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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘El arte de volver’

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Sinopsis

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Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.

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Crítica

Una grata invitación a la reflexión

Hace unos años acudía a una acción publicitaria en el Espacio Ciento y Pico, en pleno Malasaña. Era una recreación acerca de la serie ‘Altered Carbon’ esa serie en la que los personajes pueden pasar de una funda otra, cambiar de cuerpo y vivir diferentes vidas. En el arte de volver, si no me equivoco, una escena transcurre en ese espacio. Y espero no equivocarme tampoco al hilar este recuerdo y al asociar la temática indicando que en ambas historias los protagonistas piensan con más o menos profundidad acerca de las vueltas que da la vida o de las distintas elecciones que han ido tomando asumiendo diferentes roles.

También es fruto de la casualidad que justo el día antes de ver esta película un compañero me hablase de concepto del Ikigai. Una filosofía japonesa que habla de tratar de encontrar nuestro sino en la vida, esa motivación que hace que nos levantemos cada día con ganas de hacer una actividad que nos mantiene felices, nos llena y nos hace sentir útiles en la vida. La película de Pedro Collantes trata precisamente de eso, de cómo alguien hace balance y comienza a pensar en sus pasiones y posibilidades.

Una actriz regresa a Madrid, está en plena crisis laboral y tiene la oportunidad de presentarse a un casting que puede marcar un punto de inflexión en su vida. Es para una serie que se llama ‘El arte de volver’ y a lo largo de la película casualmente encuentra paralelismos entre la protagonista que puede llegar a interpretar y su propia situación sentimental y laboral. Está en un momento de ordenar prioridades. Como dice muy bien el personaje de Nacho Sánchez “un actor se dedica a buscar motivaciones” y ella anda tras las suyas propias.

En su regreso va a reencontrándose con su abuelo, su hermana, su amigo y confidente, una antigua amiga… Con ellos mantiene conversaciones más o menos triviales que le hacen replantearse su status quo o como debe realmente orientar su vida. Y es que a veces retomar de manera tan directa el contacto con aquellos que más te conocen puede ser una experiencia desintegradora o por el contrario un acto catártico.

La actriz está interpretada por Macarena García. La película aborda poco más de un día tras su llegada a Madrid y en ese periodo de tiempo el filme nos asalta con descubrimientos o sorpresas para la protagonista. Con momentos que se llenan sobre todo de abierta sinceridad.

No sé si Macarena García ha volcado en esta película inquietudes personales o vivencias pasadas, pero he de reconocer que es una de las interpretaciones que más me han gustado de todas las que he visto según me he ido topando con su carrera. Se mantiene con un tono muy natural y muy sincero durante todo el filme.

Tampoco sé si el director ha metido en ‘El arte de volver’ experiencias personales. Se agradece que la película nos invite a hacer el mismo ejercicio que hace Noemí (Macarena García) pero bien es cierto que un poco más de intromisión o una reflexión algo más profunda habría hecho de esta película una obra más completa. La última escena está mucho más encaminada en ese sentido y no es fácil de llevar a cabo. En resumidas cuentas, entre paseos de Debod a la Pradera de San Isidro ‘El arte de volver’ se queda en una película que no os dará sueño y si algo que consultar con la almohada.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: El arte de volver. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Pedro Collantes. Guion: Pedro Collantes, Daniel Remón. Música: Yuri Méndez. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Macarena García, Nacho Sánchez, Ingrid García-Jonsson, Mireia Oriol, Luka Peros, Lucía Juárez, Celso Bugall. Producción: Tourmalet Films. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial: https://tourmaletfilms.com/EL-ARTE-DE-VOLVER

Crítica: ‘Nuestros mejores años’

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Sinopsis

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Nuestros Mejores Años es la historia de cuatro amigos Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), contada en el transcurso de cuarenta años, desde 1980 hasta la actualidad. Es un viaje desde la adolescencia a la edad adulta.

Sus esperanzas, sus decepciones, sus éxitos y fracasos son el nexo de una gran historia de amistad y amor a través de la cual se cuentan también Italia y los italianos. Un gran mural que cuenta quiénes somos, de dónde venimos y también dónde irán y quiénes serán nuestros hijos.

Es el gran círculo de la vida que se repite con las mismas dinámicas a pesar de ser épocas diferentes.

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Crítica

Llena de vida, con todo lo que eso conlleva

Unos amigos se conocen en un verano convulso y pasan el mejor estío de sus vidas. A partir de ese momento comienza una relación con idas y venidas, que determinará muchos factores de su vida.

Al igual que en ‘La dolce vita’ de Fellini, Roma y su Fontana de Trevi son testigos de los episodios de las vidas de los protagonistas. Si puede ser que la nueva película de Gabrielle Muccino rememore a Fellini pero para mí ‘Nuestros mejores años’ también exhala las maneras de narrar de Scorsese, pausándose en trivialidades o momentos que nos hacen conectar con los personajes. Realmente la película surge de ‘Nos habíamos amado tanto’ de Ettore Scola.

Muccino ha cogido los pasos o el espíritu de ese filme y los ha trasladado a una generación más cercana a nosotros. En concreto nos ubica en el ochenta y dos y nos lleva a lo largo de cuarenta años. Décadas que llena de vida, para bien y para mal.

‘Nuestros mejores años’ está gestionada con elegancia, gracia y veracidad. Seguro que vais a alinearos con más de una situación. Hay camaradería, decepciones, enamoramientos, ganancias, pérdidas, apoteosis, arrepentimientos. Al fin y al cabo lo que ha logrado Muccino y el guionista Palo Costella es remarcar las penas y las pasiones, las tonalidades de la vida.

Me sorprende poder decir esto sobre una película de Muccino cuando los dos trabajos que más me han llamado la atención de su filmografía han sido historias oscuras y tristes como ‘En busca de la felicidad’ o ‘Siete almas’. Pero sorprende largo y tendido con una película que da una de cal y otra de arena, que tiene muchísimo entusiasmo y carácter.

La película dura dos horas y cuarto y no se hacen largas pues nos lleva de un personaje a otro con agilidad y naturalidad. Además, mantiene el interés y la gracia rompiendo la cuarta pared. Cuando parece que hemos llegado a un punto muerto o determinante con un personaje engancha con otro que nos sigue haciendo avanzar en el tiempo.

Me ha encantado la secuencia de la ópera. Pero aún más el discurso que hace el profesor interpretado por Kim Rossi Stuart sobre el reconocimiento, su valor y carácter pasajero. Pero no es lo único que proclama el filme ya que nos habla también de las diferencias entre generaciones, los cambios de la adolescencia a la adultez, de las faenas de la vida… Lo que quiero decir con todo esto es que es una película riquísima en matices.

¿Quién no recuerda las locuras de la adolescencia? ¿Quién no tiene clavada una ruptura y aún así ha logrado perdonar? ¿Quién no ha perseguido un sueño hasta la extenuación? Nos hace vernos como nos ven aquellos que nos conocen desde hace décadas. El de ‘Nuestros mejores años’ es un viaje que reconforta, que ensalza la camaradería, que hace añorar a los buenos amigos y los buenos momentos.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Gli anni più belli. Duración: 134 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Muccino. Guion: Gabriele Muccino, Paolo Costella. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Eloi Moli. Reparto principal: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaría, Nicoletta Romanoff. Producción: Lotus Production, Rai Cinema, 3 Marys Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/nuestros-mejores-anos/

Crítica: ‘En guerra con mi abuelo’

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Sinopsis

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El joven Peter se ve obligado a abandonar su habitación cuando su abuelo Ed (Robert De Niro) recientemente enviudado se muda a su casa. Con la ayuda de sus amigos, Peter declara la guerra a su abuelo para hacerle abandonar la habitación, pero Ed es un testarudo y no va a ponérselo nada fácil.

