con la ayuda del champiñón local Toad (con voz en VO de Keegan-Michael Key, El rey león) y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach (Anya Taylor-Joy, Gambito de dama), Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

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Crítica

Un viaje a la esencia del personaje bandera de Nintendo

Antes de empezar a comentaros mis impresiones sobre la nueva película de la franquicia Super Mario Bros. quiero decir, y que vaya por delante, que nunca he sido un gran fan de la misma, aunque debo reconocer que de todos sus juegos me sedujo Mario Kart, un juego tremendamente adictivo que me dejó muchas horas de diversión.

‘Super Mario Bros. La película’, ha sido un viaje a aquellos videojuegos de Nintendo que engancharon a los ahora adultos que empezaron a jugar a ellos de niños allá por la década de los 80, y han seguido y siguen enganchando por su jugabilidad a muchos niños hoy en día. El argumento era bastante básico, y consistía en que nuestro protagonista, Mario, tenía que salvar a la princesa Peach del malvado del juego: Bowser.

La película es básicamente igual pero con algunas diferencias como comprobareis los que la vayáis a ver. Un argumento simple que da lugar a un viaje al mundo ficticio de Champiñón donde Bowser tiene unos planes para reinar que resultan de lo más divertidos. La princesa Peach, por otro lado, es de armas tomar y defenderá su reino de la amenaza que se cierne sobre él con la ayuda de un inesperado invitado que no es otro que Mario. Digamos que Bowser, es el malo porque debe de haber un malo y debe haber unos héroes también (Mario, Peach, Toad, Donkey Kong, Luigi…) pero es un malvado con vis cómica que tiene algunos momentos realmente graciosos en el filme. Como decía Helen Mirren a propósito de su papel en la segunda entrega de ‘Shazam’, no hay malo que se crea malo de por sí, sino que tiene otras motivaciones, y las de Bowser son de lo más peculiar y de alguna forma edulcoradas pero divertidas, como lo es la película en general.

Técnicamente ‘Super Mario Bros. La película’ está realizada de forma notable, es una producción de animación con calidad en sus movimientos de cámara, tan dinámicos como en los juegos de la franquicia y todos sus escenarios nos recuerdan a la misma. Ni que decir tiene, que los más aficionados a los juegos de Super Mario la disfrutarán aún más si cabe. Sobra decir pero lo digo, que si no tenéis ni idea del mundo Mario Bros, pierde enteros porque es una película llena de referencias a sus videojuegos.

Salpicada de momentos de humor constantes y mucha acción, es una película para todos los públicos, recomendada para disfrutarla con los más peques de la casa aunque los mayores encontrarán en ella 92 minutos de buen entretenimiento. Yo al menos estuve con la media sonrisa dibujada en la boca durante gran parte de la proyección.

Sin olvidar lo que vamos a ver, ‘Super Mario Bros. La película’ es una producción sin más ambiciones que darnos una aventura de lo más entretenida, con todos los elementos y referencias que han hecho a esta saga de videojuegos una de las más conocidas del mundo, humor y mucho dinamismo dentro de un marco técnico de calidad. Si la vas a ver en versión original sin duda la voz de Bowser, del actor cómico Jack Black, es de lo mejor.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2023. Título original: The Super Mario Bros. Movie. Duración: 92 min. País: Japón, EE.UU. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. Guion: Matthew Fogel. Música: Kōji Kondō, Brian Tyler. Reparto principal (doblaje original): Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Fred Armisen, Kevin Michael, Sebastian Maniscalo. Producción: Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures, Nintendo of America. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, adaptación, animación. Web oficial: https://www.nintendo.co.jp/smbmovie/index.html

Crítica: ‘John Wick 4’

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Sinopsis

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John Wick (Keanu Reeves) descubre un camino para derrotar a la Alta Mesa. Pero para poder ganar su libertad, Wick deberá enfrentarse a un nuevo rival con poderosas alianzas en todo el mundo, capaz de convertir a viejos amigos en enemigos.

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Crítica

John Wick regresa con mucha fuerza

Por fin esta semana llega la esperada ‘John Wick 4’. Dirigida por Chad Stahelski, director de las otras tres partes de la saga, la película dura 2 horas y 49 minutos. Una película llena de acción y unas coreografías increíbles que como siempre harán las delicias de los fans de este gran personaje.

Después del final de ‘John Wick: Parabellum’, John Wick sufrirá las consecuencias y tendrá a la Alta Mesa en contra suya. Para ello ha mandado al marqués de Gramont, un joven con demasiado afán de protagonismo, para terminar con el y dar una lección a todo aquel que le haya ayudado.

Realmente ha sido una gozada, nos llevan, desde el desierto, pasando por Nueva York, Osaka, Berlín y París. Disfrutando de las ciudades de la mejor manera posible y es viendo como un sinfín de personas persiguen a nuestro protagonista para intentar darle muerte.

En esta cinta vemos a un John Wick mucho más físico, con grandes luchas cuerpo a cuerpo sufriendo en sus carnes golpes tremendos contra coches, suelo y escaleras, sobre todo escaleras, llega un momento que terminas cansado viendo al pobre hombre subiéndolas una y otra vez intentando llegar a su destino.

