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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Mechanic: Resurection’

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 Sinopsis

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Arthur Bishop (Jason Statham) pensaba que había dejado atrás su pasado como asesino hasta que su más temible enemigo secuestra al amor de su vida. Ahora se ve forzado a viajar por todo el mundo para hacer lo que mejor sabe: asesinatos imposibles que parezcan accidentes.

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Crítica

La mecánica de hacer churros.

Con menos lógica y sin la gracia de la anterior entrega. Si ‘The Mechanic’ supuso el remake y la buena modernización de la versión protagonizada por Charles Bronson en el 72, esta constituye una continuación que venera mucho menos al filme original. Es un churro más de los que está acostumbrado a hacer en serie Jason Statham. La gracia de su personaje residía en que no era un asesino cualquiera, sino que hacía que todo pareciese un accidente, en esta ocasión hasta pierde ese toque a favor de la espectacularidad.

En realidad ‘Mechanic: Resurection’ posee el mismo patrón de alguna de las películas de la saga Borurne. Un asesino que se retira, posteriormente conoce a chica y surgen motivos para volver a matar, volver al mundillo del que huía. La diferencia es que la ejecución y las ejecuciones son muy diferentes. Aquí nos encontramos con casi todos los tópicos del cine de acción: explosiones, tiroteos, persecuciones, buenas peleas, traiciones… Y croma, mucho croma. Para recrear el fondo de muchas escenas se ha recurrido a lo digital y no hace falta ser un experto para diferenciar lo que es real y lo que está colocado con efectos.

Sin Simon West (‘Los mercenarios 2’) a la cabeza de la película, Denis Gansel (‘Somos la noche’) se ha encargado de afrontar esta secuela. Él es un director más acostumbrado a hacer dramas o thrillers y por eso puede que haya tirado a lo seguro haciendo una cinta muy genérica. Una especie de James Bond a sueldo con muy poca alma y muy poca razón de ser.

Pese a aprovechar el talante de tipo duro y el buen hacer de Statham en las coreografías desaprovecha a dos grandes nombres que figuran en el reparto. Jessica Alba en cuyo personaje se ha hecho un fracasado intento de disimular que es meramente una mujer objeto y Tommy Lee Jones, interpretando a un pintoresco y casi insustancial villano.

Statham debería plantearse protagonizar otro tipo de proyectos porque, aunque este género tiene su público se va a acabar quemando. No obstante el filme cumple lo que promete, una película de acción, sin más.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Mechanic: Resurection. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Denis Gansel. Guión: Philip Shelby, Tony Mosher. Música: Mark Isham. Fotografía: Daniel Gottschalk. Reparto principal: Jason Statham, Jessica Alba, Michelle Yeoh, Tommy Lee Jones. Producción: Chartoff-Winkler Productions, Davis-Films, Millennium Films. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: http://www.mechanic.movie/

Crítica: ‘Oleg y las raras artes’

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 Sinopsis

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¿Quién es este hombre que parece extraído de un cuento de Gogol?

El legendario Oleg Nikolaevitch Karavaychuk es el enigmático y sobrecogedor protagonista de esta película del director Andrés Duque. Movido por la música que el pianista compuso para una película de Kira Muratova, Duque es el primer extranjero en ganarse la confianza del siempre activo y excéntrico ruso de 89 años.

Algunos apuntes biográficos: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), fue un niño prodigio que tocó el piano para Stalin, asistió al Conservatorio de Leningrado y a lo largo de su carrera ha escrito música principalmente para teatro y cine – por ejemplo, para Paradjanov y Muratova. En Rusia, es admirado por su música y su forma de tocar, pero también por su singular y excéntrica personalidad. A los 89 años, Karavaychuk sigue siendo una figura controvertida y desconcertante en la cultura rusa.

La hermosa película que Andrés Duque le ha dedicado es un regalo para el espectador, un regalo de un viejo artista que alejado de toda convención social, quiere reconciliarse con el mundo y nos transporta lejos de la realidad a través de sus palabras, sus gestos y su interpretación al piano, a un mundo donde las perturbadoras disonancias son portadoras de una liberadora belleza.

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Crítica

Singular cascarón que conserva el talento.

Somos muchos en este mundo y personajes peculiares los hay a puñados, pero Oleg Nikolaevitch es uno de los que sobresalen por su excentricidad y talento. Solo con verle, e incluso con oírle hablar, podríamos pensar que estamos ante un Cañita Brava ruso, pero para nada. Es alguien desconcertante, cuesta diferir si lo que hace y dice en cada momento es obra de un genio o de un chiflado, eso puede ser trabajo de expertos. Desde luego sus palabras tienen destellos de brillantez y cuando le oímos (y vemos) tocar el piano las dudas están totalmente injustificadas. Es un artista como pocos los hay y lo demuestra tocando blancas y negras de un modo extraordinario y personal.

El documental no nos narra su vida, nos descubre a este excéntrico personaje a través de sus testimonios. Porque desde luego es difícil decidir qué es más raro, si su arte o su personalidad, tal vez sea porque siente todo tanto que son la misma cosa. Su sensibilidad es lo que le caracteriza. El modo que tiene de ver el arte, el modo de entender la música, es lo que hace de él un músico inigualable.

Por otro lado es alguien que vive casi apartado del ruido del siglo XXI, deambulando entre el Komarovo y el Hermitage. Es por eso que el director, Andrés Duque, puede considerar un lujo haber podido rodar estas imágenes y el espectador puede agradecer este descubrimiento. Este es un documental sobre alguien bastante inaccesible, de gran talento, no un genio, si no alguien con una sensibilidad especial.

El lado malo de este largometraje/entrevista es que si a uno no le gustan las piezas a piano se le puede hacer largo. Pero aún más monótono puede ser escuchar la plática de Oleg sobre su pasado o su concepción del arte y el mundo. Desde la admiración que debe sentir por el artista, Duque ha descuidado estos aspectos. Nos brinda planos simétricos, nos permite escuchar el piano de los zares, nos hace pasear por el Komarovo… pero no ha contemplado la posibilidad de la pesadez que puede ofrecer la homogeneidad de su filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Oleg y las raras artes. Duración: 70 min. País: España. Director: Andrés Duque. Guión: Andrés Duque. Música: Oleg Karavaichuk. Fotografía: Carmen Torres. Reparto principal: Oleg Karavaichuk. Producción: Marta Andreu, Tània Balló, Serrana Torres. Distribución: Márgenes Distribución. Género: Documental. Web oficial: http://www.andresduque.com/olegesp.html

 Crítica: ‘Cigüeñas’

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Sinopsis

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Las cigüeñas envían bebés… o al menos así era antes. Ahora, envían paquetes para la gigante multinacional de Internet Cornerstore.com. Junior (Arturo Valls), la mejor cigüeña mensajera de la empresa, está a punto de ser ascendida cuando la fábrica de bebés se activa accidentalmente en su reloj, produciendo una adorable bebé, aunque totalmente no autorizada.

