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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘1898. Los últimos de Filipinas’

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Sinopsis

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A finales del siglo XIX España entró en guerra con Estados Unidos y sufrió la derrota que supuso la pérdida de las últimas colonias. Ya no podría volver a repetirse la frase de que “en España nunca se pone el sol”.

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Crítica

Salvador Calvo ha capitaneado a un ejército de talento.

Estamos viviendo una oleada de filmaciones basadas en personajes y episodios de nuestras crónicas. Tenemos buenos ejemplos rodados en el pasado pero podemos decir que por fin estamos sintiéndonos orgullosos de nuestra historia o que al menos ya estamos sacándole partido y enseñando al mundo cosas que seguramente desconocían. De igual modo que los norteamericanos han exportado producciones hasta aburrirnos sobre capítulos como la Guerra de Vietnam o la batalla de El Álamo hoy podemos hablar de ‘Los últimos de Filipinas’, como ya hicimos con ‘El Ministerio del Tiempo’. No debería ser spoiler narrar el destino de este ejército, pero por si acaso no lo mencionaré, que todavía puede haber algún ignorante que lo desconozca.

Para el talento del gran reparto de la película daría para un capítulo a parte. Figuran nombres de intachable capacidad y talento como Karra Elejalde, Eduard Fernández o Carlos Hipólito, todos ellos apoteósicos. Pero es Luis Tosar, Javier Gutiérrez y el reparto joven conformado por Álvaro Cervantes, Patrick Criado, Ricardo Gómez, Miguel Herrán y Emilio Palacios el que se lleva la palma. Especialmente Cervantes, acapara protagonismo y lo hace sobradamente bien. Una serie de nombres que quita el hipo y tras ver la película y dejarnos sin respiración aún más. Por otro lado me sobra la mayoría de las escenas de la triunfito Alexandra Masangkay. También me habría gustado ver más a Pedro Casablanc.

‘1898. Los últimos de Filipinas’ es una grandiosa opera prima la de Salvador Calvo. Ha transformado lugares de Guinea Ecuatorial, Tenerife y Gran Canaria en uno de nuestros más humillantes escenarios de guerra. Conste que estoy históricamente hablando por que cinematográficamente se ha realizado un trabajo formidable. Localizaciones, vestuario y decorados son magníficos. No es de extrañar que Alejandro Catalán haya podido lucirse con la fotografía. Calvo se postula para una nominación a Goya a Mejor Director Novel. Pronostico que el ganador estará entre él y Raúl Arévalo, Marina Seresesky, Jordi Frades o Marc Crehuet, en mi modesta opinión, a día de hoy no conocemos los nominados. También puedo afirmar que más de una frase escrita por Alejandro Hernández os calarán muy hondo.

En determinados momentos de ‘1898. Los últimos de Filipinas’ también vemos paralelismos entre la España de antes y la de ahora. Se insinúa que gobiernan incompetentes, que lo que manda es el dinero y que quien paga siempre es el pueblo. Seguimos siendo ese país que pese a fracasar vuelve cantando. No quiero politizar la cinta y ni de lejos será la intención de sus autores, solo es una lectura que he sacado.

‘1898 los últimos de Filipinas’ realiza una tarea divulgativa, aunque hay que tener en cuenta que algunos hechos y personajes son ficticios. Sí que parece más próximo a la realidad la tozudez española y la negación a aceptar nuestro destino, las enfermedades, las dudas, la desesperación, incluso la estupidez cometida y que llevó a estos soldados a pasar por un infierno. Personalmente considero este episodio como una hazaña bélica, no heroica y aquí queda reflejado como tal. Lo que está clarísimo es que esto con un smartphone no habría pasado.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: 1898, los últimos de Filipinas. Duración: 100 min. País: España. Director: Salvador Calvo. Guión: Alejandro Hernández. Música: Roque Baños. Fotografía: Alejandro Catalán. Reparto principal: Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Álvaro Cervantes, Karra Elejalde, Carlos Hipólito, Ricardo Gomez, Patrick Criado, Miguel Herrán, Emilio Palacios, Eduard Fernández, Alexandra Masangkay. Producción: Manila Producciones A.I.E., ECPC y C.I.P.I Cinematográfica S.L., cuenta con la colaboración de TVE, 13 TV, Gobierno de Canarias, ICAA. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, bélico, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Qué invadimos ahora?’

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Sinopsis

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Michael Moore (‘Bowling for Columbine’, ‘Fahrenheit 9/11’) viaja a Europa dispuesto a “invadir” el continente en busca de soluciones a los problemas internos de Estados Unidos.

En ‘¿Qué invadimos ahora?’, Italia, Finlandia, Portugal, Eslovenia o Alemania son algunas de las paradas del cineasta, dispuesto a robar lo mejor de sociedades basadas en el estado del bienestar. El derecho de los trabajadores a vacaciones pagadas, la educación o la alimentación en los colegios, la desregularización del consumo de drogas, la educación universitaria gratuita o la capacidad de autocrítica de los gobiernos son algunos de los temas que Moore identifica en este viaje como grandes avances que pueden ayudar a Estados Unidos en su política.

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Crítica

Michael Moore hace un compendio de lecciones a tener en cuenta a nivel mundial.

Michael Moore vuelve casi seis años después de su último trabajo como director para hacer lo que más le gusta, meter el dedo en la llaga. Ha retornado con su habitual sentido del humor y sus ganas de criticar a su propia nación. ‘¿Qué invadimos ahora?’ es su obra más comparativa y constructiva de todas las que ha realizado hasta la fecha. Dudo que alcance la envergadura de ‘Bowling for Columbine’ o ‘Fahrenheit 9/11’ pero eso no le resta interés y valor.

Desde el minuto cero arranca con sarcasmo, irguiéndose como enviado al extranjero con la misión de encontrar allí solución para los problemas norteamericanos, para conquistar no países si no ideas. Hace autocrítica desde una tendencia pesimista, aunque no pierde de vista el humor ácido que siempre ha empleado.

Su búsqueda se ha basado en entrevistarse con profesores, políticos, policías… de diferentes naciones, en su mayoría europeas. Allí donde ha ido ha buscado a los más eficientes en educación, economía, derechos sociales… para encontrar soluciones que aplicar en Estados Unidos. También coteja datos que nos dan una idea de la brecha que existe entre la calidad de vida de su país frente a la del resto de naciones que visitó.

Trata el problema de cómo los ciudadanos de EE.UU. confunden libertad con libertinaje, se queja de la mala educación de su país, de cómo se trata a los presos o a las personas de raza negra… Llega incluso a mencionar y acusar directamente de malas prácticas a empresas estadounidenses. En general da un buen toque a su tierra de las oportunidades.

Por otro lado, mientras muestra asombro por nuestras vacaciones o nuestras pagas extra resulta algo imparcial pues, por ejemplo, se deshace en elogios hacia costumbres de Italia o Portugal mientras se olvida de las crisis de estos. Estamos de acuerdo en que Estamos Unidos tiene mucho trabajo que hacer para mejorar, pero los países europeos no son perfectos, ni de lejos. Según va relevando diferentes praxis nos damos cuenta de que muchas deberían aplicarse en nuestro propio país. Ahora que está en boca de todos, se habla de lo beneficioso que fue para Finlandia (de los primeros del mundo en educación) reducir casi a cero el tiempo de deberes.