John Wick nos llevan por un sinfín de lugares de todo el mundo. En estas ciudades vemos también diferentes luchas y coreografías. La ciudad Osaka dará lugar a la lucha con katanas, nunchakus y por supuesto a las artes marciales. Mientras tanto en Berlín, la lucha cuerpo a cuerpo será la gran protagonista. Y en París tendremos un poco de todo. Al final llega un momento en el que a John Wick le persigue tanta gente que París es el punto de encuentro. Justo aquí le hacen un claro homenaje a ‘The Warriors’ llamando a todos los malhechores de la ciudad por radio para que terminen con nuestro protagonista.

La película bebe también mucho del mundo del videojuego. La manera de presentar a los personajes y los villanos claro. Al final en cada ciudad que visita tenemos una lucha final. Eso sí, cada uno con un estilo de vestuario distinto según la ciudad en la que está. Esto ha sido gracias a Paco Delgado, que ha sido el encargado de este departamento en esta cuarta entrega. Ha sabido diferenciar las distintas culturas, dándoles un toque muy futurista y a la vez cómodo para las grandes luchas que tienen que hacer. Sin olvidarse por supuesto, que tienen que ser armaduras flexibles que esquiven balas.

El villano que más me ha gustado en esta película es el interpretado por Scott Adkins, el cual lleva un maquillaje que me ha recordado al que utilizaron en el videoclip de Rammstein Amerika, no tan exagerado, pero si parecido. Pero como digo, con suficiente movilidad para que no se le haya hecho difícil las coreografías. Es gracioso y bastante paródico. Pero mola mucho verle rodeado de sus secuaces mientras pone nervioso a nuestro protagonista.

En el reparto encontramos muchas nuevas caras, entre ellas Natalia Tena, Rina Sawayama, Shamier Anderson, Hiroyuki Sanada, Bill Skarsgård, Clancy Brown o Donnie Yen. Y por supuesto las caras ya conocidas, como Ian McShane, Laurece Fishburne o el fallecido Lance Reddick.

El personaje que más me ha gustado sin duda ha sido el de Donnie Yen, otro gran homenaje dentro de la película y es que no puede recordar a nadie más que a Kitano. Hace de un antiguo amigo de John Wick que está ciego y la verdad que las coreografías en las que está él, están geniales.

Y por supuesto, Bill Skarsgård, el menor de esta gran familia de actores, demuestra una vez más que vale para todo. Es el gran villano de la cinta y se lo va a poner muy difícil a John Wick.

Otro punto fuerte de la cinta es su fotografía, con Dan Laustsen como responsable de ella. Llena de neones, pero con una luminosidad tremenda. Y la música y el sonido, es tremendo el efecto que hace en esta película ambos departamentos. Sin duda os recomiendo verla en un cine con un buen equipo de sonido pues la vais a disfrutar mucho más.

Para terminar, en esta saga siempre ha sido muy importante el tema de las localizaciones, ya sean en recintos cerrados o abiertos. Pero en esta, las ciudades en sí se convierten en grandes protagonistas. Sobre todo París, la cual recorremos en coche, andando, corriendo e incluso nos adentramos en una típica casa parisina en donde para mí hay una de las mejores escenas de la película y es que vemos todos visto desde arriba, como si de un videojuego se tratase. Está muy bien rodada, se nota mucho trabajo en ella.

Así que poco más que añadir, por supuesto no puede haber John Wick sin perrete. Este viernes 24 llega a nuestras salas la última cinta de la saga, al menos de momento.

 Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: John Wick: Chapter 4. Duración: 169 min. País: EE.UU. Dirección: Chad Stahelski. Guion: Michael Finch, Shay Hatten, Derek Kolstad. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Dan Laustsen. Reparto principal: Keanu Reeves, Rina Sawayama, Bill Skarsgård, Donnie Yen, Laurence Fishburne, Ian McShane, Natalia Tena, Shamier Anderson, Marko Zaror, Scott Adkins, Lance Reddick, Hiroyuki Sanada, Clancy Brown. Producción: 87Eleven Entertainment, Lionsgate, Summit Entertainment, Thunder Road Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial: https://johnwick.movie/ 

Crítica: ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’

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Sinopsis

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Un ladrón encantador y una banda de aventureros increíbles emprenden un atraco épico para recuperar una reliquia perdida, pero las cosas salen rematadamente mal cuando se topan con las personas equivocadas. ‘Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones’ nos lleva al mágico mundo del legendario juego de rol a la pantalla grande en una aventura hilarante y llena de acción.