Desesperado por escurrir el bulto antes de que su jefe se entere, Junior y su amiga Tulip (Belén Cuesta), la única humana en Montaña Cigüeña, se lanzan a realizar su primera entrega de un bebé en un disparatado viaje que podría alterar a más de una familia y devolver a las cigüeñas su verdadera misión en el mundo.

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Crítica

Amazon no usará drones, usará cigüeñas.

Ya está aquí la película que probablemente sumerja a muchos padres en la incómoda y evitada conversación cuyo tema es “¿de dónde salen los niños?”. ‘Cigüeñas’ nos ofrece una historia disparatada que saca provecho de la fábula sobre el origen de los bebés, trayéndola además a la actualidad. Muchos chistes de la cinta carecen de chispa pero hay escenas muy graciosas e incluso ingeniosas. El desvarío que puede suponer el ver a las cigüeñas convertidas en repartidoras de una empresa al más puro estilo Amazon es una premisa bastante cómica. Aunque hay que decir que precisamente los animales que no son cigüeñas, los pingüinos y lobos, son los que más diversión aportan a la cinta, también puede estar propiciado por el doblaje de Juan Ibáñez y Damián Mollá.

Seguro que los guionistas que dan vida a Trancas y Barrancas tienen mucha costumbre prestando su voz pero hay que hacer justicia y decir que en la versión doblada al castellano todas las voces concuerdan con los personajes. El casting de doblaje está muy bien realizado y tanto Arturo Valls (que ya había hecho algún pinito como doblador), como Belén Cuesta, Christian Gálvez o José Corbacho lo hacen perfectamente. No me gustaría olvidarme del experimentadísimo José Luis Gil que ha dado vida a un recio jefe y como siempre lo hace magníficamente.

Muchos doblajes flaquean últimamente y eso que tenemos muy buena tradición. Pero podemos decir que esta película está muy en sintonía precisamente con eso, con lo tradicional. Y es que aboga por la vuelta a lo tradicional y no me estoy refiriendo solo a las fábulas que nos transmitieron nuestros abuelos sobre estas aves cada vez menos migratorias. Nos insta a no obsesionarnos tanto con el trabajo y a jugar más con nuestros hijos y evitar dejarles entretenidos con las tablets o las televisiones. No es que sea un tema excesivamente presente en la película, pero se toca con bastante claridad.

Nicholas Stoller (‘Malditos vecinos 2’) y Doug Sweetland (‘Cars’) han elaborado una narración con mucho ritmo y con un guión con más corazón que vis cómica. Esto es debido a que las escenas se suceden con mucha vivacidad, pero el protagonista, Junior, está falto de carisma, al contrario que Tulip, la locuela chica que convive con las cigüeñas. Puede que a la maquinaria de este filme le falte algo más de potencia o que no tenga el cigüeñal muy bien lubricado pero el resultado nos puede agradar y sorprender en varias de sus piruetas.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de septiembre de 2016. Título original: Storks. Duración: 89 min. País: EE.UU. Director: Doug Sweetland, Nicholas Stoller. Guión: Nicholas Stoller. Música: Jeff Danna, Mychael Danna. Fotografía: Simon Dunsdon. Reparto principal (doblaje español): Arturo Valls, Belén Cuesta, José Luis Gil, José Corbacho, Juan Ibáñez, Damián Mollá, Christian Gálvez, Almudena Cid. Reparto principal (doblaje original): Andy Samberg, Kesley Grammer, Jennyfer Aniston, Ty Burrell, Anton Starkman, Stephen Kramer Glickman, Katie Crown, Keegan-Michael Key, Jordan Peele. Producción: Warner Animation Group, Warner Bros. Animation. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: animación, comedia. Web oficial: http://storksmovie.com/

Crítica: ‘Jota de Saura’

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 Sinopsis

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Siempre he querido hacer un musical sobre el cante, el baile y la música de la Jota; el ritmo de mi tierra. Y ahora se ha dado por fin la posibilidad de encarar este tema con los medios y el equipo técnico y artístico, que yo deseaba.

La Jota es una música vigorosa y potente, que ha sido capaz de atraer a compositores de tanto prestigio como: Listz, Saen Saens, Massenet, Falla, Granados, Albéniz, Tárrega o Bretón, y su influencia está presente en la mayor parte de la geografía española, hay jotas en Castilla, Navarra, Valencia, Murcia, Extremadura y Andalucía e incluso permanece viva en Filipinas y América Latina, especialmente en Méjico.

Se dice, y me parece muy gráfico, que “Jota” viene del árabe “Chotar” que significa saltar, aunque evidentemente, la Jota es algo más que saltar; es un ritmo único, alegre y contagioso que con los años se ha ido perfeccionando y que hoy se enseña en academias y escuelas. ¿Pero…? ¿Hacia dónde va la Jota?

Ese es para nosotros el mayor desafío: abrir nuevas posibilidades rítmicas, bucear en la recuperación de ritmos afines, en el pasado y en el presente, y proponer con la ayuda del talento de los artistas, un espectro de posibilidades que, tal vez, indiquen el futuro de este ritmo a las generaciones futuras.

Por eso, mi intención es hacer una película musical en la que se reúna lo mejor que hay hoy día sobre el tema y crear un documento en el que se entremezclen los artistas de ahora con los artistas ya desaparecidos; la ortodoxia y la heterodoxia; las canciones y ritmos ya clásicos y otros que están por venir, para que el espectador pueda disfrutar de la variadísima paleta de interpretaciones que este ritmo nos propone. Una variedad y riqueza que, desde mi modesta opinión, es muy desconocida en nuestro país, y no hace justicia al poderío de este ritmo.

Carlos Saura, abril de 2015.

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Crítica

Un concierto de calidad cinco jotas.

‘Jota de Saura’ es una película dirigida y escrita por el aragonés Carlos Saura. Esta no es una película documental al uso donde un narrador nos arroja información acerca de lo que vemos. Se nos ofrece todo un concierto cinematográfico que va hablando por sí mismo. Cada canción expuesta nos habla de una interpretación, versión o región a la que están ligadas las jotas. No cuenta una historia sino más bien algo que forma parte de nuestro folclore y que ha dejado huella influenciando y dejándose influenciar por otros estilos como la música celta, el jazz o el flamenco. Es por ello que están presentes tacones, castañuelas, pianos, guitarras y hasta gaitas. El cineasta ha realizado una oda a la música de su tierra.

Para ello ha contado con bandas y bailarines de toda clase y edad. Podremos encontrar a artistas tan famosos como Ara Malikian, Sara Baras o mi admirado Carlos Núñez. Juntos ponen música, baile y voz a una serie de clips que puede resultar algo extensa. Estos «videoclips» poseen una puesta de escena digna de ser mostrada en museos de arte contemporáneo. La fotografía es muy minimalista, en ningún momento hay pudor por mostrar que estamos en un escenario y eso nos hace pensar que estamos en un concierto folk retransmitido en directo a pantalla grande. A este recorrido por las diferentes jotas de nuestro país se le suman movimientos de cámara y un diseño de producción que pretenden modernizar este arte musical y demostrar que tiene cabida en la cultura popular del siglo XXI.