Nos puede impresionar que la mayoría de los impuestos de los estadounidenses van dirigidos para subvencionar la guerra pero no hospitales públicos. Aún así llevan años perdiendo guerras en territorio ajeno y nosotros consumiendo sus productos. Pero como decían los Monty Python ¿Qué nos han dado los romanos?

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2016. Título original: Where to invade next. Duración: 119 min. País: EE.UU. Director: Michael Moore. Guión: Michael Moore. Fotografía: Jayme Roy, Richard Rowley. Reparto principal: Michael Moore. Producción: Dog eat dog films, IMG. Distribución: Movistar Estrenos (televisión), Avalon Distribución Audiovisual (DVD). Género: documental. Web oficial: http://wheretoinvadenext.com/

Crítica: ‘Aliados’

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Sinopsis

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“ALIADOS” es la historia del oficial de inteligencia Max Vatan (Brad Pitt) quien en 1942, en el norte de África, conoce a Marianne Beausejour (Cotillard), miembro de la resistencia francesa, en una misión mortal tras las líneas enemigas. Reunidos en Londres, su relación se ve amenazada por las presiones extremas de la guerra.

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Crítica

Tan creíble que podría haber sido real.

Decir que un guión o una historia son redondos puede ser aventurado y sin duda podría ser una opinión muy subjetiva, hay que aplicar diferentes criterios y estos variarán según a quien escojamos preguntar. Pero no me arriesgo a quemarme si digo que la coherencia con la que se ha escrito ‘Aliados’ es un gigantesco acierto. La película despierta interés sin aplicar sustanciales giros de guión y su realismo es tal que podríamos estar viendo la adaptación de alguna curiosidad histórica perdida en los libros.

La película arranca de tal modo que podría tratarse de una modernización de ‘Casablanca’ con guiños a otras películas de agentes secretos. De hecho el largometraje arranca como si Brad Pitt hubiese saltado del mismísimo avión de la obra de Michael Curtiz. Poco a poco las tramas de espionaje y guerra van dejando paso a un romance que estalla como una tormenta de arena, escena ilustrando esto incluida. Posteriormente y tras el idílico amorío volvemos a la trama enmarcada en el conflicto de la II Guerra Mundial. En la primera mitad del filme Zemeckis nos mantiene enganchados con una mascarada y en la segunda con un juego de paranoia y sentimientos enfrentados. Casi volvemos a recuperar al Zemeckis de ‘Forest Gump’ o ‘Regreso al Futuro’. Steven Knight (‘El caso Fischer’, ‘Promesas del este’), el guionista de este romance en tiempos de guerra, demuestra de nuevo porqué es bueno escribiendo thrillers. La creación de estos dos rentables cineastas resulta ser inteligente, todo lo que les permite el cine comercial, factible y deslumbrante. Su obra es un romance expuesto y gestado por los elementos de un thriller inmerso en una trama bélica.

La grandiosa ambientación hace compañía a los actores haciéndoles partícipes de los cambios de localización. Tanto Brad Pitt como Marion Cotillard saltan de un idioma a otro con soltura e incluso juegan con ello, vedla en versión original para apreciar esto. Ellos forman una pareja que, cotilleos de marujas a parte, funciona en pantalla. Este no es un ‘Sr. y Sra. Smith’, es una película bien diferente. No tenemos tanta acción ni existe un jugueteo descarado entre los protagonistas. Este es un filme en el que no sabemos si los dos personajes tienen las cartas al descubierto o no, la gracia y diferencia reside en esperar a que se desvele esto.

He de decir que me he enamorado de más de una toma. ‘Aliados’ nos deja varias estampas para enmarcar emulando el gran trabajo que antaño hizo ya Arthur Edeson con ‘Casablanca’. Don Burgess se merece un aplauso aparte.

Buena fotografía, un guión que se sostiene y dos grandes interpretaciones son las mayores bazas de ‘Aliados’. Hay quien se emocionará, hay quien vibre con algunas escenas de acción y hay quien llorará emocionado, hay lugar para todos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Allied. Duración: 124 min. País: EE.UU. Director: Robert Zemeckis. Guión: Steven Knight. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Brad Pitt, Marion Cotillard, Lizzy Caplan, Matthew Goode, Jared Harris, Jason Matthewson, Angelique Joan, Sally Messham, Iain Batchelor, Miroslav Zaruba, Raphael Acloque, Angus Kennedy, David Bonneville, Tiar Lounis. Producción: GK Films, New Regency Pictures, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: thriller, drama, romance. Web oficial: http://www.alliedmovie.com/

Crítica: ‘Los exámenes’

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Sinopsis

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Romeo Aldea (49), un médico que vive en un pequeño pueblo de montaña en Transilvania, ha educado a su hija Eliza con la idea de que, cuando cumpla 18 años, se vaya a estudiar al extranjero.

Su plan está cerca de tener éxito: Eliza ha conseguido una beca para estudiar Psicología en Reino Unido. Solo tiene que pasar sus exámenes finales, un trámite para una buena estudiante como ella. El día previo a su primer examen escrito, un incidente pone en peligro los resultados de Eliza.

Ahora Romeo tiene que tomar una decisión. Hay varias maneras de resolver el problema, pero ninguna de ellas respetando los principios que él, como padre, ha intentado trasmitir a su hija.

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Crítica

Una larga cotidianidad desesperada y corrupta.

El director rumano Cristian Mungiu nos trae una historia cotidiana y acusatoria. El modo de proceder de las gentes de Rumanía no debe ser del agrado de Mungiu. Ha filmado una película que bien podría ser un episodio largo de ‘Los Soprano’, hasta se oye eso de “estar en deuda con alguien” más de una vez. Lo que nos viene a decir es que a base de favores y protecciones se puede conseguir casi cualquier objetivo. Incluso el ritmo de la película puede evocar a tan afamada serie. Creo recordar que el personaje protagonista, el padre en esta cinta que está interpretado por Adrian Titieni, dice en algún momento “aún queda esperanza” refiriéndose a la honradez y dedicación de dos agentes de la ley. Esa es una de las mayores señales de que esta cinta pretende lanzar una crítica contra las malas costumbres de Rumanía.

Tenemos la historia de un padre que quiere hacer lo que sea para sacar a su hija de la localidad en la que viven. Este personaje lleva con tanta contención el contratiempo que sufre su hija que se hace imposible empatizar con ninguno de ellos dos. Se le presenta la oportunidad de una beca de estudios en el extranjero, pero para ello debe obtener una alta nota en un examen. Por desgracia antes de examinarse le sucede algo a la muchacha que impide que vaya en plenas condiciones a realizar la prueba. Es ahí cuando se presentan los temas que dominan la cinta.