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Crítica

De Niro no se cansa ni rodeado de hormonas

Cuando un actor considerado como leyenda cinematográfica viva pasa de hacer hitos como ‘Joker’ o ‘El irlandés’ a ‘En guerra con mi abuelo’ o ‘La última gran estafa’ solo cabe como explicación que haya problemas económicos o que el intérprete simplemente esté haciendo lo que le da la real gana. Y no creo que De Niro ande bajo de fondos.

No es la primera comedia de este corte que hace De Niro. ‘En guerra con mi abuelo’ es un título marcadamente familiar con un toque ligeramente gamberro. El filme sigue la tónica de ‘Solos en casa con nuestro tío’ o ‘Este chico es un demonio 2’. Un niño pequeño con cara de sinvergüenza tiene una pelea con su progenitor manteniendo el amor que sienten el uno por el otro pero con el fin de ver quien acaba rendido.

‘En guerra con mi abuelo’ es una sucesión de perrerías destinadas a ver quién es más maliciosamente ingenioso, si un hombre curtido por la edad o las avispadas nuevas generaciones. Es gracioso ese duelo entre lo geriátrico y lo prepúber. Y la película de Tim Hill también extrae humor de los daños colaterales que sufren los familiares en medio de esta guerra por hacerse con una habitación.

Es cierto que la película tiene su gracia, pero le falta un poco de mala baba para funcionar de un modo más chispeante. Ya se notaba eso también en otras películas del director como ‘Alvin y las ardillas’ o ‘Garfield 2’. Lo mismo pasa con los guionistas Tom J. Astle y Matt Ember, que casi siempre trabajan juntos. El filme saca sus gags de De Niro en plan melancólico y viejete que junto a su tropa de amigos de la tercera edad intentan superar esta disparatada adversidad. Por supuesto también de las costumbres de la juventud del siglo XXI. Pero aunque el ritmo no es malo se habría agradecido que se hubiese llevado todo un poco más allá en cuanto a perversidad.

Todo lo que veréis en ‘En guerra con mi abuelo’ sale de una novela de Robert Kimmel Smith, el mismo autor del cual se extrajo el dramón ‘Un hogar sin esperanza’. En este caso nos ofrece una historia mucho más simpática animada, no exenta de su momento tierno en su climax. ¿Lo que más me ha chocado de este filme? No son los gritos de Rob Riggle, ha sido ver a Uma Thurman con un carácter tan amable, aunque también acabe dando lo suyo.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: The War with Grandpa. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Hill. Guion: Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember, Joe Syracuse. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Greg Gardiner. Reparto principal: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Rob Riggle, Christopher Walken, Laura Marano, Jane Seymour, Colin Ford, Cheech Marin, Isaac Kragten, T.J. McGibbon, Heather Johansen, Drew Scheid. Producción: Marro Films, Emmet/Furla/Oasis Films, TRI G, West Madison Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.warwithgrandpa.com/home/

Crítica: ‘Madame Curie (Radioactive)’

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Sinopsis

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‘Madame Curie’ es un viaje a través del legado de Marie Curie, científica investigadora para muchos considerada como la mujer más inspiradora de la ciencia. Ella fue la primera mujer en ganar el premio Nobel, y diez años más tarde, la primera persona en la historia en ganar dos.

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Crítica

Ni protegidos con plomo podéis evitar impregnaros de la pasión de esta película

Una película de ciencia, con pasión por el conocimiento y protagonizada por una mujer. No podía ser de otra manera tratándose de Marie Curie. Me alegra que aunque se habla mucho de la relación con Pierre Curie no se ha hecho de esta historia un romance despechado. ‘Radioactive (Madame Curie)’ pone sobre la mesa el afán descubridor y curioso de la científica dos veces ganadora del Nobel y madre de otra ganadora del máximo premio internacional al que se puede optar en la Tierra.

Los datos conocidos a cerca de Marie Curie no son escasos. No obstante, la película de Marjane Satrapi se apoya narrativamente en la novela gráfica de Lauren Redniss que también se llama ‘Radioactive’. De hecho en más de una ocasión se sale del drama histórico y permite que la radioactividad haga sus artificios visuales brindándonos momentos muy fantasiosos, aunque también sirviendo de analogía explicativa. Se nota que Sartapi disfruta del arte visual, de hecho, tiene otras dos películas surgidas de novelas gráficas: ‘Persépolis’ y ‘Pollo con ciruelas’.

Además el filme sabe destacar el mérito de descubrir nuevos elementos cuando la técnica no era tan avanzada como ahora. Había que desarrollar nuevos métodos y eso queda reflejado, incluso aparece el antecesor del microscopio de barrido actual, la cámara de ionización con el electrómetro de cuadrantes… Y donde hay radioactividad parece que siempre hay que hablar de su poder destructivo. La película tiene un defecto, se obceca demasiado en mostrar el mal uso que hemos hecho de este proceso energético. A Alfred Nobel no se le conoce solo por haber inventado la dinamita ¿verdad? Hablo claro está de las bombas o las centrales nucleares mal gestionadas. Pasa demasiado de respajilón o en última instancia por la utilidad de los rayos X, la medicina nuclear…

‘Madame Curie’ ha sido escrita por el guionista de ‘Wonder’, ‘La materia oscura’, ‘Enola Holmes’, ‘El jardín secreto’ o ‘The accident’. No son pocos los guiones que ha hecho para ser protagonizados por mujeres. Esta se dirá que es la película más feminista y empoderada que ha hecho en su carrera. Es sabido el rechazo sistemático que sufrió esta brillante investigadora y el descrédito sucedió a la muerte de su marido. El filme tiene muy bien encauzado el famoso carácter de la científico polaca, lejos de ponerla condescendientemente como una santa acierta a no dejar de lado su abrupta personalidad. Y también plasma la mentalidad de Pierre Curie, progresista para la época.

No es mala la interpretación del elenco, de hecho, cuenta con Sam Riley y Anya Taylor-Joy. Pero hay que destacar a Rosamund Pike, no por la obviedad del protagonismo de su personaje, si no por su meticulosidad. Cuida detalles como la capacidad de ensimismarse en sus propios pensamientos o simplemente con el hecho de que Curie era zurda. Su interpretación rema a favor de los méritos de la científica y hace que se aleje de tópicos perfeccionistas.

La ambientación de la película también es muy acertada. El vestuario y los decorados nos remontan al Paris de principios del siglo XX. Obviamente también se cita o muestra a personalidades de la época como la bailarina Loie Fuller, a quien interpretó Soko en una película en 2016 y que esta vez está encarnada por Drew Jacoby.

Los Curie son considerados como una pareja que en tándem cambió la historia de la física y la química. Tanto a este matrimonio como a su descendencia se les puede considerar como pioneros y mártires de la ciencia por sus descubrimientos, pero también por sus castigados cuerpos, que aprendieron sobre la marcha las consecuencias del radio. Es normal pues lo llevaban en el bolsillo como quien se guarda un amuleto. Tal es así que el material de su laboratorio, sus notas, probetas, ropas… hoy en día aún son nocivos para la salud.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Radioactive. Duración: 109 min. País: Reino Unido, Hungría, China, Francia, EE.UU. Dirección: Marjane Satrapi. Guion: Jack Thorne. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Simon Russell Beale, Drew Jacoby, Aneurin Barnard. Producción: Studio Canal, Working Title Films, Amazon Content Services, Huayi Brothers Media, Pioneer Stilking Films, Shoebox Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://www.radioactivethemovie.com/

Crítica: ‘Baby’

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Sinopsis

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Una joven adicta, da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al comercio infantil. Arrepentida, tratará de recuperarlo descubriendo una realidad sobrecogedora.