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Crítica

Nadie olvidará estos Reinos Olvidados pues ha nacido una saga

El efecto 2000 no llegó a producirse como tal, pero el universo de ‘Dungeons & Dragons’ si sufrió sus consecuencias con la película de Courtney Solomon. Entonces, por qué se han lanzado con un nuevo live action veintitrés años después. Para explicar eso primero debemos deshacer la matrioshka. ‘Dungeons & Dragons’ es una creación de Gary Gygax y Dave Arneson que pertenece a Wizards of the Coast (los de las cartas Magic). Esta última se convirtió en una subsidiaria de Hasbro (Transformers, G.I. Joe, Furby, My Little Pony) y la empresa juguetera compró en 2019 a eOne Entertainment, la multinacional cinematográfica que ha dejado de operar en España el año pasado. Teniendo en su poder una productora y llegando a un acuerdo con Paramount Pictures (tras haber flirteado primero con Warner Bros.) ha nacido ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Con todo esto quiero empezar señalando que este nuevo filme no tiene nada que ver con aquel batacazo de New Line Cinema que costó también 45 millones de dólares pero que recaudó solo 33. Si aquel largometraje tuvo hasta dos secuelas en 2005 y 2012, esta debería lograr convertirse en la franquicia que Paramount y eOne desean.

Lo primero que se preguntarán los espectadores. ¿Es mejor que la versión del 2000? Gygax quería que las adaptaciones de este mítico y mundialmente exitoso juego estuviesen a la altura de ‘Star Wars’ o ‘En busca del arca perdida’. Estoy seguro que el live action del 2000 y los sucesivos que os he mencionado le dieron ardores de estómago a Gygax y Arneson. Pero ahora si han conseguido una adaptación capaz de recaudar millonadas, lástima que no estén los creadores para verlo. No es que estemos ante algo tan grande como las obras de Lucas y Spielberg, pero nos olvidamos de aquel horrible diseño de producción (y maquillaje), de la escasa fidelidad y de las pésimas actuaciones y eso que contó con Jeremy Irons. A mi esta aventura de Jonathan Goldstein y John Francis Daley (‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Lluvia de albóndigas 2’) me ha hecho salir entusiasmado del cine y estoy seguro que va a traer a muchos al juego de rol.

Como película para el público general está muy bien producida. Repleta de comedia, con un gran sentido de la aventura, con buenos efectos especiales, un mínimo de drama, un ritmo que hace que se pasen rápido las dos horas y pico que dura, una comedida banda sonora de Lorne Balfe… La comparativa más directa es con ‘Guardianes de la galaxia’, exceptuando el hecho de que no se convierte a todos los personajes en bufones. Pero es que los juegos de rol son así. Siempre hay un grupo de aventureros variopinto y heterogéneo en busca de la gloria o la redención. Además se asimila a la película de James Gunn en que son unos fracasados a los que siempre se les escapa el éxito en la misma punta de los dedos. Es el símil más cercano pero ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ rememora a otras muchas películas de aventuras.

¿Y qué dirán los fans del juego de rol? Soy jugador de múltiples RPG y lector de los Reinos Olvidados. Me ha gustado tanto que me he venido lo suficientemente arriba como para redactar sendos artículos recopilando los monstruos y criaturas que aparecen en el filme y con todos los huevos de pascua que he detectado. Si le he echado tanto tiempo es porque estoy altamente satisfecho con el respeto al lore del juego y a la manera en cómo nos han llevado por Faerûn. En un D20 es un 20 y quiero más tiradas. Si eres jugador en plan serio o competitivo y no juegas entre algo de cachondeo, pifias y euforias no te va a gustar. El truco es el mismo que el de la ‘Leyenda de Vox Machina’, recurrir al espíritu de aquellos que juegan a D&D para echarse unas risas con los amigos convirtiéndose momentáneamente en unos héroes de fantasía medieval. Además nos sumerge en una nube de nombres familiares como Neverwinter, Baldur’s Gate, Elminster, Themberchaud y otros muchos que enumero en los artículos a los que ya me he referido. Sobra decir que hay un par de sorpresas mayúsculas que no están precisamente en la escena post-créditos.

Parte del buen resultado de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ viene de lo bien que el guionista Chris McKay comprende a la audiencia actual. ‘La guerra del mañana’, las LEGO películas y probablemente ‘Renfield’ son prueba de ello. También las interpretaciones del equipo actoral con unos graciosísimos Chris Pine y Hugh Grant y una Michelle Rodriguez que consigue salirse por fin del registro de siempre. Es un divertimento tan bien estudiado que sirve para ver entre amigos o acompañado de la familia.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves. Duración: 134 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Goldstein, John Francis Daley. Guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, Michael Gilio, Chris Mckay. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head, Hugh Grant. Producción: Paramount Pictures, Entertainment One, Allspark Pictures, Hasbro Studios. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/dungeonsanddragonsmovie/

Crítica: ‘Scream VI’

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Sinopsis

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Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. En Scream VI, Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.