Las preocupaciones y los favores, la honradez y las decisiones de la vida, el respeto por los principios y por transmitir valores correctos a los hijos. Con todo esto se nos plantea que la vida es un continuo examen en el que algunos deciden hacer trampas para pagar al sistema con su propia moneda y otros directamente deciden hacer lo correcto sean cuales sean las consecuencias. Las metáforas están muy presentes en el largometraje y no es que precisamente se emplee un lenguaje de sutilezas pero si se mantiene un tono muy conservador.

Con todo esto la película resulta ser muy extensa. Pese a ello está bien dirigida, de hecho, se ha llevado premio en ese aspecto en el Festival de Cannes. Personalmente Mungiu me ha descubierto al talentoso (u acertado en ‘Los exámenes’) Adrian Titieni. Sonoramente también ha conseguido que resulte realista pues curiosamente ‘Los exámenes’ carece de banda sonora, tal como ocurre con nuestra vida diaria. Las únicas canciones que se escuchan salen de la radio o de los móviles.

Lo que los norteamericanos habrían solucionado con Liam Neeson a base de mamporros y tiros, los rumanos lo han desarrollado con el ajetreo y el parlamento de un preocupado padre. Pese a ello nos deja varias cuestiones en el aire o a leer entre líneas. Quizá por querer reflejar con tanto ahínco las incógnitas de la vida resulte en muchos aspectos inconclusa, interminable, eterna.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Bacalaureat. Duración: 128 min. País: Rumanía. Director: Cristian Mungiu. Guión: Cristian Mungiu. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Adrian Titieni, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici, Constantin Cojocaru, Robert Emanuel. Producción: Les Films du Fleuve, Mobra Films, Romanian Film Board (C.N.C.), Why Not Productions. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.losexamenes-lapelicula.es/

Crítica: ‘Marea negra’

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Sinopsis

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En abril de 2010, la plataforma petrolífera Deepwater Horizon, situada en el Golfo de Méjico, sufrió un terrible accidente que desencadenó una de las peores catástrofes medioambientales de la historia, y que costó la vida a 11 de sus trabajadores. ‘Marea Negra’ cuenta la historia de los hombres y mujeres que con su valor lograron salvar a muchos otros, cambiando sus vidas para siempre.

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Crítica

Catástrofe flagrante, película trepidante.

‘Marea negra’ nos llega desde Estados Unidos dirigida por Peter Berg, un director capaz de pasmarnos con películas como ‘Hancock’ pero también de horrorizarnos con otras como ‘Battleship’. Ha dejado patente que es un patriota hasta la médula y ahora nos trae una historia real que supuso uno de los mayores vertidos de petróleo de la historia. Pero aquí no se plantea como esa calamidad de desastre natural, si no que Berg prácticamente esconde esto y nos ofrece una película de lucha y supervivencia. Tal vez no quiera herir en demasía a EE.UU. Si os parece que veis demasiadas banderas estadounidenses preparaos para su siguiente filme, ‘Día de patriotas’.

Berg se lo ha tomado con calma para después llevarnos por un fulminante desenlace. Tras más o menos una hora de presentación de personajes y de clase de perforación petrolífera para tontos vivimos una explosión colosal. Se nos pinta un panorama sentimental pero también se nos explica casi al dedillo como funciona una torre petrolífera en el mar y cuáles fueron las causas del desastre. Por lo demás, el tercio final de la película es todo fuego y prisas.

A pesar de haber podido tirar por las ramas de la heroicidad, esta es una película en la que siempre tenemos trabajadores del sector petrolífero, no héroes de acción y es por eso que en cierto sentido marca la diferencia. Malkovich no hace de loco si no de crudo empresario. Kurt Russell interpreta a un tipo trabajador, recio y responsable, tampoco está en la línea de lo que le vemos habitualmente. Lo que sí vemos es a Wahlberg haciendo de tipo duro y buen esposo. Kate Hudson mantiene los pies en la tierra y se conforma con un papel de esposa preocupada.

Se podría decir que ‘Marea negra’ tiene un corte similar a otras películas de desastres como el ‘Coloso en llamas’ o ‘Pánico en el túnel’. Tal vez presente menos laberintos y obstáculos a favor de que los temas técnicos sean los protagonistas. Resulta claustrofóbica, desesperada, como un náufrago en una isla en llamas. Berg muestra la plataforma para que momentos después contemplemos un escenario completamente desfigurado.

Jablonsky completa el equipo profesional junto a los ya conocidos Berg y Wahlberg, solo faltaría que se uniese Michael Bay para cerrar el círculo de amigos. Su banda sonora no nos ofrece grandes temas pero está a la altura de una película de estas características, cumple.

Al margen de ser tan superficial hasta llegar al punto de olvidarse del verdadero drama ecológico, a parte de las muertes humanas (al final se hace homenaje a los fallecidos y se ofrecen algunas imágenes de los testimonios de los supervivientes) es un largometraje emocionante. Seguramente no consiga concienciar a todo el mundo del daño del petróleo ni de comenzar usar vehículos eléctricos, no está enfocada así. Pero al menos dará a conocer el funcionamiento y peligro de las plataformas petrolíferas acompañándolo de buenas dosis de acción. ¿Es para verla en Imax? Tal vez no pero su espectacularidad se disfruta mejor a pantalla grande.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Deepwater Horizon. Duración: 107 min. País: EE.UU. Director: Peter Berg. Guión: Matthew Sand, Matthew Carnahan. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Enrique Chediak. Reparto principal: Mark Wahlberg, Kurt Russell, Gina Rodríguez, John Malkovich, Kate Hudson, Dylan O’Brien, Ethan Suplee. Producción: Summit Entertainment, Participant Media, di Bonaventura Pictures. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, drama, acción. Web oficial: http://www.deepwaterhorizon.movie/

Crítica: ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’

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Sinopsis

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Animales fantásticos y dónde encontrarlos comienza en 1926 cuando Newt Scamander acaba de completar un viaje por todo el mundo para encontrar y documentar una extraordinaria selección de criaturas mágicas. Llegando a Nueva York para hacer una breve parada en su camino, donde podría haber llegado y salido sin incidente… pero no para un Muggle llamado Jacob, un caso perdido de magia, y la fuga de algunas criaturas fantásticas de Newt, que podrían causar problemas en el mundo mágico y en el mundo muggle.

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Crítica

Newt Scamander nos devuelve la magia a las salas y nos trae un montón de criaturas para entretenernos.

Cuando me enteré de que iban a realizar una película sobre el libro ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos‘, pensé que iba a tratar sobre las aventuras del famoso magizoólogo Newt Scamander. A ver si, la película trata sobre este curioso personaje, pero para nada era lo que yo me imaginaba. Yo me imaginaba a un Indiana Jones pero buscando y capturando criaturas en las selvas, pero no, nos lo encontramos en plena ciudad y remendando sus errores.

K. Rowling, nos presenta a este peculiar escritor en su llegada a Nueva York, donde por un descuido deja que unas cuantas criaturas que lleva escondidas en su maleta se escapen por la ciudad causando el caos de los pobres muggles, o nomaj.

Los actores están perfectos, todos ellos, me ha gustado en particular el papel de Ezra Miller, poco puedo decir de su papel, solo que está impecable. Y Colin Farrel como auror, sin palabras, duro, sin escrúpulos y sin miramientos a los que infringen la ley.

‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’ trae muchas sorpresas, no es solo mostrarnos a un sin fin de criaturas mágicas, sino que es mucho más, Scamander es un pretexto para presentarnos mucha más historia del mundo mágico.

Si que es cierto que el comienzo de la película es un bastante lento, la presentación es bastante larga, al menos para mi gusto, pero en cuanto la película coge rodaje, funciona estupendamente.

Debo de admitir que como fan de Harry Potter, no solo de los libros, sino de las películas, me daba bastante miedo lo que pudieran hacer en esta película, al fin y al cabo, del libro del que se sacó, es simplemente un compendio de animales y ya está. Pero J.K. Rowling ha sabido hacer mucho mas.

No quiero contar mucho más, solo decir que os encontrareis bastantes sorpresas en la película, yo las he disfrutado mucho y sobre todo vamos a ver a personajes ya conocidos, y sin duda eso es lo que más he disfrutado.

En el ámbito técnico, las criaturas están muy logradas, no la he visto en 3D, pero hay muchas escenas que están totalmente preparadas para ello. El nuevo mundo mágico es bastante diferente al londinense, más luminoso, más ostentoso y sobre todo mucho más moderno.

La música sigue la línea de Harry Potter, el tema central es el de siempre y eso hace que sepamos que seguimos en el mundo mágico, en el mismo mundo, no en la misma época, pero si son las mismas historias.

Realmente es una película para los fans de este mundo, para los que hemos disfrutado sobre todo de los libros. Tanto David Yates como J. K. Rowling han logrado devolver la magia, no es una película tan oscura como últimas de la saga, pero sí que nos comienza a mostrar cómo puede ser el futuro para los magos.

Puedo decir definitivamente que merece la pena su visionado, que se disfruta desde el principio hasta el final y que os quedaréis con ganas de más aventuras. La magia ha vuelto al cine.

Ficha Técnica

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Fantastic Beasts and Where to Find Them Duración: 140 min. País: Reino Unido. Director: David Yates. Guión: J.K.Rowling.  Música: James Newton Howard. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Colin Farrel, Carmen Ejogo, Samantha Morton, Ezra Miller, Ron Perlman, Zoë Kravitz, Gemma Chan, Jon Voight, Christine Marzano, Lucie Pohl, Johnny Depp. Producción: Coproducción Reino Unido-EEUU; Heyday Films/ Warner Bros Distribución:  Warner Bros Pictures. Género: Fantástico, aventuras. Web oficial: http://www.animalesfantasticos.es/

Crítica: ‘La doctora de Brest’

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Sinopsis

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LA DOCTORA DE BREST cuenta la historia real de la doctora Irène Frachon, la mujer que se atrevíó a plantarle cara a la industria sanitaria y farmaceútica francesa, cuando en 2010 se destapó el escándalo mediático en torno a la comercialización de un controvertido medicamento cuyos efectos secundarios provocaron la muerte de más de 500 personas.

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Crítica

Una dosis desmesurada.

Basada en el libro autobiográfico ‘Mediator 150mg: Combien de morts?’ nos llega ‘La doctora de Brest’. El libro al que he hecho referencia nace durante las más de dos horas de película pues está escrito por la doctora Irène Frachon. Esta profesional de la medicina afincada en Brest se percató de la toxicidad de un medicamento recetado para los diabéticos que muchos empleaban para adelgazar. El Mediator (Modulator como se llamaba en España hasta que fue retirado en 2003) estuvo algo más de 30 años recetado en Francia, hasta que en 2009 fue anulada su comercialización. ¿Muy reciente y te sorprende no conocer el caso? No te preocupes, el director Emmanuelle Bercot y los guionistas Séverine Bosschem y Romain Compingt te lo explican largo y tendido con la película.

Una obra basada en un hecho muy cercano que se alarga más de lo necesario. 120 minutos son excesivos para narrar el proceso, o mejor dicho el vía crucis, que vivió Frachon desde que sospechó del medicamento hasta que consigue que lo prohíban, pasando por la laboriosa publicación de su libro. La propia distribuidora nos la referencia como si fuese la “Erin Brockovich francesa” y lo cierto es que eso no ayuda pues hace que se afiance la sensación de que esto ya nos lo han contado, que es algo que ya hemos visto.

Al menos se aprovecha para hacer una crítica en contra de los gobiernos y las farmacéuticas. ¿Os habéis preguntado quién y cómo se controla la salud de los ciudadanos? Para que todo esto resulte más realista Bercot nos ofrece imágenes reales de escáneres o recreaciones crudas de autopsias y operaciones. Aun así todo está expuesto bajo el microscopio de la sensibilidad francesa. La cantidad de terminología médica y farmacológica en conversaciones ágiles puede hacer que el espectador se pierda o incluso aburra.

Para interpretar a esta tozuda, cabezota y perseverante doctora se ha fichado a la danesa (recordad esto cuando oigáis su excelente acento francés) Sidse Babett Knudsen. Quizá muchos la conozcáis de trabajos recientes como ‘Westworld’, ‘Inferno’ o ‘Esperando al rey’. Bercot la ha plantado frente a un titán empresarial y la hace nadar en un mar contra corriente para mostrar el esfuerzo y la dificultad de la hazaña que pretende reverenciar. Benoît Magimel también aparece en el filme y nos deja más de una escena brillante. Ellos dos son los que hacen que merezca la pena ver esta película.

Si, este es un escándalo médico semejante a otros que hemos vivido en España relacionado con la salud pública. Ya ocurrió recientemente que murió gente por la negativa del gobierno a administrar el Sovaldi, por ejemplo. Desde luego son historias que merecen ser contadas pero en su justa medida.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: La fille de Brest. Duración: 128 min. País: Francia. Director: Emmanuelle Bercot. Guión: Emmanuelle Bercot, Séverine Bosschem, Romain Compingt, Irène Frachon. Música: Martin Wheeler, Bloum. Fotografía: Guillaume Schiffman. Reparto principal: Sidse Babett Knudsen, Benoît Magimel, Charlotte Laemmel, Isabelle De Hertogh,Lara Neumann, Philippe Uchan, Patrick Ligardes, Olivier Pasquier, Gustave Kervern, Myriam Azencot, Pablo Pauly, Eddie Chignara, Raphael Ferret, Christophe Meynet, Gilles Treton, Garance Mazureck. Producción: Haut et Court, France 2 Cinéma, Cofinova 12, Soficinema 12, SofiTVCine 3, Palatine Etoile 13, Cinemage 10, Canal +, Cine +, France Televisions, Région Bretagne. Distribución: Caramel Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/la_doctora_de_brest

Crítica: ‘La isla del viento’

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 Sinopsis

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Miguel de Unamuno es exiliado a la isla de Fuerteventura por sus críticas al dictador Primo de Rivera (1924). Allí vivirá en el pequeño pueblo de Puerto Cabras.

Hastiado por la situación, el escritor se empeña en mostrarse huraño y encerrado en sí mismo.