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Crítica

Un cuento mudo al que le falta ir al grano para decir más

Me encanta el reto que se ha lanzado Juanma Bajo Ulloa con ‘Baby’. Ni más ni menos que contar una historia sin articular ni una sola palabra, solo con música y onomatopeyas. Pero creo que ha fallado en su intento. Principalmente porque si consigue llevar a cabo una narración, pero no lo hace de un modo entretenido ni justifica sus imágenes.

‘Baby’ es una película muy áspera y muy sucia donde en forma de cuento adulto seguimos los pasos de una yonki que acaba de parir a una criatura. La historia puede rememorar a lo más crudo de los Hermanos Grimm y se mueve por ambientes mugrientos o dejados mientras se intercalan preciosas imágenes de animales. El contraste es obvio y siempre está presente en esos relatos infantiles que parece querer desfigurar Bajo Ulloa, pero en este caso pocas veces se ve una analogía que sirva de argumento para la trama. Está clara la presencia de las cigüeñas, siempre ligadas a los bebés, también la del corcel blanco (casi siempre símbolo de libertad o heroicidad), pero no la de otros muchos insectos y aves. Imagino que lo que vamos viendo son representaciones metafóricas de los personajes y situaciones, pero les falta más correlación.

No faltan los personajes excéntricos y las drogas, no poco presentes en la filmografía del director de ‘Aribag’. Es raro el personaje de Natalia Tena y lo es aún más el de la pequeña Mafalda Carbonell, hija de Pablo Carbonell. El personaje más normal es el de Rosie Day y eso que antepone su enganche a las drogas y al alcohol al cuidado de su bebé. Todas ellas están bajo la atenta mirada de una villana un tanto sobreactuada por Harriet Sansom Harris que podría servir de madrastra malvada en cualquier clásico Disney.

‘Baby’ llega a un punto en que se estanca y llega a ser inapetentemente repetitiva. Esto sucede cuando se convierte en un home invasión en modo subterfugio. Por lo menos exhibe una buena fotografía obra de Josep María Civit, cuya obra recomiendo que disfrutéis también en ‘La vampira de Barcelona’. Y está acompañada con la música de un habitual de Bajo Ulloa como Bingen Mendizábal en colaboración con Koldo Uriarte (‘Ane’). La Vitoria natal del director sirve de escenario ofreciendo espléndidos parajes como Legutio o el parque de Garaio. Todo ello a merced de una fábula que llega a aburrir a pesar de tener algo de subtexto.

En mi opinión este tipo de apuestas valientes han de tener también valor. Para que salga bien la jugada hay que dotarla de una sustancia que vaya más allá de la mera peculiaridad. Creo haber entendido que esta es una historia sobre el instinto, la supervivencia, la confusión, las segundas oportunidades y la feminidad, de hecho, relacionado con esto último hay que señalar que todo el reparto está compuesto por mujeres. Pero falta darle algo más de profundidad y quitarle tantos rodeos.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020 (País Vasco) 18 de diciembre de 2020 resto de España. Título original: Baby. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Juanma Bajo Ulloa. Guion: Juanma Bajo Ulloa. Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte. Fotografía: Josep M. Civit. Reparto principal: Rosie Day, Harriet Sansom Harris, Natalia Tena, Mafalda Carbonell, Charo López, Natalia Ruiz, Carmen San Esteban, Susana Soleto. Producción: Frágil Zinema, La Charito Films. Distribución: Festival Films. Género: suspense, drama. Web oficial: https://festival-films.com/baby/

Crítica: ‘La Vampira de Barcelona’

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Sinopsis

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En la Barcelona de principios del siglo XX conviven dos ciudades: una burguesa y modernista, la otra sórdida y sucia. La desaparición de la pequeña Teresa Guitart, hija de una rica familia, conmociona el pais y la policía pronto tiene una sospechosa: Enriqueta Martí, conocida como ‘La Vampira del Raval’. El periodista Sebarià Comas se va a sumergir en el laberinto de calles, burdeles y secretos del barrio del Raval, donde sabe que encontrará la verdad sobre las desapariciones y asesinatos macabros de niños de los que se acusa a la Vampira. Pronto descubrirá que allí se esconde una élite dispuesta a ocultar sus vicios a cualquier precio.

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Crítica

‘La Vampira de Barcelona’ una historia distinta con unas imágenes preciosistas

Muy teatral, una cinta preciosa visualmente, grabada en blanco y negro con pinceladas a color. Admito que ya solo esto hace que ‘La Vampira de Barcelona’ sea de visionado obligatorio en las salas de cine. Es preciosista, gótica y nos muestra una Barcelona en 1913 donde los burdeles son algo normal en la vida de allí y donde la muerte también.

Enriqueta Martí, fue una mujer que se dedicó a hacer de todo, prostituta, proxeneta, curandera, o al menos esto es lo que la leyenda nos pone en bandeja. La Vampira del Raval fue detenida cuando tenía en su poder a Teresita, una niña a la que secuestró y con supuestos restos de otros niños en su casa.

Digo supuestos, porque de esto va la película y es que Lluis Danés, se ha querido ir hacia las últimas investigaciones acerca de estos sucesos donde nos muestran que quizás Enriqueta no era la mujer que todos pensábamos. Si no una mujer enferma de la que se aprovecharon.

Una investigación periodística intenta tumbar todas estas historias, mostrándonos un lado mucho más oscuro, si es que se puede, de esta historia de brujerías, asesinatos y secuestros.

Lluis Danés ha demostrado un gran arte en su dirección, la película no puede dar nada mejor en lo técnico, los planos tan teatrales, con un maquillaje exagerado en muchas ocasiones, pero que la imagen lo pide. Me parece una verdadera maravilla.

El director de fotografía, Josep M. Civit ha realizado un trabajo que espero se vea recompensado mediante premios.

Quizás, en mi caso, me ha flojeado bastante el guion, hay partes de la película que pueden llegar a aburrir y es una pena, porque es una visión bastante interesante de la historia lo que se nos cuenta.

Mucho se ha escrito y dicho sobre esta mujer, las leyendas negras crecen rápido y suelen agrandarse con el tiempo. Se dice que hizo jabón con los niños, de ellos aprovechaba hasta los huesos, por eso nunca encontraban los cadáveres.

Todo esto como digo es el mito, esas historias que se cuentan para que los niños se porten bien y no se escapen, pues si no llegará la Vampira del Raval y te llevará.

Las actuaciones me han gustado mucho, al igual que sus imágenes, son teatrales, algunas veces exageradas, pero la manera de contar la historia pide esa pequeña locura.

En el reparto encontramos a Sergi López, Francesc Orella, Bruna Cusí, Alejandra Howard, Pablo Derqui o Roger Casamajor, encargado de dar vida a Sebastià Comas, que nos muestra una caída a la locura desde el comienzo de su investigación.

Por supuesto me dejo para el final a Nora Navas que está espléndida como la Vampira, su desesperación, su maldad, su confusión, todo lo vemos reflejado en su mirada, sus gestos y logra que dudes de todo lo que has visto.