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Crítica

Recuela, sí, pero dedicada especialmente a auténticos fans de la franquicia

Consciencia de lo que vas a ver. Es muy importante tener meridianamente claro qué es lo que te espera cuando vas a ver una película slasher. Pero es aún más conveniente que sepas a lo que te atienes cuando te acercas a ver la sexta parte de una franquicia. Al igual que la saga ‘Halloween’ las películas de ‘Scream’ se han convertido de manera autoconsciente en recuela (mitad secuela mitad remake), de un modo además mucho más evidente puesto que en ‘Scream’ siempre hay un personaje que lo analiza todo a través del prisma de un fan del terror. ‘Scream VI’ cumple con esa norma y con muchas otras. Esta última entrega, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett (‘Noche de bodas’, de ahí la presencia de Samara Weaving) se despreocupa totalmente de ser mínimamente realista, de tomarse en serio o de ser incluso inverosímil (acordaos de esto cuando se mencionen los prostéticos). Es decir, está hecha para los fans de la saga que conocen todos los detalles o trasfondo y que saben perfectamente qué dinámica va a seguir la trama o que es normal que los protagonistas bajen la guardia hasta cuando están en la misma boca del lobo. Alguien que no tenga en mente las cinco entregas anteriores o que no esté acostumbrado a este tipo de terror encontrará cosas que disfrutar, pero su entretenimiento no podrá estar del todo completo.

La presencia de una final girl, personajes que sobreviven todo tipo de heridas, un villano que es capaz de estar en dos sitios a la vez, un nuevo y sospechoso amor, personajes de relleno que sabes de antemano que van a morir… Todo esto son tópicos de las películas de terror tipo slasher que se cumplen de nuevo. Pero con el tiempo ‘Scream’ ha desarrollado sus propias reglas y ‘Scream VI’ las cumple. A saber, la importancia de la familia o el pasado, la intimidación al teléfono, la sangre cada vez más presente, los regresos de personajes, las muertes principalmente a cuchillo, el villano que vuelve y vuelve y vuelve… Y el siempre clásico revelador monólogo donde el/los asesino/a desvela todo el pastel. El sobrexplicativo discurso final es cada vez más enrevesado y eso le hace perder fuerza a la resolución de esta nueva entrega. También tenemos la sensación de que la chistera de la que se sacan los nuevos personajes y los consecuentes giros empieza a estar vacía.

Un año ha pasado desde el estreno de la última película de Ghostface y un año ha pasado también en la ficción. La acción transcurre ahora en otra localización y a Ghostface y a las hermanas Carpenter (apellidadas así en otro de los muchos guiños meta de la saga) les ha venido bien la mudanza de Woodsboro a Nueva York. Los escenarios son diferentes y dan pie a escenas en las que parece incluso que la cosa se va a desatar a lo loco. Lo que no le ha venido tan bien es el enmarcarse en un escenario típico del cine de terror, la semana de Halloween. ‘Scream VI’ cae en otro carnaval de guiños a otras películas de terror pero sobre todo en más tópicos aún si cabe. No obstante consigue escenas muy buenas y eficientes como una sucedida en una licorería u otra que transcurre en los vagones que recorren el subsuelo de Manhattan. ‘Scream’ se hace así mucho más urbanita, algo que ya habían hecho otras franquicias como ‘Viernes 13’, con menos éxito.

Ya hemos pasado por el aro y admitido que aquí todo el mundo sobrevive a más heridas que Rambo y John McClane juntos. Ahora, ¿está bien rodada? ‘Scream VI’ obtiene buenos planos de la ciudad de los rascacielos y nos hace correr con ritmo y tensión. Pero lo que atraerá a más curiosos es el saber que se ha hecho más explícita. Cada entrega se hace más sangrienta, aún sin alcanzar el gore, pero si mostrando con más definición las sanguinolentas, salvajes y ensañadas muertes. Y por si fuese poco introduce un par de sorpresas inéditas para la saga.

El relevo está dado y el peso de la serie de películas ya ha recaído definitivamente Melissa Barrera y Jenna Ortega, ambas muy bien metidas en la dinámica del género. Pero no deja de estar presente todo lo visto anteriormente, de hecho llega el punto en el que parece un repaso hecho por un fan o para un museo. ‘Scream VI’ es meta a más no poder. Eso es lo que explota durante todo el filme y lo hace desde una secuencia de apertura que es capaz de romper con lo que hasta ahora era lo típico. La máscara de Michael Myers se agrietó con el tiempo y la trilogía de ‘Halloween’ acabó siendo todo un desfile desatinos. La máscara de Ghostface también se muestra desgastada en esta recuela. Esperemos que la franquicia continúe, porque esta entrega va a funcionar y va a haber más títulos, pero con viento fresco y más rupturas de lo preestablecido.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2023. Título original: Scream VI. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. Guion: James Vanderbilt, Guy Busick. Música: Sven Faulconer, Brian Tyler. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Melissa Barrera, Jenna Ortega, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding, Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra, Samara Weaving, Hayden Panettiere, Courteney Cox. Producción: Paramount Pictures, Project X Entertainment, Radio Silence Productions, Spyglass Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror, slasher. Web oficial: https://www.screammovie.com/

Crítica: ‘Creed III’

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Sinopsis

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Después de dominar el mundo del boxeo, Adonis Creed ha hecho grandes progresos tanto en su carrera como en su vida familiar. Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, se empeña en demostrar que merece una oportunidad en el ring. El enfrentamiento entre estos viejos amigos es algo más que una simple pelea. Para ajustar cuentas, Adonis debe arriesgar su futuro para enfrentarse a Damian, un boxeador que no tiene nada que perder. “Creed III” es la tercera entrega de esta franquicia de enorme éxito y el debut como director de Michael B. Jordan.