Sin embargo, su relación con los isleños, el conocimiento de la realidad del lugar y el contacto con la isla, provocarán su salida del aislamiento. Aprenderá de manera casi inadvertida una lección que no olvidará hasta el final de su vida, en los albores ya de la dictadura franquista.

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Crítica

Un retazo de la historia que no deberíamos olvidar y que se tiene que conocer.

En ‘La isla del viento’ vemos a un Unamuno exiliado de su querida Salamanca y a un Unamuno ya de regreso y que nunca se puede callar, pues según él dice «A veces, quedarse callado equivale a mentir«.

Una película que bien merece su visionado, para conocer a un Unamuno diferente, más humano, menos político y con demasiados sentimientos encontrados.

Cuando fue exiliado, la isla de Fuerteventura estaba en plena sequía, una de las más grandes de toda la historia de las islas. Sus habitantes, luchaban por el agua y por poder mantenerse con vida. Unamuno allí conoce a todos los habitantes de Fuerteventura, disfrutando de ellos y sobre todo aprendiendo de ellos.

El escritor llega a la isla con una gran coraza, sigue vistiendo de negro todos los días, su sombrero no se pierde y no se quita los zapatos casi ni para dormir. Poco a poco vamos viendo la evolución del personaje. Como en esos cuatro meses en los que estuvo allí, logró respirar y disfrutar del aire fresco, del paisaje que le rodeaba y de las gentes con las que convivía.

Todo esto nos lleva a un final, en el que atrás queda toda la esperanza, la realidad vuelve y esta vez en el Paraninfo de Salamanca, Unamuno suelta un gran discurso lleno de rabia y de verdad.

Manuel Menchón ha realizado un gran trabajo, vemos perfectamente la evolución del escritor, vemos como en Fuerteventura, que aunque fuera una prisión para él, logró respirar, logró pensar bien las cosas y salir adelante. Mientras que ya en el final de su vida, en su querida ciudad, la ve sitiada, ve que su amada inteligencia era derrotada por ignorantes, y el no puede callarse más, no puede hacer como si nada, le da igual morir, no lo piensa, sino que simplemente utiliza sus palabras como arma.

La escena en el Paraninfo de Salamanca es espectacular, da rabia ver cómo le trataron y no le escucharon, cuando la mayoría eran alumnos suyos. Todos al grito de «Viva la ignorancia» o «Viva la muerte«.

José Luis Gómez nos deja una imagen ejemplar de Unamuno, nos muestra su lado más humano, sus miedos y también su mal carácter. Una gran elección sin duda por parte del director.

En el panorama técnico, la fotografía es perfecta a la par de necesaria para mostrarnos tanto la sequía de la isla, como a su vez toda su belleza. Todo esto acompañado de una banda sonora muy bien llevada.

Como he mencionado, Manuel Menchón ha sabido escoger un buen trozo de historia para traernos de vuelta a Unamuno, una bonita manera de conocer un poco al autor y de que mucha gente conozca su historia.

Ficha técnica

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: La isla del viento Duración: 105 min. País: España. Director: Manuel Menchón. Guión: Dionisio Pérez, Manuel Menchón, José Javier Rodríguez. Música: Santiago Pedroncini. Fotografía: Alberto D. Centeno. Reparto principal: José Luis Gómez, Ana Celentano, Enekoiz Noda, Ciro Miró, Víctor Clavijo, Didier Roussel, Suamira Gil, Fabián Álvarez, Juan Carlos Tacoronte, Pepe Batista, Isidro Morales, Isabel Prinz, Laura Negrin, Ruth Armas, Javier Semprún, Miguel Cubero. Producción: 6M Films/ MGC/ Mediagrama/ Manoneta Cine. Distribución:  Begin Again Films. Género: Drama. Web oficial: http://laisladelviento.com/

Crítica: ‘La llegada’

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Sinopsis

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Cuando una misteriosa nave toca tierra a lo largo de la Tierra, un equipo de élite, liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams), es reclutado para investigar. Mientras la especie humana está al borde de una guerra mundial, Banks y su equipo buscan a contrarreloj respuestas, y de encontrarlas correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente la de la humanidad.

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Crítica

Un planteamiento conocido explorado de diferente manera.

Amy Adams se topa de nuevo con algo alienígena (‘El hombre de acero’), pero no es la única que repite encuentro pues Forest Whitaker también se relaciona de nuevo con una historia de otra galaxia ya que también le veremos en ‘Rogue one: A Star Wars Story’. Al margen de anécdotas, ambos se embarcan, junto a Jeremy Renner, en una historia de ciencia ficción, misterio y eventos extraños. Un trabajo dirigido por Denis Villeneuve que personalmente me da un rayo de esperanza para la futura ‘Blade Runner 2049’.

Si habéis visto el tráiler puede llevaros a engaño ya que puede inducir a pensar es que vais a ver mucha espectacularidad. El CGI no es el mayor punto de esta película, tampoco se adentra en el campo de la acción o del cine bélico. Sí, hay un trabajo de fotografía que en ocasiones puede rememorarnos a ‘2001 una odisea en el espacio’, pero no olvidemos que el director de la cinta es Villeneuve y a él le gusta jugar más con nuestra mente que con nuestros ojos, aunque no se le dé mal ni lo uno ni lo otro. Al igual que la cinta de Kubrick, ‘La llegada’ alcanza un clímax inesperado, pero en este caso estaréis más preparados pues el guión nos mantiene constantemente atentos a la evolución de este peculiar primer contacto. También su banda sonora os sumergirá en un ambiente extraño e incógnito.

Nos podemos comer el coco durante buen rato de la película y encontraremos explicación a todas las cuestiones planteadas, no queda nada en el aire, algo que se agradece. El concepto de esta película de alienígenas es diferente al del cine comercial, no es totalmente nuevo ya que encontramos ejemplos similares, pero si está explorado de diferente modo.

Desde luego el protagonismo y el peso dramático de la película recae en la heterogénea interpretación de Adams. Ella sirve de contrapeso, de baza emocional frente a las referencias científicas. Pero he de admitir la aportación de Renner con el enfoque que va dando a su carrera, que si bien me parecía plagada de actuaciones insulsas va dotándola de mejores actuaciones. En este caso su papel es mucho menos dependiente de la acción física, e irónicamente la física es la especialidad de su personaje.

Esta es una propuesta que se sale de lo convencional siendo modesta, hollywoodiensemente hablando, me ha fascinado y satisfecho. Aunque repite el manido discurso que nos dice que siempre son los yankis los que tiran del carro o se cargan el destino del mundo a sus espaldas. Pese a esto último, ¿tendrán que ver las diferencias del filme con que el director sea canadiense y no estadounidense? Os encontraréis con peculiares naves como hechas de piedra de pizarra, con la forma de un elipsoide de revolución. Tropezareis con un modo de proceder alejado del mundo precipitadamente bélico en el que vivimos. Y os toparéis también con un nuevo orden mundial, pero no me atrevo a decir más pues la película tiene varias cosas que exponeros y desvelaros. La mejor manera de descubrir a qué me estoy refiriendo es aceptar la llamada de ‘La llegada’ e ir al cine a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Arrival. Duración: 116 min. País: EE.UU. Director: Denis Villeneuve. Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang). Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Tzi Ma. Producción: Paramount, FilmNation, Lava Bear Films, 21 Laps Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, thriller. Web oficial: http://www.arrivalmovie.com/

Crítica: ‘Un traidor como los nuestros’

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Sinopsis

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Gail (Naomie Harris) y Perry (Ewan McGregor) son una joven pareja inglesa que durante sus vacaciones en Marrakech entablan amistad con Dima (Stellan Skarsgård), un millonario que resulta ser miembro de la mafia rusa. A cambio de conseguir asilo político en Inglaterra, Dima está dispuesto desvelar todos los secretos de la organización criminal. Perry y Gail pronto se verán atrapados entre la mafia rusa y el Servicio Secreto Británico, envueltos en un juego mortal del que no hay salida.