Poco más que deciros, por mucho que tenga un guion un poco flojo. La película debe ser vista en pantalla grande, os lo digo de verdad, la vais a disfrutar muchísimo, porque es una delicia para los ojos

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: La Vampira de Barcelona. Duración: 90 minutos. País: España. Dirección: Lluís Danés. Guión: Luis A. Martínez, María Jaén. Música: Daniela Fermín. Fotografía: Josep María Civit. Reparto principal: Nora Navas, Roger Casamajor, Bruna Cusí, Pablo Derqui, Mario Ga, Francesca Piñón, Sergi López, Núria Prims, Francesc Orella. Producción: Brutal Media, Filmax, TVC, ICEC. Distribución: Filmax. Género: Drama, thriller. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-vampira-de-barcelona.177

Crítica: ‘La decisión’

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En qué plataforma ver La decisión

Sinopsis

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Tres generaciones de una misma familia se reúnen en su casa de campo para pasar un último fin de semana con su madre Lily (Susan Sarandon – ‘Pena de muerte’, ‘Thelma & Louise’) que padece esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y que ha decidido quitarse la vida con ayuda de su marido (Sam Neill – ‘Parque Jurásico’, ‘Los Tudor’).

Cuando sus hijas, Jennifer (Kate Winslet – ‘The Reader (El lector)’, ‘Titanic’) y Anna (Mia Wasikowska – ‘Alicia a través del espejo’, ‘Judy y Punch’), empiezan a discutir, salen a la luz secretos que amenazan con amargar la despedida. Completan el reparto Rainn Wilson (‘The Office’, ‘Megalodón’) y Bex Taylor-Klaus (‘Por 13 razones’), como las respectivas parejas de las hijas, y Lindsay Duncan (‘Birdman’, ‘Sherlock’), como la mejor amiga de Lily.

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Crítica

Con muy poco de sutil y bastante de incómodo

Que la muerte es un tema que antes o después afrontamos es algo innegable. Pero existe una polémica cuestión que es la de aquellos que quieren decidir por sí mismos cuándo y cómo quieren dejar este mundo. En concreto hablo de los que tienen una enfermedad terminal o degenerativa, de aquellos que van a ver sus capacidades mermadas poco antes de fallecer. En España tenemos un caso archiconocido como fue el de Ramón Sampedro, teniendo su historia contada en el cine por Alejandro Amenábar.

Ahora el director de ‘Notting Hill’, Roger Michell, nos trae de nuevo esa cuestión. Lo hace con ‘La decisión (Blackbird)’ una película que ha sido escrita por el danés Christian Torpe, el mismo autor de la novela en que se basa, ‘Silent Heart’. La obra ya tuvo una adaptación homónima en 2014 producida en Dinamarca y lo que ahora se estrena es la versión norteamericana.

A veces no es fácil llevar a cabo una película acotada en un mismo espacio y en un corto intervalo de tiempo. Por lo general hay que rellenar con diálogos o transiciones. En este caso la decisión ha sido la de aportar muchas conversaciones familiares que hacen un poco tedioso el visionado y además incluir unos cuantos giros de guión que están un poco pillados por los pelos. Aunque tendría que verse uno metido en esta situación tan extrema para de verdad darse cuenta de hasta qué punto puede ser algo creíble o surrealista.

Nos presentan a tres generaciones de una familia que se unen durante un fin de semana para despedir a la matriarca. Está enferma y ha acordado con su familia que va a quitarse la vida con ayuda de su marido. Pero antes quiere reunirse una vez más y despedirse.

La temática es peliaguda y os va a chocar ver a ciertos miembros del reparto en ella. Normalmente hemos disfrutado de actores como Mia Wasikowska, Sam Neill, o Rainn Wilson en historias más amables e incluso cómicas. Pero en este caso el carácter de la historia es profundamente dramático. Susan Sarandon interpreta al personaje enfermo en un papel con similitudes al que ejecutó en ‘Quédate a mi lado’ y sobreponiéndose al resto del reparto.

‘La decisión’ pasa de la trivialidad a lo vital. De lo incómodo a lo hostil. Y trata acera de hipocresías, conflictos y valentías. Nos plantea personajes creíbles que ya se han presentado en debates reales. Están los que afrontan de cara el problema y los que lo evitan como si ni existiese. Pero lo que más domina la película es una frivolidad que acaba tornandose en sensiblería.

La idea de Torpe es plantear una situación civilizada en la que hay espacio para sincerarse y desmelenarse. No deja de lado la legalidad o necesidad de la eutanasia. En ese punto da alas a la aprobación o asimilación de los demás a cerca de la decisión que tome cada uno con su propio tiempo en la Tierra y se posiciona claramente a favor.

Lo que más intenta remarcar es la importancia de las decisiones, el respeto, el legado y los recuerdos. ‘La decisión’ supone una mezcla de sutileza y brusquedad que te deja con el corazón un tanto acongojado.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2020. Título original: Blackbird. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Michell. Guion: Christian Torpe. Música: Peter Gregson. Fotografía: Mike Eley. Reparto principal: Susan Sarandon, Kate Winslet, Mia Wasikowska, Sam Neill, Rainn Wilson, Lindsay Duncan, Bex Taylor-Klaus. Producción: Millennium Films, Eclectic Pictures, Busted Shark Productions, SF Studios. Distribución: Movistar+. Género: drama. Web oficial: http://millennium-media.net/mf-films/blackbird/

Crítica: ‘Baby god’

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Sinopsis

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Esta película nos lleva a una etapa anterior a los bancos de esperma, cuando se sabía poco sobre el ADN y los rasgos genéticos heredados. Es una inverstigación profunda sobre la moralidad de un médico que opera dentro de su propio código ético y una inmersión en la esencia de la identidad personal.

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Crítica

Un legado irrompible que además no para de crecer

Estamos en las décadas de los 50 y 60. Épocas en las que la clase media norteamericana vive una etapa de comodidad y felicidad incrementada por una riqueza cultural como nunca antes vivieron. Se podría recordar como un periodo feliz si no fuese por las constantes guerras en las que su nación se empeñaba en emprender. Una serie de contiendas que entre otras cosas buscaba imprimir el sello yanqui. Algo por el estilo es lo que hizo con éxito el Dr. Quincy Fortier.

Por entonces aún no existían los bancos de esperma ni se controlaba tanto del ADN. Solo 7 años antes se había descubierto la estructura molecular del ADN. Los primeros centros de donación de semen surgieron en Tokio en el 64. En España el primero fue en el 79. Era un tiempo con un notorio desconocimiento civil acerca del tema y con una falta de legislación con cuestiones relacionadas. Fue en este marco cuando un doctor experto en ginecología aprovechó sus conocimientos y posición.

Llevó a cabo una práctica de lo más narcisista. Con el único objetivo de perpetuar su material genético, sin importar consentimiento alguno, inseminó a mujeres que acudieron a él con su propio esperma. Parejas que se veían en la problemática de no conseguir un embarazo fueron ultrajadas de esa manera.

La información recabada por la ex-detective Wendi Babst delata que la cifra de personas que pueden estar genéticamente ligadas a este monstruo es de centenares y puede llegar a los millares. Hoy en día no paran de salir personas con sus genes. Vamos, que hizo lo mismo que Gengis Kan pero de un modo más sutil. Babst ha llevado a cabo esta investigación documentada que inició al descubrir su propio vínculo con este doctor. Hannah Olson es la directora que ha ordenado todo esto como buenamente ha podido en forma de largometraje.

El Doctor Quincy Fortier falleció en 2006 llevándose consigo su más que dudosa ética, por lo que para buscar explicaciones y consecuencias se ha tenido que recurrir a su descendencia, algunos de los cuales se enfrentaron a él antes de su muerte. ‘Baby god’ se centra en entrevistar a los hijos que generó sin autorización ninguna. Además cuenta con algunos de sus colegas o empleados.