También hay hueco para sentidos homenajes con voces e imágenes de archivo. Están presentes Labordeta, Imperio Argentina, Paco Rabal… Relacionándoles por supuesto con la danza y las costumbres aragonesas.

La película tiene incluso proyección internacional pues ha sido proyectada en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Pero en España nuestro folclore se encuentra en declive y muy probablemente le cueste encontrar público joven.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre. Título original: Jota. Duración: 92 min. País: España. Director: Carlos Saura. Guión: Carlos Saura. Música (diversos artistas): Miguel Ángel Berna (bailarín y coreógrafo de la película), Manuela Adamo (coreógrafa), Alberto Artigas (director musical), Sara Baras, Carlos Núñez, Cañizares, Valeriano Paños, Giovanni Sollima, Enrike Solinis, Francesco Loccisano, Carmen Paris, Miguel Ángel Remiro, Amador Castilla, Carlota García Fernández-Urrutia, María José Hernández, María Mazzotta, Vincenzo Gagliani, Nacho del Río, Beatriz Bernad, Ara Malikian. Reparto principal: artistas musicales. Producción: Telefónica Studios S.L., Movistar+, Tresmonstruos MEDIA, Tresmonstruos PC. Distribución: Sherlock Films. Género: musical. Web oficial: http://lajotafilm.com/

Crítica: ‘Sing Street’

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 Sinopsis

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ING STREET nos traslada al Dublín de 1980, donde la recesión económica hace que Conor abandone la comodidad de la escuela privada en la que estudiaba y tenga que sobrevivir en la escuela pública del centro de la ciudad, donde el clima es mucho más tenso.

Encontrará un rayo de esperanza en la misteriosa y cool Raphina, y con el objetivo de conquistarla, le invita a ser la estrella en los videoclips de la banda que quiere formar. Ella accede, y ahora Conor debe cumplir su palabra. Se cambia el nombre a «Cosmo» y se sumerge en las vibrantes tendencias de la música rock de los años 80, forma su banda y se entrega a componer canciones y a grabar videoclips.

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Crítica

Rememorando con ritmo los ideales ochenteros.

No he visto otros éxitos súper recomendados de John Carney como ‘Once’ o ‘Begin again’ pero muy buenas películas tienen que ser si son superiores a ‘Sing Street’. Este director que tiene la costumbre de escribir sus propios largometrajes nos ha brindado una emotiva y rítmica historia. Pero no es un musical en su más estricta definición. La música está más que presente pero los protagonistas no van cantando por la calle ni crean flashmobs “improvisados”. La música nos llega en forma de videoclip, de ensayo, de concierto o incluso de ensoñación.

Los personajes principales son unos jóvenes nada populares que se conocen a través de un anuncio publicado en el tablón de su colegio y que quieren dedicarse a la música, por unos u otros motivos. Al principio nos puede parecer la típica película de inadaptados que sufren bullying pero para nada. Hay que tener en cuenta que esta es una narración basada en un hecho real, inspirada por la historia de la creación del archiconocido grupo irlandés U2. Uno de los muchos paralelismos de este verídico relato es el cambio de nombre del cantante por “Cosmo”, que tiene rima asonante con Bono.

El sabor a los ochenta está siempre presente mientras degustamos ‘Sing Street’. Desde el diseño de producción, pasando por el vestuario de los personajes hasta la banda sonora. Aparecen canciones de grupos populares en esos años como The Police, The Cure o Génesis. Pero también los valores, preocupaciones y aspiraciones de los protagonistas nos remontan a lo vivido hace más de treinta años. Dan ganas de revivir una época más sencilla como los ochenta y de desempolvar las ilusiones de nuestra juventud. Es una gran película que nos habla de la camaradería y la hermandad. También del valor para afrontar nuestros propios sueños por encima de nuestras limitaciones y de las que nos impone nuestro entorno.

El elenco de jóvenes actores se ha tenido que meter en la piel de unos protagonistas que se enfrentan a corrientes irlandesas que por entonces impedían expresarse a los artistas. Además tanto Ferdia Walsh-Peelo como Jack Reynor han tenido que lidiar con otro aspecto más de la narración, la historia de separación de los padres de sus personajes. He de decir que todos ellos están sumamente bien en sus interpretaciones. Precisamente Reynor es el que resulta todo un genuino de los ochenta.

Esta es una película que carga contra el catolicismo de esa época y contra todos aquellos que se oponían a las nuevas vertientes del arte. ‘Sing Street’ retrata una parte pasada de Irlanda a la vez que nos regala muchas dosis de cultura musical.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de septiembre de 2016. Título original: Sing Street. Duración: 106 min. País: Irlanda. Director: John Carney. Guión: John Carney. Música: Varios. Fotografía: Yaron Orbach. Reparto principal: Ferdia Walsh-Peelo, Lucy Boynton, Jack Reynor, Aidan Gillen, Maria Doyle Kennedy, Don Wycherley, Kelly Thornton, Kyle Bradley, Lydia McGuinness, Mark McKenna, Pádraig J. Dunne, Ian Kenny. Producción: The Weinstein Company, Cosmo Films, Distressed Films, FilmWave. Distribución: Vértigo Films. Género: musical, comedia, drama. Web oficial: http://singstreetmovie.com/

Crítica: ‘El hombre de las mil caras’

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Sinopsis

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‘El Hombre de las Mil Caras’ es una historia de traidores y tramposos inspirada en hechos reales. Francisco Paesa (Eduard Fernández) es uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas. En 1995 fue contratado por el ex director general de la Guardia Civil Luis Roldán (Carlos Santos) y su mujer (Marta Etura), para ocultar 1.500 millones de pesetas que había desviado de los fondos reservados del Estado. Con la ayuda de su inseparable socio (Jose Coronado) organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos. Una farsa digna de los mejores espías y reflejo del ocaso de una época.

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Crítica

Un thriller de altas esferas.

‘El hombre de las mil caras’ es un thriller que no entiende de ideologías, donde lo importante es el enredo que se vivió, un relato protagonizado por personajes muy humanos. Está centrada en una parte de nuestra historia que pocas veces ha sido tratada así. Una vibrante narración de espionaje, corrupción, intrigas, robos… elementos que parecen formar parte de una película con aroma norteamericano, pero que está realizada e inspirada en nuestro país, y digo esto con gran regocijo gracias al nivel que presenta.

Esta no es la biografía de uno de los agentes españoles que más ha estado en boca de todos, es su retrato, su encarnación durante el también sonado caso de Luis Roldán. Para ello Alberto Rodríguez y Rafael Cobos han elaborado un texto revelador, muy difícil de armar y de montar, aunque hayan contado con la base del libro ‘Paesa, el espía de las mil caras’ de Manuel Cerdán. Se nota que Rodríguez trabaja como una máquina bien engrasada con su equipo habitual.