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Crítica

Un moderado thriller de presiones y traiciones.

John le Carré puede decir que otra de sus obras ha sido llevada a la gran pantalla. Seguro que alguna habréis visto ya que son grandes conocidas: ‘El topo’, ‘El sastre de Panamá’ o ‘El jardinero fiel’. Al igual que en muchas de sus obras, en ‘Un traidor como los nuestros’ nos encontramos un juego de espías, pero en esta ocasión tenemos a unos espías involuntarios sumergidos en una trama de traiciones.

Los personajes de Ewan McGregor y de Naomie Harris son dos civiles normales y corrientes, con sus problemas personales (aquí reflejados sin gran relevancia) y sus aspiraciones en la vida. Tienen la suerte o desgracia de cruzarse con un mafioso ruso (Stellan Skarsgård) que les engancha para cambiar por completo sus vidas.

Ya hemos visto películas semejantes, en las que personas normales y corrientes tienen que trabajar al servicio de su gobierno, sirva de ejemplo ‘9 días’ con Chris Rock y Anthony Hopkins. Aunque con un tono distinto el filme de Susanna White refleja las tensiones que podrían vivir este tipo de personas al adentrarse en un mundo tan radicalmente diferente al suyo.

Este es un thriller con todas las de la ley. Pero no es una película de suspense, en todo momento White y su guionista (Hossein Amini) ponen las cartas sobre la mesa. Tampoco podemos decir que sea una película muy tensa. Con lo que nos distrae es con el desasosiego que sufren sus personajes, con la posibilidad de que todo se trunque a la primera de cambio. Con esto y con la interpretación de Skarsgård, muchísimo más apreciable en versión original gracias al acento ruso que emplea, recordemos que él es sueco. Tanto ese actor como Damien Lewis deberían ser la cabeza de cartel de este filme.

‘Un traidor como los nuestros’ peca de caer en más de un tópico del género pero también nos congratula con una historia ligeramente diferente a las habituales. Realmente la acción es escasa. No se basa en persecuciones o en tiroteos. Se basa en falsedades, tejemanejes y negociaciones. Se centra en exponer como una pareja de civiles es usada como una marioneta manejada por dos titiriteros. Desarrollando aún más esa idea se evidencia como una persona en esa situación puede sufrir tal tensión que los hilos se romperían y surgiría el riesgo de que actuase libremente.

¿Aporta algo nuevo? Es una aleación más del cine de espías y de mafiosos ubicada en un marco actual. Actualidad que está comandada por los bancos y el dinero y que tiene aquí una ligera crítica haciendo casi más hincapié en la corrupción sistémica que sufrimos.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Our kind of traitor. Duración: 107 min. País: Reino Unido. Director: Susanna White. Guión: Hossein Amini (Novela: John le Carré). Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Damian Lewis, Naomie Harris. Producción: The Ink Factory, Potboiler Productions. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial: http://www.ourkindoftraitor-movie.com.au/showtimes

Crítica: ‘Amor y amistad’

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 Sinopsis

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Ambientada en 1790, Amor y amistad (Love & Friendship) cuenta la historia de Lady Susan Vernon. Una bella viuda de la alta sociedad inglesa que viaja hasta la casa de campo de su familia política con la intención de conseguir un marido para su hija.

Adaptación del relato corto de Jane Austen, ‘Lady Susan’.

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Crítica

Un enfoque insólito para una obra de Jane Austen.

Muchos años de trabajo intermitente han llevado al director Whit Stillman a escribir y dirigir su primer guión adaptado. ‘Amor y amistad’ es la filmación que se basa en una novela que Austen escribió pero no llegó a titular, lo haría posteriormente su sobrino bajo el título de ‘Lady Susan’.

Como es de imaginar, Lady Susan (Kate Beckinsale) es la protagonista de esa obra. En el trabajo de Stillman nos encontramos con que no todo se basa necesariamente en ese personaje pero su intervención es constante y a veces secreta. Beckinsale encarna a una dama capaz de manipular desde la discreción, la sutileza, el coqueteo y la circunspección. Ella es una cautivadora y persuasiva mujer que juega a un complejo ajedrez con sus familiares y conocidos.

La obra conserva una gran comicidad, en muchas ocasiones sello de Jane Austen. Al ser una novela inacabada Stillman ha tenido margen para improvisar o modificar a placer. Nos ofrece así una obra personalizada en la que la naturalidad interpretativa de sus actores eleva la calificación del filme. El más gracioso de todos, sin lugar a dudas, es Tom Bennett en el papel de Sir James. Su vis cómica, cercana a la del comediante Ricky Gervais, aporta un tono inusual para una obra surgida a partir de las palabras de Austen. Muy apropiados y acertados todos los matices cómicos de la cinta. Por supuesto el amor y el orgullo son el eje central de la obra, como no podría ser de otra manera.

Tal vez en algunos compases del largometraje suframos una serie de múltiples escenas, fruto de la materialización de las epístolas, que nos resulten excesivamente breves o rápidas. Pero el guión de ‘Amor y amistad’ tiene mucho que admirar ya que parte de un conglomerado de cartas y su construcción no debe de haber resultado sencilla.

El equipo de la película nos traslada a otra época gracias al diseño de producción y la puesta en escena. Tanto las luces empleadas, como el vestuario femenino, como la música barroca (anterior a los años en los que está ambientado el filme) nos hablan de cuál es la atmósfera y los sentimientos que reinan en cada momento.

Esta es una comedia de situación, pero de situaciones de otra época. Posee muchas argucias y sutilezas aderezadas de un humor refinado. No hay que ser muy seguidor de Austen para degustarla pero si ser partidario de este tipo de comedias románticas.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Love and friendship. Duración: 94 min. País: Irlanda. Director: Whit Stillman. Guión: Whit Stillman (Jane Austen, adaptación de «Lady Susan»). Música: Mark Suozzo. Fotografía: Richard Van Oosterhout. Reparto principal: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry, Emma Greenwell, James Fleet, Jemma Redgrave, Jenn Murray, Tom Bennett, Morfydd Clark, Lochlann O’Mearáin, Kelly Campbell, Justin Edwards, Conor MacNeill, Ross Mac Mahon. Producción: Blinder Films, Chic Films, Revolver Amsterdam. Distribución: Avalon Distribución Audiovisual. Género: comedia, romance. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/amor-y-amistad-love-and-friendship

Crítica: ‘El ciudadano ilustre’

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Sinopsis

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Daniel Mantovani es un Premio Nobel de Literatura argentino que vive en Barcelona desde hace décadas. Sus novelas se caracterizan por retratar con crudeza la vida de su pequeño pueblo, al que no ha regresado en 40 años. Un día llega una carta invitándole a recibir la distinción de Ciudadano Ilustre y sorprendentemente decide volver. En el pueblo, a su llegada, no lo reciben con el entusiasmo y cariño que se esperaba.