Loki Films se llama la productora de la película y realmente parece una broma pesada del dios nordico. Realmente se le consideró un hacedor de milagros, obtuvo premios por su trabajo y probablemente él pensaba que estaba haciendo algo beneficioso. El documental aprovecha para poner sobre la mesa qué puede implicar estar constituido del ADN de alguien que no conoces o de alguien a quien incluso consideras una persona horrible. ¿La herencia genética te convierte en alguien como esa persona? ¿Al menos en parte? De una manera superficial se aborda el tema del color de los ojos, por ejemplo. Algunos de los entrevistados incluso se parecen a él.

Un tipo eficiente y fiable. Fiable en que conseguiría llevar a cabo una inseminación si se lo encargabas, de un modo muy eficiente. Obviamente no era nada recomendable por sus acciones poco éticas y por como jugó con los deseos de parejas o mujeres que deseaban tener hijos con su ADN, el suyo propio, no el de Fortier. Pero tampoco había ley que lo prohibiese, eso lo deja claro el documental.

‘Baby god’ está compuesto únicamente de entrevistas, presenta poca documentación. No pongo en duda su veracidad, lo que me pesa es que para acompañar se han intercalado excesivas imágenes de transición y de ambientación grabando las ciudades, casas y objetos de los entrevistados. Faltaría algo de ritmo y una estructura mejor pero logra mostrar la “obra” de Fortier y como se concibe por sus herederos.

El documental que se estrena en HBO supone una senda de búsqueda de identidad por parte de los protagonistas. Pero sobre todo es algo que impresiona, aunque hay que ubicarse en la mentalidad de aquella época de un modo más profundo de lo que hace el reportaje como para llegar a entender como pudo pasar esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2020. Título original: Baby god. Duración: 78 min. País: EE.UU. Dirección: Hannah Olson. Música: Will Epstein. Fotografía: Justin Zweifach. Reparto principal: Quincy Fortier, Wendi Babst, Brent Leavitt, Mike Otis, Brad Gulko, Michael Cleaver, Jonathan Stensland, Nanette Fortier, Sonia Fortier, Quincy Fortier Jr., Dr. Frank Silver, Dr. Harrison Sheld, Cathy Holm, Dorothy Otis. Producción: Loki Films, GAP Tooth Films. Distribución: HBO España. Género: documental.

Crítica: ‘Contagio en alta mar’

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Sinopsis

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La tripulación de un pesquero irlandés lucha por sobrevivir cuando su barco es inmovilizado por una enorme y misteriosa criatura marina y su suministro de agua dulce queda infestado de parásitos. A contrarreloj, deberán encontrar una manera de volver a casa mientras están varados sin ayuda en aguas restringidas.

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Crítica

Correcta película sobre el terror y la contención de una infección

‘Contagio en alta mar’ tiene como título original ‘Sea Fever’. Ambos títulos definen bastante la trama de la película. Un barco pesquero se encuentra alejado de la costa y sucede algo que hace que los tripulantes empiecen a tener fiebre. Entre la tripulación hay una invitada, una estudiante de biología que está allí para recabar información para su doctorado.

Hermione Corfield es esa joven que se embarca en un viaje a regañadientes. No por tener algo en contra de los pescadores sino porque es bastante asocial. Ella prefiere mantenerse al margen y estudiar patrones de comportamiento en animales marinos y ya de manera indirecta y algo condescendiente, en personas.

Esta es una película de terror bastante convencional. Los personajes pasan por todas las fases. Pitorreo, negación, miedo, histeria… Es un título no falto de tensión pero que si necesita algo más de acción, por lo menos para los que busquen emociones fuertes. Sí que sirve para retomar el contacto con actores que por lo general pasan algo desapercibidos y aquí tienen más presencia. Hablo de Connie Nielsen (‘Gladiator’), Jack Hickey (‘Penny Dreadful’), Olwen Fouéré (‘Mandy’) o Dougray Scott (‘Misión: Imposible 2’).

Además su estreno tras proyectarse en Sitges viene bastante a colación de la situación actual. Como sucedía en ‘La cosa’ de Carpenter los personajes llegan a recelar los unos de otros e incluso a diagnosticarse entre ellos. El mar sirve como espacio de aislamiento para una cuarentena obligatoria. Lo más profundo que toca ‘Contagio en alta mar’ es el afrontar una situación de responsabilidad ante una infección. Por supuesto ante esto hay diferentes tipos de comportamientos con los que veréis paralelismos y ejemplos reales.

La película de la irlandesa Neasa Hardiman (‘Jessica Jones’, ‘Inhumans’) es bastante más sosegada que sus trabajos anteriores. Convierte lo que a priori parece un cardumen en algo insólito y eso le da un toque de thriller, por supuesto también de fantástico.

Quizá debería haber explotado más los dramas de ciertos personajes para que la película tenga sustancia. O tal vez podría haber desarrollado la situación de esa protagonista tan reacia a colaborar con otras personas, teniendo en cuenta que precisamente está en una situación en la que tiene que trabajar junto a un equipo que es como una familia y además enfrentándose a una mente colectiva superior y desconocida.

Como todas aquellas películas sobre virus o criaturas extrañas, ‘Contagio en alta mar’ puede tener cierto valor para aquellos negacionistas que se oponen a creer lo que sucede y las auténticas medidas que hay que tomar. Como película de terror funciona, pero no aporta nada nuevo al género.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Sea Fever. Duración: 94 min. País: Irlanda. Dirección: Neasa Hardiman. Guion: Neasa Hardiman. Música: Christoffer Franzén. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg. Producción: Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Flexibon Films, Frakas Productions, Makar Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial: http://film-directory.britishcouncil.org/sea-fever

Crítica: ‘Vampus Horror Tales’

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Sinopsis

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Noche de Halloween. El Sr. Fettes (Saturnino García) es el particular guardián del cementerio, un siniestro ser que guarda muchos secretos. Entierra los difuntos de día y los desentierra de noche con fines inconfesables. Le gusta que le llamen Vampus y leer comics de terror, especialmente las historias de amor, entendidas a su necrófila manera.

Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia.

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Crítica

Sangre, tumbas y perritos a gogo

¿Qué es más terrorífico, una noche de Halloween en un cementerio con un enterrador bastante cabroncete o cualquier cosa sucedida en 2020? Mucho cuidado con lo que respondéis. El señor Fettes (Saturnino García) es un tipo que se regodea en las peores pesadillas, escritas o narradas. Para algunos no hay nada más horrible o molesto que el hecho de que no se les llame por su nombre, “llámame Vampus” lleva diciendo este sepulturero desde que apareció en el corto de Víctor Matellano y Diego Arjona. Y continúa pidiendo que se le nombre así, pero ahora no se anda con chiquitas y cualquiera puede caer en sus fosas y filos. También en sus historias.

‘Vampus Horror Tales’ hace honor a su carácter antológico y va cambiando de tercio según el macabro sepulturero da paso a sus pequeños capítulos, cual cadáver de ‘Historias de la cripta’. Nos lleva a un escape room, a un escenario apocalíptico, a una cabaña en el bosque o a un túnel del terror. Escenarios clásicos en el género que no obstante son empleados para contar historias diferentes y nada manidas. Yo me quedo sobre todo con la que protagonizan Nacho Guerreros y Erika Sanz. Está muy bien interpretada y muy bien desarrollada. Él en un papel bastante sibilino y ella haciendo tremendamente bien de discapacitada visual.

Un rodaje marcado por la pandemia. Los confinamientos provocados por el COVID-19 pausaron esta producción que sin embargo ha sabido adaptarse a la situación. Sabemos que algunas historias han tenido que ser contadas de otra manera y ‘Vampus Horror Tales’ ofrece soluciones que consiguen narrarnos lo que pretendía. Se alía con las tecnologías o con el plano contraplano para poder tener continuidad.