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Crítica

La entrega que definitivamente se emancipa de Rocky

Respaldada y justificada por su éxito en taquilla, sobre todo por la calidad y frescura de su primera parte, la saga de Adonis Creed continúa con ‘Creed III’. Y lo hace, por diversos motivos de la ficción y la producción, despegada del mito de Rocky ya que no está involucrado Sylvester Stallone, quien ya declaró en su día que se desvinculaba del proyecto al parecerle que seguía por unos derroteros que no le gustaban, demasiado oscuros para lo que él busca en sus protagonistas. Sin duda se incrementa su conflicto con el productor Irwin Winkler. La película no cuenta con la bendición de la mítica estrella pero dispone de nuevo del guiónista de las otras dos entregas, Ryan Coogler, quien es una vez más el productor ejecutivo. Contra ese escollo se ha sacado adelante la película, pues al fin y al cabo Stallone no tiene los derechos del personaje que creó en 1976 y tan inusual es la situación que supone el debut de Michael B. Jordan como director.

La saga sigue por primera vez adelante sin Stallone/Rocky pero ello ha tenido como daño colateral que tampoco repite ningún actor de las películas clásicas, salvo Edgar James Olmos que está aquí como un mero accesorio. Por lo que ‘Creed III’ se postula como la auténtica primera secuela independiente de ‘Rocky’, contando solo con los nuevos personajes. Eso significa que todo el foco, aparte de Jordan, lo acaparan Tessa Thompson y Phylicia Rashad. Y por supuesto Jonathan Majors, quien se incorpora como rival a batir.

Aún con todos los cambios y los vientos frescos que resoplan ‘Creed III’ sigue el mismo esquema que siguen casi todas las películas de la saga. El héroe parte de una situación cómoda, irrumpe un nuevo rival, sufre un duro revés, emprende un arduo camino de preparación y… bueno, tampoco voy a reventaros el final de este nuevo combate. Aunque el patrón sea el de siempre hay dos cosas que hacen que la película merezca la pena, teniendo en cuenta que hay que soportar las mismas escenas deportivas de siempre. Uno de los factores a valorar es la inconmensurable preparación física y entrenamiento que han tenido los actores para parecer verdaderos púgiles. Esto ha hecho que veamos a un Majors convertido en una mole que bufa como una bestia encabritada por el ring. La interpretación del actor anteriormente conocido por su trabajo en ‘Territorio Lovecraft’ es lo más destacable de ‘Creed III’. Lo otro es la escena de combate final, ya que obviamente hay un duelo en la que se juegan el todo por el todo. Se ha empleado un artificio visual que refleja muy bien cuan personal es el duelo entre los dos rivales, cuan poco importa todo lo de alrededor y ya de paso sirve de elipsis para ahorrarnos una concatenación de asaltos sobre la lona.

Y es que se han incorporado muchas más técnicas modernas de rodaje que en las anteriores entregas. La cámara lenta, la altísima definición de imagen y sobre todo una contundente edición de sonido nos dejan cristalinamente claro que esta es una versión alejada de la versión original. Permanece el amor al boxeo, al barrio o al entrenamiento “tradicional”, pero ya no estamos hablando de una historia de superación, sino de un frío espectáculo que ha de ser visto en pantalla grande con la mejor calidad de imagen y sonido.

Esa frivolidad actual que rodea al negocio del deporte y la historia que se han sacado de la manga para darle un nuevo rival a Adonis Creed enriquece la historia del personaje, de eso no hay duda, pero la aleja del espíritu con el que Stallone escribió el primer guión.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: Creed III. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Michael B. Jordan. Guion: Zach Baylin, Keenan Coogler. Música: Joseph Shirley. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Jonathan Majors, Phylicia Rashad, Florian Munteanu, Selenis Leyva, Spence Moore II, Tony Bellew, Michelle Davidson, Thaddeus J. Mixson. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Bros., Chartoff-Winkler Productions, New Line Cinema, Proximity, Glickmania. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, deporte. Web oficial: https://www.warnerbros.co.uk/movies/creed-iii

Crítica: ‘To Leslie’

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Sinopsis

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Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Leslie, una madre soltera del oeste de Texas, que hace seis años ganó la lotería pero rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.

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Crítica

Una historia depurativa

Todos nos hemos hecho esa pregunta que pone sobre la mesa la posibilidad de poder gastarnos el dinero de un premio de lotería. Leslie es una de esas afortunadas a las que le ha tocado un buen pellizco, pero por desgracia se lo funde en beber y desfasar. ‘To Leslie’ nos cuenta su historia seis años después. Ella no tuvo la suerte de encontrarse con el karma como le pasó a Earl Hickey a si es que su vida es mucho más dramática. Su hijo se distanció de ella, o más bien fue ella la que puso una barrera de por medio por su adicción. Esta es una historia de reconciliación y reencuentro que tiene base real, no solo por partir de la historia de alguien que ciertamente ha existido, sino por lo veraz que logra ser.