En ocasiones ‘El hombre de las mil caras’ genera intriga, en ocasiones tensión, pero en ocasiones nos deja algo desorientados. Esto es debido a que no habría estado de más reincidir en algunos puntos o dar un respiro para asimilar todo el entramado de esta crónica. Se ha descuidado este aspecto a pesar de haber creado una narración muy plausible.

El protagonista es sin duda el personaje de Eduard Fernández, que se ha metido de lleno en la piel de un individuo reflejado como un calculador y eficiente canalla. Pero cede en muchas escenas el estrellato a Carlos Santos, el cual, está caracterizado muy fielmente como Luis Roldán, muy parecido, tanto física como temperamentalmente.

La historia nos la narra José Coronado a través de su personaje de Jesús Camoes. Lo hace no solo mostrando su intervención en cada fase de esta tropelía sino también como exquisita voz en off. Los papeles femeninos están un poco relegados al segundo plano en esta historia. Entiendo que el correcto debut de la bloguera y modelo Alba Galocha sea un buen golpe de efecto para la difusión de esta película en redes sociales, pero me parece mucho más importante tanto la actuación como la importancia del personaje de Marta Etura como esposa de Roldán.

A resumidas cuentas el filme es el reflejo de un país que ahora mismo parece que continúa agujereado por ladrones y tramposos. Para los que vivieron toda esta situación puede resultar un rayo de luz, para los que no, una invitación a descubrir una de las semillas de los problemas actuales. Señalar también que el hecho de que un banco como el Triodos (conocido por velar por una banca ética y sostenible) haya participado en el filme es una muestra más del carácter crítico hacia este tipo de personajes poco éticos y corruptos que juega con nuestro dinero. Por desgracia para los de ahora está habiendo vías de escape, no es el caso de Roldán que llegó a decir “tengo dos alternativas: o pegarme un tiro o tirar de la manta”.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: El hombre de las mil caras. Duración: 123 min. País: España. Director: Alberto Rodríguez. Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Alex Catalán. Reparto principal: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura. Producción: Zeta Cinema, Atresmedia Cine, Atípica Films, Sacromonte. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.warnerbros.es/cine/el-hombre-de-las-mil-caras

Crítica: ‘La fiesta de las salchichas’

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 Sinopsis

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‘LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS’ trata sobre una salchicha que lidera a un grupo de productos del supermercado en su búsqueda por encontrar la verdad sobre su existencia, y lo que ocurre tras ser elegidos para abandonar la tienda de alimentos.

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Crítica

Una orgía culinaria de chistes verdes y humor negro.

Vaya macedonia singular de nombres para esta película culinaria. Greg Tiernan (‘Thomas & friends’’) y Conrad Vernon (‘Monstruos contra alienígenas’) dirigen una película salida de las mentes torcidas de Seth Rogen (‘Malditos vecinos 2’), Evan Goldberg (‘Predicador’) y Jonah Hill (‘War dogs’). Lo que han conseguido es una película irrespetuosa, obscena, políticamente incorrecta, crítica… esta película es el mal y me he desternillado con ella. Tan destructiva o más que producciones como South Park. Desde luego solo es apta para un público adulto y aún así puede herir sensibilidades. Tal y como digo en el titular, ‘La fiesta de las salchichas’ es un festín de chistes verdes y de humor negro. Lo más desviado y depravado que os podáis imaginar con los productos del supermercado está en esta película. Por eso hay que acudir de un modo distendido y con una mente abierta al cine. Eso sí, aunque te guste este tipo de humor, el filme puede llegar a saturar de tantas burlas y groserías que tiene, en su mayoría de carácter sexual.

Pero además de soltar un gag tras otro la cinta realiza una dura crítica contra nuestra civilización, razas, religiones e incluso ciencia (pobre Stephen Hawing). Con ‘La fiesta de las salchichas’ se ponen en tela de juicio… no, en ridículo todas nuestras rencillas y creencias.

La historia que narra es de lo más disparatada e incluso incoherente, pero esta es de esas películas en las que no importan esos detalles. En casos como estos la narrativa queda en un segundo e incluso tercer plano para dar rienda suelta a la hilaridad. Por qué otra cosa no, pero no cabe duda de que Rogen, Goldberg y Hill se han soltado del todo en esta película, sin tapujos ni tabúes.

La animación es una recreación 3D sin ningún tipo de prodigio en su realización. Se han creado unos personajes muy amigables, simpaticones, como si fuesen todos mascotas de la marca que les fabricó. Ese punto de inocencia que tienen sus diseños contrasta con lo que sucede y dicen los protagonistas, aumentando más la mofa.

‘La fiesta de las salchichas’ es una película de animación de las que la Academia no se atreve a tener en cuenta a pesar de que, sin duda, estará mucho tiempo en cartel, o si no el tiempo dirá.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Sausage Party. Duración: 89 min. País: EE.UU. Director: Conrad Vernon, Greg Tiernan. Guión: Evan Goldberg, Kyle Hunter, Seth Rogen, Ariel Shaffir. Música: Christopher Lennertz, Alan Menken. Reparto principal (doblaje original): Jonah Hill, Ander Holm, Kirsten Wiig, Nick Kroll, Eduard Norton, Seth Rogen, Paul Rudd, Michael Cera, Alistair Abell, Bill Hader, Salma Hayek, Ian Hanlin, Danny McBride, Craig Robinson. Producción: Annapurna Pictures, Nitrogen Studios Canada, Point Grey Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: http://www.sausagepartymovie.com/

Crítica: ‘Captain Fantastic’

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Sinopsis

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Ben Cash (Viggo Mortensen) y su mujer, Leslie (Trin Miller), han creado un paraíso apartado de la civilización para su familia. En un campamento autosuficiente hecho a mano por ellos, Ben enseña a sus hijos las habilidades que necesitan para sobrevivir en pleno bosque, además de proporcionarles una rigurosa educación física e intelectual. Pero, cuando una tragedia familiar obliga a los Cash a regresar al mundo exterior, las ideas de Ben sobre lo que supone ser padre se ven puestas en entredicho y deberá afrontar el precio que están pagando sus hijos por su sueño.

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Crítica

La lógica de la autarquía y la importancia de la interacción social.

Captain Fantastic es una persona versada en multitud de materias, con unos valores muy fuertes y unas ideas rompedoras. A este practicante moderno de la paideia le encarna Viggo Mortensen. Él cría en plena naturaleza a jóvenes cultural, moral y físicamente impecables, pero socialmente inútiles. Su intención es aislar a sus hijos de todas las lacras de nuestro mundo actual inculcándoles las que cree que son las mejores doctrinas. Realiza una prueba que a todos nos gustaría que fuese realizable en el mundo real, pero hoy por hoy no deja de ser una quimera, verdad ante la cual se topa el personaje de Viggo Mortensen. Esta situación utópica que viven los protagonistas sirve como critica al capitalismo, al modo de vida de muchos países y a nuestra sociedad.