Saturnino García es el hilo conductor pero también el personaje que más cala. Con sus pensamientos bordes y su literalmente cortante comportamiento es capaz de encandilar y horrorizar. Junto a él un reparto al que no le faltan caras famosas: Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz… Y rostros también muy conocidos del cine patrio como José Lifante, África Gozalbes, Lone Fleming, Antonio Mayans… Sin olvidar las voces de Héctor Cantolla, Carlos Areces y Víctor Clavijo.

Guiños y referencias a clásicos del terror no le faltan. Transcurriendo algunas escenas en el Museo de Cera de Madrid no podía faltar la imagen de Paul Naschy que además fue hecha por Colin Arthur, quien es el encargado además de supervisar los efectos de la película.

‘Vampus Horror Tales’ es una película o una serie de cortometrajes que rezuman mucho amor por el terror. Empezados o acabados por ilustraciones y comentados en plan crítico por Vampus. El sentido del humor está omnipresente y es con Saturnino García con quien se consigue mayor efectividad.

Si hay que ponerle una pega a tan efusiva muestra de amor por el fantástico es el re-doblaje en alguno de los segmentos. Una nimiedad que queda tapada por borbotones de sangre y el mensaje superliminal por comer perritos calientes.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Vampus Horror Tales. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Isaac Berrocal, Erika Elizalde, Manuel Martínez Velasco, Víctor Matellano, Pablo Moreira. Guion: Diego Arjona, Isaac Berrocal, Yolanda García Serrano, Ignacio López, Víctor Matellano, Pablo Moreira, Victoria Vázquez. Música: Javier de la Morena. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal: Saturnino García, Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero, Sergio Morcillo, Federico Repetto, Vicky Jorge, José Lifante, África Gozalbes, Miguel Molina, Lone Fleming, Antonio Mayans, Héctor Cantolla, Carlos Areces, Víctor Clavijo. Producción: Argot Films, ViMa PC, Wild Duck Productions, Raccord Films, Infilmity, RedRum. Distribución: Argot Films. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/argotfilms/

Crítica: ‘Superintelligence’

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Sinopsis

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Cuando una superinteligencia todopoderosa decide estudiar a Carol Peters, la persona más común de la Tierra, el destino del mundo está en juego. Mientras que la Inteligencia Artificial decide esclavizar, salvar o destruir a la humanidad, Carol tiene que demostrar que merece la pena salvar a la gente.

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Crítica

Si a Skynet le hubiese dado por preguntar…

¿La humanidad merece ser salvada? Es un dilema que se ha planteado en varias ocasiones dentro de series y de películas. Hemos quemado nuestros bosques, desatado plagas y pandemias, extinguido especies enteras y nos hemos puesto a nosotros mismos muchas veces al borde del precipicio. Incluso en Los Simpson se ha tratado este tema cuando Kang y Kodos han llegado para someternos. Con un método más o menos así de cómico se desarrolla esta historia de Ben Falcone (‘El alma de la fiesta’) escrita por Steve Mallory (‘Es la jefa’).

‘Superintelligence’ remarca lo automatizado, robotizado y digitalizado que tenemos todo: coches autoconducidos, casas domotizadas, mercados informatizados… Nos habla de las inteligencias artificiales y del aprendizaje automático. Hasta el punto de que va más allá de que un móvil pueda oír lo que decimos para posteriormente mostrarnos publicidad relacionada. Surge una IA que ha cobrado consciencia de si misma y que a modo de gran hermano controla y escoge a la protagonista interpretada por Melissa McCarthy. Y la elige para que sea la variable que decida si la humanidad merece salvarse o por el contrario ser aniquilada o esclavizada (si omitimos el hecho de que ya estamos esclavizados por nuestros dispositivos). Todo esto hablándole con la voz de James Corden.

Estamos en una película donde se pone de manifiesto que tenemos hogares ultraconectados. Vuelvo a ‘Los Simpson’. ¿Recordáis el capítulo en el que la familia amarilla automatiza su casa con una IA dotada de la voz de Pierce Brosnan y esta intenta matar a Homer? Pues eso mismo solo que en este caso la amenaza está por todo el mundo. Lo que quiero decir es que estamos dentro de una comedia de ciencia ficción con muchos disparates, algo tontorrona y con toques de sarcasmo.

Director, guionista y protagonista han coincidido antes en otros proyectos y se nota que les gusta regocijarse en este tipo de comedias. Sobra decir que el matrimonio Falcone-McCarthy ha trabajado varias veces en la misma película, tanto delante como detrás de las cámaras. Tanto el personaje de McCarty como el de la inteligencia artificial son bastante “tocapelotas”. Les gusta meterse en situaciones incómodas o ridículas y dejar al descubierto a los demás, sin pelos en la lengua. Tampoco faltan las escenas llenas de torpeza. Está claro que es una película hecha a medida y pensada para Melissa McCarty pero también hay que remarcar que está más suavizada y apta para todos los públicos que nunca. Y pienso que también está todo orquestado para que sea James Corden quien ejerza de “villano” ya que va todo en su simpática línea.

La situación de la película es graciosa. Mientras Carol (McCarthy) lleva a cabo una cruzada amorosa con la IA ejerciendo de Cyrano de Bergerac o de celestina, las fuerzas de seguridad estadounidenses buscan asimilar tal situación y evitar la ecatombe retrocediendo a tecnologías pre-electrónica. ‘Superintelligence’ no es precisamente una comedia muy trabajada, sigue patrones y actos muy clásicos pero va transcurriendo de un modo ameno, sin llegar a extremos y con gags simpáticos. Quizá no sea la mejor película que se ha hecho sobre IA’s pero al menos arroja algo de luz ante las catastrofistas perspectivas actuales.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Superintelligence. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Falcone. Guion: Steve Mallory. Música: Fil Eisler. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Melissa McCarthy, Bobby Cannavale, Brian Tyree Henry, James Corden, Karan Soni, Jean Smart, Sarah Baker, Michael Beach. Producción: Creative Wealth Media Fiance, New Line Cinena, One The Day, Warner Bros. Distribución: HBO. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/superintelligence

Crítica: ‘Érase una vez…’

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Sinopsis

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Antes de que Alicia fuera al País de las Maravillas y que Peter se convirtiera en Pan, los dos personajes eran hermanos. Cuando su hermano mayor sufre un terrible accidente, Peter y Alicia tendrán que elegir entre quedarse en casa y su propia imaginación, lo que creará el escenario de sus legendarios viajes al País de las Maravillas y a Nunca Jamás.

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Crítica

Una invitación a volver a las ensoñaciones de la infancia

¿Y si Peter Pan y Alicia hubiesen tenido un pasado en común? ¿Y si hubiesen formado parte de la misma familia? Ese es el what if que nos propone Brenda Chapman en una película que cuenta con actores como Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine o Gugu Mbatha Raw. Ellos hacen de soporte para la historia de los auténticos protagonistas: Alicia (Keira Chansa) y Peter (Jordan Nash).

Reconozco que apostaba poco por este pastiche o crossover. Pero ha resultado ser una película entretenida. Sí que es cierto que habría necesitado un guión con más profundidad o un rodaje que consiga impactar más en el espectador. La apuesta consiste en coger cuentos súper manoseados y darles una visión diferente. En ese sentido ‘Hook (El Capitán Garfio)’ fue mucho más efectiva, pero cualquier película comparada con esa obra maestra de Steven Spielberg saldría malparada.