Michael Morris además de reflejar muy bien un pedazo de la américa profunda y clásica atina muy bien a recrear como en el personaje de Andrea Riseborough hay un arrepentimiento, un remordimiento que de vez en cuando asoma. Pero su alcoholismo es de esos que te convierten en cleptómano, en buscador de sorbos etílicos a cualquier precio. Es decir, es más fuerte la pulsión por beber que la vergüenza por que la vean borracha. Es de esos personajes o personas (recordemos que esto es real) que se convierten en mentirosos patológicos. Todo esto por supuesto afecta a la relación con el hijo. A si es que además de desintoxicarse la protagonista necesita una enorme catarsis o un ángel de la guarda que vele por ella. Todo ello lo vemos en ‘To Leslie’ en parte gracias a la coloración que han escogido en el etalonaje y a muchas escenas rodadas cámara en mano, es una película muy cercana, muy atada a la realidad.

Si la vida de Leslie es una piscina, su experiencia desintoxicándose es una depuradora, pero de esas de sal, de las que hacen que escuezan las heridas y trabajan poco a poco, dejando ligeramente llorosos los ojos. La película es emotiva y humana, hace que nos pongamos en el papel de otros. Leslie busca el consuelo en una botella y Riseborough nos ofrece un bálsamo con su interpretación. Nos demuestra que a veces el dinero no trae la felicidad, sino la desgracia y lo hace con naturalidad y autenticidad. Su manera de actuar es tan cercana a la realidad que uno se pregunta si no habrá pasado por los famosos 12 pasos para meterse en su personaje.

Es meritorio y si me gustaría que Andrea Riseborough ganase el Oscar a Mejor Interpretación Femenina para que de ese modo y de manera subversiva se convierta en un símbolo y síntoma más que demuestre que los Oscars se pagan a golpe de talonario y aún queda esperanza de ganarlos a base de talento. Pero también es cierto que tiene duras competidoras, que al margen de la campaña que han hecho sus productoras/distribuidoras, merecen el reconocimiento, como Cate Blanchett con su trabajo en ‘Tár’. Sea como sea espero que se consiga el objetivo final, que es el de acercar espectadores a las salas, atraídos por los reestrenos de aquellos filmes que resultan ganadores o que tienen auténtica calidad, como se ha hecho recientemente con ‘Todo al a vez en todas partes’.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: To Leslie. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Morris. Guion: Ryan Binaco. Música: Linda Perry. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Andrea Riseborough, Marc Maron, Stephen Root, Allison Janney, James Landry Hébert, Matt Lauria, Owen Teague, Andre Royo, Chris Coy, Derek Phillips, Mac Brandt. Producción: BCDF Pictures, Shaken Not Stirred, Baral Waley Productions, Bluewater Lane Productions, Clair de Lune Entertainment. Distribución: Sherlock Films. Género: drama. Web oficial: http://www.momentumpictures.net/to-leslie

Crítica: ‘Ellas hablan’

Sinopsis

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En 2010, las mujeres de una aislada comunidad religiosa luchan por reconciliar su realidad con su fe. Basada en la novela de Miriam Toews.

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Crítica

 Elegir la Fe, el patriarcado o la necesidad de libertad. Una gran sorpresa

Sarah Polley dirige y guioniza ‘Ellas hablan’, basada en la novela de Miriam Toews en la que nos adentran en una colonia menonita en la que han sucedido una serie de abusos sexuales sobre las mujeres de ésta. Los hombres no las creen y dicen que es cosa de fantasmas o demonios e incluso los hay que dicen que se lo inventan para esconder el adulterio. Esta historia real que sucedió entre 2005 y 2009 en una de estas colonias en Bolivia deja paso a lo que la escritora llama “un acto de imaginación femenina” y ahí es cuando realmente comienza ‘Ellas hablan’.

Cuando se demuestra que 8 hombres eran los encargados de dormir a estas mujeres con calmantes para animales y se los llevan a ser juzgados, ellas deciden encerrarse en un granero y hablar sobre su destino. ¿Qué hacer? No hacer nada y seguir igual, quedarse y luchar o marcharse.

Durante 90 minutos tenemos un debate entre ocho mujeres que es maravilloso. La fe, el miedo, las dudas y las ganas de salir harán que haya discusiones, risas, llantos y un sinfín de sentimientos que les hace muy difícil la decisión. La película da para debate gracias a todo lo que van hablando nuestras protagonistas. En el fondo, vas escuchando y todas y cada una tiene sus razones para la opinión que dan.

Todas y cada una de las actrices que salen en la película están fantásticas. Por nombrar a alguna Rooney Mara tiene un papel precioso, lleno de ternura y amor hacia todo. Mientras que el papel de Claire Foy es lo contrario, lleno de ira y odio hacia sus agresores, una madre que no permitirá que vuelvan a tocar a sus hijas. Y el papel de Jessie Buckley, se mueve entre salir y quedarse, sus dudas son las de todas, nada mas que ella con rabia las suelta todas para que piensen un poco en como actuar. Si que he alucinado un poco al ver que ninguna de las actrices está nominada para los premios Oscar. Porque realmente están todas perfectas.