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Crítica

La gracia de ver a un gran ego en un pequeño pueblo.

Justo ahora que ha surgido el debate por el nombramiento del Nobel de Literatura (Bob Dylan) y el de La Paz (Juan Manuel Santos) vengo a hablaros de un filme que habla sobre un ficticio y también polémico ganador de tan excelso reconocimiento. Daniel Mantovani (Óscar Martínez) es un escritor de renombre que recibe el Nobel de Literatura y da un discurso contestatario en la ceremonia de entrega, haciendo alarde de su fuerte personalidad controvertida. ‘El ciudadano ilustre’ plantea la situación agridulce de alguien que ha tocado techo en su carrera pero que no se siente dichoso ni recibe un reconocimiento unánime. De este modo los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, pareja ha dado luz a títulos como ‘El hombre de al lado’ o ‘El artista’, plantean una situación agridulce y hacen uso de una ironía y un sarcasmo que están presentes durante toda la cinta.

Casi siempre se da por hecho que cuando un autor basa su arte en su ciudad natal, ambos están congratulados, que se sienten orgullosos de ese vínculo al cien por cien, pero ¿y si no es así? El escritor en cuestión vuelve a su tierra natal picado por la curiosidad, se adentra en la senda del reencuentro con su pasado y de la inspiración literaria que le falta, pero no le llega todo del modo que espera. Se nos muestra un pedazo de la Argentina humilde, y campechana. Esta sátira de la cúspide cultural sirve también como un retrato naturalista de esa sociedad latina. Están presentes elementos como el orgullo del hombre rural, el mate, el fútbol, la religión, la incultura… Todo esto choca como un vendaval que se va embraveciendo poco a poco en el sentido contrario al que lleva nuestro escritor, un aburguesado en Europa.

Óscar Martínez, protagonista no solo por su guión sino también por su interpretación, deja patente que está en su elemento. Maneja este tipo de comedia perfectamente. Puede ser capaz de encarnar las tragedias más humanas, como vimos ‘El espejo de los otros’, pero a la vez de hacer uso de un humor reflexivo y mordiente. El otro gran nombre de la película es la española Nora Navas, pero su papel dista de tener mucho peso, es casi anecdótico.

En ‘El ciudadano ilustre’ encontramos una comedia casi negra donde se mezcla la mordacidad con la tragedia. Según nos aproximamos al final de la cinta el drama vence a la comedia, pero género que me viene a la mente tras finalizarla es el de “drama burlesco”.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: El ciudadano ilustre. Duración: 118 min. País: Argentina. Director: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Guión: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Fotografía: Mariano Cohn. Reparto principal: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Marcelo D’Andrea, Gustavo Garzón, Emma Rivera. Producción: Aleph Media, Televisión Abierta, A Contracorriente Films, Magma Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/629/el-ciudadano-ilustre/

Crítica: ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’

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 Sinopsis

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A Sara le gusta planificar y quiere todo salga perfecto para la visita de su novio que lleva un año fuera.  Pero una semana antes de su llegada, la vida de Sara, y su piso, se convierten en un caos. Sus padres al borde del divorcio y una hermana menor a punto de casarse con Aarón, un famoso cantante que resulta ser el amor de instituto de Sara. ¿Qué ha hecho mal para que el karma le devuelva todo esto?

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Crítica

Colores pastel para un pastelazo moderno.

Verónica Echegui ya nos ha demostrado ser una actriz cualificada para despuntar en diferentes registros (‘Yo soy la juani’, ‘Verbo’, ‘Kamikaze’). Aquí hace honor a ese concepto que tenemos de ella incorporando a su currículo el haber interpretado a un bicho raro o peculiar. Lástima que la película de María Ripoll no esté a la altura.

Este es un filme de situaciones surrealistas, en ocasiones llevadas al extremo. La mayor de ellas, la que parece más difícil de creer y esta forzada al límite es la que sucede en la escena final. Reina el humor verde, disparatado y tontorrón. He de reconocer que las pocas veces que se sale de estos calificativos me he reído, pero el resto de gags acaban siendo cargantes. Como mayor representante de este tipo de humor está Alba Galocha que es la que tiene más chistes picantes e incluso ordinarios.

‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’ está basada en una novela éxito de ventas salida de la mente de Laura Norton. Está hilada con la voz en off de la protagonista y posee un diseño de producción muy cuidado y astutamente estudiado. Es moderna y vintage al mismo tiempo, es decir está a la moda y además tiene moda. ¿Qué nos sugiere todo esto? Pues que se ha hecho para simpatizar con una corriente, llámese moderna, cool o hípster que tiene como centro epicentro el madrileño barrio de Malasaña. La película fluye por sus calles y está en boga, pero solo con ambientación no se logra todo.

Cuesta identificarse o empatizar con los protagonistas, salvando a los de Echegui y Jordi Sánchez. El ritmo no está descuidado, aunque no me refiero precisamente al musical ya que está repleta de canciones de rima fácil. Las incoherencias en el guión tampoco están ausentes al igual que algunos fallos de raccord, tanto visual como emocional.

El título está más que justificado. La protagonista sufre las consecuencias de lo que hace o más bien de lo que se deja hacer. Durante todo el largometraje se nos transmite el mensaje de que hay que lanzarse y vivir la vida sin preocuparnos de porque nos pasan las cosas o de a dónde nos llevarán nuestros actos. Es decir, que no seamos gilipollas y no tengamos miedo del karma. Por lo demás yo no sé si no soy moderno o no tengo sentido del humor que ahora es popular, no me parece en exceso graciosa. Al margen de mi gusto personal no me ha parecido tampoco un buen producto cinematográfico.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre. Título original: No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas. Duración: 94 min. País: España. Director: María Ripoll. Guión: Carlos Montero, Breixo Corral. Música: Simon Smith. Fotografía: Pau Castejón. Reparto principal: Verónica Echegui, Álex García, David Verdaguer, Alba Galocha, Jordi Sánchez, Cecilia Freire, Elvira Mínguez. Producción: Zeta Cinema. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, romance.

Crítica: ‘Anomalous’

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 Sinopsis

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David, un joven que padecía una extraña variante de esquizofrenia, ha aparecido muerto en su bañera de forma terrible. Se sentía perseguido y amenazado por una presencia que era incapaz de definir. Todo coherente con su enfermedad. Su psiquiatra, el doctor Friedhoff, consciente de sus escasos progresos, decidió someterle a una novedosa e inusual terapia: que se grabase en vídeo, él mismo, durante una semana. Siete días de su vida normal, cotidiana, tratando de captar esa presencia a través del ojo frío y objetivo de la cámara. El médico pretendía así demostrarle que todo lo que le sucedía no era más que fruto de su imaginación, de su mente alterada y enferma.