En parte es un trabajo anticapitalista o antisistema, pero también es una muestra emotiva que reivindica a gritos que hay que intentar vivir con lo necesario y procurar valorar lo que de verdad importa. Para ello crea a unos personajes estrambóticos y únicos en el mundo. Estos seres tienen una emotividad especial, en gran parte más humana que la que podemos tener los seres “civilizados”. En algún momento el filme puede conmover, pero en la mayoría de los casos la emotividad se ve rota por la extravagancia.

El papel de Mortensen consiste en ser protector, instructor y cálido pero a su vez ha de parecer intransigente, fantaseador y petulante. Es la persona perfecta para encarnar a un personaje digno del Renacimiento, está magnífico. Encontramos otros rostros conocidos como Kathryn Hahn, Steve Zahn o Frank Langella pero quien realmente capitanea el film es Viggo Mortensen junto a George MacKay y todos aquellos que hacen de hijos/as en este film. No hay ni uno que actúe mal.

Matt Ross nos ha brindado una historia de supervivencia, pero no de supervivencia física en la naturaleza como pudimos ver en ‘El renacido’ o ‘El naufrago’, si no ante el avance impasible e imparable de nuestra civilización.  Aunque sobran algunas escenas finales la película este resulta un film educativo tanto para educadores de nuestro sistema de enseñanza como para cualquier estudiante de cine.

‘Captain Fantastic’ se pasa volando gracias a su frescura y su jovialidad. Lástima que esta sea una película de producción independiente, esa condición le restará impulso en una carrera hacía premios, pero no cabe duda de que pasará a ser una cinta de culto, algo que para muchos es un reconocimiento más anhelado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Captain Fantastic. Duración: 118 min. País: EE.UU. Director: Matt Ross. Guión: Matt Ross. Música: Alex Somers. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Viggo Mortensen, Missi Pyle, Kathryn Hahn, George MacKay, Steve Zahn, Hannah Horton, Trin Miller, Samantha Isler, Annalise Basso, Nicholas Hamilton, Ann Dowd,Shree Crooks, Erin Moriarty, Charlie Shotwell, Frank Langella. Producción: Electric City Entertainment, ShivHans Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/captain-fantastic

 Crítica: ‘Florence Foster Jenkins’

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Sinopsis

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Ambientada en Nueva York en 1940, Florence Foster Jenkins cuenta la verdadera historia de la legendaria heredera neoyorquina de la alta sociedad, que obsesivamente persiguió su sueño de convertirse en una gran cantante de ópera. Ella pensaba que su voz era hermosa, pero para todos los demás era hilarantemente horrible. Su «marido» y manager, St. Clair Bayfield, un aristocrático actor inglés, estaba decidido a proteger a su amada Florence de la verdad. Cuando Florence decide dar un concierto público en el Carnegie Hall, St. Clair tiene que enfrentarse a su mayor desafío.

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Crítica

Una comedia refinada.

Ya son cinco las películas biográficas que suma Stephen Frears, la última la vimos hace poco, ‘The program (El ídolo)’, escrita por él. ‘Florence Foster Jenkins’ es quizá la más amable de todas las que nos ha brindado y puede que esto le ocasione que sea la que menos llegue a calar. El director nos trae una cinta menos graciosa que otros trabajos suyos como ‘Héroe por accidente’ pero sin llegar a cotas tan dramáticas como en otras biografías firmadas por él como ‘La reina’ o ‘Philomena’. Sin duda la balanza se decanta más por el lado del humor, siempre desde el respeto. En este caso la comicidad está tan acotada que calificarla solo de comedia quizá resulte excluyente y excesivo.

De entrada el argumento de esta historia basada en hechos reales suena muy gracioso, ya induce a la comedia. Uno de los problemas de este filme es no haber explotado aún más esa beta, a pesar de excavarla durante demasiados minutos. Lo mejor sin duda son las distintas reacciones producidas por la “soprano” al cantar. A parte de eso hay alguna que otra situación cómica, pocas, por eso se queda en una comedia comedida y escueta.

Meryl Streep interpreta a una anciana acaudalada, excéntrica, melómana y caprichosa. Ha representado todas y cada una de esas facetas con el talento que la caracteriza, aunque no con el que le ha valido tres Oscar. Ella es el punto fuerte, el centro de atención y seguro que con ello la actriz ha estado encantada. Su personaje es de los que necesitan los halagos de la muchedumbre y tiene un sueño que puede propiciar precisamente todo lo contrario. Es por ello que necesita un entregado esposo. Ese papel lo ha asumido Hugh Grant y forma una buena pareja con ella. Pero cansa que como siempre esté encorsetado en su rol de chico inglés, aunque en este caso tenga un plus de caballerosidad. Simon Helberg por el contrario, aunque también interpreta a un tipo algo raro (no tanto como en ‘Big Bang Theory’) está realmente convincente en su rol de pianista tímido, nos hace olvidar su famoso papel como Howard Wolowitz.

No he tenido el placer de ver ‘Marguerite’ (2015), la versión francesa de esta historia, pero la que nos atañe nos habla del respeto, el amor y la protección o la aceptación de la verdad. Sin duda la Foster Jenkins de Streep puede enseñar a más de uno a lanzarse a por sus sueños o por lo menos a perder la vergüenza.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Florence Foster Jenkins. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Director: Stephen Frears. Guión: Nicholas Martin. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Dany Cohen. Reparto principal: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix. Producción: Qwerty Films, Pathé, BBC Films. Distribución: Tripictures. Género: comedia, drama, biográfica. Web oficial: http://www.florencefosterjenkinsfilm.com/showtimes

Crítica: ‘Los hombres libres de Jones’

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Sinopsis

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‘Los hombres libres de Jones’ cuenta la historia del rebelde granjero sureño Newt Knight (Matthew McConaughey) y su extraordinaria revuelta armada contra el Ejército Confederado durante la Guerra de Secesión americana.”

Harto de luchar por los intereses de los más ricos, Knight desertó, se alió con otros pequeños granjeros y con la ayuda de los esclavos locales, lideró un levantamiento que llevó al Condado de Jones en Mississippi a independizarse creando el Estado Libre de Jones. Su matrimonio con una antigua esclava, Rachel (Gugu Mbatha-Raw), y su posterior construcción de una comunidad interracial, distinguieron a Newt Knight como una luchadora y controvertida figura en el contexto de la Guerra Civil americana.

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Crítica

Un interesante pedacito de historia norteamericana.

Vivimos una época en la que tanto las biografías como las historias sobre el racismo o las guerras norteamericanas son frecuentes en las películas o series que se proyectan en nuestras pantallas. Tanto es así que en nuestro país habrá gente que conozca más la creación de Estados Unidos que la de España. Al margen de achacar esto a una falta alfabetización en nuestro país y de originalidad por parte de las productoras, lo que podemos exigir es por lo menos un mínimo de innovación, que se nos ofrezca una historia diferente a las hasta ahora rodadas. Pienso que esto es lo que podemos decir de ‘Los hombres libres de Jones’.