La fotografía de Luc Montpellier es exquisita, con colores mas bien apagados, no solo por las vestimentas de las actrices, que son colores oscuros y poco llamativos, sino que cuando salen al exterior, con esos verdes campos, son colores tenues. Además de un brillo especial que tienen las imágenes, como si de un sueño se tratase. Mientras que cuando vemos el después de las agresiones, en ningún momento vemos violencia en la película, las escenas son claras y llenas de detalles.

‘Ellas hablan’ llega este viernes 17 de febrero a nuestras grandes salas, además es una de las candidatas a Mejor película en los Oscar. Frances McDormand, que aparece en la película en un pequeño papel, es también la productora de la película, pues compró hace ya tiempo los derechos del libro. Como he dicho, es una película de las que dan para hablar después de su visionado y sobre todo, os dará ganas de leeros el libro de Miriam Toews. 

Ficha de la película

Estreno en España. 17 de febrero de 2023. Título original: Women Talking. Duración: 104 min. País: Dirección: Sarah Polley. Guión: Sarah Polley. Novela de Miriam Toews. Música: Hildur Guonadóttir. Fotografía: Luc Montpellier. Reparto principal: Frances McDormand, Rooney Mara, Claire Foy, Ben Whishaw, Jessie Buckley, Judith Ivey, Sheila McCarthy, Michelle McLeod, Kate Hallett, Abigail Winter. Producción: Plan B Entertainment, Say Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/ellas-hablan

Crítica: ‘El triángulo de la tristeza’

Sinopsis

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Una pareja de modelos es invitada a un crucero de lujo. Cuando el yate se hunde acaban en una isla desierta con un grupo de multimillonarios y una señora de la limpieza. En la lucha por la supervivencia, las antiguas jerarquías se trastocan ya que la limpiadora es la única que sabe pescar.

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Crítica

Una estimulante revisión y actualización de ‘El señor de las moscas’

Lo primero que nos viene a la cabeza al ver de qué trata ‘El triángulo de la tristeza’ es ‘El señor de las moscas’. Vale, no trata de unos niños en una isla pero si que muestra a unas personas en cierto sentido inmaduras y cuyo estatus social se ve trastocado. En la última propuesta de Ruben Östlund un barco plagado de snobs, elitistas y superficiales ricachones se hunde y sus pasajeros van a dar a una isla desierta. Unos modelos, los tripulantes y unos ricachones petimetres luchan por sobrevivir, pero no se trata solo de buscar alimento o construir una cabaña.

Entre nuestros instintos primarios ya no se encuentra solo la necesidad de comer, refugiarnos o reproducirnos. También está el imperativo impulso de subir en el escalafón social o por lo menos aparentar superioridad (física, moral o económica). Eso es lo que pone en relevancia Ruben Östlund, un director que ha demostrado ser capaz de agitar nuestra mente y nuestra conciencia, lo cual es siempre estimulante. Si tuviese que preparar un ciclo con películas recientes y críticas con nuestra sociedad metería esta obra junto a títulos como ‘El hoyo’ o ‘Parásitos’. Me gustaría que todo aquel que vea ‘El triángulo de la tristeza’, sea adinerado o no, cambie su manera de actuar siempre que haga uso del sector servicios, lo que se ha llamado siempre el “cara al público”. Por que no todo en esta vida es dinero y no es lo mismo solicitar un servicio que tener un siervo.

Siempre tenemos la idea preconcebida de que los y las modelos son personas tienen las neuronas justitas para mostrar sus exuberantes cuerpos. Creo que hace años que ese cliché se rompió pero Östlund acierta en poner el foco en ello, por si acaso hay aún personas con ese sesgo aún presente. No me extraña que triunfase en Cannes pues ahí buscan siempre películas con cierto compromiso. El guión consigue ser descarnado y muestra cuan voraces pueden ser las ansias de poder del ser humano. Aunque también es cierto que ‘El triángulo de la tristeza’ podría haber sido un poco más incisiva, más profunda.

Satírica, punk, mordaz, atrevida, descarada… son adjetivos que le vienen muy bien a ‘El triángulo de la tristeza’. Saca su título de una expresión superficial usada en moda (no se si es inventada o no) para desarrollar un discurso sobre la igualdad, en muchas de sus vertientes. En pleno siglo XXI predomina y está afianzado una especie de apartheid que impone que aquellos dedicados a la limpieza, mantenimiento o venta son una clase social inferior. Lo que es triste es que tengan que venir películas como esta para demostrar que no siempre el cliente tiene la razón, que hay muchos que viven en su burbuja de ensueño sin ser realmente conscientes de cuál es la realidad.