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Crítica

Intrigando y sorprendiendo, realmente es anómala.

No son pocas las veces en las que nos encontramos que un producto de menor presupuesto resulta mucho más satisfactorio que las grandes superproducciones. ‘Anomalous’ es uno de esos casos en los que gratamente vemos que no se abusa de los efectos generados por ordenador ni se busca el susto fácil para conseguir mantener atento al espectador.

No es una película de terror, y menos es de esas que se basan solo en los sobresaltos, que algunos tiene. Tampoco penséis que es del estilo ‘Paranormal Activity’ o ‘El proyecto de la bruja de Blair’ por eso de que emplea, solo en parte, el metraje encontrado. Este largometraje es un thriller psicológico a medio camino entre ‘Los límites de la realidad’ y ‘Fringe’. Se une el tema parnormal con un asunto psicológico y policial. Podría ser un relato moderno de Allan Poe por el uso que hace de las triquiñuelas de la mente humana y de lo paranormal.

Tanto el director Hugo Stuven, como los actores Christy Escobar (‘Bindspot’) y Edgar Fox (‘The american west’) están ante su opera prima, en lo que a largometrajes se refiere. Presentan algunas de las pifias de los primerizos, pero pasan bastante desapercibidas ante el buen hacer demostrado tanto en el set de rodaje como en la postproducción. La cinta posee un buen equilibrio entre el rodaje tradicional y el metraje encontrado, del cual no abusa. El diseño de producción tiene muy buena hechura y el ritmo aplicado resulta extraño, opresivo, de manera que consigue incomodar al espectador tanto o más de lo que están alguno de los personajes. Ofrece constantemente vistas contrapuestas, va cerrando los planos y juega con los sonidos para poco a poco crear un ambiente cada vez más pesado e incómodo. Con estas técnicas y con todas las intrigas que va generando el guión, consigue que la duda del culpable sea también la duda del espectador.

Antes de cerrar esta crítica no puedo evitar señalar el cuidado trabajo de Lluis Homar haciéndonos viajar por la evolución de un personaje elaborado y que tiene que mostrar varias caras. Muy bien en eso de mantener el tipo, muy fría Christy Escobar, con un carácter bastante similar al que originalmente tenía Olivia Dunham en Fringe, la serie de J.J. Abrams. Y dicho sea de paso muy teatral el papel de Edgar Fox haciendo de esquizofrénico, teniendo que realizar la difícil tarea de actuar prácticamente siempre solo fingiendo estar con alguien.

Si tuviese que definirla con una sola frase, excluyendo el titular empleado, sería: óptima para los fans del misterio y de lo oculto.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre 2016. Título original: Anomalous. Duración: 96 min. País: España. Director: Hugo Stuven. Guión: Hugo Stuven, David Zurdo, Fernando Acevedo. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Lluis Homar, Christy Escobar, Edgar Fox, Adria Arjona, Ben Temple. Producción: Numérica Films, Visiona Tv. Distribución: World Line Cinema. Género: thriller psicológico, fantástico. Web oficial: www.facebook.com/AnomalousTheMovie/

Crítica: ‘Jack Reacher: nunca vuelvas atrás’

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Sinopsis

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Jack Reacher, ex policía militar, regresa de nuevo al cuartel general de su antigua unidad para reunirse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) pero ésta ha sido arrestada por traición y encarcelada. Reacher, sabiendo que es inocente, le ayudará a escapar de la cárcel para finalmente destapar la verdad detrás de una gran conspiración del gobierno que incluye el asesinato de soldados. Basada en la obra de Lee Child, «Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás» que supone su décimo octava novela de la serie de bestsellers sobre Jack Reacher y que ha vendido más de 100 millones de libros en todo el mundo.

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Crítica

Compro al Smulders el resto te lo quedas.

‘Jack Reacher’ surgió hace cuatro años para devolvernos al Tom Cruise más luchador y fuera de la ciencia ficción de los últimos años, al margen de su Ethan Hunt de ‘Misión Imposible’. Edward Zwick (‘El caso Fisher’) ha cogido el relevo de Christopher McQuarrie (‘Misión Imposible: nación secreta’) y lo cierto es que me cuesta decidir quién ha hecho mejor o peor trabajo. Lo que sí que es seguro y obvio es que al libreto se ha mantenido al mismo responsable, Lee Child, que intenta crear saga cinematográfica con este segundo trabajo basado en sus novelas. Si tengo claro que en conjunto la primera parte fue mejor y que consiguió intrigarme más desde el comienzo con la escena del francotirador. Dentro de lo que hoy clasificamos como “cine palomitero” están tanto la película del 2012 como la que se estrena este año. Peleas, disparos, persecuciones, explosiones… lo clásico en una película de acción.

En esta ocasión el personaje de Cruise tiene un cariz más humano, menos impasible y calculador. Este trotamundos que parece pertenecer al Equipo A sigue haciendo justicia a mamporro limpio y procurando no dejar huellas. Usa menos el arte marcial del Keysi y ese es otro atractivo perdido, aunque las coreografías de las peleas siguen siendo buenas y los tiroteos bastante convulsos.

Probablemente para aportar una variable más impredecible en la vida de este cuidadoso exmilitar se incluye al personaje de Danika Yarosh, que tiene un registro muy diferente al que le vi en ‘Heroes Reborn’ o al de ‘Shamless’. Su inclusión me parece bastante poco meditada y su relevancia es rebatible. El otro rol femenino importante de la película si está planteado de un modo bastante más consistente. Cobie Smulders se postula como una de las nuevas heroínas del cine de acción tras este trabajo y lo que la hemos visto anteriormente como agente de S.H.I.E.L.D. Tiene todas las características para poder protagonizar una cinta como protagonista y ofrecernos algo disfrutable, revindicando así el papel de la mujer dentro de este género. Esta película podría haber llevado también el nombre de su personaje, algo así como ‘Reacher y Turner’. Aldish Hodge, Patrick Heusinger y Robert Knepper completan un reparto bastante consistente para el menester de este filme.

Habrá discusión sobre si esta entrega es más o menos inconexa que la anterior, pero me parece indiscutible que ambas se hacen muy pesadas de seguir con su duración que ronda las dos horas. Tiene las incongruencias de las películas de este género que a mí personalmente me suelen parecer descuidos que demuestran una carencia total de afecto e interés por el producto final.

Pese a carecer de declaración de intenciones funciona bien como película de acción y sirve como película independiente de la otra. Este filme, que digamos que sigue la estela de otras sagas como el Borune de Matt Damon, podría tener sus continuaciones, sobre todo si se la sigue produciendo el propio Cruise.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: Jack Reacher 2: Never go back. Duración: 118 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Richard Wenk, Marshall Herskovitz, Edward Zwick. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Aldis Hodge, Sue-Lynn Ansari, Teri Wyble, Holt McCallany, Robert Knepper, Tilton Lipoma, Madalyn Horcher, Michael Papajohn, Patrick Heusinger. Producción: Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jackreacher.es/