Gary Ross no nos muestra una historia familiar dentro de la guerra, ni la de un soldado que sobrevive entre las trincheras. Esta es una historia no muy diferente a la de los maquis de España, entre los cuales también había muchos desertores. Cambiamos montes españoles por pantanos de Mississippi y añadimos el componente del segregacionismo y voilà. Matthew McConaughey interpreta al hombre que lideró a todo un grupo de personas para no solo acabar con las cicatrices e injusticias de la guerra sino también para crear todo un condado interracial. Sin duda podemos decir que forma parte de la historia de los primeros pasos para evitar el racismo y la esclavitud en Norteamérica.

Puede que no se le dé importancia a este punto por ser un personaje muy desconocido, pero McConaughey se parece mucho a quien interpreta, a Newton Knight. Hay fotografías en Internet pero de todos modos se ofrece una imagen al final del filme. Su interpretación es magnífica. Él es original del estado de Texas y demuestra haberse convertido en un experto en interpretar a personas del sur de Estados Unidos (‘Dallas Buyers Club’, ‘True Detective’) aportando cada vez un matiz diferente, otra muestra más del gran actor que es.

Aunque maneje argumentos semejantes, la calidad del trabajo que ha realizado Gary Ross en ‘Los hombres libres de Jones’ es superior a la que vimos en ‘Los juegos del hambre’. Desde luego la imagen de Newton Knight se ve glorificada en exceso, pero con una realidad más cruda se ha recreado a esta suerte de Robin Hood y además se nos ha mostrado las consecuencias de su legado. Hay un goteo de información sobre un personaje en el futuro que también representa un punto importante, algo que demandar, en la lucha racial. El modo de introducir esas escenas de la posteridad se podría haber mejorado en el montaje.

¿La moraleja o lección que aprender de este filme? Parece mentira que esto ocurriese hace unos 150 años pues seguimos viendo racismo en EE.UU., y lo que no vemos de otros países más olvidados.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre de 2016. Título original: Free State of Jones. Duración: 139 min. País: Estados Unidos. Director: Gary Ross. Guión: Gary Ross. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Benoît Delhomme. Reparto principal: Matthew McConaughey, Gugu Mbatha-Raw, Keri Russell, Mahersala Ali. Producción: Distribución: DeAPlaneta. Género: drama épico. Web oficial: http://www.loshombreslibresdejones.com/

Crítica: ‘El futuro ya no es lo que era’

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 Sinopsis

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EL FUTURO YA NO ES LO QUE ERA arranca en una encrucijada, Carlos ha recibido la oferta de una televisión nacional para ser Kar-El, el adivino estrella de un exitoso programa. El dilema es seguir con su impostura, aceptar la oferta y seguramente hacerse rico y famoso… O tirar todo por la borda y luchar por el sueño de su vida…. Cuando está a punto de tomar una decisión, un giro inesperado precipitará los acontecimientos. Algo que cambiará para siempre el futuro de Carlos, el de Kar-el y el de todos los suyos.

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Crítica

Desacierto cargado de sentimentalismo y filosofeo.

Con todo el respeto del mundo he de manifestar que calificar de comedia a ‘El futuro ya no es lo que era’ es realmente la gracia de todo este asunto. Con el nuevo filme de Pedro L. Barbero (‘Tuno negro’) me he reído en un par de ocasiones, nada más. La película tiene sus puntos más fuertes en el drama, principalmente en lo que se refiere a la participación de Carmen Maura, la cual acapara las mejores frases. Ni siquiera la veraz actuación de la actriz de Madrid puede salvar una cinta desacertada.

El largometraje arranca con un Dani Rovira volviendo sus orígenes de monologuista rompiendo la cuarta pared, cosa que no entiendo porque se olvidan de ello en toda la película. El caso es que es algo que me entusiasmó pero que instantáneamente me decepcionó. Y es que efectivamente este parece casi un soliloquio de Rovira, pero de un Rovira demasiado cargante pues está presente interpretando a dos personajes (bastante infames) y haciéndose cargo de una incesante voz en off. El primer chiste contado (en el monólogo) es una muestra de lo pueril, trivial y poco trabajado que está el guión de esta película. Se intenta buscar constantemente la moralina cayendo en lo sensiblero y en la psicología barata. No obstante, a pesar de que se nos suelta una retahíla de tópicos encontramos algún aporte original.

Tampoco es que Dani Rovira actúe mal, ni de lejos quiero parecer uno de sus haters pues su trabajo me gusta. Es el guión que le ha hecho soltar frases cursis y metafísicas el que ha sacado de él una de sus peores apariciones. Realizan una peor interpretación José Corbacho o Saúl Barceló por ejemplo.

El diseño de producción resulta desequilibrado, la película es muy desordenada, los paralelismos con la historia de Superman están muy poco logrados y el humor prometido no acaba de llegar. Hasta se emula una escena de ‘El Gran Lebowski’, una osadía imperdonable. Confío en que este solo es un bajón en la carrera de Rovira y que su ‘Superlópez’ sea algo más divertido. Al fin y al cabo lo está preparando con un equipo diferente y soy de los que creen que vale para ese papel.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre de 2016. Título original: ‘El futuro ya no es lo que era’. Duración: 115 min. País: España. Director: Pedro Barbero. Guión: Pedro Barbero. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Dani Rovira, Carolina Bang, Carmen Maura, José Corbacho, Lucía de la Fuente, Saúl Barceló, Yolanda Ramos, Eduardo Velasco, Andrea Rosillo. Producción: TVE, Zebra Producciones. Distribución: Tripictures. Género: comedia. Web oficial: www.tripictures.com/web/el-futuro-ya-no-es-lo-que-era/

Crítica: ‘Neruda’

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Sinopsis

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En 1948, el senador Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla lo desafuera y ordena su captura. El poeta emprende la huida del país junto a su mujer. Mientras es perseguido por el prefecto de la policía, Neruda se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria.

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Crítica

Neruda visto con ojos de vate.

En una entrevista con Gabriel García Márquez, Neruda aseguraba que sentía envidia por los novelistas, por que contaban historias, algo que aseguraba se había perdido en la poesía. La poesía épica, la poesía que narraba cosas es lo que añoraba, aquello que quiso crear en su ‘Canto General’ que aparece en este filme. Si el poeta viese la película de Pablo Larraín estaría complacido pues lo que ha creado el director es un poema épico basado en la aventura de Neruda para huir de Chile. Aprovechando la inspiración que puede ofrecer la obra de Neruda, se parte de sus versos para posteriormente componer con ellos un poema cinematográfico.

Larraín vuelve a contar para el libreto con Guillermo Calderón tras el éxito de ‘El Club’. El guión no nos ofrece el típico biopic, siendo justos tampoco se abarca toda la vida del escritor. El film comienza con un tono político muy marcado que da paso al género negro y policial. Todo se va volviendo cada vez más abstracto, cargado de figuras retóricas como la metáfora, la alegoría o el monólogo interior. Para ello se mezcla ficción y realidad. Su romanticismo, su complejidad narrativa, su voz en off, su fatalidad; puede recordar a esos largometrajes inspirados por el realismo poético francés o por la obra de Sternberg. Finalmente supone ser un largo poema y si uno no gusta de ese género literario se le puede hacer fatigoso seguir a ‘Neruda’. Esta es una obra no apta para aquellos que tienen pereza a la hora de entender lo ilusorio o artístico.