‘Érase una vez…’ es una película de Brenda Chapman, la directora de ‘Brave’ y ‘El príncipe de Egipto’. Es la primera vez que dirige en solitario y se nota que está acostumbrada a poner el foco en la infancia. En esta historia alternativa Peter sigue siendo el niño que solo quiere jugar y que tiene una mente talentosa pero huidiza. Y Alicia tiene atisbos de alucinaciones y huye del clásico adoctrinamiento femenino de la época. La modificación imaginaria del mundo está bien realizada y no abusa de artificios realizados por ordenador.

Es atrevido coger los dos míticos personajes de J M. Barrie y de Lewis Carroll y unirlos de esta manera. Más que consistir en un cuento en el que nos relatan cómo era Peter Pan antes de que fuese el niño de Nunca jamás y qué hacía Alicia antes de ir al País de las maravillas ‘Érase una vez…’ reinventa la manera en que se crearon los personajes y da otra explicación, más terrenal, para sus mitos. Se ha criticado esta mezcla desde la aparición de su tráiler pero a mí no me parece tan alocada, al fin y al cabo ambas historias son muy británicas, comparten que se desarrollan a orillas del Támesis, fueron publicadas casi en el mismo siglo y giran en torno a la misma temática: jugar, huir de lo convencional e imaginar nuevos mundos. Se comentará también el hecho de que les interpreten personas de raza negra, pero sinceramente, eso me es indiferente pues todos hemos sido niños y todos hemos adornado la realidad con nuestros juegos.

‘Érase una vez…’ se las va apañando para ir introduciendo todos y cada uno de los elementos de los cuentos. Algunas veces esa mezcla se antoja original y otras bastante pillada por los pelos, casi improvisada. Se busca la manera de introducir a Campanilla, a Garfio, al Sombrero, a los niños perdidos… Y se establece un vínculo común más allá de haber hecho hermanos a ambos personajes, el reloj. ¿Podría ser el reloj del conejo blanco el mismo que se traga el temido cocodrilo de Garfio?

‘Érase una vez…’ es un cuento dramático en el que los fantasiosos mundos de ambos personajes sirven de refugio. La ruina y la tragedia están muy presentes y la cándida mirada de Peter y Alicia maquilla esos traumas con brochazos de imaginación y algo de enajenación. La idea es mucho mejor de lo que pintaba, la pena es que no está tan brillantemente desarrollada o definida. Esta precuela o versión alterna sirve sobre todo para recordar a los adultos que no hay que olvidar nuestros evasivos sueños, pero le falta hacerlo con un ahínco más eficaz o crudo.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Come Away. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Brenda Chapman. Guion: Marissa Kate Goodhill. Música: John Debney. Fotografía: Jules O’Loughlin. Reparto principal: Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine, Clarke Peters, Gugu Mbatha Raw, Keira Chansa, Jordan Nash, Anna Chancellor, David Gyasi. Producción: Endurance Media, Hammerstone Studios, Lakeview Entertainment, ACE Pictures Entertainment, Creasun Entertainment, Fred Films, Yoruba Saxon Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantasía, drama, aventura. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/come_away

Crítica: ‘Resistencia’

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Sinopsis

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Todo lo que Marcel Marceau (Jesse Eisenberg) quiere es una vida para el arte. Trabajando en la carnicería de su padre durante el día, el talentoso mimo intenta hacer realidad su sueño en los pequeños escenarios de la ciudad y ganarse el afecto de la políticamente activa Emma (Clémence Poésy, Tenet). Para complacerla, Marcel acepta enrolarse en una misión peligrosa que cambiará el curso de su vida para siempre: intentar salvar a 123 huérfanos judíos del alcance de los nazis alemanes (entre los que se encuentra Bella Ramsay, Juego de tronos). Y, en concreto, del despiadado Obersturmführer de las SS Klaus Barbie (Matthias Schweighöfer, Valkiria). Su objetivo será conseguir llevarlos al otro lado de la frontera con Suiza. Junto a Emma, Marcel se une a la resistencia francesa para confrontar firmemente las atrocidades de la guerra. Su arte será la mejor arma contra los horrores que les rodean.

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Crítica

‘Resistencia’ nos descubre al héroe Marcel Marceu

Este viernes, 27 de noviembre, llega a Movistar+ ‘Resistencia’, protagonizada por Jesse Eisenberg y que nos trae la quizás desconocida historia de Marcel Marceu, al menos para mí lo era y ha sido bastante agradable que me muestren este gran detalle de su vida, aparte de ser uno de los mejores mimos de la historia.

La historia comienza el fatídico 9 de noviembre de 1938, en Munich comienza La Noche de los Cristales Rotos, donde un montón de exaltados decidieron destruir y asesinar a infinidad de familias judías, dejando a un centenar de niños huérfanos y en manos de los nazis.

El general Patton, interpretado por Ed Harris, comienza a contar una historia a sus soldados para presentar a Marcel Marceu, y de aquí nos vamos de nuevo a 1938, unos días después de aquella noche donde una de las niñas protagonistas, Elsbeth (Bella Ramsey) llega a Estrasburgo, junto a más huérfanos en busca de una nueva oportunidad de ser feliz.

Allí conocen a Marcel que se convierte en ese saco de píldoras de felicidad que estos niños necesitan. Aunque al principio le pesase, pues el se veía como un actor y no un payaso para hacer feliz a los niños.

‘Resistencia’ quizás no nos aporte mucho en cuanto a todas las película que ya hemos visto sobre esta época. Pero como he dicho al principio, ver a la figura de Marcel Marceu como un libertador, al menos para mí ha sido bastante interesante. Un hombre que pese tener que abandonar su hogar, perder a mucha gente en el camino, incluido su padre que fue deportado a Auswitch. Tuvo la valentía de plantarles cara a los nazis, salvar a un sin fin de niños y aun así , ser capaz de hacer reír a todo el mundo.

Escrita y dirigida por Jonathan Jakubowicz, director de ‘Manos de piedra‘, la película cuenta con un reparto bastante bueno. Destacar a Jesse Eisenberg, que no es santo de mi devoción, pero aquí está bastante bien, puesto que el personaje le ofrece la oportunidad de exaltar sus típicos gestos y poder así dar vida a Marcel. También tenemos a Clémence Poésy (‘Tenet‘), que como siempre, está bastante comedida.

Matthias Shweinghöfer, que hace de Barbie, jefe de la Gestapo, está muy bien en su papel, aparte que se parece bastante físicamente al real. Conocido como el «carnicero de Lyon», logró escapar durante un tiempo hasta que fue detenido en Sudamérica.

Pero sin duda a la que no podemos pasar por alto es a Bella Ramsey, tampoco es que haga un papelón, pero demuestra una ve más que no debemos de quitarle el ojo de encima a esta joven actriz que ya nos sorprendió con su actuación en ‘Juego de Tronos‘.

La manufactura de la película es bastante buena, no han escatimado en detalles y toda la ambientación me parece estupenda. La música suave, nos deja libre el poder adentrarnos en los sonidos de las distintas ciudades asediadas, disparos, alarmas o ese silencio para no ser descubiertos, logran que nos sintamos dentro de la historia.

‘Resistencia’ nos deja una nueva historia de las muchas que desconoceremos sobre la II Guerra Mundial. Héroes anónimos o no tanto que lucharon por salvar miles de vidas y que lograron sacar sonrisas en una época que no era para nada feliz.

 Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2020. Título original: Resistance. Duración: 121 min. País: Reino Unido. Dirección: Jonathan Jakubowicz. Guion: Jonathan Jakubowicz. Música: Angelo Milli. Fotografía: Miguel I. Littin-Menz. Reparto principal: Jesse Eisenberg, Clémence Poésy, Matthias Schweighöfer, Bella Ramsay, Edgar Ramírez, Ed Harris. Producción: Pantaleon Films, Vertical Media, Bliss Media, Epicentral Studios, Ingenious Media, Riverstone Pictures, Rocket Science. Distribución: Vértigo Films, Movistar+. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/resistencia/

Crítica: ‘Birdsong’

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Sinopsis

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Tokio. Asuka, una joven de la limpieza que trabaja en el turno de noche, está dispuesta a pagar un alto precio para lograr su sueño de convertirse en una estrella de la música. Se las arregla para actuar en un programa de talentos de televisión, pero todos sus sacrificios fracasan cuando es acusada de asesinato y se ve obligada a revelar todos los detalles del oscuro camino que ha seguido hasta entonces

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Crítica

Las discográficas son verdaderos depredadores o al menos eso nos cuenta ‘Birdsong’

Gracias al Festival de Rizoma hemos podido ver ‘Birdsong’. Una horrible metáfora de lo terrible que es el mundo de las discográficas, al menos desde el punto de vista de Handrik Willemyns.

Una de las primeras frases que podemos ver al comenzar la cinta es que la industria musical es un animal. Y sí, sin duda nos demuestra perfectamente esta comparación mientras vemos la cinta.

Handrik Willemyns, además de dirigir y escribir la historia, también ha participado en la música, muy importante en la cinta y en el departamento de arte. La música electrónica y clásica se mezclan para darnos melodías bastante psicodélicas. Y lograr así mostrarnos sin palabras los sentimientos de Asuka, una muchacha que paga un alto precio para logra llegar a ser una estrella de la música y lograr entrar en un talent show.

Dinero «fácil»  por pasar una noche con alguien, se convierte en la peor pesadilla de Asuka. Vemos escenas duras a través de viñetas de mangas, no dejan de ser terribles, pero supongo que lo han realizado así para intentar suavizar toda la crudeza. Vemos como Asuka pasa por infinidad de desventuras nocturnas y como se quieren aprovechar de ella hasta el final.

La película tiene una manera curiosa de mostrarnos a estos animales que son las discográficas y de cómo pueden destruir la vida de una persona que solo quiere brillar encima de un escenario.

Los plagios y los abusos son el tema principal de esta historia en la que se intenta descubrir quién asesinó a un conocido músico.

La verdad que la película está muy bien llevada, aunque su director no sea japonés, es una película bastante oriental, el ritmo es lento y si no estáis acostumbrados puede parecer un poco pesada, pero la verdad que merece mucho la pena su visionado. Tiene unas imágenes bastante curiosas y juega con muchos estilos, la animación y el CGI están bastante trabajados y contribuyen a darle un aspecto de cuento siniestro a la vida de Asuka.

El reparto está bastante correcto, sin exageraciones, algo que quizás venga dado de que la película no sea japonesa, porque otra cosa no, hay que reconocer que suelen ser bastante expresivos en sus películas y en esta todo es muy contenido.

La fotografía es bastante sencilla, casi toda la trama ocurre de noche y vemos pocos detalles, si que tenemos luces en los edificios o algún que otro extraño escenario. Una de las cosas que me ha llamado la atención es el tratamiento de la imagen, parece que estuviésemos una cinta de los años 70. Los colores, los planos, no sé si está hecho a propósito o no, pero me ha gustado.

‘Birdsong’ me ha dejado un buen sabor de boca. Una película que merece el visionado y sin duda os dará que pensar. ¿Vosotros qué haríais por vuestros sueños?

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Birdsong. Duración: 90 min. País: Bélgica y Japón. Dirección: Handrik Willemyns. Guión: Handrik Willemyns. Música: Timothy Bruzon, Hendrik Willemyns. Fotografía: Michael Dwyer. Reparto principal: Kazuhiko Kanayama, Natsuko Kobayashi, Akaji Maro. Producción: Manuetto Films. Distribución: Con un Pack Género: Drama.

Crítica: ‘Karen’

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Sinopsis

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Un retrato íntimo de los últimos tiempo en África de la colona danesa Karen Blixen. Y en especial, de la particular relación con su criado somalí Farah Aden. Una extraña amistad en l que diferencias que parecen insalvables se diluyen ante un entendimiento ancestral.

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Crítica

Que bonita es ‘Karen’ y que bonita la manera de contar una historia tiene María Pérez Sanz

María Pérez Sanz nos trae una historia intimista sobre la escritora Karen Blixen en sus últimos días en su querida Kenya. La escritora de ‘Memorias de África’ está muy bien representada por Christina Rosenvinge, la cantante que por supuesto, también nos da la banda sonora de la cinta.

Karen Blixen fue una mujer que huía de su familia, una baronesa que prefirió una vida aislada y tranquila con su empresa cafetera, a vivir en Dinamarca con grandes lujos. Bueno, lo de grandes lujos en plan ciudad europea, según se ve en la película no la faltaba absolutamente nada, bueno sí, la electricidad, algo indispensable en la actualidad.

A través de su amistad con Farah Aden (Aligto Rodgers Jr.), su criado, vamos viendo el declive de su vida, la falta de dinero y el cómo se arrepiente de alguna de las decisiones de su vida.

Me gusta mucho la manera de contar la historia, tenemos poco guion, pero el justo para conocer bien a los dos personajes y sus estados de ánimo.

La fotografía, la ambientación y todo logran una tranquilidad impresionante. La película, que dura unos 65 min aproximadamente, nos deja imágenes preciosistas, llenas de paz, pese al torbellino de sentimientos que está viviendo nuestra protagonista.

Rodada en Extremadura, podemos ver claramente el parque de Monfragüe con sus buitres leonados. Logran una perfecta conversión y realmente te crees que puedan estar en África. Me gusta mucho la manera de rodar y como consiguen esa buena ambientación con planos cortos y detallados.

Como he dicho la ambientación es muy importante, sobre todo el sonido. Escuchar la naturaleza todo el rato crea una sensación de serenidad, arrastrándonos a las sensaciones que ambos personajes puedan estar teniendo. Pese a su angustia, nos demuestra con esto, que ellos allí eran felices y era un buen lugar donde vivir.

La fotografía de Ion de Sosa es minimalista, mostrándonos pequeños detalles que nos introducen en la vida y secretos de la autora. Fotos reales de su boda decoran el despacho o incluso su sala de estar. Los libros o su máquina de escribir, tan importante para ella, son detalles que podemos observar y con los que han trabajado muy bien. Al final de ‘Karen’, podemos ver imágenes reales de la casa museo que aún queda en pie en África.

Durante las conversaciones que tiene con Farah, va contando extraños sueños que la acosan por la noche que son sacados de sus biografía.

Aunque no quiere ser una biografía al uso, creo que María Pérez Sanz, logra que conozcamos un poquito mejor a  esta mujer que no solo fue una mujer enamorada. Si no que fue alguien independiente, que logró crear una compañía de café y que también fracasó. Todo esto lo vemos, esta nostalgia de que las cosas no le han ido como ha querido. Esa tristeza y esa añoranza la sentimos con cada fotograma y nota musical.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de junio de 2021. Título original: Karen. Duración: 65 min. País: España. Dirección: María Pérez Sanz. Guión: María Pérez Sanz, Carlos Egea. Música: Christina Rosenvinge. Fotografía: Ion de Sosa. Reparto principal: Christina Rosenvinge, Alito Rodgers Jr., Isabelle Stoffel. Producción: Redantfilms, Obra de la belleza AIE. Distribuidora: Begin Again Films. Género: Drama. Web Oficial: https://beginagainfilms.es/karen/