Capitalistas, comunistas, ricos, pobres, vividores, pluriempleados… todos acabamos yendo al baño a cagar, todos nos mareamos ante la tempestad… Las imágenes que han preparado Östlund y Wenzel nos recuerdan que por mucha opulencia que haya, todos terminamos necesitando lo mismo. El mensaje es alto y claro, ahora queda ver cuan abiertos están los oídos de las conciencias de los espectadores, a ver quién tiene menos neuronas o quien es más superficial, si los modelos o ellos.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2023. Título original: Triangle of Sadness. Duración: 149 min. País: Suecia. Dirección: Ruben Östlund. Guion: Ruben Östlund. Fotografía: Fredrik Wenzel. Reparto principal: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly. Producción: Imperative Entertainment, Film i Väst, BBC Film, 30West, Plattform Produktion. Essential Filmproduktion GmbH, Coproduction Office, Sveriges Television (SVT), Arte France Cinéma, TRT, ZDF/Arte. Distribución: Avalon, Elástica. Género: Web oficial: https://neonrated.com/films/triangle-of-sadness

Crítica: ‘Los Fabelman’

Sinopsis

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En ‘Los Fabelman’, un retrato profundamente personal sobre la infancia de un muchacho estadounidense en el siglo XX, Steven Spielberg nos brinda el recuerdo cinematográfico de las fuerzas y la familia que dieron forma a su propia vida y su carrera. A través de una historia universal de madurez sobre un joven solitario que persiguió sus sueños, la película explora el amor, la ambición artística, los sacrificios y los momentos de descubrimiento que nos permiten vislumbrar la verdad sobre nosotros mismos y nuestros padres con claridad y compasión.

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Crítica

De su propio Cinema Paradiso a un caduco drama familiar

Steven Spielberg ha querido hacer con ’Los Fabelman’ una obra biográfica, pero de tapadillo nos cuela una obra que no solo trata a cerca de él, sino de toda su familia y ya si eso de rebote sobre los primeros pasos de su carrera. Muchos cineastas acaban haciendo algo similar, ejemplo reciente el de Almodovar con ‘Dolor y Gloria’, aunque reconozcamos que el director español es casi siempre autobiográfico. Ciertamente este nuevo filme llega premiado y está entre los candidatos al Oscar, pero aunque pese mucho el nombre del rey Midas de Hollywood, no le veo tanto mérito.

Si es patente que en sus inicios ‘Los Fabelman’ rememora a otras películas que rezuman amor por el cine como ‘Cinema Paradiso’. El filme trata sobre la etapa más joven y consciente del director, abarcando de sus 7 a los 18 años. En el primer segmento descubrimos sus primeras influencias vitales y artísticas, su amor por rodar. Pero posteriormente el largometraje cede protagonismo a un drama familiar que se antoja maquillado y que por otro lado no es ni de lejos lo que buscará la mayoría de espectadores.

Tan legendaria es la marca de este cineasta que como mínimo su filmografía puede servir para estar bien documentado. En ‘Los Fabelman’ hay guiños (casi todos excesivamente sutiles) a obras como ‘Salvar al soldado Ryan’, ‘E.T.’, ‘Indiana Jones’, ‘Jurassic Park’… De hecho en el primer título de crédito la luna de ‘E.T.’ Aparece orbitando al terráqueo logo de la Universal. Y en esta nueva película la cámara se mueve igual de bien que en todas esas obras maestras. Pero este no es un desfile de guiños y referencias como ‘Ready Player One’. Se imponen de lejos los recuerdos personales e íntimos a los que el elenco ha podido acceder para que sean recreados con la máxima fidelidad. Sobretodo destaca la relación con su madre, interpretada por Michelle Williams. Con esta actriz observamos la mayor carencia de la obra. No es la mencionada cuestión que me hace decir que la película no se centra en lo cinematográfico, es el hecho de que está extremadamente sobreactuada. Y no es la única pues también vemos esto en los matones de la escuela, por ejemplo. ‘Los Fabelman’ tiene códigos antiguos y me duele decir esto, pero Spielberg no los ha sabido actualizar.

Sam Fabelman graba películas que realmente Spielberg creo en su adolescencia y durante esos momentos nos dejan imágenes para el recuerdo, como esa en la que usa sus manos como pantalla de proyección. También nos lanza mensajes sobre la impostura del cine, el valor de hacer lo que uno sueña o la humildad. Pero por otro lado con este trabajo nos deja claro que ya está lo suficientemente pagado de si mismo y tiene renombre y capital de sobra como para hacer lo que le venga en gana. Ha hecho un juego de palabras pasando del «spiel» al «fable» dos sinónimos de representación, fábula o historia. A los que acudan al cine a verla les conviene saber que no es una lección de cine. Nos rompe las expectativas y ya de paso se pinta como alguien que no ha roto nunca un plato.

Para mi lo mejor es la última secuencia. Con el último movimiento de cámara si hay un atisbo de genialidad. Me consta que les costó semanas que David Lynch aceptase llevar a cabo esta interpretación. Con ella nos llega una anécdota de esas que nos gusta leer en los libros autobiográficos, de las que se hacen fáciles de recordar porque son verdaderamente carismáticas. El resto es la misma chicha que mascamos día a día los comunes mortales.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2023. Título original: The Fabelmans. Duración: 151 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Spielberg. Guion: Tony Kushner, Steven Spielberg. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Michelle Williams, Paul Dano, Gabriel LaBelle, Seth Rogen, Julia Butters, Judd Hirsch, Jeannie Berlin, Oakes Fegley, Mateo Zoryon Francis-DeFord, Robin Bartlett, Gabriel Bateman, Nicolas Cantu. Producción: Amblin Entertainment, Amblin Partners, Reliance Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/thefabelmans/