Luis Genecco encarna a la personalidad chilena, con la cual puede tener rasgos similares, pero su interpretación se ha centrado más en captar el carácter y el peculiar modo de recitar poemas que tenía Neruda. Comparte protagonismo con él Gael García Bernal. Su papel es harto necesario para retratar esta historia y mostrar la división que vivía Chile. Sin su voz en off andaríamos perdidos por una película que sería una mera persecución. Mercedes Morán podría pasar desapercibida haciendo de la sufrida esposa comunista del poeta pero no, tiene sus momentos de gloria. Debo añadir, y con todos mis respetos hacia Emilio Gutiérrez Caba, que creo que habría mejores opciones para encarnar a Pablo Picasso. Tampoco entiendo porque Alfredo Castro (‘Desde allá’) sigue empeñado en mantener un rostro inexpresivo en sus últimas películas.

Dentro de no mucho veremos otro biopic también dirigido por Larraín. Para esa ocasión abarcará un proyecto mayor y puede que con menos toque personal, por las presiones de las productoras. Y es que va a contar la historia de Jackie Kennedy tras el asesinato de su marido, siendo encarnada por Natalie Portman. Veremos que ocurre con ese filme pero tras su proyección en Venecia ya se habla de un segundo Oscar para Portman. Parece que Larraín mantiene una buena racha en lo que a festivales se refiere.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Neruda. Duración: 107 min. País: Chile, Argentina, Francia, España. Director: Pablo Larraín. Guión: Guillermo Calderón. Música: Federico Jusid. Fotografía: Sergio Armstrong. Reparto principal: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero. Producción: AZ Films, Fabula, Funny Balloons, Participant Media, Setembro Cine, TELEFE. Distribución: Wanda Films. Género: drama, policíaco. Web oficial: http://www.wandavision.com/site/sinopsis/neruda

Crítica: ‘Los Siete Magníficos’

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 Sinopsis

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El director Antoine Fuqua aporta su visión moderna a una historia clásica de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer Pictures y Columbia Pictures, LOS SIETE MAGNÍFICOS. Cuando el tranquilo pueblo de Rose Creek queda bajo el control letal del industrial Bartholomew Bogue (Peter Sarsgaard), los desesperados habitantes del lugar contratan la protección de siete forajidos, cazarrecompensas, tahúres y sicarios: Sam Chisolm (Denzel Washington), Josh Farraday (Chris Pratt), Goodnight Robicheaux (Ethan Hawke), Jack Horne (Vincent D’Onofrio), Billy Rocks (Byung-Hun Lee), Vasquez (Manuel García Rulfo) y Red Harvest (Martin Sensmeier). Mientras preparan el pueblo para la violenta confrontación que saben se avecina inevitablemente, estos siete mercenarios se encontrarán luchando por algo más que el simple dinero.

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Crítica

Más espectáculo y menos cháchara.

Lejos de haceros pensar que esta es una maravilla de película, en primer lugar, hay que decir que Sony vuelve a cerrar bocas con el tema de los refritos tras el éxito de ‘Cazafantasmas’. ‘Los Siete Magníficos’ es el remake de la película de John Sturges que a su vez ya era una especie de remake o adaptación de ‘Los Siete Samuráis’ de Akira Kurosawa. A si es que tenemos remake del remake, remake al cuadrado. Y la verdad es que el film se aproxima más a lo redondo que a lo cuadrado. La película es una modernización con menos alma pero bien completa y competente.

Con una duración muy similar a la versión de 1960 el filme nos narra de nuevo una historia de justicia y sacrificio. Si la antigua se preocupaba más por presentar a los personajes e incluso nos mostraba mucho mejor sus motivaciones, la obra de Antoine Fuqua está bastante más entregada a la acción, es más espectacular. Pierde profundidad y credibilidad en determinado momento pues si lo épico de este film es que los magníficos actúan desinteresadamente y a sabiendas de lo suicida que es la misión, en la versión moderna han caído en convertirlo en algo personal. De ahí que pierda mucha de la esencia primordial.

Se crean siete personajes de distinta índole que los de la película de Yul Brynner, Steve McQueen y Charles Bronson, pero están bien ideados, funcionan. Enlazando con sus predecesores todos ellos repiten el mismo patrón e incluso calcan frases como esa que definía al personaje de Brynner en particular y a la película en general… “me habían ofrecido mucho dinero, pero no todo” (que aquí pronuncia Washington). A Fuqua le sale bien la jugada de trabajar una vez sí y otra también con Denzel Washington. Si además se le suma a la ecuación a Ethan Hawke podemos esperar una dupla tan buena como la de ‘Training Day’. En los tiempos que corren el humor se consiente e incluso exige en casi todas las producciones, puede que por eso se haya fichado al siempre jocoso Chris Pratt. También de moda y en racha está Vincent D’Onofrio que en esta ocasión nos aporta un cambio de voz no habitual en él. Mejor villano resultó Eli Wallach que Peter Sarsgaard, pero claro, uno interpretaba a un bandido y el otro a un empresario.

Si la cinta de hace cincuenta y seis años nos trasladaba a un western fronterizo con mucho folclore mexicano, esta nos acerca de nuevo al típico oeste de indios y vaqueros. Pero lo hace de un modo que busca lo políticamente correcto pues introduce a un personaje afroamericano, a uno mexicano, a uno indio, a uno asiático e incluso a una mujer de armas tomar, cosa que en la anterior no aparece ni por asomo ya que el rol de las actrices femeninas era muy inferior al de los actores secundarios.

Por último, no podemos olvidarnos de la clásica canción que compuso Elmer Bernstein y que aquí aparece versionada con otros acordes de James Horner, cuyo sello ha quedado reflejado a pesar de su muerte en 2015.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: The Magnificent Seven. Duración: 130 min. País: EE.UU. Director: Antoine Fuqua. Guión: John Lee Hancock, Nic Pizzolatto. Música: James Horner. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Peter Sarsgaard, Haley Bennett, Matt Bomer, Vincent D’Onofrio, Luke Grimes, Cam Gigandet, Byung-hun Lee, Kevin Wayne, Thomas Blake Jr., Miles Doleac, Jonathan Joss, Martin Sensmeier, Manuel García-Rulfo. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Sony Pictures, Village Roadshow Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, western, remake. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/themagnificentseven/

Crítica: ‘The Beatles: eight days a week’

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 Sinopsis

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Se centra en la carrera de The Beatles entre 1962 y 1966. Por primera vez se muestran muchas de las interioridades del grupo de Liverpool e incluye desde sus primeras actuaciones en The Cavern Club hasta su último concierto en Candlestick Park (San Francisco). Cuando acabó su gira el 29 de agosto de 1966, The Beatles habían hecho 166 conciertos en 15 países y 90 ciudades.

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Crítica

Jóvenes de hoy, conoced de verdad a los grandes de antes.

Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison, The Beatles, vuelen a ser noticia gracias a Ron Howard y a Apple Corps. La corporación con sede en Londres se ha volcado con el proyecto de ‘The Beatles: eight days a week’ e incluso pidió la colaboración de los fans poniendo un espacio en su web para que enviasen fotografías y vídeos. También se han involucrado activamente Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison.

El director de Oklahoma ha realizado un recorrido por la historia de The Beatles que abarca desde sus primeros conciertos hasta el último que dieron precisamente en la azotea de Apple Corps, en el 66. Durante toda la película nos ubica a la banda en su marco histórico relacionándola con acontecimientos importantes como el asesinato de Kenedy. Sin entrar en intimidades de los artistas nos muestra su juventud consumida por una fama que vino rápidamente. Un éxito que produjo todo tipo de reacciones, tanto buenas como malas. Se contempla por ejemplo de donde surgió, y lo que produjo, la expresión “más populares que Jesús”, palabras de Lennon que rápidamente se extendieron y malinterpretaron.

No entra tampoco en el momento de su disolución ni se menciona a Yoko Ono. Otros ámbitos explorados y mostrados en el documental son los de su preferencia por estar experimentando en el estudio a tocando en los conciertos, la relación con su manager (Neil Aspinal), la gira con el periodista Larry Kane y las películas que rodaron. Además se ofrecen testimonios de personalidades de la cultura como Elvis Costelo, Sigourney Weaver o Whoopi Goldberg que estuvo en el concierto del Shea Stadium.

Al final del filme se proyectan 30 minutos del concierto del Shea Stadium. Se han escaneado los negativos de las cámaras presentes y se han restaurado a calidad 4k. Esta es una mejora muy valorable, pero hay que tener en cuenta que la imagen obtenida no es moderna ni la mejor que se pueda obtener con esta tecnología pues la materia prima sale de cámaras de los sesenta. Aún así el resultado es mejor que el visto hasta ahora, todo un lujo que los fans de los de Liverpool no deben desperdiciar. Esto es debido a que por decisión de Apple Corps este material solo estará disponible en cines, una restricción que se une a la única semana improrrogable que estará en cartelera.

Además de todo esto los que acudan a ver la película el día del estreno, el jueves 15, podrán ver en directo la alfombra roja de Londres desde las 19h. No dudéis en consultar la lista de cines en los que se pondrá la película (aquí) e ir a disfrutar de la buena música al cine. ‘The Beatles: eight days a week’ es un documento imprescindible, un regalo para los seguidores de The Beatles y para cualquier melómano.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2016. Título original: The Beatles: Eight Days a Week – The Touring Years. Duración: 138 min. País: Reino Unido. Director: Ron Howard. Guión: Mark Monroe (Historia: P.G. Morgan). Música: The Beatles. Fotografía: Michael Wood. Reparto principal: Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr, George Harrison. Producción: Apple Corps, Imagine Entertainment, White Horse Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/606/the-beatles-eight-days-a-week/

Crítica: ‘Gernika’

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Sinopsis

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GERNIKA, se desarrolla entre Bilbao y Guernica y cuenta una historia de amor entre periodistas en tiempos de guerra. La película narra el bombardeo de la ciudad Vizcaína en un entorno de guerra fría, como un preludio de la Segunda Guerra Mundial.

Henry (James D’Arcy), un periodista americano en horas bajas está cubriendo el frente norte cuando conoce a Teresa (María Valverde), una editora de la oficina de prensa republicana. Teresa, cortejada por su jefe, Vasyl (Jack Davenport), un asesor ruso del gobierno republicano, se sentirá atraída por el idealismo durmiente de Henry y querrá despertar en él la pasión por contar la verdad que un día fue su único objetivo.

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Crítica

La historia de un bombardeo como marco de un romance.

A estas alturas el cine español intenta rendir un completo homenaje a unos supervivientes con los que tengo entendido que el equipo de la película tuvo ocasión de hablar. El bombardeo de Gernika es uno de los episodios más tristes y graves de nuestra pasada, y harto recordada, Guerra Civil. La película de Koldo Serra en parte le rinde homenaje pero se pierde mucho por las ramas del romance.

Hablar del conflicto que vivimos en el siglo pasado esta algo más que manido. Gernika podría salvarse por ofrecer la perspectiva de los periodistas, tanto nacionales como internacionales. Gernika y la prensa son dos temas muy interesantes, muy poco o nada tratados en nuestro cine, pero que Serra ha dejado en segundo plano para mostrarnos una espesa historia de amor. El filme nos adentra por momentos en el género romántico y deja de lado el drama histórico, pero otras ocasiones nos intenta meter en una narración histórica. Todo esto hace que no llegue a definirse bien el género de la película y se despiste al espectador.

Sí que es cierto que se cuida la puesta en escena. Además posee un diseño de producción cuidado para que esta parezca una película moderna y se desmarque de otras representaciones de la Guerra Civil. Se hace convivir por ejemplo al euskera, castellano, inglés y alemán. Se nos introduce en la historia con esa especie de Nodo con imágenes a lo Bardasano, pero todo en versión republicana. Se nos muestra a una España empleada como gran ensayo y preludio de la II Guerra Mundial. Pero todos estos detalles quedan eclipsados por la historia de amor.

En esta ocasión Serra ha mostrado un estilo muy clásico de hacer cine, puede que tenga que ver con que lleva diez años sin trabajar en un proyecto para cine, no le han faltado trabajos en televisión. Desde las interpretaciones que ha extraído de James D’Arcy, Jack Davenport o María Valverde, hasta el ritmo del film nos recuerdan a aquellas películas románticas rodadas en blanco y negro. Quizá ese modus operandi ha marcado un ritmo atópico para los días que corren y que puede hacer del filme algo denso. A casi la mitad de la película parece que la historia no ha acabado de arrancar, se cuece todo demasiado a fuego lento para después querer hacer reventar una olla a la que le falta presión.

Supongo que la tentación de evocar al cuadro de Picasso era muy seductora y casi inevitable. Pero ni la película está a la altura ni las formas son las más agraciadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: Gernika. Duración: 110 min. País: España. Director: Koldo Serra. Guión: José Alba, Carlos Clavijo, Barney Cohen. Música: Fotografía: Unax Mendia. Reparto principal: María Valverde, James D’Arcy, Jack Davenport, Burn Gorman, Irene Escolar, Ingrid García Jonsson, Julián Villagrán, Álex García, Joachim Paul Assböck, Bárbara Goenaga, Víctor Clavijo, Natalia Alvarez-Bilbao. Producción: Pecado Films, Travis Producciones, Sayaka Producciones, Gernika The Movie. Distribución: Betta Pictures. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.facebook.com/GernikatheMovie/